La historia de la danza es el relato cronológico de la danza y el baile como arte y como rito

social. Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse

corporalmente, con movimientos que expresan sentimientos y estados de ánimo. Estos
primeros movimientos rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos
importantes (nacimientos, defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un
componente ritual, celebrada en ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa
índole religiosa, donde la propia respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una
primera cadencia a la danza.1
Los orígenes de la danza se pierden en el tiempo, ya que en su vertiente ritual y social ha sido
un acto de expresión inherente al ser humano, al igual que otras formas de comunicación
como las artes escénicas, o incluso las artes plásticas, como se demuestra por las pinturas
rupestres. El baile y la danza han sido un acto de socialización en todas las culturas, realizado
con múltiples vías de expresión. Por su carácter efímero resulta prácticamente imposible situar
su origen en el espacio y en el tiempo, ya que solo es conocido por testimonios escritos o
artísticos (pintura y escultura), los cuales comienzan con las civilizaciones clásicas
(Egipto, Grecia, Roma). Por otro lado, desde tiempos antiguos ha existido una dicotomía entre
danza como expresión folclórica y popular y la danza como arte y espectáculo, integrado en
un conjunto formado por la propia danza, la música, la coreografía y la escenografía. Parece
ser que fue en la Antigua Grecia cuando la danza empezó a ser considerada como arte, el
cual se representaba frente a un público. En tiempos más modernos, la consideración de la
danza como arte —más propiamente llamado ballet— comenzó en el Renacimiento, aunque la
génesis del ballet moderno cabría situarla más bien en el siglo XIX con el movimiento
romántico.2

Mitología
El baile de los coribantes inventado por los curetos o coribantes, ministros de la religión bajo
los primeros titanes, lo ejecutaban al son de tambores, de pífanos, zampoñas y al tumultuoso
estrépito de los cascabeles, lanzas, espadas y escudos. La fábula dice que con el ruido de
dicho baile salvaron de la barbarie de Saturno al pequeño Júpiter, cuya educación les había
sido confiada.
Las danzas o bailes campestres, que se dice fueron inventados por el dios Pan, se ejecutaban
en los bosques y parajes deliciosos por jóvenes de ambos sexos coronados de ramos
de encina y guirnaldas de flores.

Antigua Grecia
Grecia fue el primer lugar donde la danza fue considerada un arte, teniendo
una musa dedicada a ella: Terpsícore. Los primeros vestigios provienen de los cultos
a Dioniso(ditirambos), mientras que fue en las tragedias —principalmente las de Esquilo—
donde se desarrolló como técnica, en los movimientos rítmicos del coro.
Los griegos conocieron este arte desde tiempo inmemorial, y en el octavo libro de La
Odisea vemos que los feacios obsequiaron ya en aquellos remotos tiempos al hijo
de Laertes recién llegado a la corte de Alcínoo con un baile ejecutado por una tropa de
jóvenes al son de la armoniosa lira de Demódoco, los que bailaron con tanto primor y ligereza
que Ulises quedó arrebatado por la encantadora movilidad de sus pies. A las sabias leyes
de Platón se debió el que este arte llegase al último grado de perfección entre los griegos,
como que Ateneo nos dice que los escultores más hábiles iban a estudiar y dibujar las varias
actitudes de los bailarines, para copiarlas después en sus obras.
Platón reconoció tres especies de danzas, dos de «honestas» y una de «sospechosa»:
 La primera, de pura imitación, que con dignidad y nobleza se ajusta a las expresiones
del canto y de la poesía.
 La segunda, destinada a procurar la salud, ligereza y buena gracia en el cuerpo.
 La tercera o sospechosa era de las bacantes y otras semejantes que con pretexto de
cumplir con ciertos ritos religiosos imitaba la embriaguez y se abandonaban a toda suerte
de excesos. Por esta razón, al paso que juzgó las dos primeras de la más grande utilidad
para la república, desterró la última como contraria a la moral y buenas costumbres.
Los griegos introdujeron el baile en la escena, cuya invención se atribuye a Batilo de
Alejandría y a Pílades: el primero lo unió a la comedia y, el segundo, a la tragedia. Esta
diversión, que forma uno de los principales placeres de la juventud, no podía menos de gustar
a los romanos y a los demás pueblos que les sucedieron.
Como es considerado el inventor de las danzas con que los griegos y romanos adornaron
sus banquetes. Primero fueron como unos intermedios de aquellas comidas que la alegría y la
amistad ordenaban en las familias, pero el placer, la glotonería y el vino dieron después mayor
extensión a este divertimento, degenerando de su primitivo origen.
Sócrates es alabado por los filósofos que le sucedieron porque bailaba con primor. Platón
mereció ser vituperado por haber rehusado bailar en un baile que daba un rey de Siracusa:
y Severo Catón, que en los primeros años de su vida no cuidó de instruirse en un arte que ya
se miraba entre los romanos como un objeto serio, creyó que debía sujetarse a los 59 años de
edad a las ridículas instrucciones de un maestro de baile en Roma.
Los griegos y la mayoría de los pueblos antiguos introdujeron el baile en la mayor parte de
sus ceremonias sagradas y profanas. El baile o danza sagrada es de todas la más antigua.
Los judíos la practicaban en las fiestas mandadas por la Ley y para celebrar algún
acontecimiento interesante. Después del paso del mar Rojo, Moisés y su hermana María
bailaron en unión con otros hombres y mujeres y David hizo lo mismo delante del Arca en
señal de alegría. La danza o baile astronómico inventado por los egipcios e imitado luego por
los griegos se reducía a representar al son de tocatas armoniosas y por medio de pasos
mesurados y figuras bien diseñadas el movimiento y curso de los astros.
El baile armado o «danza pírrica», cuya invención se atribuye a Pirro hijo de Aquiles, que la
ejecutó por primera vez delante de la tumba de su padre, se hacía con la espada, la lanza y el
escudo. En medio de ella ejecutaban todas las evoluciones militares de aquellos tiempos, y
formaba una parte de la educación de la juventud de Lacedemonia. Este baile se llamaba
también por los griegos menafítico y se decía lo había inventado Minerva para celebrar la
victoria de los dioses y el abatimiento de los titanes. Los espartanos iban al combate
danzando. La danza de los festines se ejecutaba en los intermedios o después de los
banquetes. El sonido de muchos instrumentos reunidos invitaba a los convidados a nuevos
placeres: los poetas dicen que Baco inventó este baile cuando volvió de Egipto.
Se llamaba «baile de la inocencia» a una danza que se hacía en Lacedemonia por las
doncellas de aquella ciudad enteramente desnudas delante del altar de Diana, con graciosas y
modestas actitudes y con pasos lentos y graves. Helena se ejercitaba en este baile cuando
fue vista por Paris, el que, enamorado, la robó. Licurgo, al reformar las leyes de los
lacedemonios, conservó esta danza, la que probablemente no consideraría perjudicial a las
buenas costumbres.
Los «bailes fúnebres» se ejecutaban en las exequias y funerales. En los de un rey de Atenas,
por ejemplo, una escogida tropa vestida de largas ropas blancas rompía la marcha. Dos
órdenes de jóvenes precedían al féretro circuido de otros dos coros de doncellas. Llevaban
todos coronas y ramos de ciprés y formaban bailes graves y majestuosos al son
de sinfonías lúgubres. Luego venían los sacerdotes de las diversas divinidades del Ática,
adornados con los signos distintivos de su carácter. Caminaban lentamente y en cadencia,
cantando himnos en alabanza del difunto rey. Los bailes fúnebres de los particulares
ejecutados sobre este modelo eran proporcionados a la dignidad de los muertos.
El inicio teatral antiguo se dividía en cuatro partes:

1. Trágico. Era propio del trágico toda la seriedad y dignidad necesaria para inspirar la
tristeza, la compasión, el terror y todos los sentimientos análogos a la acción que se
quería representar.
2. El baile cómico, llamado cordacio, era acompañado de las posiciones más indecentes
y licenciosas, en tanto grado que Teofrasto dice que un hombre no se hubiera atrevido
a bailar el cordacio sin haber perdido antes toda especie de pudor o sin estar
embriagado.
3. Satírico. La tercera especie de baile se llamaba attellanes y era lo que en
la satírica griega se decía sykinnis, destinado a la burla y mordacidad.
4. Pantomímico. La cuarta parte y la más famosa reunía el carácter de todas las demás:
los pantomimos sin necesitar ni de la propia voz, ni del oído de los espectadores,
daban a entender con la mayor claridad por medio de pasos y acciones expresivos
cuanto querían.
Antigua Roma
Entre los romanos se usaba una especie de danza que mejor debería llamarse pantomima en
los entierros o funerales. Un hombre tomaba el vestido del difunto y, cubierta su cara con
una máscara, iba delante de la pompa lúgubre remedando las costumbres y modales más
conocidos del sujeto que representaba, de modo que venía a ser un orador fúnebre sin hablar
una palabra, de todas las costumbres del muerto.
El baile o danza de los salios fue instituido por Numa Pompilio, segundo rey de Roma, en
honor de Marte, el que ejecutaban doce sacerdotes llamados salios escogidos de las más
ilustres familias de Roma.
El baile del Himeneo o «danza nupcial» estaba en uso entre los romanos. Se ejecutaba en los
matrimonios de los antiguos por jóvenes y doncellas coronados de flores, que con sus figuras
y con sus pasos expresaban la alegría que reina en una feliz unión. Con el tiempo este baile,
tan sencillo en su origen, pasó a ser un vivo ejemplo y una pintura la más obscena de las
funciones más secretas del matrimonio. La licencia y el libertinaje llegaron a tal punto que
el Senado se vio precisado a echar de Roma a todos los danzarines y maestros de semejante
baile.
Todos los pueblos, como hemos dicho, tuvieron sus bailes sagrados, que eran considerados
como una parte del culto que debía tributarse a sus divinidades. Los galos, los españoles, los
alemanes, los ingleses tenían sus danzas sagradas. En todas las religiones antiguas fueron
los sacerdotes danzadores por estado. Si hemos de dar crédito a Scaligero, los obispos fueron
llamados præsules en la lengua latina (a præsiliendo) porque ellas principiaban la danza
sagrada. Así es que en casi todas las iglesias que se construyeron en los primeros tiempos se
dejaba un terreno elevado al que se daba el nombre de coro; este era una especie de teatro
separado del altar, tal como se ve aún en el día de hoy en las iglesias de san Clemente o de
san Pancracio de Roma, en el que se ejecutaban las danzas sagradas con la mayor pompa en
todas las fiestas solemnes. Aunque estos bailes hayan sido sucesivamente desterrados de las
ceremonias de la Iglesia, no obstante se conservan todavía en algunos pueblos católicos en
honor de los misterios más augustos de esta religión.3

Edad Media
La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido a la marginación a la que la sometió
la Iglesia, que la consideraba un rito pagano. A nivel eclesiástico, el único vestigio eran las
«danzas de la muerte», que tenían una finalidad moralizadora. En las cortes aristocráticas se
dieron las «danzas bajas», llamadas así porque arrastraban los pies, de las que se tiene poca
constancia. Fueron más importantes las danzas populares, de tipo folklórico, como
el pasacalle y la farándula, siendo famosas las «danzas moriscas», que llegaron
hasta Inglaterra (Morris dances). Otras modalidades fueron: el carol, el estampie, el branle,
el saltarello y la tarantela.4

