Arte Republicano 2011

Docente: Alexis Pizarro Cárdenas
MANUAL
ARTE REPUBLICANO
QUINTO SEMESTRE
2011
Trabajo realizado por el Docente: Alexis Pizarro Cárdenas
Derechos reservados. Para uso exclusivo de las Carreras Profesionales de Guía Oficial
de Turismo y Administración de Servicios de Hostelería del Instituto Superior
Tecnológico “Elmer Faucett” de Arequipa.
I UNIDAD
EL ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA
1. EL ARTE DEL NEOCLÁSICO
Se suele fijar el año 1,750 como punto de partida de un

estilo que despierta de nuevo hacia el arte clásico. Este
arte se debió a cuatro factores:
a) Las excavaciones y los hallazgos en las ciudades romanas

de Herculano (1738) y Pompeya (1748); que permitieron
contemplar auténticas ciudades romanas prácticamente
intactas, luego de la erupción del Vesubio en el año 79
d.c.
b) Los estudios de Winckelman, autor de la obra “Historia
del Arte en la Antigüedad” (1764), a través de la cual
revalorizó las formas antiguas, fomentando su estudio y
ayudando a comprender su valor estético.
c) El papel de los filósofos franceses, apasionados de la
simplicidad, la claridad, la lógica y la vuelta a la
naturaleza.
d) El exacerbado barroquismo de finales del siglo XVII y el
Rococó del siglo XVIII, que produjeron una especie de
cansancio y fatiga visual en los artistas.
Muy pronto las grandes capitales se vieron alegradas por la

armonía de los monumentos neoclásicos, especialmente las
capitales de las nacientes repúblicas americanas. Se
adoptaron las formas clásicas, griegas y romanas:
- Fachadas con frontones y entablamento.
- Columnas clásicas de fuste liso
- Rigurosa simetría
- Arcos de triunfo y columnas conmemorativas.
La escultura no fue tan relevante como la arquitectura, pero
destacaron Houdon, Thorwaldsen y especialmente Antonio
Canova. Los artistas en la pintura denotaron vitalidad y
autenticidad con los temas napoleónicos, además de tratar
temas vinculados a la historia y a la mitología grecorromana;
destacaron Louis Jacques David y Dominique Ingres.
2. EL ROMANTICISMO
Movimiento literario y artístico que dominó en Europa desde

fines del siglo XVIII y durante la primera mitad del siglo
XIX. Para muchos el Romanticismo pictórico comienza en 1819
con la exposición del cuadro de Theodore Gericault “La Balsa
de la Medusa”, que posee todas las cualidades que
caracterizan ese movimiento.
ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -1-

En las pinturas románticas se percibe la violenta posición de las

figuras, la sensación de movimiento y la importancia que
cobra la luz y la naturalidad, en contraste con las poses
estudiadas, la calma y la serenidad apacible de las obras
neoclásicas. A los románticos les gusta las escenas crueles
(La muerte de Sardanápalo, obra de Eugene Delacroix) las
escenas trágicas (La matanza de Scio, obra de Delacroix),
escenas desesperantes (La Balsa de la Medusa, obra de
Theodore Gericault).
El Romanticismo nace como una reacción contra el orden y la
belleza formal y contra el ideal de una vida racional y
mesurada, como era entendida en los siglos XVII y XVIII. El
sentimiento según los románticos es más importante que la
razón. Los hombres románticos llevan una vida de sobresaltos
y aventuras; se habla de que el hombre debe realizar viajes a
tierras exóticas y desconocidas.
El Romanticismo sobrevalora además las virtudes del
revolucionarismo francés; implicó también un culto al
paisaje, en donde destacaron los paisajistas ingleses
(Constable, Turner, Gainsborough, etc.). Asimismo este
movimiento significó una defensa de los elementos populares
de la edad media como leyendas, tradiciones y supersticiones.
Los máximos exponentes de la pintura romántica fueron:

Theodore Gericault y Eugene Delacroix . En la arquitectura el
romanticismo careció de originalidad pues no fue más que un
retorno a lo medieval con el estilo Neogótico.
3. EL REALISMO
El Realismo a secas suele definir el movimiento formado en

Francia, de 1835 a 1860, que constituye una reacción contra
la sensibilidad romántica. En sus primeras manifestaciones
destacan el retorno a la naturaleza y el gusto por las
escenas naturales ligadas a la vida rural. Luego vino una
segunda oleada relacionada a la vida urbana.
Los artistas realistas se ocuparon de la realidad pura, de la
pobreza y soledad del hombre, de sus faenas rudimentarias del
campo, vestido de harapos y abrumados por la rudeza de su
actividad. La temática se proponía confrontar públicamente la
enorme diferencia de clases existentes a mediados del siglo
XIX: una rebosante de comodidades y bienestar, y la otra
sufrida y miserable en lucha constante por sobrevivir.
Como máximo exponente de la primera oleada realista, y del
movimiento en general, se encuentra Gustave Courbet, que
suscitó grandes polémicas por su realismo exagerado. Otros
exponentes fueron Jean Francoise MIllet, Jean Baptiste Corot
y Honoré Daumier.
4. EL IMPRESIONISMO
Este movimiento representa una gran transformación espiritual

y estilística en la Francia del siglo XIX. Su origen no fue
espontáneo, pues se formó entre 1848 y 1860. Fue Claude Monet

el verdadero iniciador, y paralelamente a sus ideas y obras,
se desenvuelven las ideas de Edouard Manet, Pierre Auguste
Renoir y Camille Pissarro.
El nombre de Impresionismo deriva de un cuadro de Monet
denominado “Impresión: Salida del Sol”, que causó escándalo
en la exposición de 1867. Desde entonces fueron llamados
“impresionistas” los artistas que pintaban más o menos de
aquella forma. En la obra de Monet los reflejos de color
anaranjado de la luz del sol naciente se confunde con las
ondulaciones del agua y el azul del cielo, con pinceladas
ligeras y suaves, de tal forma que no aparecía un panorama
bien definido, sino solamente la impresión que de la escena
había recibido el pintor.
Los impresionistas elegían temas sencillos: paisajes
naturales o campestres, escenas de la vida cotidiana, el uso
del agua como elemento que se prestaba muy bien para reflejar
el juego de luces de la atmósfera circundante. Estos artistas
se inspiraban por el amor a la pintura al aire libre y a la
luz, y empezaron a descubrir los efectos que la variación de
la luz produce sobre las cosas. Así comprobaron por ejemplo,
que las sombras no son negras, sino coloreadas y las pintaban
de azul morado o violeta. Se valieron de colores muy
contrastantes, como el azul y el anaranjado, el violeta y el
amarillo, el rojo y el verde.
En 1880 el ideal comunitario se vio sacudido por algunas
deserciones. La llegada de una nueva generación de pintores
(Van Gogh, Gauguin, Seurat, Cezanne, etc.), sólo precipitó la
dispersión, tanto pictórica como geográfica, del
Impresionismo. La exposición de 1886 señaló su fin como grupo
coherente.
5. EL POST – IMPRESIONISMO
Está caracterizado por algunos movimientos como el

Neoimpresionismo, el Puntillismo y el Simbolismo, en los que
se buscaban métodos más científicos con el cual expresar las
ideas artísticas. Entre sus principales exponentes tenemos a
Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Paul Cezanne, Georges Seurat,
entre otros artistas que en algún momento fueron considerados
impresionistas.
6. LA PINTURA MODERNA O CONTEMPORÁNEA
Los artistas del arte contemporáneo fueron creadores de

nuevas formas de arte que hicieron evolucionar el lenguaje
plástico. El fenómeno más característico es el renunciamiento
a representar fielmente las cosas de la naturaleza (las
figuras del mundo real). Este alejamiento de la realidad,
relativo o absoluto, ha existido en el arte de todos los
tiempos, pero hoy es mayor y más radical. El pintor se
convierte en un vehículo para desahogar emociones íntimas y
con ello crear un cuadro abstracto.
El Arte Contemporáneo influyó sobre la literatura y todas las
artes plásticas a finales del siglo XIX y comienzos del siglo

XX. Se afirma comúnmente que el movimiento impresionista es
ya claramente moderno. Todos o casi todos los países de
Europa participaron en la creación de este nuevo arte.
En la evolución el arte contemporáneo, también llamado
abstracto encontramos artistas que se valen de signos,
símbolos o deformaciones de la realidad para expresarse, o
utilizan también materiales insólitos. Hay nuevas técnicas y
un desfile de nuevas corrientes o “ismos”; un marcado
individualismo en el que los problemas personales se plasman
en sus obras. En nuestros días la experimentación aún no
cesa, sin embargo muchos pintores tienen el vivo interés de
regresar a los temas reales a través del neofigurativismo.
Entre los estilos más sobresalientes tenemos:
a) El Expresionismo
Formalmente designa la corriente de arte que nació a
finales del siglo XIX con Vincent Van Gogh, basado en
deformaciones voluntarias de la naturaleza. Sus
principales características son:
- Deformaciones de figuras y objetos.
- La belleza es reemplazada por estilizaciones grotescas
y repulsivas con el propósito de impactar en el
espectador.
- El hombre es representado enfermo, alcohólico y en la
agonía de la muerte.
- Los temas religiosos representan sufrimiento
dramático.
- Hay un fuerte contraste de colores primarios, en donde
el azul significa el amor, el rojo la pasión, el
amarillo los celos y el blanco la inocencia.
b) El Arte Naif
El origen de esta forma de arte se encuentra en la
pintura popular y en los retratos realizados por artistas
callejeros; retratos que nadie habría pensado en
calificar de artísticos hasta la muerte del aduanero
Henri Rousseau (1910) y el entusiasmo que provocaron sus
pinturas.
Naif se deriva de la palabra francesa “naiveté” que
significa ingenuidad. Este arte es una especie de
autodefensa contra la civilización burguesa e industrial,
y contra el gusto y las formas de su tiempo. Los temas
evocan nostalgia de los paisajes naturales y la vida
sencilla de antaño.
c) El Futurismo
Movimiento fundado en 1909 por el poeta Felipe Marinetti,
en el que sus manifiestos declaraban que el arte antiguo
es representación de un mundo estático y sin movimiento,
y que para expresar la complejidad dinámica de la vida
moderna, es indispensable un arte nuevo. Así, en la
pintura y escultura, hombres, máquinas y animales parecen
moverse vertiginosamente. Su principal exponente fue
Umberto Boccioni.

d) El Dadaismo
Movimiento nacido en 1916 en Zurich, donde el poeta
Tristan Tzara eligió el nombre abriendo un diccionario al
azar. El principio básico de este movimiento es la
valorización de “cualquier cosa”, ubicada en el mismo
pedestal que los máximos productos de la naturaleza y de
la cultura. Así pues, los dadaístas niegan los valores de
la cultura humana. Sus principales exponentes fueron
Marcel Duchamp, Francisco Picabia y Man Ray. Se afirma
que el dadaísmo es la primera etapa del Surrealismo.
e) El Surrealismo
Movimiento fundado por André Bretón y que nace en contra
del mundo real, defendiendo lo imaginario, el sueño y la
locura. En 1927 el Surrealismo influía en Pablo Picasso y
Salvador Dalí. Las figuras surrealistas son engendros de
la realidad y la fantasía y en algunos casos se emplea en
ellos el uso del “collage”.
f) El Fauvismo
Movimiento pictórico que debe su nombre a un crítico de
arte, quien en una exposición de 1905 llamó “Jaula de
Fieras” (Cage Aux Fauves) a la sala donde aparecían
reunidos los coloristas más extremos. Fue una verdadera
explosión de color sin ninguna duración efectiva. La
figura esencial de este movimiento fue Henri Matisse.
g) El Cubismo
Puede ser considerado como la más importante de las
revoluciones que han dado origen al arte moderno o
abstracto. La denominación “Cubismo” fue aplicada
irónicamente a los paisajes de Georges Bracque por un
crítico francés; estos paisajes estaban hechos
precisamente en base a cubos.
Se reconocen tres fases en la formación del cubismo:
- La primera o Cubismo Cezenniano, en donde se tiende a
dar al espectador la intuición de la tercera
dimensión.
- La segunda o Fase Analítica, que muestra a los objetos
desplegados, representadas simultáneamente todas sus
caras (las naturalezas muertas de Picasso).
- La tercera o Fase Sintética, en la que los objetos
sólo están representados por unos trazos esenciales, y
donde es frecuente el empleo de elementos tomados de
la realidad o “collage” (arena, periódicos, clavos,
alambres, etc.)
Los cubistas desterraron los paisajes y usaron poco las
figuras humanas prefiriendo las naturalezas muertas. El
cubismo alcanza su mejor desarrollo entre 1907 y 1914. La
primera guerra mundial dispersó al grupo de los cubistas.
h) El Purismo

