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Introducciones (Intros)

La introducción es una de las partes más importantes de una canción. Es el momento para captar
la atención del oyente, hacer que quieran escuchar más y prepararlos para lo que está por venir.

Demasiado a menudo se comienzan canciones tocando los acordes de un verso completo, como si
eso fuera lo que se suponía que debía hacerse, sin pensar en lo aburrido que es escuchar eso.

La función principal de una introducción es establecer el estilo y el estado de ánimo de la canción.

Una introducción puede dar un momento para preparar el escenario antes de comenzar el tema
principal o verso. Al configurar el ritmo principal o instrumentación, le da al oyente la oportunidad
de orientarse y ajustarse a la pieza.

Una introducción fuerte puede captar la atención de la audiencia. También puede ser una forma
de establecer el contraste justo al comienzo, resaltando ciertos elementos de la canción
simplemente yuxtaponiéndolos con opuestos. Por ejemplo, su tempo se sentirá más rápido si su
introducción es lenta.

Una introducción establece el tempo y el ritmo de la canción, y pueden utilizarse todos los
instrumentos principales (excepto la voz) para establecer el estilo.

El pecado capital de escribir música es ser aburrido, por lo que incluso una pequeña sección como
una introducción merece ser escrita adecuadamente.

Formas de escribir una introducción

1. Usar material de la canción: Puede usarse el verso como material para la introducción,
aunque no siempre. Puede usarse el pre-coro. Es mejor comenzar con menos y dar espacio
para crecer, que usar todos los trucos de inmediato.

2. Componer nuevo material: Algunas canciones usan material nuevo para la introducción
que no proviene de otra sección. Cuando ese es el caso, todavía tiene que ser interesante
por sí mismo. Puede usarse un patrón que no regresa a ningún otro lugar de la canción.

3. El gancho (Hook): capta la atención. Una excelente manera de decirle a la audiencia


"¡Escucha!" es usar un sonido único. Algo que realmente se destaque de los patrones de
ritmo habituales y se sienta novedoso. El acorde de apertura de "Hard Day's Night" es un
ejemplo clásico de un gancho único.

4. Introducciones por contraste: A veces una canción tendrá una introducción que es
diferente de la música principal en carácter.

No siempre se necesita una introducción. Hay muchos ejemplos de canciones que simplemente
entran directamente sin perder tiempo ("Hey Jude" de los Beatles).

Lo que tienen en común este tipo de canciones es que comienzan con una captación vocal
solista. La voz humana es un "instrumento" muy poderoso para captar la atención de las
personas, y generalmente atrae de inmediato. Al comenzar con la voz no acompañada, somos
absorbidos directamente por el verso de la canción y no se necesita ningún otro
establecimiento.
Nunca permita que su introducción se confunda con su tema principal. Las formas más efectivas
de hacerlo son mantenerlo corto y simple. Use pequeñas ideas motivadoras que no se conviertan
en melodías completas

Es por eso que los patrones de acompañamiento funcionan como introducciones; Por lo general,
son repetitivos y motivadores, por lo que no nos llevan a pensar que son un tema principal.

A menudo es aconsejable escribir la introducción después de haber escrito el resto de la canción.


¿Cómo puedes presentar algo si aún no sabes qué es?

En lugar de escribir una introducción y luego tratar de descubrir qué canción va después, escriba la
canción. Luego, descubra la mejor manera de atraer la atención de su audiencia, establecer la
escena y hacer que su evento principal brille.

Como darle vida a las partes instrumentales

A veces los compositores escriben partes de fondo o acompañamiento sin vida y aburridas.
Pueden tener una hermosa línea melódica, pero luego usan un acorde compuesto de notas
enteras detrás de él y lo hacen monótono

Técnicas que puede usarse para hacer que las partes instrumentales sean más interesantes:

Repetición: La forma más fácil de darle más vida a una parte es agregando más notas.

Un método sutil de "notas repetidas" es el trémolo. Aunque las notas individuales no se sienten
específicamente, la articulación borrosa le da a la música mucha más energía e impulso. Esta es
una buena técnica para recordar si no se desea articular un ritmo específico.

Similar al trémolo es el trino no medido. Obtendrá un acorde mucho más rico que el trémolo
simple debido a las notas agregadas, pero, por supuesto, debe tener en cuenta el contexto
armónico y asegurarse de elegir el medio paso o paso completo correcto.

Debido a los intervalos cercanos, los trinos a menudo funcionan mejor en el registro superior, por
lo que es mejor colocarlos por encima de la melodía en lugar de debajo.

Arpegios: Otro método simple para darle más vida a las partes instrumentales es romper los
acorde en arpegios.

Un arpegio se puede extender saltando tonos. La ventaja de esta técnica es que puede ocupar
mucho más tiempo pero aun así extender un espacio estrecho.