Renacimiento
La danza renacentista tuvo una gran revitalización, debida al nuevo papel preponderante del
ser humano sobre la religión, de tal manera que muchos autores consideran esta época el
nacimiento de la danza moderna. Se desarrolló sobre todo en Francia –donde fue
llamado ballet-comique–, en forma de historias bailadas, sobre textos mitológicos clásicos,
siendo impulsado principalmente por la reina Catalina de Médicis. Se suele considerar que el
primer ballet fue el Ballet comique de la Reine Louise (1581), de Balthazar de Beaujoyeulx.
Las principales modalidades de la época eran la gallarda, la pavana y el tourdion. En esta
época surgieron los primeros tratados sobre danza: Domenico da Piacenza escribió De arte
saltandi et choreas ducendi, siendo considerado el primer coreógrafo de la Historia; Thoinot
Arbeau hizo una recopilación de danzas populares francesas (Orchesographie, 1588).5

Barroco
La danza barroca siguió desarrollándose nuevamente en Francia (ballet de cour), donde hizo
evolucionar la música instrumental, de melodía única pero con una rítmica adaptada a la
danza. Fue patrocinada especialmente por Luis XIV, que convirtió la danza en grandes
espectáculos (Ballet de la Nuit, 1653, donde intervino el rey caracterizado de sol), creando
en 1661 la Academia real de Danza. Como coreógrafo destacó Pierre Beauchamp, creador de
la danse d'école, el primer sistema pedagógico de la danza. Las principales tipologías
fueron: minuet, bourrée, polonaise, rigaudon, allemande, zarabande, passepied, gigue, gavott
e, etc. En España también se dieron diversas modalidades de
danza: seguidilla, zapateado, chacona, fandango, jota, etc.6

Baile social del siglo XVIII.

En el siglo XVIII -la época del Rococó- continuó la primacía francesa, donde en 1713 se creó
la Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera academia de danza. Raoul-Auger
Feuillet creó en 1700 un sistema de notación de danza, para poder transcribir por escrito la
diversa variedad de pasos de danza. En esta época la danza comenzó a independizarse de
la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo autonomía propia como arte, y formulando un
vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras musicales solo para ballet,
destacando Jean-Philippe Rameau –creador de la opéra-ballet–, y comenzaron a surgir
nombres de bailarines destacados, como Gaetano Vestris y Marie Camargo. A nivel popular,
el baile de moda fue el vals, de compás ¾, mientras que en España surgió el flamenco.7
Durante el neoclasicismo el ballet experimentó un gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte
teórico del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet d'action, que destacaba el
sentimiento sobre la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un mayor naturalismo y
una mejor compenetración de música y drama, hecho perceptible en las obras del
compositor Christoph Willibald Gluck, que eliminó muchos convencionalismos de la danza
barroca. Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò, que dio mayor vitalidad al «cuerpo
de ballet», el conjunto que acompaña a los bailarines protagonistas, que cobró independencia
respecto de estos.8

Romanticismo
La danza romántica recuperó el gusto por los bailes populares, las danzas folklóricas, muchas
de las cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú), aparecido por
primera vez en el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer. Se
empezó a componer música puramente para ballet, destacando Coppélia (1870), de Léo
Delibes. En el aspecto teórico, destacó la figura del coreógrafo Carlo Blasis, principal creador
del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos técnicos concernientes a la danza:
en El código de Terpsícore (1820) relacionó la danza con las otras artes, efectuando estudios
de anatomía y movimientos corporales, ampliando el vocabulario relativo a la danza, y
distinguiendo varios tipos de bailarines según su físico. También introdujo el baile sobre las
puntas de los pies, en el que destacaron Marie Taglioni y Fanny Elssler. En bailes populares,
continuó la moda del vals, y aparecieron la mazurca y la polca.9

Representación de El cascanueces, de Piotr Chaikovski.

A mediados del siglo XIX, con el nacionalismo musical, el centro geográfico en cuanto a

creación e innovación pasó de París a San Petersburgo, donde el Ballet Imperial alcanzó
cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico en el Teatro Mariinski –y, posteriormente, en
el Teatro Bolshói de Moscú–. La figura principal en la conformación del ballet ruso fue Marius
Petipa, que introdujo un tipo de coreografía narrativa donde es la propia danza la que cuenta
la historia. Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos, convirtiendo el ballet en un gran
espectáculo, con deslumbrantes puestas en escena, destacando su colaboración con Piotr
Chaikovski en tres obras excepcionales: La bella durmiente (1889), El cascanueces (1893)
y El lago de los cisnes (1895). A nivel popular, el baile más famoso de la época fue el can-can,
mientras que en España surgieron la habanera y el chotis.10

Danza contemporánea
La danza contemporánea se inició nuevamente con el liderazgo del ballet ruso adquirido a
finales del siglo XIX: Mijaíl Fokin dio más importancia a la expresión sobre la técnica; su
obra Chopiniana (1907) inauguraría el «ballet atmosférico» –solo danza, sin hilo
argumental–. Serguéi Diáguilev fue el artífice del gran triunfo de los Ballets Rusos en París,
introduciendo la danza en las corrientes de vanguardia: su primer gran éxito lo obtuvo con
las Danzas polovtsianas de El príncipe Ígor de Aleksandr Borodín(1909), al que siguieron El
pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), de Ígor
Stravinski; por último, Parade (1917) fue un hito dentro de la vanguardia, con música de Erik
Satie, coreografía de Léonide Massine, libreto de Jean Cocteau y decorados de Pablo
Picasso. En el grupo de Diáguilev destacaron los bailarines Vaslav Nijinsky, Anna
Pávlova y Tamara Karsávina. Con la Revolución soviética el ballet ruso pasó a ser un
instrumento de propaganda política, perdiendo gran parte de su creatividad, aunque surgieron
grandes bailarines como Rudolf Nuréyev y Mijaíl Barýshnikov, y se produjeron obras
memorables como Romeo y Julieta (1935) y Cenicienta (1945), de Serguéi Prokófiev,
y Espartaco (1957), de Aram Jachaturián. También alcanzó notoriedad el
sistema pedagógico ideado por Agrippina Vagánova.
La danza expresionista supuso una ruptura con el ballet clásico, buscando nuevas formas de
expresión basadas en la libertad del gesto corporal, liberado de las ataduras de la métrica y
el ritmo, donde cobra mayor relevancia la autoexpresión corporal y la relación con el espacio.
Su principal teórico fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un sistema que pretendía
integrar cuerpo y alma, poniendo énfasis en la energía que emanan los cuerpos, y analizando
el movimiento y su relación con el espacio. Este nuevo concepto quedaría plasmado con la
bailarina Mary Wigman. De forma independiente, la gran figura de principios de siglo
fue Isadora Duncan, que introdujo una nueva forma de bailar, inspirada en ideales griegos,
más abierta a la improvisación, a la espontaneidad.
En el período de entreguerras destacaron las escuelas francesa y británica, así como el
despuntar de los Estados Unidos. En Francia, el Ballet de la Ópera de París volvió al
esplendor de la era romántica, gracias sobre todo a la labor de Serge Lifar, Roland
Petit y Maurice Béjart. En Gran Bretaña destacaron figuras como Marie Rambert, Ninette de
Valois, Frederick Ashton, Antony Tudor, Kenneth MacMillan, Margot Fonteyn, etc. En Estados
Unidos, donde había escasa tradición, se consiguió en poco tiempo llegar a un alto nivel de
creatividad y profesionalización, gracias en primer lugar a pioneras como Ruth Saint
Denis, Martha Graham, Doris Humphrey y Agnes De Mille. El ruso George Balanchine –
surgido de la compañía de Diáguilev– se instaló allí en 1934, donde fundó la School of
American Ballet, y produjo espectáculos que lo renombraron como uno de los mejores
coreógrafos del siglo. En los años 1950 y 1960 destacó la actividad innovadora de Merce
Cunningham que, influido por el expresionismo abstracto y la música aleatoria de John Cage,
introdujo la danza basada en la casualidad, el caos, la aleatoriedad (chance choreography).
Otro gran hito de la época fue el West Side Story (1957) de Jerome Robbins.
Con Paul Taylor la danza entró en el ámbito de la posmodernidad, con un manifiesto inicial en
su Duet (1957), donde permanecía inmóvil junto a un pianista que no tocaba el piano. La
danza posmoderna introdujo lo corriente y lo cotidiano, los cuerpos ordinarios frente a los
estilizados de los bailarines clásicos, con una mezcolanza de estilos e influencias, desde las
orientales hasta las folklóricas, incorporando incluso movimientos de aerobic y kickboxing.
Otros coreógrafos posmodernos fueron Glen Tetley, Alvin Ailey y Twyla Tharp. En las últimas
décadas del siglo destacaron coreógrafos como William Forsythe y Mark Morris, así como la
escuela holandesa, representada por Jiří Kylián y Hans van Manen, y donde también se formó
el español Nacho Duato. A nivel de bailes populares, en el siglo XX ha existido una gran
diversidad de estilos, entre los que se puede
remarcar: foxtrot, charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero, pasodoble, rumba, samba, con
ga, merengue, salsa, twist, rock and roll, moonwalk, hustle, breakdance, etc.

Reguetón

Reguetón

Orígenes Reggae en
musicales español, dancehall, toasting, soca, hip
hop, dub

Orígenes Mediados de los años 1970 en Panamá y

culturales principios de la década de 1990 en Puerto
Rico.

Instrumentos Dembow (ritmo), sintetizador, caja de
comunes ritmos, sampler,1voz

Popularidad Muy alta desde comienzos de la década de

 2000 en Latinoamérica, España y Estados
Unidos.

El reguetón o reggaetón2 es un género musical bailable3 que se deriva del reggae y

del dancehall, así como elementos principalmente del hip hop y la música hispana.4 5 Se
influenció del reggae en español de Panamá y se desarrolla en Puerto Rico en 1990; nace y
surge a raíz de la popularidad del reggae, cuyos ritmos llegaron de Jamaica, junto con el hip
hop estadounidense durante los 1990.678
El reguetón se originó a partir de su predecesor el reggae en español.6 Después de este
acontecimiento, el reguetón se apartó poco a poco del reggae originario de Jamaica, usando
los mismos instrumentos y los mismos ritmos musicales pero con diferentes letras y melodías.
Esto se debió a que en Puerto Rico se usaban beats de reggae sobre bases de rap pero con
letras y composiciones diferentes.7
Similar a la salsa la cual fue una expresión cultural de la juventud latina de principios de los
años 70, el reguetón entró en España y en los Estados Unidos en los años 90 y 2000 y se ha
convertido en un modo de expresión para muchos jóvenes latinos.910 Ha continuado actuando
como una forma de resistencia hacia el consumismo cultural producido por la presencia de los
Estados Unidos en América Latina. La música reguetón actúa como una salida para los
jóvenes latinos a expresar y comentar sobre las luchas que experimentan y perciben en la
sociedad actual. Este modo de expresión comenzó con los primeros artistas veteranos que
comentaron sobre la discriminación racial que artistas, como Vico C, enfrentan en América
Latina.

