Origen del lenguaje

"Dialéctica de la naturaleza" dice: "... los hombres en formación llegaron a un punto en que
tuvieron necesidad de decirse algo los unos a los otros. La necesidad creó el órgano. La laringe
poco desarrollada del mono se fue transformando... mientras los órganos de la boca aprendían
a pronunciar un sonido tras otro. ENGELS

La conversación como una de las formas del chisme y el cotilleo. Es decir, la conversación
como una necesidad para hablar con los otros acerca de los otros. YUVAL NOAH HARARI

Período Mnemotécnico

Fue una época muy importante de la historia de la humanidad, pues se introdujo el concepto
de construcciones conscientemente proyectadas para perdurar a través de los tiempos, con el
propósito de llamar la atención hacia ellos como hacia generaciones futuras. (Piedra larga y
(mesa se piedra)

Período Pictográfico

EL hombre primitivo se limitaba a dibujar a los animales y las cosas que lo circundaban en una
forma muy simplificada tratando de explicar por la postura de los mismos, la necesidad de
decir algo, en alguna cosas de movimiento o de ataque, en otra de defensa etc. (Sobre bambú
y ceda, tableta de piedra (Mesopotamia)

Período Ideográfico

El hombre se valió de dibujos para hacerse valer sus pensamientos pero habían situaciones
abstractas que no podían representar, entonces debió recurrir a otros ingenios para dar idea
por medio del dibujo lo que quería representar, por ejemplo para dar idea de una montaña
giba, para dar idea de agua lo hacía con rallas ondulantes de allí el significado de ideograma,
pues de allí el autor a dado la idea de lo que deseaba transmitir y lo hacía por medio de
dibujos, estos primeros signos escriturales han sido llamado ideogramas (sobre corteza de
árboles o sobre madera por egipcios, mesopotámicos , chinos, cretenses).

Las escrituras sintéticas, que expresan ideas o frases, con un número ilimitado de signos. No
tienen posibilidad de combinación. Estas escrituras, se han nombrado las "preescrituras".
También están las escrituras analíticas, que representan una palabra o un morfema, y que
admiten posibilidades de combinación. Ya por último, están las escrituras fonéticas, que
representan sonidos de una determinada palabra. Esto permite una considerable reducción de
los signos.

El primer escrito, más o menos, serio es anterior al 3000 a.C. Se atribuye a los sumerios de
Mesopotámica, en la actual Asia. Como está escrito con caracteres ideográficos, su lectura se
presta a la ambigüedad. Unos años más tarde, vino la cultura egipcia. Los egipcios utilizaban
unos pictogramas llamados jeroglíficos. También escribían sobre rollos, hechos del tallo del
papiro. En general, la escritura egipcia, es una escritura muy importante para la historia. Se
conservan bastantes documentos escritos por los egipcios.

Luego, unos mil años más tarde, por el 2000 a. C., se hace el poema épico
sumerio. Gilhamesh aparece en doce tablillas de arcilla utilizando la caligrafía cuniforme. Este
tipo de caligrafía, se denomina así por el instrumento en forma de cuña empleado para
escribir. Probablemente, la escritura sumeria, sea la evolución de la escritura egipcia. Más
tarde, fueron apareciendo otras civilizaciones que también influyeron en la escritura:
Otomanos, chinos, en el valle del río Indo, en el Mar Egeo actualmente Grecia.

En el año 1000 a.C., sobretodo a partir del año 800 a.C., vino la cultura griega. Fue muy
importante esta civilización para la escritura, porque introdujo la escritura alfabética, que es la
que se utiliza actualmente, con algunas variaciones. Su escritura constaba de un alfabeto de 24
letras, procedente de los fenicios.
 Primeros sistemas de escritura se basaron en sistemas simbólicos que transmitían
información y aparecieron hace 7.000 años aC (platoescritura)
 Escritura cuneiforme (2.500 aC) Representa, imágenes, conceptos, e incluso sonidos.
Surgió el alfabeto fenicio de 22 signos consonantes, se escribían de derecha a
izquierda. Esto ayudó a la creación de otroa alfabetos.
 Escritura sumeria 3.500
ARTE VS DISEÑO

Término diseño, unos sitúan ese inicio en el período de entre guerras y otros a finales del siglo
XIX.

