Una decada rapida y furiosa con Pixies, Public Enemy,

the Jesus and Mary Chain, New Order, Prince y mas.

Se ha dicho que los años ochenta son los responsables de las peores modas, modas y música
de cualquier década del siglo XX. Pero a medida que vemos la década reciclada y actualizada
con el minimalismo post-milenial, se está volviendo claro que la década de 1980 tuvo más
que ofrecer de lo que les hemos dado crédito. A medida que el calendario dejaba atrás los
tonos terrestres y el poliéster de la década de 1970, los músicos miraban hacia el futuro en
busca de inspiración en nuevos géneros. Ahora, en 2002, Pitchfork trata de demostrar que,
en medio del suave jazz de Kenny G, el alma de vainilla de Hall & Oates y el rock de Warrant
hay una revolución en el sonido. El respeto es debido.

El asno ciego del futuro de Reagan estaba desreglamentando todo y la

cocaína tenía a nuestros padres en su confuso dominio. Estos
reaccionarios del Distrito de Columbia se esforzaron por establecer el
récord. "Betray", "Look Back & Laugh" y "Out of Step" siguen
pisoteando, y los gritos abrasadores y rebeldes de Ian MacKaye todavía
hacen que los sordos se vuelvan locos. ¿Cómo fue Minor Threat tan
rápido y tan fuerte, tan crítico y atractivo, este mínimo y tan expansivo?
Este álbum puede servir como la lección # 1 cuando sus hijos tienen la
edad suficiente para preguntarse: "Papá, ¿qué es un Fugazi?
La tercera banda completa de Gang of Four dejó atrás el sonido seco y no
afectado que hizo que sus dos primeros discos fueran tan inmediatos y
arriesgados, en lugar de eso, tomaron las señales de textura del R&B moderno
y recuperaron la mayoría de los tempos para una marca de funk-rock más
abiertamente bailable. La guitarra de Andy Gill fue más controlada, aunque
aún está marcada por el abridor "Call Me Up", y establece algunos de sus
característicos riffs ásperos en "It Is Not Enough". El cambio de la banda a un
sonido más producido fue más evidente en la el inmortal "I Love a Man in
Uniform", con sus voces femeninas de apoyo, mientras que "We Live as We
Dream, Alone" los encontró escribiendo una verdadera canción pop, aunque
una sobre el vacío de la búsqueda material. Desafortunadamente, Gang of
Four se desvaneció terriblemente después de este álbum, pero en cuanto a las
últimas hurras, Songs of the Free es sobresaliente.

El tercer álbum de los Cocteau Twins se tituló de manera bastante simple.

Treasure fue un adjetivo para las interminables líneas melódicas inventivas
que encontrarás enterradas en estas canciones y un verbo para lo que harías
con ellas durante los próximos años. Con la incorporación de Simon
Raymonde a la guitarra, los Mellizos se habían movido más allá del
malhumorado sonido de Garlands y habían llegado a su característica etérea.
Las pistas de la caja de ritmos agregaron un toque de nitidez a algunas
canciones, especialmente el mini-hit de la pista de baile de los 80 “Lorelei”.
Pero como siempre, fueron las voces angélicas de Elisabeth Fraser las que
lograron consolar, confundir y mistificar al final, combinando perfectamente
el título de canciones. Poner palabras a los Mellizos Cocteau a menudo parece
inútil; En su propia y única forma, la transmisión de la glosolalia de Fraser
habla por sí misma.
Este álbum es nada más ni menos que lo que reclama su título. Básicamente,
su único gran sello discográfico, es su hechizo / homenaje al rock'n'roll, y lo
atacan desde todas las direcciones: como icono (la imagen de Elvis incluida
en la portada), como mercancía (del comercio de esclavos en " Amnesia "a la
correlación de Sally Timms del sexo y el rock como elementos vendibles),
como el momento más bajo de una noche oscura ("Only Darkness Has the
Power"), pero lo mejor de todo, como una roca bruta que es jodidamente
volcánica.

Además de ser, junto con Minor Threat, uno de los Leones de lo que
eventualmente se convertiría en el poderoso Voltron de Fugazi, Rites of
Spring también fueron, hace un tiempo, abofeteados con el ahora dudoso
título de "padres del emo". En aquel entonces, de Por supuesto, no había
necesidad de avergonzarse de la hijastra llorona y mimada del punk; Incluso
antes de que la multitud de lentes con montura de bocina comenzara a comprar
la ecuación de laringe = sinceridad desgarrada, Guy Picciotto y el resto de la
banda simplemente lo estaban dejando histriónicamente. Una amenaza menor
podría haber sido la conciencia de la escena de D.C., pero Rites of Spring era
su corazón secreto, acelerado y palpitante.
Cuando escuché por primera vez el término "electroclash", pensé que sonaría
como el malvado Duran Duran. Ahora sé que no suena lo suficiente como el
malvado Duran Duran. Duran Duran perfeccionó lo que muchas bandas
británicas aburridas y oscuras habían estado haciendo antes que ellos:
mezclando ritmos colonialistas con sintetizadores de bala de zafiro y latón
hosco. La banda salpicó los ´80 con una serie de sencillos (la mayoría de los
cuales se pueden encontrar en el lado imparable A de Río) antes de partir hacia
el país de MOR. Recordarás con mayor facilidad las aventuras de Simon
LeBon en la jungla de la canción principal y "Hungry Like the Wolf", pero
también explota "My Own Way" y "Hold Back the Rain" fuera de tu
subconsciente. Elogiar este álbum podría ser como darle el visto bueno a *
NSYNC dentro de 10 años, pero hasta entonces, MI NOMBRE ES RÍO Y
ESTOY BAILANDO EN LA MALDITA ARENA.

Al igual que la manzana y el pastel, como el bajo y las pelotas, el country 'n'
hardcore simplemente va de la misma manera que los estadounidenses Si bien
el segundo registro de Meat Puppets a menudo se archiva en esta fusión (y se
lo acredita como el primero en hacer la conexión), realmente hubo mucho más
de lo que la etiqueta "cowpunk" puede explicar. El empuje principal del álbum
fue más psicodélico, usando la estrechez claustrofóbica del punk y la
inmensidad de la Americana como metáforas principales, analogías de dos
estados distintos de estar realmente malditamente asustados. Y mientras que
muchos de sus herederos acertaron en la parte punk, pocos pudieron
aproximarse a los enormes y encantados espacios que se esconden en los
rincones más oscuros de este álbum, amenazando con tragarse incluso el
arrebato más maníaco de la banda.
En 1980, los críticos ya estaban ansiosos por declarar a David Bowie D.O.A.
Se preguntaban dónde podría ir después de su espectacular y antiséptica
trilogía de Berlín (de la cual, se sospechaba, Brian Eno era realmente el genio
detrás). ¡Ciertamente, él no podría ser más vanguardista! Todo lo que necesitó
fue unos pasos atrás de la franja musical y el nervio, barriendo la obra de rock
Scary Monsters para callarlos. Uno de los discos más extraños de Bowie, el
borde guiado por la guitarra de Monsters dio un breve guiño al final más
artístico del movimiento punk pasajero (incluido "Kingdom Come", escrito
por el líder de Television Tom Verlaine), pero lo combinó con el infalible pop
de Bowie. El resultado es un registro de emoción, tensión y simplicidad
sorprendentes, y el último de los álbumes verdaderamente excelentes de
Bowie.

Descubierta en 1975 por David Gilmour de Pink Floyd, Kate Bush comenzó
y terminó su carrera con un sentimentalismo bañado en nuevas épocas y
fantasías de unicornio. Sin embargo, en el corazón de su discografía se
encuentra este largometraje poco característico y progresivo, cuyos
sorprendentes arreglos son ayudados por su sintetizador / muestreador
Fairlight y sumergidos en una producción cristalina alucinante. El lado uno
comienza con "Running Up That Hill", configurando la escena con tensión y
galopando con percusión programada, y termina con la balada de conspiración
del gobierno "Cloudbusting", que se filtra sobre cuerdas como el nailon
líquido. Pero es la suite en el lado dos lo que es increíblemente inexplicable,
e incluye diferentes canciones unidas por un palito de ensueño. Su canto es
seductor y parecido a un espectro, especialmente cuando se le unen voces sin
cuerpo y un grupo coral acuático y distante.
Me atrevo a cualquiera que escuche el cuento de pesadilla de "Johnny Hit and
Run Paulene", que realmente se hunda, y que no me moleste ni un poco la
obra maestra nihilista de X. The Stooges, The Dolls, y Richard Hell (entre
otros) dieron voz a la mentalidad de "no hay futuro, no hay problema" del
creciente movimiento punk de la costa este de los Estados, pero tomó una
media década y una banda de la costa oeste para realmente clavarlo. El susurro
de John Doe y Exene Cervenka hablaba de la desesperación, pero la guitarra
de Billy Zoom producía versiones distorsionadas de punk de riffs de rock de
los 50 de sentirse bien; Los Ángeles era el sonido de la cultura juvenil que
corría alegremente hacia el olvido. En el momento del lanzamiento de este
álbum, Richard Meltzer llamó a X "la única banda de punk con media
oportunidad de éxito comercial en Estados Unidos hoy". La verdad es que
nunca tuvieron una oración; Eran mejores que eso.

En un mundo perfecto, los Red Hot Chili Peppers se disolvieron al escuchar

esta catastrófica losa de Kinky Trip-Funk. No estoy seguro de que Jane’s
Addiction haya sido más que una amalgama de sus influencias titánicas
(Rolling Stones, Led Zeppelin, Velvet Underground), pero creo que Dios le
otorgó a Perry Farrell una pequeña ventana de genio antes de desterrarlo. El
olvido de balderdash-boca. Sabes que estabas esperando un video de Britny
Fox o Bulletboys en el "Headbanger's Ball" de Adam Curry cuando la
"Mountain Song" de Jane's Addiction te sorprendió. Tan alucinógena como lo
era la conciencia social, la ironía principal de este álbum fue que sus números
asesinos fueron reconsideraciones de canciones del debut de la banda ("Jane
Says", "Pigs in Zen"). Dios bendiga la costa oeste de vez en cuando.
Cuando John Zorn y Sonic Youth se acercaron a la vanguardia desde un fondo
ya rico del punky-dadaism de Nueva York, los aburrimientos de Osaka
aparentemente surgieron de la nada a fines de los años 80. El primer
largometraje de Boredoms dio a los oyentes aventureros algo perturbador y
más que un poco estúpido de masticar, pero Soul Discharge fue posiblemente
su mejor ejemplo temprano de sus emocionantes arrebatos en pantalla ancha.
Tocaban los riffs del sábado sobre el destartalado, los golpes de las cavernas
de la Corte Japonesa; se las arreglaron para destrozar hasta la libra de garaje
más rudimentaria, creando una banda sonora para toons de pornografía y
destruyendo gatos; y, por supuesto, lograron proporcionar toda una vida de
atascos a una fracción de la cordura. Claro, el Sr. Bungle y Melt-Banana
tomaron algunos consejos aquí, pero al final, no hay influencia. Sólo
Boredoms.

