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COMEDIA

En el siglo 5 se desarrolla la comedia.


Se desconocen los orígenes de la comedia.
Se cree que también surgió de Dionisos.
La comedia era una forma de creación de opinión.
La comedia es un tipo de representación.
Se nutre mucho de la esencia de la infancia. El deseo
es buscar la risa en el otro (clown).
En la comedia se usaba ropa más ligera.
Las primeras comedias que llegaban a Roma venían
del sur peninsular.
Se inventa la trama (en la tragedia se mejoraba o se
cambiaba un poquito pero no se inventaba).
Se reían de
 chistes obscenos, sexuales.
 la forma de hablar.
 nombres parlantes.
El núcleo de la comedia estaba hasta el primer AGÓN
(coro de ancianos, en Lisístrata).
Nace del instinto de imitación y del amor a la
caricatura.
Los primeros fueron los bufones errantes llamados
FLIACAS. Eran histriones y representaban su gira
andando en carros y recitaban sobre un tablado de
madera. Vestidos con una máscara, camisa,
pantalones ajustados, espada al cinto y capuchón.
ANTIGUA
Todo el siglo 5 y algunos años del siglo 4.
ARISTÓFANES era su mayor exponente.
Estructura de la comedia antigua.
Casi todo ocurría al principio.
Todavía había coro.
Crítica política y social.
Puesta en forma de dos actos separados por el coro.
Forma espontánea de representar.
Sátira política.
Impregnada de lirismo.
Espectáculo que por su naturaleza parece de lo más
prosaico.
Propósito: reproducción de la vida mediocre, común,
cotidiana.
Tiene un lenguaje versificado, ya que el ritmo se
consideraba indispensable en un espectáculo al aire
libre.
Tenía parábasis.
Su origen tiene relación con el elemento religioso y
dionisíaco.
FALOFÓRICOS. Era una especie de rito, en la cual en
los cantos en honor a los dioses estaban incluidas
burlas a los espectadores, gracias a este elemento
cómico, se dieron cuenta de que se podía pasar del
rito a la comedia.
Primeros poetas de la comedia ática: S. VI y V a.C.
Cratino creador de la sátira política.
VESTUARIO
El soccus era el calzado típico (especie de pantufla).
MEDIA
De la comedia media no hay nada concreto o entero,
sólo algunos versos.
En algunas todavía existía el coro.
En este período histórico, Atenas y Grecia en general
estaban en decadencia.
Esta comedia junto con la que se sigue son un
producto y un espejo de las nuevas condiciones
espirituales de un pueblo que estaba cada vez más
vencido.
Se suprimió la sátira personal. Ya que no había
libertad política en Atenas.
Se prohibió poner en escena personajes de la época.
El coro fue abolido: por la prohibición de aludir a
hechos y personajes vivientes. O para evitar el gasto
cada vez más excesivo de los coreutas.
Este tipo de comedia entendió ser una representación
de sentido relativamente realista de la vida privada. El
caso más claro es el Plutón de Aristófanes en donde
no hay sátira personal.
NUEVA
La comedia nueva tomó muchas cosas de Eurípides.
De caracteres.
Intimista, de la vida cotidiana.
No es política porque no hay democracia.
Lo que interesa es la trama y no la sátira política.
Desapareció el coro.
Tampoco hay obras conservadas.
Menándro, Dífilo, Filemón.
Es la que adaptan y traducen al latín los romanos.
Representación cómica de la vida y de las costumbres
privadas ciudadanas, y en general de los casos
ridículos, de las debilidades y los vicios de la
humanidad mediocre.
Ya no requiere el escenario múltiple de Aristófanes,
sino un escenario único y fijo. (Una calle, o una plaza,
con dos casas, una en frente de la otra).
Estaba dividida en cinco actos, entre uno y otro
actuaban los coros.
El coro era un intermezzo entre un acto y otro.
Había de 9 a 11 personajes y 3 o 4 actores. No solían
hablar más de tres a la vez.
Calza soccus o embas.
Usan máscara y llevan vestimentas que permiten al
espectador adivinar a primera vista su condición y
también su carácter.
Hombre de condición civil: rojo.
Mujeres: azul y amarillo.
Parásitos: negro o gris.
Campesinos: se cubren con pieles y llevan bastón y
alforjas.
Las máscaras son a menudo ridículas, marcadamente
caracterizadas.
Filemón uno de los primeros comediógrafos.
Menandro fue el gran autor de esta comedia.