1. INTRODUCCIÓN
Tomando como punto de partida a los últimos sesenta años del siglo XV que enmarcaron el
nacimiento y desarrollo de la tipografía, las secuelas de las iniciativas y
experimentaciones gráficas surgen en el siglo XVI con la energía creadora con que se dieron
origen a innovadores diseños de tipos, normasde composición, ilustraciones y
encuadernaciones, conjuntamente con representantes de gran prestigio.
En el presente trabajo se analizarán los principales acontecimientos que enmarcaron a los
siglos de transición y normalización (siglos XVI al XIX). En lo que refiere a
la historia del diseño gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron hechos como
la Revolución Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la
actividad publicitaria.
Además, es importante tomar en cuenta que muchos aspectos políticos, sociales y religiosos
de cada época, han influido en la evolución o retroceso en lo que concierne a los trabajos
impresos, desde la creación de los tipos de letras, el trabajo tipográfico, hasta la aparición
de los libros, periódicos, enciclopedias y carteles que se tratarán a continuación.
2. ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI
Uno de los factores históricos determinantes fue el proceso de involución política que
culminó en 1543, con la instauración de la censura de imprenta, la cual acabó con
la dinámica creativa y liberal que caracterizó la producción de impresos durante el medio
siglo anterior.
Sin embargo, uno de los avances más importantes fue el renacimiento de la caligrafía, que
se produce en medio de un absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que
establecieron una burocracia que favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la
imprenta, en poder de laIglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de vanguardia y se
convirtió en una actividad conservadora al servicio de las fuerzas políticas y religiosas
totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en
todos los Estados poderosos de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió
gran valor en el siglo XVI y fue divulgada por sus representantes con propósitos didácticos a
través de sus tratados y manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros italianos conformada por Ludovico Degli Arrighi,
Giovanni Antonio Tagliente y el calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino,
quien en 1540 aporta una novedad didáctica en la práctica caligráfica al tratar de instruir
alternativamente por medio de textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y económicas de la época, en el campo tipográfico el
diseño de tipos se considera sólo por su función como elemento del proceso de impresión y
su mayor exponente fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la
subversión y el favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los
que practicaban esta labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.
"La calidad de los diseños del tipo, armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el
preciso y contenido sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima
Garamond, fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana…"
En el mismo orden de ideas, Jhon Baskerville fue el impulsor de la tipografía inglesa y
diseñó un tipo genuino en 1754 (Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los
aportes de Baskerville fueron muy innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel
satinado para facilitar una impresión nítida y brillante y la variante del uso a voluntad de la
interlínea o espaciado entre líneas de texto impreso.
Por la gran producción de libros en este siglo, la decadencia del impulso creativo se
acentúa, se degrada el grabado xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus
colaboraciones con este procedimiento y entonces se introduce un procedimiento nuevo: el
grabado calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.
3. EL SIGLO XVII
En este siglo se dio un estilo homogéneo o académico a toda manifestación artística o
artesanal, y a su vez se comenzó a utilizar una nomenclaturametafórica que permitió que
la arquitectura fuese desplazada por la tipografía. En este sentido, el arquitecto Peter
Behrens hizo referencia a que el tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de
expresión de la época o estilo, y que próximo a la arquitectura, este proporciona el más
severo testimonio del nivel intelectual de una nación.
La caligrafía comenzó a decaer y terminó convirtiéndose en un estilo ornamental, sin
embargo es importante resaltar que esta desviación de la caligrafía logró aportar un
conjunto visual que constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria
incorporó a su repertorio lingüístico.
"En la evolución de las etiquetas de productos comerciales el texto, el ornamento y
la ilustración son componentes que van apareciendo sucesivamente por orden, en un
momento histórico en el que la imagen empieza a valorarse como complemento del texto y
no, como hasta entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público."
A pesar de que todavía el mensaje publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados,
este propone algo más que el reconocimiento del productoañadiendo un nuevo valor: la
imagen de identidad.
4. SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se hace una necesidad para las clases superiores y por esta razón crece
la demanda en el negocio de la venta de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época
fueron los Periódicos, los cuales se difundieron desde principios del siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece en Londres el primer diario comercial dedicado
a la publicación de anuncios de ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses
se encargaron de introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece
fueron utilizadas como cartas comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de asentar la publicidad por medio de la repetición se
pone de manifiesto en los impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los
establecimientos, acompañados de una completa argumentación publicitaria. También, se
debe tomar en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se encargaron de
introducir la práctica del Cartel mural en formatos pequeños ilustrados con xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la
modernización de la señalización comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o
formato a las necesidades de la época, debido a que estas eran muy rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de
especialistas, fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la
imagen en un contexto más preciso y menos trivial, utilizándola como complemento del
texto y completar con ella el concepto utilitario y didáctico, se crea de esta manera la
Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un
tipo de la familia de las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768,
igualmente es interesante la creación del alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es
una extraña serie de letras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la letra
y representa en cada una de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del siglo XVIII fue la Revolución Francesa de
1789, la cual establece una sociedad igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual
convierte a los diarios y periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.
La practica de la propaganda política introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como
nuevo elemento gráfico desde 1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas
y formas despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización, de esta
manera la caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su contenido original, sea
este de orden político, social o religioso.
5. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL
SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión
incorporando la máquina semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig,
posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que la sustitución
de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo
cual los papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y
estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo),
y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres
familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del
comercio. En lo que compete directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de
correos, se asume la técnica del grabado calcográfico como unidad estilística propia y
aparece el billete con el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse
como estrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento
innovador: el uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.
6. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX
El desarrollo de la nueva tecnología de composición y prensa en las últimas décadas del
siglo XIX, luego de muchos años de impresión manual, produjo muchos cambios
importantes en los esquemas de trabajo dentro de las artes gráficas debido a
la Automatización y a la Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso,
reduciendo las funciones de los tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos,
fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores, impresores, etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado
a uno masivo. Creció la demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad
fomentó el crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso
del Cartel Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge en el siglo XX rechazando el gusto por los
estilos históricos (neoclasicismo, neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art
Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño
y el arte (arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño
industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando la evolución en el
arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al
puramente tipográfico, no solo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino
también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando
al Modernismo como el estilo dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes
invenciones que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir
las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina
de escribir, el clisé pluma, la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color,
la composición automática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película de
animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el
estilo radical, anarquista, nihilista de Dada y los experimentostipográficos de cubistas y
futuristas funcionaron como una línea divisoria. Es así como se desecharon los estilos
tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y
adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que produjo en la industria, la arquitectura y la
construcción, la nueva maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la construcción modular
en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la cual se convirtió en una metáfora
para la construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico,
estos principios arquitectónicos se aplicaron directamente a las artes gráficas en
las estructuras básicas dentro de las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y no
tradicionales del modernismo.
7. ACOGIDA DE LA BAUHAUS
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen del lenguaje visual en geometrías
básicas, colores puros y en la abstracción, constituyendo un análisis de formas, colores
y materiales. Para ellos servían como una escritura con la que podría analizarse y
representarse la prehistoria visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de
su separación de la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas
básicas y los tres colores primarios."
Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un
punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso
racionalista de la tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado
y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se
dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura.
Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales
de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus
fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba directamente con
la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para
referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una
forma o imagen simple.
El "Libro de Apuntes Pedagógico" de Paul Klee,y "Punto y línea sobre el plano" de Wassily
Kandinsky, fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de
la escritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología de la
Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguaje de la visión, la psicología de la
Gestalt ha sido desde entonces una fuente teórica dominante en la enseñanza básica del
diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la Bauhaus fue Johannes Itten, cuyo misticismo y
excentricidad disonaban de los planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto fundador de
la Bauhaus en 1919) para la escuela, luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio
clases sobre color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la clase de
formas básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y Kandinsky, el gráfico es un modelo de expresión
pictórica y sus manuales de diseño describen a la línea como un solo punto arrastrado a
través de una página. De igual manera, Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo
al acto de trazar correspondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de experiencias
no gráficas como el color, la música, la intuición o la percepción visual.
La serie representa el intento de Kandinsky de probar una correlación universal entre el
color y la geometría, y se ha convertido en uno de los íconos más famosos de la Bauhaus,
aunque hoy en día pocos diseñadores aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue
siendo la base de numerosos libros de texto de diseño básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada
participante que asociase intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar
validez mediante el test psicológico a la serie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje
visual como sistema de oposiciones perceptivas, por la cual se logra una comunicación
directa con los mecanismos del ojo y el cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual
articula el espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo,
ortogonal y diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está
entre la continuidad y la discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la
Gestalt, la cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió
una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que
una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria
pero invisible de la percepción.
8. MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la disposición repetitiva de una colección
de signos según determinadas reglas de combinación. La tarea predominante de la teoría
moderna del diseño ha sido organizar los elementos geométricos y tipográficos en relación
con oposiciones formales tales como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura /
fondo, lineal / plano o regular / irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna del diseño en los años cincuenta y
sesenta, donde la intuición se convirtió en un elemento clave en ecuaciones racionalistas,
donde se aplicaban afirmaciones como: Entre más exactos y completos son los criterios,
tanto más creativa es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la unión entre el sistema racional y la elección
intuitiva se convirtió en la preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en
el idioma moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto
Neomoderno de personalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una
comunicación universal libre de valores.
Los limitados vocabularios formales del contructivismo fueron intentos para lograr un
orden lingüístico, cultural o psicológico que regulara el acto creativo individual, más que
personalizar lo moderno, lo neomoderno trató de priorizar el poder y la capacidad
penetrante de los lenguajes que utilizamos.
9. EL NACIMIENTO DE WEIMAR
Ante la derrota en la Primera Guerra Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república
con la capital en Weimar, la cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de
dentro. Los alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su
superioridad moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la unificación de la nación alemana presenciaron su
desarrollo hasta que se convirtió en la nación más industrializada y militarizada de Europa.
Con la rapidez de su urbanización e industrialización las artes prosperaban en Alemania,
Diaghilev, cuyas producciones toparon con la animosidad de otras capitales europeas fue
bienvenido en Berlin.
"Escribiendo que después de años como soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar
la vida, Walter Gropius manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de
Weimar."
En el caos del mundo alemán había la esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por
medio de un arte nuevo. Gropius llamó a la unificación de las artes, pero la ausencia de una
república alemana convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la
devastación infligida por los nazis.
10. EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en
decadencia, muchos alemanes sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como
los asociados en la Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre la visión y la
función del entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad
jerárquica, muchos miembros de la Bauhaus creían que el futuro dependía de
unas leyes universales de la razón que no estaban vinculadas a las limitaciones de la cultura
tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus, y Gropius lo invitó a dirigir el taller de
tipografía e imprenta. Bayer desempeño un buen papel en el desarrollo de una nueva
tipografía que utilizaba tipos de palo seco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para
conseguir composiciones limpias y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión fueron subordinadas a la pureza de la geometría y
las exigencias de la funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con
formas de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal
diseñado por Bayer en 1925, representa una reducción de las formas de letras romanas a
simples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria y a la tecnología y se
adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.
11. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad de movimientos artísticos se han visto
representados por importantes diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien destaca
como dibujante y es llamado "el discípulo del diablo". Beardsley fue gran opositor de las
ideas de William Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte decadentista de
fines del siglo XIX, influido por el arte oriental utilizó ornamentos con este estilo y se
observa también en sus diseños el predominio de los espacios en blanco, brilló en la
ilustración de libros como "Salomé" de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el notable arquitecto ingles de la segunda mitad del
siglo XVII, Christopher Wren y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor
del renacimiento de las artes (Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró libros
de cuentos infantiles como El Grimm, Robin Hood y Don Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se caracterizó por el uso de formas geométricas, simples
y sin ornamentos, aunadas a una tipografía igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere
al grupo de artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el
estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado por William
Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron Henry Holiday, Walter Crane, el
arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher y Christopher Whall.
Uno de los más notables precursores del racionalismo fue el arquitecto británico Charles
R. Mackintosh, quien se destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por
su dedicación en la elaboración de carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la
búsqueda de la estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H. Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo
la tutela de James Brooks y asistió a clases de dibujo por John Ruskin. Su admiración por el
Renacimiento lo llevó a creer en la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante
Herbert P. Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo,
el periódico del Gremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado inicialmente por
Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro. Empezó su
carrera profesional como diseñador de carteles y como ilustrador de libros, donde los
contrastes llamativos de negro y blanco de su técnica del woodcutting fue acostumbrado a
gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en planes del cartel con sus cuñado James Pryde y
los dos se dieron a conocer como los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y a experimentar con la suma de tintes sutiles de
verde y ocre a sus composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su
habilidad e innovación en el medio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito,
ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato: Reina
Victoria, el cual es una de las impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como
pintor, su estilo provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la
primera imagen corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura importante en
la transición al Clasicismo Industrial, y jugó un papel central en la evolución de
Modernismo alemán.
12. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se
desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se
vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión
los productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la
sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics,
personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas (ready mades), hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y
cubistas (collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de
colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg,
George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.
13. EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno de los países con mayor tradición histórica en el campo de las artes
gráficas, la obra impresa más antigua del país data del siglo XVII. La figura colombiana más
relevante es David Consuegra (1939), quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá
brindando su experiencia y talento. Otros representantes del diseño en Colombia son Marta
Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño gráfico peruano moderno es Claude Dieterich
(1930), quien después de trabajar en Paris en diversas agencias de publicidad y en el diseño
de revistas, se establece en Lima implementando las influencias europeas en el diseño
gráfico contemporáneo de AméricaLatina.
El primer periódico editado en Venezuela en 1808, marca los orígenes de la imprenta en
este país, y la iniciativa de mejorar el diseño de los sellos de laAdministración de Correos se
debió a un grupo de diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la
calidad del diseño venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se estableció en Caracas y fue autor de 26 sellos para la
Administración de Correos y es calificado como el padre del diseño gráfico venezolano. Y
M.F. Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano quien inició su larga e
intensa colaboración con Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann Erickson.
En México se establece la tipografía en 1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer
libro impreso en América, casi doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg
de América Latina impresa en Argentina. Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente
de reproducir imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó también de
esos menesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas políticas en periódicos
similares a los europeos.
"…la obra del insigne xilógrafo José Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en
la historia del diseño gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de
hacer una producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…"
Otros artistas gráficos de gran relevancia además de José Guadalupe Posada, fueron:
Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera, Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel
Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se disponía de una larga tradición en diseño gráfico aplicado al consumo,
probablemente la más antigua de Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX disponía de
talleres litográficos y de una practica aceptable en el procedimiento inventado en Alemania,
acercando por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de
la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño cubano en litografía la escribió Francisco Murtra, la
de la tipografía José Mora y la del cartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico)
Felix Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte influencia francesa, los mejores cartelistas argentinos de
la historia son Arnaldi y Valerian Guillard. En los años sesenta este país era la
primera potencia de América Latina en la edición de libros y otros materiales de lectura
como por ejemplo, los diarios. Sin embargo, la ilustración es la especialidad en la que los
argentinos han tenido mayor proyección, destacándose Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo
y Tomás Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar de esto el establecimiento de las sucursales de las
grandes agencias de publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo
industrial y mercantil del Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de
producción industrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios publicitarios
en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio
Sergio Magalhaes y Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en Río de Janeiro la primera
Escuela Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de altísimo nivel
como Gui Bonsieppe.
14. ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño
gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran
originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel
Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre
otros.
Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejores programas gráficos de
nuestra época, ya que han sabido capturar la imaginación del artista, ofreciendo desde un
principio la posibilidad de hacerla realidad. Además, han solucionado con la evolución de
sus programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos
permite hacer uso de una práctica mini-previsualización de la impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o los Contornos han encontrado su
lugar en un nuevo Menú de Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de
la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las herramientas interactivas. Estos
cambios, nos obligan ha usar elprograma de una manera más productiva y eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permiten con sus múltiples
herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos
especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces,
texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico
un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas
formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del
sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una
rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que
posibilitan la navegación virtual por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993
la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían
manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de
Hipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por
este motivo las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna decoración.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la
web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones,
barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño
gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o
en video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son
reconocidos programas para la realización de páginas web.
15. BIBLIOGRAFÍA
 SANTUE, Enric. "El Diseño Gráfico desde sus orígenes hasta nuestros días."
 LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. "El ABC de la Bauhaus y la Teoría del Diseño."
 www.Google.com
 Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat Editores. Barcelona. 1978.