Más lejos que la predecesora, la epopeya de 1987 The Perfect Prescription,

Playing with Fire muestra a Jason "J Spaceman" Pierce y Pete "Sonic Boom"
Kember que se separan, escribiendo canciones solo más a menudo que juntos.
Los dos se dividirían en Spiritualized y Spectrum poco después. Aunque su
distancia entre ellos se muestra en la composición de las canciones aquí, la
ejecución es otra cosa completamente. Las guitarras de Pierce y Kember
todavía se unen en felices hélices dobles, y sus voces aún se unen en la
reverberación del cañón. Playing with Fire, su último álbum realmente
trabajando en conjunto (sería el último huracán de Spacemen 3 antes de la
desaparición de Recurring, que virtualmente existe como una compilación de
material en solitario de los dos miembros), es Spacemen 3 saliendo con una
supernova, y dejando a los poderosos espirituales interplanetarios " Come
Down Softly to My Soul ", " So Hot (Wash Away All of My Tears) ", y la
impresionante versión original de "Lord Can You Hear Me?" en su estela de
vapor.
Nadie hizo que la combinación de ambigüedad de género y jadeo de
sexualidad pareciera tan correcta y natural como Prince, un forastero atrapado
en una ciudad del medio oeste de tamaño mediano con pelotas para lucir un
maquillaje pesado, medias hasta el muslo y bragas de bikini mientras se abre
para The Rolling Stones. Dirty Mind es Purple One en blanco y negro, todavía
sin tocar por la pesadez espiritual que colorearía su trabajo a medida que
avanzaban los 80. En este punto, todo lo que quería era bajar, en ambos
sentidos de esa palabra. La música es increíblemente magra, con la grabación
en seco y la producción mínima que sirve como la lámina perfecta para la
decididamente húmeda y exuberante fisicalidad del tema. Catchy electro-pop
se encuentra con el electro-funk bailable, Dirty Mind es el primer gran álbum
de Prince.

Parece extraño pensar que Sting podría haber encontrado su mano tan
firmemente atrincherada en la dirección del pop moderno como lo hizo
alrededor de este álbum. Recién llegado de la reinvención casi sin
intervención de la policía de cómo se suponía que debía sonar el radio rock
con sus tres discos anteriores, Sting se transformó de un lindo cantante de
onda nueva a Serious Artist. Tal vez eso significó una fatalidad para la banda
(que era más que la suma de sus partes como una cuestión de práctica), pero
incluso con una revisión de sonido jazzy (cortesía del mega productor Hugh
Padgham), se encontraron pocos efectos negativos en este disco. La
sofisticación texturada recién descubierta a través de sintetizador y piano,
bocinas, muchas voces masivas y, por lo general, aborda el reggae y el ska
con ligereza, además de algunas de sus mejores melodías ("Every Little Thing
She Does Is Magic ", " Invisible Sun ") - traducido a un clásico curiosamente
subestimado.
Graceland fue una controvertida grabación en su día, trascendiendo la
prohibición cultural de los EE. UU. En Sudáfrica para exponer al vibrante
movimiento musical mbaqanga de los vecindarios negros de la nación al
mundo. Pero Graceland fue un logro musical fenomenal desde cualquier
perspectiva: una fusión de estilos sin esfuerzo (música coral del mambazo
zulú, zydeco, country, etc.) que parece poco más aún hoy en día. La mayoría
de nosotros, incluido yo mismo, escuchamos por primera vez este disco en la
casa, ese álbum raro con el que tropezaron nuestros padres y que todos
pudimos cavar. A través de todos mis cambios en el gusto musical en esos 15
años, punk, prog, vanguardista, electrónico y en adelante, este disco nunca
estuvo lejos de mi estéreo. Su atractivo es verdaderamente universal.

Las hermanas Renee, Valerie y Marie Scroggins, y el bajista Leroy Glover

formaron ESG en el sur del Bronx a principios de los años ochenta. Aunque
influenciados principalmente por Motown soul y jazz, sus habilidades
rudimentarias en sus instrumentos los forzaron a crear algo propio. Lo que
obtuvieron fue el sonido profundamente minimalista y espacioso de los
barebones, ritmos de baile sin electrónica sumergidos en una reverberación
turbia, pero realizados con una vitalidad juvenil y cargados de gritos alegres.
Su música es casi toda latente: polirritmos sueltos, africanos y líneas de bajo
apuñaladas debajo de las voces de las niñas. Curiosamente, su primer
lanzamiento vino con un 7 '', producido por Martin Hannett, en Factory
Records, lo que motivó el interés de 99 Records, con sede en la ciudad de
Nueva York, que contrataron a la banda en clubes punk donde abrieron para
muchas de las otras bandas. en esta lista (Public Image Ltd, Gang of Four,
etc.). Se disolvieron después del lanzamiento de este álbum, pero la amplia
muestra de su música de leyendas del hip-hop como Wu-Tang Clan, Public
Enemy, Big Daddy Kane y Beastie Boys es un testimonio de su influencia.
Además, es un disco de fiesta de kickin.
Talk Talk dio su primer gran paso para salir de new wave y convertirse en
algo completamente diferente en The Color of Spring, abriendo su música a
estructuras más sueltas y texturas extrañas. Los ritmos todavía estaban
gobernados mecánicamente, pero las guitarras eran enormes, la voz de Mark
Hollis más enigmática y la paleta sonora mucho más amplia." April 5th " y "
Chameleon Day " fueron los que más se anticiparon a las futuras instrucciones
de Talk Talk y hoy sugieren algo así como que Peter Gabriel inventó post-
rock 10 años antes de lo previsto. Talk. La apreciación única y equilibrada de
Talk Talk por los gestos de barrido, el gran sonido, la composición
minimalista y la importancia del espacio creado para una música singular, y
se mostró aquí en su forma más accesible.

Mark E. Smith nunca ha sido fácil de descifrar, pero el título del sexto álbum
de The Fall, Perverted by Language, puede tomarse literalmente. Líricamente,
Smith distorsiona e interrumpe el inglés estándar a través de narraciones
anudadas y giros extraños de la frase. En Perverted by Language, los
significados de sus historias torcidas se transforman en función de cómo
gruñe, escupe y exhala. "Eat Y’self Fitter" cuenta las pesadillas de un gerente
medio; “Tempo House” teje una historia en ángulo de la Europa de la Segunda
Guerra Mundial; “Smile” confronta la gentrificación progresiva; y "Garden"
plantea una historia surrealista alternativa de la creación de Dios. Todas estas
ideas densas están rodeadas de música cada vez más expansiva y arriesgada,
incluso cuando la incorporación del guitarrista y cantante Brix Smith acercó
el otoño al pop. Mientras que muchos de sus compañeros post-punk originales
se estaban separando o estableciéndose en surcos, Pervertido por el lenguaje
era una clara señal de que la Caída no tenía planes de disminuir la velocidad
o desvanecerse.
Aunque una vez se vio como una parada en el camino a la obra maestra de
1990 de Cocteau Twins, Heaven or Las Vegas, Blue Bell Knoll ocupa su
propio espacio maravilloso en el canon de la banda. Es el sonido del trío de
Dream pop que explora el terreno musical más allá de su capullo sónico
densamente tejido; la apertura del álbum, la canción del título puede culminar
en una oleada de guitarra Robin Guthrie estratosférica adecuada, pero monta
un bucle de piano barroco encantador para llegar allí. "Carolyn's Fingers" es
un éxtasis en la excelsis, con la mezcla bailable de la canción alzando la voz
de Liz Fraser en una unión de estudiantes indios discoteca y la ópera. El
primer álbum de Cocteaus en recibir un lanzamiento propio en Estados
Unidos, Blue Bell Knoll es un disco que atrae a la corriente principal del pop
a través de su producción nítida y radiante, y también lo rechaza audazmente
a través de canciones con vocales vocales que son casi imposibles de cantar.
Rara vez se ha renderizado la inescrutabilidad con una claridad tan
deslumbrante.

¿Bob Mould, inteligible? ¡Nunca!” Créelo. Después de la furia de Zen Arcade,

Mold decidió seguir la pista de composición de Grant Hart (bueno, la mayoría
de las veces) y acercarse un poco más al pop, mientras que las canciones de
rock más estrictas de Hart entraron en un territorio casi tradicionalista. Dado
que las guitarras aún zumban, se mueven a la par, y se sobrecargan, New Day
Rising estaba tan nerviosa como tremendamente accesible y enormemente
accesible. Más que Zen Arcade, New Day Rising predijo el excelente
proyecto post-Hüsker de Mould, Sugar, y, por extensión, el panorama general
del rock alternativo / indie en el que la banda encaja perfectamente.
Como a veces se cuenta la historia, Göttsching se detuvo en el estudio durante
un par de horas en 1981 e inventó el techno. E2-E4 es el argumento más
convincente de que el techno vino de Alemania, más que cualquier otro álbum
de Kraftwerk, de todos modos. La funda atribuye al ex líder de Ash Ra Tempel
"guitarra y electrónica", pero pocos pudieron estirar ese escaso conjunto de
herramientas como Göttsching. Göttsching tocó su guitarra como un
instrumento de percusión sobre un vampiro sintetizador de dos acordes
celestial y secuencias y tambores simplemente con una secuencia, creando
música que define la palabra "hipnótico" en los 60 minutos de la única
canción. Una pieza clave en el rompecabezas de la música electrónica que ha
sido comprobada, modificada y ampliada en innumerables ocasiones.

¡Atrapa sus fallas no secuenciales antes de que fueran de rigor! En mis sueños
de robo de bancos, arruino al siguiente gilipollas perezoso que describe a esta
banda como "peculiar". ¿Qué significa eso? “Ana Ng” y “Purple Toupee” son
lo que sucedería si las canciones punk se emitieran desde el corazón y el
cerebro y no desde los puños y la polla. Sí, su afligida danza polka puede ser
una distracción sonora; En una entrevista alrededor del Apollo 18, John
Flansburgh tuvo que recordarme que sus canciones eran tristes, que el tema
principal de TMBG era el "temor existencial". Lejos de ser un Devo castrado,
They Might Be Giants escuchó cómo no podemos controlar “Where Your
Eyes Don’t Go" y cómo "They’ll Need a Crane" para desmantelar nuestras
inversiones románticas. Wallace Stevens es citado. Santa se cuckolded Las
identidades se invierten. La adicción al trabajo se engaña. El catolicismo se
ensombrece. Amén.
Es difícil creer que los Smith no supieran que Strangeways, Here We Come
sería su último álbum mientras lo grabaron. (El guitarrista y compositor
Johnny Marr abandonó la banda poco después de las sesiones). El título en sí
mismo sugiere que es hora de dejarlo a un lado, Strangeways era una prisión
británica notoria, y la música es más suntuosa y más agridulce que el trabajo
anterior de la banda, como si Estaban elaborando su propia elegía. En
retrospectiva, el melodramático " Last Night I Dreamt That Somebody Loved
Me" suena como una despedida ("Dime cuánto tiempo/antes de la última").
Pero Strangeways también miró hacia adelante: Marr insistió en no repetir el
sonido de guitarra del grupo, en su lugar usó más instrumentación orquestada,
y el abridor "A Rush and a Push and the Land Is Ours" incluso se deshizo de
la guitarra por completo. El humor evocador y ronco de Morrissey permanece
intacto, pero Strangeways es más poderoso, ya que revela la tensión entre lo
que eran los Smith y lo que podrían haber llegado a ser.

Dados los tiempos, esas primeras barras afiladas y punzantes del abridor de
Stands for Decibels, "Black and White", podrían haberse convertido en
cualquier cosa. Sin embargo, algunas medidas más tarde, un líder infeccioso
y fluido anuncia las lealtades de dB a los ideales más básicos del pop y la
maleabilidad del pop en los pares adecuados de pequeñas manos sudorosas.
Como esa gran estrella inteligente, los dB's basados en Winston-Salem, N.C.
eran, como esa banda, una poderosa insinuación de las intenciones del Sur de
volver a crecer. Y, de hecho, las melodías de ojos estrellados de Peter
Holsapple y la puta rítmica y de producción bizca de Chris Stamey allanaron
el camino para R.E.M. y la legión de rockeros universitarios, tanto
enamorados como frustrados con el rock, que pronto marcharán hacia el norte
hacia el centro de atención.
Cuando escuchas a la gente asentir con la cabeza y decir "hoy el hip-hop no
es tan bueno como esa mierda de la vieja escuela", Criminal Minded de BDP
es la "mierda de la vieja escuela" de la que están hablando. BDP estableció el
modelo para el hip-hop verdadero, con Blastmaster KRS-One que suministra
rimas callejeras sobre la bella producción de Scott La Rock. "The Bridge Is
Over", de influencia jamaicana, dirigida a las leyendas del hip-hop de Queens,
Marley Marl y MC Shan, puede ser la mejor canción de todos los tiempos.
¿Alguna de las lecciones de The Teacher alguna vez compitió con la brutal
honestidad del coro con "The P Is Free", donde el Blastmaster raps, "The
pussy is free, pero crack crack money"? En una palabra: no.