Etimología
El término reguetón es la forma adaptada al español a partir del vocablo reggaetón; este, a su
vez, viene de la palabra reggae y el sufijo -ón. Fue acuñado por el productor
panameño Michael Ellis en Puerto Rico en 1988.1112 Según el artista Gringo el Original el
término significa "reggae grande":
Con todo respeto les quiero decir que la verdad es que Michael Ellis, el mánager de El General, me dijo
que no dijera «reggae», que lo pusiera como algo grande y como a todo lo grande nosotros le ponemos
«ón», como cabezón, camisón, etc, entonces, lo llamamos «reggaetón», un “reggae” grande. Es la plena
verdad.
Jaime Davidson13

Precursores
El reggae en español nace y surge a mediados y finales de los años 1970 en Panamá a raíz
de la comunidad jamaicana que se radicó en la Provincia de Colón, seguido de la ciudad
capital y Bocas del Toro, donde gran parte vinieron por los ancestros que llegaron
a Panamá desde antes, para participar en el proyecto de la construcción del canal
interoceánico, incluyendo así a otros inmigrantes antillanos provenientes
de Barbados, Trinidad y Tobago y otras islas del Caribe.
Pero antes de que el género del reggae en español naciera, el reggae no era muy popular.
Fue en 1977 que un inmigrante guyanés en tierras panameñas y en compañía de un DJ
capitalino llamado Wasanga, introduce por primera vez el ritmo reggae en Panamá. Es así
como surgen intérpretes como Rasta Nini, Calito Soul y el mismo Wasanga, quienes
alcanzaron tener y dar las primeras presentaciones de reggae en vivo organizadas por el
promotor Juan Bass.
Dentro de los ritmos del género panameño, se abarca la tradición de los famosos ritmos
dichos riddims que salen de Jamaica así como también se hacen en Panamá. Están el roots
reggae, el reggae bultrón» y el reggae soca y la mezcla musical con estilos regionales
panameños. También se usan las fusiones del reggae con otros estilos de países
angloamericanos y latinoamericanos.

Historia
El reggae y dancehall de Jamaica, junto con el hip hop estadounidense han influido
grandemente este género híbrido . El reguetón se podría decir que nace de un intercambio
cultural y musical entre Panamá y Puerto Rico.14Las raíces del reguetón empezaron en Puerto
Rico en los años 1990, cuando el reggae en español de Panamá habia entrado a esa isla con
música de Nando Boom y Pocho Pan. El reggae en español era una adaptación
del reggae jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura hispana en Panamá.
Los orígenes de ese género empezaron con las primeras grabaciones de reggae
latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 1970. La influencia
del reggae jamaiquino en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo
XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá.15 Artistas
como El General, Chicho Man, Nando Boom, Renato y Apache Ness empezaron a cantar
reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del
reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue
denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 1980 el rapero de
Puerto Rico, Vico C, lanzó discos de Hip Hop en español en esa isla. Su producción ayudó a
extender el sonido de lo que sería posteriormente el reguetón. La extensión del movimiento
del reggae en español en las comunidades latinoamericanas de los centros urbanos
de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.16
Nando Boom, pionero del reggae en español.
Daddy Yankee, pionero del reguetón y uno de los artistas más influyentes en la década de los 1990 y
2000.
El reggae en español surgió en la década de 1970 pero ya para los 1990, esta música se
extendia por el Caribe hispano. Durante estos años, el reggae en español habia llegado
a Puerto Rico y se comenzó a tocar en las discotecas esta música jamaiquina pero en
español.17 El rap influyó en gran medida a lo que posteriormente sería el reguetón, sobre todo
a través de la introducción de la improvisación lírica. Las letras improvisadas se ejemplifican
mejor por la música de Vico C. A mediados de la década de 1990 el dancehall reggae fue
añadido a la mezcla del rap en español, y durante esa década surgió oficialmente el
«reguetón».12 Uno de los primeros sonidos del reguetón fueron los famosos "playeros" del
puertorriqueño Dj Playero, que eran casetes clandestinos con pistas de reggae/rap. El estilo
crecia desde que Vico C lanzó su primer single «Bomba para afincar» en 1991.
Aunque el reggae en español comenzó en Panamá, se extendió rápidamente por todo el
Caribe y a finales de los 1980 y principios de los 1990 se formaron múltiples mezclas,
recreaciones e híbridos del género. Sin embargo, el género se hizo muy popular en Puerto
Rico, debido a su gran éxito comercial. El país lo evolucionó a su modo y se convirtió en el
primer lugar en que los artistas y estrellas del reguetón se originaron.18 Además, a principios
de los 1990 el ritmo «Dem Bow», creado por Steely & Clevie, caracterizó el género y ganó
popularidad masiva.19 Esta caracterización del reguetón, actuó como una forma de establecer
el género híbrido, aparte del sonido original de Panamá; el «reggae en español».7 En este
punto el género despegó y estaba siendo producido e interpretado por artistas a lo largo
de Puerto Rico incluyendo a artistas como Ivy Queen, Daddy Yankee, Big Boy, Ruben
DJ, Vico C, entre otros.
En Panamá fue el primer lugar donde se cantó reggae en español a cargo de Rasta Nini de
la Ciudad de Colón, en 1984. En Puerto Rico fue el primer lugar que se cantó rap en español a
cargo de Vico C en 1985. Después de estos acontecimientos en dos puntos diferentes de la
geografía del continente americano, los panameños siguen cantando las canciones de los
jamaicanos con los mismos instrumentales y las mismas melodías de voz pero con diferentes
letras.20Mientras que en Puerto Rico se usaban pistas de rap de los Estados Unidos pero con
letras y canciones totalmente nuevas en español.7
Para ese mismo tiempo estaba en su apojeo el boom comercial de lo que fue el fenómeno
Vico C, con el rap en español. El artista Vico C grabó uno de los primeros temas de reguetón
boricuas «Bomba para afincar». Su producción ayudó a extender el sonido del reguetón, por lo
cual se le da tanto crédito a este rapero.21 Pero el reggae aún no había sido tomado en cuenta
totalmente en Puerto Rico. En el transcurso de la primera mitad de la década de los 90 en
Panamá lo que se hizo fue mantener el reggae a imagen y semejanza del reggae jamaicano y
hasta se adquirió el formato de sacar producciones de varios artistas en un solo instrumental
por CD como se hace en Jamaica desde finales de los 80.2022
En Puerto Rico durante 1992 y 1993 se comenzó a escuchar reggae de Jamaica, se
escuchaban canciones como «Murder She Wrote» de Chaka Demus & Pliers, «Dem Bow»
de Shabba Ranks, «Hot Dis Year» de Dirtsman, «Poco Man Jam» de Gregory Peck, que eran
muy bailables y fueron bien aceptadas. Así que se aprovechó para introducir el reggae
panameño a la isla boricua. Se escucharon canciones como «Dem Bow» de Nando Boom,
«Pantalón caliente» de Pocho Pan, «Estas dulce» de La Atrevida y además todos los éxitos
internacionales de Gringo el Original y de El General, entre ellos «Donde lo conseguiste» y
«Muévelo». Entonces los primeros indicios de que los boricuas querían cantar reggae
dancehall también fue notable.22 DJ Negro aporta una de las principales contribuciones para el
nacimiento de este género musical en su discoteca The Noise, entre 1992 y 1993, donde
realizó un concurso de canto para improvisar líricas con instrumentales reconocidos de los
Estados Unidos y reggae de Jamaica.7202218 Se utilizaban pistas jamaicanas como «Poco Man
Jam riddim», «Hot Dis Year riddim», «Bam Bam riddim» y el «Fever Pitch riddim». Y a finales
de 1994 surgen las dos primeras producciones de reguetón boricua «The Noise I» y «Playero
37».2022 Eran producciones de reggae rap (ya que se cantaba como un cantante de rap y no
como un deejay de dancehall) y la mayoría de los arreglos musicales
eran beats de reggae movido sobre instrumentales de rap.22 En pocas palabras fue la fusión
del rap con el reggae.18 Entre los primeros exponentes de ese experimento están Ivy
Queen, Eddie Ávila y Daddy Yankee.18
Los boricuas tomaron el ejemplo de Panamá de cantar algunas canciones de reggae en inglés
pero con letras en español y lo aplicaron también con canciones de rap pero nunca dejaron de
crear canciones originales y mezclar las pistas.7 En Panamá había crecido mucho el género
para la segunda mitad de la década de los 90. Ya en Panamá se conocía de Vico C y Big
Boy cantantes que lograron traspasar las barreras internacionales pero nadie sabía que se
desataba un movimiento underground tan grande en la isla. En 1996 cuando eran los últimos
tiempos de Nando Boom el cual es muy bien recordado en el género. Fue cuando los boricuas
llevaron su música a Panamá así como el reggae panameño se escuchó durante 1992 y 1993
en Puerto Rico.
El reggaeton se amplió y se hizo conocido cuando otros productores siguieron los pasos
de DJ Playero, al igual que DJ Nelson y DJ Eric con álbumes como: DJ Playero
37 (donde Daddy Yankee empieza su carrera como cantante), The Noise: Underground, The
Noise 5 y The Noise 6, que fueron muy bien recibidos en Puerto Rico, y en la República
Dominicana. En Centro América gracias a Puerto Rico se dio a conocer el reggaeton por
artistas como: Ivy Queen, Baby Rasta & Gringo quienes fueron los primeros boricuas en
incursionar en tierras panameñas durante ese año. Discos como Cierra los ojos bien, se
dieron esta primera remesa de temas boricuas. Cantantes que tenían una buena trayectoria al
 estilo rap como Don Chezina, MC Ceja y Lito MC Cassidy, también fueron muy notables. Pero
lo que hizo que el reguetón boricua se quedara marcado en Panamá fue «The Noise Live».
Entonces el reggae de Panamá dejó de ser el mismo. Surgió una forma de cantar que no
tenían los boricuas, el doble sentido que ya existía en la música alrededor del mundo desde
hace mucho tiempo pero que en el reggae latino fue dado a conocer por Papa Chan con la
canción «Pa la cerca» en el CD The Creation I en donde ese era el único tema diferente de la
producción lo que dio otro giro al curso del reggae de Panamá. Luego apareció Cuentos de la
cripta I en donde participaron artistas de Panamá y Puerto Rico, con la producción musical
de El Chombo, con la ayuda y asesoría de DJ Negro.
Todas las demás producciones de Panamá siguieron el ejemplo de Cuentos de la cripta y The
Creation, pero en el reggae panameño estaba un grupo que era diferente que cantaba reggae
lento con mensajes de amor, paz y reflexión. Era dirigido por Elian Davis productor de La
rosca donde participó El Roockie y Tommy Real que contaban con un repertorio de 1 a 2
canciones cada uno. Después las producciones panameñas se dividieron en sección rápida,
dancehall y la lenta roots reggae con mensaje. La siguiente generación de artistas de reggae
panameño fue muy influida por los cambios realizados por los boricuas, Don Chezina y el
grupo de Elian Davis. El reguetón boricua desapareció en panamá a finales de 1998. El
término “reguetón” sólo ganó prominencia a finales de los años 1990, con el ritmo Dem Bow
característico en el género. El nombre fue creado en Puerto Rico en 1988 por Michael Ellis.12
Hoy en día, la música florece en toda América Latina y los Estados Unidos.2324

