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Arte y Sociedad Les Venus

DEO 2do año Sofía Wilhelmi


TP 1er cuatrimestre Julio, 2019

LES VENUS

INTRODUCCIÓN
“No creo en poner fronteras” [Yinka Shonibare, 2017].

El siguiente trabajo se propone investigar el uso que hace el artista sudafricano Yinka
Shonibare de la imagen clásica de la Venus, tomando como punto de partida su obra
Calidoscopio (2014)1 y la re significación que hace sobre la pintura renacentista de
Boticelli: El nacimiento de Venus (1485–1486)2

Para esto indagaremos en el artista, así como en la obra a la que remite y a la figura de
la Venus haciendo un viaje en el tiempo, desde la antigüedad, pasando por el
renacimiento, hasta la contemporaneidad.

DESAROLLO

1. VENUS / AFRODITA

Afrodita en Grecia, Venus para los romanos es la diosa de la belleza, de la fecundidad y


del amor. Pero no del amor romántico como lo conocemos hoy en día, sino en su
sentido erótico. De su nombre se desprenden acepciones, como la palabra afrodisíaco y
venérea. En mitos y leyendas a esta diosa se la ha vinculado “románticamente” con
decenas de dioses y mortales, teniendo más de 15 hijos.

Cronos (dios del tiempo) corta los genitales de su padre Urano y los lanza al mar, de
donde surge una muchacha ya adulta desde el nacimiento, esta es la irresistible Afrodita.
De ahí que se le conozca como “la diosa nacida de las olas” o “nacida del semen de
dios”.

Fue especialmente conocida por sus maldiciones e iras, porque cuando alguien caía en
la desgracia de ofenderla, se lo condenaba a tormentos terribles. Por ejemplo, castigó a
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la Aurora con un amor irrefrenable por Orión, ya que había cedido a las seducciones de
Ares, uno de sus amantes mas importantes. También castigó a todas las mujeres de
Lemnos, ya que éstas no la honraban, impregnándolas con un olor insoportable que
provocó que sus hombres las abandonaran. Cuando la madre de Mirra cometió hibris al
afirmar que su hija era más bella que la afamada diosa, Mirra fue castigada con una
incesante lujuria hacia su propio padre, Cíniras, que rechazó a su propia hija, pero Mirra
se disfrazó de prostituta y durmió secretamente con su padre.  Cíniras se suicida y Mirra
se convierte en árbol, y de aquí nace Adonis, otro de los amantes de Afrodita por el que
pelea contra Perséfone. También celosa de la belleza de la mortal Psique, envía a su hijo
Eros a enamorarla del hombre mas feo del mundo. Eros accede pero termina
enamorándose él mismo de Psique, al pincharse con una flecha dorada por accidente.
Cuando la Discordia lanzó una manzana dorada a la más hermosa de las diosas,
Afrodita, Palas Atenea y Hera entraron en competencia por el puesto, y Zeus decidió
que fuera Alejandro (Paris, héroe troyano) el que definiera quién era la más hermosa.
Cada una le ofreció un regalo a cambio de que la escogiera; Palas Atenea le ofreció
hacerlo invencible en la guerra, Hera le prometió el reino del universo, y Afrodita la
mano de Helena, quien era la mortal más hermosa del mundo. Paris eligió a Afrodita y
fue por esta promesa que se inició la famosa Guerra de Troya.
Todas leyendas de celos, envidia, histeria y competencia femenina, muchos de los
calificativos con los que se han identificado a las mujeres a lo largo de la historia.

En el mundo terrenal las diferencias entre la mirada sobre hombres y mujeres en la


antigüedad también era notable, las adolescentes eran consideradas potrillas salvajes y
su iniciación se concebía como un tipo de “doma”, que las cerámicas a menudo
representan como la “captura” por parte de un joven de una niña que huye . La metáfora
se expresa claramente en el Hipólito, cuando Afrodita evoca cómo le dio la joven Yole a
Heracles, “una potra, no uncida al lecho matrimonial, que no había conocido varón
hasta entonces”. Además, se comparaba a las muchachas con novillas y el mito describe
a las hijas de Preto deambulando como vacas. Sin embargo, la metáfora del yugo
matrimonial ya apunta a una importante diferencia entre la iniciación femenina y la
masculina, pues a pesar de los parecidos, al llegar a la edad adulta, los muchachos se
convertían en hombres libres, pero las mujeres siempre permanecían “uncidas”.