Una de las razones por las que las notas repetidas, los arpegios y las escalas funcionan tan bien
para las partes instrumentales es que son patrones familiares. Como oyentes, podemos
reconocerlos fácilmente, a diferencia de los ritmos y movimientos más complejos.

Saltos amplios, una mezcla de saltos y pasos, movimiento hacia arriba y hacia abajo, staccato y
legato, etc. Hay demasiada información nueva que llega en todo momento. La simplicidad es clave
si se quiere que la parte instrumental sea interesante pero no distraiga.

A veces se desea una falta de vida y movimiento. Mucha música de cine usa una parte larga y
prolongada para mantener la música en un solo lugar. No va a ninguna parte, simplemente se
sienta en un sentimiento de falta de vida.
En una pieza donde la energía es extremadamente baja y el estado de ánimo es oscuro, las notas
completas podrían ser correctas. Pero si se tiene la intención de que la música se sienta rápida,
emocionante o enérgica, las partes de notas enteras aburridas lo detendrán.

Técnicas contemporáneas para finalizar canciones:

En el mundo posmoderno, la ambigüedad es una respuesta a clichés y previsibilidad. Un final


predecible típico repetirá el coro una y otra vez y se desvanecerá lentamente. Este tipo de final es
demasiado esperado y aburrido.

Una tendencia específica en la composición de canciones contemporánea para terminar una


canción es la ambigüedad. La ambigüedad en la música actual es incertidumbre, falta de claridad
y falta de finalización. Las técnicas principales para terminar una canción actualmente son:

1.) No terminar en el acorde I.

2.) No resolver el acorde final, dejarlo colgando.

3.) Terminar con el coro pero no tocarlo hasta el final. La banda se detiene en algún tiempo
acordado y lo que sea que esté sonando (incluyendo las voces) se silencia.

4.) Eliminar todo menos las voces. Dejar la banda fuera tiene un efecto de enfoque,
destacando las voces y dándoles una posición privilegiada para el final.

5.) Extender todo el coro con solo voces y un simple rasgueo de guitarra o fraseo de piano. La
guitarra o el piano pueden tocar el acorde I con un fuerte bajón, lo que es poco común en
la práctica contemporánea, pero tiene un efecto calmante.

6.) Terminar a capella. Es apropiado para las letras, creando una sensación de estar muy solo.

7.) Quitar elementos lentamente. Esta es una técnica menos dramática y más relajada y
decreciente. Es similar a la técnica de "abandono", pero más matizada. Se puede iniciar
con una eliminación de la batería, pero se conserva el piano y la voz. Luego, el piano
desaparece lentamente y se deja solo la voz.

Esto es distinto al desvanecimiento completo, ya que en lugar de simplemente bajar el


volumen en la pista maestra, los elementos se eliminan o se desvanecen pieza por pieza.
Con un desvanecimiento maestro, se tiene la sensación de que la canción sigue y sigue.
Pero con esta técnica de relajación, hay una disminución de la energía y una sensación de
cierre.

8.) Usar una sección completamente nueva para el final, después del coro final.

En general, la tendencia común de evitar lo demasiado esperado ha permeado la música pop. La


próxima vez que intentes descubrir cómo terminar una canción, recuerda que la simple técnica de
dejar al público con ganas de más, es fácil y efectiva.

Como escribir un Tema

Muchos compositores se encuentran con los mismos problemas cuando comienzan. A menudo
son muy buenos para proponer ideas y comenzar, pero no saben qué hacer a continuación. Es
importante saber cómo tomar una idea inicial y desarrollarla en un tema.
Desde sinfonías clásicas hasta partituras de video juegos contemporáneos, las grandes obras
instrumentales de la música occidental están impulsadas por un tema poderoso. Un buen tema
puede proporcionar material inspirador para una composición completa.

Se tienen dos formas básicas en que una idea puede desarrollarse en un tema completo. Aunque
son de naturaleza tipo fórmula, estos patrones se escuchan en muchas canciones.

Por temas se entienden, melodías completas de ocho compases. La música de cine y la ópera a
menudo se basan en leitmotif, que son motivos reconocibles o ideas musicales, pero para nuestros
propósitos son demasiado cortos para ser considerados temas completamente formados.

El tema:

En el caso de escribir un tema, su personaje, escenario o historia es el indicador. Puede usarse ese
elemento para influir en las decisiones musicales. Por ejemplo, si se está escribiendo un tema para
un villano, es posible que se desee elegir una clave menor. Si es muy astuto, tal vez hay que
concentrarse en pequeños intervalos, como medios pasos y movimientos cromáticos.

Si se está escribiendo para un héroe, se puede comenzar con una tonalidad principal, usar
intervalos fuertes como 4tos, 5tos y octavas, y tener un ritmo muy fuerte y contundente.

Independientemente de cómo se decida crearse, la idea de apertura es la parte más importante


de un tema, y generalmente es la parte que la gente reconocerá.