Características
El reguetón ha cambiado durante el proceso de su ascenso y el original dista mucho del
actual. Mientras que en un inicio se utilizaban las influencias del reggae y el dancehall, en la
actualidad se toman elementos del hip hop. Por ello, los cantantes de este género están más
acostumbrados a recitar las letras de las canciones que a cantarlas. El disc jockey que está a
cargo de las mezclas de música es un individuo de vital importancia en este género.17Aunque
el reguetón heredó la mayor parte de su estilo al hip hop debe decirse, sin embargo que a
pesar de las diferencias de estilo y nombre, el reguetón no constituye un género distinto. Son
derivaciones locales del dancehall jamaicano, con las influencias ya mencionadas.
El sonido del reguetón se caracteriza por un estilo recitativo y un ritmo sincopado producido
electrónicamente,3 acompañado por diversas melodías, que le sirven de apoyo, este ritmo
tienen una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones. El
reguetón, como su antecesor, el reggae en español, tiene ciertas características influido por
otros estilos que se escuchan en Jamaica, basándose en sonidos afro-caribeños como
el calipso, la soca y otros ritmos antillanos.8
Ritmo
Las letras del reguetón se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea
pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en
el raggamuffin y dancehall jamaicano, aunque principalmente en el rap. Las letras de las
MENÚ canciones se asemejan a las del hip hop. Al igual que el hip hop, la mayoría de cantantes de
0:00 reguetón recitan sus canciones con estilo de rap en lugar de cantarlas melódicamente. Las
letras del reguetón suelen discutir temas como la opresión, la delincuencia, la escasez
económica, la discriminación racial y la violencia política.2526
Ritmo
El ritmo del reguetón fue producido por primera vez por los DJs de dancehall
jamaicanos Steely & Clevie a principios de los años 1990.272819 Toma su nombre de una
canción producida por Bobby Digital e interpretada por Shabba Ranks, titulada "Dem Bow", de
su álbum Just Reality, que ayudó a popularizar y difundir el estilo en la década de 1990.72930 El
mismo ritmo básico que se utilizaba en el dancehall se emplea en el reguetón, aunque por lo
general con un toque latino. Este ritmo es acentuado por una combinación de tresillo 3-3-2
complementado por bombos en tiempo 4/4 con estilos de dancehall y raggamuffin, así como
una serie de elementos que se encuentran en el hip hop.2731
El Dembow se destacó por primera vez en la canción «Poco Man Jam» del cantante
jamaicano de dancehall Gregory Peck, en 1990. El patrón del tambor y percusión del Dembow
se crea a través de una caja de ritmos. La creación de la caja de ritmos a finales de 1970
revolucionó la música dancehall, muchos productores de reguetón utilizan estas cajas de
ritmos para crear diferentes riddims. El papel del Dembow en el reguetón es el elemento
básico en la percusión.27

El hip hop es un movimiento artístico y cultural que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en

las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens

y Brooklyn, donde desde el principio se destacaron manifestaciones características de los orígenes del hip

hop; por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping,

locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).

Afrika Bambaataa acuñó el término hip hop en aquella época, aunque años más tarde KRS One, originario

del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el

breakdancing (bboying) y el graffiti. Hizo esto con la idea de simplificar la definición de hip hop; pero para

muchos esto puede resultar incompleto, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de

esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales (‘beats’),

el popping, el locking el uprocking etc.

* La unión de dos de los elementos, el MC (Master of Ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo

musical del hip hop: el rap.

* El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se

denomina bboy, bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker, el primero baila

por cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, inovando y llevando el nivel de

dificultad a nuevas dimensiones. El breaker o breakdancero es la persona que baila solamente por ánimo de

lucro y ó moda, no tiene conciencia del movimiento hip- hop genéricamente hablando, y no sabe la historia

y fundamentos que un bboy debe saber. Aunque, cabe mencionar que algunos bboys de tiempo completo,

trabajan haciendo publicidad ó en tv, pero esto se justifica por los grandes avances que han dado a la

cultura, no solamente dando exhibiciones para la gente sino contribuyendo con la creación de nuevos

estilos.

* El graffiti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de

los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas

de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Hay otros estilos

de graffiti que no tienen por qué formar parte del grafiti en la cultura hip hop. Son: radical & political
graffiti, street art & post graffiti (o sea, graffiti sobre política) y graffiti generado por ordenador.

* El beatbox está inspirado en un arte originario de los mayas que consistía en imitar sonidos de la

naturaleza con la boca y que resurgió en Nueva York como la técnica de emular sonidos de percusión o

instrumentos propios de la música rap con la boca. Los practicantes de esta faceta se conocen como human

beatbox o beatboxers. Se originó este arte en la época de los 80 porque los raperos no tenían suficiente

dinero para comprar equipos de audio, entonces empezaron a imitarlos con la boca.

orígenes
El hip hop como música surgió a finales de los años 1950, cuando las fiestas callejeras o “block parties” se

volvieron frecuentes en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles

que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana,

como The Loft y Studio 54. Las fiestas callejeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ’s

empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable. Esta técnica ya

era común en Jamaica (en la música dub), lo que propició que la comunidad inmigrante jamaiquina

participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva técnica

fresca llamada rapping (una técnica de canto rítmica y basada en la improvisación).

Una figura destacada, considerada por muchos como el padre del hip hop, es DJ Kool Herc, que ocasionó,

junto a otros DJ’s como Grandmaster Flash, que dos de los elementos del hip hop nacieran y se

desarrollaran. Por una parte, se creó la figura del “Maestro de ceremonias” (abreviado MC), que era el que

presentaba al DJ. Poco a poco, la figura del MC fue adquiriendo más importancia, ya que recitaba sobre los

beats (ritmos de hip-hop) con textos cada vez más ingeniosos. Al mismo tiempo, se empezó a bailar,

reservando el mejor movimiento de baile para cuando la canción se paraba momentáneamente (es decir,

cuando hacía un “break”). Este fenómeno originó el término B-boy (break-boy), que sería “el chico que usa

el break”, y así nació el movimiento breakdance.

A pesar de que los graffitis ya se realizaban en los años 1960 por razones políticas, no se incluyeron en la

cultura hip hop hasta que, en los años 1970 y 1971, la ciudad innovadora en cuanto a grafitis dejó de ser

Filadelfia, tomando el puesto Nueva York con los writers (escritores), llamados así por pintar, sobre todo,

grandes letras de colores con sus seudónimos. Entre ellos, los escritores más destacados fueron Phase 2,

Seen y Futura 2000.

El graffiti rápidamente se hizo un hueco en la cultura, puesto que no sólo permitía decorar las paredes con

el nombre o el grupo del propio grafitero sino que también se empezaron a hacer graffitis que nombraban a
crews o grupos de breakdancers, y a DJ’s o MC’s, a la vez que se pintaban las zonas donde se organizaban

las famosas Block parties.[1

los años 70s

Con técnicas como la mezcla de audio (proceso utilizado en la grabación y edición de sonido) y el

scratching, junto con las interrupciones o breaks, se fueron creando elementos distintivos que denotaban

que quedaba muy poco del original funk o disco con el que se empezó. En un primer lugar, Herc se centró en

labores de DJ, y empezó a trabajar con dos MC’s, Coke La Rock (esta fue la primera crew de MC’s, Kool Herc

& the Herculoids). Poco a poco, estos raperos se dieron a conocer entre el público, y más tarde empezaron a

surgir MC’s más variados, con un enfoque vocal y rítmico marcado y personalizado, incorporando rimas con

un mensaje conciso, a menudo, con temas sexuales o escatológicos, en un intento de diferenciarse ellos

mismos y entretener a la audiencia. Además, también incorporaron rimas y letras procedentes de la cultura

afroamericana, como The Dozens (Los montones), una tradición afroamericana según la cual dos rivales,

generalmente del sexo masculino, se intercambian insultos en una competición verbal, faltando al respeto a

la familia del contrario y principalmente a la madre y a la hermana, dando muestras de gran agilidad mental

y oral. El objetivo del juego es demostrar la fortaleza emocional, siendo el perdedor aquel de los

contrincantes que primero se encoleriza. The Dozens tiene sus orígenes en el mercado de esclavos de Nueva

Orleans.

Mientras Kool Herc & the Herculoids fueron los primeros en adquirir mayor fama en el Nueva York de los

años setenta, otros grupos de MC’s brotaron de todos los rincones. A menudo, estas fueron colaboraciones

entre antiguos gángsters, como Afrika Bambaataa, un ex miembro de los temidos “Black Spades” para

después ser fundador y cabecilla de la Universal Zulu Nation. Esta sería la primera manifestación de una

organización de los ahora conocidos cuatro elementos de la cultura (graffiti, DJ, MC y B-boying) en una sola

fuerza que reemplazara con creatividad las anteriores batallas de violencia pandillera.

diversificación de estilos
A mediados de los 70, el hip hop se dividió en dos campos. Uno adaptaba como base la música disco,

centrándose en el baile y la excitación del público. Entre estos DJ’s, destacan Pete DJ Jones, Eddie Cheeba,

DJ Hollywood y Love Bug Starski. El otro bando se caracterizaba por rimas rápidas y una compleja

combinación de efectos y ritmos. Esta división incluía a Afrika Bambaataa, y Grandmaster Flash.

La explosión de insólita creatividad que estalló en los “ghettos” neoyorquinos y el fanatismo de muchos

jóvenes (principalmente negros y latinos) por el rap, no pasó inadvertido para cazatalentos como Russell
“Rush” Simmons (manager de raperos pioneros como Kurtis Blow, Spoonie Gee y Jimmy Spicer) y

notablemente la ex cantante soul y productora Sylvia Robinson, quien, haciendo caso de las sugerencias de

su hijo Joey Jr., se empeña en formar un trío de MC’s con la finalidad de grabar un disco para su propio sello

Sugar Hill Records. El resultado fue el mítico “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang; que fue un éxito

rotundo en EE.UU., Canadá e Israel.

Otros que se arriesgaron con las grabaciones comerciales de rap fueron Bobby Robinson y su sello Enjoy

(“Superrappin” de Grandmaster Flash & The Furious Five, Disco Four, Funky Four Plus One) y Paul Winley

quien grabó el debut de Afrika Bambaataa llamado “Zulu Nation Throwdown, pts 1 & 2”.

Claro está, a comienzos de los años ochenta, muchos sintieron que el hip hop era una moda pasajera que

pronto desaparecería. Este tópico sonó durante los siguientes 15 años, pero nada de eso sucedió. Todo lo

contrario.

Con la llegada del hip hop a finales de 1970, los mejores elementos y técnicas del género estuvieron en su

lugar. Aunque todavía no había llegado al “mainstream” (corriente principal) de popularidad, pegó fuerte

entre los afroamericanos, incluso fuera de Nueva York. Ejemplos de ello encontramos en Los Ángeles con

Captain Rapp, Washington, Baltimore, Dallas, Kansas City, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans o

Houston.