Mekons es una de las pocas bandas en la historia de la música que puede

afirmar haber nacido un género: folk inglés, ritmos dub, estética punk y un
glaseado de rockabilly en Fear and Whiskey, y de alguna manera, de todo eso,
surgió algo. la gente ahora se refiere cariñosamente como "country
alternativo". Los Mekons eran tan enigmáticos como vienen, al fusionar la
política populista anti-conservadora y los deseos humanistas con las raíces
más básicas del rock, y como tal, Fear and Whiskey es como un campesino
borracho enseñándote sobre los puntos más sutiles de la economía socialista:
es divertido, informativo y surrealmente entretenido. Hay que escucharlo para
creerlo. Pero, sobre todo, solo hay que escucharlo.
Los cuatro jinetes del Apocalipsis giran sobre sus corceles, cortan sus
gargantas y diseñan a partir de las fauces conectadas un arado con el que
excoria la Tierra: The Horse Rotorvator. Esta visión apareció como un sueño
para John Balance y se convirtió en el título de su segundo álbum. La mayor
parte de estas canciones son grandiosos y amplios tratamientos de temas de la
muerte y la traición, forjados en un collage de ruidos y ritmos inquietos. Coil
siempre fue de su propia raza, pero el drama consciente de la cultura industrial
de las ochenta medias estas meditaciones sombrías. Son los pequeños detalles
los que son realmente desconcertantes: un niño que se ríe, que la tela cruje y
se desgarra, o el vacío de silencio después de que una banda de música pasa.
Igualmente, austero, humorístico y aterrador, Horse Rotorvator se erige como
uno de los proyectos más singulares de su década. Solo asegúrate de comprar
una copia acuñada oficialmente; Coil ha maldecido a los diferentes bootlegs.

Curt Kirkwood: hoy, en la mitad del camino, es el estándar oficial para las
líneas de doble amarillo en su Arizona natal. Sin embargo, de regreso en el
´85, la firma de Kirkwood, Kirkwood & Bostrom presidió uno de los álbumes
más populares (y, al mismo tiempo, locales) de la era. Desechando la mayor
parte del punk sobre el que habían construido su reputación, los Cachorros
parecen estar ligeramente aliados aquí a una especie de funk de doble
articulación, aunque el rastro de influencias se pierde rápidamente en el cálido
brillo febril de "Hot Pink" "Swimming Ground", y la pista del título
maravillosamente extraño. Esto hace que sea aún más difícil fijar las bandas
que Up on the Sun ha influido; En todo caso, el álbum parece ser emblemático
del giro a la izquierda de Sonic, a menudo tan laborioso en el indie rock pero
tan sin esfuerzo aquí, que ataja el largo y aburrido camino de la tradición del
rock para llegar a esa gran montaña de canción.
La fama para the Replacements estaba empezando a parecer una causa perdida
para cuando este álbum se soltó. ¿Significaba eso que eran perdedores por
intentarlo una vez más? Encantado de conocerme hizo que la pregunta fuera
absolutamente irrelevante. Paul Westerberg había progresado rápidamente de
ser un inteligente alborotador a un confiado cronista de shafted, escribiendo
ferozmente elegantes elegías de power-pop a estrellas de rock prematuras
("Alex Chilton"), relucientes melodías populares sobre estar en el lugar
equivocado en el momento equivocado ("Skyway "), Y elegantes odas a la
ansiedad (" Can't Hardly Wait ", que, a la perfección, no se reproducen hasta
los créditos finales de la película que rasgaron su nombre). Antes de que la
postura del Perdedor se convirtiera en un boleto de fama instantáneo para
cualquiera lo suficientemente peludo como para pasarlo por uno, The
Replacements lo estaban viviendo, y como casi todo lo que tocaban, lo volvían
a enfriar.

Este es uno de los primeros intentos de Costello de mezclar y combinar

géneros: las 14 pistas están en todo el mapa, con baladas de piano country,
rockabilly, melodramáticamente y, por supuesto, las modernas y populares
variedades de "Clubland". Experimentos posteriores, cada canción funciona y
cada tramo se justifica: sus afilados ganchos pop y melodías perfectas nunca
se pierden. Las letras trazan un desastre tras otro ("nudillos blancos sobre piel
en blanco y negro"), pero la música alegre te ayuda a superarlo; y el tinte del
arrepentimiento en "New Lace Sleeves" se vuelve brillante. Además, cavar
las sombras. ¡Su futuro es tan brillante!
1980 fue un buen año para los geeks; por ejemplo, yo nací; los dB estaban
grabando Stands for Decibels; y, oh sí, salió Crazy Rhythms. Llámalos Velvet
Underground con protectores de bolsillo, los Bowlcut Beatles, pero lo mejor
del debut de los Feelies fue el ritmo. La toma punked-up del motor de Anton
Fier, junto con el rasgueo hiperespeed del héroe-guitarra-héroes Glenn Mercer
y Bill Million, abrieron un agujero en la tela del universo, dándonos acceso al
reino bizarro geek-chic desde el cual Weezer y su clase eventualmente se
arrastraría. Más a nivel local, el ansioso tintineo de la banda dio valor a
rockeros universitarios mejor vestidos en todas partes, así como a actos post-
punk que no eran lo suficientemente modernos como para ser británicos. ¿Y
quién sabe qué clase de mundo de Brave New Feelies nos descubrirá en la
Tierra del Mañana? Eso lo hace Steven Hawking, apuesto.

Llamada y respuesta: ¿Qué queremos? White-Nerd punk-funk! ¿Cuándo lo

queremos? 1984! Stop Making Sense es una de las dos únicas bandas sonoras
de películas de esta lista. Y lo admito: realmente necesitas ver la película para
apreciar completamente estas interpretaciones de clave y percusión de los
recursos canónicos de los Heads. Tenían altos y altos estándares de vida, un
millón de borrachos argumentarían el teorema de la conspiración de que esto
tenía que ser una grabación de estudio doblada. Deje las cicatrices de las uñas
de su alma gemela a los sintetizadores de la sierra de mesa " Life During
Wartime ", " Once in a Lifetime, " y " Girlfriend Is Better ". Si realmente
puede realizar múltiples tareas, le recomiendo que escuche mientras lee Esto
debe ser el El relato de Place sobre Byrne agitando un plátano en un mitin de
Nixon, o de la gira de sus museos contra hamburguesas con queso con los
Ramones. Sí, por supuesto, el gran traje de Byrne era el verdadero Kafka del
rock, tragado por su traje, ejem, el atuendo profesional.
La balada tradicional irlandesa mezclada con una actitud robada hacia la
música y el desempeño es solo la mitad de la historia de Pogues; La otra mitad
es el carisma de Shane MacGowan. Su exceso de ebriedad es tanto la razón
por la que la banda inevitablemente colapsó como la convicción de su
vitalidad. Rum Sodomy & the Lash, su segundo álbum, capturó a los Pogues
en su máxima expresión emocional. MacGowan pasa del lamento entre
lágrimas a un gruñido amargo con una facilidad casi inigualable: su corazón
está en su manga aquí, y es hermoso contemplarlo. Es aquí, durante las
leyendas celtas ("The Sick Bed of Cuchulain") y reminiscencias forjadas,
personales ("The Old Main Drag") que los Pogues están en su mejor estado
sin amueblar.

A pesar de su adopción de vestuario florido y seudónimos tontos como Sir

John Johns y Red Curtain, sigue siendo obvio que The Dukes of Stratosphear
no podrían ser otra banda que XTC. Por un lado, Andy Partridge nunca pudo
disfrazar sus marcas vocales guturales, y dos, el sentido de la composición de
la banda es absolutamente distintivo. Partridge y Colin Molding trajeron
algunas de sus mejores canciones a la mesa para este proyecto paralelo,
asegurándole toda la vida y la vitalidad de los mejores discos en el catálogo
de XTC. Los Beatles / Kinks musichall de "You're a Good Man, Albert
Brown", el paisley de "You're My Drug", y el "Pale & Precious" digno de la
sonrisa se destacan maravillosamente como canciones individuales, pero
como parte de la misma pieza, y coronada con la bella y frágil explosión pop
"Vanishing Girl", se convierten en una ópera rock surrealista de maravilla
opaca y alucinógena. Los 60 nunca sonaron tan bien en los 80.
Una rareza psíquica-pop lanzada a la altura del punk, y un disco de guitarra
increíblemente importante, Underwater Moonlight no tiene edad. La
composición de Robyn Hitchcock estaba en su punto máximo demente con
las imágenes de insectos del " Kingdom of Love ", y en la pista del título
efervescente, una saga de amantes de los ahogamientos. El exuberante
malévolo "I Wanna Destroy You" se atrevió a punk a enfrentarse en el espejo,
y "The Queen of Eyes" actualizó a Byrds y encontró su camino en el
vocabulario musical de R.E.M. y sus innumerables compañeros en la década
de los 80 bajo tierra. Los Soft Boys eran esa rareza cada vez más escurridiza:
músculo y cerebro en el mismo paquete, y el paquete que hicieron fue
increíble.

Es posible que a los niños les haya encantado, pero, dada la relativa oscuridad
de este álbum en el momento de su lanzamiento, no tanto como deberían
tener. Reconocido ampliamente como una influencia definitoria en docenas
de artistas, Television Personalities parecen haber sido condenadas a ser la
piedra angular de la grandeza sin alcanzar una fracción de la notoriedad de
cualquiera de las otras bandas innovadoras en las que dejaron su huella. Pero
eso no puede menoscabar la atracción de bajo coste de este, su debut en toda
su extensión; las técnicas sibilantes de lo-fi que luego se pondrían de moda
dan a …And Don 't the Kids Just Love It una cercanía que amplifica
maravillosamente la sencillez y el encanto del encantador y cautivador twee-
pop de la banda. Aunque su estética difusa es un resultado de la necesidad en
lugar de la intención artística, el álbum suena notablemente profético. Su
entusiasmo azucarado y sus ganchos impecables tampoco duelen.
La banda lo habría expresado de manera más sucinta, pero aquí está mi
opinión: Colossal Youth era Zen disco, haiku de nueva ola, monje-punk que
usaba el minimalismo de Ramones / Pistols dulcemente pervertido para
dibujar suavemente un dibujo explotado de música pop. A pesar de que los
golpes de guitarra, bajo, órgano y voz del álbum de repuesto, perfectamente
colocados, tendrían más efecto sobre los tipos de cámara lenta mopey y los
cuatro seguidores del sótano, lo inefable de la música de los Gigantes era lo
inquietante y alegre que podían ser. "Eating Noddemix" es música para lavarte
los dientes después de un apocalipsis, y el inimitable "Wurlitzer Jukebox" es
una pista de baile para el último hombre en la Tierra, con un contador geiger
marcando el ritmo. Om, bebé, sí.