Fue el poeta del amor o de los amores.
Recurre a intrigas más o menos artificiales y
complicadas, que se asemejan extrañamente entre sí.
Diálogo en verso, de tono extremadamente simple,
humilde, próximo a la prosa de la conversación
común. Tiene acentos curiosamente llanos y
espontáneos.
Después de Menandro la comedia decayó y fueron
prevaleciendo los espectáculos de naturaleza más
grosera y bufonesca.
La nueva forma teatral que obtuvo un éxito que duró
largos siglos fue el Mimo.
Tema favorito: las confusiones de identidad.
El punto de vista según el cual la Comedia Nueva
poseía en general una estructura de elevada calidad
artística se vincula con la opinión de que debe mucho
a Eurípides.
MIMO
Originariamente: representación popular, entre la
danza y la farsa.
Al principio el bufón hacía reír al público al imitar los
movimientos de los animales, el ruido de la lluvia y
del trueno, etc. Finalmente a hombres y mujeres en
caricaturales monólogos o diálogos.
Se transformó en un género de farsa que contentó
con subsistir en los groseros espectáculos de las
plazas.
Mimo Realista/Mimo Lírico
1-escrito en prosa con ritmo
Representaba escenitas de costumbres plebeyas,
quizá con intromisión a los dioses y seres mitológicos.
2-cantado
Se dividió el “Hilarodía”, que tenía un carácter más
bien serio y sentimental. Y “magodía” carácter
cómico.
Provenía de la Magna Grecia.
Reproducción en farsa de historias bajas y vulgares.
Actuaban descalzos, también eran llamados
“planipedia”.
Forma de entretenimiento más primitivo y más
permanente.
Tenían una gran habilidad para la gesticulación.
Este arte adquirió un gran desarrollo en la antigüedad.
Incluía el uso de todos los miembros (los mimos eran
afines a los acróbatas) así como la expresión facial.
No resulta fácil distinguir netamente entre los
diversos tipos de comediantes que se dedicaban a
entretener al público, pero podemos decir, por lo
menos, que ningún actor respetable aparecía en la
escena griega SIN una máscara.
Libres de trabas de la posición social y las tradiciones
y no obligados a someterse a un texto escrito, los
mimos se fijaban su propia ley.
Eran bien conocidos en el sur de Italia desde época
temprana.
Las barreras lingüísticas no ofrecían obstáculo alguno
al arte de la gesticulación y de la expresión facial; los
sencillos requerimientos de las compañías de cómicos
de la legua no exigían grandes gastos ni cuidadosa
preparación.
Las adaptaciones plautinas de la Comedia Nueva
griega contienen muchos chistes, bufonería y rudeza
de una índole tan que difícilmente los haya
encontrado el autor en sus originales literarios; en
cambio, resultarían muy apropiados en el mimo.
Es probable que las mujeres actuaran en el mimo
desde un comienzo, aun en Italia.
La vestimenta característica era el ricinium (capucha
cuadrada que podía echarse hacia atrás, o hacia
adelante si se deseaba ocultar la cabeza). El
centunculus (una chaqueta de remiendos, la malla y
el falo). Los actores llevaban la cabeza afeitada y los
pies desnudos. No debemos suponer que todos los
personajes de la representación se vistieran así.
Las tramas eran simples y los desenlaces a menudo
abruptos.
Un tema habitual era el de la aparición de alguien que
sufría un brusco cambio en su situación (un pobre que
se volvía de repente rico).
El tiempo de Cicerón los mimos representaban
evidentemente en el escenario, como todos los otros
actores del teatro romano. El telón parece haber
tenido más importancia para el mimo que para las
otras formas de drama.
El mimo se aproximó más que cualquier otra forma de
drama a los verdaderos gustos del populacho romano.
Se ha considerado como indicio de que sólo se
escribían por entero los prólogos de los mimos, en
tanto el resto de la pieza era, en cierta medida,
improvisado.

COMEDIA/FÁBULA PALLIATA
Se ciñe de las normas griegas y conserva nombres y
costumbres griegos.
TEATRO LATINO
Teatro latino: orígenes religiosos.
Varias formas de este tipo de espectáculos:
Fescenino, Satura, Atelana, y Mimo.
FESCENINO: violentas improvisaciones en metro más
o menos libres. De allí poco a poco habría surgido la
satura.