Philadelphia ha sido, durante muchos años, la única ciudad cuya contribución al hip hop fue evaluada

positivamente por los puristas y críticos de Nueva York. La primera grabación data de 1979, “Rhythm Talk”,

de Jocko Henderson. El estilo se popularizó tanto que el New York Times apodó a Filadelfia la “Capital del

mundo del Graffiti” en 1971, debido a la influencia de legendarios grafiteros como Cornbread. La primera

artista femenina en grabar rap fue Lady B. (“To the Beat Y’All”, 1980), en la emisora de radio de la

localidad, WHAT. Después, Schoolly D ayudó inventando lo que posteriormente sería conocido como gangsta

Rap, allanando el camino a los gángsters de la costa oeste..

los años 80s

Durante la década de los ochenta se produjo una intensa y compleja diversificación en el género. Las

historias simples de los MC’s de los setenta fueron reemplazadas por raperos más líricos, metafóricos y

complejos, que rimaban sobre complejos beats. Si bien aún se consideraba la música rap como un fenómeno

‘underground’ que se relacionaba más con los sellos independientes; los cambios vinieron con el contrato

suculento que el sello Mercury hizo firmar al MC de Harlem, Kurtis Blow, quien en 1980 con “The Breaks”

alcanzó un enorme éxito, y se convirtió en el primer rapero en pertenecer a un sello multinacional. De

hecho, llegó a ser una estrella pop, cuya aparición en un anuncio de Sprite, lo convirtió en el primer artista

de hip hop considerado importante para representar un producto especial, además de ser calificado por la

audiencia del hip hop como un récord en ventas.

Antes de 1980, el hip hop era desconocido fuera de los Estados Unidos. Pero durante esta década, empezó a

expandirse a todos los habitantes del continente y se convirtió en parte de la escena musical en docenas de

países. A principios de la década, el movimiento breakdance se convirtió en el primer aspecto de la cultura

del hip hop en llegar a Alemania, Japón y Sudáfrica, donde el grupo Black Noise estableció esta práctica.

Mientras tanto el hip hop fue lanzado en Francia (Dee Nasty en 1984 con “Paname City Rappin”) y en

Filipinas (Dyords Javier con “Na Onseng Delight” y Vincent Dafalong’s con “Nunal”). En Puerto Rico, Vico C

se convirtió en uno de los primeros raperos de habla hispana, junto al norteamericano de origen mexicano

Kid Frost.

politización
Las técnicas usadas en el hip hop cambiaron también en 1980. Las primeras grabaciones (“King Tim III” de

Fatback Band, “Rappers Delight” de The Sugarhill Gang, “Super Rappin” de Grandmaster Flash and The

Furious Five, y “The Breaks” de Kurtis Blow, entre otros) fueron grabadas por músicos sesionistas en el

estudio, con los raperos añadiendo sus voces. Pero así no era como sonaba el hip hop en los Block Parties

donde los cortes de los DJ’s servían de fondo para las rimas de los MC’s. Un acercamiento a esa realidad

sonora fue posible por las grabaciones de DJ’s tales como “Adventures on the Wheels of Steel” de

Grandmaster Flash, conocido por promover el uso de scratch, inventado por Grandwizard Theodore en 1977,

que en una entrevista dijo lo siguiente:

“”Un día estaba escuchando música, con el volumen un poco alto, y mi madre golpeó la puerta gritando muy

fuerte: “Si no apagas esa música, ¡te estrangulo!” al mismo tiempo que ella me gritaba mantuve los

auriculares en mi cabeza, detuve el vinilo y empecé a llevar el disco hacia adelante y hacia atrás y aluciné,

así que comencé a experimentar con eso durante un par de meses, hasta que lo saqué, y salí con el

Scratch.””

Significaron un gran salto las grabaciones electrónicas tales como “Planet Rock” de Afrika Bambaataa,

donde se utilizó para el ritmo una programación de una máquina de percusión (en este caso la Roland TR-

808) y otros arreglos electrónicos (lo que sería la fundación del Electro); o “Sucker MC’s” y “Peter Piper” de

Run-D.M.C, que contienen el genuino trabajo en los tornamesas y mezclador de Jam Master Jay, DJ del

grupo.
De estos últimos grupos podría haberse dicho que marcaron el comienzo del verdadero hip hop en contra de

los simples versos de rap que se hacían sobre bases de funk o disco. Estas innovaciones fueron fundadas en

la ciudad de Nueva York, capital del hip hop durante la década de los ochenta. Este estilo adquirió la

etiqueta de hip hop de la costa este.

Grandmaster Flash & the Furious Five lanzaron un “rap con mensaje”, llamado “The Message”, en 1982;

estos fueron uno de los primeros ejemplos del hip hop grabado con un tono de conciencia social. En 1984,

Marley Marl, accidentalmente capturó en un sampler que emulaba el sonido de batería de una vieja

grabación de James Brown, mientras trabajaba en los estudios Unique. Esta innovación, la percusión

sampleada, fue esencial en el desarrollo de otros tipos posteriores de hip hop.

popularización e influencia mundial

Pese a que aún faltaba tiempo para su masificación, cosa que recién sucedió a principios de los años

ochenta, las innovaciones del Bronx lograron cierta influencia en la música comercial (por ejemplo, el rap

que aparece a mitad del tema disco “Everybody Salsa” de Modern Romance, pero especialmente en el área

Punk/New wave como “The Magnificient Seven” de The Clash y Debbie Harry, del grupo Blondie, que firmó

la primera colaboración de raza blanca en un hit del género con “Rapture”, donde en su letra menciona

halagos a Grandmaster Flash y a Fab 5 Freddy. De hecho, las similitudes entre la escena punk y el hip hop

son claras, por ejemplo en la asimilación de la filosofía del “Do it yourself” (Hazlo tú mismo), para paliar la

falta de oportunidades. Tanto así que el ex manager de los Sex Pistols, el ambicioso Malcolm McLaren, no

dudó en promocionar esta nueva revolución urbana en su disco “Duck Rock” de 1983, con Electro y Scratch

incluidos; donde el vídeo de su principal sencillo, “Buffalo Gals”, significó para muchos jóvenes británicos el

primer encuentro con los 4 elementos del hip hop.[4]

El hip hop se usaba para denunciar actos, normalmente políticos, que conseguían el rechazo o la enemistad

de entidades como el gobierno. Se cree que popularizar la cultura del hip hop y comercializarla era una

manera de canalizarla hacia las masas y así esconder su verdadera función: sus básicas denuncias al sistema.

[5] Aún así, a mediados de la década de los ochenta florecieron artistas que alcanzaron éxito comercial

como Kurtis Blow (Kurtis Blow), Whodini (Haunted House Of Rock, Escape), LL Cool J (Radio, Bad) y

especialmente Run-D.M.C. (Raising Hell), El Radio de LL Cool J también nos dejó algunos hits de pista de

baile como “I Can Give You More”. En 1986 dos temas del género se colaron en el Top 10 de Billboard. Estos

fueron el “Walk This Way” de Run-D.M.C. con la colaboración de Aerosmith, y el “(You Gotta) Fight for Your

Right (To Party!)” de los Beastie Boys, el primer grupo blanco de hip hop. La colaboración de Run-D.M.C.

con la banda de hard rock Aerosmith en “Walk This Way” fue un primer ejemplo de las fusiones de rock

pesado y hip hop. Además, durante la misma época, se vio el primer exitoso surgimiento de un grupo
femenino negro, Salt-N-Pepa, quien llegó a las listas con sencillos como “The Show Stoppa” en 1985. El

seminal “6 n’ Da Mornin” de Ice-T (1986) es uno de los primeros éxitos nacionales en cuanto a singles de la

costa oeste, y se considera a menudo como el comienzo del hip hop gangsta, coincidiendo con el “PSK What

Does It Mean” de Schoolly D.

En 1987, Public Enemy publicó su primer álbum (Yo! Bum Rush the Show) en Def Jam, una de las compañías

discográficas más importantes del hip hop, fundada por Russell Simmons y el productor Rick Rubin, en el año

1984, y Boogie Down Productions, dio continuación en 1988 con By All Means Necessary; ambas grabaciones

promovieron una ola de artistas severamente politizados, entre los cuales estuvieron Just Ice, Paris y

Disposable Heroes con el actual líder de Spearhead, Michael Franti. A finales de la década surgieron raperos

de ideas similares en ambas costas, y el LP It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back de Public Enemy se

convirtió en un éxito total a pesar de su tono militante y de confrontación (llegó al número 1 Rhythm and

Blues en EUA a finales del 88). Además de las innovaciones líricas, el equipo de producción Bomb Squad de

Public Enemy (junto con DJ Mark The 45 King y Prince Paul entre otros) promovieron nuevas técnicas en el

uso de samples.

el nacimiento del gangsta rap

El primer álbum de gangsta Rap en tener un multitudinario éxito entre la masa popular fue el Straight Outta

Compton (1988) de N.W.A, que vendió más de 2.5 millones de copias. Triunfaron con una temática polémica

y hasta ahora cuestionada. Las drogas, la violencia o el sexo son algunos de los requisitos fundamentales en

las letras del subgénero denominado gangsta rap, temas predominantes en las letras del disco. Se dijo que

el género musical gangsta rap empezó con el “Six n’ da Mornin” de Ice-T que a partir de aquí alcanzó un

auge importante. En concreto, con el tema “Fuck tha Police”, el cuarteto se ganó la enemistad de la ley y

del FBI, quienes incluso expresaron en un fuerte comunicado el descontento con la banda. N.W.A. obtuvo un

impacto duradero en el mundo, especialmente en su tierra, la costa oeste.

diversificación
Aunque mujeres, blancos y latinos han triunfado a la hora de interpretar este género, hasta los 80 estos

grupos no empiezan a innovar, a distinguir su estilo, en definitiva, a colmar su éxito.

La primera rapera en grabar en solitario fue Lady B, que llegaba desde Philadelphia con “To the Beat, Y’All”

(1980), mientras The Sequence fueron el primer grupo femenino en hacerlo con su “Funk You Up” para el

sello pionero Sugar Hill. Sin embargo, hasta la llegada de Salt-N-Pepa a mediados de década, ninguna mujer

había logrado adentrarse en el éxito comercial.

Los primeros grupos que combinan Hip hop y Heavy metal fueron Run-D.M.C. (con “Rock Box” en 1984, su

video fue el primero de Rap en salir en la MTV) y Beastie Boys (con “Rock Hard” de 1985 donde se podían

encontrar cortes del “Back In Black” de AC/DC). A finales de los 80, Anthrax, Urban Dance Squad y Ice-T con

su banda Body Count innovaron con mezclas de Thrash metal y Rap. Estas fusiones ayudaron al Hip hop a

lograr nuevos adeptos procedentes del mundo del Rock Pesado.

hip hop latino

El Hip hop siempre ha guardado una relación muy estrecha con la comunidad latina de Nueva York. El primer

DJ latino fue DJ Disco Wiz. Los históricos B-boys, “Rock Steady Crew” eran todos, menos uno de ellos,

puertorriqueños, mientras que los primeros raperos bilingües que combinaron inglés y español en sus letras

fueron The Mean Machine, que grabaron su primera canción bajo el sello “Disco Dreams” en 1981, aunque el

primer gran artista latino corresponde al chicano Kid Frost, desde Los Ángeles.

