Historia Del Teatro Venezolano

Mucho antes de que la tradición hispánica teatral llegara a Venezuela con el

proceso de conquista y colonización, ya los indígenas que poblaban lo que
actualmente corresponde a nuestro territorio desarrollaron algunas
manifestaciones proto-teatrales o teatrales rudimentarias, tales como pantomimas
y la representación simbólica de los fenómenos naturales. Para los mukus y
jiraharas estas representaciones funcionaban como medios de cohesión espiritual
y recurso educativo, para lo cual construyeron estructuras físicas especialmente
diseñadas para su celebración: suerte de tinglados donde sólo hombres lograban
encarnar una historia, dialogando, narrando, cantando y gesticulando. Un ejemplo
de estas celebraciones, lo tenemos en La Fiesta de la Tura, fiesta ritual de los
arahuacos, ayamanes y gayones de la región limítrofe de los actuales estados
Lara y Falcón, la cual consistía en pantomimas relativas a los períodos de la
siembra y la cosecha. El teatro hispánico poco a poco fue introduciéndose en la
venezolana colonial. En tal sentido, del 28 de junio de 1600 es la primera licencia
conocida que permite la representación en Caracas de una comedia el día de
Santiago Apóstol, actividad que paulatinamente se irá extendiendo hasta finales
del siglo XVII y tomará mayor impulso en el siglo XVIII hasta la actualidad.

Concepto de Teatro

Se denomina teatro a la rama del arte escénico, relacionado con la

actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una
combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es
también el género literario que comprende las obras concebidas en un escenario,
ante un público. En adición a la narrativa común, el estilo de diálogo, el teatro
también toma otras formas como la ópera, el ballet, el mimo, el teatro kabuki, la
ópera china y la pantomima. Se llama también teatro al edificio destinado a la
representación de estas obras dramáticas o a otros espectáculos escénicos. El
término teatro proviene del griego Theatrón (lugar para contemplar).
Concepto de teatro Venezolano

Es la Forma creativa de comunicación que ha estado presente en todas las

civilizaciones. Entendido como arte, el teatro puede enfocarse desde dos puntos
de vista: como obra literaria, y en este aspecto su estudio corresponde al ámbito
de la literatura, y como obra escénica. En este último sentido, el teatro reúne una
gran variedad de medios de expresión artística, como son el texto, la voz, la
dicción, el gesto, la danza, el movimiento y la escenografía. El teatro en Venezuela
es, pues, de raigambre hispánica y Europea. Conviene cuidarse, por otra parte, el
evidente anacronismo que supone hablar de manifestaciones durante los tres
siglos que duró el domino español en tierras venezolanas. En todo el ámbito
colonial español, los espectáculos de esta índole estuvieron sometidos a una
férrea censura eclesiástica y civil, tanto como la circulación de letra impresa, o
incluso más que ésta. Además, en el caso de Venezuela, provincia alejada de los
principales intereses del imperio español, la transmisión y las actividades
culturales no fueron fomentadas por las actividades culturales no fueron
fomentadas por las autoridades peninsulares. Las primeras representaciones
teatrales con base en textos dramáticos de autores venezolanos tuvieron lugar en
Caracas a partir de 1804. En este año se estrenó en la capital Venezuela
consolada, de Andrés Bello, que puede considerarse la primera obra dramática
escrita por un venezolano. Cuatro años más tarde con la llegada de la imprenta a
la provincia, comenzó la edición de obras dramatúrgicas. Se trataba de textos de
autores españoles marcados por el sello del costumbrismo, en la mayoría de los
caso comedias cuyos personajes y situaciones reflejaban diversas facetas de la
realidad peninsular. En tanto que instituciones sociales, la novedad de estas
actividades proviene del hacho de que el teatro comenzara entonces a recibir
muestras de reconocimiento por parte de las autoridades.
Tipos de teatro

