Carolina

Muñoz:

Artista de lo onírico
Entrevista
Estudiantes: Narada Méndez y Francisca Moya.
Profesores: Paula Salas y Luis Alarcón
Ayudantes: Felipe Pineda y Mariana Barros.
Artes Visuales Hoy
8 de mayo de 2020
PRESENTACIÓN ARTISTA:
Carolina es una artista emergente de nacionalidad chilena y profesora de Ilustración
en el Instituto Profesional Arcos, cuenta con treinta y cuatro años y estudió Artes
Visuales en la Universidad Católica y luego Estética de la fotografía en la misma
Institución.
Comenzó su carrera artística sacando fotografías y no fue hasta el tercer año de
Artes Visuales que comenzó a pintar, gracias a la profesora Voluspa Jarpa, que le
aconsejo pintar además de solo sacar fotos. Desde ahí la artista se dio cuenta de
cómo tenía que continuar su carrera, de allí estudió Estética y encontró una base
teórica para sus representaciones, encontró que la psicología de las personas, su
mundo interior y especialmente su propia imaginación como el motor para muchas
de sus pinturas.
Ella es una artista que se llama a sí misma solitaria que no se preocupa por seguir las
corrientes artísticas que están de moda hoy en día, sus temas son atemporales y
pinta con una mirada introspectiva y sensible. Usando el óleo como medio, pinta
narraciones visuales con peculiares y extraños personajes. Tiene un interés por la
pintura de figuras humanas, un tanto caricaturescas. Se la relaciona incluso con el
ámbito figurativo, en especial la neofiguración y el surrealismo. Tiene un marcado
interés por la psicología relacionada al ámbito artístico, en especial con lo onírico en
la pintura. También cuestiona en su obra los espacios expositivos y su relación con
los espectadores. Sus personajes realizando acciones entre el hacer y no hacer,
ponen un tono absurdo y un tanto humorístico a su obra.
Ha colaborado en proyectos editoriales como Sub 30 (2014), libro que reunió obras
de 60 jóvenes artistas chilenos, y Ojo Andino Chile (2015), publicación de Luciano
Benetton que agrupó 170 obras de artistas chilenos.
En 2016 presenta su primera exposición individual, Fugas. Imaginación no es
Fantasía en el Centro Cultural Las Condes, Santiago, además de participar en
muestras colectivas es espacios como el Museo de Arte Moderno de Chiloé, Galería
XS y Galería Madhaus en Santiago.
Ha participado en concursos a nivel nacional e internacional, destacando su
participación en el Premio MAVI/Minera Escondida al Arte Joven Contemporáneo en
Santiago, siendo seleccionada como finalista en seis ocasiones (2012, 2013, 2015,
2016, 2017 y 2018), obteniendo el segundo lugar en la edición de 2018. Fue parte de
la selección final del Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa en Sevilla, en
2016; y obtuvo el segundo lugar del Concurso Artespacio Joven BBVA en Santiago,
en 2017. Ha participado en las ferias de arte Art Stgo (2018) y FAXXI (2015, 2016,
2017), ganando el Primer Lugar del Concurso GDF Suez en 2015 en esta última.
Actualmente vive y trabaja en Santiago. (De la sección Biografía de la Artista en la
página web de Isabel Croxatto).
Entrevista:
¿Qué referentes han sido relevantes para la construcción de su proyecto de
(investigación) obra (artistas, curadores, historiadores de arte, teóricos del arte,
profesores, galeristas, libros etc.)?
Respecto a referentes artísticos, siempre he seguido a Neo Rauch. Tanto como
referente artístico y de vida. Siempre lo he buscado como artista, la forma en que vive
su obra. Creo que esa es la idea, que el ejercicio del arte se transforme en una parte
importante de la vida. Por ejemplo yo estoy constantemente pensando mi obra, hay
que hacer un constante trabajo investigativo al momento de realizar trabajos
artísticos.