Movimiento que nace en París en 1918; su característica
fundamental es el llamado “Espacio Equívoco”, que
consistía en el uso de una misma forma para dos objetos
distintos. Así, el círculo, que sería el agujero de la
caja de resonancia de la guitarra, es al mismo tiempo la
boca circular de un jarro.
i) El Suprematismo
Movimiento que nace en Rusia en 1913 y que se denomina
así porque se funda en la supremacía del sentimiento
puro, basándose exclusivamente en las figuras más
elementales de la geometría plana: círculo, cuadrado,
rectángulo, triángulo, cruz.
j) El Orfismo
Esta tendencia nace en Paría en 1912, y se origina en el
Cubismo. Sus exponentes pintaron discos y espirales
entrelazados con los colores del arco iris, en círculos
concéntricos de brillante colorido.
II UNIDAD
LAPINTURA EN AMÉRICA Y EL PERÚ DURANTE EL SIGLO XIX
LA PINTURA DEL SIGLO XIX EN AMERICA
Es difícil pensar que desde mediados del siglo XIX, cuando

muchas de las naciones americanas estaban recién logrando su
independencia, floreciera un arte plástico autóctono. Estaba
demasiado reciente el coloniaje y Europa ejercía una influencia
extraordinaria sobre el pensamiento y el gusto americanos.
El retrato y la pintura histórica, así como la estatuaria de

próceres y héroes, fueron los temas más comunes de entonces,
tanto en la pintura como en la escultura, respectivamente. No
siempre estas obras fueron confiadas a manos criollas.
Durante el siglo XIX, el arte culto de América Latina no sólo

fue víctima, sino también partícipe del eurocentrismo. El ideal
de los nuevos gobiernos fue civilizar la nación, esto es, emular
los principios estéticos, sociales, políticos y económicos del
capitalismo más rico, especialmente de Francia e Inglaterra.
Por esta razón, los periodos o tendencias artísticas iniciadas
en el Viejo Mundo se "trasplantaban" a las Américas:
arquitectura neoclásica (1780-1830 aprox.), pintura romántica
(1820-1880 aprox.), realismo (1850-1920 aprox.), impresionismo
(1880-1920 aprox.).
Aunque los temas eran locales (paisajes, historia, tipos humanos

regionales), los principios estéticos y el público potencial
para estas obras respondían a las iniciativas y gustos europeos,

equivalentes a los de las minorías de clase alta en los
distintos países latinoamericanos.
Resulta más interesante relacionar el arte culto del siglo XIX

con los proyectos nacionales dentro de los que se produjo. Tras
la Independencia, cada nación debía reinventarse, no sólo
políticamente, sino también en su identidad, en la comunidad
imaginaria que era necesario construir. El papel de las artes,
así como de la literatura, fue entonces fundamental, aún más si
se considera que las estructuras políticas, en general, no
lograban generar un sentido de identidad nacional.
En Estados Unidos el género predilecto fue el del retrato

(Harding y Sargent). En México, así como en Brasil y Argentina,
en mayor contacto con Europa, floreció una pintura heroica, que
daba más importancia al gesto, al ademán teatral, que a
motivaciones más profundas. En general, lo vernáculo, estuvo
ausente en el arte plástico hasta 1900.
LA PINTURA EN EL PERU DEL SIGLO XIX
1. INICIACIÓN
Se denomina período de iniciación al momento en que la expresión

artística peruana rompe con los patrones tradicionales del arte
virreinal, de características eminentemente religiosas. El
sistema republicano no sólo significó cambios en las estructuras
político-administrativos, sino también transformaciones
culturales que repercutieron en la pintura.
El principal exponente de este período fue José Gil de Castro.

También se tiene a Pablo Rojas, más conocido como Pablitos, que
en su tiempo gozó de fama y del que conocemos un retrato en
tamaño natural de Bolívar, quien posó con uniforme de gala y
teniendo como fondo la Batalla de Junín, siendo éste la primera
pintura de historia en el Perú.
También destaca el retratista Mariano Carrillo, que realizó en

1816 el retrato del Virrey Pezuela y en 1822 el del Libertador
San Martín (Museo Nacional de Santiago de Chile). Con la
producción pictórica de estos pintores comienza la República.
GIL DE CASTRO (JOSÉ) LIMA, 1783 – 1841)
Pintor autodidacta. Desarrolló su habilidad como retratista

durante sus largos años de permanencia en Chile. Retorna al Perú
junto con la expedición libertadora de don José de San Martín
quien lo nombró como Primer Pintor de Cámara del Gobierno del
Perú. Las circunstancias históricas permitieron a Gil de Castro
conocer y retratar a los más distinguidos personajes de aquellos
años. Por esta razón se le conoce como el Pintor de los
Libertadores.
En Gil de Castro se manifiesta, de una parte la herencia de la

pintura colonial en su aspecto popular ingenuo, a la vez

preciosista. En la obra se muestra la evolución de aquella
visión planimétrica y primitivista, a una concepción formal
academista europeizante, producto de sus contactos con los
retratistas del Viejo Mundo que en condición de pintores
viajeros visitaron nuestro país a partir de la Independencia.
Entre sus obras destacan: Los retratos de San Martín, José

Olaya, Simón Bolívar, Bernardo O’Higgins.
2. COSTUMBRISMO
La pintura costumbrista de estilo muy peculiar en la formación

de nuestra pintura nacional, parte de las postrimerías de la
gran tradición virreinal, para luego sentar base pictórica
original no solo en el Perú sino en todo el ámbito colonial
iberoamericano. El Costumbrismo se convirtió en la expresión de
la realidad auténticamente peruana, abordando con limpieza y
calidez las escenas de la vida cotidiana de la Lima del siglo
XIX.
El principal exponente de esta corriente es Pancho Fierro. Fue

testigo del nacimiento de la República y los avatares de la
naciente patria hasta el año de la guerra contra Chile. Entre
otros pintores y dibujantes extranjeros se presentan a:
Bonnáffe, Angrand, Marcoy, Vidal y Rugendas.
PANCHO FIERRO. (LIMA, 1809 – 1879)
Pintor mulato de temas costumbristas, acuarelista, autodidacta

con un talento intuitivo genial. Desarrolló muy pronto su
aptitud para representar sobre el papel objetos y personas.
En su arte persigue una tradición de pintura popular que tiene

antecedentes de fines del Virreinato y de inicios de la Repú-
blica, cuya temática fue el costumbrismo local captado con
técnica rudimentaria e ingenua. Manifiesta su mundo y 1o hace
con simplicidad instintiva y peculiar gracia, pues nunca
inventa, se limita a registrar lo que ve a su alrededor.
Entre sus obras se tiene: Tapadas Limeñas, Pelea de Gallos,

Leñadores, Ño Toribio, Los Turroneros, Anticuchero, Carnaval. El
Aguador.
RUGENDAS (JOHAN MORITZ) (ALEMANIA, 1802 – WELHEIN 1858)
Realizó sus estudios en el Gimnasium de Santa Clara y en la

Academia de Múnich. En 1821 se embarcó en la expedición
científica del barón Grigori Ivanovitch Langsdorff, quien
requería un dibujante que ilustrara la Naturaleza de Sudamérica.
A partir de entonces estuvo en Brasil (1822-1825), Haití (1830),
México (1831-1834), Chile (1834-1842).
Fue uno de los más representativos pintores extranjeros que

realizaron pintura costumbrista de valor documental y estético.
Rugendas vivió en nuestro país entre los años 1842 - 1845 y las

obras ejecutadas por él dan una imagen del Perú en los primeros
años de su independencia.
Sus óleos, acuarelas y dibujos de escenas costumbristas,

paisajes típicos, personajes pintorescos y notables, y aun
fenómenos celestes, fueron trazados por Rugendas, con
acuciosidad y maestría.
Su cuadro Plaza de Armas de Lima es uno de los más coloridos del

pintor, asimismo su Paseo de Amancaes (óleo, colección Fernando
Berckemeyer), Bañistas de Chorrillos, Tapadas (apunte), retrato
del pintor Toribio Alonso Calmet, Don Juan de Aliaga.
3. ACADEMISMO
La corriente académica es el resultado de la influencia que

tuvieron en nuestros pintores, los años de estudio en escuelas y
academias de Europa, con los grandes maestros Delaroche y
Fortuny, en las que primaba el trabajo perfeccionista, el manejo
del claroscuro, la labor de gabinete, el dominio del volumen y
la profundidad.
Los artistas que emigraron de nuestro medio permanecieron casi

toda su vida en el viejo Continente y adoptaron como propios los
valores artísticos de ese medio; de ahí que ahora los conozcamos
como academistas porque trataron temas ajenos a nuestra
realidad. A esta corriente pertenecen artistas peruanos de la
talla de Ignacio Merino, Francisco Laso y Luís Montero.
MERINO (IGNACIO) (PIURA, 1817 – PARÍS, 1876)
Vivió casi toda su vida en Europa. Sus primeras lecciones de

pintura las recibió en el taller de Raymond Monvoisin (París);
vino al Perú juntamente con su maestro. Fue incorporado a la
Academia de Pintura y Dibujo que dirigía el quiteño Javier
Cortés de Alcocer. En 1841,a la muerte de Cortés, Merino asume
la dirección de la academia.
El arte de Merino se desarrolló en todo su esplendor, con su

retorno a París. Entró al taller de Delaroche. Luego abandonó a
su maestro y se plegó al bando de los románticos que capitaneaba
Delacroix. Fue en la temática del romanticismo pictórico donde
desarrolló su estilo muy pegado al anecdotismo o historicismo,
que se inspiró en la evocación de los temas medievales y en la
anécdota literaria, así como su vocación de colorista brillante.
Manejó una técnica pastosa de toques cortos y densos, con un
dibujo preciso y enérgico. Destacan también aquellas obras con
los que trata con especial cuidado y detalle los rostros de sus
modelos.
Obras: Colón ante los Sabios de Salamanca, Resurrección de

Lázaro, Hamlet ante la Tumba de Yorick, Tobías y el Ángel,
Ultima Cena, La Lectura del Quijote.
LASO (FRANCISCO) (TACNA, 1823 – LIMA, 1869)

Fue un gran retratista, no sólo por la calidad de su ejecución,
sino por la observación psicológica del hombre peruano.
Laso y Merino fueron compañeros de la enseñanza de Javier Cortés

y de Monvoisin, entonces residentes en Lima. A la muerte de
Cortés en 1841, Ignacio Merino asume la dirección de la
Académica y Laso la Sub-dirección.
En 1843 viaja a Europa e ingresa a complementar estudios con

Delaroche primero y más tarde con Gleyre. París no parece
haberle agradado y se trasladó a Italia.
En 1850 inicia su viaje por el interior del sur del Perú

captando paisajes y tipos de la serranía. Con él se inicia una
nueva etapa de nuestra pintura. Aquella que intenta rescatar
nuestra imagen grupal. Así la presencia de indígenas, negros y
blancos como personajes de nuestro mestizaje están compuestos en
el cuadro: “Las Tres Razas", en el que aparecen jugando cartas,
un niño blanco, un sirviente indígena y una esclavita negra, los
tres en amigable armonía, pero la jovencita indígena ocupa el
lugar central en la composición, los laterales ocupan los otros
dos. Aquí está el pintor Laso íntegro en su estilo y en su
espíritu impregnado del sentimiento de nuestra serranía.
Entre otras obras se tiene: El Indio Alfarero, donde muestra a

un indígena erguido, solemne y señorial. Envuelto en un poncho
oscuro cuyo negror apenas animan unas delgadas listas de color,
cubierta con una amplia montera que ensombrece el rostro;
curiosamente, aparece con bigotes negros. Los indígenas son
lampiños, es un auténtico auto retrato de Laso: vestido de
indígena y portando en las manos un ceramio prehispánico.
Hermosa simbología de esta noble obra.
En su pintura sabe destacar el contorno de sus figuras sobre los

fondos claros, prefiere la figura única a la composición.
Su colorido es sobrio, en ocres y sienas. Da a los ojos y las

manos toda su fuerza expresiva. Aunque destaca por su
recuperación del tema indígena, en Lima pintó preferentemente
sus más bellos retratos.
Entre sus obras se tienen: Pascana, Indios en la Puna, Alegoría

de la Libertad Americana, Retrato de Felipe Pardo y Aliaga, Doña
Juana Manuela Laso de Eléspuru, Santa Rosa Chalán a Caballo.
MONTERO (LUIS) (PIURA, 1826 – CALLAO, 1869)
Se formó en Lima en la mentada Academia de Dibujo y Pintura

fundada por el virrey Abascal y bajo la dirección del pintor
Ignacio Merino. Logró viajar becado a Europa y radicó
principalmente en Italia. Luis Montero al igual que su maestro
fue prisionero de la influencia extranjera. Pintor de temas
históricos, asimismo gran colorista. Es autor de una gran
composición: Los Funerales de Atahuallpa, por encargo del
gobierno.
ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO - 10 -