Historia del diseño gráfico

La comunicación gráfica nos ha acompañado durante toda nuestra historia:
pinturas rupestres, símbolos, escritura, historia del arte… pero, aunque
todo esto esté relacionado y haya contribuido a la historia del diseño
gráfico , es muy difícil elegir una fecha en la que el diseño aparece tal y
como lo concebimos ahora. Para no retroceder demasiado en la historia,
hemos decidido comenzar la historia del diseño gráfico desde finales del
siglo XIX, un buen punto de partida para poder comprender los
acontecimientos, principales corrientes y algunos artistas que han ayudado
al diseño gráfico a ser lo que es en la actualidad.
A finales del siglo XIX la cultura occidental se enfrenta a profundos
cambios a consecuencia de la revolución industrial y el desarrollo
tecnológico. Las ciudades crecen convirtiéndose en urbes y los avances en
la comunicación y el transporte hacen que fluyan más las ideas. La
producción en masa de las industrias hace que el producto artesano pierda
valor, pero en el Reino Unido llega la intención de devolver el valor al
mismo por parte de William Morris y el movimiento Arts and Crafts, pero
el alto coste de producción reveló la incapacidad de luchar contra los
productos industriales. Aún así su influencia fue importante en todos los
ámbitos del diseño. Esta tendencia pasa al resto de Europa pero alejada de
cualquier tipo de compromiso social es el deseo de poseer un estilo propio
que represente a los nuevos tiempos y es así como nace el modernismo.