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1 “At the Well”: Four Paintings by Neo Rauch. David Zwirner Gallery.
2 Ralco (2016), óelo sobre tela, 200 x 250cm, Cortesía Kalli Rolfe Contemporary Art,
Melbourne.
Otro artistas que sigo desde hace mucho tiempo es Juan Dávila, artista chileno.
Respecto a su obra, me llama la atención el tono irónico de ella. Su uso de caricaturas,
publicidad e iconos de otras épocas, además de su paleta de color, me gustan
bastante como inspiración. Estos artistas tienen una veta más pictórica, menos gráfica
que la mía.

3 Henry Darger. a) Are almost murdered themselves though they fight for their lives
typhoon saves them... b) Vivian girls said Glandelinian tent, (n.d.). © 2017 Henry
Darger / Artists Rights Society (ARS), New York
Por último otro artista que me inspira desde su vida fue Henry Darger. Quien en vida
vivió en el anonimato como artista y que tras su muerte se descubrió en su casa una
gran cantidad de obras. Se dedicaba a pintar cuerpos infantiles, a quienes muchas
veces pintaba en situaciones violentas. Además pintaba cuerpos hermafroditas, y de
esa manera me inspire para pintar cuerpos más sintéticos, de donde tome la parte
más formal para mi obra.
En cuanto a coleccionistas, me gusta la colección SOLO, originaria de España. Ellos
compran obra de artistas contemporáneos, que tiene la particularidad de tener buena
técnica y ser muy figurativos. Mi sueño es ser parte de esa colección.
 
Respecto a sus estudios en estética de la fotografía, ¿Cómo ha influenciado este
campo de trabajo en su obra pictórica?
 Tuve que leer muchos libros de la parte más psicología del arte, de la poética.
Entonces como que me gusto mucho el tema psicologico, tambien porque iba muy
ligado a los sueños y yo siempre he estado bien ligada al tema de los sueños y las
pesadillas, entonces ahí fui encontrando a mis referentes, en la parte teórica. Aprendí
sobre cómo el hombre ve la imagen, como se traduce la imagen, como se lee, sirve
harto estudiar estética si uno está haciendo imagenes.
¿Cómo definiría la figura y la praxis del artista visual contemporáneo?
El artista ya es contemporáneo por el solo hecho de ser de esta época. Encuentro, hay
muchos tipos de artistas, hay quienes les gusta ser artistas por el nombre. Otros que
les gustas por la parte social y no producen tanta obra. Quienes generan una fórmula
exitosa comercialmente y repiten esta en su obra. Y a quienes me gusta llamar artistas
más underground, yo por ejemplo me considero más de este tipo. Quienes están más
ensimismados en su creación artística. Yo soy una persona muy solitaria, muy
comprometida en crear obra. Todos los días trabajo en mi taller.. La parte social para
mi es nula, estoy completamente concentrada en la pintura.
También hay muchos artistas contemporáneos que buscan dar el gusto al público.
Quienes buscan trabajar con las tendencias dentro del mundo contemporáneo del
arte. A mi por ejemplo me han dicho que no siga pintando, pues este tipo de trabajo
ya paso de moda. Sin embargo yo sigo en la pintura, soy perseverante en lo que hago.
Hay mucho arte contemporáne que no entiendo, que la gente no entiende. No por ser
artista debo entender todo lo que acontece en el medio. Yo veo esta etapa del arte
como una de experimentación. Pienso que hay mucha excusa también, se usa esta
experimentación para defender el no conocer y saber una técnica. Como artista uno
debe dominar una técnica, saber manejar un material con expertiz. Hay mucho arte
contemporáneo que creo, se sobrevalora.
Pienso que finalmente el artista contemporáneo debe ser auténtico. La autenticidad
va en la necesidad de hacer obra, no para los demás sino para uno. Hay que tener
seguridad en lo que se hace. No necesariamente una seguridad específica sino más
bien intuitiva sobre lo que se está haciendo. La validez de ese trabajo te lo va dando el
medio, al cual uno se inserta con dificultad. Como artista, si bien, hay que ser
autocrítico respecto a su obra, estar constantemente mejorando lo que uno hace.
