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UNIVERSIDAD DE MAR

ESCUELA DE CIENCIAS SOCIALES

FACULTAD DE PSICOLOGÍA

LENGUAJE Y EXPRESIÓN

EL CANTO

PALOMA GONZALEZ MORA

09 de agosto 2002

La voz.

El arte de cantar

La Voz

Parte 1: "La clasificación de la voz"

La voz es el único instrumento musical connatural al hombre. Su

clasificación ha sido, es, y será siempre materia de encendidas

discusiones. No existen dos teóricos que estén de acuerdo ni siquiera en

lo que podría llamarse su extensión normal. En realidad, las diferentes

ordenaciones varían de una escuela a otra, y en la mayoría de las

ocasiones se tiene más en cuenta el carácter del personaje que se va a

cantar que la extensión vocal del cantante. En Francia, por ejemplo, esta

es la regla inconmovible. Además, no hay que olvidar que casi ningún

compositor ha calificado las voces en sus partituras, limitándose

únicamente a señalar su esencia: soprano, tenor, contralto, etc. Sólo hay

una clasificación válida e indiscutible: la que divide a las voces según

su género en dos grandes grupos: femeninas y masculinas. Partiendo de un

criterio tan sencillo, intentaremos ordenarlas.

La voz femenina

• Soprano: es la voz más aguda y suele dividirse en los siguientes tipos:

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Ligera: si bien el volumen no tiene tanta importancia como en otros tipos

de soprano, su extensión es la más amplia; voz idónea para realizar todo

tipo de virtuosismos vocales, como son los ornamentos y adornos diversos.

Doubrette: muy parecida a la anterior, aunque su timbre y tesitura suelen

ser más graves.

Lírico − ligera: voz intermedia capacitada para acometer gran parte de los

papeles de sopranos ligeras y líricas.

Lírica: más expresiva y con mayor volumen que las ligeras, no tiene, sin

embargo, agudos tan firmes.

Lírico − spinto: supera en potencia y expresión a la lírica.

Dramática: posee unos graves más ricos que la lírico − spinto y el timbre

es también más poderoso; cuando puede cantar ornamentos, se le suele

llamar soprano dramática con agilidades.

Falcon: voz intermedia entre soprano dramática y mezzosoprano, casi

equivalente a la mezzo ligera.

• Mezzosoprano: de timbre rotundo y bastante más grave que el de la soprano,

puede acometer agilidades muy complicadas. Suele dividirse en dos grupos:

Mezzo ligera: casi equivalente a la soprano dramática con agilidades y a

la soprano falcon; debe estar capacitada para resolver agilidades

auténticamente virtuosistas.

Mezzo dramática: casi equiparable a la soprano dramática, aunque sus

graves son mucho más ricos y potentes.

• Contralto: es la voz femenina más grave. De singular rareza, supera a la

mezzo dramática en la potencia de sus graves. A veces puede hacer

agilidades. En Alemania, país donde más se ha subdividido y estudiado la

clasificación de la voz, se suele distinguir la contralto cómica, con

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capacidad para cantar ornamentos (conocida en otra época en Italia como

contralto buffa) de la dramática.

La voz masculina

• Tenor: es la voz masculina más aguda. Se puede dividir en:

Ligero: voz muy ágil capacitada para una perfecta vocalización y para

entonar agilidades.

Cómico: equiparable al anterior. En Francia también se le conoce como

tenor trial.

Lírico: de mayor potencia y firmeza en la proyección de la voz que los

tipos anteriores.

Lírico − spinto: de mayor potencia y expresión que el tenor lírico. Cuenta

con el repertorio más amplio de eta cuerda.

Dramático: de gran potencia en la octava central y en los graves; pobre en

los agudos.

• Barítono: voz más grave y aterciopelada que la de los tenores, casi nunca

cuenta con agilidades.

Ligero o cantante: voz atenorada en los agudos; graves no muy potentes.

Buffo: muy parecido al anterior.

Bajo Verdi: característico en las óperas maduras de Verdi. Debe poseer

agudos brillantes y graves aterciopelados.

Barítono − Bajo: voz de color oscuro que, sin embargo, puede emitir agudos

brillantes. En Alemania, además, se considera como un tipo aparte el

llamado bassbariton.

• Bajo: es la voz masculina más grave. En determinados papeles cómicos tiene

que acometer agilidades más bien difíciles.

Cantante: además de poseer un timbre relativamente ligero, debe resolver

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agilidades.

Helden: equivalente al barítono bajo.

Profundo: octava grave muy rica, agudos firmes.

Caractère y Hoher: tipos de voces que no se usan fuera de los repertorios

francés y alemán. El primero está cercano al cantante y el segundo es un

profundo corto.

Notas sobre las distintas escuelas de canto

Los diferentes estilos o formas de cantar marcan tanto a los intérpretes

como a sus dotes innatas. Esta verdad de Perogrullo siempre hay que

tenerla presente en la misma medida que el origen, la lengua materna y,

sobre todo, el país donde un cantante aprende a usar su voz. La primera

escuela en importancia y también la más antigua es indudablemente la

italiana. Contando con un idioma de sonidos claros, abiertos, como es el

italiano, sus profesores siempre han dado la supremacía a la consecución

de una línea vocal brillante y bien ligada, en la que la belleza del

timbre y la potencia de la voz predominan sobre la compresión de los

textos, a los que, por otra parte, pocos cantantes educados en Italia han

dado todo su valor expresivo. España sigue muy de cerca estas pautas; raro

es el cantante de nuestro país al que se le entiende lo que canta, bien

sea en el campo operístico o en la música popular. Por otro lado, Francia,

con una lengua eminentemente nasal, cuida al máximo la expresión de las

letras, a veces incluso en detrimento de una buena emisión. Es la escuela

de los matices, de las medias tintas casi acuarelísticas. Raro es el

cantante galo al que no se le entiende lo que canta. En contrapartida,

singular es también aquél cuyo timbre alcanza las alturas de belleza

conseguidas con mucha mayor facilidad por un español o un italiano.

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Alemania, con un caso muy parecido al de Francia, tiene que hacerle frente

a un idioma gutural y a él supedita casi todas las técnicas vocales. Hasta

qué punto es básico el no olvidar nunca la lengua en que se canta, nos lo

prueba uno de los defectos más criticados en un cantante meridional. Nos

referimos al entubamiento. Entre los germanos es casi una característica

natural de sus intérpretes, debido precisamente al idioma y al uso de las

cavidades de la garganta y de la cabeza, al contrario de los italianos

que, en su lugar, emplean las frontales del rostro o máscara, además de su

luminosa lengua. La escuela inglesa sigue a la alemana, aunque también ha

incorporado diversos métodos galos o italianos.

