Estilos musicales –La historia del jazz - 1

I N S T I T U T O CANZION
Carrera Técnica Ministerial
Materia: Estilos Musicales
Profesor: Marcos M. Duarte
marcosdu@hotmail.com

Introducción:

El sonido del jazz es un sonido que ha trascendido las diferencias de edad, cultura, idioma e
historia musical en el mundo entero durante el presente siglo, una amalgama de música africana y
europea que no hubiera podido producirse ni haber adoptado formas tan diversas y fascinantes
más que en el “Nuevo Mundo”. El jazz es considerado como la expresión más dinámica y
significativa de la música de los últimos cien años. Ha cambiado nuestra manera de escuchar
música, de bailar, de hablar, y aunque ha tenido que pasar mucho tiempo (un tiempo excesivo y
doloroso para algunos grandes artistas del pasado) para que se aceptara el jazz como uno de los
acontecimientos más imaginativos y llenos de inspiración del siglo XX, representando una
realidad cultural fundamental en la panorámica de la música contemporánea, de modo que se
respeta y se admira cada día mas su espíritu de cambio.
Verdadero medio de comunicación del mundo de hoy, el jazz ha evolucionado de forma
constante durante su siglo de existencia: el gospel, el swing, los blues, el be-bop, el free jazz, el
jazz-rock... son otras tantas manifestaciones de su vitalidad.
Música individual y colectiva al mismo tiempo, el jazz ha dado al mundo grandes instrumentistas,
cantantes, compositores y orquestas: trompetistas como Louis Armstrong, Dizzie Gillespie, Miles
Davis, saxofonistas de la talla de Stan Getz, Charlie Parker, John Coltrane, pianistas como Art
Tatum y Earl Hines ... Orquestas como la de Duke Ellington o Benny Goodman, o las voces
extraordinarias de Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Ray Charles o Sara Vaughan ...
Naturalmente, el jazz no se descubre en los libros. Hay que escucharlos, en vivo y en grabaciones,
para que nos lleguen su exuberancia, su insolencia, su ingenio y su fuerza; pero también tiene
historia ...

El éxodo:

Cuando la esclavitud mezcló la civilización africana con la europea y la transplantó a ésta, surgió
el jazz, un híbrido compuesto por dos civilizaciones que se transformaron al coexistir en un
Nuevo Mundo (América).
El comercio de los esclavos recogió la fuerza de centenares de miles de senegaleses, yorubas,
dahomedianos y asantis, cada uno de ellos con tradiciones propias y los depositó en las
plantaciones de tabaco y algodón del Caribe y las Américas. Las tradiciones de los esclavos no
eran iguales entre sí ni tampoco las de los propietarios de los esclavos. Según las estadísticas, el
mercado de esclavos africanos tuvo un saldo de 15 millones de hombres, mujeres y niños,
vendidos en distintas zonas del mundo. La mayor parte de esta cifra fue a parar a América.
Los católicos portugueses, españoles y franceses respetaban más la cultura del África Occidental
que los protestantes británicos, que prohibieron los bailes y los tambores. Todos estos conflictos
desembocaron el en jazz.
En algunos casos los rituales del catolicismo y los del África Occidental llegaron a superponerse
hasta el extremo de que algunos esclavos tocaban los tambores en la festividad de San Patricio,
disfrazando una religión con las ceremonias de otras.
La danza africana sobrevivió sin problemas en la Cuba prerrevolucionaria: la rumba, la conga, el
mambo, el cha-cha-cha eran fundamentalmente africanos; y los orígenes del calipso en Trinidad
se encuentran en el África Oriental.
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El ritmo africano:
En la música de África Occidental, el ritmo predominaba sobre la melodía y la armonía, al
contrario que en la europea.
Falsetes (omitir o forzar las notas en lugar de que salgan puras). Muchos predicadores y
cantantes masculinos son maestros en esa manera de cantar con falsetes que eleva al tenor o al
barítono masculino por encima de su ámbito normal hacia el de soprano femenino, esta es una
forma de cantar que se practica en África desde hace siglos. Esta forma de cantar ha penetrado
desde los spirituals y el gospel al blues y más allá al jazz moderno o a la música
contemporánea de rock y de soul de Prince y de Michael Jackson.
En las ceremonias religiosas abundaba la agrupación en tresillos.
Las canciones de trabajo: ritmos, patrón de llamada y respuesta son elementos del jazz primitivo.
Con escasez de medios, se puede hacer música cantando, batiendo palmas y dando golpes con los
pies. En el Sur, la voz, el banjo y la percusión corporal mantuvieron vivas las tradiciones
musicales de África.

Nuevos comienzos:

A los blancos les convenía justificar la esclavitud como medio para revelar la verdadera fe a los
paganos, y la religión sirvió de contacto, debido a que los negros africanos poseen un gran
sentido religioso, consecuentemente, aceptaron con facilidad el cristianismo.
Ya en el siglo XVIII algunos predicadores blancos tenían ayudantes negros que prestaban
teatralidad en las ceremonias al aire libre y así aumentaba el numero de los feligreses.
Hacia 1770 se hizo famoso un pastor llamado Harry el Negro por el ardor de sus sermones, en
los que rejuvenecía los salmos tradicionales con entonación de glissandos africanos, ritmo
irresistible y la técnica llamada antífona, consistía en que los fieles repetían rítmicamente las
palabras del predicador cada 2 o 3 reglones. Heredada de la iglesia británica, de la época en que
los feligreses no podían leer el libro de oraciones, esta costumbre reflejaba la “llamada y
respuesta” africana que se encuentra en el gospel, riffs en el swing, coros instrumentales y
percusión en el be-bop.
La música africana y europea se unió en la iglesia y en el trabajo.

Las canciones de trabajo.

Las canciones de trabajo se inventaron para sobrellevar el aburrimiento de los trabajos duros y
monótonos. Las canciones de trabajo tenían una pulsación regular y se adaptaban a la velocidad
de los martillos.
Esta basada en un patrón de llamada y respuesta. Los terratenientes les impedían que cantaran
y tocaran música africana. Sin embargo no lo lograron y finalmente surgieron estilos musicales
que era resultado de la música que hacían los esclavos con música de los colonos europeos.
Pero los capataces llegaron a un punto en que no interrumpían los cantos africanos porque
mejoraban la producción y el estado de ánimo de los trabajadores. Veamos un ejemplo de
canción de trabajo:

Líder: Tenemos que terminar este trabajo pesado.

Trabajadores: Oh, oh!
Líder: No nos importa este sol tan fuerte.
Trabajadores: Uh, uh!
Líder: El amo dice : “Vamos”!!!
Trabajadores: Oh, oh!
Lider: Se enoja si vamos muy despacio.
Trabajadores: Uh, uh!
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La sencillez de estas frases, debida probablemente a su escaso conocimiento de la lengua de los

colonos, fue evolucionando hasta convertirse en poesía vigorosa, tierna, desesperada a veces.
La música estaba en todo:
• Cantos para cortejar a las mujeres
• Cantos para insultar
• Cantos con ritmos adaptados a tareas concretas
• Cantos para la navegación
• Cantos para el culto
• Cantos para la guerra
Los cantos de trabajo encontraron su paralelismo rítmico en el golpear el martillo o pico y
nacieron extraños híbridos de melodías y letras.

Diferencias:
Gran parte de la música clásica europea estaba basada en escalas de 7 notas (diatónica), es decir,
do, re, mi, fa , sol, la y si. La escalas africanas solían usar 5 notas (pentatónica), es decir, do, re , mi,
sol y la; así evitaban intervalos pequeños (semitonos).

Una de las diferencias más importante entre la música europea y la africana es el papel que
desempeña el ritmo.
A esto llamamos polirritmia. En las reuniones en África, un percusionista establece un ritmo
base, después entran otros percusionistas con diferentes ritmos que se cruzan unos sobre otros
para crear una gran masa rítmica.

