Está en la página 1de 24

LA MUSICA

Participantes:DOCTA O
 Pablo Jiménez Rojas
SELECTA
 Ariana Ricaldez
Villarroel
 Carlos Heredia Espinoza
MUSICA DOCTA O SELECTA
¿Qué es?

Es la música culta compuesta en el periodo clásico, que no es ni popular ni folklórica, que


se desarrolló a mediados del siglo XVII hasta principios del XIX.

Es la recreación de composiciones u obras de la música universal donde su autor debe ser


conocido y requiere de transmisión escrita y aprendizaje académico.

Es lo q se conoce como música contemporánea, del siglo XX a la actualidad. Como


mencionamos, el público en general se inclina por los periodos barrocos al romántico por
ser accesibles y agradables a la audición.

Afortunada mente la buena música nunca pasa de moda podremos disfrutar siempre de
recreaciones de las composiciones de estos tiempos pasados

Algunos consideraban que un nivel de conocimiento de las obras de la música clásica es


parte de una buena cultura general.

ORIGENES

La música docta surge en Europa como una expresión artística y cultural. Sus inicios escritos se
remontan a la época MEDIEVAL, pero también están presentes otras varias culturas como Egipto,
Mesopotamia y la Antigua Grecia ya que los romanos dieron poca importancia a la música desde la
que fue evolucionando a través de numerosas y heterogéneas épocas, hasta la época contemporánea.

La definición de este tipo de música se basa en la contraposición de la música popular y toda


aquella música generada de manera académica. La música docta también se conoce como música
académica o música culta pero, se dejó de usar esa expresión porque implicaría considerar la música
popular como “inculta”. la música de este tipo es estudiada, y requiere de instrucción formal en la
notación musical y en la técnica específica de cada instrumento. Una de las características
principales de la música docta es que posee una tradición musical escrita que contiene las
indicaciones técnicas para poder interpretar la obra, lo que ha permitido que se preserve a través del
tiempo a diferencia de la música transmitida oralmente.

PERIODOS HISTORICOS

En un sentido historiográfico, la música clásica se divide en varios periodos: música antigua o


medieval, que abarca el periodo comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400); la
música renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con desarrollo del arte barroco
(1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia de la música y la musicología, es a veces
llamado «música clásica»;2 el Romanticismo (1800-1910); y la música contemporánea
RENACIMIENTO

Las características estilísticas que definen la música renacentista son su textura polifónica, que
sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano.

La mayoría de obras fueron escritas para ser cantadas a cappella (para las voces de capilla o coro).

La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante el periodo de la Edad
Media, esto es, aproximadamente entre la Caída del Imperio romano de Occidente en 476 y el siglo
XV,

BARROCO.

La música barroca o música del Barroco es el estilo musical europeo, relacionado con la época
cultural homónima, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la ópera en torno a 1600
hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente
llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la
música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la
barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto y la ópera.

Se llama música barroca a la que se componía aproximadamente entre el 1600 hasta el 1750. Se
caracteriza sobre todo por el comienzo y desarrollo de la armonía tonal, y por el contrapunto. Se
busca el contraste forte-piano (fuerte-suave).

CLASICISMO

Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820
por compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.
Coincide con la época cultural y artística (en la arquitectura, la literatura y las demás artes) hoy
denominada Neoclasicismo. Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y,
sobre todo, Viena. Se caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la
consolidación de la tonalidad plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía,
sonata, cuarteto...).

En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados
sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco);
por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo".

ROMANTICISMO.
En la música, el Romanticismo fue un período que transcurrió, aproximadamente, entre los años
1810 y la primera década del siglo XX, y suele englobar toda la música escrita de acuerdo a las
normas y formas de dicho período.

El Romanticismo musical es un período de la música académica que fue precedido por el


Clasicismo y seguido por el Impresionismo. Está relacionado, por supuesto, con el Romanticismo
en otras disciplinas: la corriente de cambios en Literatura, Bellas Artes y Filosofía, aunque suele
haber ligeras diferencias temporales dado que, el Romanticismo en aquellas Artes y en la Filosofía,
se suele reconocer entre los años 1780 y 1840.

La música romántica decide dejar atrás las equilibradas estructuras clásicas, es porque los
compositores románticos consideran que a través de estas no se pueden expresar directamente a
través de la música, lo que los lleva también a buscar nuevos recursos.