En 1851 asume la dirección de la Academia de Dibujo y Pintura de
Lima que dejó Merino, y se dedicó a pintar retratos para
compensar su escaso sueldo.En 1860 se presenta, como invitado,
en la “Primera Exposición Colectiva de Lima” organizada por el
maestro Leonardo Barbieri, considerada, hasta hoy, como la
Primera Exposición de Bellas Artes en el Perú, la muestra se
llevó a cabo en el Convento de la Compañía (San Pedro); por 20
días se presentaron 58 cuadros del maestro, sus alumnos y otros
pintores como: Francisco Laso, Ignacio Merino y Luis Montero,
Sus desnudos y retratos, están plásticamente concebidas y en

ellos se observa gran dominio de los recursos del género.
Luis Montero y Laso corren el mismo destino: víctimas de una

epidemia de la fiebre amarilla que azotaba a Lima, fallecen en
el mismo año.
Entre sus obras tenemos: Viejo, La Venus Dormida, La Plegaria,

El Artista y su Modelo,Limeña en la Hamaca, La Orgía, Lot y sus
Hijas, Retrato del Hijo del Virrey Pezuela.
4. NEOACADEMISMO
Corriente que nace, gracias ya a la influencia de los artistas

europeos de la talla de Millet, Courbet, Daumier, que
precedieron al Impresionismo, y propugnaron una pintura más
libre, de mayor creatividad, con trabajo fuera del estudio y
con el uso de los recursos de luz, color y la preferencia por
nuevos temas. Dentro de ese grupo de artistas encontramos ya
una cierta preferencia por tratar temas de nuestra realidad
nacional.
Fueron varios los artistas peruanos que recibieron esta nueva

influencia y la plasmaron en sus obras. Los que más destacan
son Daniel Hernández, Carlos Baca Flor, Teófilo Castillo y
entre los de menor influencia: Federico Torrico, Francisco
Masías, Guillermo Tasset, Alberto Lynch, Evaristo San
Cristóbal, Juan Lepiani.
HERNANDEZ (DANIEL) (HUANCAVELICA, 1873–LIMA, 1932)
Gran maestro forjador de generaciones de pintores y primer

director de la Escuela de Bellas Artes creada durante el
gobierno de José Pardo (1917).
En 1870 estudió en Lima pintura con el italiano Leonardo

Barbieri, en la Academia que éste mantenía con su esfuerzo
propio y lo sucedió en la dirección de la misma cuando el
italiano retornó a su país en 1873.
En 1874 viajó a Europa como pensionado del gobierno; a los

cuatro meses de su estadía en Roma le suspendieron la pensión
debiendo enfrentar dificultades económicas. De esta época datan
sus pinturas en miniatura, cuadritos pintados en material de

desecho, en tapas de caja de cigarrillos, Etc. Pintó también
escenas callejeras, bellas floristas, paisajes, retratos,
siempre con motivos de la ciudad romana. Tuvo bastante éxito.
En 1883 se traslada a París donde permanecería por 35 años. Va

asimilando las obras de estilo Rococó de pintores como
Fragonard, Nattier, Wattteau, pintura aristocrática, voluptuosa
y elegante. En esta época sus tipos femeninos se van refinando,
obras tituladas como las “perezosas” pertenecen a este periodo,
donde representa a mujeres descansando que proyectan gran
sensualidad. El artista se complace en recrear las sedas, los
almohadones y la piel tersa de las mujeres haciéndolo con gran
maestría, llegándosele a conocer en Europa como uno de los
mejores pintores de desnudos femeninos.
A partir de 1900 comienza una prolifera carrera. Fue declarado

Honoris Causa, en todos los salones, alcanzando renombre en los
círculos académicos europeos.
Su pintura es importante dentro de la evolución de este arte en

el Perú porque con él comenzó el período postromántico que,
indudablemente, influyó en la marcha de la pintura nacional. Su
paleta adquiere una gran gama cromática, efectos de luz y la
pincelada rápida, características de su producción pictórica.
Dentro de toda la producción hernandiana la obra más notable es

el retrato de La Dama de las Rosas, una bella italiana por la
que el maestro, en su juventud y a lo largo de toda su vida,
profesó profundo afecto. La dama era esposa de un diplomático
peruano que la conoció en Roma. Realizó también la figura
ecuestre de Pizarro que paso a adornar el Palacio de Gobierno,
el retrato de la esposa del Presidente Leguía, así como otras
notables damas limeñas, siendo el genero del retrato una de sus
especialidades. Los temas históricos tampoco los dejó de lado,
tal es el caso de la “Capitulación de Ayacucho” (1924)
conmemorando el centenario de tan ilustre hecho, el cual no
obedecía a ningún encargo oficial.
CASTILLO (TEÓFILO) (CARHUAZ ANCASH, 1857 – TUCUMAN -

ARGENTINA, 1922)
Inició sus estudios de pintura con Luis Boudat, pintor franco-

cubano, entonces residente en Lima, y experto paisajista y
retratista. En 1883 parte a Europa para perfeccionar sus
estudios, ahí llevó talleres con dos importantes artistas de la
época, William Bougereau y Antonio Ciseri.
Pintor impresionista. Tuvo preferencia por los temas de

reminiscencia colonial, interpretó las diferentes tradiciones de
don Ricardo Palma. Castillo, además de ser pintor, fue
fotógrafo, trajo de Europa por primera vez, la fotografía
iluminada causando gran admiración en el ambiente limeño.

Excelente crítico de arte y escritor de nota. Fue maestro
durante la infancia de Ricardo Flórez. En 1920 decide retirarse
del país para establecerse en Tucumán hasta su muerte.
El Pleito de las Calesas, es una obra en la que se puede notar

una gran influencia de los pintores franceses. De tipo
impresionista, es decir, luminosa, atmosferizada, y
transparente. Su colorido, de muy ricas armonías, nos indica un
logrado dominio del arte.
Es un artista fino, observador y profundo admirador de la

belleza de la Lima de antaño. Su amplia y buena preparación
académica le permitieron practicar pintura de extraordinaria
calidad. La presencia de Castillo como pintor, profesor, crítico
fue notablemente fructífera y su recuerdo debe situarse al lado
de Hernández y Baca Flor como parte de la maestría pictórica
peruana de la segunda mitad del siglo XIX.
Entre sus obras se tiene: Patio Colonial, El Bautizo, La

Conversión de Magdalena, Noche Buena Limeña.
BACA FLOR (CARLOS) (AREQUIPA, 1867 – PARÍS, 1941)
Genial retratista. Se esforzó en presentar fielmente la realidad

y captar el carácter fisonómico de los personajes retratados.
De padre boliviano y madre huanuqueña, su formación artística lo

realiza en Chile, con el pintor italiano Mochi y con el maestro
Cosme de San Martín. La Escuela Nacional de Bellas Artes y el
gobierno chileno le confieren el premio Medalla de Oro y una
beca para seguir cursos de perfeccionamiento por cinco años en
Roma. Baca Flor, sin embargo, rechaza la distinción, al ser
presionado por las autoridades educacionales para que se
nacionalizara chileno.
En 1887 regresa al Perú. Vivió en Lima hasta 1890, pintando

retratos y enseñando dibujo, hasta que el gobierno del General
Cáceres le otorgó una beca para completar estudios en Europa
(Roma), destacando rápidamente como estudiante y obteniendo
muchos premios.
En París pinta dos retratos importantes: Del Marqués de la

Pallice, aristócrata de gran boga en París Y otro al modisto
Worth, entonces árbitro de la elegancia en el gran mundo
internacional. Ambos fueron exhibidos en el salón de artistas
franceses con gran éxito. El más notable es el del modisto, pues
en esa obra se equilibran las dos tendencias que Baca Flor
empleó en su vida artística: de una parte la fantasía creativa
potente en el manejo ágil y espontáneo del pincel y de la otra,
el rigor formal al que agrega la veracidad impresionante de la
figura; fue ese retrato el que motivó al banquero norteamericano
Jhon Morgan encargarle el suyo, y media docena de copias más
como demostración de afecto y admiración.

Vivió el artista algo más de veinte años en la ciudad
neoyorquina ejecutando unos 130 retratos de las más distinguidas
personalidades. Es entonces cuando logra acumular una gran
fortuna económica, también logra exponer en el Salón I Honneur.
Viaja a Inglaterra e Irlanda.
En 1926 fue nombrado, el artista Baca Flor, miembro de la

Academia de Bellas Artes de Francia.
Cuando Baca Flor falleció en su taller, en París, como artista,

ya estaba mundialmente consagrado. Hoy los cuadros de Baca Flor
figuran entre las joyas más preciadas de nuestros museos y
considerados los mejores del mundo.
Entre sus obras se tienen: Retrato del pintor chileno Valenzuela

Puebla, de su maestro San Martín, Srta. Hortensia Cáceres (quien
era el amor platónico de Baca Flor), Sra. Antonia Moreno de
Cáceres, de su amigo Scipión Llonas, del Cardenal Bonzano, de
Eamon de Valera (presidente de Irlanda), del Papá Pio XII.
III UNIDAD
LA PINTURA EN AMÉRICA Y EL PERU DURANTE EL SIGLO XX
LA PINTURA DEL SIGLO XX EN AMERICA
Puede decirse sin temor a equivocación que, a partir del año

1900 la pintura americana adquiere otro tono; la ganó el
Realismo, apartándola de la imitación europea y adquirió,
además, una orientación decorativa y mural.
La pintura en Estados Unidos
La nueva pintura Norteamericana se caracteriza por su divorcio

de los modelos clásicos de Sargent, autor de famosos retratos, y
también por su tendencia sarcástica, crítica y periodística.
I
En 1908 un grupo de artistas llamados a si mismos “Los Ocho"
emerge con diversas tendencias, todas ellas Realistas, unidas
por el interés de lo cotidiano por la vida que bulle alrededor.
Los artistas conservadores los llamaron "El Grupo del Cubo de la
Basura".
En 1913 se realiza la famosa "Armony Show", ofreció a más de 250

mil espectadores, entre las ciudades de Nueva York, Chicago y
Boston, una colección de más de mil obras de las nuevas
tendencias que se desarrollaban en Europa. Esto significó para
los jóvenes artistas una gran experiencia que les permitió
adherirse a nuevas tendencias.
Al final de la Primera Guerra Mundial hay interés por la

realidad, manifestándose en la representación de temas
industriales. Paralelamente surge una tendencia denominada

"American Scene”, que trataba de reflejar la vida corriente del
país, con un sabor cotidiano o local, y aspiraba a formar un
carácter nacional en la pintura.
Los años 30 están marcados por el signo de lo social, a raíz de

las consecuencias de la crisis económica de 1929 (la caída de la
Bolsa de Valores de Nueva York). El pintor más importante de
este período es Ben Shann, cuya pintura, de contenido
revolucionario, destaca por la serie inspirada en el célebre
caso Sacco-Vanzetti. Además fue autor de murales en colaboración
con Diego Rivera.
En los años inmediatamente anteriores a la Segunda Guerra

Mundial, refugiados europeos que huyen de la persecución nazi,
llegan a América, y entre ellos artistas que van a influir en la
pintura con su tendencia abstracta.
La pintura en México
El comienzo del gran movimiento artístico mexicano, se dio con

la creación del Sindicato de Trabajadores Técnicos Pintores y
Escultores; gremio que además sirvió de bandera a las ideas
socialistas que se venían gestando entonces en el mundo.
El nuevo gobierno, con José Vasconcelos como Ministro de

Cultura, fomentó una producción artística con la que el pueblo
se pudiera identificar y que celebrara una nueva "mexicanidad"
basada en la fusión de lo europeo y lo indígena. Se propuso
entonces un arte más abiertamente político, polémico y
narrativo. El ministerio creó un programa de murales y patrocinó
a varios artistas que ganaron renombre internacional.
Los artistas de este período (comienzos del siglo XX) repudiaban

la pintura llamada de caballete y proclamaron que la meta ideal
del arte no sea una expresión de masturbación individualista,
sino un arte que esté al alcance de todos, de educación y de
batalla. Así nació el Muralismo Mexicano, uno de los fenómenos
más importantes del siglo XX.
El origen de este arte está íntimamente ligado a la revolución

mexicana, de la cual puede considerarse su expresión plástica.
La idea de pintar muros, ya existía en México desde mucho antes,
pero esta se desarrolló y definió entre 1900 y 1920. Tres
grandes artistas son considerados los maestros de la pintura
mural contemporánea: Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José
Clemente Orozco.
El muralismo de estos artistas revaloriza el pasado aborigen

actualizándolo. Los murales en general ilustran la historia de
México. Algunas de sus figuras tomaron parte en la lucha que
daría el triunfo a la revolución. Esto despertaría un
sentimiento nacional muy fuerte, y el mismo gobierno apoyaría el
renacimiento de un arte que quería ser propiamente mexicano.

