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Historia de las orquestas académicas

Luis Alberto Montealegre


Geraldinne Rojas
Nicolas López

La influencia mitológica de la cultura griega en el arte se debe en gran parte a los homenajes
que se realizaban a Dionisio, uno de los dioses más importantes en la época clásica del imperio
griego, cerca del siglo V a.C. Estos homenajes fueron la cuna de diversas representaciones
musicales y teatrales que con el paso de los siglos se consolidaron como artes escénicas, las
cuales tuvieron una fuerte influencia religiosa en sus inicios, mediante celebraciones que
debido a su alto nivel de aceptación, se llevaron a cabo al aire libre, en lugares cercanos a los
centros urbanos, los cuales más adelante se conocieron como anfiteatros, en Roma. Estos
escenarios contaban con una estructura que permitía ubicar a los espectadores en un lugar
determinado (theatron), a los actores al momento de su entrada en otro lugar (skene) y
finalmente, el lugar donde se llevaba a cabo la aproximación más importante entre la
dramatización, la música y la danza: la orquesta, es decir, lugar de danza.

Estas manifestaciones artísticas se incorporaron progresivamente a la tradición oral de los


pueblos, hasta llegar a un contexto de fuertes impactos culturales que hoy conocemos como
Edad Media, donde el concepto de orquesta ya no se limitaba únicamente a un área de tierra
compacta o pavimentada con mármol, sino que se entendía como la totalidad del escenario. La
connotación religiosa determinante en el arte de la edad antigua también prevaleció durante
esta época con el nacimiento del canto gregoriano de carácter litúrgico, característico de la
Iglesia Católica, como una lectura adornada de diferentes textos sagrados mediante una
expresión artística y religiosa de carácter melódico, sin embargo, se fueron incorporando
novedades relevantes como la polifonía y el contrapunto, como melodías simultáneas que
sonaban de forma independiente en un marco armónico.

Dentro de la polifonía medieval y la polifonía renacentista, las líneas vocales ocupaban gran
parte del enfoque de los compositores, solamente fue con la llegada de la opera que los
instrumentos (principalmente de cuerda) fueron adquiriendo protagonismo para generar
mayor armonía y equilibro en relación con la percusión. La polifonía renacentista se fue
perfeccionando durante los siglos XV y XVI con una suavidad sonora que permite marcar una
diferencia frente a las rígidas polifonías características de la Edad Media, las cuales se fueron
abandonando progresivamente hasta llegar a la época barroca entre el siglo XVII y XVIII. Hasta
este punto solamente se tenían componentes variables de una orquesta, con intérpretes
aleatorios sujetos a disponibilidad, de manera tal que el concepto de orquesta como lo
conocemos hoy en día se va formando progresivamente entre el barroco y el clasicismo del
siglo XVIII.

La Orquesta Barroca (siglo XVII – siglo XVIII): El movimiento barroco nace en Italia como
consecuencia de diversos conflictos religiosos y posteriormente bélicos por el surgimiento de
una reforma protestante que se oponía de manera directa a la Iglesia Católica, la cual como
respuesta al protestantismo utilizó sus recursos para hacer de los ritos católicos más atractivos
mediante excesiva decoración y adornos a sus símbolos, templos y rituales, como vivo reflejo
de sus creencias, que buscaban ser transmitidas a través del arte, lo cual trajo como
consecuencia una mayor interacción entre diversas disciplinas artísticas que no solo resultaba
efectiva para la Iglesia Católica, sino también para la monarquía absolutista y la burguesía que
empezaba a constituirse como una nueva clase social, fundamental para los cambios políticos y
económicos que llegarían siglos más tarde.