Los spirituals y la música gospel:

En los espirituales se mezclaban las síncopas y las polirrítmias de África con las melodías de los
himnos de los colonos blancos. En sus orígenes, las primeras canciones gospel tenían un patrón
de llamada y respuesta, con un líder (sacerdote) cantando primero y el resto (congregación)
contestaba en coro.
Generalmente el líder canta frases largas y el coro responde con frases cortas, y a varias
voces.
El término posterior para designar a los spirituals y a los cantos religiosos negros es música
gospel, pero éste es mas vital, tiene mayor swing que los spirituals. El gospel y el spirituals son la
forma religiosa del blues.
Cabe destacar que las mejores cantantes de jazz han comenzado en iglesias como: Sarah Vaughan
y Aretha Franklin. Pero la cantante mas importante de gospel fue y aun es después de su muerte,
Mahalia Jackson, nacida en Nueva Orleáns. En 1945 se hizo famosa de golpe cuando su disco
Move On Up a Little Higher se convirtió en el de mejor venta en las categorías de los grandes éxitos:
se vendieron mas de un millón de copias.
Músicos como Horace Silver y Ray Charles han desencadenado en la segunda mitad de los años
cincuenta una ola de soul que recibió sus impulsos decisivos de la música gospel y que influyó en
los años sesenta en la música pop. Algunos de los cantantes de rock y soul de más éxito en los
sesenta y setenta serian inconcebibles sin su fondo gospel: la mencionada Aretha Franklin, Little
Richard, Wilson Pickett, James Brown.
Existe expertos que consideran que la música gospel es más importante que el blues en la
evolución que condujo a los sonidos contemporáneos en el rock, el pop y el jazz. Charles Keil
señala que en Chicago, la capital de blues del mundo, existen cuanto menos cuarenta iglesias por
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cada cantina donde se toca blues o jazz. De manera que el joven negro tiene cuarenta veces mas
oportunidad de oír gospel que de oír blues.
El guitarrista Danny Barker cuenta de Bessie Smith: “Si antes ibas con frecuencia a la iglesia,
como la gente que venia del sur- yo, por ejemplo-, sabrás que existe un parecido entre lo que
hacia Bessie Smith y lo que hacian los predicadores y evangelistas del sur. En cierto modo era
como Billy Graham es hoy ...”

La voz:

Las investigaciones de Louis Armstrong sobre los sonidos explosivos, como de tambor, del canto
scat, sin palabras e improvisado, fue uno de los ejemplos más influyentes para la creación del
sonido de los cantantes de jazz. Su tonalidad áspera difiere de la europea, pero posee una enorme
expresividad. La mas celebre cantante de gospel fue Mahalia Jackson, nacida en Nueva Orleáns,
realizo giras por las iglesias del sur de Estados Unidos, antes de grabar su primer disco en 1937.
Entre las cantantes de blues clave se cuentan Ma Rainey, potente y divertida, y la majestuosa
Bessie Smith, emperatriz del blues, cuyo sonido podía evocar un coro bautista o el rugido de la
trompeta. Billie Holiday fue la quintaesencia del jazz. Su sensible voz poseía una flexible
improvisación semejante a la del saxo y lograba que la canción mas frívola sonara sublime. Las
big bands anunciaron la llegada de Ella Fitzgerald, relajada y de ritmo contagioso y de la
operística Sarah Vaughan. Leon Thomas, Al Jarreau y Bobby McFerrin en época mas
reciente han ampliado el scat, los efectos sonoros y la canción popular, transformándolo en
fusión, soul y funk.

La marcha:

Luego de que fue abolida la esclavitud en América, en el año 1865, surgen los esclavos negros
como músicos.
Uno de los estilos de música europea que habían sido populares durante el siglo XIX fue el de las
bandas de desfile.
Los ritmos de una marcha están claramente divididos en una métrica simple de 4 pulsos por
compás. Los pulsos 1 y 3 tienen un acento mas fuerte que los pulsos 2 y el 4. Cuando los
estados del norte ganaron la Guerra Civil Americana los esclavos fueron liberados. Muchas de las
bandas de desfile que habían llevado soldados a la guerra se deshicieron de sus instrumentos y los
vendieron a precio de ganga. Estos eran: clarinete, trompeta, trombones, tambores, bombos y
platillos. Los negros, una vez que adquirieron los instrumentos, formaron sus propias bandas y
tocaron sus propias versiones de marchas solemnes europeas. Al introducir ritmos sincopados y
al cambiar las notas de la melodía cuando querían, las hicieron mas divertidas de tocar.

El ragtime: (rag- ged time = tiempo despedazado o sincopado):

Aunque no es realmente jazz, ya que no tiene improvisaciones ni el enfoque de los blues, es un

estilo que tuvo su auge en la última década del siglo XIX, influenció a todos los primeros estilos
del jazz que surgieron después. El ragtime se desarrolló durante la década de 1890 en los salones,
bares y cafés de las ciudades al sur de los Estados Unidos. Fue la primera música negra en ser
aceptada por la gente blanca, posteriormente los blancos terminaron por escribirla y tocarla ellos
mismos. Esta música tiene características de la marcha, ya que tiene un pulso constante de
corcheas tocado por la mano izquierda del pianista que marca el ritmo del bombo y de los
platillos.
La capital de ragtime fue Sedalia, al sur del estado de Misuri; llegó a tener importancia debido a
que Scott Joplin se estableció allí, pero el nació en Texas en 1868. Joplin es el principal
compositor y pianista de rags. El ragtime es una música compuesta, y pianística.
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Características musicales: Su síncopa y estructura, las que mezclan aspectos de la música docta y
las marchas, insinúan el jazz, especialmente en algunas de sus melodías (Maple Leaf Rag), las que
años más tarde serían interpretadas por músicos del estilo Dixieland. La mano izquierda del
pianista hace octavas para tomar el lugar del bombo y acordes para apoyar los golpes del platillo.
La mano derecha hace sincopas permanentemente o silencios en tiempo fuerte.

Estructura: El ragtime tiene una forma regular. Consta de cuatro o más melodías o temas cada
uno de los cuales dura 16 compases que podemos llamar A B C D, etc, y a menudo se tocan en
este orden: A A B B A C C D D
Existen cuatro formas de rags:
Æ Canciones de ragtime para vocalistas.
Æ Los banjos – rags texanos.
Æ Los rags para instrumentos de vientos.
Æ Los rags para conjuntos de cuerdas.
El único que se conserva hoy es el rag para piano o rag clásico.
Pianísticamente corresponde a la música de piano del siglo XIX, contiene: Chopin, Liszt, marcha
y polca. Ragtime puede decirse: “es música blanca tocada a la negra”.

El piano:

Las melodías paralelas de Jelly Roll Morton, maestro del piano de ragtime, jazz primitivo y blues
influenciaron a Earl Hines y Art Tatum. Willie “The Lion” Smith y James Johnson, de la
escuela de stride de Harlem, mezclaban recursos clásicos con ragtime e influyeron a los
compositores y pianistas Ellington y Basie. Bill Evans y Lennie Tristano añadieron largas
líneas y extrañas armonías con enfoque cool e influyeron a McCoy Tyner, Chick Corea, Herbie
Hancock, Keith Jarrett, Michel Petrucianni, Michel Camilo. En el free, Cecil Taylor es
fascinante.

El blues, la verdad del sentimiento:

Uno de los elementos fundamentales de casi todos los tipos de jazz y de gran parte de la música
popular de Occidente deriva del blues, pero el blues de doce compases y tres acordes que aprende
hoy en día todo guitarrista adolescente aparecieron relativamente tarde, con la mezcla de música
rural afroamericana y las armonías de música eclesiástica europea. Antes de 1.900, un músico de
blues que tocara en solitario la guitarra o el banjo le traía sin cuidado cuantos compases debe durar
un cambio de acorde. Un músico así consideraba la armonía menos importante que la canción y
su sonido único, ese ascenso y descenso de tonalidad, emotiva, el grito en falsete o holler (canto
africano de los campos), y la letra pragmática, cargada de ironía, tragedias cotidianas, temores,
esperanzas y frases burlonas.
A partir de 1.900 se hicieron muy populares los blues más metódicos, con partitura y todo (“St.
Louis Blues”, de W. C. Handy, por ejemplo), y vivió un breve éxito durante los años veinte y
treinta, cuando la floreciente industria discográfica encontró un buen mercado para sus sellos
“raciales”, dirigidos especialmente a los habitantes de los barrio negros de Estados Unidos. La
Depresión marginó el blues hasta que evolucionó en los años 50, dando origen al rock and roll.
Comenzó en las zonas rurales del sur, pero en poco tiempo ya se empezaron a escuchar cantantes
de blues en las ciudades.
Era una música llena de emociones, poco elaborada, y la escala sobre la que se basaban las
melodías y armonías termino por llamarse escala de blues.
En la escala mayor diatónica los grados III (Mi) y VII (Si) se tocan o se cantan un semitono más
bajo (Mib) y (Sib) .
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Numerosas canciones de blues siguen la forma del blues de 12 compases, la mayoría de las
letras de blues tiene 3 frases, siendo las dos primeras iguales.
Cada una de las frases tiene 4 compases.