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Jenofonte narra en las Helénicas que los polemarcos (“generales”) tebanos solían
celebrar un festival en honor de Afrodita al final de su servicio. En el invierno del 379
a.C. se les prometió a los polemarcos proespartanos una noche con mujeres y vino, pero
las mujeres veladas resultaron ser conspiradores disfrazados, que consiguieron reducir a
sus oponentes y liberaron a la ciudad de los espartanos. La conexión entre milicia y la
diosa de amor es menos sorprendente de lo que podría parecer a primera vista, puesto
que Afrodita estaba en relación con Ares, el dios de la guerra, en la literatura, en el arte ,
y en el culto.

Es importante resaltar de esta leyenda el hecho de que el festival a Afrodita es una


celebración en la que se ofrecen mujeres a los hombres. Donde los hombres celebran
consumiendo mujeres. Es cierto que existieron rituales o festividades en donde las
mujeres eran las protagonistas (las fiestas Dionisíacas, por ej.), sin embargo, la limitada
frecuencia de los rituales (sólo una vez cada dos años), la participación restringida y la
vigilancia masculina, desde lejos, indican que no debemos sobrevalorar la importancia
que estos rituales podían tener para las mujeres. En la Grecia moderna las mujeres
parecen haber interiorizado la visión negativa que los hombres tienen de ellas y no
existe la más mínima prueba de que, en la antigüedad, las mujeres griegas hubieran
desarrollado una ideología alternativa. La religión daba sólo a las mujeres de clase alta
unas reducidas posibilidades de expresión. Para las mujeres de las clases más bajas esta
situación debe de haber sido bastante peor. Además, la mitología producía y mantenía
un gran número de imágenes negativas de la mujer. En última instancia, el carácter de la
religión griega no variaba mucho del espíritu misógino de la cultura griega en general.

2. EL NACIMIENTO DE LA VENUS

El cuadro El nacimiento de Venus o La nascita di Venere fue pintado en el


Renacimiento entre los años 1482 y 1485 por el italiano Sandro Botticelli con temple
sobre lienzo. Se trata del primer cuadro pintado en tela en Tuscania, Italia. La obra mide
aproximadamente 1,80 metros de alto y 2,75 metros de largo y se encuentra actualmente
en el Museo Uffizi en Florencia, Italia.

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El nacimiento de Venus se inscribe la sensibilidad propia del Renacimiento artístico,


tiempo en que se volvieron a representar los mitos olvidados, en los cuales los
renacentistas encontraban verdades escondidas sobre la naturaleza humana.
Esto significó una verdadera defensa del humanismo antropocéntrico frente al
teocentrismo del pasado. Gracias al poder social de la familia Médici, los artistas bajo
su protección pudieron trabajar los encargos mitológicos sin que la Iglesia pudiera
impedirlo. Se abría así el tiempo de la secularización de la cultura.
Una de las figuras mitológicas de mayor importancia fue la de Venus o Afrodita, quien
ha sido el símbolo, desde tiempos inmemoriales, de la fertilidad y el erotismo.
¿Cuál era la mirada que arrojó sobre la diosa grecorromana el Renacimiento que, a
pesar de la secularización, no dejó de ser una era cristiana?

La escena del lienzo de Botticelli describe, tal como lo dice su título, en el nacimiento
de la diosa: Como mencionamos anteriormente, según el mito, Cronos desgarra y lanza
los genitales de Urano y fertiliza el mar. El roce de la espuma engendra a Venus que,
con la ayuda del viento, es transportada hasta las orillas de la isla de Chipre en una
concha marina. Allí, es vestida por ‘las Horas’ y llevada al lugar de los ‘Inmortales’. La
teología romana presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la
generación y el equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el éxito sexual, la
buena fortuna y prosperidad.