En cuanto a la influencia musical, la mayor parte de los cambios relevantes en el desarrollo de


un concepto requieren un toque revolucionario. En este caso serían compositores como
Claudio Monteverdi quienes marcarían la diferencia, en este caso, con un papel fundamental
en la transición de la música entre el renacimiento y el barroco por haber participado de
manera activa en la composición tanto de música sacra, de un extremo, como legado del
renacimiento y del otro extremo, música propia del barroco: aquel compositor era el mejor
símbolo de un puente que unía dos periodos distintos, pero necesarios a la vez. Solamente era
posible conseguir una armonía real entre el sonido y el texto al conocer ambos entornos y dar
rienda suelta al uso de la imaginación en el desarrollo de sus obras, costándole esto diversas
polémicas por parte de otros compositores más conservadores que se resistieron al cambio.
Aun cuando contaba con recursos limitados, la libertad que le otorgaba su amplio
conocimiento instrumental y vocal hacía que sus duetos fueran excepcionales en un contexto
fresco y bastante moderno para su época, por tal razón, su influencia solo es comparable con
la de Ludwig van Beethoven o Arnold Schönberg.

Adicionalmente, Francesco Cavalli tuvo una fuerte influencia en el barroco con los elementos
que incorporó en la ópera de las bodas de Tetis y Peleo con una introducción melódica lo
suficientemente elaborada para inundar al público en emociones y así complementar la
delicadeza en escena con un elemento esencial: la voz humana, declamando cada detalle del
libreto junto con una melodía narrativa que en ningún momento llegaba a opacar el
acompañamiento musical y mucho menos la comprensión de la obra. Fue tal el éxito de esta
estrategia y novedad en el mundo naciente de la ópera que durante la mayor parte de su vida,
Francesco logró estrenar una obra distinta cada año, contribuyendo notablemente en el
desarrollo de la ópera, donde se empieza a marcar una notable diferencia en cuanto a la
independencia del desarrollo instrumental del enfoque vocal que había predominado hasta
este momento.

Debido a los componentes variables que había presentado la orquesta durante la Edad Media
y el Renacimiento, lograr una sincronía entre múltiples voces e instrumentos de manera
simultánea era uno de los principales retos, sin embargo, Arcangelo Corelli con su Concerto
Grosso empezó a mostrar dinamismo dentro de estas armonías al diferenciar dos grupos
instrumentales e intercalarlos de manera armónica: el primer grupo llamado concertino que
era el más pequeño y el segundo grupo llamado ripieno que era un poco más grande, en este
caso, la novedad fue la rapidez en la alternación entre un grupo y otro mediante variaciones en
la intensidad, lo cual aumentaba el dinamismo y resultaba novedoso en la evolución
instrumental. Así empieza el desarrollo en la técnica de instrumentos como el violín, la viola, el
violonchelo y el contrabajo. Este desarrollo en la técnica se complementó con el trabajo de
diversos constructores de instrumentos conocidos como luthiers reconocidos aún en la
actualidad como Antonio Stradivari, Nicolò Amati y Giuseppe Guarneri, modernizando
instrumentos como el violín hasta el punto de desarrollarlos en su forma estándar.
Adicionalmente, los instrumentos de viento y de percusión se incorporan en función de las
composiciones y no en virtud de la disponibilidad de los intérpretes, logrando así una
formación aproximada de veinticinco músicos por orquesta. El clavecín como instrumento
ocupaba un lugar central en las orquestas barrocas debido a que el clavecinista se encargaba
de orientar a los demás intérpretes desde su propio instrumento, ubicándose de manera
central para poder ser visualizado y escuchado por los demás músicos. De esta manera
comienza a desarrollarse la figura del director de orquesta, igualmente, de manera gradual.
Finalmente, Johann Sebastián Bach junto con Antonio Vivaldi fueron compositores que no solo
tienen en común la fecha en la que fallecieron, sino también la fuerte influencia en la orquesta
barroca que solo fue apreciada muchos años después de sus muertes. Llegaron a componer
numerosas obras, óperas y cantatas que hoy en día permanecen vigentes, y que de no ser por
la iniciativa de compositores más recientes, no habrían tenido el impacto cultural que se
conoce hoy en día. De hecho, el factor cultural y el factor social se encuentran fuertemente
vinculados, ejemplo de ello es Georg Friedrich Händel, conocido como el compositor más
influyente de todo el barroco por múltiples razones: la influencia de las melodías
representativas de distintos países en sus danzas como consecuencia de su carácter
cosmopolita, debido a sus experiencias en Inglaterra, Italia, Francia y Alemania, además de su
exploración de los matices en las emociones del alma humana que hacían de la oratoria otra
de sus fortalezas, su aporte para que sus obras y las de otros compositores fueran públicas con
la fundación del Royal Academy of Music, numerosas obras que no solo se limitaron a óperas y
conciertos, sino música incidental aún vigente hoy en día como su famosa música acuática o
música para los reales fuegos de artificio.

