Está en la página 1de 5

RENACIMIENTO para final:

01 Dufay: kyrie “missa l´homme armé”


Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron
la misa y el motete.
La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y
Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al basarse en material preexistente.
Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:
Misa de cantus firmus Típica de siglo XV
Misa Parodia o de imitación. Más frecuente en el siglo XVI
Guillaume Dufay ( 1397 1474) fue un compositor franco-flamenco de la
primera generación de músicos del Renacimiento. Claramente vinculado al
lenguaje modal.
Su misa “l’homme armé” es una misa de tenor o de cantus firmus
Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien
procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular,
y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces
son creadas “ex novo” es decir totalmente nuevas, realizadas por el
compositor, completando una textura generalmente a cuatro voces. La misa de
cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables
misas basadas en la canción L'homme armé [El hombre armado]

02 Ockeghem, “Missa Prolationum”- Sanctus y Benedictus


Johannes Ockeghem [Bélgica c. 1410 – Tours, Francia 1497]
Fue el principal compositor de la segunda generación de la escuela franco-
flamenca. Se desempeñó en la Catedral de Amberes: donde fue Chantre –
Cantor-(maestro del coro) y luego en Paris, formando parte de la capilla real
de Carlos VII, Luis IX y Carlos VIII.
Su Missa Prolationum es un ciclo completamente canónico que utiliza lo que
se conoce como Canon de Proporciones o Canon Mensural, un tipo particular
de canon.
La traducción del título sería “misa de las prolaciones”, pues aprovecha las
distintas posibilidades que la notación mensural que la época posibilitaba, las
relaciones entre algunas figuras[relaciones que ellos denominaban “tempus y
prolación”], las cuales quedaban definidas por los signos de mensura,
equivalentes a los actuales signos de compás.
Ockeghem utiliza simultáneamente por pentagrama 2 signos de mensura y
dos claves, y hace que 2 voces lean la misma línea respetando cada una un
signo diferente, por lo tanto la imitación parte de un comienzo sincronizado,
pero, como, por los signos de mensura diferentes que rigen cada voz, las
duraciones que cada una debe leer son distintas, a medida que la obra se va
desarrollando, las voces se van desfasando entre sí.
Todos los números de esta misa son Cánones Mensurales, cambiando en
cada uno el intervalo de imitación .
El sanctus por ejemplo es un Doble Canon Mensural a la 6ta superior.

03 Josquin des Prez Misa “Malheur me bat” Kyrie, Gloria


Josquin des Prez 1440- 1521, Tercera generación de franco-Flamencos.
Nació en la frontera entre Francia y Bélgica. Se desempeñó en Italia.:Roma y
Milán y Francia. Compositor de Misas de cantus firmus y misas de imitación,
que incluyen cánones y diversos recursos contrapuntísticos, motetes, y
también música profana como Frottole y Chansons
Josquin compuso esta misa que ilustra un procedimiento que se hizo más
común durante el siglo XVI, llamado Misa de imitación. Esta misa se basa en
una Chanson de Ockeghem; pero en lugar de emplear como punto de partida
una sola voz de la chanson-como sería en el caso de las misas de cantus
firmus- aquí todas las voces de la Chanson se ven sujetas a una fantasía y
expansión libres, incluidos los motivos característicos de del modelo impregnan
la música de la misa, funcionando como un tributo creativo al original en el
que se basaba.
En vez de Misa de Imitación, algunos teóricos la han llamado Misa de
parodia, pero éste término debería aplicarse a algunos casos particulares.
La misa, que junto con el motete fueron las formas Mitúrgicas más
importantes durante el renacimiento, cubría el ciclo del ordinario (Kyrie,
Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei) y se le solía dotar de unidad al
basarse en material preexistente. Para ello se seguían dos procedimientos de
composición principales:
-Misa de cantus firmus, típica de siglo XV y
- la Misa de imitación. Que comenzó a sustituir a la misa de cantus firmus
como forma dominante hacia alrededor de 1520.

04 Josquin des Prez Frottola “El Grillo”


Josquin des Prez 1440- 1521, Tercera generación de franco-Flamencos.
Nació en la frontera entre Francia y Bélgica. Se desempeñó en Italia.:Roma y
Milán y Francia. Compositor de Misas de cantus firmus y misas de imitación,
que incluyen cánones y diversos recursos contrapuntísticos, motetes, y
también música profana como Frottole y Chansons
La Frottola Es una canciones estrófica, de contenido profano con musicalización
silábica, a cuatro voces, con esquemas rítmicos definidos, textura homofónica,
con armonías diatónicas sencillas, con la melodía en la voz superior.
Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho llegar
el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Esta música , aún con
su tendencia a la formación acórdica está concebida en el lenguaje modal.