El blues de 12 compases utiliza 3 acordes. Los nombres técnicos de estos son tónica o acorde
de I grado (Ej: C7), subdominante o acorde de IV grado (Ej: F7) y dominante o acorde de V
grado (Ej: G7).

El jazz tradicional (DIXIELAND):

El último estilo que surgió de la mezcla de la música africana y europea después de 1900 fue el
jazz tradicional.
Nueva Orleáns, la ciudad más importante en el surgimiento del jazz, era un gran puerto de mar y
el hogar de muchos ex esclavos, quienes trajeron consigo cantos de trabajo y espirituales.
La música de la gente blanca también fue popular en forma de marcha, himnos y series de danzas
como la cuadrilla. El ragtime y el blues también podían oírse en los bares y burdeles del barrio
llamado Storiville en Nueva Orleáns.
El jazz de Nueva Orleáns era un estilo de música con una rígida estructuración de grupo, con
papeles estrictamente establecidos para cada instrumento. Generalmente se destacaba el
trompetista o cornetista, los que tocaban la melodía, con apoyo armónico del trombón, filigranas
del clarinete y un ritmo constante establecido por la sección rítmica, la que normalmente estaba
compuesta por piano, banjo o guitarra, tuba o contrabajo y batería.
Papa Jack Laine, de Nueva Orleáns, director de bandas callejeras, fue el “padre del jazz blanco”.
En las fiestas callejeras, bandas de blancos y de negros competían marchando a través de la
ciudad. Los blancos eran menos expresivos, pero tenían más recursos técnicos; en cambio los
negros tenían más alegría y sus improvisaciones estaban cargadas de blues. Cada integrante de la
banda en cada tema, tenia un espacio para improvisar, es decir, que en todo tema había
improvisación colectiva.
Y por primera vez en la historia de la música, en el año 1917, la Original Dixieland Jazz Band,
emplea el término jazz. Anteriormente se escribía jass. La Original Dixieland Jazz Band
(O.D.J.B), produjo la primer grabación del género “Livery Stable Blues” y “Original Dixieland
One-Step” e introdujo la palabra jazz en el vocabulario de todos los neoyorquinos, desde la gente
de la calle hasta los moradores de palacios.
Pero los componentes de la O.D.J.B no inventaron el jazz. Lo habían oído en New Orleáns, en el
barrio de los burdeles, en los desfiles callejeros y las marchas fúnebres: era un sonido insólito,
discordante y agridulce en el que aparecían mezclarse la música militar, las canciones de vodevil,
los cánticos religiosos, el blues rural, lo festivo, lo laborioso , lo sentimental.
En esta época tambien se destacaron Buddy Bolden, Louis Armstrong, Muggsy Spaniel, Kid Ory,
King Oliver, Sidney Bechet, Johnny Dodds, Jelly Roll Morton, Baby Dodds.
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El trombón:

Kid Ory y George Bruñes, de Nueva Orleáns, perfeccionaron el papel del trombón respecto a
los metales más ligeros. El swing de los 30 le confirió una modalidad más urbana, donde se
destaca Jimmy Harrison. Tommy Dorsey le dio una entonación impecable. El free jazz
recupero un trombón mas sólido con Roswell Rudd y Grachan Moncur, mientras que Albert
Mangelsdorff se acompaña a si mismo, armonizando con las notas.

LOUIS DANIEL ARMSTRONG – Trompetista – Show Man

Alias: “Satchmo”, “Pops”, etc.
; Nace en Nueva Orleáns en 1898, muere en Nueva York el 6 de julio de 1971.

; Principales grabaciones: Bandas Hot Five y Hot Seven desde 1925 a 1928, “West end
blues”, “Potato head blues”, “Cornet chop suey”, “Weather bird”, “Herbbie Jebbies”.

; Principales compañeros: Joe “King’ Oliver, Lil Hardin Armstrong, Kid Ory, Earl Hines,
Fletcher Henderson, Jack Teagarden.

; Comentario: creció con el jazz de Nueva Orleáns y creo en él un estilo solista

instrumental. Empleó variaciones rítmicas y un equilibrio estructural basado en la
composición anteriormente inconcebible en la improvisación. Popularizó un estilo de
canción scat como instrumental, sin letra, reflejando en sílabas sin significado la garra
percusiva del metal.

La batería:

En las bandas de desfile, cada tambor era llevado y tocado por un músico diferente. Sin embargo,
cuando los músicos empezaron a cobrar dinero por tocar en los bares, la situación cambio, ya que
tenían que contratar a varios percusionistas resultaba muy caro.
Así, un solo músico fue el encargado de tocar todos los tambores y otros instrumentos de
percusión. Para que su trabajo resultara más fácil se desarrollo la moderna batería en la que el
bombo y los platillos de choque (hi-hat) se tocan con pedales y el resto de la batería con palillos.
Esto demanda mucha concentración y coordinación por parte del percusionista.

Con la evolución del jazz a partir de las bandas callejeras, los bateristas empezaron a reflejar las
improvisaciones de los solistas. Warren “Baby” Dodds y Zutty Singleton empleaban bloques
de madera o cajas para los acentos y platillos para el énfasis. Gene Krupa, Cozy Cole y Jo Jones
desarrollaron el ritmo cuaternario uniforme en el swing. Jones aligeró el sonido con un silbante
fluir de platillos tras los solistas; Krupa concibió el espectacular solo de batería y Buddy Rich es
su discípulo más famoso.
Kenny Clark, Max Roach y Art Blakey ampliaron el ritmo del plato, dando irregularidad a
otros acentos, sobre todo al bombo. Los bateristas querían hacer algo más que marcar el tempo,
actitud que tomaron Elvin Jones, Tony Williams, Jack Dejohnette.

La improvisación:
Lo emocionante de la música de las bandas que actuaban en los bares era el hecho de que gran
parte de lo que tocaban fuese improvisado, inventado o creado por los músicos según iban
tocando.
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Esto no significa que las melodías no tuviesen forma o que cada uno podía tocar las notas que
quisiera, porque terminaría en un ruido terrible y caos total.
Cada pieza musical tenia como base un ritmo de marcha. Tanto los acordes que formaban el
acompañamiento, a menudo un blues de 12 compases o alguna secuencia armónica de una
melodía bien conocida de la época, como las escalas que podían usarse, ya eran bien familiares
para los músicos.
Los músicos jugaban con las notas de la melodía, y también agregaban contramelodias; así se
alejaban cada vez más del original sin que lo que tocaban dejara de ser reconocible.

1920: De Nueva Orleáns a Chicago:

Lo esencial de los años 20 se puede resumir en: “La gran época de los músicos de Nueva Orleáns
en Chicago”.
Se suele relacionar la evolución del jazz de Nueva Orleáns en Chicago con la intervención de la
primera Guerra Mundial. Nueva Orleáns se convirtió en esos días en puerto de guerra, y el
secretario de Marina consideró que la vida disipada de Storiville constituía un grave peligro para la
moral de sus tropas. Storiville fue clausurado por decreto oficial. Este decreto dejó sin trabajo a
los músicos de Storiville, en especial a los pianistas que trabajaban en los bares del mencionado
barrio, a los que entonces se los conocía como los “profesores”.
Chicago, la ciudad del viento, situada a la orillas del lago Michigan, había fascinado ya desde hacía
mucho tiempo a gran cantidad de músicos de Nueva Orleáns.
El estilo de jazz de Nueva Orleáns tuvo su verdadera gran época en el Chicago de los años 20.
Allí, y no en Nueva Orleáns, se grabaron los famosos discos de jazz de Nueva Orleáns para
gramófono.
Típicamente, el marco incluye una improvisación colectiva durante el primer coro del tema,
seguida por solos individuales con acompañamiento de los otros instrumentos, el cierre lo hacen
todos los instrumentos interpretando el tema y una coda de 4 compases del baterista a la que
responde el resto de la banda.
King Oliver dirigió la mas importante banda de Nueva Orleáns en Chicago, Louis Armstrong
formó allí sus Hot Five y sus Hot Seven, Jelly Roll Morton sus Red Hot Peppers, etc.