La Orquesta Clásica (siglo XVIII – siglo XIX) Una vez el oscurantismo característico de la Edad
Media fue llegando a su fin, dando paso a la Ilustración y el siglo de las luces, el clasicismo en la
música surge en el contexto del neoclasicismo que nace en Francia como resultado de la
Revolución Francesa que dio fin a una monarquía absolutista como forma de gobierno y abrió
las puertas a sucesos fundamentales en la historia de la humanidad, como la Declaración
Universal de los Derechos del Hombre y el Ciudadano y la expansión de todas estas ideas
alrededor del mundo por cuenta de Napoleón, y por consiguiente, la incorporación de la
libertad de expresión acompañada del enciclopedismo en el desarrollo de un pensamiento
ilustrado en la ciencia y de la simetría y la estética en el arte.

Con todos los elementos y el desarrollo de la orquesta durante la época barroca, fue en el
marco del clasicismo que terminó e estandarizarla de manera progresiva. Aquí ya no hay lugar
para los elementos accidentales en las composiciones musicales debido a que los
compositores empiezan a requerir medios lo suficientemente complejos y elaborados para
transmitir sus obras con suficiente claridad y estética, lo cual conllevó a mejoras técnicas y
giros orquestales que marcaron progresivamente la transición entre el barroco y el clasicismo.
En este periodo, fueron dos las ciudades más influyentes en el desarrollo instrumental: Viena
(Austria) y Mannheim (Alemania). Los músicos de la corte de Mannheim contaban con buenos
recursos, fueron los primeros en volver indispensables instrumentos que antes eran
opcionales, como la flauta, las trompetas y finalmente el clarinete que se incorporó de manera
intermitente. La figura del clavecín, donde el compositor que interpretaba este instrumento
llegó a ser vestigio de un director de orquesta fue desapareciendo progresivamente de la
orquesta para tomar su lugar el intérprete del primer violín.

Es gracias a la Escuela de Viena y a la Orquesta de Mannheim que se configura, junto con la


influencia de Joseph Haydn que nace la orquesta sinfónica, como consecuencia de su trabajo
independiente y lejano a los demás compositores sus obras eran totalmente originales, por lo
cual también se considera esencial en el desarrollo de cuartetos, tríos en piano y composición
de diversas sonatas con una dinámica y flexibilidad desconocidas hasta ese momento, con una
sofisticación extraordinaria, sirviendo como inspiración e influencia para los dos músicos más
conocidos en la historia de la música clásica: Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwing van
Beethoven. Logró la aceptación de compositores clásicos y conservadores, que veían en él y en
sus composiciones un carácter serio y simultáneamente, consiguió la aceptación de músicos
modernos que se sentían atraídos por su carácter ligero. Adicionalmente, compositores como
Luigi Boccherini, dedicaron su vida a la música de cámara, la cual nace como un contraste a la
música de orquesta, debido a que estaba conformada por pequeños grupos de instrumentos y
músicos virtuosos que se reunían en salas pequeñas en un contexto más íntimo y ameno, entre
amigos, entre familia. Sin embargo, este compositor también cuenta con numerosas obras
orquestales. Su estilo se caracterizó por la simetría característica de la Ilustración en la
estructura rítmica de sus obras y detalles delicados, muy bien elaborados con diversos adornos
musicales.