Este arte no se trató de un realismo socialista, como el que
producían los artistas de la Unión Soviética, sino que permitía
al artista mexicano plasmar su pintura valiéndose de una amplia
libertad para su realización. El artista que continuó la obra de
los tres grandes maestros fue Rufino Tamayo, el más cosmopolita
de los de su generación, y a la vez, el más mexicano de todos.
La pintura en Argentina
1902 marcó la aparición del impresionismo en nuestro país, El

paisaje luminoso se convirtió en centro de la pintura argentina,
elección que compartieron los postimpresionistas integrantes del
grupo Nexos. Esta agrupación participó activamente en el debate
sobre la realización de un arte nacional, estimulado por los
festejos del Centenario de la Revolución de Mayo.
Alrededor de 1920 surgieron los Artistas del Pueblo, correlato

plástico del grupo literario de Boedo. Alejados del folklorismo
o de la nostalgia del pasado propiciados por la generación
anterior, este núcleo puso énfasis en los problemas sociales.
Esta tendencia del arte social se intensificó en el realismo
crítico de los años 30, que rechazaba la abstracción por
considerarla elitista. En esta corriente sobresalieron Antonio
Berni, Lino Eneas Spilimbergo. Esta línea será retomada a fines
de la década del 50 por el Grupo Espartaco, quienes por medio de
la monumentalidad buscarán llevar el arte al pueblo.
Paralelamente al surgimiento de la tendencia realista, otro

grupo de creadores se nucleó en torno a la búsqueda de formas
libres y equilibradas, aunque alejadas del academicismo. Se
adhirió a esta tendencia Emilio Petorutti. Mientras se afianzaba
el realismo crítico, se fortalecían las propuestas surrealistas
del Grupo Orión en el que artistas identificados con los
postulados de cambio social, adoptaron algunos rasgos
vanguardistas como Berni o Spilimbergo.
En 1944 la revista Arturo se convierte en portavoz de la

abstracción geométrica rechazando el arte figurativo.
Considerada como una segunda vanguardia, los defensores de la
abstracción o arte concreto, se reconocían herederos de
Pettoruti. De este grupo luego surgieron otras propuestas que
marcaron una nueva etapa del vanguardismo en el país y
prepararon el camino para movimientos como el arte óptico y
cinético y entre otros más recientes.
La pintura en Brasil
El arte moderno del Brasil tiene su iniciador en Cándido

Portinari, cuya pintura tiene tendencias hacia el Surrealismo y
el Cubismo. Además, su temática es una forma de protesta social.
El gobierno reformista de Getúlio Vargas en Brasil, con su

campaña de unificación nacional a través del mestizaje y la
"grandeça brasileira", patrocinó una escuela de realismo social
en la que el pintor Cândido Portinari (1903-1962) ocupó un lugar

predominante. Miembro del Partido Comunista, Portinari se dedicó
a explorar temas históricos y sociales en grandiosos murales que
fueran claramente legibles para el pueblo mestizo, inmigrante y
obrero. Su visión artística buscaba integrar el ideal del
progreso ordenado -lema de su país- con la justicia comunitaria,
como en su clásico óleo Mestiço (1934).
Otros artistas destacados fueron Lazar Segal y Emiliano Di

Cavalcanti. Después de la Segunda Guerra Mundial se puede decir
que los artistas brasileños logran situarse como los principales
de América y reputados entre los mejores del mundo, en lo que es
el “Arte de Vanguardia".
La pintura en Cuba
No es hasta 1925 que la plástica cubana logra incorporarse a los

planteamientos del arte contemporáneo. Un grupo de pintores
manifiestan la insuficiencia de su formación, viajan,
fundamentalmente a Francia y en la Escuela de París reciben
influencia del arte renovador. Todos estos pintores sufrieron no
solo la incomprensión sino también la falta de un respaldo en la
tradición pictórica del país. Muchos tratan de reflejar la
conmoción social que existe en el país tanto en la pintura como
en la escultura.
Wifredo Lam regresa a Cuba al terminarse la Segunda Guerra

Mundial y trae el conocimiento de Picasso y el arte negro. El
reencuentro con su país cristaliza su obra mundialmente famosa,
de inspiración Surrealista, atraída por temas que configuran la
vida de los campesinos y de la gente sencilla de la ciudad. Sus
composiciones, además, evocan la jungla y los totems. Su cuadro
capital será "La Jungla"
Después de 1960, incidió como un hecho decisivo el triunfo de la

Revolución, el cual marca un cambio abismal en la proyección
cultural y artística. Se estataliza el arte y se le encamina a
ser propaganda política. Se atienden todas las opciones del
Sistema de la Cultura en función de la política. Por supuesto,
las expresiones plásticas se harán receptivas a todo el
movimiento artístico en derredor del hombre y lo tomará en
cuenta en sus nuevos derroteros expresivos.
La pintura en Chile
A principios del siglo XX los pintores chilenos, ajenos a las

nuevas ideas europeas, seguían haciendo un arte heredero del
neoclasicismo y el romanticismo francés. El cambio radical
vendría de la mano de un ministro de entonces, Pablo Ramírez,
quien, en un acto sin precedentes, decidió en 1928 cerrar
temporalmente la Escuela de Bellas Artes y mandar a Europa a sus
profesores -la "generación del 28"-, a empaparse de los cambios
producidos.

Ellos serían importadores de los conceptos y las técnicas
impresionistas, cubistas, fauvistas, expresionistas y
abstractas, y trasladarían así los soportes de todo aquello a lo
que los artistas plásticos chilenos recurrirían en busca de su
propia identidad en las futuras vanguardias.
La generación de artistas que surge en los años 50 expresa con

mayor énfasis una necesidad no figurativa, motivada también por
los crecientes contactos con las corrientes europeas
contemporáneas. Las obras de esta generación inauguran dos
tendencias: la abstracción lírica, ligada al surrealismo
europeo, que buscó reducir la representación figurativa, y la
abstracción de carácter geométrico.
Entre los artistas vinculados a la abstracción lírica destacan

las pinturas y obras gráficas de Roberto Sebastiano Matta
Echaurren, uno de los máximos representantes del surrealismo
abstracto. Su pintura tiene su fuente de inspiración en el campo
de lo psíquico y onírico (extraños cuerpos dejan rastros de su
paso vertiginoso en un universo en el que ha desaparecido la
gravidez).
En 1973, el año del golpe militar de Augusto Pinochet, muchos de

los artistas se vieron obligados a exiliarse, sobre todo a
Francia o España, donde sus posteriores trabajos dejarían ver
sus respectivas rupturas vitales.
La pintura en Ecuador
El arte ecuatoriano enfatizó temas indigenistas y buscó

interpretar la experiencia de los grupos amerindios marginados y
explotados. El más famoso pintoror de la época, Oswaldo
Guayasamín (1919-1999)sigue la línea de la Escuela Mexicana. Su
obra tiene carácter racial, con una temática indígena, en la que
prevalecen el esquematismo y el carácter geométrico, así como
una gran fuerza dramática, producto de la influencia del cubismo
y del expresionismo, respectivamente. La fuerza expresionista se
centra en las manos, rostros y elementos cotidianos del pueblo
indígena.
La pintura en Colombia
En Colombia, una era de modernización y apertura internacional

favoreció en los años cuarenta el contacto con las tendencias
artísticas de México y Europa, y el Ministerio de Educación
fomentó un tipo de arte populista que se nutrió de las lecciones
muralistas. El mayor representante del muralismo colombiano fue
Pedro Nel Gómez (1899-1994), quien ejecutó 10 inmensos paneles
en el Palacio Municipal de Medellín.
Mención aparte merece Fernando Botero (Medellín, 1932) pintor,

dibujante y escultor, en cuya obra el humor, la ironía y la
ingenuidad se combinan.

En principio sus obras revelan cierta admiración por el
muralismo mexicano y la pintura del renacimiento italiano, pero
más tarde estas influencias van desapareciendo en favor de un
personalísimo estilo, en el que las figuras engordan y se
deforman hasta cubrir en buena parte el lienzo, los cuadros de
esos años denotan la influencia del surrealismo.
LA PINTURA DEL SIGLO XX EN PERÚ
INDIGENISMO
Corriente pictórica e intelectual que surgió en la segunda

década del siglo XX, preocupada por redescubrir, valorar y
rescatar aquellos elementos propios del poblador serrano. Con
José Sabogal a la cabeza, el indigenismo se volcó a plasmar
representaciones naturalistas del paisaje y del hombre andino.
El mundo indígena aportó una fuente inagotable de inspiración y

motivó el uso de una técnica diferente. Primó una textura más
gruesa y el uso de los colores intensos que permitieron repre-
sentar con gran realismo al hombre peruano y su ambiente.
La influencia de José Sabogal se deja sentir como profesor y

después como director de la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Logra imponer su arte, su estilo y la temática indigenista. Ser
indigenista era sobre todo la ejemplaridad de planteamiento y la
verdad en el propósito de revalorar el motivo peruano como tema
pictórico y preconizar la reivindicación del indígena.
Algunos de sus seguidores son: Julia Codesido, Enrique Camino

Brent, Camilo Blas, Teresa Carvallo, Felipe Cossío del Pomar,
entre otros.
SABOGAL (JOSÉ)(CAJABAMBA – CAJAMARCA, 1988- LIMA, 1956)
José Carlos Mariátegui decía que en el Perú, la poesía es a

Vallejo como la pintura a Sabogal. A la edad de 21 años viajó a
Roma. En los museos de romanos realizó estudios personales del
arte de la pintura y los estudios profesionales los hizo en la
Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires en Argentina. Peregrinó
por Italia, Francia, España, Argelia y Marruecos.
De regreso a América se establece en Jujuy, Argentina, entre

1913 y 1918, desempeñándose como profesor de dibujo. Es en esta
ciudad donde conoce al pintor costumbrista Jorge Bermúdez,
apasionado defensor del medio rural quien, sin lugar a dudas,
influye en Sabogal para que se decida a iniciar un movimiento
que sus detractores motejan como “indigenista”. También visitó
México trabajando con Rivera y Orozco entre 1922 y 1925, y de
los que recibió decisivas influencias.
El 15 de Julio de 1919 exhibe en la Casa Brandes de Lima sus

telas pintadas en Cusco, alborotando el ambiente pictórico.
Causa admiración entre los entendidos, que ven surgir la nueva
forma de interpretar la realidad peruana, a través de una

pintura simple y de trazos vigorosos; es – dicen – el más serio
esfuerzo que se haya realizado en el Perú en pos de la creación
del arte pictórico nacional.
También exhibió en Guadalajara, Buenos Aires, San Francisco y

New York. En 1928, sus decoraciones para la Escuela de Minas de
Sevilla merecieron una Medalla de Oro. En 1920, Sabogal ingresa
a la Escuela Nacional de Bellas Artes como profesor,
permaneciendo en el cargo hasta Octubre de 1932, en que asume su
dirección en reemplazo del maestro Daniel Hernández,
recientemente fallecido. Permanece en este alto cargo hasta el
año 1943.
Entre sus obras tenemos: Varayoc de Chincheros o la Mujer del

Varayoc, Procesión del Señor de los Milagros, Hilanderas
Huancas, Amancaes, Cerro de Pasco, Maternidad, El traje de la
Abuela, El Gamonal; en esta última se ve a un indígena encorvado
por el peso de un fardo y tras él a un jinete, el señor feudal
andino, que lo contempla despectivo.
En 1945 funda la Sala de Arte Popular en el Museo de la Cultura

Peruana, donde se aprecia el vivo y perseverante interés por las
artes populares de su patria. Destacó no sólamente en la pintura
sino también en la escultura, la xilografía, el grabado, la
investigación artística, el turismo y las artes populares o
artesanías.
CAMINO BRENT (ENRIQUE) (LIMA, 1909 – 1960)
Pintor de temperamento más independiente. Ha dejado en su obra

una visión abierta y especial de la realidad, una visión
luminosa y sentida de nuestro país.
Sus obras de temática peruanista destacan por su efecto e

identificación con el grupo de Sabogal; pertenece al
indigenismo, pero por su estilo original singularmente subjetivo
se sitúa a su pintura como expresionista y surrealista.
En sus figuras nos hace gozar la belleza de lo simple, de lo

aparentemente fuerte y volumétrico, de lo misterioso; pero a la
vez, su mundo de figuras, parece diluirse en medio de una
extraña alegría. El color, las líneas, la composición, la
imaginación y la distorsión intencionada de sus figuras, dan una
alta creatividad a las obras de Camino Brent.
Entre sus obras se tiene: La Familia del Callao, Muchacho,

Fuente de Puno, El Balcón de Prado, Calleja de Zaguan, Ventana
de Tristán.
BLAS (CAMILO) (CAJAMARCA, 1903 – LIMA, 1985)
Seudónimo del abogado Alonso Sánchez Urteaga. Pintor autodidacta

en sus inicios quien a sugerencia de Sabogal, ingresó al taller
del maestro Daniel Hernández, Director de la Escuela de Bellas
Artes, para recibir alguna orientación necesaria.