Ya eran enormes bajo tierra, pero este es el récord que puso R.E.M. en la radio
convencional por primera vez, desatando la marea que finalmente barrió la
palabra "alternativa" en el vocabulario musical nacional. Musicalmente,
R.E.M. abrió su sonido en Reckoning, llevando las cosas a casa más
directamente que en su debut. "Pretty Persuasion" fue una de las canciones
más hermosas de la banda, mientras que el segundo sencillo del país "( Don’t
Go Back To) Rockville ") fue una bienvenida de aire fresco en las ondas cada
vez más artificiales de los primeros años 80. El registro ocasionalmente deja
caer indicios de que no es tan joven como parece, pero cuando lo hace, al
menos tiene el buen gusto de no desviar la atención de sus arrugas con una
máscara apelmazada. Sí, Stipe, te estoy hablando.
Steven Stapleton se encontraba en su momento más aterrador a principios de
la década de 1980; sus álbumes creaban una tensión descarnada en el borde
del asiento con texturas de tono negro y un silencio premonitorio que a veces
se rompía con el raspado del metal y el humanoide. Homotopy to Marie es el
ápice de la carrera de Stapleton, una obra maestra retorcida del minimalismo
que susurra sugerencias aterradoras de rituales de muerte y cámaras de tortura.
Este álbum se arrastra. Es horror. La pista de título de 20 minutos es
vanguardista desmembrada por sádicos y pervertidos. " The Schmrz " es un
enorme ejército que ladra en reversa. "El Tumultuous Upsurge" es un grotesco
estertor de muerte con juguetes robóticos que se ríen en una orgullosa histeria.
No pongas esto para niños.

La leyenda tiene a Springsteen cargando un casete de cuatro pistas de

demostraciones para el nuevo álbum en un bolsillo de bolsillo y luego
finalmente decide lanzar la cinta como estaba. Nebraska fue un precursor del
movimiento desenchufado y de la gente de cuatro pistas que barrió el mundo
independiente a principios de los años 90, pero nada de eso importaría ahora
si la música no fuera tan extraordinariamente buena. El amor de Springsteen
por la banda Suicide ayudó a dar forma al sonido claustrofóbico, y en los
albores de la era Reagan se suele citar como la principal inspiración temática
del álbum. En última instancia, el clima político de su nacimiento es
irrelevante, ya que el novelista de Springsteen por los detalles y el carácter
asegura que las historias permanezcan eternas. Las versiones en vivo de estas
canciones con E Street Band confirman que estas canciones deben ser
interpretadas por un solo hombre, en una habitación, solo.
¿Cuales son los nombres de tus amigos? ¿Juan? ¿Pablo? Evan? Eso es un poco
de mierda al lado de los últimos rock-o-nyms: Axl, Slash, Izzy y Duff (sí,
estoy dejando de lado al baterista, el adler con drogas, cuya expulsión fue la
pregunta de fantasía de lo lejos que te quedaste ser para obtener el arranque
de estos chicos). ¡Cuatro diferentes cultos de personalidad! ¡Cinco carlitos
peludos, sin grasa y con manchas! Tales criaturas de instinto que la
canalización de Bowie e Iggy por Axl tuvieron que ser accidentales, ¿verdad?
Este álbum se puede resumir con una frase santa: sin relleno. Gracias a Dios,
el arte original de robo-violación fue prohibido; esa cruz de calavera es el
acompañamiento visual perfecto para un álbum que, además de mostrar mejor
canto de las canciones y ser más antémico, era más pesado que toda su
competencia. Por desgracia, la banda más tarde desafiaría la física del rock
hinchándose y desintegrándose simultáneamente.

Elvis Costello ya había demostrado ser un camaleón musical en 1982, cuando

se lanzó su séptimo álbum, Imperial Bedroom. Se había probado todo, desde
el alma de los años 60 (Get Happy !!) hasta el country clásico (Almost Blue),
ninguno de los cuales dio una indicación de lo lejos que se había empujado a
sí mismo y a su banda, The Attractions, en la exuberante producción Imperial.
. "Man Out of Time" está lleno de sutiles juegos de palabras y arrepentimiento
ácido, mientras que "... And in Every Home" emplea nada menos que una
orquesta a gran escala, abriendo las puertas a una nueva generación de
compositores ambiciosos, sin disculpas, tradicionales en medio del
minimalismo sintetizado de La era post-punk. Y en "Almost Blue" (sin
relación con el álbum anterior), Costello presentó una canción de antorcha de
piano pop sofisticado que reconsidera al artista nacido en el pub como un
cantante de croquis de todos los tiempos.
Compilado a partir de una cinta de demostración grabada en marzo de 1987
en los estudios Fort Apache de Boston, este disco sirvió como la primera
muestra del mundo de una banda que pronto se convertiría en uno de los
grandes del mundo de la música independiente. Fue, en ese momento, un
lanzamiento curioso para 4AD que, aparte de la fiesta de cumpleaños,
favoreció en gran medida el jangly pop y el romance gótico. Pero en
retrospectiva, los Pixies habrían estado en casa en cualquier etiqueta,
mapeando su propio terreno accidentado con su característica característica
de susurros / truenos y el infame y turbulento chillido de Frank Black. Vamos,
Pilgrim está lleno de paradojas: el narrador de "Caribou" lamenta la tortura de
la vida urbana, pero desea la muerte como su homónimo en la paz del desierto;
"Levitate Me" traduce las letras de una balada folclórica a un rockero
shoegazing; "I've Been Tired" es su canción más antigua. ¿Qué los poseía?

¿Fueron el punk y la new wave realmente tan poderosos como para desterrar
el progreso de la historia del rock? Por unos pocos dinosaurios ingleses,
ciertamente no. El guitarrista Robert Fripp ya se había ganado sus franjas
subterráneas en la cadera trabajando con Brian Eno a lo largo de los años 70,
pero para esta versión de su célebre equipo progresivo, intentó destruir por
completo las barreras que segregarían a las camarillas. Manteniendo al
baterista Bill Bruford de la anterior encarnación de la banda, y agregando al
guitarrista / vocalista Adrian Belew (que había tocado con David Bowie y en
el demoledor Remain in Light de Talking Heads) y al bajista Tony Levin (que
tocó con John Lennon y seguiría apoyando a Peter Gabriel), la pandilla de
Fripp tocaba música tan angular y tensa como cualquier grupo post-punk,
mientras que era tan precisa y rítmicamente propulsiva como un cuarteto de
cuerdas de Bartok. Canciones como la canción principal, "Thela Hun Ginjeet"
y "Frame by Frame" son estudios maxi-minimalistas casi bailables, y
evidentes precursores de casi todas las matemáticas-rock.
The Police nunca fue una banda de punk, pero eso no detuvo las acusaciones
de que el grupo estaba abandonando sus raíces de rock para adultos
contemporáneos. The Police nunca fue Nueva Romántica, pero los temas
sugieren un significado detrás del maquillaje: el romanticismo no se basa en
una supuesta individualidad, sino en los paralelos sincrónicos de nuestras
vidas modernas. La banda de hecho estaba tomando un movimiento distinto
hacia el pop con Synchronicity, pero no desde la sustancia. Sting nunca se
alejó de las tensiones debajo de la superficie: no solo en "Every Breath You
Take", sino en canciones como "Synchronicity II", en las que "a muchas
millas de distancia, algo se arrastra desde el limo en el fondo de un oscuro
lago escocés ", Su identidad nunca revelada. Er ... sobre esa sombra en la
puerta de la casa ...

El maltrato infantil, la decadencia urbana, la apatía desesperada, el transporte

por carretera y los comentarios raciales eran todo un juego justo para Big
Black, y el ruido sordo de su sonido protoindustrial era solo una sombra
menos perturbadora que su tema. El bajo de Dave Riley es un tren metálico
retorcido, y cada palabra de Steve Albini tan bañada de bilis apenas llega a
sus labios. Esto, combinado con las punzantes guitarras y la violenta fuerza
de percusión de un martillo neumático, despojará el esmalte de tus dientes. Su
hedor penetrante se aferra a la totalidad del floreciente movimiento industrial,
y Songs About Fucking es el sonido más grande y malo del bloque;
subestimarlo bajo su propio riesgo.
Si Mission of Burma hubiera lanzado nada más que " That’s When I Reach
for My Revolver ", la primera canción de su debut en 1981, EP Signals, Calls
and Marches, hubiera sido suficiente para asegurar el legado de la banda de
Boston. Una meditación inquietante sobre la desilusión y la historia, escrita y
cantada por el bajista Clint Conley, hierve y estalla con una melodía
trascendente que introdujo un nuevo nivel de profundidad emocional e
intelectual en el punk. Lo mismo ocurre con el resto de Signals: sus seis
canciones, incluida la furia de "Red" y la nostalgia sincopada de "This Is Not
a Photograph", corearon y abrieron camino hacia el futuro alternativo de la
guitarra rock.

Aunque Rakim no inventó el arte de la rima, fue él quien definió lo que

significaba ser un letrista de hip-hop. Con un flujo que habría derretido los
glaciares, Rakim manejó el ritmo con una precisión que sonaba de otro mundo
a los oídos del '87, encendiendo una generación completa de imitadores de
MC. En Paid in Full, usó rimas como masilla para esculpir una obra maestra
lírica que no ha sido tocada desde entonces. " I Ain’t No Joke, ", " Paid in
Full", "Move the Crowd" ... ¿cómo puedes siquiera pretender follar con
Rakim Allah? Y, oh sí, los ritmos también estaban en el punto,
independientemente de quién los produjo.
Sabes que eres genial cuando te vistes de tonos y un blazer solo para comer
una banana en la portada de tu álbum. Y cavar la fuente de David Lynch de
los títulos de la canción. I'm Your Man es el punto medio perfecto para la
carrera de Cohen: compite con la poesía de Songs from a Room de 1969, pero
se afana en la producción apocalíptica del resort-salón, el lanzamiento de
Oliver Stoned 1992 The Future (todos saben que el Diez de 2001 Nuevas
canciones fue un robo de coches no representativo). Mi teoría es que hay dos
robots Leonard Cohen, uno de los cuales es un letrista genio, y uno de ellos
es un mercenario melodramático y de voz obtusa que hablará sobre los
arreglos más karaokeanos. Sin embargo, ¿quién más canta frases tan
penetrantes como "Es el Día del Padre y todo el mundo está herido" o "Déjame
ser alguien a quien admiro"? Habla con Hank Williams, dice que estamos
hablando con nuestros bolsillos, y sin sus odas concretas para enviar monos,
puede que no haya Smog, ni siquiera Iron & Wine.

Hipsters de todo el mundo han tratado de afirmar que, de The Perfect

Prescription y Playing with Fire, este último es el logro histórico de Spacemen
3. Nunca me dirás esto y escapar ileso. Si bien ambos son trabajos
masivamente inquietantes de miseria distópica y adicción satisfecha, el
Dreamweapon de The Perfect Prescription es su impresionante profundidad
melódica. Mientras que Playing with Fire mostró a la banda ya dividida, la
mayor parte de sus canciones escritas en solitario, la lista de canciones de The
Perfect Prescription se compone completamente de colaboraciones entre los
dos miembros principales de la banda, y demuestra que estaban en su mejor
momento cuando trabajaban juntos. El récord está lleno de desgarradores
relatos de usuarios habituales que niegan su dependencia, pero su reverencia
astral te presiona para que lo intentes tú mismo, replicando la dicha del estado
alterado en los teclados de gasa y las voces alineadas celestialmente. Este es
tu cerebro sobre las drogas.
El mejor jugador de trío más cinta de arte-punk de Boston grabó solo un
estudio de larga duración, y es un legado masivo. Evaluable no en melodías
sino en velocidad de pulido, es texturamente complejo y de alta energía. La
guitarra de Roger Miller varía desde la repetición hipnótica en "Trem Two"
hasta el sonido como una línea eléctrica que se agita en un charco de lluvia,
mientras que el ruido rítmico se divide en fragmentos para las manipulaciones
de la cinta de Martin Swope; Miller como vocalista es propenso a arrebatos y
declamaciones, mientras que Clint Conley canta con sus vulnerabilidades en
el alambre de púas en su manga.