Quizá sea la norteamericana la que haya logrado la mejor síntesis de estas

tres grandes instituciones, haciendo realidad, por una vez, la famosa y

sobrada frase de que su tierra es crisol de culturas diversas. Las

escuelas eslavas, por otra parte, tan ricas en el manejo y emisión de las

voces graves, muestran una espantosa tendencia a no saber controlar la

emisión de sonidos agudos, casi todos desfigurados por un marcado trémolo,

principalmente en las cuerdas de soprano y tenor. No debe descartarse

tampoco la impronta que sobre estas características ejercen las diversas

lenguas del este de Europa.

El Arte del canto. ¿Qué es cantar?

El canto es una forma de utilizar la voz humana que exige un

funcionamiento especial de los órganos de la formación, en relación, por

otra parte, con la sensibilidad auditiva. Así, pues, se aprende a "cantar"

imponiéndose una gimnasia vocal particular, controlando los músculos que

intervienen en la producción de los sonidos, la respiración, etc. Ese

aprendizaje puede hacerse espontáneamente, por imitación, en un medio

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social determinado (como es el caso del canto "popular" o "folklórico" y,

de una manera más general, el de la etnomúsica vocal), o por una especie

de adiestramiento, acústico o tónico, en una escuela de canto, según

convenciones muy definidas, y diferentes según los lugares y las épocas.

No se les enseña a cantar del mismo modo a un muecín, a un chantre de la

iglesia romana y a una diva de la ópera de Milán.

En lo que se refiere a su estructura, los órganos de la fonación son

iguales en el hombre que en la mujer, sólo difieren por sus dimensiones

(cuerdas vocales más largas y más sólidas en el hombre que en la mujer;

diferente volumen de las cavidades de resonancia, etc.) Por término medio,

entre adultos, las voces de mujer están a una octava más alta que las de

hombres.

La clasificación de la voz humana se hace en función de los límites entre

los que una voz se mueve sin dificultad (es lo que se llama tesitura;

tenor, barítono, bajo, etc.), de las calidades de timbre (el registro: voz

de pecho, voz de cabeza) y cualidades más específicas (tenor lírico, tenor

dramático, bajo cantante, bajo profundo, etc.)

Hay que añadir que el canto puede practicarse en solo o a varias voces

(dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto y coros). En este último caso se

dice que las voces cantan al unísono cuando todas ellas (voces = partes)

cantan la misma melodía, en el mismo tono, con las mismas notas, etc., en

caso contrario es un canto a varias voces. El canto a varias voces se

divide a su vez en homofónico (todas las voces quedan subordinadas a una

voz principal) y polifónico (cada voz es independiente de las otras).

Finalmente, el canto puede ser a cappella, es decir, sin acompañamiento

instrumental, o acompañado (por uno o varios instrumentos).

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La voz − Su clasificación

1 − Introducción

La voz no es igual para todas las personas, así pues no puede participar

con sus mismas cualidades. La voz es una de las expresiones humanas en

donde más se pone de manifiesto las características del indivíduo,

englobándose en ellas tanto las constitucionales, anatómicas como

anímicas.

Es en el canto, donde las características de la voz, como son el timbre,

tono e intensidad se ponen de manifiesto y determinan las diferencias de

cualidad, que esperamos hallar en la voz cantada.

Debemos entender, que una voz no puede servir para interpretar toda la

música existente, toda voz tiene y debe ser conocedora de sus

limitaciones.

La clasificación de la voz, sirve para que se obtenga de un modo óptimo

sus posibilidades en la interpretación, evitando el esfuerzo muscular

impropio, que terminaría dañando la laringe.

2 − Carácter agudo y grave de la voz. Su importancia

Una voz con un caracter grave tiene una gran sonoridad y si el cantante

quiere encuadrarla como aguda o así se la ha clasificado, aumentan las

posibilidades de producir lesiones en las cuerdas vocales citando como

ejemplos: núdulos, pequeños edemas, zonas de induración y otras lesiones

dentro de este tipo de patología laríngea,que lesiona las cuerdas vocales

Si contrariamente la voz es aguda y es clasificada o encasillada como

grave, los efectos vocales deseados de una voz aguda, como son los sonidos

redondeados o filados, son imposibles de conseguir, y además existe la

posibilidad de lesionar también el órgano laríngeo.

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Una frase conocida del Dr. G. Canuyt, nos dice que en el canto, las voces

enfermas y fatigadas, son las voces mal clasificadas.

3 − Recuerdo histórico

En el siglo primero ya se clasificó la voz, pero su clasificación se

basaba por la calidad (dulce, áspera, sonora, clara etc) y por la cantidad

(grande, mediana y pequeña), según escritos de Quintanillo (orador

romano).

Fue en el renacimiento con el inicio del canto coral, cuando se incia una

clasificación, tal como la entendemos actualmente,correspondiendo a tenor

y bajo en el hombre y a un contralto y contratenor en la mujer.

Pero fue a mediados del siglo XVIII, cuando se inicia de un modo más

serio, las diversas clasificaciones, así pues, se escribe música para

bajos, barítonos y tenores, respecto a las tesituras masculinas ;y

contraltos, mezzos y sopranos, para las tesituras femeninas.

La escuela francesa en el siglo XIX nos describe la siguiente

clasificación: para las voces de hombre, voz grave (contrabajo), voz media

( barítono), y voz aguda (tenor). Para las voces de mujer: voz grave

(contralto), voz media (mezzosoprana), y voz aguda ( soprano).

La escuela italiana, efectua unas diferencias que se centran en tenores

graves, agudos y ligeros; y respecto a los bajos en, bajos cantantes y

profundos; y en cuanto a las sopranos en sopranos dramáticas, líricas y

ligeras. Estas subclasificaciones, se pueden extender a los otros tipos de

voces. Esta escuela, inicia la clasificación sobre el timbre y el

denominado color de la voz.

Dentro de este apartado histórico, señalamos la divergencia existente

sobre el punto de vista de los diversos autores, ya que respecto a los

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límites de cada voz, confluyen muchos aspectos de dificil encasillamiento.

4 − Clasificaciones

4A − Clasificación sexual

No es importante dicha clasificación, por obvia y posiblemente por

simplista, de todos modos a grandes rasgos comentamos que la voz de

mujer se halla condicionada por las características anátomo−fisiológicas

propias y que la laringe de la mujer, presenta unas medidas que oscilan

entre 3,6 cm de altura , 4,3 cm. de anchura y un diámetro

anteroposterior de unos 2,6 cm.; y la longitud de las cuerdas vocales se

situa entre los 1,5 y 2 cm.