A continuación, irrumpiría uno de los grupos más destacados de la historia, Cypress Hill, que se formó en

1988 en el suburbio de Southgate en Los Ángeles cuando Senen Reyes (nacido en La Habana) y su hermano

pequeño Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) se mudaron de Cuba a Southgate con su familia en 1971. Formaron

el grupo DVX con el italo-americano de Queens, (Nueva York), llamado Lawrence Muggerud (DJ Muggs) y

Louis Freese (B-Real), un méxico-cubano nativo de Los Ángeles. Después de la marcha de “Ace” para

empezar su carrera en solitario el grupo adoptó el nombre de Cypress Hill por las calles que atravesaban su

vecindario del Sur de Los Ángeles. Éstos obtuvieron un enorme éxito con su “Insane in the Brain” de 1993,

éxito que les valió ser parte del festival alternativo Lolapalooza y la admiración musical de gente tan diversa

como Sonic Youth y Portishead. Cypress Hill pavimentó el camino para el éxito del “Hip Hop Vato” de

Funkdoobiest y licar algo mediante la poesía.

electro
Mientras Run D.M.C. empezaba a desarrollar la costa este, “Planet Rock” de Afrika Bambaataa se consumaba

como una de las primeras canciones electro. Basado en una adaptación del tema “Trans-Europe Express” del

grupo alemán Kraftwerk, “Planet Rock” inspiró a innumerables grupos fascinados con la imaginería

electrónica en la era de los juegos Arcade.

Residentes en Nueva Jersey, Nueva York y Detroit, entre otros lugares, crean Dance electrónico, muy

influenciado en el Techno y el House, también por el Hip hop latino (Expose y The Cover Girls), además de

artistas Electro hop residentes en Los Ángeles como World Class Wreckin’ Cru (donde dio sus primeros pasos
Dr. Dre) y Egyptian Lover. La escena de la música Electro florece, especialmiente, en el norte de Inglaterra,

en la zona centro y sur de Londres.

difusión del hip hop dentro de estados

unidos
A finales de los 70, el Hip hop era fundamentalmente conocido en las mayores ciudades del país,

desarrollándose en numerosas regiones estilos y variantes. Fuera de Nueva Jersey, Filadelfia y Nueva York,

ésta última cuna del género, el Hip hop vio una intensa diversificación regional.

La primera grabación de Hip hop en Chicago fue el tema “Groovy Ghost Show” de Casper, publicado en

1980, mientras con Caution y Plee Fresh comenzaba a sonar un sonido muy distinguido allá por 1982. Esta

ciudad también vivió el desarrollo de la música House a comienzos de 1980, que pronto comenzó a

mezclarse con Rap, dando lugar al Hip house, para así ganar más popularidad en la franja que va de finales

de 80 a principios de 90 con artistas como Tyree, Fast Eddie y los europeos Technotronic (Bélgica) y Snap

(Alemania)]].

Para la Costa Oeste, el rapero Hardcore de Los Ángeles, Ice-T, y el artista Electro hop, Egyptian Lover,

comenzaron a grabar en 1983, aunque el honor de la primera grabación corresponde a Disco Daddy &

Captain Rapp con “Gigolo Rapp” en 1981. En Miami, pegaba fuerte el Miami bass, una forma sensual de

Dance, que surgió del electro de Los Ángeles electro. El estilo, normalmente, incluye rapeo, que catapultó a

los 2 Live Crew polémicamente famosos por sus obscenas letras y performance. En Washington D.C. también

emergió una forma de Dance influenciada por el Hip hop llamado Go go, que incorporaba percusión latina

como timbales y cuyos principales exponentes fueron Trouble Funk.

los años 90s

En esta década, el Gangsta Rap se convirtió en todo un fenómeno, comenzando en 1992 con la publicación

de The Chronic de Dr. Dre. Este álbum estableció un estilo denominado G Funk, que pronto dominaría la

costa oeste. Transcurrida la década, las discográficas con sede en Atlanta, St. Louis o Nueva Orleans

ganaron fama local. Uno de los productores de Hip hop más destacados fue DJ Premier del dúo Gang Starr. A

finales de los 90, especialmente con el ascenso al estrellato de Eminem, el Hip hop fue parte íntegra de la

música popular, su música llegaba a todo el mundo, sin entender de razas ni culturas. Pronto, la música Pop

añadió toques y componentes del Hip hop, dado su éxito.

A mediados de década, el grupo The Fugees saltó a la fama con su segundo álbum “The Score”, multi-

platino que ganó 2 Premios Grammy. Estaba compuesto por los raperos Wyclef Jean, Pras Michel y Lauryn

Hill, teniendo a la postre, esta última, un gran éxito en su carrera en solitario. Sus mezclas con el soul y la

música caribeña, además de sus ascendencias haitianas, fueron el ingrediente principal en el éxito del

grupo. “Killing Me Softly With His Song”, un tema que sampleaba la canción de Roberta Flack.

Otro grupo que causó gran impacto fue Bone Thugs-N-Harmony, llegando a colocar su sencillo “The

Crossroads” varias semanas en lo más alto de las listas de sencillos.

A lo largo de la década y en el 2000, diversos elementos del Hip hop se fueron asimilando a otros géneros,

como el neo soul, por ejemplo, que combina Hip hop y Soul. Mientras tanto, en la República Dominicana,

Santi Y Sus Duendes y Lisa M firmaron el primer sencillo de MerenRap, una fusión, como su nombre indica,

de Merengue y Rap. Pero los verdaderos explotadores del subgénero fueron Proyecto 1 y Sandy & Papo.

En Europa, África y Asia, el Hip hop pasó de la escena Underground al fenómeno Mainstream, llegando a los

oídos de todo el mundo.

hip hop alternativo

Todavía existía vida más allá del mainstream, del gangsta rap, del pop rap o de cualquier otro subgénero

que había colmado el éxito. En los suburbios, en lo subterráneo, empezaba a forjarse el Hip hop alternativo

o Underground, donde los artistas tenían una conciencia social muy marcada (generalmente con tonos

optimistas) que se vería reflejada en sus letras. Su éxito comercial no fue, ni es, ni será comparable al de

los artistas mainstream, pero ellos se conforman con hacer el Hip hop que ellos han decidido, real,

manteniendo los orígenes y la identidad del Rap. Sin embargo, en sus inicios (antes que el gangsta rap), este

movimiento adquirió bastante éxito y un gran reconocimiento entre los críticos y el público. Es más, artistas

con la etiqueta Underground como Common o A Tribe Called Quest, están más cercanos a la línea de

pioneros como Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash.

En 1988 y 1989, los álbumes de De La Soul (Three Feet High and Rising), Divine Styler (Word Power), A Tribe

Called Quest (People’s Instinctive Travels and the Paths of Rhythm) y de The Jungle Brothers (Straight Out

the Jungle) son considerados los primeros álbumes de Rap alternativo, con samples y bases de Jazz, algunas

de ellas estrafalarias pero buenas, y con unas letras referentes a diversos tópicos sociales y fuertemente

influenciado por el mensaje de Afrika Bambaataa de paz y respeto. Digable Planets también tuvieron éxito

iniciados los 90 gracias al single “Cool Like Dat” del álbum Reachin’ (A New Refutation Of Time & Space),

aunque este movimiento alternativo se esfumó mediada la década de los 90, con la separación de A Tribe
Called Quest y De La Soul, The Jungle Brothers y Gang Starr se retiraron del Hip hop Underground. Sin

embargo, a finales de la década, justo cuando el gangsta rap y el pop rap estaban consumando un gran éxito

comercial, el Hip hop Underground resucitó. El movimiento nu-soul (conocido también como neo-soul) fue

influenciado por artistas como Mos Def (Black on Both Sides), Talib Kweli (Train Of Thought), The Roots

(Things Fall Apart), Erykah Badu (Baduizm) y Slum Village (Fantastic Vol. 2). Mientras tanto, otra rama del

subgénero estaba creciendo en popularidad gracias a Kool Keith (Dr. Octagonecologyst) y Company Flow

(Funcrusher Plus), que desarrollaron un sonido basado en instrumentales extrañas y complejas letras. La

discográfica Rawkus, casa de gente tan importante como Mos Def, Talib Kweli, Company Flow o Pharoahe

Monch es seriamente reconocida con el resurgimiento del subgénero. La influencia del Jazz en el Rap

alternativo estuvo menos pronunciada en los 90, con algunas excepciones, como Guru y su Jazzmatazz. El

Jazz rap tuvo también especial importancia en el Reino Unido, ya que fue una de las influencias que

desembocó en el Trip hop (fusión de Hip hop, Jazz y Música electrónica), movimiento comenzado por

Massive Attack (Blue Lines en 1991), Portishead también obtuvo reconocimiento con su combinación de Billie

Holiday (voces de Jazz con samples lo-fi de Hip hop, incluido turntablism), mientras tanto, DJ Shadow (con

Endtroducing) ayudaba a repopularizar el Hip hop instrumental, además de tener una enorme influencia en

la producción (Beatmakin) de Hip hop. Sin embargo, el éxito del álbum The Chronic de Dr. Dre, mostró que

el gangsta rap era una forma de hip hop con mas viabilidad comercialmente hablando.

el auge de la “west coast” y el

renacimiento del este
Después de que N.W.A. se disolviera, Dr. Dre (un miembro del grupo) publicó uno de los mayores pelotazos

de la historia del género, The Chronic (1992), consiguiendo subir en los primeros puestos de las listas gracias

a todo un himno como “Nuthin’ But a ‘G’ Thang”. The Chronic redirigió a la costa oeste hacía una nueva

dirección, en la que encontró influencias de artistas del sonido P Funk de George Clinton, uniendo los

psicodélicos beats del funky con un rapeo sosegado y tranquilo, dejándose llevar, renombrando así el estilo

en G funk, y dominando el mercado durante muchos años gracias a la plantilla del sello discográfico Death

Row Records, dirigida por Suge Knight y que contaba con artistas de la talla de Snoop Doggy Dogg, (cuyo

Doggystyle triunfó, “What’s My Name” y “Gin and Juice”, fueron los principales hits), 2Pac, Dr. Dre, Warren

G o Nate Dogg. Dogg Pound, dúo compuesto por Kurupt y Daz Dillinger, también tuvo su éxito, aunque menor

respecto a sus compañeros de Death Row, con el álbum Dogg Food de 1995. 2Pac entró en la historia en

1996 con el lanzamiento del primer doble-álbum de Rap, All Eyez On Me, que alcanzó el estatus de álbum

diamante (más de 10 millones de copias vendidas).

Ice Cube y Dr. Dre, ex-miembros de N.W.A., triunfaron con sus carreras en solitario, teniendo este último

auténticas batallas con Eazy-E hasta el día de su muerte por SIDA. A mediados de década, el rapero Coolio

tuvo un gran éxito con su sencillo “Gangsta’s Paradise”, aunque posteriormente sus álbumes bajaron mucho

en cuanto a calidad y ventas. Otros artistas como E-40, Mack 10, Too Short o Luniz tuvieron un éxito menor.