En primer lugar, una armonía sumamente enriquecida en comparación con los movimientos
anteriores, en los cuales es usual y constante el cambio de tonalidad. La música es sumamente
expresiva, con un carácter bien definido.

ESTILOS MUSICALES:

1. Repetición por Secciones o Simétrica

-Forma en dos partes

Algunos de los posibles tipos de composiciones binarias incluyen:

AA

AB

-Forma en Tres Partes

-La forma ternaria

-Rondó

-Libre disposición de las Formas:

2. Repetición Por Variación


-Basso Ostinatto:

-Passacaglia

-Chacona:

-Tema de Variaciones

3. Repeticiones por tratamiento fugado o basadas en repetición

-Canon, elcanon se pueden clasificar como:

#Canon Circular:

#Canon Espiral

#Canon al Inverso

-Invención

-Fuga

#Contra-Fuga

#Fuga Permutada

-Concerto Grosso

-Preludio de Coral

-Motetes y Madrigales

4. Repetición Por Desarrollo o Elaboración Temática

-Sonata
-Estructura de la Sonata

5. Formas Libres

-Preludio

-Poema Sinfónico

Compositores o interpretadores de la música docta

Ludwig van Beethoven


Ludwig van Beethoven (Bonn, Sacro Imperio Romano Germánico, 16 de diciembre de
1770 – Viena, Imperio austríaco, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de
orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca,
cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del
romanticismo musical.
Considerado el último gran representante del clasicismo vienés
(después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang
Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer diversidad de obras
musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos
géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su
popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente
significativo en sus obras para piano y música de cámara.
Su producción incluye los géneros pianísticos (32 sonatas para
piano), de cámara (16 cuartetos de cuerda, 7 tríos, 10 sonatas para
violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (5
conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta) y
orquestal (9 sinfonías, oberturas, etc.), así como el ciclo de las
Nueve Sinfonías, entre ellas la Tercera Sinfonía, también llamada
Eroica,2 en mi♭ mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor
(cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von
Schiller en 1785).
Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era


Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart,[
(Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena,
Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y
pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado
como uno de los músicos más influyentes y destacados de
la historia.
La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de
su época y alcanza más de sinfónica, concertante, de
cámara, para piano, operística y coral, logrando una
popularidad y difusión universales.
En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró
una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos
de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya
componía obras musicales y sus interpretaciones eran del
aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los
diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le
llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica.
Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió
instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de
pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus
sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de
su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría
de mito.
En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente
de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz
y la elegancia, a la oscuridad y la pasión todo bien fundado por una visión de humanidad
«redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto.Su
influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven
escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn
escribió que la posteridad no verá tal talento otra vez en cien años.
Antonio Vivaldi

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 -


Viena, 28 de julio de 1741) fue un compositor y músico
del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de
la música occidental y de la música universal, su
maestría se refleja en haber cimentado el género del
concierto, el más importante de su época.
Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser
sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770
obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46
óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por
ser el autor de la serie de conciertos para violín y
orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del
ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e
dell'inventione", tiene una importancia capital por
suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli,
establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el
Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la
melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento
según las reglas de la armonía.
Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach (IPA /joˈhan/


o /ˈjoːhan zeˈbastjan ˈbax/ en alemán)
(Eisenach, Turingia, 21 de marzo de
1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750)
fue un organista, clavecinista y
compositor alemán de música del
Barroco, miembro de una de las
familias de músicos más
extraordinarias de la historia (con más
de 35 compositores famosos y
muchos intérpretes destacados).
Su reputación como organista y
clavecinista era legendaria, con fama
en toda Europa. Aparte del órgano y
del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran
improvisador de la música de renombre.
Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música
clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de
Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El
arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor,
las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para
violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales.
Niccolò Paganini

(Génova, 1782-Niza, 1840) Violinista, guitarrista y


compositor italiano. Rodeado de una aureola mefistofélica
por sus propios contemporáneos, asombrados ante su
dominio del instrumento y su vida desordenada y
aventurera, Paganini fue el violinista por antonomasia del
romanticismo. Niño prodigio, antes de cumplir los catorce
años dominaba ya todos los secretos del violín, al extremo
de que sus profesores reconocían no tener nada más que
enseñarle. La gira que emprendió en 1828 por ciudades
como Viena, Praga, Varsovia y Berlín lo consagró como el
mejor violinista de su tiempo, capaz de extraer al
instrumento músico sonidos y efectos inconcebibles. Su
estilo brillante y, en ocasiones, efectista, desarrolló de
manera considerable las posibilidades técnicas del violín,
explorando diversos recursos como las triples cuerdas,
glissandi, pizzicati y arpegios, explotados en sus propias
composiciones en las que destacan los Veinticuatro
caprichos para violín solo Op. 1 (1818), seis conciertos
para violín y orquesta, nueve Cuartetos para guitarra y
arcos (1806-1816) y piezas como La danza de las brujas (1813) y Tarantella (1830).
Frédéric Chopin