ATELANA: especie de farsa, o fábula, origniaria de
Atella, ciudad osca de Campania. Tiene gran
importancia porque gracias a esta surgieron los
“tipos” definidos (Pappus, viejo estúpido, avaro y
libidinoso; Maccus, el necio burlado y apaleado;
Bucco, con una boca enorme, comilón, pero más
probablemente porque era charlatán y estupidísimo;
Dossennus, jorobado, parásito, embrollón y comilón,
bribón de marca mayor con pretensiones doctorales).
Se representaba como exodium o farsa final, después
de la obra literaria. Luego se convirtió en un género
literario.
ARISTÓFANES
Ateniense. Nació en 444a.C. Murió en el 380a.C.
Uno de los grandes ganadores de las fiestas
dionisíacas.
Hombre culto que formaba parte de la aristocracia.
Su tipo de comedia era sexual, burda, excesiva y
procaz.
Muchas de las tragedias de Aristófanes tenían como
tema principal la paz, debido a la guerra del
Peloponeso.
Cómo se produce la comicidad en Aristófanes
 Cuesta entender de qué se reían los griegos.
 Los nombres de los personajes indicaban alguna
característica divertida.
 Eran nombres parlantes
 Hacían chistes obscenos
 Imitaban el habla de los personajes
Todas las comedias de Aristófanes tienen AGÓN.
Estas son las últimas comedias en las que se
encuentran coros.
Su comedia estaba desprovista de cualquier
restricción de tiempo o lugar. Es una especie de
curiosa fantasía.
No tenía una escena única, sino múltiple.
Representaba varios lugares a la vez, dejando a los
actores, o sea al poeta, libertad de transportar
libremente su sede de lugar a otro, sin limitaciones.
Divididas en dos partes por la PARÁBASIS. Primera
parte: se exponen los antecedentes. El protagonista
declara sus proyectos y emprende la tarea de
cumplirlos generalmente a través de conflictos y
disputas, hasta un discurso final que le da la victoria.
Aquí interviene la PARÁBASIS (canto del coro) que
interrumpe la acción, luego se reanuda la comedia y
usualmente se representa un banquete para festejar
la victoria del protagonista con escenas de farsa,
bromas, apaleos; y finalmente se llega a la conclusión.
La guerra del Peloponeso es uno de sus temas
predilectos.
Muchos críticos reprocharon su obra como amén de
una insoportable obscenidad, la rebelión contra todo
freno de verosimilitud, la complacencia en lo absurdo,
la falta de caracteres, la ausencia de humanidad.
Hace mezcla de dioses y bestias, personajes
imaginarios y personas reales representadas en
escena al natural, con máscaras de una semejanza
física caricatural.
LISÍSTRATA (comedia antigua)
Lisístrata significaba la que dispersa a los griegos.
Era una comedia política, se esquematizaba la vida en
comunidad.
Lisístrata surge de las guerras civiles.
La PAZ es el tema específico de Lisístrata que es la
heroína.
Su nombre significa la libertadora de ejércitos. O la
que disuelve ejércitos.
DIONISÍACAS
3 tetralogías 5 comedias.
CONTEXTO HISTÓRICO
Atenas dominaba otras polis. Las cargaba con
impuestos altos.
GUERRA DEL PELOPONESO (luego del siglo de
Pericles) (guerra civil).
Esparta le gana a Atenas. Así se da como finalizada la
polis.
Grecia pasa del período helénico al helenístico
(cultura influida por la cultura asiática) imperio de
Alejandro Magno. (Filipo de Macedonia era el padre)
(Aristóteles era su mentor).
La acrópolis era el símbolo del poder político.
Sicilia fue una colonia griega.
Los romanos fueron los traductores de la cultura
griega.
La cultura griega es conocida gracias a que los
romanos la estudiaron y la tradujeron al latín.
COMEDIA POLÍTICA
Estaban vinculadas a uno de los problemas básicos
que enfrentaba la cultura griega en el momento.
Ponen en escena a la polis (la condición del
ciudadano).

COMEDIA LATINA
Siglos 3 y 2 a.C.
Influye en la comedia/renacimiento/teatro
shakesperiano, etc.
Grecia se convierte en una provincia romana (Roma
conquista Grecia).
El latino dominó todas las otras lenguas.
Casi todos los autores latinos pasaron a la posteridad
por su tercer nombre (apodo).
Sicilia a través de ella entró la
comedia y la tragedia a Roma.
Versos fesceninos, atelana, mimo, eran las formas de
lo cómico que existían antes de que Grecia se
convirtiera en provincia.
La farsa atelana es de origen latino.
En el mimo antiguo (original) no usaban máscaras.