 
Respecto a la pregunta anterior y a su obra ¿Cómo esta figura de artista
contemporáneo influye en las temáticas e imágenes de sus obras?
 
Esa cuestión de la temática de la obra, a mi igual me pesa harto. Como que me cuesta
un poco abordar una temática tan específica, como que nunca hago algo
determinado, como lo que esperan de una investigación de un artista. A veces claro
como que yo siento, que es como que estuviera aislada, del círculo que se mete en la
parte política, social del arte. Porque igual el medio contemporáneo te fuerza un poco
a trabajar la contingencia, pero la verdad esque a mi no me interesan esas cosas y por
eso esque no soy tan popular en ese sentido, porque soy más de trabajar la parte
interna, como autobiográfica, del ser, la parte más existencialista que la parte de
sociedad y el arte contemporáneo tiene mucho de eso. Igual he hecho obras
contingentes pero no me interesa mucho seguir con eso.
Igual de lo que hemos hablado de ti, como que tu eres una persona muy
introspectiva y quizá, eso es lo que a ti interesa, cómo trabajar con eso
Claro, es como usar la imaginación, como la parte que uno tiene dentro y  que hay
mucha gente que como que no le da importancia. Encuentro que es super importante
tener imaginación y sacar lo que tienes en la cabeza, por ejemplo un sueño que
tuviste, o una experiencia con algo, que te produjo una sensación rara, que uno no
sabe explicar pero que uno la puede poner en un cuadro. Como eso, cosas también
pequeñas que quizás no tienen una visibilidad fantástica como para hacer una obra,
pero sí hay cosas pequeñas en la vida que son experiencias donde uno puede
agarrarse, uno puede notar cosas, de ahí empezar a trabajar con personajes, a
trabajar las sensaciones. Por eso digo que soy un poco underground, como que me
siento un poco fuera de época, incluso.
¿Qué opinión tiene usted del sistema de arte local?, ¿qué destacaría y que
reprobaría?
Desde el comienzo como artista uno intenta introducirse en el medio local, donde se
comienza. Yo partí en las ferias de arte, donde se paga una suma importante para
tener un stand. En Chile el sistema es un poco cerrado y pequeño,  creo que hay pocas
oportunidades. Participe en variados concursos de arte chilenos, por ejemplo en
premio MAVI Arte Joven, participe 8 veces, de las cuales quede 6 y gane una vez
segundo lugar. Los premios monetarios sin embargo son bastante menores a los de
otros países. Es mucha la diferencia en el valor que se le da al arte en Chile, a
diferencia del extranjero. Por ejemplo cuando fui al extranjero, a Hong Kong en
específico, el valor de una obra para ellos era bajo a diferencia de la misma suma que
para consumidores chilenos es exuberante. Como artista en Chile, hay que buscar
mucho para ser medianamente conocida, a mi me fue muy difícil lograr entrar a una
galería, lo intente por mucho tiempo.
El sistema de galería es complejo para el artista, es un tanto invasivo para el. Uno
tiene que invertir un poco para participar de ese espacio, por ejemplo en mi caso, la
galería se lleva un 50% de la ganancia de la obra. El mundo de las galerías se asocia en
organizaciones como la AGAC, sin embargo no existe una regulación del medio. No
hay una ley que beneficie al artista, ellos pueden cargarte con cobros. Esas
condiciones las aceptas o te quedas fuera. Si no las aceptas pierdes la oportunidad, y
por lo tanto debes ceder en muchas condiciones para poder ganar algo de dinero en
este sistema.
Respecto a ese mismo sistema de arte; ¿Cómo se reflejan los distintos actores de ese
sistema en su obra?