Fryderyk Franciszek Chopin (Szopen) [nota 1] (en francés,


Frédéric François Chopin,[nota 2] Żelazowa Wola, Polonia,
22 de febrero[nota 3] o 1 de marzo[1] [2] de 1810 — París,
17 de octubre de 1849) fue un compositor y virtuoso
pianista polaco. Es considerado como uno de los más
importantes de la historia. Su perfecta técnica, su
refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido
comparadas históricamente con las de Johann Sebastian
Bach, Franz Liszt y Ludwig van Beethoven por su
perdurable influencia en la música de tiempos posteriores.
La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en
su estado más puro.

Piotr Ilich Chaikovski


 fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es
autor de algunas de las obras de música clásica más
famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets
El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la
obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para
piano, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética) y la
ópera Eugenio Oneguin.
a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad
musical que mostró. En contra de los deseos de su familia,
decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al
Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865.
La formación que recibió, formal y orientada al estilo
musical occidental, lo apartó del movimiento
contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de
los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes
compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo
una relación profesional y de amistad a lo largo de su
carrera.
Mientras se desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió
música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música
instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo
mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis
personales y periodos de depresión. Como factores que contribuyeron a esto, pueden
mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su
desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en
su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio
de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por
parte del Zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo
el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero
algunos lo atribuyen a un suicidio.
A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces
duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como
compositor de importancia es hoy en día segura,y ha desaparecido por completo el desdén
con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su
música como vulgar y falta de pensamiento.
Johann Strauss

Johann Strauss II (en alemán: Johann


Strauß Sohn, Johann Strauß hijo) (25 de
octubre de 1825, St. Ulrich, Viena - 3 de
junio de 1899, Viena) fue un compositor
austriaco conocido especialmente por sus
valses, como El Danubio Azul. Hijo del
compositor Johann Strauss I y hermano de
los compositores Josef Strauss y Eduard
Strauss, Johann II es el más famoso de la
familia Strauss. Fue conocido en su vida
como "el rey del vals" y a él se debe en
gran medida la popularidad del vals en la
Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de
entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo. Sus obras gozan de mayor
popularidad que las de sus predecesores, como su padre y Josef Lanner. Algunas de sus
polcas y marchas son también muy conocidas, así como su opereta Die Fledermaus (El
Murciélago).
Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel  23 de febrero de 1685 –


Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor de
origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés,
considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los
más influyentes compositores de la música occidental y
universal. En la historia de la música, es el primer
compositor moderno en haber adaptado y enfocado su
música para satisfacer los gustos y necesidades del
público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas,
como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry


Purcell,marcó toda una era en la música inglesa siendo el
compositor más importante entre Purcell y Elgar en
Inglaterra. Es el primer gran maestro de la música basada
en la técnica de la homofonía y el más grande dentro del
ámbito de los géneros de la ópera seria italiana y el
oratorio.
Franz Schubert

Franz Peter Schubert (Viena, 31 de enero de


1797 – ibídem, 19 de noviembre de 1828) fue un
compositor austriaco, considerado como uno de
los continuadores del Romanticismo musical
iniciado por Beethoven. Gran compositor de
lieder (breves composiciones para voz y piano,
antecesor de la moderna canción), así como de
música para piano, de cámara y orquestal.[1Uno
de los principales músicos austriacos que vivió a
comienzos del siglo XIX; fue el único nacido en
la que fue capital musical europea a fines del
siglo XVIII y principios del XIX: Viena. Vivió
apenas treinta y un años, tiempo durante el cual
consiguió componer una obra musical excelente por su gran belleza e inspiración. Su
talento creció a la sombra de Beethoven, a quien admiraba; murió un año después que su
ídolo. No fue reconocido en vida: después de su muerte su arte comenzó a conquistar
admiradores. Escribió más de seiscientos lieder, de los cuales gran parte, después de su
muerte, quedaron inéditos.
Manuel de Falla