 Teatro occidental: Aunque los orígenes del teatro occidental sean

desconocidos, la mayor parte de las teorías lo sitúan en ciertos ritos y
prácticas religiosas de la antigüedad; aún hoy día ese tipo de rituales sigue
cargado de elementos teatrales. Las diferentes teorías atribuyen los
orígenes a múltiples prácticas: ritos antiguos de fertilidad, celebración de la
cosecha, chamanismo y otras fuentes similares.
 Teatro clásico: Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la
tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos
primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un
espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto
eran más apropiadas para un público infantil. El primer periodo en teoría
teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro de las
civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están
escritas en las lenguas clásicas, griego o latín.
 Teatro medieval: Irónicamente, el teatro en forma de drama litúrgico
renació en Europa en el seno de la Iglesia católica romana. Con idea de
extender su influencia, la Iglesia católica adoptó con frecuencia festivales
que tenían un marcado carácter pagano y popular, muchos de los cuales
tenían elementos teatrales. En el siglo X, los diferentes ritos eclesiales
ofrecían posibilidades de representación dramática; de hecho, la misa
misma no estaba lejos de ser un drama. Algunas festividades se celebraban
con actividades teatrales, como las procesiones del Domingo de Ramos.
Las antífonas, responsos, salmos, motetes y horas canónicas sugerían un
diálogo. En el siglo IX, los adornos antifonales, conocidos como tropos,
fueron añadidos a los complejos elementos musicales de la misa. Un tropo
pascual de tres versos con un diálogo entre las tres Marías y los ángeles en
la tumba de Cristo se considera desde el 925 el origen del drama litúrgico.
Para el 970 ya existía un manual de acotaciones para esta pequeña obra,
incluyendo elementos de vestuario y gestos físicos. Teatro del renacimiento
La música del teatro renacentista Los creadores e intelectuales del
 renacimiento intentaron restaurar los ideales artísticos de la antigüedad
clásica. El espíritu de la época se reflejó en las canciones profanas y en la
música cortesana, que pasaron a integrarse en la vida del arte y de las
letras. El dramaturgo inglés William Shakespeare utilizó canciones y
baladas populares en sus obras y sus propios versos inspiraron a
numerosos compositores de canciones y de música orquestal para teatro.
"Greensleeves" de Shakespeare El renacimiento empezó en diferentes
momentos dependiendo del lugar de Europa y no fue nunca un cambio
repentino sino un lento proceso de evolución en las ideas y valores de la
época. En el teatro, supuso un intento de recrear el drama clásico. Como
los métodos de producción y representación clásicos no se conocían
perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva
con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente
como neoclasicismo. Teatro del siglo XVIII El teatro del siglo XVIII era,
básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba
dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su
estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus
gustos y adecuar las obras a sus características. Este tipo de obras se
conocía bajo los nombres de drama doméstico o drama sentimental.
 Teatro del siglo XIX: A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas
fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a
principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
 Teatro romántico: En su forma más pura, el romanticismo proponía en el
plano espiritual que la humanidad debía trascender las limitaciones del
mundo físico y el cuerpo alcanzar la verdad ideal. La temática se extraía de
la naturaleza y del hombre natural Los románticos se centraron más en el
sentimiento que en la razón, sacaron sus ejemplos del estudio del mundo
real más que del ideal, y glorificaron la idea de artista como genio loco
liberado de las reglas. Así, el romanticismo dio lugar a una amplia literatura
y producción dramáticas que con frecuencia ignoraba cualquier tipo de
disciplina. El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas
 medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya
sean éstas virtuosas o viciosas. Melodrama Las mismas fuerzas que
condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas
populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático
más arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo
ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque
aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a
vías de tren. Sin embargo, es incuestionable que representa la forma más
popular de teatro jamás producida. Provee un vehículo para los efectos
escénicos más espectaculares, así como para una interpretación efectista.
Del mismo modo asienta las bases para la fórmula teatral más extendida
hoy día: la televisión. La palabra melodrama tiene dos significados:
combinación de comedia y tragedia (mezcla de géneros), y un drama
acompañado de música. Esta última definición puede aplicarse fácilmente a
la mayoría de películas y producciones televisivas, en las que los
personajes son identificados a través de la temática, y las emociones del
público manipuladas a través de la música. Teatro del siglo Desde el
renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un
realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado
ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción anti realista en diversos
niveles irrumpió en el mundo de la escena.
 Teatro simbolista: El primero en adoptar las ideas de Wagner fue el
movimiento simbolista en Francia en la década de 1880. Los simbolistas
hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en
desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo
XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la
interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil
interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en
general lento y semejante a un sueño. La intención era provocar una
respuesta inconsciente más que intelectual, y retratar los aspectos no
racionales del personaje y los episodios en escena.
  Teatro expresionista: El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las
dos primeras décadas del siglo **, principalmente en Alemania. Exploraba
los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un
mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico,
el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un
uso sugerente de la luz y la sombra.
 Teatro contemporáneo: Aunque el realismo puro dejó de dominar la
escena popular después de la I Guerra Mundial, el teatro realista continuó
vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el
objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin
recursos dramáticos y escénicos no realistas. El teatro europeo no se
hallaba tan mediatizado por el realismo psicológico y su preocupación se
centraba más en los juegos de ideas.

Características del teatro

Constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte
indisoluble. Esos elementos, no obstante, poseen cada uno características y leyes
propias y, en función de la época, de la personalidad del director o de otras
circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otros mayor relevancia dentro
del conjunto Cuenta con las siguientes características básicas:

 Los autores dramáticos deben contar una historia en un lapso de tiempo

bastante limitado, con lo que no se pueden permitir demoras innecesarias.
 El hilo argumental debe captar la atención del público durante toda la
representación. El recurso fundamental para conseguirlo consiste en
establecer, cada cierto tiempo, un momento culminante o clímax que vaya
encaminando la historia hacia el desenlace.
 El teatro es una mezcla de recursos lingüísticos y espectaculares, o lo que
es lo mismo, el texto literario se suma, como un elemento más, a los
elementos escénicos pertinentes para conseguir un espectáculo completo.
 Aunque podamos leer una obra de teatro, los personajes que intervienen en
ella han sido concebidos por el autor para ser encarnados por actores sobre
un escenario.
 La acción se ve determinada por el diálogo y, a través de él, se establece el
conflicto central de la obra.

