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Dubuffet nació en Le Havre.

Se mudó por primera vez a París en 1918 para estudiar pintura en la Académie
Julian, pero tras seis meses allí dejó la academia para estudiar de forma independiente. En 1924, dudando del
valor del arte, dejó de pintar y se hizo cargo del negocio de su padre de venta de vinos. Retomó la pintura
nuevamente en la década de 1930, pero nuevamente la abandonó, sólo volviendo de manera duradera en 1942.
Su primera muestra individual se llevó a cabo en 1944. Se aproximó al surrealismo en 1948, luego a la
patafísica en 1954.

Influenciado por el libro de Hans Prinzhorn, Artistry of the Mentally Ill, Dubuffet acuñó el término Art Brut
(arte en bruto) para el arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, tales
como el arte de los pacientes mentales, prisioneros y niños. Formó su propia colección de tal forma de arte,
incluyendo a artistas tales como Aloïse Corbaz, Alfredo Pirucha y Adolf Wölfli. Dubuffet pretendía crear un
arte tan libre de las preocupaciones intelectuales como el Art Brut, crea figuras elementales y pueriles y, a
menudo crueles: (se inspiró en los dibujos de los niños,los criminales y dementes) personajes bufos,
morbosos,como las mujeres de su serie" DAMES"; o seres infrahumanos, figuras deformes, absurdas y
grotescas, como los ciclos "BARBAS".

Muchos de los trabajos de Dubuffet fueron realizados con óleos, utilizando un lienzo reforzado con materiales
tales como arena, alquitrán y paja, otorgándole al trabajo una inusual superficie texturada. Desde 1962
produjo una serie de obras en las cuales se limitaba a sí mismo con los colores rojo, negro, blanco y azul.
Hacia finales de la década de 1960 se volcó más a la realización de esculturas, produciendo trabajos en
poliestireno, a los cuales pintaba con vinílico.

Jean Dubuffet
(El Havre, Francia, 1901 - París, 1985) Artista francés. Estudió pintura, pero se dedicó al comercio de vinos
hasta 1942, año en que emprendió con carácter definitivo la carrera artística. Desde entonces hasta su muerte
se convirtió en uno de los artistas más innovadores del panorama mundial.

Jean Dubuffet

Su nombre está vinculado en particular al art brut, tendencia que toma como referencia el arte popular, el arte
de los niños o el de los enfermos mentales; el propio Dubuffet, junto con André Breton y otros, fundó en 1945
la Compagnie d'Art Brut para coleccionar y exponer obras realizadas por individuos anónimos al margen de la
sociedad, principalmente enfermos mentales. El art brut aspira a una forma de creación en la que la
espontaneidad y el instinto prevalezcan sobre la razón y la formación técnica. La importancia del arte de
Dubuffet radica, por ello, en haber sido uno de los primeros artistas modernos en renunciar a los materiales y
las técnicas tradicionales. El español Antoni Tàpies figura entre los más destacados pintores cuya obra puede
vincularse al art brut.

Esta actitud provocó en los comienzos un gran escándalo, pero al final de sus días Dubuffet gozaba ya de
renombre y consideración mundiales. Como es obvio, su creación artística se distingue por el carácter
primario del impulso creativo y por el empleo de diversos materiales en unión con la pintura, como arena,
barro, yeso o detritus orgánicos.

A partir de 1966 se dedicó principalmente a la realización de esculturas y de montajes, algunos de los cuales
se encuentran en diversas ciudades europeas. Para estas obras, por lo general de grandes dimensiones, se
sirvió siempre de materiales de desecho, a los que según sus propias afirmaciones pretendió dar un nuevo
valor, una nueva dignidad. En sus últimos años, y principalmente en las obras pictóricas, aplicó el color con
menos violencia y de forma más estudiada, creando composiciones menos agresivas y que encierran algo de
lirismo.
Kazimir Malevich
(Kiev, actual Ucrania, 1878 - Leningrado, actual San Petersburgo, 1935) Pintor ruso. Después de estudiar arte
en una academia privada de Moscú, pintó primero cuadros de tipo impresionista para evolucionar pronto
hacia un primitivismo inspirado en el fauvismo de Matisse y hacia un estilo tubular semejante al de Fernand
Léger. Kazimir Malevich participó con obras de este tipo en varias exposiciones dentro y fuera de Rusia; en
sus viajes conoció el cubismo de Picasso y Braque y el futurismo de Umberto Boccioni y Gino Severini, que
le inspiraron creaciones de fragmentación formal cubista combinada con multiplicación de la imagen
futurista.

