Anunciación

Año: 1472-1475

Técnica: óleo y temple sobre madera.

Medidas: 2,17 m x 0,98 m

Ubicación: Galería Uffizi, Florencia, Italia

Descripción: Desde que se conoce esta tabla con la Anunciación, se creyó que era de Doménico
Ghirlandaio, un excelente pintor contemporáneo de Leonardo da Vinci. Pero en 1867 se
descubrieron datos, dibujos, bocetos que permitían atribuir el cuadro a Leonardo. Fue un encargo
para el convento de San Bartolomé en Monte Olivetto, de donde pasó a los Uffizi tras conocerse su
verdadero autor. 

La obra representa una escena religiosa recogida en el Evangelio de San Lucas, la Anunciación a
la Virgen María: el arcángel San Gabriel desciende del cielo para anunciar a la Virgen María su
inminente embarazo por obra del Espíritu Santo.

En la obra aún no están patentes los rasgos pictóricos más característicos de Leonardo pero sí que
ciertos motivos preludian la factura y técnica única de este genio del Renacimiento. En el ángel se
aprecian varias semejanzas con las figuras que Leonardo realiza en el Bautismo de Cristo, y si bien
el sfumato típico del autor no está presente en esta Anunciación, las alas del ángel han sido
sometidas a un profundo estudio; Leonardo utilizó para la representación del arcángel alas de
pájaro, éstas fueron retocadas posteriormente y alargadas puesto que no se comprendió que el
artista florentino buscaba un efecto de “plegado” ya que el ángel estaba aterrizando en el suelo.

La Virgen por su parte aparece sedente, sus mantos cubren el sillón en una actitud poco práctica
ya que no permiten distinguir claramente las piernas de la Virgen del sillón, en esta ocasión no se
representa a una María sumisa que acepta su destino con resignación. La Virgen levanta una mano
a modo de saludo mientras mantiene la otra en la Biblia para no perder su lectura, es una mujer
renacentista plenamente consciente de su labor como madre del salvador.
La disposición voluptuosa de los pliegues de las vestimentas también es una de las características
de Leonardo, los pliegues son grandes, voladizos y ocupando gran parte del espacio que rodea a la
figura.

La escena se desarrolla en el exterior (tradicionalmente se realizaba en un espacio porticado) pero

parece ser que en esta ocasión se ha elegido los jardines de lo que parece una villa florentina,
aunque también podemos encontrar algunas referencias arquitectónicas. A lo lejos, en el fondo del
jardín, los primeros estudios del pintor en torno a la perspectiva aérea hacen que el paisaje quede
cubierto por una tenue neblina.
La Virgen de las rocas
Año: 1483-1486

Técnica: Originalmente óleo sobre tabla,

posteriormente pasada a lienzo.

Medidas: 1,99 m x 1,22 m

Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia

Descripción: existen dos versiones sobre  este

tema, una   primera, que  se encuentra en el
Museo del Louvre y otra posterior entre 1492 y
1508  que se puede ver en la  National Gallery de
Londres.

Se trata de un óleo sobre tabla encargado al pintor

por la Cofradía de la Inmaculada Concepción de la
iglesia de San Francisco.

 La  escena la sitúa en  un marco natural pero

completamente idealizado  Junto a la arquitectura
natural de las  rocas  que simbolizan la firmeza,se
percibe una cueva  ,   el curso del río,  detalles de
plantas y vegetación que  se vivifican gracias al
agua

El tema  es religioso, pero la fuente son los

evangelios apócrifos. Según estos, cuando  Juan
quedó huérfano fue a vivir a una cueva estando
protegido por un ángel, en  ella  es encontrado por  María y  Jesús  cuando estos huyen hacia
Egipto.

La composición  es clásica  triangular o piramidal   que da estabilidad y firmeza al conjunto.

El  vértice superior sería la cabeza de la Virgen (que se encuentra arrodillada)  que con su mano
izquierda  en pronunciado escorzo  parece  proteger a su Hijo. A la  derecha el arcángel Uriel con
las alas desplegadas, mira de manera discreta  hacia afuera señala al niño  Juan, al que la Virgen
acoge con su otra mano, y que se encuentra  rindiendo  adoración al Mesias que le bendice, su
posición y mayor iluminación le destacan.