El mimo era el único arte donde las mujeres podían
actuar. Era hablado y había muchas acrobacias.
Los romanos mezclaban lo que tenían de ellos junto
con lo de los griegos.
La base romana era grotesca, una burla obscena, y la
sexualidad.
Se dejó de usar el anfiteatro y comenzaron a usar el
teatro como lo conocemos hoy en día.
COMEDIA LATINA
La diferencia que existía entre esta y la griega era el
coro.
Consta de prólogo: donde el autor expone al
argumento y trata de granjearse la benevolencia del
público.
Soliloquios: cuando los personajes hablaban consigo
mismos o con el público.
Diverbios: diálogos de los personajes entre sí.
Cánticos: trozos cantados.
Además había un acompañamiento de música con
flautas, y en los intervalos, el canto coral (éste no
tenía nada que ver con el coro griego).
PARA LOS GRIEGOS EL GRAN TEATRO ERA UN RITO,
PARA LOS ROMANOS ERA UN LUDUS.
La escenografía romana, en sus orígenes, es la
heredada de los griegos. El escenario cómico supone
una calle o plaza con dos casas de frente.
Cuando el Estado asumió la dirección y manejo de los
teatros, los ediles pagaron todo los gastos. La entrada
desde entonces comenzó a ser gratuita.
Para los romanos, los histriones eran “infames” desde
el punto de vista social, al principio se los reclutaba
entre esclavos. Después, cuando ya eran libertos u
hombres libres, se les infligían castigos corporales,
por las faltas que cometían. O el actor silbado debía
quitarse la máscara.
De igual manera algunos actores cobraban sumas
grandes de dinero y recibían honores.
Los actores eran todos hombres sí o sí, incluso para
encarnar papeles femeninos.
Vestuarios: mensajero: aparecían con sombrero o
abrigo.
Soldado: con espada y clámide.
Parásito: con el manto embozado.
Villano: con casaca y pelliza.
Hombre de pueblo: con jubón.
Criado: con una corta tuniquita.
Criado bribón: con túnica blanca.
Alcahuete: túnica negra.
El público romano era groseros mercaderes y
soldados, de mujeres y niños y criados turbulentos,
frente a los cuales la mayor preocupación del primer
actor era obtener un poco de silencio.
TITO MACCIUS PLAUTUS
Se cree que era hijo de esclavos, se inventó el nombre
como burla a los Patricios.
Fue el más importante y el que más influyó en la
antigüedad.
Escribió más de 100 comedias, tenemos 21 casi
completas. 19 poca autoría. Varias que nunca fueron
definidas.
Plauto pedía silencio al público.
Sus obras reflejan la búsqueda de la diversión. Esto
lleva a la simplicidad de los personajes y del
argumento.
Los personajes son tipo sin una personalidad
profunda. Meros instrumentos de la trama y la risa.
Los argumentos infantiles, casi como un cuento de
hadas, en el que los deseos del joven se terminan
haciendo realidad.
Recursos cómicos utilizados: la diversión y el
espectáculo. Se nota una gran movilidad en el
escenario.
La tramoya y los vestuarios son a veces
espectaculares.
Los personajes rompen la ilusión escénica y hablan
con el público mediante un diálogo vivo (lleno de
coloquialismos, con injurias, doble sentido y las
palabras se desbordan de escena, se acumulan, se
inventan, parodian otros lenguajes donde abundan los
chistes y otros embrollos graciosos).
Aportes en la comedia romana
 dota a la lengua popular de una serie de recursos
como el retruécano.
 crear personajes llenos de una psicología rica y
variada que llevó a que algunos le consideraran
un verdadero antecedente de Dostoievski en la
tarea de mostrar que el alma humana no sólo es
compleja sino sorprendente.
 crear un tipo de criado que luego será tomado por
el posterior teatro europeo. Tal es el caso de
Shakespeare en su “comedia de las
equivocaciones”.
 consolidar el personaje “tipo”.
 supo utilizar los discursos y los cánticos de tal
manera que el equilibrio escénico se mantuviera
siempre. (el baile es otro elemento esencial que
acompañó a los cánticos para dar gracia plástica a
sus obras).
 comprendió el valor ambiguo de lo gestual de tal
modo que no sólo lo utilizó para ilustrar la escena
sino a veces para denegarla. (así el “miles
gloriosus” mientras se jacta de sus hazañas
guerreras, tiembla).
 nunca ocultó que sus obras están basadas en
otras griegas. Utiliza el término “vertere”
(traducir) para referirse a su trabajo.
 en ocasiones citaba al autor y la obra que
utilizaba como modelo.
 manejaba los modelos griegos con absoluta
libertad, mezclaba fragmentos de distintas obras y
de distintos autores griegos (contaminatio) y
modificaba el original cortando o añadiendo,
insertando recursos cómicos típicamente itálicos,
recreaba situaciones con mayor fuerza cómica y
en definitiva daba lugar a una comedia totalmente
diferente.