Como lo abordó el juego de palabras de doble cara en la manga, "File Under

Fire", Document presentaba un R.E.M más duro y centrado. Desde "The One
I Love" hasta "Fireplace", fue como si la banda se hubiera inflamado por los
tiempos. Fue su álbum más político hasta el momento, con canciones como
"Exhuming McCarthy" y "Welcome to the Occupation" que denuncian las
indulgencias de Reaganite de los años ochenta. Las imágenes aviares
formaron la otra corriente estética del álbum en "King of Birds" y
"Disturbance at the Heron House", insinuando un renacimiento similar al de
un fénix. Con su quinto álbum, R.E.M. emergió en la corriente principal
mientras conseguía abordar la política con una dignidad compartida por
algunos otros actos visibles de la época, al mismo tiempo que ofrecía un nuevo
camino hacia el murmullo subterráneo. Por supuesto, también nos dieron el
acrónimo intemporal "ITEOTWAWKI (AIFF)".
En muchos sentidos, el proyecto po-mo mishmash Naked City de John Zorn
fue el fruto académico del no-wave. Al igual que Contortions y DNA (una de
las favoritas de Zorn), la sencilla deconstrucción de los sonidos populares de
Naked City parecía a la vez una reacción a la música, y completamente
separada de ella. ¿Alguna vez se preguntó cómo sonaría el tema de James
Bond si se reinterpretara como noise-rock? Ellos cubrieron eso. ¿Siempre
deseó que esos bateristas incondicionales pudieran mezclar un poco el be-bop
en su repertorio? Tu espera terminó. Pero Naked City era algo más que un
escandaloso doblaje de género; fue un despliegue de libertad controlada
visceral, a veces violenta (especialmente en relación con el asesinato y la
esclavitud que Zorn asociaba con gran parte de la música), y todo eso
realizado por algunos de los músicos más hábiles que se hayan asociado con
el rock. No Nueva York, por cierto.

Salir de la nueva ola inglesa peculiar, entrar en crisis nerviosa. Para Andy
Partridge, estaba claro que XTC no podía seguir produciendo el mismo
sparxx listo para el escenario en este punto, y este doble LP era algo así como
un renacimiento sonoro. La inclinación de la banda por aumentar el golpe del
pop comenzó un cambio gradual hacia lo pastoral y lo "artístico", aunque estas
melodías difícilmente podrían describirse como pretenciosas. Tal vez
siguiendo las indicaciones de los Talking Heads y The Police (XTC realizó
una gira con ambos), los toques de la música del mundo empezaron a
deslizarse en la mezcla de la banda, y toda una gama de tecnología de
sintetizadores de los años 80 ayudó a dar cuerpo a Partridge y Colin Moulding
artesanía aún en proceso de maduración. "Ball and Chain", "Jason and the
Argonauts" y "Snowman" son solo algunas de las canciones de English
Settlement que no pudieron haber aparecido en ninguno de sus discos
anteriores, tal fue la complejidad de los temas y los arreglos. Por supuesto,
Partridge pronto exploraría estas vías hasta un punto que ya no podría
mantener el ferviente celo de la banda en cualquier capacidad, pero esa es otra
historia.

Junto con The White Album y Exile on Main Street, Sign "O" the Times es la
plantilla para el álbum doble perfecto. Lleve a un artista a la cima de sus
poderes, déle el espacio para que trabaje todas sus ideas locas hasta su
conclusión lógica, y luego edite los resultados en una variada colección de
cuatro caras. Clásicos del club ("Hot Thing", "U Got the Look"), baladas de
rock épico ("The Cross"), sexy R&B ("Adore") y increíbles canciones pop ("I
Could Never Take the Place of Your Man "," If I Was Your Girlfriend ") están
aquí en abundancia. Ah, sí, él también escribió, tocó, produjo y cantó, sobre
todo. ¿Fue él la mayor amenaza cuádruple? Escucha y decide por ti mismo.

La línea estándar de la crítica apunta a Computer World como el giro donde

el resto de la música electrónica atrapó la esquina interior antes de
desempolvar completamente a los alemanes en el triste tramo de la mitad de
la década de 1980. La verdad es que Ralf y Florian ya no estaban interesados
en adelantarse al juego en 1981, y Computer World fue su oportunidad de
celebrar la llegada del mundo que habían prometido durante tanto tiempo. ¿Y
qué es una celebración sin buenas canciones pop? Ditties como "It's More Fun
to Compute" y "Home Computer" muestran a Kraftwerk en su forma más
juguetona y consciente de sí misma, sus aparatos electrónicos no sonaban tan
ricos y cálidos desde Autobahn, y el tramo de tres canciones bellamente
editado de "Pocket Calculator "Numbers" y "Computer World 2" es quizás la
mejor secuencia de Kraftwerk registrada. No deje de creer (hasta el lado dos
de Electric Caf, es decir).
Hasta que llegué a la adolescencia, crecí en una ciudad aislada en el centro de
Louisiana. Aunque la comunidad era mayoritariamente afroamericana, la
mayoría de nosotros solo habíamos oído hablar del hip-hop antes de Run-
D.M.C. Pero después de que Jam Master Jay & Co. cayera, hubo un flujo
constante de autos que se dirigían a Nueva Orleans en busca de boomboxes y
zapatillas Adidas. Pronto, el pantano estaba vivo con los sonidos del boom
bap; y nuestros padres y maestros observaron con horror mientras
brotábamos, saltábamos y escupíamos nuestro camino durante la infancia.
Run-D.M.C. sacó el hip-hop de las ciudades y lo introdujo en el mundo. Nos
introdujeron en una cultura que ahora es la cultura juvenil más extendida e
influyente del mundo, lo que los hace tan importantes como Bob Dylan o los
Rolling Stones. Este es el grupo en su apogeo. [DEP. Jason "Jam Master Jay"
Mizell: 01/25 / 62-10 / 30/02]

Es sorprendente la cantidad de tropos estilísticos de The Trinity Session que

se han convertido en una comida estándar de la escena musical underground.
Ahora parece casi un cliché de música independiente, pero en 1988 no había
muchas bandas lentas con música country que grabaran la versión de Live
Sweet 1969 de Live Jane. Cowboy Junkies creó un sonido de la poesía
callejera de VU, canciones populares tradicionales. , Hank Williams y Patsy
Cline, luego grabaron todo en vivo a través de un solo micrófono en una
iglesia en Toronto con la reverencia estudiada de los estudiantes graduados
del Medio Oeste. Todavía suena genial en la oscuridad.
[Bowers:] Ryan, ¿por qué está esto en la lista? [Schreiber:] Mmmfhhmm ...
[Bowers]: ¡Amigo, despierta! ¿Cómo conseguiste un Twinkie en el cabello de
tu effin? ¿Por qué estamos honrando a Licensed to Ill? ¿Acaso no se ha
convertido en la piedra angular de la fraternidad que supuestamente se estaba
burlando? ¿No estaba debajo de ellos? ¿No fue condescendiente? ¿Ni siquiera
sus conciertos en la gira de este álbum fueron declaraciones de desprecio para
su público, como sus videos estúpidos? ¿No fue esto un movimiento cruel de
Rick Rubin / Russell Simmons para sacar provecho del rock-hop "Walk This
Way" con un montón de palefaces vaudevillianas? [Schreiber:] ¿Te refieres a
Elvises? Este álbum es de época. Piensa en cuando lo escuchaste por primera
vez. Luego piense en la última vez que lo toco, en lo buenas que fueron las
canciones que no saltó. [Bowers:] Tienes razón. En 1986 y en 2002, "The New
Style", "Paul Revere", "Rhymin 'and Stealin", y "Hold It Now Hit It" hicieron
/ no tenían sentido y tenían / tenían perfecto sentido, ya que los Beasties
despotricaban como vendedores de autos usados sobre comidas rápidas,
drogas duras y malversación general sobre grupos de backbeat rickety-suave.
Y "Brass Monkey" sigue robando el dinero del almuerzo de mi cerebro.
[Schreiber:] Entonces deja tu bitchin '.

Los veteranos de la escena hardcore de Massachusetts, gracias a su tiempo

juntos en la banda de corta duración Deep Wound, J Mascis y Lou Barlow se
volvieron a reunir como Dinosaur Jr., y su nuevo sonido mezclaba la
ferocidad del punk con el sonido folk-rock y la sobrecarga psicodélica. Ese
ataque de Black Flag-conoce-Crazy Horse adquirió dimensiones divinas con
el segundo álbum de la banda, You are Living All Over Me. Lanzado en 1987,
fusionó los himnos desolados ("The Lung") y los deterioros psíquicos
aullantes ("Little Fury Things") utilizando ganchos pop melosos y riffs
monolíticos como pegamento. Al igual que los primos de los suburbios
descuidados de Sonic Youth, Dinosaur Jr. volvió a imaginar la guitarra
distorsionada de una manera que eliminó por completo el límite entre la
fealdad y la belleza. Grupos más jóvenes y desconocidos, como Nirvana,
escuchaban atentamente.

The Stone Roses llegaron tan bien formadas tras el lanzamiento de su debut
que las destruyó por completo. Este registro reúne simultáneamente los hilos
dispares del rock británico en los años 80 y predice el Britpop de los 90. Los
ganchos de la guitarra gotean del estéreo como la miel con ácido y un poco de
arsénico. El vocalista Ian Brown exuda aburrimiento y veneno en igual
medida, repitiendo con calma, "Quiero ser adorado / Me adoras", como un
mantra y declarando con confianza, " I Am the Resurrection ", como si
estuviera escrito previamente. Y todo sonaba tan bien que lo creías, aunque
fuera por un momento.

The Cure aún estaban al ras del éxito de su doble álbum de 1987 Kiss Me Kiss
Me Kiss Me cuando se embarcaron en la creación de su gran logro,
Disintegration. Sin embargo, en lugar de intentar duplicar la expansión
caleidoscópica de Kiss Me, Robert Smith y compañía se lanzaron en la
dirección opuesta. Con una obsesión monocromática sobre un solo tema
sonoro y emocional, una sensación de pérdida de ensueño, The Cure abarcó
los horizontes relativamente nuevos del formato de CD, lo que permitió
mucho más tiempo de reproducción que un LP. En consecuencia,
Disintegration comprende más de 72 minutos de estados de ánimo
melancólicos y melodías celestiales aparentemente construidas con
fragmentos de vidrio y franjas de niebla. Desde el estallido de "Pictures of
You" hasta la amenaza erótica de "Fascination Street", la desintegración se
convirtió en la ruptura principal de The Cure en los EE. UU .; al hacerlo, fue
fundamental para sacar rock alternativo de las residencias universitarias y las
salas de estar de los Estados Unidos, lo que inspiró a shoegazers en ciernes
como Ride y dioses goth-grunge ascendentes como Smashing Pumpkins en el
proceso.

Con un afeitado y una ducha, las alfombras no sonaban tan mal. Después de
limpiar el vómito de sus zapatos, estaban casi listos para su gran cita con la
radio. Casi. Incluso armado con la áspera carta de amor "Left of the Dial",
Tim no pudo abrirse paso a cualquier frecuencia que llegara más allá de la
línea del campus: la angustia estaba demasiado adelantada a su tiempo y la
voz de Paul Westerberg aún se negaba a hacerlo. se adhieren a las fantásticas
melodías que seguían fluyendo desde su cerebro. Aunque The Replacements
no pudieron derribar la puerta aquí, sí lo dejaron colgando de sus goznes, y
cuando la siguiente ola de bandas intransigentes (que sabían que los 'Mats
tenían un trato injusto) finalmente llegaron a la mayoría de edad, simplemente
hicieron valer la pena. justo en.

