Está en la página 1de 10

Audición 1: Finale del acto II de Les Huguenots, de

Meyerbeer
1. INTRODUCCIÓN
La ópera siguió siendo parte central en la vida musical,
especialmente en Italia y Francia. La ópera era un
entretenimiento tanto para la élite como para el público en
general. Los compositores seguían las tendencias
nacionales.
La primera mitad del siglo XIX fue una época dorada para la
ópera. Se erigieron nuevos teatros de ópera por toda la
Europa occidental
Los asuntos y ambientes de las óperas fueron muy diversos
durante el siglo XIX, desde narraciones épicas e históricas
hasta cuentos folclóricos, y desde argumentos con fuerte
trasfondo político hasta historias que trataban emociones
privadas y relaciones personales.
A pesar de que el libreto y los efectos escénicos siguieran
siendo factores determinantes del éxito de una ópera, la
música en sí se convirtió ahora en el elemento más
importante.
En 1850 comenzó a surgir un repertorio permanente de
óperas, de manera paralela al repertorio clásico de las
salas de conciertos. Dentro de este repertorio se
encontraban las óperas tardías de Mozart, las óperas de
Rossini, Bellini, Donizetti, Meyerbeer y Weber.
FRANCIA
Desde su fundación por Lully en la segunda mitad del siglo
XVII, la ópera francesa tenía su sede en París y había
estado condicionada por la política. La Revolución francesa
había puesto fin al mecenazgo aristocrático y promulgado
leyes nuevas que permitían a cualquiera abrir un teatro
público. Pero Napoleón volvió a restringir los teatros y
permitió que solo tres representaran óperas:

- La Ópera. Enfocada sobre la tragedia, era el escenario


más prestigioso, montaba obras nuevas, recuperó a
Gluck y representó versiones francesas de óperas
extranjeras (Mozart)
- La Ópera-comique. Representaba óperas con diálogos
hablados en lugar de recitativos. A pesar de su
nombre, muchas de estas operas-comiques tenían
argumentos serios.
- El Théàtre Italien. Dirigido desde 1824 por Rossini.
Presentaba óperas bufas y comicas, obras antiguas de
compositores como Mozart.
- Otros teatros de París ofrecían obras teatrales,
comedias, vodeviles, pantomimas y ballets, que
incluían música.
La grand ópera
Con el declive del mecenazgo real, nació un nuevo tipo de
ópera para un público de clase media que buscaba emoción y
entretenimiento. Era tanto espectáculo como música.
Dos ejemplos tempranos de gran ópera fueron Guillaume Tell
(1829) de Rossini y La muette de Portici (La muda de
Portici,1828) de
Los líderes de la gran ópera fueron el libretista Eugene
Scribe y el compositor Giacomo Meyerbeer.
El género se propagó y representó en Alemania y Londres.
Ejerció influencia sobre Richard Wagner, cuyo Rienzi (1842)
es una gran opera y cuyas óperas posteriores se vieron
influidas por Les Huguenotes

2. OBRA
Les Huguenots es una típica gran ópera francesa. Consta de
cinco actos, un gran reparto, un ballet y una puesta en
escena dramática. El ballet fue consustancial al
espectáculo francés desde Luis XIV.
La historia narra el trágico destino de una pareja de
amantes dentro del acontecimiento histórico de la Masacre
del Día de San Bartolomé en 1572, cuando los protestantes
(Hugonotes) fueron asesinados por los católicos en un
intento por librar a Francia de la influencia protestante.
En la escena final del acto II, la reina Marguerite de
Valois intenta reconciliar a las dos facciones mediante un
matrimonio entre la católica Valentine y el protestante
Raoul. Aquí
Algo típico en las óperas de finales del siglo XIX es
terminar con números multitudinarios, llamados números
concertantes.
Ritmo de puntillo típicamente francés. Técnica de música
continua. Coro, 7 solistas y orquesta. Meyerbeer, influido
por Rossini, introduce el bel canto glorioso
Estructura libre. Intercala partes a solo con corales
La carrera de Meyerbeer se puede dividir en tres etapas
bien diferenciadas:
1. Etapa alemana, etapa italiana, etapa francesa
Audición 2: “Habanera” de Carmen, de Bizet
1. INTRODUCCIÓN
La ópera lírica
El tipo romántico de la ópera comique se desarrolló para
convertirse en la ópera lírica.Esta se halla situada en un punto
intermedio entre la ópera comique y la grand ópera, y también en
cuanto a las dimensiones se refiere. Su atractivo principal
radica en la melodía. Tiene los temas de los dramas o fantasías
románticos.
La ópera lírica más célebre es el Faust de Charles Gounod. Fue
puesta en escena por primera vez en 1859 como ópera cómica (es
decir, con diálogos hablados) en el Theatre Lyrique, el
compositor la modificó más tarde hasta darle su forma conocida
actualmente, con recitativos.
Otras óperas líricas populares fueron Romeo et Juliette de
Gounod y óperas de Jules Massenet como Manon, Werther y Thais.
2. OBRA
Carmen es una ópera dramática en cuatro actos con música de
Georges Bizet y libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri
Meilhac. Fue estrenada en Opera Comique de París en 1875.
Al igual que la versión original de Fausto, se clasificó a
Carmen como óperas comique porque contenía diálogos hablados
(que luego musicalizó otro compositor)
El rechazo por parte de Bizet de un argumento mitológico
significaba la existencia de un movimiento antirromántico con
tendencia al realismo (verismo) en la ópera de finales del siglo
XIX
Carmen ejemplifica un rasgo típico de todo el periodo romántico:
el del exotismo, rasgo presentes en algunas de sus anteriores
obras, p.ej L´ Arlesienne. Otras óperas que incidían en el
exotismo fueron Samsón y Dalila de Camille Saint-Saens y Lakmé
de Delibes
La historia está ambientada en Sevilla protagonizada por Carmen,
una gitana, cigarrera en la fábrica de tabacos. Seduce a Don
José, cabo del ejercito
Bizet funde elementos elementos asociados a la música gitana o
española con el moderno estilo francés. Por ejemplo un motivo
vinculado al destino de Carmen hace hincapié en las segundas
aumentadas, considerado sello distintivo de la música gitana.
La orquestación de la obra sigue la tradición francesa de
Berlioz. El ritmo de habanera a modo de ostinato ejerce como
elemento unificador de la obra.