Se observa   tantos colores fríos (azul, verde, grises, plateados)   que se armonizan con zonas de
colores cálidos (naranja, marrones)

Es característico de Leonardo el uso de un doble foco de luz, uno principal, que vendría de fuera, y
otro secundario, en el interior, que recorta las figuras sobre el fondo.

 El esfumato, logra crear una superficie suavemente aterciopelada, que funde figura y ambiente y,
que además rodea el cuadro con un halo de misterio, aparte de fundir así figura y paisaje, sin
transiciones bruscas de luz, con lo que las sombras se funden gradualmente y desaparecen los
perfiles.
Retrato de Ginebra de Benci
Año: 1474-1476

Técnica: óleo sobre lienzo

Medidas: 38 cm x 37 cm

Ubicación: Galería Nacional de Arte en

Washington, EEUU

Descripción: nos encontramos ante el

retrato de una joven dama que se ha
identificado con Ginevra de Benci.

Se representa a una mujer con apariencia

pálida, triste. Aparenta estar enferma.
Tiene el cabello claro, cejas casi
imperceptibles y frente amplia.
Hay elementos simbólicos como el agua
que representa la feminidad y el enebro
que hace alusión
al nombre Ginebra.
Se supone que en el pasado era más
grande habiéndose cortado por la parte inferior.

Se usa la perspectiva atmosférica en el fondo.

La última cena

Año: 1498

Técnica: óleo y temple sobre muro

Medidas: 4,20 m x 9,10 m

Ubicación: Santa Maria delle Grazie, Milán,  Italia

Descripción: No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas

de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. 

Desgraciadamente, el empleo experimental del óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos
que condujeron a su rápido deterioro ya hacia el año 1500, lo cual provocó numerosas
restauraciones en la magnífica obra. Leonardo, en lugar de usar la fiable técnica del fresco, que
exigía una rapidez de ejecución impropia de él, había experimentado con diferentes agentes
aglutinadores de la pintura, que fueron afectados por moho y se escamaron.

Leonardo representa el momento en que los apóstoles están ansiosos por saber quién traicionará
a Jesús. Asi podemos observar todo tipo de emociones, consternación, enojo, ansiedad, duda, que
quedan transmitidas brillantemente a través de las expresiones faciales y los gestos 

En el primer grupo a la izquierda, Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés parecen incrédulos de lo

que han escuchado;  en un segundo trío  Pedro parece querer acercarse a Cristo encontrándose
detrás de Judas , que aparece  aferrando la bolsa de las monedas, el más cercano a Jesús es Juan
como discípulo predilecto representado   pensativo y joven.. Sitúa la mano de San Pedro entre
Judas y Juan.   

En la parte derecha, Tomás levanta un dedo , como indicando si es él el traidor , al lado de

Santiago Mayor y Felipe, y el último grupo Mateo y Simón se dirigen gesticulando a Tadeo que está
en un extremo de la mesa.  
 La composición es simétrica siendo el centro Cristo que además queda resaltado por la ventana
del fondo  y por confluir en él las líneas de fuga de la perspectiva.   

Cristo  presenta un esquema triangular  que contrasta  y sobresale de la horizontalidad de la mesa. 

Los apóstoles se distribuyen en grupos de tres  que se relaciona entre sí por los gestos de las
manos.  Estos grupos  se equilibran pues mientras unos apóstoles  parecen adelantarse otros sin
embargo se echan hacia atrás. Lla línea de los apóstoles se rompe con Judas sentado al otro lado
de la mesa.

 Además  llama la atención la presencia de estructuras cuadradas: en las ventanas, en el fondo de

la estancia, en los laterales.

Color. Se establece un  equilibrio entre los colores. Por ejemplo el frío azul y el cálido rojo que se
unen en la figura de Jesús,     En  las  paredes dominan colores que no llaman la atención, ocres o
marrones, así no nos distraemos del tema y acción del cuadro.  

La profundidad. Por una parte   es observable la perspectiva lineal o geométrica:  las paredes se
estrechan  y  el techo  desciende  a la vez que las vigas de madera se reducen  teniendo como
punto de fuga Jesús.  Pero la presencia de las  ventanas del fondo aumenta la ilusión de
profundidad  mediante el uso de la perspectiva atmosférica.