Usando una mínima instrumentación para transmitir la máxima frustración

sexual, Violent Femmes demostró que no necesitas un pedal de distorsión para
ser punk, "Kiss Off" y "Add It Up" son dos mini-sagas que se ven
absolutamente con un desbordamiento de hormonas sin compromiso (leer:
"¿Por qué no puedo obtener un solo FUCK!"). Pero los héroes no reconocidos
también brillan, en particular la agridulce "Good Feeling" y los alegatos "
Prove My Love". Solía sentir pena por las mujeres que estaban atrapadas
tocando el mismo material durante sus años de canas, pero al menos pueden
sentirse cómodos. en el hecho de que su debut será amado siempre que haya
alumnos de décimo grado en celo en el mundo; en otras palabras, para
siempre.
Mientras Public Enemy y Boogie Down Productions intentaron tomar el
terreno elevado, N.W.A. no se molestó ni con las plataformas políticas
coherentes ni con los mensajes constructivos a favor de la unidad. N.W.A. Era
peligroso en el sentido más inmediato y aterrador. En su música, se podía
escuchar la adrenalina imprudente de la juventud bombeando a través del
corazón nihilista de South Central L.A., donde el hombre promedio no pudo
salir de sus veinte años. Y con Dre en las tablas y Ice Cube escribiendo las
rimas, la suya era un malestar muy bien establecido. Cabe señalar que el
álbum fue financiado con dinero crack y asaltado por todos, desde la policía
moral hasta el FBI. Si bien muchos imitadores lo han intentado, nadie ha
podido capturar la ira y la vitalidad de Straight Outta Compton.

No hay muchos discos como este, una colección de canciones meditativas tan
abstraídas por sus arreglos que es imposible ubicarlas en su era. Talk Talk
creó algo tan singularmente suyo en Spirit of Eden que las únicas personas
que atravesaron ese terreno de manera efectiva fueron Talk Talk, en su obra
maestra de 1991, Laughing Stock. Los timbres instrumentales se combinaron
de formas extrañas para crear nuevos sonidos, y la producción de Tim Friese-
Greene permitió cambios masivos dinámicos y pasajes de claridad vítrea. Las
etiquetas modernas comunes para la música sin género, como el obscuro y el
post-rock, no deben aplicarse: Spirit of Eden es el sonido de la elegancia en sí
misma.
Mucho antes de que la banda se convirtiera en una reputación como una
pesadilla de recursos humanos, la formación inicial de The Fall era
relativamente estable. Sin embargo, lucharon por encontrar una audiencia
para su arte punk, y se estaban volviendo cada vez más impacientes y
desilusionados con sus benefactores en Rough Trade. Cuando el líder Mark
E. Smith ingresó a un estudio de Reikiavik para comenzar a grabar el cuarto
álbum de Fall, anticipó que sería el último de la banda. Y con el segundo
baterista Karl Burns complementando al primer stickman Paul Hanley, estaba
empaquetando la dinamita adicional para derribar a toda la empresa.
A diferencia de muchos de sus compañeros post-punk, el otoño nunca usó el
disco o el doblaje para apaciguar su frenética agresión: en la hora de
finalización del maleficio, usan el ritmo como una bola de demolición. Con el
estallido de "The Classical", el tallo asesino en serie de "Hip Priest", y el
clamor de "And This Day", The Fall declaró la guerra a una industria musical
que estaba en proceso de Reempaquetar el espíritu externo como punk como
novedad de la nueva ola. (Como dice la leyenda, el otoño estaba siendo
cortejado por la división de Motown en el Reino Unido en ese momento; es
de suponer que la etiqueta no tuvo la amabilidad de escuchar su original alma
pisada remodelada como un paso de ganso de concreto en "Just Step S'ways
".) Con Hex Enduction Hour, la caída no solo adquirió el impulso que los
llevaría a su éxito en el raspado de cartas a mediados de los 80, sino que
también consolidaron su legado. A lo largo del álbum, se puede escuchar la
bengala de la bengala de The Jesus Lizard, la amenaza depredadora de Slint,
y el juego de palabras tosco, cortado y pegado de los comienzos de Pavement,
haciendo de Hex Enduction Hour el mejor indie de los 90s. Récord de rock de
los años ochenta.
La primera ópera rock de doble álbum de una banda hardcore, Zen Arcade
cuenta la historia de un joven enojado que huye de su hogar abusivo solo para
encontrar que la vida en la gran ciudad es igual de cruel e implacable. (La
saga culmina con el mismo desenlace "todo fue solo un sueño" utilizado por
El mago de Oz y los productores desesperados de "Dallas", lo que obligó al
hombre a enfrentar sus traumas una vez más en el mundo despierto). Pero la
verdadera historia de la liberación aquí. Es la propia de Hüsker Dü. En estos
días, es natural que incluso las bandas de punk más misantrópicas se vuelvan
gradualmente más melódicas y ambiciosas, pero esa fue todavía una noción
herética radical en 1984, y rara vez escuchaste el proceso evolutivo que se
desarrolla a lo largo de toda la secuencia del álbum.
La primera mitad de Zen Arcade presenta algunas de las explosiones de furia
más violentas e inquietantes de Hüsker Dü ("Indecision Time", "I’ll Never
Forget You"), con Bob Mould dando voz ronca a la furia de su protagonista a
través de vívida y vivida. en la experiencia, Pero a medida que la narrativa se
abre para incluir novias condenadas y drogadictas, escenas de decadencia
urbana y meditaciones en los medios de comunicación, también lo hace el
universo musical del álbum, que abarca el poder del poder melancólico ("Pink
Turns to Blue"), delicados interludios para el piano. ("One Step a Time", "
Monday Will Never Be the Same") y los atascos psicodélicos extendidos
("Recurring Dreams"). Zen Arcade empujó a Hüsker Dü a la vanguardia de la
revolución estadounidense del indie-rock de los años 80, en camino a grandes
sellos y apariciones en programas de entrevistas, pero al igual que el personaje
central de su álbum, pronto encontraron que el mundo en general no era tan
acogedor.

Como la primera criatura viscosa que se extrae de la suciedad primordial,

EVOL es un documento auditivo de One Small Step de Sonic Youth. El ruido
empapado de comentarios había sido su sello distintivo hasta este álbum, pero
EVOL marcaría el verdadero punto de partida de la evolución musical de
Sonic Youth: en incrementos medidos, Thurston Moore y Lee Ranaldo
comenzaron a dar forma a lo sin forma, a la sintonía y con Con la ayuda de
los tambores de Steve Shelley, impusieron melodía y composición en su
disonancia de marca registrada. Una impresionante fusión de ruido de
vanguardia (en lo que respecta a Rock) y la brillante y propulsora rock sacó
sus primeros avances temblorosos de la tormenta y no miró hacia atrás. Que
estos jóvenes sónicos lanzaran dos de los álbumes más impresionantes de la
década antes de que pudieras decir que "Teen Age Riot" solo refuerza la
importancia de EVOL; Aquí es donde se sembraron las semillas de la
grandeza.

Oh, cómo los punks odiaban a U2. Justo cuando lograron disipar el exceso de
los 70, aquí había cuatro muchachos de Irlanda que intentaban capturar la
totalidad del patetismo humano a grandes rasgos de la canción de rock. Sin
embargo, aquí hay un anhelo insaciable que no se corresponde con la alegría
hinchada del peor pop de los 80. Tres de estas 11 canciones se convirtieron en
populares himnos de radio que todavía están en fuerte rotación hoy en día, y
me condenarán si pierden algo de su poder. El placer viene al descubrir que
las últimas pistas son igual de buenas, desde el mal humor más cercano a "
Mothers of the Disappeared" hasta la representación dolorosa de Bono de
simplemente "colgarse" en "Red Hill Mining Town". Nombrado por la flora
que florece incluso en el calor del desierto, The Joshua Tree presenta
canciones sobre las consecuencias políticas del siglo XX, pero realmente
justifica el adjetivo "sin tiempo" que se usa a menudo.

Como era el muchacho que soy, escuché un montón de adoración sobre los
'Mats' antes de que llegara a escuchar su trabajo. Una vez que finalmente lo
hice, quedó bastante claro que Jeff Tweedy no es más que la reencarnación de
la relevancia de Paul Westerberg. A través de una carrera que abarcó desde el
punk empapado en alcohol hasta las abuelas del rock alternativo (muy bien
resumidas en los primeros dos tercios de "We Coming Out"), Let It Be se
erige como el hingepoint, y me acurruqué más. más cerca que la mayoría de
los álbumes de ambos extremos. Dado que mis recuerdos de los años 80 están
distorsionados por la neblina infantil y el kitsch retrospectivo, Westerberg
tosiendo "Androgynous" con nada más que silbidos de cinta para la compañía
es una prueba necesaria de que las luchas por la moda de la década fueron más
que malos cortes de pelo y neón.

Ian Curtis atormenta este álbum durante exactamente 30 segundos: hasta que
comience la voz vulnerable de Bernard Sumner, casi se puede detectar el
combustible de Curtis implorándonos que “¡Danza! ¡Danza! ¡Danza! ¡Danza!
¡Danza! ¡A la radio! ”Sobre el abridor de drum-n-bassline“ Age of Consent ”.
Cambiando el enfoque lírico de alienación y fascismo a amor y desamor, y
mutando el sonido de la banda de marchy rock a marchy dance, esta fue la
cumbre de la producción estelar de los 80 de New Order, antes de que se
convirtieran en soft-himnos de fútbol, nos suplicaban que "Rock the Shack".
Cada barrido de sintetizadores se sostiene. Escucha el estruendo de todo el
mundo en Atenas, Georgia. Escuche por qué Peter Hook es el nombre más
apropiado en Britpop. Escucha lo que te estás perdiendo si solo conoces los
éxitos.

No me importa qué tipo de música cubra tu promo bao; cualquier lista de los
80 sin Thriller es una broma. Gracias a una campaña de 20 años llevada a cabo
por Jacko para incinerar completamente su integridad artística, volver a visitar
Thriller es una revelación, cortando el bagaje de los tabloides con su
producción de Quincy nítida y afilada. “Wanna Be Startin 'Somethin'” es un
sofocante Afro-funk en la pista de baile que resalta el aborrecimiento de
Michael por la crítica personal; El bajo paranoico de Billie Jean y el hipo
fiónico del hipo siguen siendo más fríos que las aceras iluminadas de sus
videos; el desglose en "PYT", con su exclamación y respuesta extasiadas y su
jadeo sofocante, sigue siendo la maldita cosa más funky desde los " Hot Pants"
de James Brown. Aunque el audio es equivalente a Star Wars en que puede
ser responsable de inspirar tal vez más Mierda que cualquier otro lanzamiento
de su tiempo, Thriller bloqueó de forma permanente el sonido de era para que
pudiera permanecer siempre tan fresco y vital como el propio álbum.

Como algo salido de una novela de Nick Hornby, un geek de la música

británica prueba que él "obtiene" la música soul. Elvis Costello lidera The
Attractions a través de 20 pistas que revientan las costuras del vinilo original.
En ese momento, Costello aún escribía sus letras casi en su totalidad en juegos
de palabras y doble sentido: "amor por la ternura" o "hasta que pise el freno
para salir de sus garras", pero la música lo deja sin peso. La banda está
aturdida, especialmente Steve Nieve, mientras Costello lanza su conjunto de
materiales más ajustado. Incluso cubiertas como "No puedo levantarme (por
caer) de Sam & Dave" se mezclan a la derecha.