Es importante resaltar que lo que más adelante seria conocido como orquesta filarmónica
equivale a la misma orquesta sinfónica, la diferencia radica en el objetivo que tenga la
orquesta: sin lugar a dudas, toda orquesta filarmónica también es sinfónica, sin embargo,
cuando una agrupación musical tiene como finalidad recaudar fondos para financiar una
orquesta, sin lugar a dudas estamos en presencia de una orquesta filarmónica. De resto, se
maneja exactamente la misma definición para ambos contextos.

Las características más importantes de las sinfonías que empezaron a incorporarse en las
orquestas fueron los cuatro movimientos en los cuales se desarrollaban: un primer
movimiento rápido en sonata, un segundo movimiento lento, un tercer movimiento que podía
ser un minueto o un trio y finalmente un cuarto movimiento rápido en sonata. Fueron las
variaciones instrumentales en concordancia con sonidos sucesivos y simultáneos los rasgos
que dieron nombre a esta composición musical destinada a las orquestas. Este desarrollo
instrumental estuvo vinculado con la influencia de Wolfgang Amadeus Mozart y sus obras
destinadas tanto al púbico general como a la realeza, que eran muy particulares gracias a la
disposición de este compositor para aprender y tomar lo mejor de otros músicos y así nutrir
sus composiciones. Mozart fue un prodigio musical que logro la comprensión de diferentes
óperas antes de cumplir quince años. Sus composiciones se caracterizaron por ser muy
acordes a la corriente clasicista en la cual se ubicó, lejos de la pasión y el sentimentalismo que
posteriormente fueron característicos del romanticismo. Adicionalmente, en las óperas de
Mozart eran muy claras las distinciones sociales de sus protagonistas, lo cual se evidenciaba en
las variaciones de canto en los personajes, que dependían de su clase social (personajes de la
realiza con un canto distinguido y personajes del pueblo con un canto popular).

Orquesta Romántica (Siglo XIX) Este periodo fue marcado por el romanticismo, que se
caracterizó por ser un movimiento cultural que rechaza la imposición de la hegemonía religiosa
como eje del desarrollo de la vida humana y la sociedad. Sin embargo, también rechaza el uso
excesivo de la razón propio del neoclasicismo como respuesta a todas las incógnitas de
carácter universal. Con el legado de diversas revoluciones en Europa, empiezan a surgir
conceptos demasiado subjetivos como para ser abordados desde un enfoque científico, un
ejemplo de ello es la idea de un espíritu del pueblo que se complementa con fuentes
mitológicas que pretenden explicar, desde una perspectiva casi fenomenológica la razón de ser
del universo, lo cual se configura como un antecedente del nacionalismo que dominaría
Alemania en el siglo XX o incluso, las obras de Richard Wagner con influencias nórdicas muy
marcadas.

Las orquestas sinfónicas crecen aún más y con la incorporación de nuevos lenguajes musicales
propios del romanticismo, se consolida de una forma muy similar a la que la conocemos hoy en
día, fue la percusión el área que más tiempo tomó para adoptar una organización estándar y
definitiva. Por primera vez, el director de orquesta logra independencia y la orquesta se
convierte en el único instrumento del cual es intérprete. Es en este periodo que el desarrollo
técnico se enfoca en los instrumentos metálicos de viento, lo cual generó una mayor
flexibilidad, razón por la cual el trombón se configura como un nuevo y mejorado integrante
de la orquesta. Por el mismo desarrollo técnico y sinfónico, la orquesta empieza a requerir un
número mayor de instrumentistas hasta el siglo XX, lo cual implica la necesidad de incorporar
más instrumentos para lograr un equilibrio y armonía, tales como el arpa, el corno inglés, el
clarinete que se convirtió en un instrumento fundamental dentro de las orquestas, el piano ya
no solo como instrumento solista sino como integrante ocasional de la orquesta, entre otros
instrumentos de cuerda y percusión. Lógicamente, frente al aumento en el número de músicos
e instrumentos, fue necesario aumentar la dimensión de la sala de conciertos, lo cual traería
consigo una novedad acústica con variaciones en la potencia y en la intensidad sonora,
principalmente en el piano.