Manuel de Falla y Matheu (Cádiz, España, 23


de noviembre de 1876 - Alta Gracia,
Argentina, 14 de noviembre de 1946) fue un
compositor romántico español. Con Isaac
Albéniz y Enrique Granados, es uno de los
músicos más importantes de la primera mitad
del siglo XX en España.
Manuel de Falla, disfrazado, en 1883.
Manuel María de los Dolores Falla y Matheu
nació el 23 de noviembre de 1876 en el
domicilio familiar de la Plaza de Mina número
3 en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco
y de María Jesús Matheu y Zabala. Recibió
sus primeras lecciones de solfeo de mano de su madre, intérprete de piano, y su abuelo. A
los 9 años de edad continuó sus estudios musicales con una profesora de piano llamada
Eloísa Galluzo. Además su nodriza le enseñó nanas y canciones populares que dejaron
huella en él. En 1889 prosiguió sus estudios de piano con Alejandro Odero y aprendió
armonía y contrapunto con Enrique Broca. A los quince años sus intereses eran
principalmente la literatura y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista
literaria "El Burlón" y en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que
terminó dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron,
entre otras, obras de Edvard Grieg sintió, según sus propias palabras, que su "vocación
definitiva es la música".
Richard Wagner

Wilhelm Richard Wagner , fue un compositor,


director de orquesta, poeta, dramaturgo y teórico
musical alemán. Su figura ha pasado a la posteridad
principalmente por sus óperas (también calificadas
como «dramas musicales») en las que, a diferencia
de otros grandes compositores, asume también la
escenografía y el libreto.
Las obras de Wagner, particularmente las de su
última etapa (que se corresponde con la etapa
romántica de su vida), destacan por su textura
contrapuntística, riqueza cromática, armonía y
orquestación, y un elaborado uso de los leitmotivs,
temas musicales asociados a caracteres específicos o
elementos dentro de la trama. Wagner fue pionero en
varios avances del lenguaje musical, tales como un
extremo cromatismo (asociado con el color orquestal) o el cambio rápido de los centros
tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música docta europea.
Transformó el pensamiento musical a través de la idea de Gesamtkunstwerk (obra de arte
tota), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas queda plasmada
en su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Wagner incluso hizo construir su
propio teatro de ópera para escenificar estas obras del modo en que él las imaginaba.
Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (pronunciado (31 de marzo de


1732 – 31 de mayo de 1809) fue un compositor
austriaco de música clásica. Es uno de los máximos
representantes del periodo clasicista, además de ser
conocido como el «Padre de la sinfonía» y el
«Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus
importantes contribuciones a ambos géneros.
También contribuyó en el desarrollo instrumental
del trío para piano y en la evolución de la forma
sonata.
Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló
gran parte de su carrera como músico de corte para
la rica y aristocrática familia Esterházy de Hungría.
Aislado de otros compositores y tendencias
musicales hasta el último tramo de su vida, estuvo,
según dijo, «forzado a ser original».En la época de
su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.
Era hermano de Michael, que también fue considerado un buen compositor, y de Johann
Evangelist, un tenor. Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus Mozart y fue
profesor de Ludwig van Beethoven. El listado completo de las obras del compositor se
puede consultar en el catálogo Hoboken, sistema de ordenación creado por Anthony van
Hoboken.
Claude Debussy

Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-


en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 -
París, 25 de marzo de 1918) fue un
compositor francés.Era hijo de Manuel-
Achille Debussy y Victorine Manoury.
Su padre regentó una tienda de porcelana
y más tarde trabajó en la imprenta de
Paul Dupont. Llegó a capitán de la
guardia nacional al servicio de la
Comuna y fue condenado por ello a
cuatro años de prisión, de los que
cumplió el primero. Éste y otros
episodios contribuyen quizá a explicar el
mutismo de Debussy sobre su infancia.
Aunque en ocasiones se ha calificado a
sus padres de modestos empleados sin
ambiciones culturales o impulsos
artísticos, esta idea no parece cierta. De
hecho, Manuel Achille llevaba con
frecuencia a su hijo a las representaciones del Teatro Lírico, en donde el niño veía las
óperas de moda y donde una representación de El Trovador, de Verdi le trastornó, según su
propia confesión. En algunas estancias en Cannes, en casa de su querida tía y madrina
Clementina Debussy, recibió sus primeras lecciones de piano en 1870 y 1871. Fue su tía
quien le condujo hasta su primer profesor, un italiano apellidado Cerutti, quien le enseñó
los rudimentos de la técnica pianística. Un compañero de los tiempos de la guardia de su
padre, Charles de Sivry, director de orquesta y compositor de operetas, era hijo de la señora
Mauté de Fleurville, quien pretendía haber sido discípula de Chopin. Madame Mauté de
Fleurville lo preparó durante un año para afrontar los exámenes de acceso al Conservatorio
de París, que Debussy aprobó con brillantez y al que se
incorporó el 22 de octubre de 1872.