La mujer canta una octava más aguda que el hombre.

Respecto al hombre, observamos una laringe de mayor tamaño, situándose

esta entre los siguientes parámetros; una altura de unos 4,9 cm. y otros

tantos de anchura y un diámetro antero−posterior de unos 3,5 cm. Las

cuerdas vocales acusan una longitud de unos 2 hasta 2,5 cm.

El hombre canta a una octava de diferencia por debajo de la mujer.

Otro capítulo a mencionar dentro de esta clasificación, son las voces

infantiles, que se corresponden a laringes de pequeñas dimensiones, y la

voz infantil, se puede considerar, como voz de tránsito hasta que

sobreviene la muda vocal.

Otras voces a tener en cuenta, pero que solo las describimos como

clasificación teórica, son las voces eunucoides o voz de castrado. Se

obtienen por la falta del desarrollo de los carácteres secundarios

sexuales, ya que se han extirpado las glándulas sexuales antes de la

pubertad. La laringe se queda con un tamaño reducido.

4B −Clasificación por tesitura

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Es una clasificación importante, no la única pero si interesante y que

debe conocerse.

Se define, como aquella, que clasifica la voz por su amplitud tonal. Es

en la amplitud tonal adecuada, en la que el cantante se mueve a su

comodidad sin apurar las notas extremas. Esta amplitud tonal, se situa

entre dos octavas y evidentemente hay bastantes excepciones.

Son pués, el conjunto de notas que puede emitir una determinada persona.

Un sentido correcto de interpretar la tesitura, es el que situa el

conjunto de sonidos, en los que la voz se adapta mejor, es pués, la

parte de la gamma vocal, en que el cantante se siente cómodo, sin ningún

tipo de fatiga.

Tipos de voz según tesitura:

Importante: Se exponen dicha clasificación como esquema orientativo,

siendo susceptible de variación según voces.

Tipos de vozMujer Hombre

Voces agudasSopranoTenor

Voces mediasMezzo−soprano Barítono

Voces graves ContraltoBajo

Voces intermedias Son voces que poseen propiedades de uno u otro

grupo.

Teniendo en cuenta la tesitura se pueden situar, las voces de mujer

entre:

Mujer

SopranoDo3, hasta DO5

Soprano ligeradesde el DO3 hasta el FA5

Mezzo−soprano lírica desde el LA2 hasta el LA4

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Contraltodesde el SOL2 hasta el SOL4

Siguiendo con esta clasificación se situan las voces de hombre entre:

Hombre

Tenordesde el Do2 hasta el Do4 (se valora el tenor lírico,

spinto y el dramático)

Barítonodesde el Sol1 hasta el La3 ( El lírico, puede llegar a

Si,3 )

Bajodesde MI1 hasta el MI3

Debemos señalar, como ya hemos expuesto anteriormente, que entre la

voz de hombre y de mujer, una misma nota en el pentagrama, supone una

diferencia de octava. En clave de sol, un La del segundo espacio,

(La,2) para un tenor, es un La del tercer espacio, (La,3) para una voz

de mujer.

Puede tambien señalarse que la frecuencia de cada nota se mide en

hertz, pero puede presentar variaciones, según el tipo de instrumento

en que se emita, o bien según el punto geográfico, (cambios de

altitud, presión atmosférica etc). El La,3 del diapasón es la base de

la afinación instrumental y se ha fijado en 440 ciclos por segundo.

4C − Clasificación por timbre

El timbre se puede definir, como la cualidad que nos permite diferenciar

dos sonidos, que acusen una misma intensidad y frecuencia. Los sonidos

no son puros, es decir, no tienen un movimiento armónico simple (sería

el diapasón). Los sonidos provienen de movimientos vibratorios

complejos.

Se denomina armónico, cada sonido puro, correspondiendo el primer

armónico, al sonido más grave del período. El timbre esta formado pués,

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por muchos armónicos, y depende del cuerpo sonoro que forma el sonido,

el número de armónicos que tiene este sonido.

En el caso de la voz humana, el timbre, en parte depende, del tipo de

cuerdas vocales del individuo, de su modo de vibración, y de las cajas

de resonancia (senos paranasales, cavidades supralaríngeas, cavidad

orofaríngea).

Desde 1956, Husson, ha distinguido ( por estudios fisiológicos

realizados en Paris. Universidad de la Sorbona), dos timbres en cada voz

humana. Timbre vocálico y timbre extravocálico.

El timbre vocálico se corresponde a circunstancias fisiológicas

condicionables, incluyendo aquí todas la técnicas de aprendizaje ; y el

timbre extravocálico depende en exclusividad de la constitucionalidad

laríngea, y es el que caracteriza la voz de cada individuo.

En el canto o arte lírico las cualidades del timbre son las siguientes:

1.− Color

Basicamente, es la técnica empleada o bien es la conducta vocal, la

que determina el color del canto, siendo este claro u oscuro. Dentro

del color, tenemos la eufonía, siendo esta, el matiz que el cantante

emplea en la emisión vocálica, así pués,un cantante puede presentar

una eufonía clara u oscura

El color se puede analizar, si se estudia mediante los analizadores

del espectro sonoro vocálico. En este estudio las coordenadas son la

intensidad y la frecuencia, y según se desplazca la gráfica, obtenemos

diversos timbres.

2.−Volumen

Se encasillan las voces en pequeñas o en voluminosas. Las primeras no

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son válidas para grandes interpretaciones o salas de concierto. Quizá

este punto tiene su importancia en la sensación de acercamiento o

lejanía que se quiere ofrecer o transmitir a lo largo de una

interpretación.

El volumen de la voz, depende casi exclusivamente de la presión del

flujo aéreo ascendente, que incide en la subglotis de la laringe del

cantante.

3.−Espesor

El origen del espesor de la voz, lo situamos en las características de

las cavidades de resonancia y principalmente en la cavidad

orofaríngea. Son las sensaciones de inflados, a mayor abertura de la

cavida orofaríngea, mayor es el espesor de una voz.

4.− Mordiente

Se situa el mordiente según el grado de elasticidad y tonicidad de la

musculatura laríngea. El mordiente es tambien el grado de brillantez

de la voz.

Una buena tonicidad implica que en la emisión del canto, el cierre de

las cuerdas vocales o del espacio glótico, se presenta firme. De todos

modos la afectividad y otros factores durante el canto, condicionan el

grado de brillantez o mordiente de la interpretación.

5.− Vibrato

El vibrato es cuando el cantante apoya su voz, es decir,existe una

modulación de frecuencia más baja, con su intensidad y frecuencia, que

se superpone a la del cantante. No debe confundirse el vibrato con el

"trémolo", que sería una cierta inestabilidad vocal.