Venus protagoniza el centro del cuadro, posando desnuda sobre una concha que la ha
traído a la orilla. Su cuerpo yace formando una línea sinusoidal. Se encuentra en la pose
llamada contrapuesto (contrapposto) que es mucho mas elegante que si la modelo
estuviera parada con ambos pies juntos y derechos en el suelo.

Los caracoles han sido siempre considerandos como símbolos de la fertilidad femenina.
El dorso de la cáscara se asemeja a un vientre de embarazada, y la parte inferior de la
cáscara se asemeja a una vulva. La concha, como símbolo de Venus, significa el renacer
de una persona, su resurrección.

Un cuello algo desproporcionado sostiene la cabeza que se inclina hacia la izquierda,


mientras la cadera se dirige a la derecha. La larga y abundante melena flota en el aire y

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permite usarla para esconder delicadamente sus partes íntimas, mientras una de sus
manos se apoya en su pecho. La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de
otra Venus de la colección Medici.3 Una escultura de mármol de la antigüedad clásica 
que Botticelli tuvo oportunidad de estudiar. En ambas obras , Venus oculta sus senos y
la zona genital con sus brazos. Los ojos de la diosa son soñadores y tímidos mirando
hacia ningún lugar en particular.

A la izquierda del lienzo se encuentra un grupo de dos personajes. Se trata de Céfiro, el


dios del viento, y de su mujer Cloris, diosa de las flores (a quien la había secuestrado),
que deja caer algunas rosas sobre la escena. De acuerdo a la mitología antigua, la rosa
fue creada al mismo tiempo que  el nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su
exquisita fragancia y belleza, es el símbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que  el
amor puede ser doloroso. Ellos simbolizan la unión de la materia y del espíritu. Ambos
dioses se representan alados, flotando en el aire y con mantos cubriendo sus partes
íntimas. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate más
oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban
usualmente con una piel mas clara como si siempre se protegían del sol. Así es como
aparecen mas suaves, delicadas y frágiles.
El soplo de Céfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la túnica roja que trae una de
las Horas. Esta mujer ubicada a la derecha del lienzo, es una de las tres gracias, que eran
las tradicionales compañeras de Venus. En su vestimenta así como en la túnica que trae
se encuentran dibujadas muchas flores primaverales porque Venus nació en la
primavera. Se encuentra en las puntas de sus dedos de los pies, para no perderse la
llegada de Venus, con su brazo levantado y lista para tapar a Venus. En el cuello luce
una elegante guirnalda de mirto (la planta de Venus) y entre sus pies florece una
anémona azul que refuerza la idea de la llegada de la primavera.

El paisaje de fondo no ha sido trabajado al detalle. De hecho, el tratamiento de la


espuma del mar y el brillo del agua quiebra la ilusión de profundidad espacial, mejor
lograda en el paisaje boscoso que se muestra a la derecha del lienzo. Interesado apenas
en brindar un contexto a la escena, obliga al espectador a centrar su mirada sobre los
personajes. El artista logra, en efecto, crear un modelo de belleza que acompañará a la

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humanidad hasta nuestros días. El Nacimiento de Venus de Botticelli es, de alguna


forma, el nacimiento de una idea de feminidad dentro del arte renacentista.

El cuadro El nacimiento de Venus es famoso porque, desafiando las costumbres de su


tiempo, legitimó la representación del desnudo femenino de cuerpo completo en el arte.
Esto no era muy común en el pasado, aunque ya se había hecho en algunas piezas con
fines moralizantes. De hecho, no era común ni siquiera en el arte grecorromano, donde
era el hombre quien se representaba completamente desnudo y, en caso de que se tratase
de una mujer, normalmente solo se descubría su torso. Aún así, en la antigüedad
existieron algunos casos como la anterior mencionada Venus de Medici y la Afrodita de
Cnido4 o Venus de Cnido, esculpida por Praxíteles hacia el año 360 a.C., de la que solo
queda una copia romana. La Venus de Cnido, al igual que la de Botticelli, se enmarca en
el tipo de la“Venus púdica”que, tras su nacimiento y revelación, esconde sus partes
íntimas de la mirada humana, como corresponde a“una mujer virtuosa”.