Lo cierto es que, aunque la costa oeste eclipsó a los de Nueva York, algunos de los raperos de la costa este

también lograron triunfar. Primeramente artistas y grupos más Underground como Black Moon, Onyx, Big L,

Jeru The Damaja, Group Home y Mobb Deep se hicieron un sitio en el mundo del Hip hop con los

lanzamientos de sus discos. Nueva York llegó a dominar en cuanto a número de ventas gracias a la irrupción

de Puff Daddy (No Way Out), Mase (Harlem World) y otros artistas de Bad Boy Records, a pesar de la crítica

mordaz que recibieron por tratarse más de artistas de Pop, haciéndose pasar por raperos, pese al pasado

Underground de, por ejemplo, Mase. Aunque ninguno de ellos alcanzó la fama y el éxito que logró Notorious

B.I.G., protegido de Puff Daddy, que lanzó en 1994 todo un clásico del Hip hop de la costa este, Ready To

Die. Sin embargo, Nueva York también dio calidad, e irrumpieron raperos que se abrieron el camino del

reconocimiento sin necesidad de vender en demasía. Algunos de los casos que mejor lo reflejaron fueron Nas

(Illmatic), Jay-Z (Reasonable Doubt), Busta Rhymes (The Coming) o Wu-Tang Clan (Enter the Wu-Tang (36

Chambers)). Respecto a este grupo, sus artistas en solitario también tuvieron carreras verdaderamente

notables, como Method Man, Ghostface Killa, Raekwon u Ol’ Dirty Bastard.

El resurgimiento de Nueva York crecía de dimensión cada día, y empezaban a acaparar un éxito que, por

consiguiente, afectaba a la otra costa, la oeste. Esta confrontación desembocó en una inevitable rivalidad

entre las dos discográficas más trascendentes del momento: Death Row Records vs. Bad Boy Records. La

rivalidad en cuanto a ventas alcanzó rápidamente el plano personal, por medio de la música.

Desgraciadamente, esta historia escribió un final trágico con los asesinatos de Tupac Shakur (1996) y

Notorious B.I.G. (1997), ‘líderes’ de la West Coast y la East Coast respectivamente.

diversificación de estilos – era “bling” y

rap internacional
Después del declive comercial que sufrieron los representantes de ambas costas debido a esas muertes

(dañando la imagen del movimiento), el Hip hop fue seriamente diversificado en zonas. Uno de los

subgéneros más importantes fue el Southern Rap, que llegó de la mano de Outkast (ATLiens) y Goodie Mob

(Soul Food), fundado en Atlanta. El sonido, altamente influenciado por el Miami bass y el G Funk, está muy

marcado por ritmos “Bouncing”, conocido como Southern bounce. El rapero Master P fundó su propio sello

en Nueva Orleans, No Limit Records, logrando conseguir una plantilla de artistas de buen nivel, siguiendo las
pautas e influencias anteriormente expuestas. Los Cash Money, también de Luisiana, alcanzaron una carrera

exitosa como grupo (Hot Boys) y como discográfica (Cash Money Records), con un sonido Bounce muy

particular, muy sureño. Otras escenas como St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit (ghettotech) entre

otras, empezaron a pulir un sonido regional personalizado. También se desarrollaron subgéneros dentro del

Southern Rap, como por ejemplo, el crunk, que es fruto del Miami Bass y más directamente del Bounce de

Nueva Orleans. El sonido se hizo famoso en 1994 y ha tenido continuación hasta el presente gracias a

artistas como Lil’ Jon & the East Side Boyz, Three 6 Mafia y White Dawg. El sonido se caracteriza por un bajo

muy pesado con líricas también pesadas en un tiempo rápido. En esta década el Rapcore (fusión de Hip hop

con Heavy metal) también tuvo su porción de éxito comercial. Rage Against the Machine, Linkin Park y Limp

Bizkit fueron las bandas más populares de Rapcore.

En 2000, Nelly (Country Grammar), miembro de St. Lunatics (de St. Louis), lideró el reconocimiento de la

Midwestern (medio oeste) dentro del Hip hop. Ciudades como Chicago o Detroit se dejaron arrastrar más por

la influencia de la costa este, mientras que St. Louis y Cincinnati tiraron hacia el sur.

Si bien algunos raperos de raza blanca como los Beastie Boys (Paul’s Boutique), House of Pain (Fine Malt

Lyrics), Vanilla Ice (To the Extreme) o 3rd Bass (The Cactus Album) tuvieron éxito entre el público general,

ninguno adquirió los niveles del protegido de Dr. Dre, un rapero llegado desde Detroit llamado Eminem, que

sorprendentemente, triunfó por todo lo alto con su The Slim Shady LP, publicado en 1999 y que llegó a ser

triple platino. Mundialmente conocido por ser uno de los pocos raperos blancos que han tenido éxito en la

industria y también uno de los más criticados. Y en lo que se destaca es por lo controvertido de muchas de

sus letras, por las que los críticos dicen que es homófobo, misógino y excesivamente violento.

A principios de 1980, la cultura Hip hop comenzó a difundirse por todo el mundo. A finales de los 90, el Hip

hop había llegado a todos los rincones, y con mayor asiduidad irrumpían raperos locales. Los elementos

principales del Hip hop llegaron a ser, incluso, fusionados, en diversos lugares, con numerosos estilos como

el ragga, cumbia o la samba. El mbalax, un ritmo senegalés, llegó a ser un componente más del género

mientras que, en el Reino Unido y Bélgica, la electrónica y el Hip hop fueron muy de la mano surgiendo así,

en Gran Bretaña, el Drum n’ Bass y el llamado trip hop más lento y atmosférico este último. Poco a poco se

iba desarrollando también en Grecia, España o Cuba. En Oceanía, el Hip hop neozelandés comenzó a finales

de los 80, cuando interpretes maoríes como Upper Hutt Posse y Dalvanius Prime empezaron a grabar.

Merced a la rica historia que comprende la bahía de Oakland, y Los Ángeles, con sus respectivas

comunidades filipino-americanas, surgió el Pinoy Rap, a principios de los 80. Algunos de los hits del

subgénero fueron Na Onseng Delight de Dyords Javier y Nunal de Vincent Dafalong. Sus pioneros fueron

artistas como Francis Magalona, Michael V., Rap Asia, MC Lara and Lady Diane. En otros países de Asia como

Malasia o Japón también se empezó a desarrollar el rap, principalmente el Underground, donde los raperos
empezaron a encontrar apoyo y audiencia mediante un estilo llamado J-rap que irrumpió a mediados de la

década de 1990. Entre ellos cabe destacar a Ito Seiko, Chikado Haruo, Tinnie Punx y Takagi Kan.

Los latinos han jugado un papel importante en el desarrollo inicial del Hip hop, dispersándose el estilo por

muchas zonas de Latinoamérica. En México, el Hip hop popular comenzó con el éxito de Caló a principios de

los 90, quienes en realidad eran un producto con un sonido ‘dance’ más similar a C&C Music Factory, Control

Machete en 1996, originarios de Monterrey, Cypres Hill que en ese año graba un disco de éxitos totalmente

en español, Tha Mexakinz originarios de Los Ángeles, Caballeros del Plan G de Gómez Palacio (Durango) y

Cartel de Santa de Monterrey. Después de la desaparición o desintegración de estos grupos, el Hip Hop en

México da un giro radical ideológico con la frase “Hip Hop Revolución” y nuevos MCs surgen de la mano del

ya veterano pero “underground” Skool 77, el cual trabaja con raperos de todo el país azteca. De ahí surgen

Magisterio, Bocafloja, Akil Ammar, Bribones Hasta el Cuello, Menuda Coincidencia, Redención (Los Ángeles),

etc. La ideología cambia de su sentido desviado al sentido original del Hip Hop que es la protesta y el

sentimiento de respeto y unidad. Mientras tanto, en Cuba, el Hip hop empezó a popularizarse hace

relativamente poco, en 1995, y ahora pretende crecer sin cesar debido al apoyo del gobierno a la música

local. Grupos como Hermanos de Causa, Doble Filo, por mencionar algunos.

En Sudamérica en tanto, el Hip Hop tomó mucha fuerza a principios de los 90 y hasta el día de hoy, en

países como Chile que ha sido uno de los pioneros además de Argentina y Brasil. Grupos de renombre

internacional como Tiro de Gracia, Makiza, La pozze latina, Sindicato del Hip hop, Fuerte Apache, Actitud

Maria Martha etc. Son grupos con muy buenas bases y buena lírica apuntando a la crítica social.

En Sudáfrica, la crew pionera en el mundillo, Black Noise comenzó a rapear en 1989, siendo prohibidos más

tarde por el gobierno, en la decadencia de la era del apartheid. Después, surgió en el país un distintivo

estilo local de la fusión del House y Kwela. En otros lugares de África como en Tanzania, crews del Bongo

Flava (como llaman al Hip hop de allí) como X-Plastaz combinaron Hip hop con Taarab, Filmi y otros estilos.

Mientras, en Europa, el Hip hop englobó a miembros de un país e inmigrantes, sin distinción alguna. En

Alemania, por ejemplo, coexiste Die Fantastischen Vier con Kartel, el primer grupo de Hip hop turco, que es

muy conocido en Alemania, Turquía y Australia. Francia también ha producido bastantes artistas que han

llegado al estrellato, como IAM o Manau, aunque el rapero francés más popular quizás sea el senegalés de

nacimiento, MC Solaar. En Suecia el Hip hop emergió a mediados de los 80, y a principios de los 90,

surgieron grupos en el país, como Looptroop, The Latin Kings o Infinite Mass.

* En España, los CPV (Club de los poetas violentos) fueron los pioneros con su LP Madrid Zona Bruta en 1994.

* En Holanda, los raperos más conocidos son The Osdorp Posse (una crew de muchachos de raza blanca

procedente de Ámsterdam) y Extince.

* Italia encontró en Jovanotti, Assalti Frontali y Articolo 31 a sus artistas más productivos.

* En Polonia empezaron la década con PM Cool Lee.

* En Rumania, la crew de Gangsta Rap, B.U.G. Mafia es seriamente reconocida, llegan desde el barrio de

Pantelimon, en Bucarest.

* En Oriente Medio, la división de Israel la efectuaron el palestino Tamer Nafer y el israelí Subliminal,

consiguiendo ambos un importante éxito a lo largo de la década.

En el norte de Estados Unidos, en la frontera con Canadá, el Hip hop llegó al gentío a finales de los 80

gracias a Maestro Fresh Wes. Su sencillo, “Let Your Backbone slide”, domino la lista de éxitos durante varios

años. A principios de los 90, más artistas como Michee Mee, HDV, The Dream Warriors o The Rascalz

establecieron un notable crecimiento en la escena urbana del país, especialmente concentrado en Toronto y

Vancouver. Recientemente, los artistas de mayor relumbrón en el montañoso país son Choclair, Saukrates,

Kardinal Offishall y K-OS, aunque han fracasado en el intento de obtener su reconocimiento en el

mainstream norteamericano.

los años 2000

A partir del 2000, el nombre que irrumpió con más fuerza en el mundo entero fue el de Eminem que, con

The Marshall Mathers LP, vendió nueve millones de copias sólo en Estados Unidos. Además, ganó un Oscar a

la “Mejor Canción” por su single “Lose Yourself” de la banda sonora de la película 8 Millas. En 1999 colaboró

muy activamente en el esperado álbum 2001 de Dr. Dre, en el que el single “Forgot About Dre” tuvo mucho

éxito. Otro que alcanzó cifras no menos espectaculares fue Nelly, que en su debut con Country Grammar

alcanzó los seis millones de copias. Mientras dos mujeres lidereaban a escena ese año, Missy “Misdemeanor”

Elliott con su tercer álbum Miss E… so Adictive con una mezcla de rap, pop y dance llego a los primeros

lugares en el país logrando vender cerca de 3 millones de albums. Por otro lado una nueva rapera, Trina

originaria de Miami, que con el lanzamiento de su primer álbum Da Baddest Bitch llego a los primeros

lugares de las listas vendiendo al redeor de 2 millones en todo el mundo, aunque ella en un estilo de

Gangsta Rap mezclado con el ya conocido Sourthern Rap.