De modo esquemático, según el timbre podemos observar voces claras;

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pequeñas o voluminosas (grandes); débiles (delgadas) o espesas

(gruesas); destimbradas (lisas) o timbradas (brillantes); y con mayor

o menor vibrato.

La clasificación por timbre afecta directamente al estilo de la voz, y

a las posibilidades expresivas del cantante, además debe escucharse el

gusto del público.

Para finalizar, el timbre es sutil e indefinible , siendo el

responsable que dos voces conserven su individualidad y sean

inconfundibles, es en definitiva, la personalidad de cada voz.

A Cappela:Cualquier clase de canto sin acompañamiento instrumental.

Acciaccatura:Ornamentación vocal que consiste en cantar una o dos notas con rapidez, situadas por encima de
la nota principal, a la que preceden.

Afinación:Es la exactitud de la altura o frecuencia de un sonido emitido conforme a la nota escrita. Por ello, se
dice que se canta afinada o desafinadamente. Casi siempre éste último caso se refiere a la emisión que no
alcanza la altura precisada, sobre todo de las notas más agudas, lo cual puede deberse a cansancio o a una
técnica vocal defectuosa. También recibe el nombre de entonación o timbre perfecto.

Aire:Fragmento casi siempre breve cantado por un solo cantante; su estructura es más libre que la del aria.

Apoyatura:Figura musical que consiste en preparar la emisión de una nota con otra cercana, distante de un
semitono o un tono, inferior o superior. Se usa casi siempre en los recitativos. Hay dos clases de apoyatura: la
corta o rápida, apoyatura propiamente dicha, dura lo mínimo posible y da una sensación de agilidad; la larga,
lenta o Acciaccatura, dura tanto como la nota que se va a cantar, que resulta disminuida a la mitad de su valor.

Aria:Sólo de estructura elaborada en el que una misma melodía puede repetirse con letra diferente. Su
objetivo es la expresión de los sentimientos y su forma más conocida es la llamada Da capo, compuesta por
tres secciones: A−B−A1, la segunda de las cuales contrasta con las otras dos; la tercera es la repetición de la
primera pero ornamentada. Las principales clases de arias son: di sortita (de salida); di carattere (de carácter);
di sentimento; di strepito; agitata; infuriata; d'imitaziones; da símile; di bravura (a plena voz); di agilità; di
portamento (para exhibir la extensión de la voz y la dinámica de los matices, sin ornamentación); di catalogo;
cantabile (dulce y triste, con ornamentos expresivos); di lamento; del sonno (del sueño); parlante; declamata.
Por su estructura, además de la da capo, sobresalen las siguientes: in rindó (A−B−A−C−A); variata (con
variaciones); concertato (con obbligato de un instrumento) y senza accompagnamento (a capella). Por otra
parte, existían las llamadas di baula (del baúl; escritas a la medida de un cantante); y di sorbetto (del sorbete;
el público aprovechaba en este momento para salir de la sala y comer o beber algo), entre otras.
El aria evolucionó hacia finales del siglo XVIII y pasó de ser tripartita (da capo), a bipartita (lento−rápido,
casi siempre); sus temas podían contrastarse entre sí: 1ª parte, dramática; 2ª parte, lírica. Con el paso del
tiempo, la primera sección asumió el nombre de aria, y la segunda, el de cabaletta.

Arietta:Más modesta que el aria y casi siempre equivalente al aire, tiene pequeñas dimensiones; suele contar
con ornamentos y su carácter es alegre, lo que la diferencia del aire, que puede ser también triste. Tiende a

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confundirse con la canción (forma: A−B−A).

Arioso:Estilo de escritura vocal que recuerda al recitativo; de éste toma la libertad rítmica, aunque la hace más
mesurada; del aria aprovecha su lirismo y su expresividad, evitando su rigidez formal.

Articulación:Claridad y distinción en la interpretación de los sonidos musicales; para ello, hay que tener en
cuenta timbre, duración, altura, respiración, vocalización, e impostación de la voz. Implica un fraseo, ataque,
legato y staccato perfectos.

Ataque:Forma de emisión del sonido vocal.

Atonalismo:Lenguaje musical que consiste en prescindir de las tonalidades, o sea, utilizando los doce
semitonos en que se dividen los periodos u octavas de las notas, en lugar de los cinco tonos y dos semitonos
de la escala tonal. El atonalismo puede ser serial, cuando se fija la asociación ordenada de dichos doce
semitonos: es la llamada música serial dodecafónica. Si no se determina ninguna serie, se denomina
atonalismo libre.

Bajo:Voz masculina grave, cuya extensión normal son dos octavas (fa grave − fa agudo). Si la parte más
sólida de la voz es el grave se denomina bajo profundo. Al contrario, bajo cantante.

Balada:Pieza musical de origen cantable, destinada primitivamente a ser bailada, que narra una historia. En el
romanticismo, autores como Chopin o Brahms la convirtieron en obra para piano.

Ballet de Cour:Uno de los antecesores de la ópera. Es un espectáculo cortesano de origen francés en el que se
mezclaban danzas y cantos. Tenía carácter alegórico de alabanza a los monarcas.

Baritenor:Voz de tenor con graves de barítono. Aparece en las óperas de Rossini, en el momento en que se
estaba formando la distinción vocal entre bajo y barítono.

Barítono:Voz masculina media (extensión: la grave − fa agudo). Según el color y el peso del material, hay
barítonos dramáticos y líricos o nobles, que suelen corresponder a personajes de mayor o menor edad,
respectivamente. De origen francés, el llamado barítono Martin se caracteriza por ser una voz mixta, de
barítono por su extensión y de tenor por su color y su levedad,

Bel Canto:Estilo de canto caracterizado por la sola consecución de la belleza (opuesto por ello al Verismo); en
él predomina la perfección de la emisión vocal; todo se doblega a las exigencias técnicas de la vocalización.
Sus intérpretes deben poseer un timbre variado en los legatti; un gran controlo de la respiración; un rico
muestrario de matices expresivos y un dominio perfecto de la mesa di voce; virtuosismo casi instrumental
para entornar giros y escalas rápidas unidas a otros ornamentos; capacidad de improvisación y de adornar las
repeticiones de la melodía. Depende de la riqueza de las notas del centro de la voz, de la redondez de las
vocales, y del control perfecto de los llamados registros de pecho, de cabeza y de falsete. Antepone el canto en
legato a la articulación del texto. Las notas más agudas no tienen una sonoridad tan marcada como las
centrales. Su época de apogeo y gloria va desde 1680 a 1830, más o menos. Rossini puso todos los recursos
del b.c. al servicio de la expresión del texto.

