El Arte Griego

En la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual

implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que
se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés
en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo
como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y
toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.
Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Nacieron aquí las primeras ideas
que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de
pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos que comienza
aproximadamente en los siglos V y IV y florece y se desarrolla a plenitud entre los siglos VII y II
antes de la era Cristiana; no sólo en Grecia, sino también en otros territorios del Mediterráneo
habitados por los griegos.
Aunque su arte se apoya en la naturaleza, se manifiesta sin embargo representando una visión
edulcorada de la misma; tendiendo a la creación de un mundo idealizado donde la sencillez, la
proporción, el ritmo, la claridad y la unidad conceptual de la obra dominan todas sus formas
artísticas.
No es que los griegos no estuvieran interesados en la realidad circundante, en la vida social y
política, es solo que representaban esta atreves de la visión e imaginación del artista y de los
patrones estéticos de la época que respondían conceptualmente a representar el medio
circundante y la imagen del hombre con esa idealización.
Desde su periodo arcaico en que las figuras se representan estáticas, frontales, con una
típica sonrisa y ojos almendrados hasta el periodo clásico con el refinamiento estético y detallado
realismo, desarrollan una búsqueda por encontrar su propia estética personal, por alcanzar
la superación artística. Ellos estudian la naturaleza circundante y el hombre como centro de esa
realidad.
Características fundamentales del arte griego:
Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.
Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a
destacar su concepto de la perfección estética.
No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.
Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.
Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión
idealizada de estos.
No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.
Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las
obras de arte.
 ¿Qué es el arte óptico?
Es una corriente artística abstracta, que surgió a partir del movimiento abstracto-constructivista
representado por el suprematismo, De Slijl y la Bauhaus,  también se conoce como Op art u Optical
art. Nacida en Estados Unidos en el año 1958. Este tipo de arte utiliza sobre todo ilusiones ópticas,
basada en la composición de fenómenos puramente  ópticos, sensaciones de movimiento e una
superficie bidimensional, es por eso, por lo que en todas las obras que se han realizado en el arte
óptico hacen que el espectador colabore de manera activa ya sea desplazándose o moviéndose
para intentar captar el efecto óptico, es por esto por lo que este tipo de obras no tienen ninguna
apariencia emocional. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro, el Arte Óptico se
basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Es un arte
impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador
modifique la configuración que ofrece.
Se utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el  efecto Rubin,
que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto
moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones
perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
El  arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, hasta mediados de
los 60 se conformó como una tendencia formal, más tarde por el 1965 ,el museo de arte moderno
de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye.
El arte óptico es una corriente pictórica a diferencia del arte cinético que es escultórica. Por ello,
las técnicas más destacadas del Op art son:
Se utiliza la  yuxtaposición del color, con matices cromáticos identificables, o acromático usando el
negro, blanco o gris.
Los espacios positivos y negativos tienen la misma importancia, en el arte Op Art no puede ser
creado sin ambos.
Crear  un complejo de tensiones visuales en la mente del visionario, que da la sensación de ser una
ilusión en movimiento.
Líneas paralelas que pueden ser sinuosas o rectas
Los contrastes tienen que ser cromáticos y muy marcados. Existen dos tipos o poli o bicromáticos.
Hay cambios de tamaño y de forma
Se mezclan o se repiten figuras y formas.
Usan muchas figuras geométricas como pueden ser: rectángulos, triángulos, círculos y cuadrados.
Después de la Segunda Guerra Mundial se desarrolla una nueva etapa de artistas abstractos, estos
artistas no se preocupan solo de representar en sus obras sentimientos sino que también pide al
espectador que tenga una actitud activa hacia ellos. En las obras artísticas que realizan el ojo
humano tiene que estar observando la obra detenidamente y percibir que se mueve, aparte de
buscar el inicio y el fin de ella. En periodo, comentado anteriormente, el centro de este tipo de
arte era Nueva York.
En resumen el arte óptico es una modalidad artística abstracta que se basa principalmente en la
representación pictórica de un fenómeno óptico que de la sensación de que está en
movimiento. Su base es una extensión bidimensional que miente al ojo humano por ilusiones
ópticas, para crear estas ilusiones ópticas se utilizan estructuras repetidas que tiene un orden
determinado. Si diferenciamos al arte óptico con otras artes destacadas, tenemos que destacar
que este tipo de arte básicamente se trata de principios científicos cuyo objetivo es desarrollar
efectos visuales únicos. Muchas personas definen a este tipo de arte como algo técnico,
impersonal y que en muchas ocasiones da la probabilidad de que el que observa dicha obra pueda
cambiar la configuración que tiene.