Principales movimientos

El modernismo

El modernismo es un movimiento artístico que se desarrolló a finales del

siglo XIX y principios del XX, periodo también conocido como la Belle
Epoque. La Belle Epoque duró aproximadamente desde 1870 hasta el
inicio de la Primera Guerra Mundial.

El modernismo también se conoce como Art Nouveau, Judgenstll o

Secession en función de su ubicación. Intenta fusionar arte y vida, influido
por la filosofía de John Ruskin y William Morris, rompiendo con anteriores
movimientos como el historicismo, el realismo o el impresionismo. Utiliza
elementos de la naturaleza para dar movimiento a sus obras, haciendo que
el componente orgánico tenga un fuerte protagonismo. Algo que distingue
a este movimiento es que sus autores trabajaban varias disciplinas. Un
arquitecto, por ejemplo, no solo diseña su edificio, si no también los
muebles y adornos que contendrá. Es por esto que comienzan a aparecer
objetos decorativos con la firma de su creador.
Algunos autores de este movimiento son:

Alfons Mucha: este pintor y artista decorativo checo es uno de los

grandes exponentes del Art Nouveau. Su estilo, muchas veces imitado, es
florido y sus diseños de línea sensual donde la imagen de la mujer es
siempre protagonista.

Charles Rennie Mackintosh: lo sabemos, suena a ordenador de Apple,

pero fue un arquitecto y diseñador nacido en Escocia en 1868 y uno de los
máximos representantes del Modern Style en su país. En sus obras
destacan las figuras geométricas y las líneas rectas y ascendentes.

Peter Behrens fue pionero en el diseño de carteles, creación de logos y

fuentes pero acabó buscando un diseño menos adornado, más pulcro y
funcional que le permitiera la producción modular y en cadena. Sus
retículas comenzaban con un círculo y un cuadrado que multiplicándose o
dividiéndose se podían usar para cualquier diseño.

La escuela Bauhaus

l principio del siglo XX estuvo marcado por la Primera Guerra Mundial que

comienza en 1914 con el asesinato del príncipe austriaco en Sarajevo que
provocó la guerra entre Serbia y Austria-Hungría y en la que ambos
bandos fueron apoyados por las grandes potencias mundiales.
Terminó con la derrota de Alemania y el imperio Austro-Húngaro y la
firma del Tratado de Versalles en 1919. Este mismo año, uno de los
alumnos de Behrens, Walter Gropius, fundó en Weimar
(Alemania)la escuela Bauhaus. ¿Te suena?

La Bauhaus fue una importantísima escuela que combinaba diseño, arte y

arquitectura. Influenciados también por el constructivismo, estudiaban la
forma, el color y la importancia del color en el diseño, los materiales, la
composición o el espacio e intentó aportar valor estético al producto
industrial para su resurgimiento después del conflicto. En 1925 la escuela
se trasladó a Dessau donde creció el interés en la parte más práctica del
objeto.

La Bauhaus desarrolló principios fáciles de comprender: se establecía

una jerarquía tipográfica y se utilizaban líneas, barras, cuadrados y puntos
para dividir el espacio y unir diferentes elementos, atrayendo así la mirada
del espectador. La escuela cerró finalmente en Berlín en 1933. En la
Bauhaus destacaron entre sus profesores grandes artistas como:

Kandinsky, de origen ruso. Gran pintor del expresionismo y la abstracción

y un gran teórico del color y el diseño.

Paul Klee que, al igual que Kandinsky, está considerado como uno de los
padres de la abstracción y uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Herbert Bayer, cuyas composiciones dinámicas con líneas horizontales y

verticales fuertes (e incluso diagonales) caracterizaron su etapa en la
Bauhaus. Creó la fuente universal cuyo nombre implica las aspiraciones de
los nuevos principios del diseño.

Moholy Nagy cuya pasión por la tipografía y la fotografía llevó a que se

hicieran experimentos importantes para unir estas dos artes.

Fuera de la escuela destacó El Lissitzky que estudió, innovó y experimentó

con nuevas formas de expresión, tanto en la tipografía como en la
fotografía y en el fotomontaje y su influencia en la evolución del diseño
gráfico fue crucial en los primeros momentos del Movimiento moderno
manteniéndose vigente hasta la actualidad.

Art Decó en Francia

Al mismo tiempo que en Alemania se desarrollaba la Bauhaus, en Francia y

otros países europeos optaron por un movimiento distinto. Después de la
guerra, el estilo decorativo del modernismo empezó a sustituirse
por trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana
y el menor coste de los diseños industriales. Hablamos del Art Decó.

Este movimiento se dio a conocer en la Exposition Internacionale des

Artes Decoratifs et Industriels Modernes de 1925 en París y duró hasta
1939. Las influencias provienen de diferentes vanguardias europeas, del
modernismo del que evoluciona, y también del estilo
racionalista y contemporáneo de la mencionada escuela Bauhaus.
Además, la influencia del constructivismo ruso aportó las líneas duras y la
solidez de las formas, así como la aparición de elementos monumentales
en sus composiciones.