Por primera vez, no solo es la concepción de la técnica instrumental y vocal la que cambia, sino
también la concepción que se tiene del compositor cambia, ya que deja de ser un funcionario
al servicio de la realeza y se convierte en un artista independiente, que no vive por ningún
Gobierno ni por ninguna imposición religiosa, vive únicamente por y para el arte. En este
sentido, Ludwing van Beethoven es considerado como el último músico clasicista y el primer
músico influenciado por el romanticismo propio del siglo XIX, así como Claudio Monteverdi fue
símbolo de la transición entre el renacimiento y el barroco, Beethoven fue símbolo de la
transición entre el clasicismo y el romanticismo, donde sus composiciones comprenden
diversos géneros tanto en las sinfonías como en música de cámara. Para Beethoven, era
necesario contrastar el alcance de instrumentos como la flauta y el clarinete con una
interpretación subjetiva, enmarcada en la expresividad que terminó integrando el elemento
dramático que se agregó a los instrumentos de cuerda. Estas implicaciones subjetivas y llenas
de sentimiento ponían a prueba la capacidad del intérprete para mantener el equilibrio entre
un universo de instrumentos que debían romper esquemas para transmitir diversas
sensaciones, aun con la limitación que existía por parte de la técnica melódica y vocal que
caracterizaban el profesionalismo de los músicos y la misma orquesta. Con estos matices
subjetivos y poéticos, acompañados por una fuerte influencia literaria propia del
romanticismo, compositores como Héctor Berlioz incorporan algunos elementos pintorescos
en sus excéntricas composiciones de difícil comprensión por romper los esquemas
tradicionales de la orquesta sinfónica. Es el mismo compositor quien argumenta que sus obras
son programáticas por contar con un programa libre por cada movimiento. Con esta
liberación, la orquesta ya no tiene impedimentos para aumentar su potencia y su registro en el
desarrollo de una partitura más compleja.

Como culminación del romanticismo en la música, Richard Wagner en calidad de compositor


no solo tenía como fuente de inspiración para sus composiciones la música, sino también la
poesía y la literatura, donde también se destacó notablemente, por tal motivo, sus obras
constituían una especie de teatro musical en un contexto que como se mencionó
anteriormente, tenía unos matices nacionalistas vinculados con conceptos subjetivos que
vinculaban la identidad del artista con su nacionalidad. Para Wagner el verdadero arte en la
música no dependía de la estética de la música, sino del drama que el compositor fuera capaz
de implementar en la obra como resultado de la síntesis de todas las artes escénicas que
debían perseguir exactamente la misma finalidad. Por esta razón, su audacia instrumental está
al servicio únicamente de la interpretación y la transmisión de emociones y sentimientos, que
son la razón de ser del arte.

Orquesta Moderna o Contemporánea (Siglo XX) Una de las numerosas consecuencias de las
guerras mundiales que marcaron la primera mitad del siglo XX fue una notable reducción en
las enormes orquestas tanto por factores económicos como estéticos hasta un puto en el cual
la extensión de la orquesta y la cantidad de músicos empieza a ser relativa, dependiendo de lo
que la composición requiera. Se genera un sentimiento de desconfianza a nivel general como
consecuencia de las guerras y las crisis, por tanto, un revisionismo que conlleva a un
cuestionamiento tanto de lo objetivo como de lo subjetivo y del orden establecido, el cual
indudablemente llega al arte y a la música. Se empiezan a incorporar instrumentos de origen
no europeo a las orquestas como maracas y crótalos. La mayor preocupación en cuanto a las
orquestas es frente al timbre de la voz en las orquestas.