3. YINKA

Yinka Shonibare es un artista multidisciplinar londinense de origen nigeriano. Su obra


gira en torno a esta dualidad que le ha proporcionado una visión personal de la historia
europea y africana. Nació en Londres en 1962. Cuando tenía tres años su familia se
mudó a Lagos, en Nigeria, donde se crió hasta los diecisiete años, momento en que
volvió a Londres para entrar en la Universidad, donde estudió Bellas Artes. A los
dieciocho años contrajo una enfermedad que afecta a la médula espinal llamada mielitis
transversa, la cual paralizó la mitad de su cuerpo de por vida. Yinka se licenció en
Bellas Artes, en un grupo calificado como los Young British Artist.

Shonibare comenzó a trabajar en Shape Arts, una organización londinense que


promueve la inserción laboral en el mundo del arte y la cultura de personas con
cualquier tipo de discapacidad. Actualmente cuenta con un equipo que le asiste en sus
proyectos, ya que, debido a su enfermedad, su movilidad es reducida.

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En 1988 Shonibare comienza a exponer, influenciado por sus contextos: nigeriano en


Inglaterra, inglés en Nigeria. Una dualidad que le aportó una visión crítica de ambos
países y de ambas culturas, la africana y la europea.

Desde el primer momento, el artista se interesa por las telas llamadas Dutch wax prints
o African wax prints5, tejidos de algodón fabricados en África occidental, cuyos colores
se estampan con una técnica llamada batik, en la cual se usa una pasta parecida a la
cera. Estas telas van a convertirse en el sello de identidad de Shonibare, y las hallamos a
lo largo de su carrera, tanto en instalaciones como esculturas o fotografías. Al artista le
gusta usar tela de cera porque tienen un linaje cultural desordenado: a pesar de estar
asociadas típicamente con el África subsahariana, se originan en Indonesia, se fabrican
con mayor frecuencia en los Países Bajos y se las consigue en el mercado de Brixton
(Londres).

El trabajo de Shonibare aborda temas tan espinosos como el colonialismo y el


postcolonialismo, la identidad robada y la reconstrucción de esta identidad desde un
punto de vista que él mismo considera privilegiado: hombre negro europeo -se define
como un híbrido postcolonial-. De nuevo, su condición geopolítica le otorga el poder
suficiente para poder hablar de colonialismo o identidad sin caer en el victimismo o la
culpabilidad. Shonibare comienza a contar una historia paralela, alternativa a la real, a
través de sus obras. Recrea escenas que ocurrieron o que presumiblemente pudieron
pasar durante el colonialismo y coloca negros en roles de blancos.6 ¿Qué hubiera pasado
si hubiera sido así? ¿Hubiese sido igual? ¿Hubiese sido posible? Yinka abre un nuevo
mundo de posibilidades a través de sus coloridas y afroeuropeas obras.

Otra de las temáticas que trata el trabajo de Shonibare son las reinterpretaciones de
obras de arte europeas. En estas ocasiones, el artista recrea las composiciones o los
diseños pero utiliza telas africanas y suele prescindir de las cabezas de los personajes
retratados. El resultado es una nueva escena que sigue siendo familiar a cualquier
persona con una pequeña formación en arte europeo, pero con un inquietante giro que
llena de color la composición, debido a las telas africanas, y que nos sugiere varias

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Referencias en las distintas obras de Shonibare al final del documento.
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lecturas sobre la pérdida de la cabeza del personaje, aunque Shonibare aclara que: “El
globo terráqueo representa el mundo en oposición a este enfoque eurocéntrico”. Dentro
de esta gran producción (grande en cantidad y variedad) encontramos una saga completa
(que no forma parte toda de una misma muestra) realizada en torno a distintas esculturas
grecoromanas de la Venus.7

