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República Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la Educación


Universidad Privada Dr. Rafael Belloso Chacín
Catedra: Introducción al Cine
Profesor: Pavel Cendros
Sección: S713

TECNICAS DE CINE Y POSTPRODUCCIÓN

Realizado Por:

Daiglenis Briceño

Jesús Cedeño

Edgardo Molero

Maracaibo, Julio 2017.


Técnicas de rodaje en el cine:

Vamos a comenzar definiendo que es un rodaje, se dice que es en proceso para


crear una película o un film cinematográfico, el rodaje es el paso que le sigue a la
pre-producción, se puede decir que es la parte más visible de una producción,
para iniciar un rodaje se debe tener una historia o una idea, el guion, el reparto, el
rodaje, la grabación del sonido y la reproducción, edición, y proyección del
resultado final forman parte del rodaje, se necesita un gran grupo de personas
para poder hacer un rodaje, la dirección artística de todas estas personas recae
sobre el director y el liderazgo recae sobre el productor de dicho rodaje.

Para realizar un buen rodaje hay que seguir una serie de pasos o etapas de
producción, podemos llamarlo de ambas formas, los veremos a continuación:

Desarrollo:

En esta etapa se debe elegir el proyecto que se quiere realizar, es decir, la historia
que se va a narrar en el film, una vez que ya sea seleccionado la historia que se
va a plasmar a la audiencia, el productor se debe reunir con sus escritores para
compartir sus ideas y así poder planificar la sinopsis de la historia que quieren
mostrar, seguidamente se crea un esquema en el cual se va a descomponer la
historia antes seleccionada en escenas con un párrafo y una estructura, luego de
esto se prepara un enfoque donde se va a describir la historia, su trama y los
personajes que le darán vida al rodaje, por lo general en los rodajes siempre hay
un pequeño dialogo para discutir las instrucciones escénicas, pero en la mayoría
de las veces los directores muestran a los actores imágenes de apoyo para
mostrar los puntos esenciales. Un guionista pasa meses preparando el guion, ya
que puede deben estar muchos puntos claros, como son: la dramatización, la
claridad, la estructura, los personajes, el diálogo y el estilo que se va a llevar a
cabo en la producción, en ocasiones los productores contactan a distribuidores de
cine para que su proyecto sea evaluado por ellos y ver cuál será el mercado y el
potencial financiero que tendrá el rodaje, los factores que más se toman en cuenta
son el género, la audiencia meta (la gente a la que se puede llegar con un cierto
medio de publicidad y un mensaje en particular), el éxito de películas anteriores (si
tiene películas anteriores), la calidad de los actores participantes y la calidad del
director.

Pre-producción:

En esta parte cada paso de la creación del rodaje se debe diseñar y planear
cuidadosamente, la pre-producción se estructura en un plan de producción, se pre
visualiza la película y los ilustradores y artistas ayudan en el proceso para
terminar el guion gráfico. En la pre-producción se juega un papel fundamental,
debido a que es el momento en que se sientan las bases del producto final, se fija
el presupuesto y la escala del proyecto, se escoge el equipo y los materiales y se
prevé cualquier posible problema y sus posibles soluciones.

Hare mención a los puestos más relevante para la pre-producción:

Director, Asistente de dirección, Productor, Director de producción, Jefe de


localizaciones, Diseñador de producción, Director de arte, Diseñador de vestuario,
Estilista, Director de reparto, Coreógrafo, Director de fotografía, Técnico de sonido
de la producción, y finalmente el Compositor.

Producción:

Esta parte comienza cuando ya todo está listo, todo el personal se prepara junto
con su equipo, los actores con vestuario, maquillaje y ensayando el guion n el
director, las cámaras situadas en sus lugares, se realizan pruebas de sonido se
realizan unos últimos toques para revisar que todo esté en orden, finalmente
comienza en rodaje y se ruedan tantas tomas como el director desee, la toma se
termina cuando el director dice “corte”, es allí cuando dejan de grabar y deja de
sonar el sonido, el supervisor de continuidad anota cualquier problema y se
registran las cámaras y el sonido para ver si tienen problemas y así agregar notas
técnicas, al final del día se aprueba el rodaje del día siguiente y se envía un
informe de progreso diario a la oficina de producción donde se incluye el informe
de continuidad, el sonido y el equipo de cámaras, se les informa al equipo cuando
y donde deben acudir para el próximo día de filmación, más tarde el director junto
al productor y otros jefes de departamento se reúnen para revisar las tomas de
ese día o del día anterior.