En Trujillo al celebrarse el centenario de la independencia,
Camilo Blas ganó el concurso de pintura presentando un cuadro
titulado "Mochera".
Estuvo junto a Sabogal y fue profesor por muchos años de la

Escuela Nacional de Bellas Artes. Sus obras muestran elegancia,
trazos fuertes y precisos, concebidas en grandes planos. Sus
colores son de gran riqueza y unidad cromática. De estilo
refinado, dentro de la corriente indigenista, supo aplicar el
arte "naif" (infantil o ingenuo) a sus dibujos, agregando un
toque de sutileza y colorido propios.
Por la gran cantidad de dibujos costumbristas peruanos que

presentan sus obras, tanto de Cajamarca como de todo el Perú–,
también se le considera como el "Pancho Fierro serrano".
Entre sus obras se tiene: Paisaje de la costa, sierra y selva,

Plaza de Huancavelica, Procesión del Señor de los Milagros,
Mochera, Calle de Usquil, Negrita de Callejón, Madre Indígena,
Pareja a Caballo
CODESIDO (JULIA) (LIMA, 1982 – 1980)
Mujer de vasta cultura, viajó y expuso sus pinturas en las más

importantes capitales de Europa y América: París, New York,
México.
Con respecto a su arte dijo: "… pinto nativos y mestizos, porque

en el Perú no hay otra cosa, es la idea que va a cada
pincelada".
A los 85 años de edad, por su vocación y entrega al arte, recibe

un premio consagratorio. Fue compañera y alumna de Sabogal en la
aventura indigenista, como fundadora de todo un estilo y
pensamiento plástico es dueña de una actitud y serenidad humana
poco comunes.
Su pintura se caracteriza porque elimina detalles, las líneas no

marcan sino lo indispensable, los planos no contienen sino lo
esencial. Es decir, estéticamente evoluciona de las primitivas
concepciones formales derivadas de la manera sabogalina, a una
estilización de las formas que en sus últimos años casi alcanza
la abstracción.
Entre sus obras más destacadas se cita: Los Novios, Jefe Indio.
NATIVISMO
A comienzos de la tercera década del pasado siglo,cuando el

grupo sabogalino estuvo en el momento de mayor creatividad e
influencia, surge entre algunos artistas de la Escuela Nacional
de Bellas Artes el rechazo a la oficialización dogmática del
indigenismo, creándose el interés por temas lugareños con mayor
libertad y con técnicas y estilos diferentes.

Este grupo de artistas, conocidos como nativistas, destacaron
por su independencia frente a la corriente dominante y por haber
sido capaces de asumir el tema popular con gran creatividad y
espontaneidad.
Destacan figuras como las de Jorge Vinatea Reynoso, Ricardo

Flórez, Mario Urteaga, Enrique Masías, Francisco González
Gamarra, Wenceslao Hinostroza, Dámaso Casallo.
VINATEA REYNOSO (JORGE) (AREQUIPA, 1900 – 1931)
Nos manifiesta en su obra un gran impulso nacional,

interpretando magníficamente la vida del hombre del pueblo.
Reynoso fue pintor realista, lejos de la copia fotográfica tomó
la naturaleza como medio para expresar bellamente sus
composiciones. Detallada técnica, manifiesta en todas sus obras,
en las que revela un aprovechamiento libre de las lecciones de
Hernández.
Su pintura es un testimonio luminoso del Perú, lograda desde los

inicios hasta el prematuro final de su vida. Este mérito lo
ubica entre los mejores nativistas del país.
Entre sus obras se tiene: Escenas Puneñas, Balsas de Titicaca,

Amanecer en Lima, Caballitos de Totora, Amancaes, Vendedora de
Naranjas.
FLÓREZ Y GUTIERREZ DE QUINTANILLA (RICARDO E.)(LIMA, 1893 –

TOMAYQUICHUA, HUANUCO, 1983)
Comenzó su vida artística viendo pintar a su hermana cuando

recibía clases del famoso pintor Teófilo Castillo, quien había
vuelto de Europa trayendo algo del nuevo Impresionismo. En
reiteradas oportunidades manifestó su reconocimiento a "Don
Teófilo" por haberle enseñado a usar por primera vez un pincel.
Tomó clases con Daniel Hernández y con el joven José Sabogal, a
ninguno de ellos le molestaba que Flórez pintase de manera
diferente. Devoraba cuanta información escrita tuviese, por esta
razón se nutrió del arte de Monet, Pissarro, Renoir, Cézanne,
pero sin exclusiones ni preferencias, "mi estilo, resumía con
humor, es a la vez francés y Tomayquichuino",
En 1913, viajó a la hacienda Quicacán (Huánuco), para luego

radicar en el pueblito de Tomayquichua, según su apreciación,
"región paradisíaca, maravillosa a todas horas, sobre todo las
de sol". Le fascinaba los cerros de color lila.
Sabogal lo llamó como profesor de la Escuela de Bellas Artes. En

1939 cuando asumió la dirección; desde entonces formó parte de
un grupo de pintores de notable actuación artística de nuestro
país.
Fue un artista por temperamento y por estirpe verdaderamente

vernáculo, verdaderamente nacional y verdaderamente peruano. En
sus pinturas no hay reminiscencias artificiales, no hay bautizos

de ciudades españolas o francesas con nombres peruanos, no hay
montañas suizas con títulos quechuas, ni tipos ni personajes de
otros climas con vestimentas nacionales; hay una expresión de
las cosas nuestras, el amaranto de las tardes crepusculares, el
verde intenso de las proximidades de la selva virgen, lo
maravilloso de la campiña huanuqueña, la armonía de la
naturaleza en su más noble esplendor.
En algunos de sus lienzos se advierte la influencia del

puntillismo que lo expresa con maestría y sinceridad, con
gallarda capacidad receptiva de pintor enamorado del paisaje, de
la forma y del medio ecológico.
Es uno de los pocos artistas que hizo vida de pintor en contacto

con la naturaleza, se identificó con el pueblo de Tomayquichua.
Plasmó en sus cuadros su ambiente paisajístico, pastoral,
agrícola, costumbres y tradiciones.
Entre sus numerosas obras se tiene: Danza de los Negritos,
Carnavales, Tejedoras, Bañistas, Cortes de Caña, etc.
HINOSTROZA (WENCESLAO)(JAUJA, 1897 – LIMA, 1975)

Realizó estudios superiores en la Escuela de Bellas Artes -Lima,
egresó con el primer puesto con medalla de oro y diploma de
honor con su obra "LA FERIA"
Hinostroza volvió a su terruño para componer en el lienzo los

luminosos paisajes del Valle del Mantaro, animado por la
policromía de los trajes típicos y las costumbres tradicionales
De retorno a la capital, el artista descubrió el sugestivo

encanto de la arquitectura colonial limeña, que
representaba el testimonio de un arte y una época, y perenniza
paisajes y representaciones arquitectónicas mestizas de la
capital. Plasma en sus lienzos los balcones coloniales antes que
desaparecieran casi totalmente. Reunió bocetos de balcones y
templos, cúpulas, fachadas, columnajes, puentes, ventanas y
cuanto de típico se conservaba.
Entre sus obras se tiene: Balcones de las Calles, Corazón de

Jesús, La Cueva, Piedra, Paseo de Aguas, Pandillas de Jauja.
ARTE MODERNO (el Informalismo)
Desde los años en que el indigenismo se impuso en el país,

parec1ó surgir una natural tendencia a rechazar toda técnica u
orientación temática proveniente de Europa. Esta actitud se
tradujo en una cierta limitación de nuestra expresión plástica
que sólo pudo ser superada hacia los años cuarenta del presente
siglo.
Surgió entonces una nueva generación de pintores, que sin perder

el interés por su propia realidad, manifestó la necesidad de una
mayor libertad de expresión plástica y un deseo por experimentar
las nuevas técnicas que aparecían en el mundo de la pintura. La
llegada al Perú del pintor Ricardo Grau llenó esas inquietudes.

Grau nacido en Francia pero de padres peruanos, llega a Lima
hacia 1938 precedido de una singular fama por el éxito que
hablan alcanzado sus obras en los más exigentes salones de
París. Su pintura sorprendía por la búsqueda constante de lo
estético a través del color.
Con Grau, como Director de la Escuela Nacional de Bellas Artes

(1945), los artistas nacionales descubrieron en sus obras las
nuevas técnicas y temáticas.
A partir de ese momento, la libertad de expresión plástica

permitió que él y sus seguidores fueran conocidos como los
independientes o informalistas. Entre ellos se citan a: Carlos
Quispez Asín, Ugarte Eléspuru, Sabino Springett. Sin embargo
muchos pintores independientemente a este grupo, continuaron
produciendo pintura tradicional de la época como: José Angel
Rosas Fernández, Germán Suárez, Aitor Castillo, Núñez Ureta,
Víctor Humareda;
GRAU (RICARDO) (BURDEOS, FRANCIA, 1907–LIMA, 1970)
De cierta tendencia abstracta se impone con su técnica

modernista en contraposición a la pintura indigenista que por
entonces se imponía en nuestro país.
Fue un experto pintor de bodegones y paisajes, así como

retratista moderno. Sus retratos no son de los que están
hablando, porque no se dirigen a la elemental categoría del
parecido absoluto, son antes que eso, trazos de pintura en los
que se olvida al retratado, para deleitarse con la pintura.
El sólo se preocupaba por transcribir y lo hacía sujeto a su

particular visión lineal y redondista de las formas, de la
figura humana y del paisaje.
“No soy adepto a seguir tendencias. Trato en mi trabajo de

comprender y asimilar las diferentes tendencias, cuyo interior
para mí, es el aporte que me permite desarrollar con toda
amplitud mi propia expresión”, decía el artista.
Entre sus obras se tiene: Vista de Bruselas, Bodegón, Figura con

Espejo, Composición, Desnudos.
SÉRVULO GUTIÉRREZ. (ICA, 1914-LIMA, 1961)
Pintor expresionista. El caso de Sérvulo es admirable como

pintor y como deportista (boxeador).Fue autodidacta, empezando
como restaurador de obras de arte, en el taller de su hermano,
luego como escultor y finalmente como pintor.
Muestra en sus obras la exaltación del color, su originalidad es

completamente personal. El expresionismo de Sérvulo se asemeja
al de Georges Rouault, sobre todo en los trazos gruesos y en la
abundante pigmentación. Su colorido es violento a base de rojos
fuertes, sus formas son simples pero muy significativas, aunque

su composición es más bien espontánea. En los últimos años su
pintura se ennegrece.
Principalmente pintó rostros meditabundos, adoloridos y a veces

místicos. Como ejemplo de su factura inconfundible es su
autorretrato y la de Santa Rosa, personaje favorito de su
pincel.
Sérvulo Gutiérrez viajó a París, capital de los últimos

movimientos artísticos, y algunos países de América.Entre sus
obras se tiene: Los Andes, El Camino de Huacachina, Retrato de
Claudine, Cristo Negro de Luren.
NUÑEZ URETA (TEODORO) (AREQUIPA, 1914-LIMA, 1987)
Pintor autodidacta, acuarelista, muralista y crítico de arte.