La trompeta:

El primer trompetista de jazz, Charles “Buddy” Bolden, tenia un sonido potente y una
tonalidad de blues. Joe “King” Oliver, de Nueva Orleáns, sirvió de inspiración a Louis
Armstrong, que revolucionó los estilos rígidos basados en el blues de los primeros años con una
lógica narrativa masa sostenida. Roy Eldridge, espectacular trompetista de swing, influyó en la
técnica de be-bop de Dizzy Gillespie. La trompeta sensual y reflexiva de Miles Davis dominó el
jazz de postguerra. Wynton Marsalis, de extraordinaria técnica, puede tocar prácticamente todos
los estilos.

El jazz viaja al norte:

El swing:

La emigración de gente negra hacia el norte (de Chicago a Nueva York) continúo a lo largo de los
años 20 y 30. Las inundaciones y las plagas habían arruinado las cosechas mientras que ciudades
del norte y sus industrias ofrecían muchas oportunidades. Los negros estaban obligados a vivir en
ciertas zonas de las ciudades. Pronto cada ciudad tenía su propio gueto negro sobresaturado,
integrado por familias que compartían vivienda e instalaciones. Los trabajos de los negros estaban
muy mal pagados y eran desagradables, además de estar viviendo en pobreza.
Fueron estas circunstancias en las que iban a desarrollarse nuevos estilos de música negra.
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La palabra swing se emplea en dos sentidos: En primer lugar designa un elemento rítmico; éste se
encuentra en todos los estilos, fases y modos interpretativos del jazz, es decir, “sin swing no hay
jazz”. Por otra parte, se designa como swing al estilo de los años treinta, aquella época donde el
jazz obtuvo sus mayores éxitos comerciales.
Si bien el jazz de Nueva Orleáns se caracteriza por sus improvisaciones en grupo (ensambles),
cuando el jazz se hizo popular en los años 20 y la demanda de bandas de baile creció, fue
necesario que estos ensambles fueran pasados al pentagrama, especialmente cuando los grupos
incluían a más de tres o cuatro vientos. Aunque el Swing se inició en gran parte cuando Louis
Armstrong se unió a la banda de Fletcher Henderson en 1924 y Don Redman comenzó a escribir
arreglos que respondían a las relajadas improvisaciones del cornetista , la era del Swing sólo
comenzó “oficialmente” en 1935, cuando se hizo famosa la banda de Benny Goodman. El
Swing fue una importante fuerza en la música popular de Estados Unidos hasta que terminó la
era de las big bands, o grandes bandas. Fletcher Henderson (arreglista de B. Goodman), un
líder de banda negro, comenzó la tendencia que llevaría a formar bandas de jazz mas numerosas.
Con 10 o más músicos, en lugar de 5 que solían ser, estas bandas necesitaban una mejor
organización. Así, un miembro de la banda hacia de arreglista, escribiendo mucha de la música,
de modo que pudiera tocarse sin los choques o conflictos que se hubieran producidos si todos los
músicos hubieran improvisados a la vez.
Muchos lideres de bandas de blancos siguieron el ejemplo de Fletcher Henderson, y los locales de
baile se hicieron mas grandes para poder albergar a la nuevas “big bands”. El jazz que tocaban se
adapto muy bien al baile y el sonido de las bandas era menos energético que el de las formaciones
anteriores. El nuevo sonido del jazz se llamo swing. Duke Ellington junto a Fletcher
Henderson fueron los principales lideres de banda en los años 20 y en los años 30 Count Basie y
Benny Goodman, éste llegó a ser el “rey del swing”.
También esta época se convirtió en un arte para instrumentos solistas: Louis Amstrong
(trompetista), Coleman Hawkins (saxofonista), Earl Hines (pianista), Benny Goodman
(clarinete), Gene Krupa y Cozy Cole (bateristas).
Un banda de swing estaba integrada por 15 o mas interpretes. Incluía el saxo y a estas alturas el
banjo había sido reemplazado por la guitarra. Entre las trompetas, los trombones y saxos hacían
patrones de llamada y respuestas. Esta era la formación mas frecuente:
SECCION METALES: 3 trompetas, 3 trombones.
SECCION DE CAÑAS: clarinete, 2 saxofones altos, 2 saxofones tenores.
SECCION RÍTMICA: piano, guitarra, contrabajo, batería.

Riffs y acordes:
Los instrumentos de las secciones de metales y de cañas se turnaban para improvisar solos,
mientras los otros instrumentos acompañaban, o tocaban un riff de fondo. Count Basie aplico
muchos riffs a sus composiciones.
Un riff es una frase melódica y/o armónica, que se repite sin parar durante parte de una pieza de
musica, o durante la pieza entera
Los acordes tocados por la banda se hacían cada vez mas complicados, incluían mas notas y
tenían un sonido mas melodioso.

El contrabajo y el bajo eléctrico:

Ciertos bajistas de grupo como Pops Foster y John Kirby dieron generosamente una
puntuación armónica y rítmica en los años 20 y 30.
Walter Page desarrolló el ritmo cuaternario moderno. El genial Jimmy Blanton ensartaba
rápidas líneas melódicas paralelas con conjuntos y solistas. Después surgieron Oscar Pettiford y
Ray Brown, con un sonido potente y creatividad improvisadora. A finales de los 50, Scott
LaFaro intensificó el estilo dialogante y convirtió el trío con piano y batería en un colectivo de
improvisación.
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Charles Mingus y sus discípulos Charlie Haden y Eberhard Weber recuperaron un estilo
resonante y dramático. Con el jazz-funk aparecieron grandes figuras del bajo eléctrico, como
Stanley Clark, Steve Swallow y Jaco Pastorius.

Escalas cromáticas:
Las escalas usadas en el swing eran mas complicadas que las utilizadas anteriormente en el jazz. A
menudo, no solo se usaba la escala de blues, sino también escalas cromáticas. Un escala cromática
es aquella que esta conformada solo por semitonos. Por ej: comenzando en DO, en lugar de
tocar todas las teclas blancas del piano (DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI, DO) o una cierta mezcla
de teclas blancas y negras, como en la escala de blues (DO, RE, Mib, FA, SOL, LA, Sib, DO) en
la escala cromática se tocan todas las teclas blancas y negras (DO, DO sostenido, RE, RE
sostenido, MI, FA, SOL, SOL sostenido, etc.).

La utilización libre de algunas de estas notas o de todas ellas hace que tanto las melodías como las
improvisaciones sean mas complejas.

La guitarra eléctrica:

El visionario Charlie Christian exploró el fraseo y las armonías de la primitiva guitarra eléctrica.
Los solos del genio del swing Django Reinhardt eran modelos de alegría y concisión. También
se destacaron en el be-bop Barney Kassell, Tal Farlow y Jim Hall, poético y reservado, y el
elegante Wes Montgomery. Jimi Hendrix influyó en John Scofield. El pop, el be-bop y el
country-rock engendraron a Pat Metheny, y la atonalidad del free surgió con Bill Frisel y Sony
Sharrock.

El be-bop:

El momento del swing había pasado. El swing se había convertido en un negocio gigantesco, se
lo llamó “el mayor negocio musical de todos los tiempos”. También conocido como Bop, el
Bebop fue un nuevo y radical estilo que se desenvolvió gradualmente a principio de los años 40,
explotando en 1945. La diferencia entre el Swing y el Bebop es que en este último los solistas
usaban acordes, en vez de la melodía, para hacer sus improvisaciones, a menudo desechando la
melodía después del primer coro. Los ensambles se hacían en unísono y la mayoría de los
conjuntos tenían siete o menos músicos. Los solistas tenían total libertad en sus improvisaciones,
siempre que éstas se ajustaran a la estructura de acordes del tema. Los músicos del Bebop eran
virtuosos que tenían la habilidad de tocar tempos extremadamente rápidos y de manera
prolongada. El Bop se desligó desde su inicio de la música popular y de un público al que le
gustaba bailar, elevando el jazz a un nivel de música del arte y así desperdiciando la posibilidad de
éxito comercial. Paradójicamente, el que inicialmente se consideró un movimiento radical se
convirtió en la base para las innovaciones que surgieron posteriormente. El Bebop surgió en
Kansas City y fue producto de una combinación de cambios musicales y socioeconómicos
durante la Segunda Guerra Mundial.
La palabra be-bop refleja onomatopéyicamente el intervalo mas popular de la época: la quinta
disminuida descendente, este intervalo fue el más importante del be-bop y rasgo característico
del nuevo estilo.
En esta época, surgió un grupo de músicos jóvenes como Dizzy Gillespie, trompeta, Thelonius
Monk (pianista), Charlie Christian, guitarra, Charlie Parker, saxo alto; éste último fue la
personalidad propiamente genial del jazz moderno, como Louis Amstrong es el genio del jazz
 Estilos musicales –La historia del jazz - 11

tradicional. Estos jóvenes músicos ampliaron las armonías y desbarataron el firme compás del
swing para crear una música tensa, fragmentada y ambigua que revolucionó la composición y
los estilos de “solos” de todos los instrumentos.