Posproducción:

En esta parte es cuando el editor de la película pasa a hacerse cargo, se edita el


material que se rodó anteriormente incluyendo video y sonido, se componen y se
graban las pistas musicales que se van a utilizar y se crean los efectos sonoros,
una vez listos se agregan todos los elementos para complementar, y así queda
listo el rodaje completo.

Distribución:

Esta es la etapa final, la película se estrena, casi siempre es en el cine y es


distribuida al consumidor por diferentes medios (DVD, BLU-RAY, DESDE
INTERNET, ETC.), se publican artículos en la prensa, posters y diferentes tipos de
material publicitario para hacer promoción a la película.

Las principales técnicas de un rodaje están en la cámara, vamos a definir cuáles


son esas técnicas:

Principalmente los planos y su utilización: empecemos con el plano de detalle,


este es un plano muy cercano donde la cámara nos muestra un objeto, un detalle
del mismo o un detalle de una persona o animal, recalca la presencia de una cosa
para que no pase desapercibida para mostrarle al espectador la importancia de
dicho objeto. El primer plano: en este plano se enmarca el rostro de la persona y
también parte de los hombros, cuando solo se muestra el rostro es primer plano
corto y si muestra los hombros es primer plano largo. Plano medio: aquí se
encuadra al personaje desde la cintura para arriba, se permite la inclusión de más
elementos en la escena. Plano americano: este plano es 3/4, se encuadra al actor
desde la cabeza hasta las rodillas. Plano general: el personaje aparece a cuerpo
entero rodeado por su entorno.

Existes varios tipos de ángulos de cámara y cada uno de ellos responde a una
necesidad expresiva o funcional:

-eje normal: este es el más convencional y el más utilizado, la cámara se coloca


perpendicularmente a la acción que se quiere grabar la cámara se sitúa misma
altura del personaje, se dice que este ángulo es el más realista y estable.

-Plano picado: en este plano la cámara se sitúa en un ángulo superior al de los


personajes y los graba desde arriba, Esta angulación provoca que la parte
superior del cuerpo parezca más grande que la inferior.

-Plano contrapicado: en este plano la cámara se sitúa en un ángulo inferior al de


los personajes y se graba desde abajo, su uso inadecuado puede deformar la
figura y hará que esta se vea mal.

-Ángulo aberrante: en este plano la cámara se ladea lateralmente además de por


encima o debajo de la perpendicular produciendo un punto de vista insólito, este
plano no es muy utilizado en películas, mayormente se utiliza en video-clips ya
que causa la sensaciones concretas y sugiere inestabilidad, ruptura, desequilibrio,
entre otros.

Seguido de los planos, como técnica de rodaje también tenemos lo que son los
movimientos de cámara:

-Panorámica: la cámara gira horizontalmente sobre su propio eje, este movimiento


sirve para mostrar el entorno en el que se desarrolla la acción, pero es importante
que se lleve de un punto de interés relevante que sirva a la narración a otro.
-Travelling: Sirve para seguir el movimiento de un objeto de interés a su misma
velocidad, la cámara efectúa un movimiento de traslación, habitualmente se
realiza colocando la cámara sobre unas vías sobre las cuales se mueve.

-Cámara al hombro: un sujeto se coloca la cámara en el hombro y camina o corre


y simula que lo que vemos es lo mismo que ve el personaje, los movimientos
mencionados anteriormente se pueden realizar con la cámara en el hombro.

-El zoom: este es un complemento que trae la cámara, consiste en el


acercamiento alejamiento de un objeto o persona, el efecto de este resultado es
muy poco realista.

Ahora haremos mención a las normas básicas que tenemos que cumplir para que
nuestro rodaje no tenga errores:

-planificar el encuadre: antes de empezar hay grabar hay que hay que detenerse y
pensar que es lo que queremos sacar de la toma y desde que ángulo la queremos,
esto ya fue planeado en el guion pero siempre surgen nuevas ideas a la hora de
grabar, y siempre asegurarse que los personajes, paisajes y objetos que se van a
filmar estén bien cuadrados.

-controlar la exposición y la luz: es más eficaz mantener el sol detrás de la cámara


para iluminar así lo que se va a grabar, en las grabaciones en interiores puedes
encontrarte con el problema de la falta de luz. Si no se dispone de aparatos de
iluminación, lo mejor es aprovechar las fuentes de luz que haya en el lugar.

-Evitar mover la cámara: ya que si realizamos un mal movimiento se verá mal, la


mejor recomendación es usar un trípode y si queremos recoger otro punto de
interés, se pasará a PAUSA, se moverá y se empezará de nuevo a grabar.