Bravura:Esta palabra tiene dos sentidos en el mundo del canto operístico: designa el canto con numerosas
dificultades técnicas, que ponen a prueba al cantante y permiten su lucimiento, estimulando que el público
grite sus clásicos ¡bravo!. En su origen, la palabra definió el canto de empuje y valentía.

Cabaletta:Si bien en un principio significó una aria breve, a partir de finales del siglo XVIII adquirió un
sentido actual: parte segunda de un aria, casi siempre animada y brillante. Con Donizetti y Bellini, asumió un
carácter más dramático y se volvió más lenta.

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Cadenza:Ornamentación elaborada sobre una cadencia en un momento dado de un aria, casi siempre sobre los
acordes de cuarta y sexta. En el aria da capo hay tres cadenze, la última de las cuales permite al intérprete
hacer un verdadero derroche de adornos.

Calando:La emisión del sonido se retarda y su volumen disminuye.

Calderón:Signo que implica la prolongación de una nota y la oportunidad de adornarla; es la cadenza


improvisada por un cantante en un punto dado de la partitura fijado por el compositor, casi siempre sobre la
cadencia que precede el fin de una aria.

Cancán:Baile frívolo de ritmo muy movido, en el que las bailarinas, con las piernas enfundadas en medias
negras, imitan el movimiento de las víctimas sometidas a la tortura del mismo nombre, puesta con los pies
desnudos sobre una plancha de hierro candente.

Canción:Pieza melódica para una o más voces (forma común: A−B−A).

Canon:Estilo de composición en el que una o más voces se imitan de manera estricta a la distancia de una
octava.

Canzona:Canción formada por 3 o más estrofas; puede ser monódica o polifónica.

Cascada:Literalmente, caída. Es un adorno vocal que consiste en tomar una nota aguda, sostenerla y luego
bajar por semitonos hasta resolver la frase. Se puede denominar también escala cromática.

Castrato:Cantante masculino que mediante la castración realizada en la niñez, a veces conservaba las
cualidades de su voz (soprano o contralto) en la edad adulta. Superaba en potencia y en riqueza de matices a
las voces femeninas y era capaz de hacer verdaderos despliegues deslumbrantes de virtuosismo vocal. En la
actualidad sus papeles suelen ser cantados por contratenores, falsetistas o mezzosopranos.

Cavatina:En su origen, aria con una sola parte, señalada por su brevedad. Luego, sinónimo de aria de
presentación. En la ópera clásica y romántica designa un aria breve que sigue inmediatamente a otra larga que
acaba de cantar el mismo personaje.

Clavicémbalo:También denominado clavecín o harpsicordio y, en variantes muy determinadas y tamaño


reducido, espineta o virginal. Es un instrumento de teclado que se utilizó hasta el siglo XVIII como parte de la
orquesta o como solista en los conciertos con orquesta. En la caja hay un címbalo que es percutido por medio
de púas, que en tiempo fueron de cuero, y en versiones modernas, de materiales plásticos.

Coloratura:Voz de origen italiano que se aplica a los pasajes cantados muy rápidos y con abundancia de
adornos. Ornamentación elaborada de una melodía, por consiguiente, es una técnica y no debe aplicarse a
ningún cantante. Antiguamente recibía el nombre de canto figurato.

Comedia del arte:Género teatral propio de la Italia de la época barroca, con personajes fijos (Pantalón,
Polichinela, colombina, Con Tancredo, Arlequín, etc.), sin letra determinada, con un guión argumental sobre
el que los actores improvisan los diálogos.

Comprimario:Papel secundario de una ópera, y quien lo representa.

Concertante:Antiguamente concertato. Número de conjunto en el que participan todos o casi todos los
personajes y el coro de una ópera.

Continuum:Tejido musical que sirve del fondo al desarrollo de la trama, en el que los recitativos y números

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cerrados se funden de manera espontánea sin detener jamás el fluir de la música.

Contrapunto:Forma musical consistente en voces que se contestan o replican de manera independiente.

Contratenor:Voz masculina que, debido a la especial conformación de la glotis, posee un timbre femenino. En
cierto modo sustituye a la voz del castrado. Se utiliza en la música antigua y barroca, en papeles que también
se adjudican a voces de mujer. En inglés recibe el nombre de countertenor y en francés el de ténor
hautecontre.

Contralto:La voz femenina más grave, cuya extensión normal cubre dos octavas (fa grave − fa agudo). Se le
suelen confiar papeles de carácter serio o de anciana.

Copla:Cualquier tonada seguida de estribillo. Su música puede variar o no. También se la conoce con el
nombre de couplet.

Coperto:Técnica vocal en la que la calidad de una nota se vuelve más dulce y de timbre más rico, mediante la
acción de cubrir las vocales abiertas. Este sonido hace que la voz sea más expresiva y pueda colorear con
mayor facilidad el sonido y sus matices, aunque implica la modificación de la emisión exacta de las vocales.

Crescendo:Pasaje musical con un aumento paulatino del volumen.

Cromatismo:Frase musical compuesta de semitonos, o sea, la distancia mínima entre dos sonidos afinados,
llamada intervalo cromático.

Czardas:Baile de origen húngaro, cuyo nombre correcto es csárdas, y que consta de una parte lenta (lassú) y
una parte rápida (friss).

Diatonismo :Carácter propio de una música que respeta la escala natural, sin alteraciones.

Drama musical:Género cantado en que los números cerrados y los recitativos ceden su importancia al
desarrollo musical ininterrumpido de la textura. Surge con Richard Wagner, aunque otros compositores
anteriores ya lo habían intuido y practicado en parte. No debe confundirse con la ópera.

Dicción:Forma correcta de pronunciar.

Divertimento:Serie o grupo de danzas y cantos que forman parte de una ópera, en especial en Francia. Sus
argumentos casi nunca tienen nada que ver con las tramas de las obras que acompañan.

Dúo:Número para dos cantantes; puede tener dos o tres partes, como el aria; muchos dúos se dividen en
diversas secciones; a las más rápidas se les suele llamar cabalette.

Emisión:Producción de sonidos musicales.

Entremés:Uno de los antecesores de la ópera. Solía ser de carácter cómico y estaba formado por bailes, cantos
y diálogos. Se interpretaba al comienzo, en le medio o al final de las obras teatrales. Subgénero netamente
español.

Entubamiento:Uso exagerado de las cavidades de la garganta y la cara en la emisión del sonido. Este sale
cavernoso, velado, como si lo hiciera por un tubo.

Escala cromática:Ver cascada.

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EspinetaVer clavicémbalo.