Desde esa obra que está en el MAVI, empecé a trabajar con los espacios expositivos,
que me interesaba la parte más formal, trabajar con el espacio, por ejemplo con el
espacio de ferias de arte y usar ese espacio como que fuera una tela, que fuera un
espacio en blanco y uno dentro de ese espacio usarlo como uno quiera. Haciendo por
ejemplo instalación, pintura, performance, trabajando con distintas ramas del arte en
un mismo espacio, es lo que pasa en una sala de exposición de un artista
multidisciplinario o de una muestra colectiva. Yo veo mucho internet, entonces veo
muchas ferias y me gustaban mucho los espacios que se generaban, como cuando un
plinto estaba en cierto lugar, o cuando la pared convergia con otra, la parte más
arquitectónica. Entonces ahi arme la muestra que se llama “Blanco Universal”, que fue
la que tuve el año pasado, y esa muestra juntaba el espacio expositivo, que lo empecé
a trabajar cuando leí “Dentro del cubo blanco” de O'Doherty, También leí “La poética
del espacio” de Gastón Bachelard, entonces junte esos dos textos y me agarre de una
parte donde Gastón hablaba del blanco universal, y hablaba sobre la nieve y como la
nieve universaliza todo el espacio, porque cuando nieva todo queda cubierto, nada es
más ni menos que otro. Entonces trabajé con el cubo blanco, y el piso lo hice de nieve,
entonces ahí se juntaban las dos cosas, el blanco universal. Y en paralelo a eso trabaje
con la frase “Desaparecer en el espacio”, entonces por el blanco de la nieve y el
blanco del cubo, empecé a hacer que los personajes desaparecieran, pero no de una
forma literal, sino que de forma, por ejemplo, como que un personaje estuviera
haciendo una performance de magia e intentará desaparecer, o tratando de
desdoblar un personaje y desapareciera el cuerpo. Distintos tipos de desaparecer
como jugando. 
¿Cómo definiría conceptualmente su obra?,¿qué son para usted los materiales con
los que trabaja?, ¿qué es para usted la creación artística?
Como artista uno pasa por etapas en su obra. Yo he pasado por varias etapas en la
obra, pero nunca he dejado de lado la parte psicológica que abarca mi obra. Trabajo
con personajes, estos tienen cierta identidad o personalidad que los define. Siempre
he trabajado desde la psicología del personaje. No me defino como una artista
conceptual sino más bien narrativa. Hay una obra en especial que abarca un poco lo
conceptual, esta se llama “Happening”. En esta obra el espectador participa
artificialmente de la obra. En ella el personaje, dentro de un espacio expositivo
artificial, está siendo atacado con bolitas de nieve por este espectador imaginario
dentro de un espacio temporal. De esa manera en esta obra construyó como
concepto, el medio del arte, que en este caso es el happening, y el espacio expositivo
preconcebido. Cuando se conjugan en una obra varios de estos conceptos, uno como
espectador comienza a conceptualizar ficticiamente lo que pasa con la obra.

4 “Hapenning” Vista de la exposición
"Blanco Universal", de Carolina
Muñoz, en Galería Isabel Croxatto,
Santiago de Chile, 2019. Foto:
Sebastián González.
En sí sobre mi obra, yo intento hacer
visible una experiencia expositiva
para hacerla analizable por el
espectador. Pero al mismo tiempo
volverla una situación irónica, en ese
sentido yo soy un poco humorística
respecto a mis obras y personajes.
Definen mi obra como la parte
humorística o desechable del arte
contemporáneo. Mis personajes se
rodean un poco de lo absurdo, se
hayan realizando actividades que
van en el intermedio entre el hacer y
no hacer.