En sus diseños aparecen las innovaciones tecnológicas de su época: la

aviación moderna, la iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento
marino y los rascacielos. Estas influencias se expresaron en un mayor uso
de formas geométricas y de la simetría. El empleo del color proviene del
fauvismo. Esto es evidente en revistas, libros y pósters de la
época. Destacaron los llamados “mosqueteros del cartel”:

Cassandre. Fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen

ucraniano. En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias
artísticas de la época de entreguerras del siglo XX. Sus carteles eran una
síntesis perfecta, y nunca antes vista, de arte, texto e imagen.

Loupot, que diseñó más de 60 carteles para impresores suizos, quienes le

enseñaron las limitaciones y recursos de la litografía.

Carlu del que dicen que sus trabajos son creaciones artísticas absolutas y
que en su obra se puede ver la constante utilización retórica.

Colin cuyo estilo era muy personal e imposible de categorizar: la precisión

de sus retratos y la fuerza de sus carteles para grandes causas lo llevó a
convertirse en un maestro de la comunicación visual.
 

El diseño gráfico en los años 30

Durante las primeras décadas del siglo XX en Europa varios diseñadores,

muchos independientes del Art Decó y la Bauhaus, hicieron aportaciones
significativas a la tipografía y aparecieron grandes tipografías como Gill
Sans, la Futura de Paul Renner o el movimiento Isotype creado
por Neurath. Pero, sin duda, la aportación más importante fue la que hizo
Jan Tschichold (1902-1974) con “La Nueva Tipografía”. En la Unión
Soviética y en Alemania condenan el “nuevo arte” y artistas como Gropius,
Moholy-Nagy, Bayer, entre otros deben emigrar a EEUU, pero allí
las corrientes conservadoras critican duramente estos movimientos
nacidos en Europa. Aunque algunos diseñadores estadounidenses
reconocieron la vitalidad de estas nuevas ideas.

Tschichold fue el principal responsable del desarrollo de las teorías sobre

la aplicación de las ideas constructivistas a la tipografía. Por medio de su
folleto “Tipografía elemental” y de su libro «La Nueva Tipografía» explicó y
dio a conocer la tipografía asimétrica a un gran número de
impresores, cajistas y diseñadores. Para él la tipografía simétrica era
artificial porque no daba significado a las palabras. Él era partidario de los
nuevos principios de diseño asimétrico, dentro de retículas matemáticas y
la distribución jerárquica de la información. Durante estos años varios
diseñadores sintieron su influencia, aunque sus visiones fueron
muy personales y originales. Se caracterizaban por ser diseños asimétricos
y dinámicos con originales composiciones tipográficas.

Destacaron entre otros:

Herbert Mater, de origen suizo, que fue pionero de los fuertes contrastes
de escala y del uso de la fotografía en blanco y negro, combinados con
símbolos y zonas de color.
Piet Zwart, nacido en 1885 en Holanda, que se interesó por los fuertes
contrastes que podía crear entre las formas de las letras y el espacio que
las rodea para provocar ritmo y tensión en sus diseños.

En EEUU destacó Lester Beall que en el provocador entorno de la

depresión trató de desarrollar formas visuales directas y estimulantes. A
menudo combinaba planos de color uniforme y símbolos elementales con
la fotógrafa buscando el contraste visual además del
contenido informativo.

El diseño gráfico durante la guerra. Cartel bélico

En 1939 comienza el conflicto bélico más importante de la historia, la

Segunda Guerra Mundial. El 1 de septiembre las tropas alemanas invaden
Polonia comenzando un conflicto que terminará en 1945 con el
bombardeo de Hiroshima y Nagasaki. Pasada la guerra, el mundo
prácticamente quedará dividido entre el bloque occidental y el comunista.

Durante el periodo de guerra, tanto durante la primera como durante la

segunda, muchos diseñadores encaminan su trabajo a motivar a la
población para apoyar a su país en la guerra. Con la Primera Guerra
Mundial pero sobre todo, tras la revolución rusa, nace el concepto de
cartel político o de propaganda, motivado por la necesidad de los
gobiernos de movilizar y manipular a las masas.

El cartel bélico, principalmente durante la Primera Guerra Mundial, imitó

muchas de las características de la publicidad de la época. Había carteles
de tres tipos: los que animaban al reclutamiento, los que solicitaban
recursos económicos y los que presentaban al bando oponente como un
villano. La publicidad se llena de grises o de color, ya sea para
desprestigiar al enemigo o para destacar los valores de la nación o de la
propia guerra. Las ideas se presentan de una forma muy visual y
comprensible para una mayoría analfabeta. Sin embargo, la aportación
más importante en el terreno de este tipo de cartel se la debemos a los
rusos que durante la revolución rusa emplearon las bases gráficas del
constructivismo para la realización de originales carteles que, a través de
imágenes y bloques sólidos de color, animaban al pueblo a la revolución.

De esta época podemos destacar la aparición de la gura del famoso Tío

Sam, creado por James Montgomery Flagg.

Una de las figuras más destacadas del movimiento ruso fue Alexander

Rodchenko que usaba una geometría clara, colores llamativos, textos con
siluetas, tipografías contorneadas y movimiento en la composición.

La propaganda de la Segunda Guerra Mundial siguió en gran parte las

líneas de la primera. Hablaban sobre la importancia de la unidad nacional,
la gloria del propio país, las atrocidades del bando contrario y la necesidad
de sacrificio por un bien común.