Una vez que tenga una idea inicial, puede usar la "oración" o el "punto" para desarrollar un tema
completo.

La frase:

El patrón básico es la idea principal → repetición (exacta o modificada) → avance hacia adelante
→ cadencia.

Las primeras cuatro medidas generalmente se mantendrán armónicamente estáticas, ya sea


simplemente en el acorde tónico o con muy poco movimiento hacia adelante.

La "continuación” es cuando el tema acelera y avanza hacia la cadencia.

Por lo general, hay una sensación de aceleración que se logra fragmentando la melodía en trozos
más pequeños, aumentando el ritmo armónico (la velocidad a la que ocurren los cambios de
acordes), aumentando la actividad rítmica o una combinación de los tres.

La continuación lleva a una cadencia que se siente resuelta (como una cadencia auténtica en I) o
nos deja colgados sin resolver (como una media cadencia en V).

El período:

Al igual que la oración, el período comienza con una idea inicial de dos medidas. Sin embargo, en
lugar de repetir la idea de inmediato, se responde con una idea contrastante que conduce a una
media cadencia. El tema vuelve a la idea principal, y esta vez la respuesta conduce a una cadencia
auténtica.
Estas dos mitades se denominan antecedente y consecuente, y pueden considerarse como una
pregunta y una respuesta. El antecedente hace una pregunta abierta, el consecuente responde y
responde afirmativamente.

Una característica principal del período es el equilibrio, y por esta razón se usa para temas lentos o
piezas seccionadas y regulares.

¿Cuál usar, oración o período?:

La construcción a usar para un tema dependerá del contexto. Como regla general, la oración es
más abierta y el período más completo.

Por lo tanto, la oración es más adecuada para temas dramáticos que desean seguir creciendo y
desarrollándose, mientras que el período tiene una sensación de equilibrio y es una buena opción
para ideas más lentas o más restringidas.

No debe pensarse que la idea de una "fórmula" restringe la creatividad. Lo importante es


comprender los principios básicos que hacen que estos temas funcionen, de modo que pueda
tenerse una base sólida para expandirlos en las formas creativas propias más adelante.

Cuando tenga una buena idea pero se encuentre atascado con qué hacer con ella, vea si puede
seguir uno de estos dos patrones básicos para convertir esa idea en un tema completo.

Consejos de Composición:

Los cantautores pueden escribir a su gusto, siempre y cuando las canciones sean buenas. También
pueden escribir y grabar algo completamente fuera de su estilo habitual. Los compositores que
cantan venden un paquete completo compuesto por su sonido, su imagen y sus canciones.

Se puede seguir escribiendo el tipo de canciones que más gusta, solo por el simple placer de
hacerlo. Pero también es bueno aventurarse fuera de la zona de confort.

Es aconsejable estudiar los estilos de canciones menos naturales para uno, observar las tendencias
y volverse bueno anticipando los cambios de dirección antes de que ocurran. Además, lo que está
fresco en un mercado, bien podría estar volviéndose fuera de moda en otro.

Desarrollar un respeto saludable por los estilos y gustos que no sean los de uno, es una buena
manera de comenzar el proceso.

Una buena forma de dirigir las creaciones de manera efectiva es escribir con un artista
prometedor. Solo los compositores grandes pueden escribir con artistas establecidos la mayor
parte del tiempo, pero cantantes y compositores prometedores están en todas partes. Puede
lograrse el equilibrio perfecto con uno de ellos, lo que genera un sonido fresco y comercializable.

Solo como ejercicio, elija un artista y haga un caso de estudio de ellos. Observe la evolución que
han seguido sus gustos musicales. Preste atención a los compositores hacia los que han gravitado
en el pasado. Considere lo que puede haberlos atraído a estos escritores.

Luego intente anticipar la dirección que tomarán a continuación. Con todo lo anterior en mente,
siéntese y escriba con ese artista en mente. Si necesita escribir una canción groove y no puede
acompañarse de esa manera, escriba en una pista de batería.
Otra buena técnica es dar un salto de la introducción de otra persona, sin haber escuchado toda la
canción. Cuando termines, por supuesto, ¡crea una nueva introducción!

A veces es aconsejable "probar" otro estilo. Esto se hace escribiendo letras completamente nuevas
para una canción fuera de su elemento, tratando de usar el mismo sabor general, y tal vez
haciendo coincidir las ubicaciones de las rimas. Luego, se crea una melodía completamente
diferente. Por último, se modifican algunas longitudes de línea, acordes, etc. Al final se habrá
creado un trabajo completamente original y se saldrá del estilo habitual.

Es como entrar en un probador con la última prenda en la tierra que normalmente uno se
probaría; la experiencia puede ser muy útil.

Hagas lo que hagas, asegúrate de encontrar algo nuevo, y no solo una reescritura del último éxito
de un artista. ¡No cree lo que un artista grabó ayer, sino lo que podría grabar mañana!.