Expresionismo:Tendencia artística, originariamente de la poesía y la pintura, que se basa en la expresión de


los sentimientos que embargan a los personajes que se convierten en formas retóricas o visuales. En música, el
expresionismo se caracteriza por el énfasis puesto en juego en la línea vocal y el fraseo de la orquesta.

FalseteEs la producción de la voz masculina usando sólo una parte de las cuerdas vocales. No otorga gran
potencia; el timbre no es bello y sus variedades de color son muy limitadas. Como registro usado por
cualquier voz, el falsete es el más agudo y supera a las resonancias de las cavidades de la cabeza, con las que
suele mezclarse.

Falsettone:Método de emisión que mezcla los recursos del falsete con los registros de cabeza, en incluso con
ciertas resonancias del pecho superior. Muy usado por los tenores hasta 1840, más o menos, para emitir las
notas superiores al La3.

Fiato:Aliento. Se aplica a la técnica de respiración que ayuda a dominar la regulación del aire; permite
sostener una nota o emitir toda una frase sin tener que tomar aire.

Filar un sonido:Mantenerlo afinado.

Finale:Sección de conclusión de un acto o de una ópera, puede ser sencillo o muy complicado, como los de
Mozart, que incluyen diversos números.

Finale en vaudeville:Finale en que cada uno de los personajes canta distintas estrofas con una misma música;
termina con un estribillo que todos entonan.

Floritura:Ornamento vocal, generalmente improvisado por el cantante aunque también escrito a la manera de
una improvisación, y que consiste en cantar varias notas seguidas con una misma vocal.

Fraseo:Obediencia a los signos de puntuación de la música; correcta colocación de los acentos e inflexiones;
respeto a las divisiones de una frase. Implica una buena técnica respiratoria.

Fuga:Forma musical consistente en la repetición de una misma melodía a cargo de diversas voces. Se clasifica
según el número de ellas: fuga a dos voces, tres voces, etc.

Galopp:Danza de ritmo muy rápido, y cuya forma imita los pasos del caballo galopante.

Glisando:Deslizarse de una o varias notas a otra u otras.

Golpe de glotis:Forma de atacar una nota con la ayuda de las llamadas "cuerdas vocales falsas", que se unen y
luego se separan con rapidez produciendo el sonido.

Gorgheggio:Técnica de vocalización rápida hacia arriba o hacia abajo, casi siempre sin ninguna letra. Puede
traducirse por gorjeo.

Grupeto:Uno de los ornamentos más comunes; está formado por varias notas que pueden atacarse desde arriba
o desde abajo, según lo indique el compositor.

Guitarrón:Literalmente, guitarra de gran tamaño, también denominado archilaúd. Se utilizó en los siglos XVI
y XVII. En la ópera primitiva servía de bajo continuo, es decir, de acompañamiento constituido por los
acordes que concurren a definir las armonías principales.

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Impostación:Es la técnica vocal que ayuda a fijar los límites de la voz mediante ejercicios de crescendo y
diminuendo de la emisión de sonidos prolongados y mantenidos. Sinónimo de colocación de la voz.

Inflexión:En el canto, alteración ligera de la altura del sonido.

Intermedio:En la ópera barroca, entremés breve y cómico en medio una acción seria y solemne. A partir de la
ópera romántica y sobre todo en el verismo, es un pasaje sinfónico que sirve de puente entre dos escenas, en le
cual reflexiona sobre algún episodio determinado.

Legato:Forma de fraseo en la cual las notas están ligadas o pegadas, es decir, que no hay separación entre
ellas. Es lo opuesto a staccato o pichettatto, donde las notas están despegadas o sueltas.

Leitmotiv:Literalmente, motivo conductor. En la ópera wagneriana y posterior, designa al motivo musical que
identifica a un personaje o a una situación que se repiten a lo largo de la partitura.

Lieto fine:Final feliz. Expresión muy usada hasta finales del siglo XVIII para referirse a la conclusión de la
ópera seria, requisito obligado de este subgénero. También significa final moral.

Masque (mascarada): Entretenimiento teatral de moda en Inglaterra en los siglos XVI y XVII, en el que se
mezclaba poesía, música, canto y baile. Sus temas casi siempre eran mitológicos, y sus montajes, complicados
y deslumbrantes. Es uno de los antecesores de la ópera.

Melisma:Grupo de notas cantadas con una sola vocal

Melodrama1) composición escénica que mezcla música y diálogos hablados de modo alternado o imbricado;
2) fondo orquestal sobre el que se desarrolla una acción dialogada o en pantomima; 3) en Italia (melodrama),
sinónimo de ópera. En realidad, en dicho país, la palabra ópera sólo se aplica a las obras líricas extranjeras.

Melopea:Canto sin acompañamiento.

Messa di voce:Técnica vocal mediante la cual se insufla aire a un sonido y luego se disminuye. Para el bel
canto es piedra de toque, ya que demuestra la capacidad de control de la emisión vocal de un cantante. Se
emplea en la expresión del texto y del canto pero no es un artificio estilístico. Forma parte de la impostación.

Mezza voce:Media voz. Forma de cantar con la mitad del volumen para plasmar un matiz. Su sonido debe
poseer un timbre dulce y aterciopelado.

Mezzo recitativo:Especie intermedia entre el recitativo y el airoso propiamente dichos, formada por frases
irregulares que en todo momento sirven fielmente a la expresión de la prosodia.

Mezzosoprano:Voz femenina media, que consta normalmente de dos octavas (la grave − la agudo). De color
vocal más cálido y de anchura más acentuada que la soprano, se le suelen adjudicar partes más dramáticas o
de mayor edad que a aquéllas.

Misterio:Drama litúrgico medieval. Con el Renacimiento se le incorporó la polifonía y el acompañamiento


instrumental. Es uno de los antecesores de la ópera.

Monodía:Canto de una sola voz con acompañamiento, opuesto a polifonía.

Monólogo:Pieza de carácter solista que puede tener forma cerrada o abierta y seguir o no una estructura fija.

Mordente:Alternancia sencilla o doble de una nota con su inferior.

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Música concreta:Es la reproducida por sonidos y ruidos tomados de la vida real y no con instrumentos
construidos a propósito.

Música electrónica:Es la producida por aparatos especiales, llamados osciladores electroacústicos, en los
cuales el sonido es el resultado de combinaciones regidas por la electricidad.

Número cerrado:Toda intervención solista o coral que se destaca del conjunto musical de una ópera, por su
carácter casi independiente; suele concluir con una serie de acordes. Cualquier aria, dúo, trío, coro, etc. Es en
esencia un número cerrado.