Sobre la materialidad, yo como artista no cuestiono tanto la pintura sino más bien la
imagen. Nunca me incitado dudas el trabajar en pintura. La técnica pasa a ser
secundaria, pues mis personajes y obras incitan más dudas. En mi caso mi obra es bien
plana, no trabajo la pastosidad del óleo. Pasa, la pintura, a ser una especie de
impresión sobre la tela, no dejó el rastro de la pincelada. La relación que uno tiene
con el material es más bien técnica. Ese es el contacto que tengo con mi material. El
material se vuelve imagen, no me cuestiono este en el hacer. La pintura es un medio
mágico, que tiene un proceso, sin embargo. Mi trabajo con el óleo es más
experimentación propia, no es tan académico mi saber.
Continuando con la pregunta anterior y respecto a sus dos exposiciones en solitario
¿Cómo cobra importancia el concepto de la “imaginación” y lo “onírico” para su
obra?
En la primera muestra que yo tuve. La muestra se llamaba “Imaginación no es
fantasía”, y era el proyecto “Fugas”. Y trabajaba la fuga de una forma más espiritual,
trabaje más la parte más imaginativa, como imaginarme como podría ser una fuga y
darle distintos enfoques, pero en donde trabaje lo más onírico, fue en mi muestra, de
mi examen de título que hice para la Católica, por ejemplo trabaje la catarsis del
sueño, que es una experiencia donde se te da un peso en el cuerpo y te quedas
paralizada y no puedes moverte y te da mucho miedo. Hice las representaciones de
muchas pesadillas, y lo fui uniendo un poco a la psicología de Jung, de cómo Jung veía
las pesadillas o veía los sueños en imágenes, de cómo los personajes jugaban un rol
allí, o por ejemplo la sensación de un deja vu, que a uno siempre le pasa. Pero no es
que yo esté dando la verdad de las cosas, si no que es solamente mi apreciacióN. Y no
representar literalmente tampoco, si no que buscar ciertos guiños de esa misma
sensación y volcarla a una representación, pero siempre un poco burlesca, yo siempre
me voy a ese lado, no tan serio. No como uno podría representar una pesadilla donde
hay sangre dónde está la muerte , que se yo. Como que yo no uso mucho esos
conceptos, son como conceptos muy clichés. Me gusta ser un poco más creativa en
ese sentido.
Respecto a su primera exposición Fugas. Imaginación no es fantasía, El término
fugas ¿Qué importancia cobra dentro de su obra? Y ¿qué significado tiene para
usted y sus trabajo?
Cuando estaba realizando esta producción, “fugas” significa la sensación de botar
energía. Por ejemplo representa la fuga de energía a través de la luz, de rayos de luz
que salían de distintos objetos, donde los personajes dialogaban con ellos. En una
obra, “Fuga en la montaña”, hay una fuga de luz que no proviene de su fogata, sino de
una tubería en la montaña. En otro cuadro los personajes captan esa luz, esa energía.
Trato de replicar esos estados cuando energía repentina llega a nuestro cuerpo y no
sabemos cómo gastarla. Es energía que no sabemos dónde va ni de donde proviene.
¿Considera al otro (al público) cuando produce su obra?
Muchas veces en las galerías te piden, “¿Como quieres que el público vea tu obra?”, y
yo nunca tengo una respuesta a eso, porque lo que yo hago lo hago para mí, no lo
hago para agradarle a alguien, como un público. Lo que yo hago surge como una
necesidad de hacer obras, y ¿Porqué surge la necesidad de hacer obras?, porque
cuando yo veo la obra, me produce un placer y ese placer siempre lo quiero tener..
Pero también a uno le produce placer, mostrar lo que uno hizo, porque uno lo sube a
instagram y también uno tiene esa conexión con el público, y uno no puede negar que
es rico que te digan “Que esta buena tu obra”, igual tiene esa parte, de que te hagan
una buena crítica. Y bueno, uno no piensa en llegar al espectador que te va a comprar
la obra, sino que uno piensa en el público en general, que la cuestión de la venta, es
algo secundario. Para mi el público, aunque yo diga que pintó para mi, igual me
importa, porque me gusta mostrar lo que hago, y también por ejemplo en las ferias
más amateur, por ejemplo la FAXXI, yo estuve ahí y era interesante tener la conexión
con el público y ver que qué pensaban de tu obra, a veces descubren cosas que uno
no había pensado. Entonces cuando termino una obra y la muestro, yo pienso que va
ha decir el público, no cuando la estoy haciendo.