CHARLIE Parker - Saxofonista

Alias: “Bird”

; Nace en Kansas City el 29 de agosto de 1920, muere en Nueva York el 12 de marzo de

1955

; Principales grabaciones: Son fundamentales “Now’s the time”, “Ko-ko” y “Billie’s

bounce” (1945), “Ornithology”, “Yardbird suite” y “A night in Tunisa” (1946) y “Au
private”.

; Principales compañeros: Dizzy Gillespie, Miles Davis, Max Roach.

; Comentario: Fundador del be-bop. Enriqueció las armonías con ideas melódicas libres.
Imaginación y espontaneidad rítmica y melódica. Solo Louis Armstrong ha ejercido una
influencia comparable.

El saxofón:

El potente Sidney Bechet (soprano), el tierno Johnny Hodges (alto) y el inventivo Coleman
Hawkins (tenor) arrasaron con las secciones de saxo de las bandas de baile de los años 20.
Lester Young convirtió este arte en canción melancólica e inspiró a Charlie Parker, pero éste
convirtió los solos en un crisol de armonías, fraseo desigual y blues abrasador. Dexter Gordon,
influenció al mesiánico John Coltrane, obsesionado con la armonía, mientras que el saxo alto de
Ornette Coleman la evitaba a toda costa. Entre las figuras actuales se destacan Evan Parker,
Wayne Shorter, Michael Breker.

Cool jazz:

Este estilo evolucionó del Bop a fines de los años 40 y a principios de los 50. Básicamente es una
mezcla del Bop con ciertos aspectos del Swing. El estilo Cool Jazz eliminó las disonancias del
Bop, suavizó su tono y redujo los acentos de la sección rítmica, dándoles un enfoque más
suave. Al mismo tiempo se le dio más importancia a los arreglos.
Al terminar los años 40, la “nerviosa intranquilidad y agitación del be-bop” fue reemplazada cada
vez más por una expresión de seguridad y equilibrio. Esto se apreció por primera vez en la
manera de tocar la trompeta de Miles Davis, quien a los 18 años tocaba en el quinteto de Charlie
Parker a la manera “nerviosa” de Dizzy Gillespie, pero poco después comenzó a tocar en una
forma equilibrada y cool.
La concepción cool (fresca, contenida) domina en todo el jazz la década del 50.
Lennie Tristano (1919-1978) pianista de Chicago que en 1946 llegó a Nueva York, donde en
1951 fundó su New School of Music, este músico proporcionó al cool jazz un fundamento a
través de su música y de sus ideas.
Los sonidos de la escuela de Tristano determinaron fundamentalmente la imagen común del cool
jazz como musica fría e intelectual. (“el problema estaba en tocar fresco, sin ser frió”). Este estilo
llegó a denominarse “cool” jazz porque sonaba generalmente más melodioso y menos
“dinámico” que el be-bop. El cool jazz también lo solían tocar pequeños grupos de músicos, y no
llegó a alcanzar tanta popularidad. Tambien se destacaron en este estilo Lester Young, Shorty
 Estilos musicales –La historia del jazz - 12

Rogers, Shelly Mann, Gerry Mulligan, Chet Baker, Dave Brubeck, Stan Getz, Art Pepper, Gil
Evans.

MILES DEWEY DAVIS - Trompetista

; Nace en Illinois el 26 de mayo de 1926 y muere en California el 28 de septiembre de

1991.

; Principales grabaciones: “Birth of the cool” y discos del sello Blue Note (1952-54),
“Workin’ y Steamin’” (1956), “Kind of blue” (1959), “Miles ahead” (1957), “Bitches
brew” (1970), “You’re under arrest, aura” (1985).

; Principales compañeros: Charlie Parker, Gil Evans, John Coltrane, Herbie Hancok, Tony
Williams, Marcus Miller.

; Comentario: creo una versión suave y espaciosa del be-bop. Pionero de la improvisación
modal en los 50. Jazz orquestal, a modo de concierto (primeros 60), interpretación
colectiva, mezclando hard bop y modalismo (mediados de los 60) y fusión (desde finales
de los 60).

La percusión:

Lo que inició Chano Pozo en la banda de Gillespie sigue en candente actualidad. Machito y
Tito Puente ampliaron la idea y Mongo Santamaría, cubano que tocaba la tonga y que triunfó
con Herbie Hancok en “Watermelon man” inspiró a muchos percusionistas de los años 60.
En la fusión, se destacó el brasileño Airto Moreira, compañero de Chic Corea, Miles Davis,
Weather Report y Flora Purim. Trilok Gurtu mezcla el jazz con técnicas indias y Nana
Vasconcelos trabaja con orquestas, bandas callejeras, de jazz y de break dancers.

JOHN COLTRANE - Saxofonista

Alias: “Trane”
; Nace en Carolina del Norte el 23 de septiembre de 1926, muere en Nueva York el 17 de
julio en 1967.

; Principales grabaciones: “Blue train” (1957), “Kind of blue”, con Miles Davis, “Giant
step” (1959), “My favorite things” (1960), “A love supreme” (1964), “Ascencion”(1965).

; Principales compañeros: Miles Davis, Thelonius Monk, McCoy Tyner, Elvin Jones, Alice
Coltrane, Pharoah Sanders.

; Comentario: aprendió a tocar saxo tenor en bandas de Rhythm and Blues. Amplió la
gama armónica del be-bop en los 50. Estudió a fondo las escalas y modos, adquiriendo
una facilidad sin precedentes para tocar dos líneas melódicas a la vez. Amplió la gama
aguda.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 13

2º Parte:
Revolución

Amanecer de una era agitada

Elvis Presley y los Beatles son las figuras fundacionales del rock
and roll. Ellos trascendieron su musica para, como nadie,
revolucionar la cultura del siglo XX. Se puede decir que nada
volvió a ser igual después de que Elvis se presento en el show de
Ed Sullivan, la noche del 9 de septiembre de 1956.
No fue el inventor del rock and roll, tampoco un gran guitarrista
ni un compositor excepcional, pero Elvis Presley fue apodado,
con toda justicia, el rey del rock. Por qué ? Simplemente en él
estaban reunidos los elementos necesarios para conformar un
cocktail explosivo: era joven y bien parecido, tenia un look rebelde
que enamoraba a las adolescentes y esta imagen perfecta se
completaba con una voz excepcional. Gracias a esta combinación, Elvis fue el encargado de que
la revolución del rock and roll se adueñara por completo de los Estados Unidos. Pero lo que en
los 50 era un fenómeno casi exclusivo de ese país se convertiría en una revolución cultural
mundial en la década siguiente con la aparición de los Beatles.
Surgidos de la ciudad inglesa de Liverpool, los Beatles pueden ser considerados la mejor banda de
la historia del rock. En sus siete años de vida como grupo, John Lennon, Paul Mc Cartney,
George Harrison y Ringo Starr redefinieron la canción pop y sentaron las bases de casi todos los
géneros que vendrían después, innovando mas que cualquier grupo anterior o posterior. Los
Beatles no solo revolucionaron la musica de su época, sino que también encarnaron el espíritu de
los ideales y del pensamiento de una generación ávida de cambios, que soñaba con transformar el
mundo.