Su tipo de teatro era simple.
TEATRO ROMANO
Estructura distinta, no se presentaban en anfiteatros
excepto en Italia.
Les gustaba el de mampostería.
Tenía escenario en altura.
Al principio se armaban y desarmaban.
En el s1 a.C. surgieron los primeros teatros de piedra
(no se desarmaban).
LUDI SCAENICI (Juegos escénicos) fiesta de la
comedia.
Se competía con las otras disciplinas (circo, carreras
navales, sonambulismo).
Las obras tenían que producir risa porque todos los
juegos se hacían en simultáneo.
La gente entraba y salía de las obras todo el tiempo.
No había telón, se comenzó a utilizar en el siglo 1 a.C
(no era como ahora, era de abajo hacia arriba).
La puesta en escena era anti ilusionista. Las cosas
(objetos) se sacaban y ponían en el mismo momento,
porque no había telón.
El teatro era gratuito y TODOS podían asistir.
FONDO: dos casas burguesas, enfrentadas. Lo que
pasaba dentro de ellas era contado. 2 puertas,
derecha: lugar cerca. Izquierda: lugar lejos.
Comedia plautina/latina: era una comedia de esclavos.
Fábula palliata: comedias de tema griego. (La más
influyente).
Fábula togata: comedias de tema romano.
CONTAMINATO: fusionar dos o tres originales.
Rasgo esencial: escenario de madera. Plauto lo llama
scaena o proscaenium.
Entre el escenario y la primera fila de asientos
quedaba un espacio llano, que correspondía a la
orquesta griega o “pista de danza”. Ahí se colocaban
a veces algunos asientos portátiles para espectadores
distinguidos.
Detrás del escenario se levantaba la casa de los
actores o vestuario, cuya pared frontal constituía el
fondo permanente de aquél. A ambos lados quedaba
cerrado por las alas de la casa de los actores, que se
proyectaban lateralmente.
Los actores tenían 5 medios de comunicación entre el
escenario y el vestuario: las 3 puertas del fondo y las
2 entradas laterales.
El fondo del escenario era una pared de madera en
blanco.
El único objeto que se veía permanentemente en el
escenario era el altar.
No existía el telón; el fondo del escenario, tal como
era, quedaba permanentemente expuesto a la vista.
No tenemos prueba directa acerca de cómo se
escenificaban efectivamente esas obras. La
responsabilidad de la puesta en escena y la
representación correspondían al actor-empresario.
El escenario representaba para ellos una calle o algún
otro espacio libre; ellos eran el público común reunido
del otro lado de la calle o a campo abierto y miraban
los edificios que daban a esos lugares.
Para presentar una escena debía concebírsela como
ocurriendo al aire libre.
Los espectadores nunca pueden mirar a través de
esas puertas con sus propios ojos.
La estructura de las obras de Plauto muestra con
claridad que no se utilizaba ni conocía ningún telón.
Comienzan con el escenario vacío; los personajes
llegan de sus casas o de una de las entradas laterales
y explican habitualmente con sus primeras palabras
quiénes son, de dónde vienen y adónde van.
Al final de la obra se da algún pretexto para que
salgan del escenario, pero antes de irse uno de ellos
informa al auditorio que la obra ha terminado y pide
un aplauso.
No hay nada semejante al cuadro inicial o final que
ahora se acostumbran.
La falta de telón implica la ausencia de una
disposición especial de la escena para una obra
cualquiera o una escena de obra.
Es probable que la escena permaneciera entonces tal
cual, sin cambiar, de una obra a otra.
Reducida a sus términos más simples, la escena
permanente consistía en la pared lisa del fondo con
sus tres puertas, las dos laterales con las entradas
correspondientes, el techo chato de la casa de los
actores y un altar en la escena misma.
Cuando por alguna razón el dramaturgo desea
trasladar a un personaje de uno de estos lugares a
otro sin que aparezca en escena, recurre a otra
convención: el uso de ANGIPORTUS.