Tuvo una marcada preferencia por los temas populares. Su obra se
ha convertido en valiosos testimonio de formas de vida y
costumbres del mundo mestizo y criollo.
Sus acuarelas se caracterizan por el contraste en los colores,

por la sutileza del dibujo, la gran originalidad compositiva.
Sus murales expresan figuras bien dispuestas y equilibradas, de
colores suaves, en una gama cálida. Son famosas sus murales y
admirados por su mensaje de temas absolutamente peruanos, como
los que se exhiben en el Ministerio de Economía y Finanzas y en
el Ministerio de Educación en la ciudad de Lima.
Teodoro Núñez Ureta estudió en la Universidad de San Agustín y

San Marcos, Estados Unidos y México, doctorándose en Historia
del Arte. Fue director de la Escuela Nacional de Bellas Artes.
HUMAREDA GALLEGOS (VÍCTOR) (LAMPA, PUNO, 1920-LIMA, 1988)
Pintor expresionista. Se le compara con el pintor parisiense

Toulouse Lautrec, por su temperamento y bohemia pero no en
cuanto al estilo. Este pintor se movía física y emocionalmente
en los linderos de la vida; su inicio es el mismo, siempre
torturado, borroso y confuso, estremecido y doliente, cargó su
arte como quien porta una cruz, de la que espera tanto el
martirio como la redención.
Sus obras profundas y dramáticas son comparadas con las de Van

Gogh y Modigliani. A Humareda no le mata solamente la enfermedad
sino la incomprensión, la crueldad de un mundo injusto, es un
alma bella envuelta en fealdad física. La pintura de Humareda es
de imágenes a veces tétricas, siempre burlones con manos
crispados, con rostros transidos por la angustia del dolor y la
incertidumbre; imágenes expresados con violencia, con
sinceridad, con el alma volcada en el lienzo; matizados con los
colores de su paleta, de tonos sordos, sienas, verdes olivos
oscuros, sobre los que se repinta una y otra nota de color
vibrante rompiendo la lobreguez del cuadro.

Tal es el mundo imaginativo y siempre cruel que nos ha
transmitido Humareda, con sus escenas de viejas, de brujas, de
mujeres de vida alegre, de quijotes, de caballos espantados, de
corridas de toros y peleas de gallos, de payasos espantados, de
desnudos, de danzas y procesiones, calaveras y máscaras, escenas
callejeras y nocturnas.
Son de reconocido prestigio las obras: Procesión del Señor de

Milagros, Borrachos en una Cantina, Caballos, Payasos, Desnudos.
ARTE CONTEMPORÁNEO
La actitud de los pintores modernos trajo consigo la existencia

de dos importantes factores en la plástica peruana: el
individualismo y el afán de superación. Ambos respondían al
proceso de modernización, en estas circunstancias se hace
presente la influencia del arte abstracto.
Nacido en Europa a partir de la Segunda Guerra Mundial, el

abstraccionismo ponía en tela de juicio la realidad misma y los
fundamentos tradicionales del arte.
En nuestro país se inicia con la pintura de Ricardo Grau y, ya

evolucionadas correspondió a Fernando de Szyszlo introducir la
pintura plenamente abstracta. Arte que se convierte en la fiebre
de moda, aproximadamente por la década de los sesenta.
A través de los elementos plásticos del color y la forma, los

pintores pudieron expresar con más libertad, lejos de toda
limitación académica. Los más jóvenes se entregaron a la
búsqueda de lo esencial en la condición humana, recurriendo a
diferentes "ismos" o modas, o imitación europea. Existiendo en
la actualidad una cierta tendencia hacia el neofigurativismo,
especialmente en los pintores regionales.
SZYSZLO (FERNANDO DE)(LIMA, 1925)
Es uno de los más grandes de la pintura contemporáneo abstracta

en el Perú. Szyszlo se declara admirador de la cultura
precolombina por el carácter de su pureza técnica y estética.
La pintura de Szyszlo es abstracta eminentemente simbólica. Se
percibe en sus figuras un espíritu ancestral que nos guía hacia
la esencia misma de una realidad lejana.
En sus obras trata de temas del pasado y del presente unidos

por las líneas, formas y colores, con un espíritu de profunda
nacionalidad y amor al mundo milenario pre-hispánico, y con
alta sensibilidad y reconocido talento. Szyszlo es egresado de
la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Católica. Ha
realizado numerosas exposiciones tanto colectivas como
individuales en Europa y América, sus obras se encuentra en
museos y colecciones particulares del Perú y el extranjero.
Entre sus obras se tiene: Cajamarca, Puka Wamani, Auki, Paseo

de la República, Composiciones.

CAPITULO IV
LA ESCULTURA Y LA ARQUITECTURA EN EL PERU
1. ARQUITECTURA REPUBLICANA
La Independencia significó, para los países americanos, su

integración al resto del mundo. Inmigrantes extranjeros,
principalmente europeos, comenzaron a poblar las ciudades y
con ellos llegaron nuevas ideas y nuevos gustos. Estas
novedades se manifestaron, entre otros campos, en las
casonas limeñas. Por lo general se mantuvieron las
estructuras y la distribución de las habitaciones, pero el
uso de los espacios cambió, al transformarse las costumbres.
Por ejemplo, la influencia inglesa impuso la hora del té y
para tomarlo se hizo necesario disponer de un cuarto
especial. El mobiliario también se alteró. Se abandonaron
las formas virreinales y se optó por el estilo francés, en
especial el Segundo Imperio de Napoleón III. Datan de esta
época las consolas, los espejos dorados y el infaltable
"salón dorado". Las casas se enriquecieron con mármoles,
vitrales y elaboradas rejas, y se iluminaron con gas. Desde
mediados del siglo XIX alcanzó mayor difusión la cultura
burguesa, que impuso a su vez, nuevas formas de vida.
Aparecieron clubes sociales; paseos, teatros y salas de
concierto. Siguiendo las ideas del dieciocho, la vivienda se
concibió ya no como un lugar anexo a la calle e ideal para
recibir y realizar grandes fiestas, sino más bien como un
espacio consagrado a la intimidad de la familia. Así se
dividieron y demolieron muchas casonas antiguas, dándose
paso a las primeras señales de modernización.
PRINCIPALES OBRAS ARQUITECTÓNICAS EN LOS SIGLOS XIX Y XX
La llegada de la república no cambió las características de

las construcciones de la época, ni en los métodos
constructivos y elementos estructurales, como tampoco en las
plantas y disposiciones. Los cánones neoclásicos introducidos
en el país por Matías Maestro, a inicios del siglo XIX se
mantendrían vigentes hasta casi el fin de la centuria.
El caos y la pobreza de las primeras décadas republicanas no

fueron un aliciente para las nuevas construcciones. Hubo que
esperar hasta la mitad del siglo para que la riqueza guanera
brindara recursos necesarios para la remodelación de ciertas
áreas de la capital y alguna ciudad del interior.
Muchos consideran la refacción de la Alameda de los Descalzos

(1858), corno un hito en la modernización de Lima
decimonónica. De Italia llegaron las esculturas de los doce
Signos del Zodiaco, que tomaron su lugar en el paseo, se
enrejó el contorno, se añadieron bancas, se adoquinaron las

calles adyacentes y se diseñaron bellos jardines decorativos,
convirtiéndose nuevamente en lugar de reunión. En estos casos
la llegada del nuevo monumento generaba un proceso de
refacción de todo entorno urbano, colocándose rejas, bancas,
alumbrado a gas, adoquinado y jardinería.
En el interior del país, en Arequipa se empezó a construir en

1830, la imponente catedral neoclásica. Hacia 1872 se
levantaron los portales que enmarcarían los tres lados
restantes de la Plaza de Armas. En Tacna de construyó la
Catedral de estilo neorrenacentista, el Teatro Municipal y la
Capilla del Cementerio en forma de templo griego. En Chiclayo
se empezarla a construir la Catedral neorrenacentista con
nave central abovedada y grandes columnas en su frontis.
Durante buena parte del siglo, las casas mantuvieron el

esquema del zaguán limitado por portón y reja, la
distribución interna por patios, la permanencia de la sala y
la cuadra paralelas entre el primer y segundo patio y los
pasillos volados sostenidos por columnas delgadas de madera.
En Lima se extendió el uso de los balcones cerrados
vidriados, que fueron evolucionando lentamente en su
decoración.
La arquitectura trujillana destaca por la bella disposición

de sus patios neoclásicos y por los juegos de las molduras y
los órdenes clásicos.
Hacia 1870 se empezó a dar un cambio importante. Los sectores

mas altos de la sociedad buscaban otro tipo de casas por lo
que abandonaron el balcón cerrado, considerado pasado de moda
y peligroso. También el patio y el zaguán comenzaron a ser
desplazados. Las casas de campo y de playa, llamadas ranchos,
eran construcciones sencillas. Al surgir los balnearios,
establecerse el ferrocarril y luego el tranvía, hubo una
evolución que convirtió a los ranchos de principios de siglo
en una construcción lujosa a la que se llamó chalet.
La guerra con Chile y la destrucción del aparato productivo

nacional desencadenó una profunda crisis que paralizó el
desarrollo arquitectónico de Lima y otras ciudades del país.
El acertado manejo político de Piérola, en la llamada
República Aristocrática, permitieron que la situación
empezara a cambiar desde los últimos años del siglo pasado.
Aparecen grandes bulevares como la Colmena o el Paseo Colon,
nuevos polos de atracción para la alta burguesía capitalina
que va dejando el centro antiguo de Lima.
Durante el régimen Leguiísta, se generó un auge económico en

el que los empréstitos extranjeros jugarían un papel
importante. El crecimiento de la ciudad cobrarla nuevos
bríos: grandes avenidas comunicaron el centro antiguo con los
balnearios y las huertas fueron convirtiéndose en
urbanizaciones. El centro y los barrios tradicionales son
vistos como decadentes y atrasados.

Los gustos europeos ceden frente a la idea norteamericana de
casa independiente: el chalet, de fachada separada y jardín
circulante. Los diseños aceptan influencias muy variadas,
llegándose a soluciones pintorescas como el estilo nórdico,
el campestre, el medieval, el árabe, el tudor, el vasco, el
bretón.
La celebración del centenario de la independencia dio lugar

al trazado de nuevas áreas. La expansión urbanística a esa
época iría poblando las desiertas avenidas. Pronto se
levantarían edificios de departamentos de estilo neocolonial,
a los que se sumaron Hoteles de Turistas que llevaron el
nuevo gusto a las provincias. La vertiente académica del
neocolonial terminó por reemplazar los estilos académicos
franceses y los estilos importados, y fue el estilo elegido
para las grandes construcciones del momento. Ejemplos
importantes serian la Plaza San Martín, la Plaza de Armas, el
Palacio Municipal de Lima y el de Miraflores.
El nuevo Palacio de Gobierno (diseñado por Sahut y

Malachowsky, fue concluido en 1938). El estilo utilizado fue
el neocolonial. Este estilo se consideraría tan auténtico y
ligado al pasado peruano, que se ordenó que sólo se
construyera en este estilo, en el perímetro de la Lima
antigua.
Un estilo ligeramente anterior al neocolonial fue el