El rock nació de la fusión de la musica de los negros estadounidenses (el gospel, el rhythm and
blues, el blues) y la musica country, tocada por los blancos. Se definió por el uso predominante
de las guitarras eléctricas y de la batería sobre tempos fuertemente marcados y rápidos, y por un
claro gusto por la improvisación.
Cuando comenzó en 1954 aproximadamente, el rock and roll fue el shock total, una explosión
de poder, y su desarrollo era predecible. Estados Unidos, al igual que el mundo occidental, se
sentía optimista ya que había acabado la Segunda Guerra Mundial. Por primera vez los
“teenagers” (palabra que se inventó en los años 50 y que significan adolescentes, jóvenes entre 13
y 19 años) tenían dinero para gastar y empezaban a buscar su identidad como grupo, algo en lo
que basar sus modas, algo que fuese “suyo”, algo excitante. ¡El rock and roll era todas esas cosas !
El rock and roll era único porque unificaba las numerosas y distintas tendencias de música
popular. Alcanzó su máxima popularidad en 1955-1956, aunque hace tiempo existía música de
sus ingredientes.

Sus raíces:
Las bandas de swing de los años 40 comenzaron a usar los ritmos de boogie-woogie, y ya antes
de 1950 varios cantantes de country habían grabado discos con estos ritmos.
La distancia que separa el uso del ritmo del boogie-woogie del uso del blues de 12 compases es
mínima. La estructura de las estrofas: 3 frases, 12 compases y usa acordes de I, IV y V grados en
la secuencia tradicional del blues. Sin embargo, el sonido instrumental, las letras y el estilo se han
adaptado al country.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 14

El sonido de la guitarra es limpio, y no distorsionado. Las letras no son explícitamente

pervertidas como lo eran los primeros temas de
blues.
Elvis Presley comenzó cantando country y
rockabilly, pero su carrera despegó cuando empezó
a cantar en un estilo ligado, tipo blues. Al poco
tiempo, Presley estaba usando el sonido “sucio” de
la guitarra de T- Bone Walker en el
acompañamiento de sus canciones y no solo cantaba
letras agresivas y con connotaciones pervertidas sino
que también se pavoneaba y contoneaba en el
escenario como un autentico hombre de blues de
Chicago.
Los saxofones se usaban a menudo en el rock and
roll. La costumbre de usar estos instrumentos venia
de la formación de city blues y Bill Haley lo usó para
tocar “riffs” sincopados acompañando al cantante.

Elvis: el rey

Algunos músicos negros ya hacían rock and roll sin

saberlo, pero fueron los blancos quienes lo dieron a
conocer al publico en general, en 1954, Bill Haley lanzo su tema “Rock around the clock” y fue un
enorme suceso. A continuación, Gene Vincent, Jerry Lee Lewis exaltaron a una juventud rebelde
de las convicciones sociales y deseosa de una emancipación de las costumbres. En 1955 apareció
Elvis Presley (1933-1977): con su gesto de chico malo, una sonrisa inquietante, una voz suave y
vibrante.
El mezclo maravillosamente el swing, el gospel y la serenata de cow-boys. Los ingredientes del
rock estaban ahí, hechos de insolencia, de provocación, de agresividad. Presley era atractivo y
cantaba moviendo las caderas de manera muy sensual. Así se convirtió en un modelo para
millones de teenagers, que imitaron su manera de vestir, de peinarse, su aspecto y su modo de
vida: jeans, cuero, jopo engominado, poses provocativas, cigarrillos, automóviles y seducción. El
rock and roll, de inmediato mal visto por los adultos, definió perfectamente a lo que aspiraban
los adolescentes.

La influencia de Chuck Berry:

Unos de los primeros cantantes negros de rock and roll que alcanzó el éxito a nivel nacional fue
Chuck Berry, quien, además le dio al rock and roll muchas de sus letras “de adolescentes”.
Cantaba con estilo y humor acerca de las cosas por las que los adolescentes se interesaban y por
primera vez creó una música que era de ellos y de nadie más. Cantaba sobre “conducir coches”
con “mi chica en el asiento de al lado”, sobre el amor entre los jóvenes, los autocines, el vestir a la
moda, divertirse.
Berry dio un nuevo estilo y fuerza a la guitarra de rock, tanto melódica como rítmicamente. Hacia
solos usando las escalas de blues y tocando notas dobles con un timbre “sucio” en la guitarra,
calando las notas, es decir, tocándolas bajas de tono y repitiendo riffs cortos.
La manera de acompañarse rítmicamente de Chuck Berry, que recuerda al blues, ha supuesto una
gran influencia hasta nuestros días.
Lo que hizo Berry fue tocar esquemas de acordes de gran impacto en las cuerdas graves de la
guitarra para crear un constante y poderoso estilo boogie de piano.
Chuck Berry, guitarrista y cantante negro, es el creador de cientos de sucesos del rock and roll,
como “Johnny B. Goode”. En él se inspiraron numerosos grupos de rock ingles, como The Beatles
y los Rolling Stones.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 15

Cuando el rock and roll llegó por primera vez llegó a tener una audiencia de masa, en 1955, la
reacción fue increíble y de histeria. Las estrellas de rock and roll eran acosadas y aclamadas, y los
padres pensaban que la música corrompía a sus hijos, en la TV se hacían campañas en contra del
rock and roll y los predicadores enseñaban que esta música era una manifestación del mal. Una
serie de catástrofes precipitaron el final del rock and roll y en un espacio de dos años todos los
interpretes importantes fueron puestos “fuera de combate”.

Una revolución internacional

El rock llegó a Europa hacia fines de la década del 1950, gracias a las emisiones de las radios
estadounidenses difundidas en ese continente y a los discos de 45 rpm. Encontró una nueva
vitalidad en Inglaterra, que hablaba la misma lengua, y tuvo una gran expansión en sus
alrededores.

El pop:

En respuesta a una música popular mas “limpia” y

menos “peligrosa”.
En la costa oeste de Estados Unidos surgió un nuevo
sonido que personificaba la imagen limpia y sana del
adolescente americano de esa región.
El ambiente del surf tenia que ver con “pasarla bien”,
sobre todo durante las vacaciones de verano en la playa.
Por esta época aparecieron los Beach Boys, quienes
desarrollaron su sonido a lo largo de la década del 60
con canciones como “Fun fun fun” y “God vibrations”.
Las compañías discográficas habían reconocido el
potencial del “romance adolescente” y del “ídolo de los
adolescentes”, sobre todo entre chicas de 14 a 17 años que compraban muchos discos.
Las compañías discográficas se dieron cuenta de que si lograban controlar los gustos de las
adolescentes podrían controlar todo el mercado de la música.
Se trataba de decidirse por una imagen y un sonido, también de elegir un adolescente seguro,
respetable, carilindo, y así juntar a un grupo de compositores para producir canciones sobre
temas de adolescentes y muchos hits. De éste método surgieron varios éxitos como “Pupply
love” de Paul Anka y varios más.
Las características musicales frecuentes de este estilo fue el uso de escalas mayores y de acordes
de I, IV, V y VI- grados. Los grados mencionados en la escala de DO mayor corresponde a las
siguientes notas: DO mayor, FA mayor, SOL mayor y LA menor. Tanto en el rock ando roll
como en el pop, se establece completamente la sección rítmica para acompañar los temas,
estamos hablando de: batería, bajo, piano o teclados, guitarras eléctricas y acústicas, y
opcionalmente algunas grupos tenían percusiones y también sección de metales.
La estructura básica de las primeras canciones de estilo pop se
conformaba con la siguiente secuencia: I, VI-, IV, V que se repetía dos o
tres veces donde se cantaban las estrofas, luego, la secuencia del
estribillo o coro I, IV, I, V. Para finalizar las canciones podían terminar
de las siguientes maneras: I, VI-, IV, V, I o I, IV, I, V, I.
Generalmente, el bajo eléctrico se caracteriza por el uso constante de
corcheas en todo el tema, pero haciendo variaciones con otras notas en
el estribillo a coro.
También en algunos grupos predominaban algunas armonías vocales
que cantaban “ooh” o “aah” a tiempo con las secuencias de acordes.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 16