Angiportus: su significación especial en el drama
consiste en denotar la calle posterior que corre
supuestamente por detrás de las casas cuyo frente da
al escenario, vinculándolas una con otra y con la
ciudad, el puerto y el campo por medio de sus puertas
traseras y jardines.
El angiportus no aparece ni podía aparecer a la vista;
su uso es excepcional y recibe mención expresa; es
un recurso que posibilita al dramaturgo eludir a veces
la regla general según la cual un personaje que
abandona el escenario por una puerta o ala
determinada debe volver por la misma puerta o ala.
Es habitual que se anuncien de antemano las
entradas en escena. Estos anuncios, que son parte del
diálogo, sirven como indicaciones escénicas y
probablemente se utilizaran para indicar la entrada al
actor que estaba esperando.
El arte del actor residía no en su naturalidad o
habilidad mímica, sino en poseer una clara dicción
capaz transmitir la emoción adecuada, subrayada por
apropiados gestos.
VESTIDOS Y MÁSCARAS EN LA ESCENA ROMAMA
La vestimenta utilizada en la escena romana variaba
evidentemente, de acuerdo con los diferentes tipos de
drama, pues se la empleaba como base para
clasificarlos.
Palliata: comedia en la cual la vestimenta
característica era el pallium, o capa griega de uso
diario. Los actores romanos de la paliada, como los
actores griegos de la Comedia Nueva, usaban la ropa
común griega de la vida contemporánea.
VESTIMENTA GRIEGA HABITUAL:
La ropa interior era el jitón jónico, camisa de lienzo o
lana con agujeros para el cuello y los brazos. A veces
tenía mangas, se aseguraba con un cinturón. A veces
era la única vestimenta.
Pero lo habitual era llevar por encima del jitón el
himation (en latín pallium), chal de lana de forma
rectangular que se envolvía alrededor del cuerpo y se
ajustaba de diversas maneras. Se lo sujetaba
habitualmente con un broche a la altura del hombro. A
veces el pallium era la púnica vestimenta.
Los trabajadores (hombre libre) podía utilizar sólo la
túnica.
El calzado era normalmente liviano: sandalias y
pantuflas. Las sandalias se aseguraban con correas y
cintas; el soccus no se ataba.
La cabeza se llevaba normalmente descubierta. No
obstante, los trabajadores griegos usaban gorros de
fieltro o cuero.
El sombrero (pétaso) de ala ancha formaba parte de la
vestimenta característica de los jóvenes atenienses
cuando servían en la caballería. Tenía una cinta que lo
aseguraba en torno de la cabeza y una correa que iba
por debajo de la barbilla, la cual permitía asimismo
que el sombrero pudiera colgar hacia atrás.
Las mujeres griegas llevaban también sandalias, jitón
e himatión adecuados (la capa de mujer se llama en
latín palla).
Por los colores, así como también por las máscaras, el
público se enteraba a menudo inmediatamente de la
edad, la condición, el carácter mismo de los
personajes que entraban en escena. Esta convención
había pasado a la comedia palliata de los romanos.
Las condiciones escénicas romanas se basaban en las
griegas.
Las máscaras cubrían toda la cabeza del actor y el
cabello de la máscara se coloreaba para adecuarlo al
papel.
El viejo llevaba cabello gris o parcialmente calvo.
El joven cabello oscuro.
Los esclavos el cabello rojo.
El vestido carece relativamente de importancia en la
Comedia Nueva, pero se nos hace más presente en
Plauto que en Terencio o Menandro.
Plauto, como nativo de Italia, está consciente de que
sus personajes se visten como griegos.
Los esclavos llevan pantuflas como los hombres libres.
Los jóvenes y muchachas visten sandalias, que se
hacen sacar cuando van a reclinarse en un lecho.
En la fábula atelana y en el mimo tenían cada uno su
estilo distintivo propio. La primera se caracterizaba
por máscaras tradicionales. El mimo se caracterizaba
porque su actor típico llevaba los pies descalzos.
CAMBIO DE ESCENA Y CAMBIO DE ESCENIFICACIÓN:
LA CUESTIÓN DE LAS ESCENOGRAFÍAS
Las obras de Plauto y Terencio fueron escritas para
darse al aire libre, en un teatro sin telón.
El principio común del primero consiste en que la casa
de los actores, llamada también skené o edificio
escénico permanente, sufría una adaptación especial
según la necesidad de cada obra. El principio del
segundo grupo es que el edificio escénico permanente
estaba oculto por “escenografías”.