Sin embargo, en esta época los carteles han evolucionado, la imagen huye
de la estética publicitaria, las figuras son más genéricas y muchos tienen
un aspecto más tétrico.

Los años 50 en Suiza

Mientras la mayor parte del mundo sufría las consecuencias de la guerra

surgirán dos grandes escuelas o corrientes en el diseño: una en EEUU
llamada por algunos la escuela de Nueva York y otra encabezada por los
suizos, denominada estilo internacional. Este movimiento tuvo
dos epicentros: uno en Basilea y otra en Zurich.

El nuevo estilo nacido en este país en los años 50 llegará a ser el

predominante en la historia del diseño grafico hasta los años 70 y una
referencia imprescindible en la época actual. revolucionaron el mundo
del diseño, especialmente el editorial. Influenciados también por el
constructivismo y la Bauhaus los diseñadores de este estilo definían el
diseño como una actividad socialmente útil e importante, y dejaban de
lado la expresión artística y personal buscando una solución más científica
y universal.

Sus tres pilares básicos son: la estructura basada en una retícula, la

disposición de los elementos de forma asimétrica y el uso de tipografías
sin serifa, el uso de fotografía en blanco y negro. De esta forma creaban
un diseño claro y conciso.

Destacaron en este movimiento:

Emil Ruder: que fomentó el espacio en blanco y la limitación en el uso de

tipografías.

Theo Balmer: que destacó por su meticuloso uso de la retícula.

Max Bill: empleo fórmulas matemáticas y geométricas para crear diseños

más potentes, además popularizó la tipografía Akziden Grotesk.

Josef Muller-Brockman diseñador suizo que encabezaba la escuela de

Zurich y entre sus obras más influyentes se encuentran los carteles
promocionales para conciertos de esta misma ciudad.

Los años 50 en Estados Unidos

A principios de siglo fue París, después Alemania, y a mediados de siglo

fue Nueva York quien se convirtió en el centro cultural del mundo y el
diseño gráfico jugó un papel muy importante en ello. Esta época del diseño
gráfico estadounidense iniciada con fuerte raíces europeas durante los
años 40 ganó reconocimiento internacional por sus originales puntos de
vista en los años 50 y continuando hasta hoy.

Mientras el diseño europeo era teórico, y sumamente estructurado, el

diseño estadounidense era intuitivo y más informal en su enfoque para
organizar el espacio y por eso dictaron su propia forma de diseño
moderno. Se puso énfasis en la expresión de ideas y en la presentación
abierta de la información. Se valoraba mucho la novedad en la técnica y la
originalidad del concepto y buscaban resolver los problemas de
comunicación a la vez que satisfacer una necesidad de expresión personal.
Lubalin la llamó la Escuela Estadounidense del Expresionismo gráfico.

Esta escuela influyó mucho en la historia del diseño gráfico y destacaron:

Paul Rand. Padre del diseño moderno americano. Rand demostró que
incluso el más simple de los objetos lleva varias capas de significado. Tenía
un talento especial en la creación de símbolos gráficos originales, dueños
de un encanto e ingenuidad que comunican efectivamente con el público.

Saul Bass, muy conocido por sus créditos de cine y algunas de

los logotipos más importantes de Estados Unidos. Característico de su
trabajo fue la simplificación de la forma hasta conseguir un poderoso
símbolo gráfico que domina la composición. Su lenguaje gráfico, si bien
minimalista, posee una gran cualidad plástica, lograda con el uso del papel
cortado a mano, pinceladas descuidadas o escritura manual

Los años 60 y 70 en Europa

Los años 60 y 70 se caracteriza por un periodo de fuertes tensiones

políticas entre los Estados Unidos y la URSS iniciados después de la 2GM,
la “Guerra Fría”. Derivará en varios acontecimientos importantes, como la
carrera espacial o la guerra de Vietnam. La población no aprueba las
decisiones de sus gobiernos provocando importantes revoluciones sociales
y culturales en EEUU y en Europa.

Polonia pasó de ser un país independiente a ser casi destruida por los nazis
durante la guerra y posteriormente a tener un gobierno comunista. Francia
es un hervidero de nuevas ideas y movimientos juveniles y en Inglaterra
las crisis, las altas tasas de paro y la aparición de grupos como el IRA crean
en la población juvenil un fuerte sentimiento de nihilismo y rebelión contra
el sistema. La inestabilidad política tendrá una gran influencia en los
artistas y en la historia del diseño grafico.

Los artistas polacos buscan en sus carteles una identidad propia. Su estilo
tiende en gran parte al surrealismo y tienen una preferencia clara por el
collage. No buscan vender, sino que usan el diseño para promocionar
eventos culturales y los clientes son las propias instituciones. Esta libertad
de acción les permite crear obras que serán de gran influencia en el resto
de Europa en los años venideros, como por ejemplo en Francia.

En Francia el diseño tiene un fuerte componente político y de protesta, y

su mensaje, fruto de un profundo ejercicio intelectual, pretende hacer
reflexionar a la población.

En Inglaterra el ansia de libertad se manifiesta en la estética punk que

rompe con los elementos del diseño creando un lenguaje crudo y en parte
dadaísta, caracterizado por el collage y el uso de colores estridentes.