Giovanni Battista Pergolesi

Giovanni Battista
Pergolesi (Jesi, 4 de
enero de 1710 -
Pozzuoli, 16 de marzo
de 1736) fue un
compositor, violinista
y organista italiano del período Barroco.
Estudió música en Jesi con Francesco Santini, y luego viajó a Nápoles, donde estudió a
partir de 1725 con Gaetano Greco y Francesco Feo entre otros. Pasó gran parte de su vida
en el entorno de la corte de Nápoles, al servicio de aristócratas como los príncipes de
Stigliano y el duque Marzio IV Maddaloni Carafa .
Aunque nunca abandonó la península italiana, su fama como compositor de óperas italianas
se extendió pronto. Su obra influyó profundamente en la escuela napolitana, y sirvió como
prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran
repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el re-estreno en
París de esta opera buffa en 1752 originaría la llamada "Querella de los bufones", que
confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa,
representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau, y el de
los partidarios de la nueva ópera cómica italiana, generalmente asociados a los sectores
ilustradas encabezados por Jean-Jacques Rousseau. Pergolesi fue considerado como modelo
del estilo italiano durante esta controversia, que dividió a la comunidad musical de París
durante dos años.
Con problemas de salud desde pequeño (se cree que sufría de espina bífida), Pergolesi
murió a los 26 años, aparentemente de tuberculosis.

Bedřich Smetana
Bedřich Smetana ( 2 de marzo de 1824 – 12 de mayo
de 1884) fue un compositor checo pionero en el
desarrollo de un estilo musical que quedó
íntimamente ligado a las aspiraciones
independentistas de su país. Por ello, se lo reconoce
en su país como el padre de la música checa.
Internacionalmente es conocido por su ópera La
novia vendida y por el ciclo de poemas sinfónicos
Má vlast (‘Mi patria’) que representan la historia,
leyendas y paisajes de la patria natal del compositor.
Smetana poseía un talento natural para el piano y dio
su primer recital a los seis años. Tras recibir una
educación convencional en la escuela, estudió
música con Josef Proksch en Praga. Escribió su
primera composición nacionalista durante el
levantamiento de Praga de Praga, se dirigió a Suecia,
donde se estableció como profesor y director de coro
en Gotemburgo y empezó a escribir obras
orquestales de gran escala. Durante este periodo de
su vida, Smetana se casó dos veces y tuvo seis hijos,
de los cuales tres fallecieron durante su infancia.
A principios de la década de 1860 un clima político más liberal en Bohemia alentó a Smetana a
regresar permanentemente a Praga. Se entregó a la vida musical de la ciudad, principalmente como
defensor del nuevo género de la ópera checa. En 1866 sus dos primeras óperas, Los
brandenburgueses en Bohemia y La novia vendida, fueron estrenadas en el nuevo Teatro
Provisional de Praga, alcanzando esta última gran popularidad. Ese mismo año, Smetana llegó a ser
el director principal del teatro, pero los años de su dirección estuvieron marcados por la polémica.
Las facciones encargadas de la creación musical de la ciudad consideraban que su identificación
con las ideas progresistas de Franz Liszt y Richard Wagner eran hostiles al desarrollo de un estilo
de ópera checa distintivo. Esta oposición interfirió con su trabajo creativo y pudo haber acelerado la
degradación de su salud, precipitando su dimisión del teatro en 1874.
A finales de 1874, a los 50 años de edad, Smetana se volvió completamente sordo, pero, liberado de
sus funciones de teatro y la polémica que causaba, comenzó un período de composición constante
que se prolongó durante casi todo el resto de su vida. Sus contribuciones a la música checa iban
siendo cada vez más reconocidas y respetadas, pero un colapso mental a principios de 1884 condujo
a su internamiento en un asilo y su posterior fallecimiento. La reputación de Smetana como el padre
fundador de la música checa se ha fortalecido en su país natal, donde los defensores lo han
convertido en icono por encima de sus contemporáneos y sucesores. Sin embargo, relativamente
pocas de las obras de Smetana se encuentran en el repertorio internacional y la mayoría de los
expertos extranjeros tienden a considerar a Antonín Dvořák como el compositor checo más
importante.
LA MÚSICA DOCTA EN LA ACTUALIDAD

Una vez oí que solo a un 3% de la población mundial le gusta la música docta. Con este
dato quiero hacer un par de comentarios.