Agatarco pintó un dibujo arquitectónico en
perspectiva sobre el fondo plano. Aparentemente lo
que hizo fue pintar el frente del edificio escénico para
darle un efecto decorativo y arquitectónico,
suficientemente dignificado como para servir de fondo
permanente para representaciones dramáticas de
todas clases.
Aparentemente la finalidad de la skené era albergar a
los tres actores, y la tarea de Agatarco consistió en
decorar el frente de ésta. A partir de entones todo
drama griego se representó ante un fondo
permanente, el frente del edificio escénico, con sus
tres puertas.
Los griegos se sentaban en teatro a cielo abierto; si
apartaban la vista de los actores podían contemplar
una escenificación natural, producida por la luz solar,
que era un verdadero espectáculo.
Pickard Cambridge decía que había escenografías
para cada tipo de escena, fácilmente transportables y
que los peones del teatro podían ponerlas en posición
abiertamente en presencia de los espectadores, sin
herir su susceptibilidad.
Las puertas tenían que sufrir en la comedia romana
una buena cantidad de golpes y puntapiés.
Si los fragmentos de sus obras y las versiones que
realizaron Plauto y Terencio pueden servir de guía, la
puesta en escena normal de la Comedia Nueva
consiste en una parte de una calle, que corre frete a
una, dos o tres casas.
El edificio escénico y sus puertas son la realidad
permanente; en verdad, el prólogo de Menaechini
muestra que la misma escenificación sirve para una
obra detrás de otra.
Lejos de realizar tentativa alguna de adaptar el fondo
visible a la escenificación imaginada, era ésta lo que
se adaptaba al fondo permanente. Donde el fondo
ayudaba, se hacía buen uso de él; en caso contrario,
había que ignorarlo. Pero a medida que el público se
tornaba más refinado fue cada vez más difícil no
tenerlo en cuenta, y el resultado se ve en la Comedia
Nueva, con su escenificación estereotipada.
LA ESCENIFICACIÓN DE ESCENAS “INTERIORES”:
¿THYROMATA O PROTHYRA?
Suponen algunos autores que se hacían
ordenamientos especiales para presentación de
ciertas escenas que en la vida real ocurrían
probablemente puertas adentro. Las dos alternativas
posibles son:
1-Tales escenas se desarrollaban en la puerta o a
corta distancia dentro de la puerta. Las puertas
del fondo de la escena eran anchas, llamados
thyromata (según Bieber eran anchas aberturas
en las cuales se colocaban teloncitos y otros
decorados o que, si se las dejaba abiertas, servían
para mostrar escenas interiores).
2-Se desarrollaban frente a las puertas de la casa,
pero dentro de los llamados prothyra (Pórticos
abiertos destacados, cuyos techos se apoyaban
en columnas).
Estas dos alternativas se oponen entre sí.
Las dos teorías tienen en común que limitan al actor a
un espacio cerrado, donde sus movimientos deben ser
necesariamente menos libres, sus gestos menos
visibles y sus palabras menos audibles que si
estuviera a escenario abierto. Para contrabalancear
estas desventajas, se hacen dos afirmaciones:
1.que las escenas íntimas resultaban más
convincentes si se las disponía dentro de un
edificio.
2.que es más fácil comprender los casos en que un
personaje no es visto por otros, si suponemos que
aquél estaba oculto dentro de una puerta o un
pórtico sobresaliente.
Los espectadores deben confiar en el informe del
actor que espía a través de ella, tal como están
acostumbrados a que el actor que se encuentra en
escena les avise cuando alguien está a punto de llegar
por una de las entradas laterales.
La teoría del prothyron se derrumba desde el
comienzo. Un pórtico sería irrelevante para el
esquema arquitectónico de Teoprópides.
LAS PUERTAS QUE SE MUESTRAN EN EL ESCENARIO
Además de las entradas laterales (que permanecían
abiertas durante toda la representación), había tres
puertas practicables, en el fondo permanente,
ubicadas sin que estorbaran pero visibles en la pared
del edificio escénico, y que ésas eran las puertas
utilizadas por los actores para las finalidades de la
obra.
En la comedia, la escenificación habitual requiere de
dos puertas, pero unas pocas obras precisan tres y
algunas sólo una. Ninguna comedia necesita más de
tres puertas.
DIDASCALIAS
Anotaciones del autor, “sale por la izquierda” ejemplo.
Son posteriores a la edad media.
Anotadas por los copistas.