En 1997, Yinka Shonibare organizó un proyecto titulado Historias personales


portátiles, que presentaba una colección objetos personales expuestos en vitrinas en
museos de distintos personajes. Lo que el proyecto pretendía demostrar era la
maleabilidad de la identidad y el papel controvertido que desempeñan los museo en la
construcción "auténtica" de figuras y de historia. Curiosamente, en la exhibición de
Shonibare, eligió imaginarse a sí mismo como una vaquera afroamericana llamada Mary
Beth Regan, lo que la caja revela acerca de Mary Beth es su placer con los cigarrillos y
los cigarros, su amor por el color rojo como lo demuestran sus botas y pañuelo, y su
pasión por la música country.8

La vida ficticia de Shonibare reafirma su convicción de que el género es relativo.


Shonibare se esfuerza por socavar la noción de que cualquier identidad es algo cerrado y
un fin es si mismo. Su enfoque para subvertir las normas sociales y culturales se
entiende como un ataque a los valores hegemónicos dominantes, pero en el acto de
apropiarse de la identidad, específicamente de la identidad femenina, se convierte en el
personaje explotador que estaba tratando de denunciar. Al estereotipar la feminidad,
como se ejemplifica en su necesidad de categorizar a Mary Beth como una "reina del
desfile", reduce y devalúa títulos como insignificantes. Además, la manera en que las
personas han usado el cuerpo como una superficie inscriptiva enfatiza la importancia de
leer tales identidades como formas de autoafirmación.

Los temas que trabaja Shonibare han evolucionado, aunque siguen siendo fieles a su
crítica postcolonialista, enfocándose más en las construcciones de la identidad, los egos,
las culturas y las tradiciones, siempre desde su personal punto de vista.

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Referencia de imagen 3, 4, 5, 6 y 7.
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Referencia de imagen 9.

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4. EN NACIMIENTO DEL VENUS

Kaleidoscope (Calidoscopio) es un trabajo de Yinka Shonibare que explora lúdicamente


los estereotipos de género y las relaciones de poder: un caleidoscopio en forma de falo,
con el cuerpo bellamente decorado con los patrones de African wax prints por los que se
conoce al artista y la cabeza hecha de latón muy pulido.

A través de la abertura en la cabeza del falo se puede ver una imagen distorsionada del
Nacimiento de Venus de Sandro Botticelli. La imagen original de Botticelli que
representaba el nacimiento del ideal femenino como objeto de deseo, Shonibare la ha
reemplazado con una fotografía de un hombre negro desnudo bien dotado. El hombre
respeta la mirada baja, evasiva de la Venus, pero no esconde sus “partes íntimas”, aun
teniendo un manto en su mano, que recuerda a la Afrodita de Cnidos, decide exhibir su
miembro viril, sin taparlo tampoco con la mano como hiciera la escultura. Seria un
Venus “impúdico”.

Este objeto también se puede ver como una toma subversiva de Victoriana del siglo
XIX, y específicamente las imágenes de "peep show" de mujeres vistas a través de
dispositivos como caleidoscopios. Recupera un objeto de una tradición británica
familiar y lo subvierte mediante el uso audaz de los patrones de batik y transformando
la forma en la de un falo.

5. LA MIRADA MASCULINA

El concepto de la mirada masculina fue introducido por la crítica feminista en la teoría e


historia del arte Laura Mulvey en su ensayo Placer visual y cine narrativo que formó
parte de la revista Screen en 1975, volumen 16, no 3.

La "mirada masculina" invoca la política sexual de la mirada y sugiere una forma de


mirar sexualizada que empodera a los hombres y objetiva a las mujeres. En la mirada
masculina, la mujer se posiciona visualmente como un "objeto" del deseo masculino
heterosexual. Sus sentimientos, pensamientos y sus propios impulsos sexuales son
menos importantes que su "encuadre" por el deseo masculino.