Audición 3: "Una voce poco fa" de El barbero de Sevilla, de


Rossini
ITALIA
La distinción entre ópera seria y ópera buffa se mantuvo
con bastante claridad hasta muy entrado el nuevo siglo.
Luego aparecieron signos de cambio, en primer lugar, en la
ópera seria.
El fundador del estilo decimonónico de la ópera seria
italiana fue Johann Simon Mayr, alemán de nacimiento que
vivió la mayor parte de su vida en Italia. A través de sus
obras pudo promover la aceptación general de muchos de los
cambios. En la primera mitad del siglo XIX, Rossini,
Donizetti y Bellini crearon una nueva tradición italiana de
ópera.
Rossini fue el compositor de ópera más popular e influyente
de su generación, en parte por fusionar aspectos de la
ópera buffa y de la ópera seria tanto en sus óperas cómicas
como en las serias, lo que aumentó su variedad y su
atractivo, y las aproximó al carácter humano.. Hoy conocido
sobre todo por sus óperas comicas como L’italiana in
Algeri e Il Barbiere di Siviglia. Compuso óperas serias,
como Otello, Mose in Egitto, y Guillaume Tell.
Rossini fue el enlace entre la tradición del siglo XVIII y
el Romanticismo. En él encontramos influencias de la opera
cómica veneciano-napolitana al estilo de Paisiello y
Cimarosa. Cosechó triunfos con sus óperas en Italia, y en
1823 se traslada a Londres con enorme éxito, donde compone
Semiramide.
Rossini contribuyó a establecer un estilo de ópera italiana
conocido como bel canto (“bello canto”). En las óperas
belcantistas el elemento más importante es la voz, incluso
más importante que el argumento, la orquesta y los
elementos visuales.
Sus óperas se caracterizan por gran melodismo, ritmos
alegres y concisos, frases claras, orquestación sencilla
que apoya sin competir con los cantantes y pone de relieve
a instrumentos individuales, especialmente los instrumentos
de viento. Esquemas armónicos sencillos y originales. Una
de sus técnicas características, el “crescendo Rossini”,
aumenta la emoción mediante la repetición de una frase cada
vez más fuerte y a veces en un tono más alto.