PRÓLOGOS
El prólogo estaba vestido, era un personaje de la obra.
Cuando no representaba un personaje, no llevaba
máscara. Si era un personaje de la obra y decía lo que
dice en el prólogo sí llevaba máscara porque después
de eso tenía que actuar ese personaje.
Gran importancia en los textos antiguos.
Nos informan sobre las condiciones escénicas, la
puesta en escena.
EXPOSITIVOS
Cuentan el argumento básico de la comedia.
Los de Plauto siempre son así.
Los de Eurípides también eran expositivos.
Para un público inquieto.
No todas las comedias tenían prólogo.
Lo carnavalesco de la comedia era que hacía una
inversión de la realidad.
LOS PRÓLOGOS LATINOS Y SU VALOR COMO
DOCUMENTOS PARA EL ESTUDIO DE LAS
CONDICIONES ESCÉNICAS (La escena romana)
El origen de los prólogos plautinos no es tan claro.
Casi ninguno de los plautinos nos permite afirmar
positivamente la presencia de referencias
contemporáneas demostrativas de la redacción por su
propia mano.
Pertenecen a un período en que el teatro estaba
activo y son anteriores a la época en que los editores
establecieron el texto para ofrecerlo a público lector.
Tenemos muy poca documentación directa respecto
de los prólogos de la Comedia Nueva griega.
Los prólogos plautinos tienen un aire jovial. Quien los
pronuncia acepta a sus oyentes tales como son. Se
propone darles lo que ellos quieren.
En algunas ocasiones era más adecuado no empezar
con un prólogo, sino que ir a la escena plena de
vivacidad y efecto.
Para los romanos el teatro era esencialmente un lugar
de entretenimiento; esperaban que la comedia los
divirtiera.
Los prólogos plautinos tenían por finalidad divertir, y
no siempre hay que tomarlos literalmente.
En Roma se llevaban a cabo los festivales dramáticos.
Todos los ludi estaban a cargo de los magistrados que
presidían u otras personas adineradas y la entrada era
libre para toda la población.
En la escena latina aumentó hasta tal punto el
elemento musical que resulta difícil concebirlo.
Había servidores del teatro. Pregonero: puede haber
sido requerido a veces para pedir silencio al comienzo
de una representación. Dessignator: indicaba a la
gente su asiento. Conquistores: vigilaban que se
mantuviera el orden, pero quizá éste no fuera un
cargo regular.
Con el curso del tiempo se necesitaron hombres para
operar el telón; a éstos les daban la señal los que
controlaban el tiempo, scabillarii, golpeando en el piso
con sus zapatos de madera, especialmente diseñados.

PLAUTO EL SOLDADO FANFARRÓN


TIPOS DE PERSONAJES
Soldado fanfarrón. (Soldado, mercenario o militar).
Servus callidus. (Esclavo inteligente) Organiza el plan
para que su amo cumpla el objetivo deseado. Su
objetivo es conseguir la libertad.
Parásito. (Es el glotón). Vive de halagar a las personas
para así conseguir comida. Tiene un hambre voraz. No
interviene en el desarrollo de la trama. Es un cómico
autónomo.
Sénex (anciano). Es un hombre libre.
Servus currens (esclavo tonto). Causa gracia.
Puela (joven mujer).
Adulescens (joven hombre).
Cortesana.
Servus (esclavo en general).
Criada.
Cocinero.
Condiciones escénicas de la comedia palliata
Característica principal: inspiración en obras griegas.
Las condiciones escénicas latinas eran muy distintas a
las griegas porque no existía un momento de total
silencio para escuchar la obra debido a que estas
sucedían en el contexto de los ludi romani, que eran
juegos públicos celebrados en beneficio y para el
entretenimiento del pueblo romano.
Los actores debían lidiar con una constante circulación
y el ruido provocado por los otros Ludi (circenses,
venationes). Debían pedir silencio constantemente y
aclarar la trama y los personajes al público, ya que
este se renovaba todo el tiempo o no podía
comprender debido al ruido.
En aquella época no existía el telón, es decir, el
público no sabía cuándo terminaba la obra y es por
eso que eran los actores quienes pedían los aplausos
al finalizar.
DATOS ADICIONALES
En el siglo 15 se crea la imprenta.
ARGUMENTOS--------no son escritos por los escritores.
PERSONAJES----------tampoco estaban en el manuscrito
original.
Los siervos al final pedían que aplaudan.
Existían los aplaudidores, era un oficio.
Había “ediles”. Como ahora un concejal.