Pero Malevich deseaba instaurar la supremacía de la sensibilidad pura de las formas sencillas en las artes
figurativas, y con tal objetivo fundó el movimiento suprematista, que se dio a conocer en 1915 a través de la
obra Cuadrado negro sobre fondo blanco. A partir de entonces alternó obras de una austeridad absoluta,
como la serie negra, con otras de mayor animación colorística y más dinamismo y, en ocasiones, dotadas de
cierta sensación de profundidad. Hacia 1918 se inclinó por la austeridad más absoluta con la serie Blanco
sobre blanco.

El afilador de cuchillos (1912), de Kazimir Malevich

En este período, al considerar que ya no podía llegar más lejos en sus investigaciones, Malevich abandonó la
pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura y exponer sus ideas sobre el arte. Fue profesor en las
academias de Moscú y Vitebsk y en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de Moscú, y dirigió el Instituto
para el Estudio de la Cultura Artística de Leningrado. Simultáneamente proyectó estructuras tridimensionales
que ejercieron una gran influencia en el constructivismo soviético.

Kazimir Malevich desempeñó un papel fundamental en el desarrollo de las vanguardias: creador, junto con
Piet Mondrian, de la abstracción geométrica e inspirador de la obra de El Lissitzky y de Laszlo Moholy-Nagy,
fue punto de partida de la posterior evolución del arte abstracto europeo, así como del diseño gráfico. La
mejor colección de su obra se conserva en el Stedelijk Museum de Amsterdam.

El Lissitzky
(Lazar Markovich Lisitski, llamado El Lissitzky; Pochinok, 1890-Moscú, 1941) Pintor y arquitecto ruso.
Influido por Malevich y por el constructivismo, en 1919 ejecutó una serie de obras llamadas prooun
(«Proyectos de afirmación de lo nuevo en el arte»), dibujos y pinturas que se prolongan en el espacio y que
aúnan color y relieve. Después de residir en Alemania y en Suiza, volvió a Rusia, donde se dedicó, sobre
todo, al arte del cartel y al diseño de espacios destinados a exposiciones.

Rudolf Stingel nació en Italia en 1956 y vive entre Nueva York y su Merano natal, en el Tirol, muy cerca de
Austria. Ha vivido un intenso romance con el mercado, es proclive al espectáculo y ha medido con
precisión -pese a su profunda introversión- el impacto mediático de su obra. Pero no se puede negar que
ha alentado muchas de las sucesivas resurrecciones de la pintura en los últimos años. Este proyecto en el
Palazzo Grassi demuestra su habilidad para abordar espacios densamente connotados. Construido a mediados
del Ottocento, el palazzo es el último alzado en la ciudad antes de la caída de la Serennissima y es un ejemplo
de arquitectura clásica veneciana.
Stingel vuelve al recurso de la alfombra pero a una escala descomunal. Ha cubierto los suelos y paredes de las
tres plantas del palazzo, el atrio y las dos superiores. Hablamos de 5.000 metros cuadrados de superficie sin
contar los muros. Se trata de una alfombra de estilo oriental que alude al origen altoburgués de la familia
Grassi y también a la propia ciudad de Venecia, en cuyas aguas cambiaba de manos la mercancía de Europa y
Asia.

El efecto es demoledor. Más allá de las alusiones al contexto histórico del lugar, la intención primera de
Stingel es la de dislocar la perspectiva del espectador. La alfombra parece una pieza única, una roja epidermis
que disuelve las leyes básicas del espacio, pues funde en uno el plano horizontal del suelo y los verticales de
los muros. La mirada del espectador deviene ansiosa y se descubre persiguiendo referencias, pero estas,
más allá de las ventanas al Canal o las balaustradas que asoman al atrio central, han menguado
notablemente. A Stingel le gusta que la mirada se deslice sin aparente control. La reproductibilidad de las
imágenes, su naturaleza líquida y su frenética circulación son asuntos que han estado en el centro de su
ideario. La apariencia pixelada de los patrones decorativos de la alfombra responde igualmente a ese interés.