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Adoptando el lenguaje del psicoanálisis, Mulvey argumentó que las películas


tradicionales de Hollywood responden a un impulso profundamente arraigado conocido
como "scopophilia": el placer sexual que implica el mirar. Mulvey argumentó que las
películas más populares se filman de manera tal que satisfacen la escopofilia masculina.

Aunque a veces se describe como la "mirada masculina", el concepto de Mulvey se


describe con mayor precisión como una mirada masculina heterosexual.

Los medios visuales que responden al voyeurismo masculino tienden a sexualizar a las
mujeres para un espectador masculino. Como escribió Mulvey, las mujeres se
caracterizan por su "apariencia de ser" en el cine. La mujer es "espectáculo", y el
hombre es "el portador de la mirada".

Las mujeres artistas han sido silenciadas a lo largo de la historiografía artística hasta
1970 aproximadamente, como nos aproxima Linda Nochelin en su ensayo “Porque no
han existido grandes mujeres artistas”, como tampoco el arte antiguo es global, sino
puramente occidental. Por lo que todo lo que refiere al arte que conocemos podría dejar
de considerarse arte en general, sino restringirse a ser llamado “arte masculino,
occidental y blanco”.

CONCLUSIÓN

“Intenté que esta pieza fuera tanto lúdica como seria: parece un juguete sexual para adultos, pero también
es un comentario serio sobre el patriarcado y la objetivación del cuerpo femenino en los medios de
comunicación, según la teórica de cine Laura Mulvey en relación a su concepto de “mirada masculina”.
CALIDOSCOPIO se entendió como "una para las damas" ... aunque creo que también puede atraer a
algunos caballeros ...” [Yinka Shonibare, 2015].

Por ahí se preguntaran porque tomo a Yinka Shonibare, artista nacido de género
“macho” para hablar de cómo la mirada masculina así como el patriarcado nos
influencian desde tiempos inmemoriables. Justamente porque encuentro en Yinka algo
que escapa a cualquier clasificación. Así como el no deja de representar sus orígenes
africanos ni su parte británica, no deja de representar en lo que hace a hombres y
mujeres, representa a lo que hoy en día se denomina, en la incansable lucha humana por
catalogar todo, el género fluido. Le artista se apoya en obras clásicas para evolucionar,

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expandir los límites de una raza, un género o una enfermedad. Demuestra que todos
estos motes identitarios pueden ser deconstruidos, subvertidos y/o puestos en cuestión.

El caleidoscopio de Shonibare realiza un acto de objetivación inversa, ya que el falo


erecto y el desnudo masculino ocupan el lugar históricamente ocupado por el cuerpo
femenino y, por lo tanto, lo llevan más allá del ámbito familiar de la mirada masculina.
Este “consolador” que además de haber sido expuesto en diversas muestras del artista
puede conseguirse por internet al precio de 3000 EU, metaforiza en múltiples capas la
cosificación del cuerpo femenino, y la del masculino también, el uso capitalista que se
hace sobre el sexo y pone en cuestión, como toda su la obra, la historia del arte en
general.

Yinka se considera un artista lleno de contradicciones. El desnudo femenino legitimado


por la obra El nacimiento de Venus es una contradicción en si. Se muestra desnuda pero
se tapa las partes íntimas y está a punto de ser cubierta. Exponer un cuerpo femenino
desnudo no sería un acto machista en sí mismo, es más, taparla por impúdica sería
peor... Lo que es preocupante es lo que refleja la obra de Guerrilla Girls 9: ¿Tienen que
estar desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Menos de un 5% de
los artistas de las secciones de arte moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos
son femeninos (en 1989. Para 2011 los números no habían variado tanto 4% de artistas
y 78% de desnudos femeninos).
Caleidoscopio da varias vueltas más a esta contradicción; cambia la imagen femenina
por una masculina, el modelo muestra su miembro pero baja la mirada, y la imagen se
ve distorsionada por el uso del objeto; del ojo a la punta del pene. Un juguete muy serio.
Shonibare no deja de abrir puertas y lecturas y así como el Nacimiento de Venus fue el
nacimiento de un ideal de belleza femenina, Kaleidoscope distorsionando la obra, y
reformulándola es nacimiento de una nueva mirada.