En Francia destaca el estudio GRAPUS dedicó su actuación, entre los años

1971 y 1991 al diseño de carteles de carácter insólito sobre temas
sociales y políticos. Se caracterizaron por el uso de símbolos reconocidos
en la memoria colectiva del público, combinadas de forma
contradictoria con el objetivo de crear un malestar en el espectador y así
llamar su atención. Sus carteles de gran creatividad artística, son
herederos de esta libertad de acción del diseño polaco.
En Inglaterra, pondremos como ejemplo los carteles de Jamie Reid. Jamie
Reid es un artista inglés nacido en 1947 y totalmente ligado al movimiento
punk. Se caracteriza por el uso de textos a base de recortes y las imágenes
provocativas en contra del sistema. Colaboró con la mítica banda
“Sex Pistols” en la portada de sus álbumes.

Años 60 y 70 en Estados Unidos

Y en estos momentos, ¿Qué se cuece en Estados Unidos? Recordemos

que nos encontramos en plena guerra fría y sus tropas se encuentran en
Vietnam. En su país, los jóvenes crean movimientos antibelicistas y
feministas y nacen nuevas culturas como los hippies y los beatniks. ¿Y qué
pasa con el diseño? Estamos en una época de grandes avances
tecnológicos, la televisión es el medio de comunicación por excelencia y
comienza la edad de oro de la publicidad, consolidándose muchas de las
grandes empresas del sector.

En este periodo gana fuerza el expresionismo gráfico, que juega con la

forma de las palabras para expresar una idea. Se perfeccionan las técnicas
de expresión gráfica como la fotografía, la infografía o la fotocomposición
con la ayuda de los primeros programas de ordenador. Pero esto no acaba
aquí. La cultura juvenil ha creado sus propios valores, su música y esta
forma de vida necesita una nueva estética, caracterizada por las caligrafías
psicodélicas y distorsionadas, las formas simplificadas y el uso del color.

Dentro de este género encontramos a Milton Glasser. Sus obras durante

los 60 utilizaban la línea negra de contorno y añadía después gran
cantidad de color. Sus imágenes fueron imitadas muchas veces, pero él
siempre consiguió soluciones innovadoras con sus diseños.
Con un estilo completamente distinto tenemos a Lubalin, nacido en Nueva
York en el 1918. Fue uno de los innovadores tipógrafos americanos,
atreviéndose a explotar las posibilidades de la tipografía jugando con
forma y significado.

Historia del diseño gráfico durante los años 80

A partir de los años 80, los ordenadores personales y los nuevos

programas informáticos gráficos ofrecieron a los diseñadores la
oportunidad de jugar con la relación del texto con la imagen. La aparición
de Internet supone la globalización de la información y una gran
revolución en la comunicación. La sociedad de consumo comenzó a
forjarse a principios de siglo y la cultura popular ya domina el campo
visual. La era digital trajo consigo cambios en la percepción del espacio y la
composición abriendo paso a un nuevo lenguaje gráfico con nuevas
posibilidades para la tipografía y las imágenes.

En EEUU el New Wave de California utilizó la tecnología fotográfica y

electrónica para realizar diseños más informales. Cuestiona el uso de la
retícula para buscar mayor expresividad y, a pesar de romper con las reglas
del Estilo Tipográfico Internacional, este estilo mantuvo la letra de
palo seco y el carácter geométrico y angular del diseño, lo que provocó
que muchos lo considerasen una evolución en vez de una ruptura. Gana
poder la fotocomposición y la unión entre texto e imagen.

Wolfgang Weingart, padre del nuevo estilo que partiendo del estilo suizo
comenzó en los 70 considerando que el texto pulcro y ordenado no servía
de mucho si no despertaba el interés del espectador a leerlo. Apostaba por
la expresividad para mejorar la comunicación, realizando
ciertas modificaciones en la letra.
Destaca April Greiman, reconocida por ser de las primeras diseñadoras en
incorporar el ordenador como herramienta de diseños. Su concepción del
diseño concibe la página como si esta fuera un espacio tridimensional
donde los elementos se mezclan felizmente sin jerarquías y en un
complejo orden.

Otro diseñador que ha destacado al final del siglo es Neville Brody,

diseñador y tipógrafo inglés. Su trabajo revolucionó el diseño editorial con
el uso atrevido del espacio en blanco fotografías impactantes unida a una
tipografía transgresora de cualidades plásticas que llegó a transformar en
símbolos abstractos.

David Carson: para él, un buen diseño es aquel que provoca una reacción
en el receptor, por lo que su trabajo se basa más en la intuición que en el
pensamiento. Creaba páginas de escasa legibilidad, pero con composición
gráfica exquisita y una estética sucia convirtiéndole en una figura del
movimiento Grunge.

Durante el siglo XX los medios de comunicación adoptaron nuevas formas

y cada nueva técnica aportó al diseñador un control mayor sobre el
proceso gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños
innovadores y de gran originalidad. Pasados los años 80 el diseño gráfico
se metió de lleno en la conciencia popular y empezó a formar parte de la
vida cotidiana de la gente la televisión omnipresente en todos los hogares
comenzó a usar diseño para créditos de series, programas o videoclips

No se puede negar que a finales de siglo las nuevas formas de

comunicación de la era digital, como es el caso de internet han contribuido
a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial yendo un paso
más con la creación y diseño de páginas web.

La era digital que empezó en los años 80 cambio el papel por la pantalla y
sobre todo la forma de relacionarnos con las imágenes o el texto, pero las
bases del diseño gráfico que nos permiten transmitir información de
manera efectiva e impactante son las mismas que comenzaron a escribirse
100 años atrás y que fueron enriqueciéndose a través del tempo en un
continuo y constante diálogo.

¿Qué nuevas formas de comunicación gráfica nos traerá el siglo XXI?

¿Cómo influirá en el diseño gráfico? En Buda Marketing estaremos
encantados de leer vuestros comentarios y respuestas.