Hoy en día podemos ver la fusión del pop con varios estilos. Los mas comunes o los que
predominan en los medios de comunicación son: Balada pop: que son canciones tranquilas a
veces románticas o no con un pulso lento o en ocasiones moderado. También tenemos muchos
grupos de Pop rock: que son temas con guitarras distorsionadas que hacen durante toda la
canción adornos y solos, también estas guitarras acompañan la base del bajo eléctrico con las
cuerdas más graves. Y hoy en día se puede escuchar en muchos lugares el Latin pop: son temas
con algunas métricas y claves propias de los estilos afrocubanos y afroamericanos. También el
uso de percusiones como tumbadoras, timbales, bongo, cencerros, etc. hace que esta mezcla sea
contagiosa, enérgica y dinámica.
Los muchachos de pelo largo
En Liverpool, una ciudad obrera del norte de Inglaterra, surgió un grupo que a partir de 1962
envolvió en un viento de locura a todo el país y enseguida al resto del mundo: The Beatles. Ellos
encadenaron los éxitos “A hard day’s nigth”, “Help!”, “Can’t buy me love”, etc. Las chicas aullaban y
se desvanecían en sus presentaciones. Los fans invadían los aeropuertos, las habitaciones de
hoteles, los estudios de televisión donde se presentaban, nunca se había visto nada parecido. El
12 de junio de 1965, The Beatles fueron nombrados miembros de la Orden del Imperio
Británico, condecorados por la reina Isabel II en reconocimiento por la fortuna en divisas que
ellos hacían ingresar al país.
Los famosos Beatles están en la frontera del rock y de la música pop (de la expresión
angloamericana popular music, “música popular”), que mezcla a la vez el tempo, el ritmo y la
melodía. Universalmente difundida por el disco, la radio, la TV, y luego el video, la música pop es
una producción industrial destinada a alcanzar al publico.
Los Rolling Stones
En Londres, otro grupo ingles se agitaba sobre el escenario para gritar su deseo de rebelión: The
Rolling Stones. Mick Jagger gritaba “I can’t get no satisfaction”. Ellos encarnaron al grupo de rock
por excelencia y al furor de vivir en los años 60. Su popularidad no dejo de acrecentarse tanto por
escándalos que provocaban (drogas, violencia, etc.) como por sus innumerables éxitos. Sus
conciertos, aun en la actualidad, reúnen tantos fans que están obligados a hacerlos en estadios.
Un rock cada vez más duro
El hard rock apareció en Los Ángeles, Estados Unidos, hacia 1968, pero los grupos ingleses
ocuparon pronto el centro de la escena con Deep Purple y Led Zeppelín. Esta tendencia dura se
acentuó en 1970: el sonido de las guitarras se saturó completamente y los cantantes gritaron sus
textos llenos de rebelión y de odio, como los grupos AC/DC y Metallica. La música es violenta,
los recitales grandiosos.
En los años 90, el rock confirmó su tendencia rebelde con el movimiento grunge, del cual
Nirvana es el principal representante hasta en suicidio de su cantante, Kurt Cobain, en 1994.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 17

El pop en todos sus estados

En 1964, el encuentro de los Beatles con el norteamericano Bob Dylan, cantante contestario y
poeta, marcó un nuevo impulso de la música pop. Dylan venia del folk, pero pronto agrego
guitarras eléctricas y batería a la guitarra acústica para acompañar sus canciones que denunciaban
la guerra de Vietnam, defendían a los inmigrantes, hablaban de amor, de soledad, de
desesperanza. Dylan también cosechó grandes éxitos. Las puertas del pop se abrieron entonces a
todo tipo de inspiraciones y de expresiones: jazz, blues, folk, country. Incluso se valieron de
recursos de la música clásica: el grupo de pop ingles The Who, por ejemplo, creo una opera
Rock: Tommy, acompañado por una orquesta sinfónica.
Otro grupo ingles, explorando en el patrimonio del Blues y dinamizando con solos eléctricos
majestuosos y salvajes, inventó el Hard Rock.
Por su parte, el conjunto Pink Floyd adoptó los sintetizadores para crear una música más lenta.
Nacida en Inglaterra, la música pop llego a Estados Unidos, donde acompañó al movimiento
hippie. Los músicos pop conocieron también la influencia de las drogas, que exaltaron sus
percepciones, pero a su vez les dejaron serias consecuencias.
Algunos murieron por causa de ellas, como Jim Morrison, el cantante de The Doors.
Todos los gustos están en el pop
La música pop llego a los públicos más diversos. La explosión de los géneros estuvo fomentada
por la sociedad de consumo, ávida de nuevos productos.
El cantante ingles Elton John se volvió una estrella con su repertorio de canciones suaves
acompañadas con pianos y violines.
Con sus conciertos extremadamente teatrales, su vestuario extravagante, su maquillaje excesivo,
David Bowie, otro cantante ingles, renovó el pop imponiendo imágenes fuertes y ritmos inéditos.
Las músicas populares se convirtieron en un importante fenómeno comercial y cultural, pero las
nuevas corrientes guardan el espíritu innovador que no cesan de explorar. La aparición del rock y
luego del pop coincide con el desarrollo de nuevas técnicas. Las grabaciones se vuelven cada vez
mas sofisticadas. Las giras de los grandes grupos ofrecen experiencias visuales y sonoras
extraordinarias. El audio es enorme y los juegos de luces crean universos mágicos que las
pantallas gigantes difunden simultáneamente por encima del escenario.

El soul:

Es una rama del Rhythm and Blues que fue

especialmente popular durante la década de 1960.

Características generales:

1) Uso de “hook lines” (o “ganchos”) en el

estribillo de las canciones.
2) La mayoría de los artistas eran negros.
3) El bajo eléctrico fuerte y sincopado.
4) Dos compañías se encargaron de difundirlo, agregándole diferentes variaciones (“Stax” y
“Tamla Motown”).

Tamla Motown fue fundada en Detroit en 1960 por Berry Gordy, esta era una compañía de
discos totalmente negra: directivos, compositores, artistas, productores y músicos.
En Tamla Motown fue desarrollada la tradición del compositor y grupo vocal. Las canciones de
Tamla Motown tenia generalmente la siguiente estructura: ABABCC y aumentaba el impacto de
 Estilos musicales –La historia del jazz - 18

sus canciones repitiendo frases principales de sus estribillos (llamadas “hook lines” literalmente
“líneas de gancho”) una y otra vez, de manera que el “hook” (“gancho”) se hiciera inolvidable.
Tamla Motown tenia sus propios músicos de estudio que tocaban en los discos de todos los
artistas de la compañía, por ello al poco tiempo, ya habían desarrollado un sonido distintivo, con
una línea de bajo fuerte, sincopada y con garra.
Además, la mayoría de las composiciones y arreglos eran perfectamente estructurados y
realizados, debido a que no solo lo hacían con instrumentos de la sección rítmica (piano, bajo,
batería y guitarra), sino también tenían acompañamiento de instrumento de cuerdas y de metales.
Se suele pensar en Tamla Motown como la compañía más representante de la música soul, pero
en realidad el corazón de la musica soul era la casa de discos Stax, que estaba estrechamente
vinculada con Atlantic Records, que tenia su sede en Menphis.
La compañía Stax venia directamente de la tradición Rhythm and Blues y tenia fuertes lazos con
el gospel y el blues.
Comparadas con las de Tamla Motown, las canciones de
Stax sonaban más rudas y a flor de piel y el
acompañamiento normalmente consistía en guitarra,
bajo, batería, órgano y la sección de metales (saxo alto,
saxo tenor, saxo barítono, trompeta y trombón a vara).
Eran también más simples, melódicas y no repetían el
“hook line” tan a menudo y con tanta insistencia como
en las canciones de Tamla Motown.
Las cantantes de Stax improvisaban frecuentemente
sobre las melodías de las canciones que interpretaban
con estilo gospel desenfrenado, también se destacaban por el uso frecuente de la voz en falsete y
patrones de pregunta-respuesta entre distintas voces.
Es una “música del alma”, cantan y expresan cosa de la vida cotidiana. Los artistas debían
sentir y vivir lo que estaban tocando y cantando. Algunas de las canciones de estilo soul, trataban
de amores apasionados, corazones rotos, etc; otros cantantes y compositores adaptaron temas
religiosos a conceptos seculares y otros componían canciones de fe e inspiración.
Las estrellas de Stax/Atlantic eran Wilson Pickett, James Brown y Aretha Franklin, pero sin duda
la más destacada fue ésta última.
Sonido y luz
En la década de 1980, gracias a los sintetizadores, se reprodujeron artificialmente los
instrumentos convencionales y se creó una gran variedad de nuevos timbres. El rol de los
productores se volvió cada vez mas importante en la realización de los álbumes.
El guitarrista y arreglador de jazz Quincy Jones, ofreció al cantante Michael Jackson una
identidad sonora característica. Así vendió millones de ejemplares de su álbum Thriller. Prince,
guitarrista, cantante y su vez gran rival de Michael Jackson, produce el mismo sus propios
arreglos refinados.
Estados Unidos, gran potencia económica, exporto su música al mundo entero y las pop-star se
volvieron primeras figuras.