Características principales del arte óptico
 Las obras poseen un efecto de profundidad.
 Los artistas utilizan para la creación de sus obras los colores,  la luz y las sombras con una
gran habilidad.
 En esta clase de arte se usa la repetición de formas simples, de líneas, cubos y círculos
concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores
complementarios.
 Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una sensación de movimiento,
gracias a efectos ópticos, creando un total dinamismo en superficies planas, que ante el
ojo humano se transforman en espacios  tridimensionales llenos de vibración, movimiento
y oscilación.
 Se encuentra en la escultura de piezas, sobre todo en la talla que  es una técnica que
posibilita el desarrollo de este tipo de arte.
 Carece de todo movimiento real, es decir, todas las obras realizadas son físicamente
inmóviles, creando obras físicamente estáticas, por lo tanto esta característica lo hace
diferente del arte cinético.
 Su objetivo principal es concebir varios efectos visuales que parezcan que tienen
movimiento mediante un parpadeo o vibración.
 Utilizada técnicas como son las líneas paralelas, pueden ser sinuosas o rectas, los
contrastes marcados cromáticos, pueden ser bicromáticos o polis, también usa
modificaciones en el tamaño y la forma, mezcla figuras y formas, entre otras técnicas
ópticas.
 Utiliza simples figuras geométricas, puede ser el caso de triángulos, rectángulos,
circunferencias, entre otros. Estas figuras pueden combinarse y formar figuras más
complejas.
 Es un arte técnico e impersonal.
 El espectador ha de colaborar activamente, ya sea desplazándose o moviéndose con el fin
de intentar comprender el efecto óptico que la obra posee.
 Utiliza como técnica la pintura al acrílico, por ello obtiene bases definidas y limpias.
 El artista no intenta representar en sus obras situaciones o sensaciones, ya que no existe
ningún tipo de sentimiento que se refleje en estas obras.
 Otro de los objetivos es producir y crear efectos visuales únicos.
 Utiliza unos principios científicos con el objetivo de crear efectos visuales únicos.
 Son representaciones artísticas que se originan por un desarrollo de la abstracción
geométrica.
 Existen varias características más que definen al arte visual, pero las comentadas
anteriormente son las más destacadas.
Artistas destacados del arte óptico
Antonio Lizarazu Balué:  nació en 1963 en España, fue un artista Digital autodidacta. La mayor
parte de su obra tiene relación con la ciencia. Su obra presenta un despliegue alegórico del ente
luminoso, la descomposición de la luz en colores casi espectralmente puros, se reconstruye
en repetidos dobleces espaciales que acentúan la simetría de la composición. Tiene como
elementos básicos el color y la simetría y ambas son partes que constituyen al entorno natural que
soporta a la descripción de la luz. Sus series sobre Cristales Líquidos, Radiografías del cuerpo
humano, Arte Óptico, Cristales de Entropía, Abstracción Geométrica, Fractales, Maderas, etc. son
un claro ejemplo del trabajo artístico de este autor.
Bridget Riley: nació en Reino Unido en el 1931. Fue una figura destacada en el arte Óptico,
creando complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos
llamativos. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, más tarde
dedicaría un trabajo monográfico (1970). Alcanzó una gran reputación a través de las obras
abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones
retrospectivas de sus trabajos.
Victor Vasarely: nació en Hungría en el 1908. Se interesó por el arte abstracto y por la escuela de
Muheely  que era los principios de la Bauhaus. Su primer trabajo más importante fue Zebra, que se
considera hoy en día la primera obra de Op art. Mas tarde  desarrolló un modelo propio de arte
abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas,
e imágenes inestables, utilizando diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y
de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena, pero con
una larga evolución y con diversas etapas en su producción artística.
A parte de estos tres artistas también podemos destacar artistas como por ejemplo los creadores
de esta tendencia que son:  Frank Stella, Kenneth Noland, Lawrence Poons, Richard Anuszkiewicz y
Josef Albers. Estos fueron los iniciadores de este tipo de arte y después de ellos destacaron otros
artistas de diferentes países como eran: Carlos Cruz-Diez “de Venezuela en el año 1923”,  Julio Le
Parc “de Argentina en el año 1928”,  Eusebio Sempere “de España en el año 1923 – 1985”, Youri
Messen- Jaschin “de Suiza en el año 1941”, Yaacov Agan “de Israel en el año 1928”, Omar Rayo
“de Colombia en el año 1928-2010), entre otros artistas destacados.