05 Willaert Madrigal “O dolce vita mia”


Adrian Willaert [1490 1562] Flandes- París- Roma- Ferrara Milán-Iglesia San
Marcos de Venecia. Cuarta generación de franco-Flamencos.
Fue el flamenco de su generación más afectado por el humanismo y las
prácticas musicales italianas. Compuso música sacra y profana.
Fue el iniciador de la Escuela Veneciana .
Sus principales características: Mayor relación texto música y cuidado en la
ubicación del texto. Empleo de cadencias para los finales de sección. Su
música aún se basa en los modos antiguos.
El madrigal Italiano: Es el género profano más importante del siglo XVI.
Convirtió a Italia en el centro de la música europea. A pesar del mismo nombre
suena muy distinto al madrigal del Trecento. No es estrófico ni tiene estribillo o
ritornello.
En el madrigal renacentista se plasmaba minuciosamente la letra de un
poema breve. Su poesía era más elevada que la de la frottola, pudiendo
pertenecer a importantes poetas como Petrarca. De contenido sentimental o
erótico, la poesía era tratada de manera muy respetuosa por los
compositores.
Muy variado en texturas, a veces más tendientes a lo contrapuntístico, con
secciones imbricadas.

06 Orlando di Lasso, motete “Oculus non vidit”


Las formas litúrgicas más importantes durante el Renacimiento fueron la
misa y el motete.
El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín.
Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto asumió
una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en número cada
vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del XVI), con frases
musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. En el motete
el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar
préstamos ajenos como en la misa.
Orlando di Lasso o de Lassus 1532 – 1594: Principal representante de la 5ª
y última generación de compositores franco-flamencos
En Italia fue llamado así, ya que traducido significa “Orlando de allá arriba” ,
es decir de la montañosa Mons, Hainaut, Bélgica, donde nació. Trabajó en
Mantua, Milán, Sicilia, Nápoles, Roma, luego viaja a Francia y a Inglaterra.
Regresando a los países bajos y desde 1556 residió en Munich. Lasso compuso
más de 70 misas e innumerables motetes. También compuso música profana:
Villanelle y Madrigali italianos, Chansons francesas y Lieder alemanes
“Oculus non vidit” de Orlando di Lasso pertenece a un ciclo de 12 motetes a
dos voces o bicinias. Es una obra plagada de imitaciones y con una textura
totalmente contrapuntística, que muestra el último estadio del uso de los
modos griegos hacia el final del renacimiento.

07 Giovanni Gabrielli “Sonata Pianoforte”


Aunque el renacimiento fue primordialmente una era de la polifonía vocal en
cuanto a la música escrita, aumentó mucho el interés por la música
instrumental.
Giovanni Gabrielli 1557-1612, representante de la Escuela Veneciana,
sobrino de Andrea Gabrielli y, como él organista de San Marcos en Venecia,
escribió 7 sonatas para conjuntos instrumentales.
La sonata veneciana es el equivalente sacro de la Canzona. Está formada por
secciones, cada una basada en temas diferentes o en variantes.
Una de las innovaciones de Gabrielli, que se constata en esta Sonata es la
aplicación del concepto de música poli-coral. Esta sonata no es otra cosa que
un motete para 2 coros de instrumentos. Es una de las primeras partituras que
designa claramente los instrumentos que deben intervenir:
un grupo, formado por un cornetto [instrumento de madera, con boquilla tipo
copa] y 3 sacabuches [trombones primitivos]
el segundo grupo: un violín y 3 sacabuches.
Otra innovación de esta partitura es que indica Pian[o] cuando toca un
grupo solo y Forte cuando tocan los dos grupos juntos: es uno de los primeros
ejemplos de indicaciones escritas de dinámica musical.
Concebida aún desde el lenguaje modal, estas obras ya preanuncian las
sonoridades de los modos mayor y menor del futuro sistema tonal.
08 Giovanni Gabrielli “Ricercare Toccata”
Aunque el renacimiento fue primordialmente una era de la polifonía vocal en
cuanto a la música escrita, aumentó mucho el interés por la música
instrumental.
Giovanni Gabrielli 1557-1612, representante de la Escuela Veneciana,
sobrino de Andrea Gabrielli y, como él organista de San Marcos en Venecia, es
el autor de este Ricercare-Toccata para órgano:
Una Toccata va a ser una forma de carácter improvisatorio para teclado, por
lo general órgano, aprovechando la capacidad de este instrumento para
mantener algunos sonidos.
Un Ricercare es un tipo de preludio que va a incorporar secciones imitativas
similares a lo que ocurre en el motete para coro. Pero suele presentar
ornamentos más típicos de los instrumentos.
Esta obra de Gabrielli contempla características de ambos estilos. Se
advierte el inicio imitativo de las distintas voces en el comienzo de las
secciones y también alguna ornamentación.
También evidencia cierta tendencia los modos Mayor y menor que durante
el final del Renacimiento coexistieron con los antiguos modos eclesiásticos.