¿Quién sabe de música docta? Sus abuelos, el viejo pesado y fome del departamento de
abajo que siempre pide que metamos menos ruido, esa tía que tocaba piano cuando chica y
quizás en el colegio había un par de compañeros, que como sus papás escuchaban esa
música, a ellos les gustó y aprendieron. Ahora…

¿Por qué al común de la gente no le gusta la música docta? 

Yo tengo algunas teorías:

Lo primero es su estigmatización, se piensa que es música para viejos-pitucos-seniles-


conservadores-antimodernidad-antiruido-faltos de alegría, una mezcla entre el dueño del
banco de Mary Poppins y Gargamel, es decir la música docta tiene como sinónimo a la
naftalina.

Segundo, el (la) profesor(a) de música en el colegio, si es mujer es esa miss mundo que
hace que te guste todo tipo de música o es la vieja bruja con verruga que te obliga a
escuchar otros viejos con pelucas muy fomes. 

En cambio sí es hombre, generalmente es medio huequereque y temperamental, que además


te hace cantar como ópera cuando tienes 13 años, siendo que a esa edad quieres cantar
como Marilyn Manson. Seamos francos, cuando estás en el colegio cualquier cosa que te
hagan hacer por “obligación” pasa inmediatamente al cajón de lo “odiado por el resto de la
vida”.

Tercero, si prendes la radio es casi imposible encontrar música docta, así que escuchas
cualquier radio y pones scan hasta que aparece alguna canción o grupo que te gusta. Si por
esas casualidades de la vida te topaste con la radio Beethoven, aparece un señor de voz
profunda anunciando una Sinfonía en SI MI SOL Bemol Mayor Op. 1492 de Ighor
Tkashtankatka, 3° Movimiento, Allegro ma Nontroppo, solo con el nombre de la obra ya te
dio lata y es difícil por lo que lo más seguro es que la cambies. 

Otra opción es que no escuchas radio porque tienes la música que te gusta en tu IPhone,
Smartphone o similar y no necesitas más.

Y si nunca has escuchado buena música docta o nunca te enseñaron, ¿cómo la vas a
conocer o cómo te va gustar? y ¿Qué pasa si te digo que…

Siempre has escuchado música docta y no te has dado cuenta.


Y eso no es todo, te encanta. Aunque no lo creas es verdad, cada teleserie, reallity o
película, tienen extractos de música docta, hay comerciales con música docta, reportajes en
las noticias, canciones populares, está lleno de música docta incluso en los dibujos
animados, pero no nos damos cuenta porque está como un adorno, como música incidental. 

Es aquí donde quiero detenerme un momento, ya que la música incidental si le gusta a


todos (o casi todos). Una buena música incidental puede hacer que una película sea un éxito
o un fracaso. Imagínense ver Avatar o Gladiador con música de fondo de Wendy Zulca o la
Tigresa del Oriente, creo que ya entienden el resultado.

Tradicionalmente se ha considerado que la música culta es la que admira la gente culta (en
otras palabras la elite cultural, económica y política). El sociólogo francés Pierre Bourdieu
(1930-2002) estableció que la cultura se manifestaba ante todo como un instrumento útil
concebido a conciencia para marcar diferencias de clase y salvaguardarlas; cada oferta
artística estaba dirigida a una clase social específica, en tanto que era aceptada únicamente
por esa clase. El gustos de las elites que apreciaba la «alta cultura» y la «música culta» en
contraposición a los gustos mediocres típicos de la clase media o a los «gustos vulgares»
venerados por las clases bajas. En esta visión la música culta se contrapone a la música
popular.

Para Zygmunt Bauman esta concepción ha perecido, en la actualidad se vive en una


sociedad de consumo. En ella la cultura es un conjunto bienes o experiencias concebidas
para el consumo. Hoy la cultura no consiste en prohibiciones sino en ofertas, que se
corresponde bien con la libertad individual de elección, donde la música culta es tan solo un
producto más de consumo. Hoy el individuo puede consumir música popular y música culta
sin distinción de clases.

También podría gustarte