El barbero de Sevilla (título original en italiano, Il


barbiere di Siviglia) es una ópera bufa italiana en dos
actos con libreto en italiano de Cesare Sterbini, basado en
la comedia del mismo nombre (1775) de Pierre-Augustin de
Beaumarchais
Estructura:
Rossini y sus libretistas desarrollaron una estructura
escénica que distribuía el argumento por todo un acto e
integraba nuevos desarrollos argumentales o cambios del
estado anímico dentro de un aria o conjunto vocal.
Una escena típica comienza con una introducción
instrumental y una sección en recitativo (llamada scena)
acompañada por la orquesta. Le sigue un aria que tiene dos
secciones principales, un cantábile lento y lirico, y una
cabaletta animada y brillante.
Una voce poco fa (conocida como el aria de Rosina) es un
aria situada en la segunda escena del primer acto. Es un
aria formada por dos secciones. Sin embargo, en la mayor
parte de arias hay también una sección intermedia llamada
tempo di mezzo (movimiento intermedio), una especie de
transición o de interrupción por otros personajes y en la
cual ocurre algo que altera la situación o el estado de
ánimo del personaje.
Combina rasgos de la ópera buffa con la tradición del bel
canto. El protagonista, un barbero, ayuda a un conde
(disfrazado de Lindoro, un pobre soldado) a ganar la mano
de la bella y pudiente Rosina, que ha sido encerrada por su
guardián, el Doctor Bartolo quien tiene la intención de
casarse con ella por su herencia.
Rossina transmite su carácter a través de distintos cambios
de estilo. En la primera parte del cantábile, se interrumpe
en pequeñas frases puntuadas por acordes de la orquesta, un
estilo que recuerda al recitativo orquestal, apropiado para
la narración. Cuando jura burlarse de su guardián, el
estilo cambia por un momento y se convierte en una canción
cómica y dicharachera, seguida por ornamentos elaborados y
escalas en las que promete casarse con Lindoro.
Audición 4: "Casta diva" de Norma, de Bellini
Bellini prefería los dramas pasionales, con una acción rápida y
absorbente. Su libretista favorito era Felice Romani que no
limitaba la acción a los pasajes de recitativo, sino que la
construía sobre las arias. También creaba momentos liricos
dentro de los recitativos. Bellini compuso en total diez óperas,
todas ellas serias , las más importantes son La Sonámbula (1831)
Norma (1831) y el Puritani.
Es célebre por sus melodías largas, dramáticas, muy ornamentadas
e intensamente emocionales.
Casta diva (casta deidad) de Norma es un aria de entrada. Las
melodías consisten de una sencilla estructura subyacente, a
menudo en progresión por grados conjuntos, embellecida por una
siempre cambiante figuración. Las melodías son de grandes arcos,
al contrario del barroco. Los melismas altamente desarrollados
se escriben y están diseñados para la exaltación de la voz
humana.
Estructura: La escena sigue el esquema típico de Rossini.
Empieza con un recitativo acompañado por la orquesta, seguido de
una sección cantábile en forma de cavatina, un declamatorio
tempo di mezzo, y una brillante cabaletta. En cada sección, el
coro desempeña un papel importante, pues responde de manera
intercalada a las súplicas de paz de Norma. Bellini crea una
sensación de acción continua mediante la interacción constante
de los protagonistas, los personajes subordinados y el coro,
reforzado mediante frecuentes cambios de estilo, figuración y
textura.
Carácter estrófico, misma música con texto diferente cada vez
Audición 5: Dúo “Parigi, o cara” del Acto III de La Traviata, de Verdi

Género : ópera

En ningún momento de su carrera, Verdi rompió con el pasado ni experimentó con nuevas
teorías; su evolución se encaminó

Sus primeras óperas están construidas sobre las convenciones de Rossini, Bellini, y
especialmente Donizetti.

Verdi sustituyó la obertura por un breve preludio que ambienta la escena e introduce temas
importantes que se escucharan después. La escena sigue la estructura que Rossini había
tipificado para los dúos.

- Scena (recitativo)
- Tempo d’attacco (sección inicial). Los personajes intercambian frases melódicas
- Cantábile lento. Es tan sencillo y directo como una canción popular, tanto por la forma
(AABB con coda) como por el melodismo de su sección A
- Tempo di mezzo (sección dramática de contraste de estado animico y de estilo
- Cabaletta rápida. Esta sección final sigue una forma común en Verdi, AABA’ con coda,
que le permite introducir contrastes y concluir con un climax emocional.

Cada elemento está en un nuevo estilo característico de Verdi


Audición 6: Aria “Che gelida manina” del Acto I de La Bohème, de Puccini

En lugar de utilizar figuras históricas o lugares remotos, el verismop, presentaba gente


cotidiana, especialmente de las clases bajas, en situaciones familiares difíciles, y representaba
a menudo acontecimientos brutales o sórdidos. Aunque de vida breve, el verismo tuvo
paralelos y repercusiones en Francia y Alemania.

El compositor italiano de ópera de mayor éxito después de Verdi fue Giacomo Puccini. Tras
estudiar en el Conservatorio de Milán, Puccini atrajo la atención con su primera ópera Le Villi
en 1884. Su tercera ópera, Manon Lescaut (1893), lo catapultó a la fama internacional y lo
consolidó como una de las estrellas ascendentes de su generación.

Puccini creó un estilo personal muy individual, fusionando la concentración de Verdi en la


melodía vocal con elementos de concepción wagneriana, en particular el uso de melodías
recurrentes o Leitmotiv, con una menor dependencia de las formas operísticas convencionales
y con un papel más destacado de la orquesta a la hora de crear la continuidad musical.