Obbligato:Acompañamiento destacado de un aria confiado a un solista de la orquesta, cuya intervención


comenta o se opone al sentimiento expresado por el cantante.

Obertura:Fragmento sinfónico con que suelen comenzar las óperas y que puede anunciar alguna de las
melodías principales que se escucharán durante su transcurso. En su forma más desarrollada, es una sinfonía
de pequeño formato, que consta de una exposición con dos temas, una elaboración con variaciones y una
recapitulación sobre el primero de los mencionados temas, todo rematado con un brillante final.

Ondas Martenot:Aparato inventado en 1928 por el francés Maurice Martenot (1898−1980). Es un artefacto
electrónico accionado por medio de teclas y que emite un solo sonido por una vez sin poder agregarle notas
simultáneas.

Opera:Obra teatral cantada y con comentario musical, el cual puede ser ininterrumpido o sólo acompañar a los
números de los intérpretes; a veces incluye ballets. Se dan a continuación sus principales clases ordenadas
cronológicamente: Opera seria: de temas mitológicos o históricos; no incluye personajes cómicos; sus temas
son grandilocuentes y moralizantes. Su final debe ser siempre feliz. En ella alternan recitativi secchi, con los
que se desarrolla la acción, y números cerrados, por regla general, arias, vehículos de los sentimientos. Su
piedra de toque es el aria da capo; Opera buffa: sus personajes en un principio eran únicamente cómicos. Con
el paso del tiempo se incorporaron también los de carácter sentimental o serio. Incluye, además de arias, dúos,
tríos, concertantes, etc., aunque casi nunca coros. Sus temas se inspiran en la vida diaria de la época. Su canto
es esencialmente silábico, ya que precisa ser entendido con claridad para conseguir sus objetivos
humorísticos; Opera ballet: subgénero francés; cada uno de sus actos, en los que se mezclan a partes iguales,
bailes y cantos, posee un argumento y personajes propios. Sus diversas jornadas se ven unidas por un tema
común (las estaciones, las fiestas de una diosa, etc.). Lully y Molière crearon las llamadas comédie−ballets;
Tragedia lírica: subgénero francés creado por Lully, en el que a su argumento severo y exaltado se unen la
danza, la espectacularidad y el canto más bine airoso; Ballad−Opera: subgénero inglés que mezcla diálogos
hablados y números cantados, muchas veces de origen anónimo y reunidos por un compositor con el propósito
de contar el argumento; Opera comique: equivalente francés de la anterior, pero con música original de un
autor; puede ser seria o humorística; Singspiel: hermana de las dos anteriores; su música es original; puede ser
de tema serio o humorístico; sinónimo de spieloer; Zarzuela: en su primera y segunda épocas, hasta casi
finales del siglo XIX, equivalente de las anteriores; Opera de rescate: su argumento se caracteriza por girar en
torno a la liberación de uno de los personajes principales, o al sacrificio de uno de éstos en nombre de la
fidelidad. Sus temas son severos aunque no evita el uso de personajes cómicos; también se conoce como
Opera de terror, de redención o de salvamento; Grand Opera: subgénero francés de tema serio, épico o
histórico, con gran despliegue de tramoya y de masa corales. Sacrifica cualquier lógica argumental a la
consecución de grandes momentos melodramáticos y espectaculares. Es obligatoria la inclusión de un ballet.
Su éxito llegó a trascender las fronteras francesas; Opera semiseria: fusión de la Opera seria, de la que toma
principalmente sus grandes arias y el tema severo, y de la buffa, que le aporta variedad a los números (dúos,
tríos, etc.) y un tratamiento menos altisonante al argumento. Sus personajes están extraídos de la vida diaria;
su final puede ser feliz o desgraciado; Opera de cámara: obras casi siempre pensadas para pequeños grupos de
intérpretes e instrumentistas; su carácter puede ser serio o humorístico; Opera de parodia: subgénero en el que
se satiriza a una Opera famosa, tanto en su libreto como en su música. Gozó de gran fama en los siglos XVIII

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y XIX.

Opereta:Género más ligero, tanto en canto como en argumento, que la ópera. Suele tener trama frívola y
divertida. En Francia también se conoce con el nombre de Opera bouffe. Ha sido cultivada en todos los países
europeos e incluso en los Estados Unidos. Alcanzó su cumbre en Francia y Austria entre las últimas décadas
del siglo XIX y las primeras del actual.

Ornamentación; ornamentos:Arte de adornar y variar la línea melódica. En un principio fue de carácter


improvisado, pero pronto los compositores terminaron por escribir sus propios adornos. Sus principales son:
la apoggiatura en el recitativo; la improvisación de cadenze en los calderones de las cadencias de las secciones
del aria da capo; la variación de todo fragmento melódico en las repeticiones de la sección primera de este
último tipo de aria, etc.

Pantomima:1) acción representada mediante la mímica y, a veces, el ballet; 2) subgénero teatral inglés en el
que a la trama dialogada se añaden números cantados, bien originales o tomados de otras obras. Suele tener
carácter humorístico o paródico, a pesar de que la más famosa, Oberon, de Weber, contenga también
situaciones muy dramáticas; desde finales del siglo XIX, este subgénero ha adquirido un carácter totalmente
navideño.

Parlando:Hablando; interpretación de una frase o de un diálogo con un estilo entre el canto y la palabra
hablada.

Pasaje o paso de la voz:Transición de un registro vocal a otro. Las llamadas "notas de pasaje" son aquellas que
pertenecen a dos registros vocales contiguos.

Passaggio:Ornamentación de la línea vocal, en especial de la cadenza improvisada sobre un calderón.

Pastoral:Uno de los antecesores de la Opera; solía ser casi todo cantado y tener carácter idílico y pastoril.

Platónico:Concerniente a la filosofía de Platón. En especial, se denomina amor platónico al que se produce


entre dos personas cuyas almas son partes de una entidad superior y que se reconocen como tales en el
enamoramiento. Su mal uso señala el amor que no tiene concreción física.

Polifonía:Música en que varia voces cantan a la vez. Las voces se imitan y siguen. Todas tienen igual
importancia.

Politonalismo:Procedimiento que consiste e superponer varias melodías, cada una con una tonalidad distinta.

Portamento:Literalmente, llevada o transporte. Es la parte de la frase musical en la que el sonido es llevado sin
interrupción de una nota a otra.

Preludio:Introducción orquestal a una ópera; más breve que la obertura y casi siempre en una sola sección;
muchas veces desemboca sin interrupción en el desarrollo del tejido que acompaña a la trama.

Racconto:Relato; puede ser sinónimo de romanza y de aria de carácter narrativo.