El ska:

La música popular Jamaica, comenzó en Kingston, en los años 50, llegaban en busca de trabajo a
la ciudad.
Tenían radio para sintonizar música, escuchaban blues, jazz, gospel, R and B, mezclando música
afroamericana con ritmos de su propia música popular jamaicana.
Después de esta mezcla surge el ska, con Jimmy Cliff como el más alto referente.
En el ska, cada corchea se toca a contratiempo con la guitarra y el hi-hat de la batería, mientras
que el bajo y la batería tocan un ritmo en el que se acentúan los tiempos débiles del compás.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 19

El reggae:

Música popular originada en Jamaica que combina estilos nativos con elementos de la música
rock y soul.
Características generales:
1. Se ejecuta a un tempo moderado, acentuando los tiempos débiles. Esto lo hace un estilo
distintivamente sincopado.
2. Sus letras son altamente políticas y en son de protesta.
3. Fue popularizado por Bob Marley (1945-1981) y se relaciona en muchas ocasiones a la
marihuana.
4. También hay una voz líder, y en algunos momentos se armonizan distintas voces, pero no
es lo característico del estilo. Lo mas importante en este estilo es “tener onda”. La
técnica vocal que se utiliza en algunas ocasiones es la de la voz “hablada” o recitada, y da
la sensación de que la voz va mas rápido que la música en algunas partes.

El reggae es uno de los estilos más populares y cuenta con un merito especial: es la primera
música del tercer mundo en ser aceptada internacionalmente. El reggae es la música de un
movimiento espiritual, cultural y político propio de Jamaica. Fundado sobre la fraternidad y la no
violencia, es llamado rasta o rastafari, por el nombre que tenia Haile Selassie, emperador de
Etiopía, antes de ser coronado. Este era considerado por el fundador del movimiento como la
reencarnación de Dios (Jah) en la tierra. Los rastas piensan además que forman una de las tribus
de Israel y que Jamaica es para ellos una tierra de exilio, como Babilonia para los hebreos.
Predican por el regreso a África, llevan los colores de Etiopía (verde, amarillo, rojo), conservan
los cabellos largos (locks) y fuman la ganja (marihuana).
El aspecto más importante a tener en cuenta es que el primer acento del compás es un silencio
para la mayoría de los instrumentos que tocan el acompañamiento, es decir, guitarra, bajo,
teclados y en algunos casos la batería.
Bob Marley, cuyas canciones fueron Rastafaris y fuertemente políticas, es la primer estrella
internacional de reggae. De Marley se dice que jamás escribió una mala canción. Dueño de una
extraordinaria sensibilidad llevo al mundo su mensaje de amor y esperanza.
También otros grupos importantes de pop y de rock como The Police, acoplan elementos y
características de reggae en sus temas.
 Estilos musicales –La historia del jazz - 20

Disco:

Este estilo musical comienza en los 70’, con la aparición de nuevas tecnologías que dieron paso a
lo más característico del estilo: el uso de sintetizadores.
Esto se une al Rhythm and Blues y a la musica soul para desembocar en un nuevo estilo.
Características:
1. Los cantantes blancos hacen uso de la música soul, pero empiezan a alejarse del
compromiso emocional con las letras.
2. Lo que predomina ahora es el carácter bailable de la música, mas que la profundidad de
las letras o la calidad musical.
3. La película “ Fiebre de sábado por la noche”, entre otras, popularizan las discotecas y la
música disco por primera vez.
4. Los sonidos alterados electrónicamente se incluyen a la música y caracterizan el estilo.
5. Paralelamente se desarrolla en diferentes lugares el mismo estilo pero adquiriendo
características diferentes. De ahí los diferentes nombres: Dance, Techno, House, etc.

Este estilo comenzó a tocarse en clubes privados y discotecas de Nueva York.

Lo importante de este estilo no era ni la melodía ni la instrumentación, sino el carácter bailable
del ritmo.
Donna Summer, estrella de disco, supo combinar muy bien los sonidos de Tamla Motown y de
Phillie Soul en la música disco. Después del estreno del film “ Fiebre de sábado por la noche”,
con el estilo de música disco de los Bee Gees, pronto todo el mundo estaba haciendo grabaciones
de música disco.
Otra costumbre muy habitual fue cambiar a estilo disco canciones antiguas de soul, gospel, rock,
hasta de compositores clásicos.
Se introduce el rap en muchos discos de música disco, en los que el cantante decían rimas
rítmicamente sobre un fondo instrumental.
El rap es uno de los géneros mas propios de la gente de color pero al mismo tiempo es uno de
los mas influyentes dentro de la música popular contemporánea. El rap nació a principios de los
70’, en las duras calles de los suburbios de Nueva York. Allí los cantantes rapeaban densas
historias urbanas, sobre las bases rítmicas que los disk-jockeys creaban a partir de loops de batería
y el scratching de discos, acompañados por otros artistas callejeros que pintaban graffitis y por
bailarines (breakdancers). En 1979 el arte de las calles se hizo popular cuando empezaron a
conocerse los primeros hits a través de las radios. A partir de allí no paro, evolucionando en
diversos géneros y estilos, de los que el mas conocido es el hip-hop.

El rap: grito del corazón y grito de rabia

Los primeros DJ stars estadounidense fueron de origen jamaiquino (Grandmaster Flash o DJ

Kool Here). Pero fue en el corazón de los ghetos negros de los Estados Unidos donde se
desarrollo el rap. Jóvenes en ropa suelta, gorra con visera, zapatillas con cordones sueltos,
bailaban al compás de un ritmo sincopado, moviendo los discos de vinilo de atrás hacia delante y
hablando como robots: había nacido el rap. Aunque evoca el racismo, la miseria, el enojo, y
denuncia a la violencia policial, también evoca la alegría de encontrase entre amigos (ya sea Public
Enemy en Nueva York, o Niggers With Attitude en Los Angeles). En 1979, “Rappers` Delight” fue
el primer hit de rap. En los Estados Unidos, los Fugges, más moderados y melodiosos, llegaron a
un amplio público.

Tecno de todo tipo

En reacción a esta euforia verbal, la tecno inventó una música sin letra, compuesta por sonios
electrónicos que se repiten y se entremezclan. Los sintetizadores crearon un ritmo de sonoridades
 Estilos musicales –La historia del jazz - 21

electrónicas: nacía la house- music. Miles de jóvenes músicos se lanzaron a exploración de este
nuevo genero. Las corrientes se multiplicaron instantáneamente (acid, trance, jungle, ambient,
tecno-pop). Lo ritmos y las melodías en bucle (loop) juegan un papel preponderante. En los
encuentros llamados “raves” se reúnen miles de amantes de la música tecno.
Las computadoras permiten a los DJ (disc jockeys) pregrabar algunas secuencias y presentarse
solos en el escenario.
Al final del siglo XX, la musica popular se convirtió en una actividad cultural y comercial muy
importante. Algunos grupos lanzados por la industria del disco (Spice Girls, Five ...) ocupan un
tiempo los espacios del espectáculo, pero luego son reemplazados por otros.

Funk:

Atlantic y Stax inspiraron para que se desarrolle el funk. James Brown (ahora se lo conoce como
el rey del funk) dejo el soul para convertirse en unos de los pioneros del funk. Presenta
influencias de jazz, rock y blues.
Funky significa “sucio”, que tiene sentimiento de blues, con instrumentos distorsionados. En
algunos grupos abundan los ritmos sincopados. También el bajo suena percutido al golpear las
cuerdas (llamada técnica de slap bass). La línea del bajo debe ser rítmica, sincopada y percusiva.
La guitarra toca riffs cortos y rítmicos basados en la escala de blues, también la guitarra hace
rasguidos generando contratiempos con el bajo dando una fuerte sensación de polirritmia.
Los acordes que se emplean el funk son similares a los que se usa en el jazz.
La sección de metales: saxo alto, saxo tenor, saxo barítono, trompeta y trombón a vara, tocan
riffs completos, como se hacia en el soul, pero en el funk los riffs son mas rápidos y mas cortos.

Bibliografía:

1. Fordman, John. “Jazz”. Editorial Diana. México.

2. “100 años de Jazz”. Publicado por Sarpe Grandes Obras.
3. “La música”. Enciclopedia Larousse del Estudiante. Sociedad Comercial y Editorial
Santiago. Año 2000. Santiago de Chile, Chile.