Venus históricamente ha reflejado un modelo de belleza femenina, un ideal del


comportamiento de la mujer virtuosa: lo suficientemente púdica para taparse pero
expuesta a la lascivia masculina, hecha para la reproducción, el goce del hombre y para
estar a su servicio, “nacida del semen de dios” y por otro lado el enemigo: celosa,

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histérica, envidiosa y competitiva. Esta historia con la que hemos crecido hombres y
mujeres, fue contada y retratada por hombres. Tampoco la historia debe ser reformulada
por completo, ni que lo deben hacer exclusivamente las mujeres, nuestra mirada
también esta impregnada de todas las imágenes con las que crecimos. La puesta en
cuestionamiento es lo necesario, exponer las contradicciones como lo hace Shonibare es
la posibilidad de poder empezar a entender el arte y, a través de este, a la cultura con
una mirada ya no masculina, tampoco femenina, simplemente nueva. Lo que ves no es
necesariamente es. Por lo tanto, es posible que necesitemos un tiempo para averiguar
más sobre algo antes de comenzar a hacer suposiciones al respecto.

Bibliografía:
-Linda Nochelin, 2001, ¿Por qué no han existido grandes mujeres artistas? en CORDERO, K.
y SAENZ, I., (comps.), Crítica feminista en la teoría e historia del arte, Universidad
Iberoamericana, México, UNAM.
-J. N. Bremmer, 1999, La religión griega. Dioses y hombres, santuarios, rituales y mitos. EL
ALMENDRO.
-V. Pirenne-Delforge, 1994, L’Aphrodite grecque. ATENAS Y LIEJA
-Rhonda L. Dano, 2012, The Performance of Femininity in the Works of Yinka Shonibare MBE,
Georgia State University
-Irene Calvo, 2016, Yinka Shonibare, postcolonialismo híbrido. AH MAGAZINE.
-Laura Mulvey, 1975, Placer visual y cine narrativo. SCREEN.
https://txtmnftdecine.files.wordpress.com/2017/11/placer-visual-y-cine-narrativo-laura-mulvey-
1975.pdf
-Janice Loreck, 2016, What does the Male Gaze Mean and what about a female gaze. THE
CONVERSATION.
https://theconversation.com/explainer-what-does-the-male-gaze-mean-and-what-about-a-
female-gaze-52486
-Entrevista a Laura Mulvey
https://cadenaser.com/programa/2017/06/18/la_script/1497783849_736724.html
-Entrevista a Yinka Shonibare para PBS News Hour, 12 de enero 2017
https://www.youtube.com/watch?v=ppEaihcfgi8
-Entrevista a Yinka Shonibare para Finalcial Times, 8 de diciembre de 2017
https://www.ft.com/content/cd190870-d901-11e7-9504-59efdb70e12f

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Referencias de imágenes:

1. Caleidoscopio, Yinka Shonibare, 1994

2. El nacimiento de Venus, Sandro Boticelli, 1485–1486

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3. Venus de Milo (after Alexandros), Venus de Milo, Grecia, 130-100 a.C


Yinka Shonibare, 2016

4. Venus de Medici, Venus de Medici, Grecia, Siglo I A.C.


Yinka Shonibare, 2016

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5. Afrodita de Knidos (after Praxiteles), Afrodita de Cnido, Grecia, 360 a.C.


Yinka Shonibare, 2017

6. Venus de Townley, Yinka Shonibare, 2017 Venus de Townley, Roma, S. I o II

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7. Venus de Arles, Yinka Shonibare, 2018 Venus de Arles, Grecia, 400 a.C.

8. Fake Death Picture (The Death of Leonardo Da Vinci in the Arms of Francois-Guillaume
Menageot), Yinka Shonibare, 2011

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9. Mary Beth Regan’s Case, de la exibición “Portable Personal Histories”, Yinka Shonibare,
1997.

10. Do woman have to be naked to get into de MET Museum?, Guerrilla Girls, 1989

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