El día 16 de mayo de 2001 en Nueva York, KRS One, Chuck D, Lauryn Hill, Russell Simmons, Afrika

Bambaataa, Afeni Shakur (madre de Tupac), Doug E. Fresh, Queen Latifah, Dr. Dre, MC Lyte, Voletta

Wallace (madre de Biggie Smalls) y otros 300 delegados del Hip hop presentaron a la ONU la “Declaración de

Paz del Hip hop”.

La declaración comienza con estas palabras:

“”Esta Declaración de Paz guía a la cultura del Hip hop de la violencia hacia la libertad, y establece consejo

y protección para la existencia y desarrollo de la comunidad internacional del Hip hop. Através de los

principios de esta Declaración de Paz del Hip hop nosotros, la cultura Hip hop, establecemos un cimiento de

salud, amor, conciencia, riqueza, paz y prosperidad para todos nosotros, nuestros hijos y los hijos de

nuestros hijos, eternamente. Para la clarificación del significado y propósito del Hip hop, o cuando sea

cuestionada la intención del Hip hop, o cuando se originen disputas entre partes concernientes al Hip hop;

todos los Hip hoperos tendrán acceso al consejo de este documento, la Declaración de Paz del Hip hop,

como guía, consejo y protección.””

Su primer principio define al Hip hop como un término describiendo una consciencia colectiva

independiente.

El año 2001 tambien estuvo marcado por las continuas disputas entre Nas y Jay-Z, ofendiéndose

constantemente en sus álbumes Stillmatic y The Blueprint respectivamente. Por entonces, eran dos de los

raperos con más éxito.

En los años venideros, otro emergente talento “made in Dr. Dre” apodado 50 Cent se hizo con la escena Hip

hop al completo, abarcando un mundo entero, como sus 11 millones de discos vendidos (del Get Rich or Die

Tryin’) lo refleja. Uno de sus mentores, Jam Master Jay, fue asesinado en 2002. En esta década afloró una

corriente con toques orientados más al R&B. Aparte de éstos, raperos como Ja Rule, DMX, Ludacris,

Fabolous o The Game también dominaron las listas de ventas en el país, pero sin impactar ninguno tanto

como lo hizo 50 Cent. Otro ‘bombazo’ fue el del productor Kanye West, impactando con su aclamadísimo

debut The College Dropout en 2004 y revitalizando las carreras de Twista y Common con sus magníficas

producciones. El Underground también se codeó moderadamente con éstos, gracias a artistas del renombre

de The Roots, Dilated Peoples, Mos Def y Talib Kweli. El productor más cotizado actualmente, es el popular

The Alchemist, quien fue alguna vez discípulo del propio DJ Muggs del grupo Cypress Hill.

En 2006, y pese a sus anuncios de retirada años antes, Jay-Z volvió a la escena del Rap con su nuevo álbum

Kingdome Come, colocando su disco en la primera posición de las listas una vez más. Ese mismo año, Jay-Z y

Nas hicieron finalmente las paces dejando atrás sus constantes, exitosos y polémicos problemas. Artistas

como Lupe Fiasco y Papoose, originalmente centrados en las mixtapes, comenzaron a dejarse ver en la

escena mainstream.

dominio del sur

En torno al 2003 y 2004 el southern Rap y el dirty south, con mayor afluencia de artistas de Atlanta, vuelve a

avanzar terreno en el plano comercial, esta vez con un toque más fiestero, más crunk. Artistas como Lil Jon,

Young Jeezy, YoungBloodZ, Ying Yang Twins o T.I. son ejemplo de ello. Aunque Atlanta se podría decir que

era la capital del southern rap, la ciudad de Houston empezó a producir raperos de éxito como fueron Paul

Wall, Chamillionaire, Mike Jones, Slim Thug, Lil’ Flip o Z-Ro, dominando las listas.

En cuanto al crunk, el éxito de Lil Jon era masivo, creando auténticos himnos de club. Otros artistas como

Three 6 Mafia, 8 Ball & MJG, Lil’ Scrappy o David Banner también tuvieron un éxito notable, aunque algo

menor al de Lil Jon. A mediados de la década, el sur dominaba completamente el Rap americano, siendo en

ocasiones criticado por su impacto y dominio. El tema “It’s Hard Out Here For a Pimp” de Three 6 Mafia

ganó un Oscar a la mejor canción por la película Hustle and Flow. Además, un nuevo estilo de southern rap

llamado snap, no menos criticado, irrumpió con fuerza en toda la nación, especialmente con D4L, Dem

Franchize Boyz y Yung Joc. El single “Laffy Taffy” llegó a estar en lo más alto de Hot 100.

El Rap de Miami no era menos impactante e influyente en el southern rap, teniendo como mayores

representantes a Trick Daddy, Trina, Rick Ross, Pitbull, DJ Khaled o T-Pain.

ventas a la baja
A partir de 2005, las ventas relacionadas al hip-hop como música en los Estados Unidos comenzaron a

menguar de manera muy severa, incluso llevando a la revista Time a preguntarse si el hip-hop dentro de la

corriente principal musical estaba comenzando a morir, mencionando que “el hip hop está colapsando

debido a que ya no pueden engañar a los niños blancos, hay demasiada redundancia”[9] La revista Billboard

encontró que desde el año 2000, las ventas de rap bajaron en un 44%, descendiendo a un 10% de todas las

ventas relativas a todo tipo de música, lo cual indica que mientras que aún sigue siendo una figura principal

al ser comparado con otros géneros musicales, es una caída muy importante del 13% de todas las ventas

musicales donde el rap normalmente estaba ubicado.[10] La crítica cultural Elizabeth Blair de la NPR hizo

notar que “algunos expertos de la industria musical dicen que la gente joven está harta de la violencia, de

lo degradantes que son las letras de las canciones y sus imágenes (misoginia, sexo, drogas). Otros dicen que

la música es tan popular como antes, pero que los aficionados a ella han cambiado sus hábitos de

consumo.”[11] También se argumenta que que muchos jovenes están descargando música de manera ilegal,

especialmente através de las redes P2P, en vez de comprar albumes y sencillos en tiendas legítimas. Algunos

otros culpan a la falta de contenido lírico que tuvo alguna vez el hip hop, por ejemplo el álbum debut de

Soulja Boy de 2007 llamado souljaboytellem.com encontró críticas negativas.[12] En álbumes modernos

también ha sido notable la falta de sampleo, un elemento clave del hip hop, el cual ha bajado de calidad.

Por ejemplo, solo se usaron tres samples en el álbum de 2008 de T.I. llamado Paper trail mientras que en el
álbum de 1998 de Gang Starr (Moment of Truth) hay 35 de ellos. La disminución en el sampleo es debida en

parte a que son muy caros para los productores musicales.[13] En el documental de Byron Hurt de nombre

Hip Hop: Beyond Beats and Rhymes, afirma que el hip hop ha cambiado de “rimas inteligentes y ritmos

bailables” a la “promoción de la corrupción personal, social y criminal.”

POPPING

El popping es un estilo de baile callejero surgido en Fresno, California, en la década de 1970 en el que se

contraen los musculos del cuerpo creando un efecto «robótico». Esto se hace continuamente al ritmo de una

canción y en combinación con diversos movimientos y posturas. Hoy en día el popping se ha extendido hasta

el punto de que los campeones mundiales de popping, al igual que los de breakdance ya no son

afroamericanos sino asiáticos.

HISTORIA

En la década de 1970, el pionero del grupo Electric Boogaloos (anteriormente conocido como Electronic

Boogaloo Lockers), formado por Boogaloo Sam, Popin Pete, Skeeter Rabbit, Suga Pop y Mr.Wiggles,

contribuyó en gran medida a la propagación del popping, en parte debido a su aparición en programas de

televisión. Su fundador Sam —alias Salomón Boogaloo Sam— creó una serie de movimientos que se desarrolló

en los estilos de hoy se conocen como popping y boogaloo después de haber sido inspirado por uno de los

pioneros de Locking. Mientras que el baile, Sam diría que la palabra “pop” cada vez que flexiona sus

músculos, llevando eventualmente a la danza llamada popping.

MÚSICA

Tiene sus raíces en la década de 1970 era de la música funk, apareciendo normalmente se bailaba funk y

disco. Durante la década de 1980, muchos de los poppers también utilizan “electro” y otros “new wave” de

estilos para la coreografía de sus rutinas de baile. Los artistas populares utilizados por los poppers incluido

Kraftwerk, Twighlight 22, Egyptian Lover, y World Class Wrecking Crew. Fue incorporado más rap en la

música y fue empleado por poppers durante la década de 1980, incluyendo Kurtis Blow, Whodini, y Run DMC.

Hoy en día, también es común ver a estallar bailaron los géneros de música más actuales, como la moderna

música hip hop (a menudo hip hop instrumental) y las diversas formas de la electrónica.

ESTILOS  Y TECNICAS RELACIONADAS

Dentro del popping (generalizado) entran varios tipos de estilos y técnicas relacionadas. Los principales son:

Electric Boogaloo, Waving, Gliding y Sliding, Roboting, Tutting, Ticking ,etc.

 Maestro-Coreógrafo-Bailarín con más de 30 años de trayectoria.

 Icono de la danza comercial en México y de la cultura Hip-Hop.
 Pionero del Street Dance en nuestro país.
 Primer maestro en escuelas profesionales en México de danza Hip-Hop
( Street Dance )
 Como pionero ha logrado llevar por primera vez en nuestra historia el Hip-
Hop al lugar más respetado e importante de la danza en México: EL
PALACIO DE BELLAS ARTES.
 Así mismo ha trabajado como coreógrafo en Televisa y Tv Azteca.
 En MTV MÉXICO trabajo como V.J conductor del
programa “WEEKEND”
 Coreógrafo o Bailarín de artistas nacionales como: Belinda, Paulina
Rubio,  Thalia, Alejandra Guzmán etc.
 Y de artistas internacionales como: La Toya Jackson, Tiziano Ferro,
Real 2 Real, Gloria Gaynor, Sylvester, Divine.
 Coreógrafo de Disney México (HIGH SCHOOL EL MUSICAL,
JUMPIN, HANNA MONTANA Y HIGH SCHOOL EL DESAFIO.)
 Actualmente da conferencias de danza sobre la cultura Hip-Hop y sobre
la historia de la danza comercial y urbana en congresos y universidades
alrededor de la República Mexicana.
 Maestro de PROFESIONALES en la escuela PROART del productor
más exitoso del teatro musical hoy en día en nuestro país. “GERARDO
QUIROZ” (CATS MEXICO, ROCK OF AGES (LA ERA DEL ROCK)
10 PIANOS VIVA MÉXICO.)
 Maestro de danza en la UNAM
 Experimentado juez en las mejores competencias de danza en nuestro
país.
 Finalmente primer coreógrafo-maestro-bailarín al
cual históricamente se le brindo un patrocinio muy importante donde fue
imagen y voz publica de la marca de ropa y tenis INTERNACIONAL
PUMA.