Henry Rollins podría ser su propio chiste ahora, pero sin él, Black Flag podría
haber permanecido enterrado para siempre bajo las millas de basura que se
consideran incondicionales en Los Ángeles alrededor de 1980; con él, Black
Flag asumió la ferocidad esencial de los hombres a punto de romperse, y
combinó eso con un sentido del humor ácido y estas cosas llamadas
"canciones", un concepto que muchos de los aspirantes a punkers de la época
todavía estaban tratando de resolver. Damaged lanzado en 1981, y para 1982,
cuatro barras con el nombre de Black Flag habían sido aerografiadas a través
de millas y millas de cuero con púas. Los sentimientos de violencia, apatía,
rabia y auto-sátira en conflicto a través de este, la piedra de toque esencial de
todo el género del hardcore de la costa oeste, cristalizan la agitación del
movimiento. Escuche "Rise Above" e intente no enojarse, luego escuche "TV
Party" e intente no reírse en voz alta. Eso es genial.
Cuando Gang of Four nombró su manifiesto de punk / funk de 1979
¡Entertainment !, estaban siendo tan irónicos que prácticamente distendían sus
músculos faciales. Pero cuando nombraron su seguimiento de 1981 después
del espectáculo de baile de disco más popular del día, solo estaban siendo
medio irónicos. Solid Gold aflojó la tensa maraña de ritmo y retórica de su
predecesor, extendiendo el sonido de Gang of Four a nuevos extremos tanto
en abstracción como en accesibilidad.
Ciertamente, la publicación del álbum con el dub dirge "Paralyzed" y la regla
"He'd Send in the Army" traicionó la persistente aprensión de la banda de
comprometerse con el mercado pop. Pero al agrupar la energía de su debut en
vivo en movimientos más constantes y dirigir las duchas de la guitarra de
Andy Gill en ráfagas más controladas, Gang of Four abrió espacio para el
humor expresado en las críticas anti-consumistas de Jon King. (Vea
"Cheeseburger", una celebración satírica del sueño americano entregada con
el fervor maníaco de alguien que está a punto de sufrir un ataque cardíaco en
la cinta de correr). Y con el ritmo de "Lo que todos queremos" pinchado, y
girando a la cadera de "What We All Want" y los insidiosos y graciosos
ganchos de "Outside the Trains Don’t Run on Time", la perspectiva de que
Gang of Four apareciera en un programa de variedades impecable en horario
de máxima audiencia comenzó a parecer menos un absurdo y más como una
inevitabilidad.

The Jesus and Mary Chain despojó de la música pop a lo esencial y llenó todo
el espacio vacío que quedaba con ruido blanco. Psychocandy es considerado
uno de los registros clave en lo que se convirtió en una película de shoegaze,
pero la mayor contribución de la banda al movimiento puede haber sido hacer
que las paredes de la raqueta de guitarra parezcan sensuales y femeninas. A
pesar de la distorsión sistemáticamente maximizada, Psychocandy parece
mucho más pop que rock, más grupos de Beach Boys y grupos de chicas que
Stooges o Suicide. No una, sino dos canciones (bastante buenas) usan la
introducción del tambor "Be My Baby", por el amor de Dios.

Claro, no tenía amor en la crisálida, pero el genio de la crianza es un genio,

no obstante. Cualquier cosa puede ser descrita como una etapa en la evolución
hacia el próximo álbum: las guitarras, aunque deformadas y trituradas, todavía
actúan como guitarras, las voces aún no han sido absorbidas por la mezcla,
etc., pero no había nada provisional O vestigio de este disco. Si Is Not
Anything no fue tan agresivo, tan instantáneamente memorable cuando
escuchas por primera vez, ¿quién sabe si el Loveless más oblicuo hubiera sido
mimado como lo fue? Casi tan influyente como sería su sucesor, Isn’t
Anything fue una inspiración para bandas que, no dispuestas a joder con sus
hachas, se contentaron con llegar a la tercera base.

Políticos astutos, exorcistas risueños, cantantes de folk libaneses, locutores de

radio agitados, y radios reverendos compartieron todo el espacio de oradores
con música muy funky en My Life in the Bush of Ghosts. Con este álbum,
Brian Eno y David Byrne combinaron la programación, la instrumentación en
vivo y las muestras en un guiso inteligente que anticipó, de una u otra forma,
casi todas las tendencias en música electrónica durante al menos la próxima
década. El resultado sonoro de su colaboración se expandió en los hipnóticos
experimentos de worldbeat de los álbumes de Talking Heads producidos por
Eno (particularmente Remain in Light, ya que este álbum se grabó durante
esas sesiones), trayendo grabaciones folclóricas y aprovechando el terreno
baldío de la radio estadounidense para elegir. material. La música popular dio
un vuelco con este disco, y las cosas no han sido las mismas desde entonces.
Superficialmente, bandas como This Heat tenían muy pocos negocios en la
década de los 80. Su legado parecía haber estado compuesto por la mayoría
de las tendencias radicales y experimentales de rock de los años 70 (drone,
prog, free improvis, electronics, punk, et al), pero en 1981 es difícil imaginar
que muchas otras bandas suenen como tales dé lugar como lo hicieron. En
retrospectiva, puede haber habido una pequeña familia de conjuntos de ideas
afines (Art Bears, Etron Fou Leloublan, Family Fodder), pero prácticamente
no hay "escena" unificadora para esta música. El hecho de que la música de
Charles Hayward, Charles Bullen y Gareth Williams haya impactado a los
músicos extraños a una generación separada de los eventos reales habla
mucho de lo que lograron. Los primeros momentos de Deceit suenan lo
suficientemente actuales como para haber sido grabados ayer por la tarde. Este
álbum es denso, dañado, furioso, inspirador (técnica, musicalmente, incluso
políticamente), y es un argumento excelente para el rock como experiencia
trascendental.

Solo John Lydon podía decir que se estaba "deshaciendo del albatros" al atarlo
alrededor de su cuello en forma de un abrupto álbum de 10 minutos. PIL,
menos que una banda que un monstruoso amenazador, grabó un segundo
álbum implacable, impulsado por el trabajo de guitarra de Keith Levene y las
interminables líneas de bajo de goma de Jah Wobble. Lydon (todavía Rotten,
pero no por su nombre) utilizó estas máquinas de movimiento perpetuo para
lanzar amargas reglas contra la sociedad, y es difícil imaginar más música
antisocial. Pero el grupo era consciente de las posibles hipocresías en
presentar al público una imagen oscura del espejo, implícita en su nombre
corporativista. La segunda edición se lanzó originalmente como Metal Box,
literalmente empaquetada en cartuchos de película de costo prohibitivo. Por
esto, Lydon estaba eternamente agradecido a Virgin, su orgullo y precio por
demostrar que las grandes marcas eran capaces de emitir arte realmente
desafiante para el consumo masivo.

En 1989, el Príncipe Paul prescindió de sus ollas y sartenes musicales e

introdujo el hip-hop de su Edad de Piedra a Sampledelia, nunca antes las
muestras habían sido tan versátiles, intrincadas o tan expresivas como lo eran
en 3 Feet High y Rising. Paul rara vez se acercó al micrófono aquí, pero su
voz resonó a lo largo de la historia; DJ Shadow, RJD2, Co-Flow y cualquier
número de otros actos de hip-hop basados en muestras deben una larga carta
de agradecimiento al verdadero Príncipe de los 80. Y no olvidemos a los
jóvenes MC Pos, Trugoy y Mase, quienes estuvieron a la altura de las
circunstancias y combinaron la peculiaridad de la técnica de collage de Paul,
demostrando que no tenía que ser difícil tocar el micrófono.

Es un álbum doble de una banda hardcore que se especializa en explosiones

de funk-punk de un minuto. Eso se suma a muchas canciones, más de 40 de
ellas, y pocas son menos que fantásticas. Las 10 primeras pistas son el
calentamiento inconexo; las partes centrales se unen para hacer una de las
mejores conversaciones unilaterales que jamás hayas tenido; El final se agota,
agotado. D. Boon, el co-letrista Mike Watt, habla sobre política, disuade a
Michael Jackson, se burla de los engaños y lee "mierda de un viejo cuaderno".
Recuerda los primeros días de la banda, hablando y cantando la profecía
clásica. "Nuestra banda podría ser tu vida". Incluso las portadas de Van Halen
y Steely Dan tienen éxito, como cantar junto a la radio del coche, mientras
que los propios ganchos saltones y los cortos y agudos de los Minutemen son
imparables. Y no lo sabrías por la versión editada en Jackass: The Music, vol.
1, pero "Corona" es una obra maestra para sentirse bien del hombre pensante.
Una escucha casual de On Fire cede poco. Las voces espásticas vuelven locas.
La batería constantemente se retrasa un cuarto de compás detrás de las
composiciones ya lentas. Cada canción tiene el mismo ritmo, que es el
primero que aprende cada guitarrista. Pero si está conectado de cierta manera,
los vuelos de falsete de Wareham en "Blue Thunder" y "Snowstorm" son la
definición de majestuoso. Notarás que la guitarra y el bajo compiten para ver
cuál puede girar con las pistas más melódicas y dolorosas. Los lavados de
platillos de Damon Krukowski demuestran su preferencia por el color sobre
el ritmo. Al unirlo todo, el productor Kramer ensució Vaseline en la lente y
filmó cada escena directamente en la luz dorada de la tarde.

De todas las palabras que podría usar para describir XTC, "cálido" no llegó a
ser aplicable hasta que la banda se dio cuenta de que estaba bien que me
gustara Burt Bacharach. Sin embargo, en Skylarking, tenían el adjetivo sobre
ellos por el productor alfa Todd Rundgren. Tomando sus ya ambiciosas
canciones sobre la vida, el amor y el paso de las estaciones, Rundgren
convirtió lo que podría haber sido otra salida inteligente pero distante en un
faro de vegetación psicodélica. La diatriba de Andy Partridge "Dear God" (un
lado B no originalmente programado para el álbum) fue un modesto éxito en
los EE. UU., Pero pistas mágicas como "Grass", "Season Cycle" de Colin
Moulding y el lloroso orquestal "1000 Umbrellas" - Todos prestando una
sofisticación moderna a la amable excentricidad de los Beatles y los Beach
Boys, reveló una melodía más pacífica en el núcleo del álbum.
Sister fue la última vez que Sonic Youth pasó la mayor parte de un álbum en
el modo Attack completo, lo que explica por qué es el álbum SY de los fist-
clenchers el elegido. La palabra del día es "agresiva", con la producción
húmeda del álbum lanzando una manta sobre el ruido para convertir toda la
instrumentación y vocalización en percusión de herramientas eléctricas.
Puede escuchar los dientes apretados a través de "Catholic Block" y "White
Cross", la maquinaria de molienda en "Pacific Coast Highway". Varillada en
medio, "Cotton Crown" sigue siendo el momento más romántico de la banda,
evidencia frustrante de que Thurston y Kim debería haber cantado juntos
mucho más a menudo. Sister fue el último estallido de la etapa temprana de
Sonic Youth antes de mudarse y pasar a sellos más grandes y audiencias más
grandes, pero para aquellos con una preferencia por los primeros días de su
gran cantidad de imágenes, es su cenit.

El producto de años de desarrollo en una poderosa bestia rítmica, Saving

Grace de This Nation predice tanto los Pixies como a Pavement con una
claridad prístina, y al igual que esas bandas, es al mismo tiempo accesible y
absolutamente intransigente. Mark E. Smith interpreta a un maestro de
ceremonias mientras la banda recorre los enormes riffs de "Barmy" y el
estruendoso pisoteo de "Gut of the Quantifier". "Spoiled Victorian Child" es
un momento decisivo para el post-punk. Sus propias palabras, mientras que el
trabajo de guitarra de Brix ancla las pistas con furia melódica. La banda
también se mueve sobre más terreno que su habitual sturm-und-drang aquí,
parando en "LA" para probar una nueva ola de chatarra y chatarra y rinde
tributo a Can con "I Am Damo Suzuki". This Nation Saving Grace La caída
es la más poderosa, los riffs de Brix te persuaden lo suficiente como para que
la sección de ritmo Scanlon / Rogers / Burns / Hanley te aplaste con un
martillo. Genio.
Prince estuvo en todas partes en 1984. Casi todas las canciones de Purple Rain
estaban en constante rotación en la radio o MTV en algún momento (no
recuerdo haber escuchado "Computer Blue" en ninguna parte), e
increíblemente, nunca se hicieron viejas. Lo que lleva a Purple Rain es la
increíble intensidad emocional que Prince aporta a casi todas las canciones.
Nunca gritó con más intensidad que al final de "The Beautiful Ones", nunca
escribió otra melodía tan buena como "When Doves Cry", y nunca integró sus
inclinaciones de rock en su sonido tan completamente como en "Let's Go
Crazy". "Los grandes logros de Prince son realmente grandes, y este es su
mayor logro.