Rappresentazione sacra:Uno de los antecesores de la Opera. Sus temas eran bíblicos o religiosos. Estaba
formado por partes cantadas que tomaban como base melodías del canto llano según el estilo de los tropos, y
por secciones recitadas en lengua autóctona y no en latín. Cuando tenían argumentos sacados de novelas de
caballería, o de carácter no religioso, recibía el nombre de rappresentazione profana. Gozaron de gran fama en
Italia en los siglos XV y XVI. Su origen se remonta a las laudi spirituali: cantos religiosos en alabanza a Dios
y a los santos, de estilo sencillo y casi siempre monódico.

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Recitativo:Basado en el estilo de recitar cantando o stile rappresentativo, tiene encomendada la misión de
desarrollar la trama de una ópera; hay dos clases principales: secco: acompañado únicamente por los
instrumentos encargados de desarrollar el bajo continuo, y accompagnamiento u obbligato, en los que la
orquesta apoya los hechos descritos. Esta clase se divide a su vez en tres tipos: el ritmo del acompañamiento
obliga a que el canto sea absolutamente fiel a las indicaciones de medida; el auténtico obbligato: especie de
diálogo entre el cantante y la orquesta. El recitativo es tan importante con el aria; a veces aparece separado de
ésta por una cabaletta.

Registro:La voz tiene tres registros: de pecho, de cabeza y falsete; cada uno posee características propias de
color e intensidad. Una buena técnica vocal es aquella que tiende a fundir estas características y a hacer que la
voz sea homogénea en toda su extensión, sin que se note el paso de un registro a otro.

Ritornelo:Parte del aria de una ópera que repite el comienzo de la misma.

Romanza:Aria breve y de carácter casi siempre amoroso. A veces también se aplica al aria más importante de
una ópera.

Rubato:Ligera variación del ritmo de una nota o notas mediante breves aceleramientos o retrasos con el
objetivo de aumentar la expresión. Muy usado en el bel canto.

Salterio:Instrumento antiguo y medieval, consistente en una lira con caja de resonancia.

Sfogato:Se dice del canto en el que la voz, literalmente, se desahoga, o sea, que se emite constantemente con
su máximo volumen.

Sinfonía:En la ópera, obertura, o sea, introducción orquestal con que se abre la partitura. En música orquestal,
forma originada en el siglo XVIII y que consta de cuatro movimientos, siendo rápidos el primero y el último,
lento el segundo y bailable el tercero, con ritmo de minué. Esta estructura fue sufriendo modificaciones a lo
largo del siglo XIX hasta designar cualquier pieza para orquesta compuesta de varios movimientos.

Sonata:En sus comienzos, cualquier pieza instrumental no destinada al baile. A partir del siglo XVIII
estructura de tres tiempos, rápido el primero y el último y lento el segundo.

Soprano:Voz femenina aguda cuya extensión normal son dos octavas (do grave − do agudo). Las llamadas
sopranos ligeras o de coloratura alcanzan una cuarta por encima del do agudo, las denominadas notas
sobreagudas. Según el peso y el empuje de la voz, de mayor a menor, las sopranos se clasifican en dramáticas,
lírico−spinto y líricas. Estas distintas tesituras vocales se corresponden, normalmente, con psicologías y
caracteres de fuerza proporcionada a la cantidad y calidad del material vocal. La soprano Falcón es una
categoría exclusivamente francesa, caracterizando a una voz dramática de grave poderoso y agudo limitado.

Spianato:En su origen dícese del canto en que cada sílaba tiene una nota. Por extensión, todo fraseo musical
en la cual la melodía se explaya.

Suite:Serie de danzas arregladas para orquesta o instrumento solista, que se encabezan con una obertura. En el
caso de la ópera, serie de números orquestales extraídos de una obra determinada.

Tenor:Voz masculina aguda, cuya extensión normal son dos octavas (do grave − do agudo). Por excepción,
hay tenores con registro sobreagudo. Según el peso y el color, los tenores se clasifican en dramáticos, líricos y
ligeros o de gracia. Se llama tenor heroico (heldentenor) al que tiene extensión de tenor y color vocal de
barítono.

Tesitura:Consistencia de la voz. Se habla de voces de tesitura ligera, lírica, dramática, etc. En sentido estricto,

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alturas de la voz: tesitura aguda, sobreaguda, central y grave. Sirve para clasificar también a las voces: tesitura
de soprano, de tenor, de barítono, etc.

Tiorba:El más grave de los laúdes, al cual solían agregarse algunas cuerdas llamadas bordones. En la ópera
primitiva se utilizó como bajo continuo.

Trino:Sucesión de dos notas separadas por un semitono y con la misma vocal. En el canto, se produce dejando
agitar la campanilla.

Trémolo :Temblor u ondulación de una nota que en la cuerda se consigue mediante un movimiento oscilatorio
rápido del arco

Tresillo :Subdivisión ternaria de una pulsación

Verismo:Escuela italiana que proclama la plasmación de la vida diaria con sus miserias y dramas como
objetivo artístico. Es equivalente del realismo y el naturalismo franceses. Entre sus métodos preferidos están
el terminar todos los números principales con una nota aguda emitida en forte; el representar escenas teatrales
dentro del desarrollo de la obra (el llamado "teatro dentro del teatro"); el usar unos cuentos leit−motives y un
canto y una emisión marcadamente melodramáticas, estentóreas, de carácter silábico y tesitura limitada que
permiten entender con bastante claridad el di voce. Favorece la potencia en el registro central de la voz, y
desfigura las vocales abiertas para subrayar el carácter vulgar de los personajes; se opone al cultivo del
colorido tímbrico y del virtuosismo vocal exigidos por el bel canto y el canto romántico; emplea los sonidos
arrastrados y, sobre todo, carga las tintas de los aspectos melodrmáticos y cristpantes de la interpretación (que
casi siempre se convierte en caricatura). Ha inflingido tal daño al canto en general y al gusto del público que
resulta casi imposible oír hoy día una ópera que no sea verista interpretada en su estilo adecuado.

Vibrato:Ondulación de la voz dentro de las nueve comas o partes en que puede dividirse la altura de una nota.
Si la vibración excede estas comas se produce una desafinación, llamada calato si cae por debajo de la coma
inferior, y cresciuto si se produce por encima de la coma superior. En caso de que la voz no vibre, se oye de
manera fija la coma central, fenómeno conocido por voz blanca.

VocalizaciónEjercicios de canto con vocales para adiestrar la voz.

Voz de cabeza:Aquellas notas agudas que parecen vibrar en la cabeza en lugar del pecho.

Voz de pecho:Aquellas notas graves que vibran en el pecho.

Vodevil:Pieza ligera y divertida, construida con una serie de enredos.

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