Neoperuano, planteado por el escultor Manuel Piqueras Cotolí.
Sus resultados fueron notables: la fachada de la Escuela de
Bellas Artes es uno de los ejemplos más saltantes de esta
estética. A mediados de los años veinte, aparecieron en Lima
los primeros edificios de cinco a seis pisos. La llegada al
Perú del estilo Moderno o Funcionalista fue bastante tardía.
En 1947 el grupo Espacio, liderado por Luis Miró Quesada,
postulaba una arquitectura a tono con la época y combatía los
estilos tradicionales.
La lucha contra el neocolonial fue encarnizada, la reforma

fue explosiva y a los pocos meses se introdujeron los nuevos
postulados en la enseñanza de la arquitectura.
LOS BALCONES
No se sabe exactamente cuándo se empezaron a construir

balcones en Lima. Según el arquitecto Emilio Harth-Terré, en
1555 ya existían, pero se trataba más bien de ventanas con
celosías. Lo que está demostrado es que en el siglo XVII ya
había muchísimos en la capital peruana, para sorpresa de los
visitantes.
LAS CELOSÍAS
Los primeros balcones fueron de celosías. Según algunos, este

nombre vendría de la palabra "celos". Probablemente detrás de

esta especie de persianas se ocultaban las mozas para ver a
sus galanes.
BALCONES VERDES
El color predominante para los balcones virreinales fue el

verde. Todavía se encuentran algunos pintados con ese color.
Es el caso de la Casa del Oidor y de la Casa de Negreiros.
Con este tono se logró un bello contraste entre el rojo o
amarillo de las paredes y la madera de los portones. Estas
combinaciones resultaban un tanto extrañas para los
visitantes, pero fueron una excelente respuesta al medio
ambiente. Lograron darle color y alegría a una Lima de cielos
grises.
EL BARROCO
Por lo general, durante el siglo XVII los balcones fueron de

dimensiones moderadas y estaban ubicados sobre los portones.
Eran alargados y horizontales. Se los decoraba con casetones
y con relieves en cruz. Parecían, según Ugarte Eléspuru,
bargueños colgantes. El barroco logró su máxima expresión en
el gran balcón de Torre Tagle, construido en el siglo XVIII.
Este muestra una fuerte influencia morisca. Es impresionante
el grado de detalle alcanzado. Este balcón es quizás uno de
los mejores de América Latina.
EL NEOCLÁSICO
En el siglo XVIII, con la llegada de ideas y gustos

afrancesados, también cambiaron las formas de algunos
balcones. Un ejemplo es la Casa Goyeneche, cuyos balcones
muestran paneles curvilíneos, carecen absolutamente de rasgos
moriscos y son adornados sólo con molduras ondulantes y
columnillas. Por lo general, los balcones se hicieron más
pequeños en esta época.
EL SIGLO XIX
En un primer momento se impusieron balcones de tipo "Imperio"

o napoleónicos. Eran muy grandes y podían ir de lado a lado
en una fachada. Eventualmente, daban la vuelta en esquina,
recibiendo el nombre de "esquineros". Por dentro tenían
corredores muy amplios. El decorado de sus ventanas está
marcado por arcos de medio punto, barrotes, pilastras y
columnillas. En este siglo se impuso el uso del vidrio y
fueron pintados de marrón oscuro o caoba.
LA AMENAZA DESTRUCTIVA
A mediados del siglo XIX, muchos limeños se volvieron

totalmente afrancesados e intentaron hacer de Lima una ciudad
comparable a las europeas. Con ese motivo, consideraron que
la arquitectura limeña era muy poco homogénea y la culpa de
ello la tendrían, en gran medida, los balcones. Manuel

Atanasio Fuentes, intelectual prestigiado de la segunda mitad
del siglo, consideraba a estas construcciones repugnantes y
le parecían monumentos al mal gusto. Con estos argumentos se
destruyeron algunos, pero afortunadamente la lentitud de las
autoridades aseguró su supervivencia.
LA VIDA EN UN BALCÓN
Según el poeta José Calvez, los balcones fueron el "lazo de

la mansión a la calle". Por sus corredores paseaban los
señores, después de la comida, esperando ver a sus amadas.
Durante las fiestas, ocupaban un lugar importantísimo. Eran

adornados con mantones y flores. Allí se colocaban las
tapadas para ver pasar las comitivas o las procesiones,
derramando flores y luciendo su gracia. En tiempos de
carnaval era ése un lugar privilegiado para disparar
chisguetes de agua. Hasta el balcón subían los chismes de la
calle y se esparcían rumores. Para muchos era un placer
caminar por las calles muy temprano con el fin de detectar
pañuelos o mantones que delataran aventuras nocturnas.
Cuenta José Gálvez que, durante la República, el balcón se

convirtió en el lugar preferido por los dueños de casa para
recibir al barbero. Allí se arreglaban los peluquines y las
barbas antes de salir a la calle.Lugar fresco e iluminado por
tenues rayos de sol, el balcón era, en definitiva, el sitio
preferido de la antigua casa limeña.
LA ESTRUCTURA DE UN BALCÓN: EL CASO TORRE-TAGLE
Los balcones mejor acabados y más finos fueron tallados en

madera de cedro, traída desde Centroamérica.
Destaca en este caso la madera labrada con indiscutible

influencia mudéjar. Los motivos en cruz y escuadra que se
repiten en las puertas y ventanas con características del
barroco. Toda la estructura del balcón descansa sobre
elegantes ménsulas prolijamente talladas con cabezas de
querubines. Sus ventanas aparecen recubiertas por hojas de
celosías movibles, lo que permitía a los habitantes de la
casa mirar sin ser vistos. El calado superior remata
armoniosamente el conjunto. Esta coronación es, según B.
Dahlheimer, un “alarde de artesanía”.
EL HOSPITAL DOS DE MAYO
En 1868 la Beneficencia Pública de Lima dispuso que se

construyera un nuevo hospital para la ciudad y la edificación
culminó en 1875. El Cómbale del Dos de Mayo, en honor del
cual se levanto este edificio, bahía demostrado su
precariedad y la incapacidad de la capital para socorrer a
los heridos en casos de desastre.
ROMPIENDO VIEJOS ESQUEMAS

Este edificio marco un quiebre absoluto con la época
anterior. Antiguamente los hospitales de San Andrés y San
Bartolomé habían funcionado en conventos y no se
caracterizaban por su higiene ni su eficacia médica. Ahora se
proponía un nuevo concepto de hospital, en el que importaba
tanto llevar a la práctica el desarrollo de la ciencia como
el que los pacientes disfrutaban de un espacio agradable y
bello.
LA PLANTA
El diseño es muy parecido al del Panóptico. Aquí también se

podía dominar desde el centro los espacios secundarios. La
estructura es un gran cuadrado. Al centro se ubica el
hospital, del cual se desprenden pabellones independientes y
abiertos, las salas de los enfermos y jardines. El modelo es
inglés y se remonta al siglo XVIII, sin embargo, el esquema
concreto corresponde al Hospital de París.
EL PALACIO DE LA EXPOSICIÓN Y SUS JARDINES
El Palacio de la Exposición de Lima y sus parques aledaños

fueron la expresión arquitectónica y urbanística más
trascendente en su momento. Aquí confluyeron el entusiasmo
despertado por la prosperidad fiscal y la necesidad de
parangonarse con las grandes potencias. De esta manera, el
Perú mostraba al mundo cuan cerca estaba de la civilización.
En 1869, el presidente Balta emitió un decreto con el fin de
organizar para 1872 una gran exposición de productos
naturales, agrícolas y manufacturados. Al periodista Manuel
Atanasio Fuentes y al arquitecto italiano Antonio Leonardi se
les encomendó la organización técnica de la construcción y la
supervisión estuvo a cargo de Manuel Ignacio de Vivanco. Fue
celebrado un concurso de modelos de máquinas, plantas y
animales • extranjeros. Se trataba de exhibir los progresos
del país y de atraer a los inversionistas extranjeros. Así se
construyeron varios parques, un ''palacio", pabellones y
glorietas. En definitiva, un nuevo y moderno espacio público.
Este hecho significó -según el arquitecto García Bryce - la
transformación de Lima "de una población colonial de antiguo
cuño a una ciudad moderna en proceso de europeización".
SU UBICACIÓN
Este gran espacio fue construido en la zona "moderna", al sur

de la ciudad, ocupando el huerto Matamandinga y los fundos San
Martín y Santa Beatriz.
En la actualidad está dividido por el Paseo Colón, llamado

antes 9 de diciembre, que se abrió en 1898 como respuesta a la
dinámica urbana. El primer parque (Neptuno) abarca la zona
comprendida entre la avenida España y el Paseo Colón; el
segundo, se extiende hasta la avenida 28 de Julio. Ambos son
flanqueados por la avenida Wilson y el Paseo de la República.

Para la Primera Exposición Nacional los limeños quisieron
construir un edificio que estuviera a tono con los tiempos.
Por eso coexisten en él, como en los palacios europeos de esos
años, una estructura modular con columnas metálicas y fachadas
de corte renacentista, inspiradas en los Palacios de
Versalles, París y Vendramín, Venecia. Se introducía, así un
recurso que fue novedoso para la época: la combinación de
estructuras metálicas con fachadas tradicionales hechas de
piedra o ladrillo. Era el mismo estilo que caracterizó a las
estaciones ferroviarias y los pabellones de exposición durante
el siglo XIX.
LA ESTRUCTURA
De acuerdo con García Bryce, quien mejor ha estudiado este

edificio, alrededor de un amplio patio se elevan dos plantas
idénticas que generan un espacio cuadrado, al que se agregan
vetíbulos y escaleras en los frentes delantero y posterior. En
las cuatro esquinas se ubican cuatro salas. El resultado es un
volumen rectangular con salientes en sus dos frentes y
perfectamente simétrico según sus ejes longitudinales y
transversos.
LO ANTIGUO Y LO MODERNO
Entre los elementos tradicionales que constituyen la

decoración del edificio figura el gran patio central,
elemento importantísimo en la arquitectura limeña. Los
materiales empleados son también comunes: ladrillo y quincha;
los techos fueron hechos con “torta de barro” y vigas de
madera; la decoración y las molduras de las fachadas son de
yeso. Lo novedoso viene a ser las delgadas columnas de hierro
fundido con pedestales y ménsulas en forma de cruz, así como
la amplitud de las fachadas y el volumen cuadrangular de la
construcción.
La "Exposición", como se llamó coloquialmente a este sector

de la ciudad, abarcaba un área muy grande. Según Jorge
Basadre, alcanzaba los 192,000 metros cuadrados. El palacio
se localizó al centro de un conjunto de parques y jardines,
creado especialmente para adornar los alrededores. A lo largo
de los años se construyeron numerosas edificaciones como la
glorieta, el restaurante del Parque Zoológico, una enramada
de esculturas, un invernadero, el Club Revólver, etc. Aún se
conserva una fuente de piedras con la figura de Neptuno, que
marcaba la intersección de los dos senderos centrales. Estos
formaban cuatro grandes campos, recorridos por pequeños
caminos.
Al principio, la simetría regía los espacios. Luego surgió

una disposición irregular, y hasta pintoresca, según el
arquitecto García Bryce. Los parques se comenzaron a poblar
luego de nuevos y exóticos edificios como un pabellón morisco
y una glorieta islámica. Actualmente, el parque que rodeaba
al palacio ha sido parcialmente restaurado; hoy podemos

pasear por sus jardines e imaginar lo que pudo haber
significado para Lima la construcción de un espacio tan
amplio y, sobre todo, tan distinto.
EL PANÓPTICO
A fines de los años cincuenta se planeó construir en Lima una

cárcel modelo, que sirviera también como correccional. La
primera piedra fue puesta por el presidente Ramón Castilla en
1859. Se le llamó "panóptico", pues la construcción estaba
diseñada de tal modo que desde cualquier punto menor podían
verse las celdas y Los corredores. El país se preciaba
entonces de tener esta cárcel diseñada por uno de los mejores
arquitectos norteamericanos. Su solidez se evidenciaba en el
frontis y el primer piso, todo de granito. Tenía capacidad
para albergar a 220 reclusos y ofrecerles celdas cómodas,
además de talleres para que aprendiesen oficios.
Significativamente, el Panóptico se situaba en la nueva Lima,
fuera de las murallas, donde hoy se levantan el Hotel
Sheraton y el Centro Cívico.
EL HOTEL BOLÍVAR
UN PALACIO DE CARTÓN
Para esta fiesta se planeó construir, frente a la plaza, un

gran hotel que albergara a las delegaciones extranjeras. Los
planos fueron entregados a Piqueras Cotolí, pero
desgraciadamente la obra no estuvo lista. Para que no se
viera en la plaza una estructura a medio construir, las
autoridades tuvieron la ingeniosa idea de montarle una
inmensa fachada de cartón.
El año 1924 había comenzado y Lima no resolvía aún el

problema de alojar a tantas y tan notables personalidades,
invitadas para las celebraciones. No existían en la ciudad
lugares para hospedarse que estuviesen a la altura del gran
momento. Por esta razón, las autoridades decidieron construir
un hotel de primera en un tiempo record. La obra ya existía,
había sido empezada por Piqueras Cotolí, pero su estado era
aún muy incipiente. En esta fase le fue entregada a Rafael
Marquina, quien la modificó y optó por hacer una re
interpretación del estilo “colonial".
Importantísima fue la intervención de los hermanos Augusto y