La ventaja es para Rain Dogs, pero fue el álbum anterior el que encontró a
Waits saliendo del capullo como una polilla de la muerte. Con
Swordfishtrombones, el Black Rider fue expulsado del club nocturno al
callejón y, encontrándose a sí mismo en su verdadero elemento, hizo que sus
residentes de la papelera y la orina apestaran el código genético del resto de
su carrera. "Underground", "Shore Leave" y "Frank's Wild Years" transmiten
muy bien esta misión, con Waits abrazando su Cookie Monster interior y el
sonido divino de la guitarra. Incluso hay tiempo para un par de shanties de
swing de pinta y una declaración de dependencia en forma de corazón
("Johnsburg, Illinois") a la mujer que conservó la vida de Waits, el hígado y
el cociente de cadera. La carrera temprana de Waits es ciertamente respetable,
pero los espadas de pez espada son el rincón que convirtió para convertirse en
el orgulloso laureado de Estados Unidos.
Los murmullos de "... demasiado pronto ..." y "... y si ..." nunca estarán lejos
de la declaración final de Ian Curtis. Más cercano fue el cumplimiento de la
colosal promesa de la melancólica obra maestra del debut de Joy Division,
Unknown Pleasures, pero prometió aún más a cambio; El eventual suicidio de
Curtis dejaría esas expectativas trágicamente sin cumplir. Aunque es fácil
disminuir el significado de lo que dejó Joy Division al cuestionarse qué podría
haber ocurrido después, eso sería más trágico. El verdadero impacto de las
obras minimalistas y líderes de Joy Division aún se está realizando
plenamente; los ecos de los temas de miedo, alienación y pérdida que
defendieron aún resuenan en tanta música. Que hayan pasado para superar
esta catarsis fracturada y desgarradora es irrelevante; esto es lo que es, y es
una cosa de belleza intransigente.

Public Enemy fue el verdadero negocio: una fuerza cultural codificada con un
equipo de producción fuera de las bisagras (The Bomb Squad), el erudito
nacionalista negro (Professor Griff), amenazantes tipos para-militares (The
S1W's), B-Boy (Flavour Motherfuckin 'Flav), y la boquilla que lo mantuvo
todo unido (Chuck D). El implacable ímpetu de la retórica radical de Chuck
fue igualado libra por libra por el sonido denso y revolucionario de Bomb
Squad, mientras que Flav (quien repitió tanto los grandes relojes como las
rocas) hizo su giro giratorio en torno a los rechazos armados de la Pantera
Negra, haciendo de Public Enemy el mejor Ejemplo de teatro de hip-hop,
nunca. Y cuando todos estos elementos se fundieron en Se necesita una nación
de millones para detenernos, Public Enemy se convirtió en el equivalente de
un cóctel molotov en la creciente necrópolis cultural de la década de 1980 de
Reagan.
La vida como teatro de Tom Waits ha estado en el escenario durante casi tres
décadas, sin embargo, de todos sus álbumes, este está al borde de la pila. La
segunda entrega de su canción de arte alemán / "Trilogía de la isla", Rain Dogs
tiene las canciones más fuertes y el agarre más seguro en sus propios viajes.
Con sus letras centradas en los vagabundos inspiradas en un traslado a la
ciudad de Nueva York, Waits dice "Union Square" y luego retumba baladas
como "Time"; el sombrío vodevil viene con un acordeón y un órgano de
bombeo sibilante fuera de los oompahs, mientras que la percusión hace ruido,
resopla y se desliza ("Clap Hands"). Y luego están las guitarras: Keith
Richards aparece para hacer que Waits se vea joven y saludable, pero es Marc
Ribot cuyas líneas de hielo se adaptan mejor a los versos de Waits, y quien
posee el riff en "Jockey Full of Bourbon". Espera, seguramente podrías haber
evitado que Rod Stewart destruyera "Downtown Train".

Surfer Rosa toma instantáneas a los Pixies cuando aún eran jóvenes, de rostro
fresco y (supongo) hablando entre ellos. El coro de un solo hombre de Frank
Black ya es inquietante; Los encantos de la voz de Kim Deal, aún no han sido
completamente quemados por los cigarrillos; Los rellenos de carne de David
Lovering flotan en reverberación etérea; y Joey Santiago se demuestra como
maestro del riff de una nota. Tal vez sea Albini en las perillas, pero las seis
cuerdas de Santiago, que suenan como una abeja con su dedo en un zócalo, es
un elemento clave aquí, el baño de sangre que habla Black habla a través de
"Something Against You" y "Vamos". La banda salta de la rareza abstracta
de pistas como "Broken Face" y "Tony's Theme" a la inmediatez del pop sin
esfuerzo de las maravillas indie atemporales como "Where Is My Mind?" y
"Gigantic". ¿Cómo una banda podría cruzar la línea entre lo irregular y lo
ingenioso? La impredecibilidad y la sublime felicidad melódica son las
conjeturas de todos, pero su don no ha sido igualado desde entonces, y Surfer
Rosa, fácilmente su salida más extraña y más caótica, sigue siendo un ejemplo
incomparable de innovación aplastante en la música independiente.

En cierto modo, este es el álbum de elección de los Smith de forma

predeterminada, ya que es el disco que parece que se construyó alrededor de
algunos grandes singles. El ritmo y la secuenciación son clave, comenzando
con una de las canciones más urgentes de la banda (la canción del título)
moviéndose hacia el alegre e inteligente "Frankly Mr. Shankly", antes de
llegar a las increíbles "Cemetry Gates". tiene dos de las mejores canciones de
la era moderna de la guitarra pop ("The Boy with a Thorn in His Side" y
"There Is a Light That Never Goes Out"), algunas de las letras más divertidas
de Morrissey ("Bigmouth Strikes Again"), y sin relleno. Un nuevo grupo de
adolescentes estadounidenses solitarios y alienados descubre a los Smith cada
año. La razón es simple: pocas otras bandas podrían proporcionar un antídoto
contra los anhelos de los adolescentes tan poderosos como The Queen Is
Dead.

Sin ser notado cuando se lanzó, el primer álbum de REM fue sin duda un hito:
una ruptura limpia de todo lo demás en la radio, Murmur introdujo el sonido
más simple, simplificado, casi folk de la banda y su música directa pero
insidiosa. El guitarrista Peter Buck habla más suavemente que su garaje o sus
compañeros de power-pop (como, por ejemplo, Let's Active, del productor
Mitch Easter); pero sin lugar a dudas, es Michael Stipe quien define a la banda
con su combinación mortal de sensibilidad femenina y voces masculinas,
estoicamente crípticas. Y trajeron excelentes canciones: "Radio Free Europe",
"Peregrinación", "Moral Kiosk", "Catapult" ... todo suena igual de bueno, e
incluso tan refrescante, dos décadas después. Si un álbum fuera el único
responsable de inventar el rock alternativo, sería este.
Rápido: elige la banda de rock alternativo más influyente de todos los
tiempos. Si no elegiste los Pixies, te daré otra oportunidad. Mientras tanto,
escucha a Doolittle y aprende de tus errores. En toda la indie / alternativa,
puede que no haya un solo álbum más tomado prestado, adaptado o
rotundamente arrancado que el seguimiento de los Pixies a Surfer Rosa. Una
vez, Steve Albini rechazó a la banda como "rock de la universidad aburrida",
y tenía la mitad de la razón: los Pixies eran rock de la universidad en 1989.
(La mitad "aburrida" obviamente se agregó a su notoriedad, como cualquiera
que pueda llamar aburrida a esta banda sin duda El asno más grande del
mundo. Doolittle es casi sin sentido variado: ganchos que cambian el estado
de ánimo, letras poéticamente insanas, gritos de demolición de laringe y
croons surrealistas, surf, thrash, pop, quemaduras lentas y carreras hasta la
línea de meta ... Déjenme poner de esta manera: si no fuera por Doolittle, no
habría Pitchfork. En otras palabras, la influencia de este registro es tan vasta
que, 15 años después, ha alterado el curso de su vida en este preciso momento.

Érase una vez, tres judíos de Brooklyn perdieron su credibilidad de Def Jam
street. Ya habían sido punks y raperos rapaces, y malditos si no se encontraban
perdidos en cuanto a lo que iba a ser el próximo, hasta que derribaron al polvo
de los Hermanos. Estos hermanos espirituales de hadas los ayudaron a crear
un denso samplorama que rebosaba las ventas porque era mucho más
inteligente que su predecesor. Paul’s Boutique estaba libre de escándalos, y
contaba con letras casi inusuales e intimidantes. Al igual que la afroamericana
Gwendolyn Brooks abrió las puertas a la poesía, permitiendo que se
escribieran epopeyas sobre los deshumanizantes edificios de Chicago, los
Beasties expandieron el dominio del hip-hop para nombrar a Salinger,
Dickens, Galileo y Newton. Así que antes de su tiempo, debería estar en una
lista de los 90. Odelay le devolvería el alquiler si no tuvieran los mismos
propietarios.
A partir de la década de 1970, los Talking Heads se encontraron en un
momento incómodo: después del punk, al que se asociaron al principio, se
habían convertido en sinónimo de tres acordes y una burla, pero antes de la
llegada de la nueva ola. Así que se congregaron en un estudio de Nassau con
Brian Eno y crearon un disco sin precedentes, uno que combinó la inquietud
y la ansiedad del primer género con el futurismo del último. El álbum
resultante, que tiene influencia de las tribus africanas, es masivamente
alimentado por percusión, denso con polirritmos elaborados y bajos elásticos.
El estrafalario trabajo de guitarra de Adrian Belew condimenta la música con
pings y efectos tecnológicos y erráticos, e incluso reduce el ruido moderno
con una previsión cristalina. Las letras de Byrne están en su mejor momento
surrealista, con cambio de forma como un tema recurrente, pero también en
su mayor parte en canciones como "Once in a Lifetime", que aborda de
manera conmovedora el paso del tiempo y la encrucijada en la que nos
encontramos durante la vida, y "Listening Wind", cuyo estremecedor
encantado nos hace simpatizar con un hombre para quien el terrorismo es la
última esperanza para preservar su cultura. Tanto atrevidamente experimental
como accesible al pop, Permanecer en la luz puede ser el momento definitorio
de los Talking Heads.

Podría sentarme aquí y obligarte a alimentarte con información dietética sobre

la supuesta Importancia de Daydream Nation, y porque se convirtió en nuestro
Jugador Más Valioso de los 80, tal vez eso se espera. Pero en realidad, la razón
por la que me gusta Daydream Nation más que cualquier otra cosa generada
entre 1980 y 1989 es que, demonios, es el mejor álbum de mierda. Pocos
momentos musicales tienen más garantía de alegrarme que los alegres clics
de riff y snare que inician "Teen Age Riot". Nunca se mantuvo el escurridizo
equilibrio Sonic Youth de noisecraft / songcraft tan gloriosamente intacto, a
pesar de contener pocas canciones en menos de cinco minutos, este sigue
siendo el álbum más accesible que hayan hecho (incluido incluso el breve
período en el que intentaron ser accesibles). Agradezca su confianza al
permitirse estirar sus piernas de improvisación en el estudio, para presentar el
disco con una producción brillante y clara, para mantener a todos los
SKREEERAWWWKKK dentro del contexto de las canciones melódicas
reales. Gracias a la relación de Lee más alta que jamás se haya encontrado en
un producto SY, y la consistencia de composición sin igual de Thurston y,
jadeo! Kim. Daydream Nation fue un signo de puntuación ruidoso a la
evolución del rock sub-radar en los años de Reagan, y mientras la gente siga
escuchando guitarras, seguirá siendo un hito.