  5 Carolina Muñoz. Fuga en
la montaña. Óleo sobre
tela. 120x120 cm. Catálogo
Premio Mavi Arte Joven.
¿Cómo entiende usted la
relación arte y política?,
¿qué opina de la dicotomía
entre arte decorativo y arte
crítico?, ¿considera el arte
como un instrumento de
transformación social?
Hay artistas que trabajan
las temáticas políticas, yo lo
encuentro muy interesante,
el diálogo que conforman
con el espectador. Obras
que entregan una especie
de respuesta u opinión sobre cierto tema político o social. Pero yo creo que el arte no
salva el mundo, uno no tiene el deber de resolver intrínsecamente algo político o
social a través del arte. Pero, uno sí puede visibilizar a través del arte cierta situación
social o política. En cuanto a mí, como artista, no me siento con la obligación de
resolver estas problemáticas. Pero uno no se puede hacer el tonto, uno está inserto
en una sociedad donde esto está presente. Esto puede gatillar tu obra directa e
indirectamente. Respeto a las personas que realizan arte político, siempre y cuando su
concepto y obra tenga sentido para mí. Cuando la obra tenga un respaldo teórico
sólido de su sentido político.
sin duda es una parte), sino para el avance y desarrollo propio. Debe haber una
fidelidad a mis procesos creatviso propios. Un trabajo de investigación creativo que
debe mezclarse con la vida cotidiana. El quehacer constante de la imaginación y la
técnica hace a un artista más valorable. El valor sin embargo, pensamos, no solo lo
da la técnica también su sustento. Carolina daba alta importancia al dessarollo y
expertiz en la técnica en la obra. Un artista tiene que poseer un dominio del
material, pero, pensamos no es lo único relevantre. También como lo marcó la
entrevistada, el desarrollo de un trabajo teórico detrás de la obra puede definir la
importancia de un trabajo. Así como explica la artista, detrás de cada cerador hay un
contexto que va definiendo e influenciado la obra directa e indirectamente. Es
importante reocnocer el lugar de donde uno proviene, el lugar desde donde se crea,
la historua que nos rodea, la cual perme nuestro proceso creativo.
Por otro lado encontramos bastante valorable la sutileza con que trabaja Carolina.La
importancia qque le da a los procesos simples que rodean el trabajo artístico. Tanto
la valoración que da a la imaginación, y a los procesos psicológicos que rodean la
obra. Desde una vision téorica más compleja, la entrevistada exploro el mundo de la
psicología en el arte. Y eso hizo que valorara los procesos corporales-mentales que
pasan a convertirse en obra. Pensamos, es importantísimo visibilizar estos caminos,
como lo hace ella a través de su pintura. Una revalorización importantísimo de lo

Reflexión final

La mirada de Carolina nos parece bastante sincera, una persona honesta con su
trabajo y con sus procesos creativos. El medio del arte es un lugar duro para el
artista chileno, es un sistema que no favorece al reconocimiento de los artistas, ni
ebvalor monetario, ni creativo. Chile a diferencia de otros países por lo que nos
cuenta la artista es un país menos interesado en dar valor a la obra. Un medio
elitista y antojadizo. Sin embargo damos cuenta, no respaldando eso, que el trabajo
duro y persistente del creador puede dar frutos de manera gradual. El desarrollar un
temática, e investigación propia y auténtica para cada uno, es importante al
momento de crear obra. Vemos con esta entrevista que el creador debe ser
auténtico y fiel consigo mismo, crear no solo para el reconocimiento externo (que simple de la condición humana.