-Filmar tomas cortas: las tomas que duran mucho tiempo se hacen muy pesadas,
otra recomendación es cortarlas en la edición y mayormente en las tomas de
mucho interés se cambia de ángulo constantemente.
-Pensar en la edición: Es recomendable grabar la acción completa en los dos
planos, recuerda que, muchas veces la unión de dos planos se hace en medio de
un movimiento o al terminar una acción.

-EL audio: esto es algo de lo que debemos estar muy pendientes, ya que el audio
es el 50% del resultado final, un buen audio suele ser muy difícil de conseguir.
Tenemos varias opciones para obtener un buen audio: en diálogos habla alto y
claro, no hables muy cerca frente al micro de la cámara, evita filmar en días con
viento, volver a grabar los diálogos con un micrófono en un estudio, y sustituir el
sonido de fondo por otro.

La postproducción

La postproducción es la fase de la realización en el cine en la cual se convierte el


material filmado, en una película que posteriormente se presenta ante la
audiencia. De estas tareas se ocupan el montador y el equipo de operadores de
montaje del sonido, supervisados por el director del film.

Se distinguen dos formas de postproducción: la de  video y la de audio (sonido). El


término postproducción nombra al conjunto de procesos aplicado a todo material
grabado o registrado: montaje, subtitulado, voz en off, efectos especiales,
inclusión de otras fuentes audiovisuales, etcétera. Pertenece a un ámbito “tercero”
al no trabajar con materia prima.

El minutado

Según Vera, Badariotti y Castro (2003), “el minutado también conocido como
pietaje (key code): es el número que coloca el fabricante en el negativo, que
Identifica cada pie de película. Esto permite, a la hora del corte del negativo,
identificar con exactitud el fotograma donde debe realizarse cada corte.
Los archivos de video digital generados por la cámaras cinematográficas digitales
registran un código de tiempo, donde se marca el inicio y el fin de cada toma, con
la intención de organizar todo, para hacer el montaje grueso en la línea de montaje
computarizada.

Tipo de edición

Edición de video: consiste en seleccionar y ordenar la secuencia de planos que se


han registrados previamente con la finalidad de crear un relato audiovisual que
tenga sentido narrativo y estético.

Existen tres tipos e edición: el montaje de filmación, que consiste en el copiado y


pegado manual de celuloides. La edición electrónica con magnetoscopio, o edición
lineal, donde se copia directamente el material rodado de cinta origen a cinta
destino por corte, Y la edición por medios informáticos, o edición no lineal, donde
se trabaja con los archivos audiovisuales y previamente digitalizados que se
manipulan de forma virtual para luego exportarlo al soporte físico necesario.

Edición de audio: otros de los elementos indispensables en cualquier producción


de video es el sonido. En toda producción corporativa básica existirá una sintonía
de fondo, a la vez que una o dos voces de locutores. La edición de audio consiste
en acoplar todos los elementos de sonido que participaran en la producción,
evitando su saturación o distorsión, y siempre buscado una armonía estética.

Edición de imágenes: Según Salonova (2006), el montaje es el proceso que se


utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el
espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos
planos puede cambiar completamente el sentido, y, por lo tanto, el mensaje, de
una película. En el montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias,
se suprime lo que no gusta, se añade o se acorta el ritmo. Por otro lado, Badariotti
y Castro (2003:213), expresan que el “sonido directo, se denomina así al sonido
tomado durante el rodaje al mismo tiempo que se filman las imágenes.
Generalmente, los diálogos son grabados de esta manera para luego ser
mezclados con la sonorización y la música”.

Banda sonora y efecto sonoro

Media Cine (2007), afirma que “Además de los diálogos de los personajes, en el
cine la banda sonora recoge los efectos sonoros y la música. Los efectos sonoros,
generalmente, se realizan a posteriori en laboratorio bien por motivos de
verosimilitud o bien por resultar perturbadores al sonido directo. No debe olvidarse
que los sonidos de algunos objetos de la vida real no suenan cinematográficos
(disparos, rotura de un huevo), no existen (espadas láser) o no tienen la calidad
requerida en el momento de rodarse. En suma, que cualquier sonido que pueda
perturbar la inteligibilidad de los diálogos es relegado a los denominados efectos
sala”.

“la música de cine suele presentarse de dos formas diegéticamente, emanada del
propio desarrollo de la película o extradiegeticamente, que suena al margen de las
imágenes que se ve”.