Puccini yuxtapuso a menudo estilos y mundos armónicos diferentes para mostrarnos


personajes tan dispares como los artistas menesterosos y otros habitantes del Barrio Latino de
París en La Bohème (1896), la cantante idealista Tosca y el malvado Scarpia en Tosca (1900),
una mujer japonesa y su amante norteamericano en Madame Butterfly (1904) o los distintos
estratos de la antigua sociedad china en Turandot (1926).

En las óperas de Puccini, las arias, coros y conjuntos vocales suelen formar parte de un flujo
continuo en lugar de separarse como números independientes. La estructura habitual de la
escena, de la que fue pionero Rossini y que se observa en la mayor parte de las óperas de
Verdi, se sustituyó por una sucesión fluida de secciones con tempos y caracteres diferentes.
Las ideas musicales surgen y evolucionan a partir de la acción dramática, lo que desdibuja la
distinción entre recitativo y aria. La Bohème, después de que el poeta Rodolfo, que acaba de
conocer a Mimi, toca su mano por primera vez. La melodía se inicia sobre una única nota,
como un recitativo, y alcanza su plenitud después, en una serie de frases breves, cada una de
ellas iniciada con un gran salto ascendente; sencilla y discreta, transmite las emociones
nacientes en Rodolfo en una escena plácida al exterior. El acompañamiento es simple, con una
melodía de violín sobre las pulsaciones en los tiempos débiles, si bien la armonía nunca llega a
detenerse del todo, pues cada acorde de tónica estáteñido, o bien por la sexta añadida Si
bemol (compases 2, 5 Y 9), o por una nota del bajo por encima de la dominante (compases 2 y
6). La melodía lírica se convierte en tema recurrente, aunque no figure aparte como en un aria
separada
Audición 7: Escena 5ª del acto I de Tristan und Isolde, de Wagner

ALEMANIA

La interacción entre música y literatura, tan típica del Romanticismo


del siglo XIX, tuvo su mayor desarrollo entre los compositores de los
países de lengua alemana, en la ópera tanto como en la canción y en la
música instrumental. En las raíces de la ópera alemana estaba el
Singspiel; los compositores de este género de la primera mitad del
siglo XIX asimilaron elementos de la ópera francesa e intensificaron
los rasgos nacionales específicos del género.

Creó lo que él consideró un género nuevo, el drama musical.

Sus últimas obras desarrollaron un idioma cromático que influyó en los


demás compositores.
Para Wagner, la función de la música era servir a la expresión
dramática. Presentó sus ideas en una serie de ensayos, como La obra de
arte del futuro y Opera y drama.

En cuanto a las óperas, antes de formular su concepción sobre el drama


musical, Wagner compuso varias obras que se apoyaban directamente en
las de sus predecesores. Su primer triunfo llegó con Rienzi, una gran
ópera en cinco actos según la tradición de Meyerbeer. Luego Der
fliegende Holländer (El holandés errante), opera romántica en la
tradición de Weber.

Las características que luego serían típicas de la posterior música de


Wagner se establecieron en el Holandes Errante.

Entre 1848 y 1852, aproximadamente en la época en la , Wagner escribió


los libretos en verso para un ciclo de cuatro dramas musicales con el
título común Der Ring des Nibelungen (El anillo del nibelungo). En
1857 terminó la música de los dos primeros: Das Rheingold (El oro del
rin) y Die Walkure (La Walkiria), Siegfried, y Gotterdammerung (El
crepúsculo de los dioses).

El anillo del titulo hace referencia a un anillo que

En las interrupciones durante la composición de Siegfried, Wagner


escribió Tristan und Isolde y Die Meistersinger von Nürnberg (Los
maestros cantores de Nuremberg). Su última obra fue Parsifal (1882)

Cada uno de los dramas musicales está organizado en torno a numerosos


temas y motivos, asociados cada uno con una persona, cosa, emoción, o
idea concreta. Los analistas de los dramas musicales de Wagner han
llamado a un tema o motivo de esta índole Leitmotiv (motivo
conductor). Este Leitmotiv puede ser variado, desarrollado o
transformado a medida que evoluciona el argumento. Pueden combinarse
mediante contrapunto. Mediante su repetición unifican una escena o una
ópera como los temas recurrentes unifican una sinfonía.

El drama musical y el uso del Leitmotiv se ve ilustrado en Tristan e


Isolda. La historia procede de una novela de caballería del siglo XIII
de Gottfried von Strassburg, que trata sobre un amor secreto provocado
por una pócima que conduce a la muerte a los amantes.

Sus Leitmotiv son en general breves, concentrados y tienen como


objetivo caracterizar el asunto a diversos niveles de significado.