Tensión dramática

Es la reacción que se produce en el espectador ante los acontecimientos que

están ocurriendo en la obra. Los autores buscan el interés del público mediante
la inclusión No es fácil el tratamiento del tiempo en una obra dramática, ya que
ésta se desarrolla ante los ojos del espectador y las posibilidades que ofrece
una novela, por ejemplo, son prácticamente infinitas en comparación con una
obra teatral. Hemos de tener en cuenta que, por un lado, está el tiempo de la
representación, es decir, lo que dura la obra teatral (dos o tres horas,
habitualmente).

Presentación

En las representaciones teatrales, es el arte de presentar una obra, hacerla

con propiedad y con la mayor perfección.

Clímax

Es Momento de máxima tensión y, por tanto, de mayor interés en una obra

dramática, a partir del cual comienza a decaer la tensión acumulada, pues se
resuelven los problemas y la acción conduce al desenlace. El clímax suele
coincidir con el nudo o con la parte más complicada de éste.

Desenlace

Es resolver la trama de una obra dramática, narrativa o cinematográfica, hasta

llegar a su final.
El lenguaje dramático

Diálogo

Es el único medio que presenta el texto teatral. La intervención de cada

personaje viene antecedida de su nombre, pero no aparecería en la
representación. Todas las posibilidades expresivas y figuras literarias se
reducen a él. Mediante el diálogo se debe analizar el conflicto dramático y el
carácter y actitud de los personajes.

Monólogo

Es el discurso que un personaje, normalmente solo sobre el escenario,

pronuncia para sí mismo a modo de pensamiento o reflexión, aunque en
realidad el receptor último es el público. Suele tener un carácter lírico y
reflexivo y una extensión considerable. Hoy en día el término monólogo se ha
puesto de moda gracias a las intervenciones que ciertos humoristas realizan
sobre un escenario ante el público.

Aparte

Es el momento, un personaje, apartándose del resto o desviando su mirada,

puede hacer un comentario en voz alta, destinado al público, que no es oído
por el resto de personajes. Este recurso se denomina aparte. Mediante los
apartes los personajes realizan reflexiones en voz alta, hacen comentarios
malintencionados o declaran un pensamiento que puede ser de utilidad para el
desarrollo de la acción. La finalidad de los apartes es la de informar al público.

Acotaciones

Se trata de aclaraciones que el autor de la obra teatral realiza sobre cómo

debe ser el decorado, cómo se tienen que mover los personajes, qué gestos
deben hacer. Son orientaciones que intentan clarificar la comprensión de la
obra, por lo cual, aunque aparezcan ante nuestros ojos cuando leemos una
 obra dramática (normalmente entre paréntesis o con letra cursiva), no pueden
ser pronunciadas durante una representación.

Partes de la obra teatral

Actos: Es Cada una de las partes principales en que se pueden dividir las
obras escénicas.

Cuadros: En la obra dramática y otros espectáculos teatrales, agrupación de

personajes que durante algunos momentos permanecen en determinada
actitud a vista del público.

Escena: Sitio o parte del teatro en que se representa o ejecuta la obra

dramática o cualquier otro espectáculo teatral. Comprende el espacio en que
se figura el lugar de la acción a la vista del público.

Tipos De Obras Dramáticas

Obras extensas.

 Tragedia: Obra en la que se representan acciones extraordinarias que

producen en el espectador asombro, terror o compasión. Su desenlace
siempre es desgraciado. Hamlet, de William Shakespeare.
 Comedia: Refleja la vida humana desde un punto de vista alegre. Produce
risa en los espectadores. Siempre acaba bien. La dama boba, de Lope de
Vega.
 Drama: Es una mezcla de comedia y tragedia. El desenlace puede ser feliz
o desgraciado. La vida es sueño, de Calderón de la Barca.

Obras breves.

 Entremés: Obra corta que se representaba en los descansos de una obra

larga. Al final del entremés, a veces, se explicaba algo de la obra principal que
empezaba a continuación. El retablo de las maravillas, de Miguel de Cervantes.
 Sainete: Obra sencilla y graciosa que presenta costumbres de personajes
populares. La venganza de la Petra, de Carlos Arniches. Obras musicales.
 Ópera: Una obra de larga duración y totalmente cantada. Puede ser trágica,
cómica o dramática.

La Traviata, de Giuseppe Verdi.

 Zarzuela: Es una obra musical típicamente española. Tiene escenas

cantadas y escenas dialogadas. Los ambientes y los personajes suelen ser
populares. La rosa del azafrán, de Jacinto Guerrero.

Protagonista

Es el personaje principal, el más importante. Es quien representa a una de las

fuerzas que normalmente existen en la obra dramática, y que se encuentran en
conflicto. Lo común es que el protagonista siempre trate de buscar la solución del
conflicto de buena manera. Es un personaje con el cual el lector o el público se
identifican; al leer o al presenciar la obra "solidariza" con él, se pone de su lado.