Con la difusión de las ideas nacionalistas que llegaron hasta Rusia, se conforma el Grupo de los
Cinco, conformado por los compositores Mili Balákirev, César Cuí, Modest Músorgski, Nikolái
Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín llegan a influir en la música académica desde la música
popular rusa con características de diversas melodías orientales que le darían un color distinto
a la orquesta tradicional europea. También, de manera empírica el compositor empieza a
notar que más allá de la forma tradicional de interpretar los instrumentos, se puede llegar a un
sonido distorsionado debido a fenómenos físicos relacionados con las cuerdas y el timbre que
puede llegar a variar, dependiendo de la frecuencia y la altitud de las ondas. En los casos de la
lectura de una obra de Arnold Schönberg, por ejemplo, tiene tantos matices y tantas
variaciones que su lectura llega a ser mucho más compleja que la de una obra de cualquier
compositor clásico. Esta alteración y variación en el timbre y en el color ha llegado a ser tan
compleja pero a la vez tan llamativa que ha llegado a sustituir de cierta forma el estudio de las
melodías, dando protagonismo a los instrumentos de percusión. Igor Stravinski supo
aprovechar estos cambios en la forma de concebir una orquesta tradicional para llegar a ser
uno de los músicos más influyentes del siglo XX gracias a la exuberancia de su orquesta y su
influencia oriental que sin lugar a dudas, logró enamorar a un país tan clásico como Francia,
dejando a un lado la armonía impasible para traer consigo ritmos salvajes, presentes en obras
como el pájaro de fuego. No hay un lugar protagónico para lo convencional tanto como para lo
instintivo, musicalmente hablando, lo cual constituye un acto revolucionario bastante exitoso
en pleno siglo XX.

Como consecuencia de todos estos matices que han tenido las orquestas en los últimos siglos
es que hoy en día es posible contar, no solo con agrupaciones de músicos académicos que se
limitan a interpretar lo que se encuentra escrito en una partitura, más allá de esto, se
transmiten experiencias, herencias culturales, sucesos históricos que han dejado con ellos
diversos sentimientos tanto colectivos como individuales, todo un proceso de desarrollo que
no habría podido darse en uno o dos siglos y que en conjunto con las demás construcciones
artísticas, forman la identidad de diversos músicos y compositores. Como la tradición musical
en Colombia no se enfoca precisamente en la música clásica o la ópera, la llegada de orquestas
sinfónicas y filarmónicas fue tardía: La Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia desde 1846,
Orquesta Filarmónica de Bogotá desde 1967 con el objetivo de implementar la música de
cámara y dar a conocer la música sinfónica, razón por la cual se ha convertido en un
patrimonio de la capital del país, Orquesta Filarmónica de Cali, Banda Sinfónica de Huila desde
1905, Fundación Nacional Batuta desde 1991, Sinfónica de Cartagena de Indias, Orquesta
Filarmónica de Medellín desde 1983 y la Orquesta Filarmónica Joven de Colombia desde 2010

Los primeros pasos de la música académica en territorio nacional son dados por los clérigos,
quienes llegan acompañados por compositores europeos los cuales desempeñaban la labor de
maestros de capilla, ocupándose de los cantores e instrumentistas para los diversos oficios
religiosos. En las misiones religiosas que llegaron al nuevo mundo se procuro instruir a los
indígenas en la construcción de instrumentos, y en las técnicas de composición e
interpretación provenientes de occidente, ya que, en esta época, y a pesar de la variedad
musical y la importancia que tenía la misma tanto en la sociedad como en la cultura, para la
perspectiva de los conquistadores era una artesanía, mientras que la música que llego con
ellos era considerada como un arte mayor, y aunque este hecho parezca aislado, es un factor
determinante para los compositores del siglo XlX y XX.
A finales del siglo XIX, nace en Bogotá la Academia Nacional de música, la cual fue la primera
institución de educación musical formal en el país, y que posteriormente se transformaría en el
actual conservatorio de música. la creación de la academia nacional de música en el año de
1882 abre las puertas a la música sinfónica, pues al contar con músicos ya formados, se planta
la semilla para las futuras orquestas nacionales ya mencionadas.

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