Efectos visuales

Son los diferentes procesos por los cuales las imágenes son creadas o
manipuladas fuera del contexto de la grabación en vivo. Implican la integración de
secuencias en vivo e imágenes generadas para crear entornos que parezcan
realistas, pero que sería peligroso, demasiado costoso o sencillamente imposible
de grabar en película.
Los efectos visuales son a menudo una parte integral de la historia y de su
atractivo. Sin embargo, mucho del trabajo para llevarlos a término se acaba en
posproducción, y normalmente debe estar planeado con mucho cuidado y
coreografiado en preproducción y producción. Los efectos visuales son diseñados
y editados en posproducción con la ayuda del diseño gráfico, el modelado, la
animación y software similar, mientras que los efectos especiales están hechos en
un set, como explosiones, carreras de coches, entre otros. Para conseguir los
efectos deseados, un supervisor de efectos especiales acostumbra a estar
involucrado en la producción desde el principio, trabajando estrechamente con el
director y el equipo de producción. Algunas películas reconocidas que han sido
grabadas con el uso de efectos visuales son: Flubber, Titanic y la edición especial
de Star Wars.

Técnicas de efectos visuales

 Stop-motion: Es un recurso usado en animación que consiste en dotar de


movimiento a objetos estáticos mediante una sucesión de imágenes
fijas. Requiere mucho trabajo y paciencia, pues se realiza fotograma a
fotograma, con pequeños cambios de figuras o materiales maleables como
plastilina, recortes de papel y arena. Entre sus pioneros se encuentra el
español Segundo de Chomón, autor de las  películas  La casa
encantada (1906) y El hotel eléctrico (1908).

 Matte painting: es una técnica digital que nos permite crear cualquier tipo de
escenario que imaginemos a partir de fotografías e ilustración y la correcta
mezcla de éstas, para obtener resultados realistas con un nivel de detalle
abrumador. Por ello se aplica a nivel profesional en todo tipo de ámbitos,
como el editorial, la publicidad, el cine, los videojuegos o la arquitectura.
 Morphing: que empezó a utilizarse en la década de los 80 donde se
observa la metamorfosis de una persona a un animal u objeto y viceversa,
esto se logra fotografiando el primer elemento colocando en el computador
como el primero y después el segundo elemento para el final, entonces el
programa computarizado se encarga de hacer la metamorfosis.

 Bullet time: es un concepto que consiste en una ralentización extrema de la


acción para permitir ver movimientos o sucesos muy veloces, como el
recorrido de una bala, al mismo tiempo que la cámara se desplaza y
modifica el ángulo de visión. También es usado para crear efectos
dramáticos, como en la película Matrix.

La copia final

Hace algunos años atrás la copia final de la película se entregaba en cada sala de
cine, mediante una extensa bobina en un formato de 35mm, hoy en día, como
plantea Casado (2012), se entrega “El DCP, cuyas siglas significan “Digital
Cinema Package” es, una versión digital de una película de 35mm.

Las ventajas de este formato son muchas, tales como:

• Es el tamaño físico.

• Al ser un medio digital, un DCP cabe en un disco duro y es fácilmente


transportable.

• Un pequeño pen-drive de 16GB puede albergar un cortometraje, tráiler,


spots...nada que ver con las pesadas, delicadas y engorrosas bobinas.

Luego estaría el precio. Todo el proceso es digital, y se eliminan muchos costos y


problemas asociados al “transfer” a 35mm. Lo que no quiere decir que sea más
sencillo, obviamente. Y por supuesto aparecen nuevos problemas con los que se
debe lidiar.
DCI (Digital Cinema Initiatives)

El DCI, cuyas siglas significan Digital Cinema iniciativas es creado en 2002 con el
apoyo de Disney, Fox, Paramount, Sony Pictures, Universal y Warner, es decir,
prácticamente todas las grandes. Se unieron para crear unas especificaciones de
carácter abierto a todo el mundo para que todos se pusiesen de acuerdo. Estas
normas se llamaron DCI y todos los servidores digitales tendrían que cumplirlas
para que los contenidos pudiesen ser reproducidos sin problemas. Este formato de
DCP se denomina también “Interop” y nació oficialmente en 2005.

SMPTE (Society of Motion Picture and Television Engineers)

El SMPTE (Society of Motion Picture and Televisión Engineers), que amplía la


norma DCI, aunque todos los proyectores deben ser compatibles DCI, algunos ya
admiten los nuevos formatos que soportan la SMPTE.

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