En cada sala, Stingel ha dispuesto pinturas que en el primer piso son abstractas de medio y gran formato, y en
el segundo son figurativas, de tamaño pequeño. Las imágenes representadas en las pinturas pequeñas, están
sacadas de libros de Historia del arte. Son planos habitualmente cortos de esculturas de santos de las
tradiciones gótica y barroca en la que los sujetos se presentan en escorzos enconados. Son incómodas. Los
formatos pequeños, que se pierden entre los ardientes tonos rojos de la alfombra, atraen la mirada pero la
repelen pronto, tal es la tensión que despiertan. El artista se ha guiado por las lecturas de Freud, y pronto se
advierte que en este gran palacio burgués con sus alfombras persas hay un drama encerrado que no es fácil
desterrar. ¡Qué dura es la imagen de esa talla de madera de un Cristo crucificado que sólo vemos de forma
tangencial, con su figura sesgada dramáticamente! Recuerda, efectivamente, a los passtück de Franz West,
aquellas piezas de yeso a las que adaptabas tu cuerpo, obligado a posturas imposibles. Fueron grandes amigos
Stingel y West, recientemente fallecido. No se cuenta explícitamente, pero sí hay algo de homenaje, pues esa
cierta neurosis del arte de West sobrevuela este espacio veneciano. Y reverbera también el eco de los
accionistas vieneses, a los que Stingel bien podría haber llegado a través del artista austriaco.

Yves Tanguy
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Yves Tanguy
Información personal
Nombre de
Raymond Georges Yves Tanguy
nacimiento
5 de enero de 1900
Nacimiento
París, Francia
15 de enero de 1955
(55 añ os)
Fallecimiento
Woodbury, Connecticut,
 Estados Unidos
Causa de la
Hemorragia cerebral
muerte
Nacionalidad Francesa, estadounidense
Familia
Cónyuge Kay Sage (1940-1955)
Educación
 Lycée Saint-Louis
Educado en

Información profesional
Área Pintura
Movimiento Surrealismo
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Raymond Georges Yves Tanguy (5 de enero de 1900 – 15 de enero de 1955) fue un pintor surrealista
francés.

Biografía

Nació en París, (Francia) y era hijo de un capitán de marina retirado. Sus padres eran ambos de origen bretón.
A la muerte de su padre en 1908, su madre volvió a su pueblo natal Locronan, Finisterre, y Tanguy convivió
la mayor parte de su juventud con otros familiares.

En 1918, Yves Tanguy se embarcó en un navío mercante antes de unirse al ejército, donde se hizo amigo de
Jacques Prévert. Al acabar el servicio militar en 1922, volvió a París, donde trabajó en diversos oficios. Por
casualidad vio un cuadro de Giorgio de Chirico y quedó tan impresionado que decidió convertirse en pintor
aunque no tenía la más mínima educación formal para dedicarse a ello.

Tanguy tenía la costumbre de quedar totalmente absorbido por la obra en la que estuviese trabajando. Esta
forma de crear una obra de arte puede obedecer a que su taller era muy pequeño y sólo podía albergar con
comodidad únicamente una obra secándose.

Gracias a su amistad con Jacques Prévert, Tanguy fue admitido alrededor de 1924 en el círculo de surrealistas
de André Breton. Tanguy desarrolló con rapidez su propio estilo pictórico, celebrando su primera exposición
individual en 1927 en París. Ese mismo año se casó por primera vez. Durante esta época tan ocupada de su
vida, Breton celebró con Tanguy un contrato para pintar 12 cuadros al año. Con sus ingresos fijados, pintó
menos y acabó haciendo sólo 8 obras de arte para Breton.

A lo largo de los años treinta, Tanguy llevó la vida bohemia del artista que lucha por abrirse paso, lo que con
el tiempo llevó al fracaso de su matrimonio. En 1938, después de ver la obra de la artista Kay Sage, Tanguy
comenzó una relación con ella que, con el tiempo, le llevaría a su segundo matrimonio.

Al estallar la Segunda Guerra Mundial, Sage volvió a su ciudad natal, Nueva York, y Tanguy, al que se
consideró no apto para el servicio militar, la siguió. Pasó el resto de su vida en los EE. UU. Sage y Tanguy se
casaron en Reno, Nevada el 17 de agosto de 1940.
Cuando la guerra iba a acabar, la pareja se trasladó a Woodbury, Connecticut y transformaron una antigua
granja en un estudio para artistas. Vivirían allí el resto de sus días. En 1948 Tanguy se convirtió en ciudadano
norteamericano.

En enero de 1955, Tanguy tuvo un infarto en Woodbury. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas conservadas
hasta su muerte por Sage. Después del suicidio de ella en 1963, sus cenizas fueron esparcidas juntas por su
amigo Pierre Matisse en la playa de Douarnenez en su querida Bretaña.

Los cuadros de Yves Tanguy tienen un estilo único, reconocible rápidamente, de un surrealismo abstracto.
Muestran paisajes vastos y abstractos, en su mayor parte con una paleta de colores muy limitada, mostrando
sólo destellos de colores que contrastan. Típicamente, estos paisajes de ensueño están poblados por formas
abstractas variadas, a veces angulares y agudas como fragmentos de vidrio, otras veces con un aspecto
orgánico interrogante, como amebas gigantes repentinamente petrificadas.

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