09 Palestrina “Missa Papae Marcello”- Credo


Giovanni Pierluigi da Palestrina 1525.1594
Principal representante de la escuela Romana, paralela a la última generación
de compositores Franco Flamencos como Orlando di Lasso.
Esta Corriente concretó las exigencias de la contrarreforma en materia de
música religiosa, a cappella.
Las características del estilo de Palestrina, uno de los últimos exponentes de la
música concebida a partir de los modos antiguos y que se pueden advertir en
esta obra son:
Independencia de las voces
Melodía cantable
Movimiento calmado
Armonía equilibrada
Muchas tríadas secundarias II, III y VI grados que dan carácter modal.
Prudente empleo de la disonancia.
Su nombre ha sido asociado por más de 400 años con la tranquila, clara y
perfecta polifonía. Su estilo se transmitió en los tratados de contrapunto de los
siglos posteriores, como el “Gradus ad Parnassum” escrito por Fux en el
Barroco

10 Clement Janequin “Le chant des oiseaux”


Es uno de los más representativos ejemplos de Chanson Francesa
Bajo el reinado del Francisco I [1515 -47 ] los compositores franceses
desarrollaron un estilo de canción más distintivamente nacional, tanto en su
poesía como en su música, llamada también Chanson Parisina.
Equivalentes a la frottola, pero con secciones bien diferenciadas y con
repeticiones de forma aabc o abca. El contenido del texto era muy variado,
canciones amatorias, con comentarios agradables y alusiones equivocas.
Clément Janequin [1485 1560] en esta chanson descriptiva introduce la
imitación de trinos de pájaros empleando distintas onomatopeyas que
demandan gran virtuosismo vocal.

11 Juan del Encina, Villancico “Hoy comamos”.


A la tradición española, de sencillez arcaizante en la escritura y la forma, se
suma, en el siglo XVI, en virtud de sus relaciones con los Paises Bajos, una
poderosa influencia franco-flamenca, pero sin la extremada técnica
contrapuntística de ésta.
Juan del Encina, muerto en 1529, es uno de los compositores más
importantes de este período.
El Villancico. Una forma típica de l género profano[ de villano: campesino]
tiene una forma particular de estribillo, con 3 versos abb; estrofa o copla cdcd
o cddc y un épodo abb. Escritura homofónica. Cadencias claras. Constrastantes
cambios de sonoridad por diferentes combinaciones de voces. Sencillez
melódica y ritmicamente sugiere cambios de compás, con sus típicas
hemiolas: en un determinado momento, se oye un compás de 3/2 en vez de
dos compases de 3/4

12 Michael Praetorius, Coral “Vater unser”


Entre las consecuencias de la Reforma, en Alemania la contribución musical
más importante de la iglesia luterana fue el coral.
El coral protestante es un género musical a cappella o con acompañamiento
instrumental generalmente a cuatro voces mixtas, introducido por la Iglesia
Luterana en el siglo XVI para ser usado en las ceremonias religiosas.
Es un canto sacro adoptado por Lutero para ser cantado por la congregación.
La melodía es armonizada generalmente de manera sencilla a cuatro partes.
Esta melodía principal se ubica en la voz superior. El texto se canta en alemán,
no en latín. Las melodías de los corales pueden ser nuevas o estar basadas en
cantos conocidos, que serán sucesivamente rearmonizados de manera diversa
por distintos compositores.
Los compositores de corales de comienzos de la Reforma habían tratado de
conservar intactas las palabras y la melodía del coral. Hacia fines del siglo XVI
cambió esta postura: Guiados por el ejemplo de Lasso, los compositores
protestantes alemanes comenzaron a emplear melodías tradicionales como
material básico para la creación artística libre, a la cual añadían su
interpretación individual y detalles descriptivos. A estas nuevas composiciones
se las denominarán motetes-corales. Vater Unser [Padre Nuestro] fue
compuesto por Michael Pretorius 1571-1621, importante compositor y
organista alemán.

También podría gustarte