Luz. Se observa   el contraste de luces  y sombra que crea clarooscuro . Un foco de luz parece
frontal  o de nuestra izquierda, existe otro punto de luz en las ventanas   una luz que parece clara y 
azulada. Esta iluminación contribuye al modelado y al volumen tan importante para Leonardo
Gioconda
Año: 1503

Técnica: óleo sobre tabla

Medidas: 1,99 m x 1,22 m

Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia

Descripción: en esa época las familias poderosas

encargaban retratos suyos. Una de las versiones
cuenta que Francesco Giocondo un comerciante
Fiorentino le encarga a Da Vinci el retrato de su mujer
Lisa Gherardini, de quien se cuenta había sobrevivido
a 2 partos. Sin embargo la obra nunca llegó a sus
manos. Esto se debe a que el rey de Francia convoca
a Leonardo a trabajar ahí, llevando consigo la obra.
Finalmente muere en Francia en 1519.

Se representa a una mujer en ¾ lo cual era novedoso

en ese momento.

Se observa que la misma tiene cejas muy delgadas,

frente amplia y cabello claro. Esto debido a la moda de
entonces. (Las mujeres se dejaban las cejas poco
visibles y afeitaban sus frentes para que esta gane
amplitud). Además se observa que tiene sus manos cruzadas adelante. Esto representa que se
trata de una mujer “bien encaminada”.

El río que aparece también en el fondo hace alusión a la feminidad.

La composición  es  clásica, triangular o pirámidal  con el vértice en la cabeza que crea efecto de 
equilibrio. 

 En cuanto al volumen los rasgos y el contorno de la figura están  difuminados  por el sfumato  que
es como una especie de neblina que se consigue a base de veladuras sucesivas de óleo   que
difumina las líneas del dibujo y los colores.

La sistemática observación de los fenómenos físicos llevó a Leonardo a degradar los colores para
marcar la lejanía progresiva del paisaje y suavizar el dibujo difuminando los perfiles como efecto de
la
atmósfera que envuelve figura y naturaleza, de manera que ambas queden armónicamente
unificadas.
Así, mientras pinta las figuras y los objetos situados en primer término con una mayor precisión, va
suavizando y matizando el trazo a medida que los objetos se alejan, de manera que quedan
difuminados por la masa de aire interpuesta, dando la sensación de una auténtica lejanía
(Perspectiva atmosférica)

 La luz   se concentra en el rostro y crea un suave sombreado en su lado izquierdo ( nuestra
derecha)  El rostro lleva un fino velo , símbolo de la castidad.
El hombre de Vitruvio
Este dibujo realizado
por Leonardo da Vinci hacia el año
1490 en uno de sus diarios, sin
duda alguna es una de las
ilustraciones más famosas de
todos los tiempos. Y sin embargo
rara vez se puede ver el original,
ya que este se custodia en
la Galería de la Academia de
Venecia donde se conserva en
sus almacenes, restringiendo su
exposición al público, dado su
estado de conservación.

Su fama se debe a que con esta

representación Leonardo plasmó
el ideal de belleza humana. Y para
ello se basó en un texto antiguo,
del arquitecto e ingeniero
romano Marco Vitruvio
Polion quien entre otras cosas
diseñó la construcción de
las Murallas de Lugo en la
Hispania romana o redactó un
libro de teoría arquitectónica
donde describía esas
proporciones perfectas del ser
humano para que fueran la base
de la arquitectura, y que las
construcciones fuera realmente
armoniosas.

Aquí vemos a un hombre con brazos y piernas en dos posiciones distintas. Todo ello incluido en un
cuadrado y también en un círculo, cuyo centro es el ombligo. Y rodeando el dibujo hay un texto
escrito de modo especular, es decir, al revés y que solo se lee con la ayuda de un espejo. Algo
bastante habitual en los diarios de Leonardo. Allí refiere todas las medidas que generan ese cuerpo
perfecto, como que la palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo corazón debe
medir lo mismo que el rostro desde la barbilla al nacimiento del pelo. Y muchas otras referencias de
proporción entre las partes del cuerpo.