Fernando Wiese, quienes apoyaron denodadamente a la empresa
con su trabajo y capital. Invirtieron más de cinco millones
de soles y la obra se terminó en el brevísimo lapso de seis
meses.
LA ALAMEDA DE LOS DESCALZOS
El trazo y los primeros árboles sembrados en este paseo

limeño-inspirado en la sevillana Alameda de Hércules-

correspondieron al gobierno del virrey marqués de
Montesclaros en el año de 1611. A mediados del siglo XIX, la
Alameda de los Descalzos fue reformada íntegramente de
acuerdo con los gustos del momento.
El espacio de 60,623 varas cuadradas se halla entre la recta

que da al Paseo de Aguas, cerca de la casa-huerta de la
célebre Perricholi y del convento de franciscanos Descalzos
que dio nombre al conjunto. Flanquean este paseo el beaterío
del Patrocinio y la iglesia de Santa Liberata, entre otras
construcciones menores.
En 1856 comenzaron las reformas. Se dejaron las calles

laterales, pero en el centro fue trazada una nueva avenida de
19 varas de ancho, rodeada por una verja de hierro traída
especialmente de Europa. Al fondo de la calle central, y
frente al Convento de los Descalzos, se colocó un estanque
con un surtidor que lanzaba el agua a gran altura. Siguiendo
el lado interno del enrejado se sembraron 3,000 plantas que
le daban una atmósfera más alegre y sofisticada, ya que estas
plantas eran en su mayoría importadas. Para su cuidado se
contrató al italiano Antonio Borsani.
Al borde de estos sembríos se dispusieron 100 jarrones de

hierro sobre bases del mismo metal, así como 12 faroles de
gas y 50 bancas de mármol importadas de Europa.
Fuera del enrejado quedaron anchos espacios para carruajes y

caballos. Se plantaron sauces con el fin de formar calles
como las antiguas, pero con mayor orden y belleza. Además,
se construyó al lado derecho una glorieta para las orquestas
que acudían en días festivos. El paseo costó 119,047 pesos y
7 reales, y fue en mucho financiado por don Felipe Barreda y
Aguilar, uno de los comerciantes más ricos de su tiempo.
2. ESCULTURA REPUBLICANA
La independencia marcó un cambio fundamental en el arte

escultórico en el Perú: si bien muchos talleres seguían
realizando esculturas siguiendo las técnicas barrocas, el
nuevo clasicismo y los nuevos gustos fueron llegando a la
escultura popular, mientras las élites republicanas
intentaban introducir el gusto por la escultura académica
europea. La novedad de estas esculturas clasicistas
sembradas en alamedas y plazas era muy grande pues, salvo
excepciones, la estatuaria habría tenido una presencia fugaz
en las calles durante las procesiones religiosas. Estos
monumentos representaban la idea de la modernidad y el
progreso y exteriorizaban el desarrollo nacional. A tiempo
que rompía con la tradición hispánica y forjaba un nuevo
discurso republicano, el Estado ejercía una labor de
patronazgo cultural en las sucesivas remodelaciones de las
alamedas de Acho y los Descalzos, la Plaza de Armas y
Bolívar, la Plazuela de Santa Ana y el Malecón de
Chorrillos.

La inauguración en 1859 de la escultura de Simón Bolívar, en
la Plaza de la Inquisición, obra de Tadolini, satisfizo la
aspiración de tener la estatua del Libertador de América que
sirviera para inaugurar una simbología propia.-
La prosperidad del guano hizo posible la siguiente obra en

la capital: la revalorización de la Alameda de los
Descalzos, la cual databa de principios del siglo XVII y se
hallaba muy deteriorada.
El gusto por los nuevos monumentos se extendió a provincias,

apareciendo esculturas y pilas de agua que emularon la
fisonomía capitalina.
Hubo en el Perú la necesidad de formar técnicos y artistas

que conocieran los procedimientos de la fundición, el
trabajo en mármol y otras piedras, así como técnicas
escenográficas y arquitectónicas, por lo que se creó la
Escuela de Artes y Oficios y funcionó en el Colegio Real de
San Felipe hasta su paralización durante la guerra con
Chile. Lamentablemente, esta guerra frustró este periodo de
notable interés por la escultura paralizándolo hasta el
nuevo siglo.
El siglo XX se abriría con el monumento dedicado a los

Héroes de Arica. La Liga de Defensa Nacional inició en 1899
una colecta que permitió, en 1902, llamar al concurso del
que resultó ganador el español Agustín Querol. El monumento
fue inaugurado en 1905. La escultura, de buen ritmo y bella
proporción se veía teñida por cierta influencia del Art
Nouveau. Sin embargo, se le consideró derrotista y fue
cambiada en 1954 por un Bolognesi triunfal, aunque de menor
plasticidad, ejecutado por Artemio Ocaña.
Desde entonces, se reanudó la actividad escultórica y varios

monumentos fueron inaugurados en los años siguientes.La
escuela de Artes u Oficios se instaló en 1905 en su local de
la Avenida Grau, fundándose finalmente en 1918, siendo su
Director Daniel Hernández. Para impartir enseñanzas de
escultura vino el profesor español Manuel Piqueras Cotolí
quien ejerció brillante docencia y motivó a muchos alumnos,
introduciendo el arte "neoperuano".
El centenario de la independencia brindó al Presidente

Leguía una espléndida ocasión para desarrollar una serie de
celebraciones e inaugurar monumentos en numerosos puntos de
la capital. Lima volvió a aparecer en las secciones
internacionales de la prensa mundial y dignatarios de
distintas latitudes asistieron a las festividades, coronadas
por la develación del monumento y la inauguración de la
plaza San Martín. Piqueras Cotoli diseñó la plaza misma, los
jardines y las fuentes.
Fueron muchas las instituciones y colonias extranjeras las

que donaron obras de arte para celebrar el centenario. La

colonia italiana donó la Galería de Arte Italiano; Bélgica
regaló la Escultura del Estibador; la colonia china obsequió
una fuente; los norteamericanos establecidos en el país
regalaron las Fuentes de Las Tres Gracias; el monumento a
Sucre fue el donativo de la República del Ecuador; los
inmigrantes japoneses obsequiaron el Manco Capac ubicado en
la Plaza del mismo nombre.
A pesar del discurso indigenista de la Patria Nueva, no se

produjeron muchas esculturas de esta corriente durante el
periodo Leguiísta, salvo el Manco Capac de la Victoria. Sin
embargo mas tarde, Mendizábal en el Cusco realizó un
Cahuide, una Cusi Ocllo y una Venus Indígena, y en Lima,
Agustín Rivera realizarla Las Llamas (1935) y Agustín Pozo
El Trabajo en el que se ve a un indígena con los bueyes del
arado.
En los últimos años se han levantado numerosos monumentos en

honor de Jorge Basadre, Víctor Andrés Belaúnde, Raúl Porras
Barrenechea y Víctor Raúl Haya de la Torre, entre otros.
PRINCIPALES OBRAS ESCULTÓRICAS EN LOS SIGLOS XIX Y XX
2.1 EL MONUMENTO A COLON
Según el historiador Alfonso Castrillón, Cristóbal Colón

fue visto por los peruanos de la época del guano como
símbolo del progreso. Representaba el esfuerzo y la
ciencia, el trabajo y la valentía. Por esa razón fue
elegido como el personaje perfecto para representar los
sueños del Perú "moderno".
DISEÑO Y CONSTRUCCIÓN
En la década de 1840 las autoridades decidieron erigir en

Lima una escultura de Colón. Por esos años, un congreso
de científicos italianos celebrado en Génova, dio origen
a la construcción de una serie de monumentos y plazas en
honor del navegante. El Perú, en su afán por estar a la
altura del Viejo Continente, encomendó la estatua a
Salvatore Revelli, un escultor considerado entre los
mejores artistas genoveses del momento.
La obra fue encargada por el presidente Ramón Castilla y

se inauguró el 3 de agosto de 1860.
LA PEREGRINACIÓN DEL MONUMENTO
El destino de esta escultura ha sido azaroso desde un

comienzo. Primero fue colocada en la Alameda de Acho;
pero ese espacio, san importante en la colonia, no estaba
de acuerdo con la ideología de los nuevos tiempos. Ya en
este siglo se decidió su traslado a la avenida 9 de
diciembre, que desde entonces se llamó Paseo Colón.

LA SIMBOLOGÍA
Cristóbal Colón es representado con una larga capa y una

gorra con plumas a la usanza medieval. A sus pies aparece
una mujer desnuda. Se trata de una india que encamaba a
la América-salvaje. Su mano derecha porta una cruz y con
la otra rechaza una flecha, mostrando así su calidad
humana y su actitud pacífica. Según Castrillón, Colón es
representado como un descubridor pacífico y bueno.
2.2 LA COLUMNA CONMEMORATIVA DEL COMBATE DOS DE MAYO DE

1866
El Perú en la época del guano experimentó momentos muy
difíciles. En el año de 1860, España decidió emprender la
reconquista de sus antiguas posesiones americanas. La
armada española atacó las costas de Valparaíso y en mayo
de 1866 bombardeó el Callao. La población se unió y el
rechazo fue total. En apoyo del Perú se solidarizaron los
países vecinos: Ecuador, Bolivia y Chile.
DISEÑO DE LA COLUMNA
"Se ha colocado a la entrada de la ciudad, por el camino

del Callao, un hermosísimo monumento, destinado, a
perpetuar el recuerdo del 2 de mayo de 1866, ...me
acordaba haber visto el modelo de esta obra notable, a
la entrada del Palacio de la Industria, en París, donde
estuvo expuesta durante toda una estación."
Un mes después del combate el gobierno nombró a un

comisionado para que viajara i n mediatamente a París en
busca de un proyecto para el monumento. Allí, en la
capital del arte, se convocó a un concurso que estuvo
presidido por uno de los mejores pintores del momento,
Carlos Gleyre. Participaron con propuestas muy distintas
escultores franceses, italianos y polacos. Los proyectos
se expusieron en París en el Salón de Honor del Palacio
de la Industria.
Los ganadores fueron dos franceses: el arquitecto E.

Guillaume y el escultor Gugnot. La construcción demoró
siete años. Durante ese tiempo los mármoles fueron
trabajados en Caminí, Italia. El resultado final fue una
columna clásica, de elegante diseño, al mejor estilo
parisino. Se inauguró el 29 de julio de 1874, siendo
presidente Manuel Pardo.
La obra está conformada por dos secciones: la columna y

la base. En la base aparecen seis bajos relieves de
bronce con escenas de! combate y cuatro estatuas del
Perú, Chile, Bolivia y Ecuador, representados por figuras
femeninas, cada una con sus escudos.
La estatua del Perú coge con la mano izquierda el asta de

la bandera que envuelve su cuerpo, y con la mano derecha

empuña una espada. Su cabeza está cubierta por un gorro
frigio y sus pies calzan sandalias romanas. La columna
está rematada por una escultura de la Victoria, que en la
mano derecha lleva la palma del triunfo.
El monumento lleva la siguiente inscripción: "A los

defensores del Perú y de la América que renovando la
gloria de la independencia rechazaron la invasión
española en el Callo, el 2 de mayo de 1866."
2.3 LAS ESCULTURAS DE LA ALAMEDA DE LOS DESCALZOS
LA CAÍDA DE AGUA
Entre los principales atractivos de la Alameda destacaba

esta vistosa caída de agua, ubicada delante del Convento
de los Descalzos. Su imagen queda registrada en una
estampa del libro Lima, de Manuel Atanasio Fuentes.
LAS ESCULTURAS
Al adorno interior de la alameda acompañaron 12 estatuas

de mármol italiano, que representaban los signos del
zodíaco, las cuales fueron colocadas en 1859. Según la
historiadora del arte Natalia Majluf, estas obras
marcaron un cambio en la ciudad. Hasta entonces,
prácticamente todas las esculturas habían sido
religiosas: imágenes de santos, arcángeles, cristos y
vírgenes. Estas sólo eran vistas en las calles durante
las procesiones o fiestas de guardar. Ahora Lima
comenzaba a ser poblada de monumentos.
Según los estudios de Alfonso Castrillón, el gobierno

peruano le encargo a su representante en Roma que buscara
12 estatuas de un tamaño regular alusivas a los 12 signos
del zodíaco y a los meses del año.
CAPRICORNIO
El escultor lo representó como un joven semidesnudo que

porta una vasija en la mano. A sus pies asoma una cabra
con cuerpo de anfibio, según observa Castrillón.
TAURO
Aparece aquí un efebo coronado con vides llevando una

copa de vino. Es un homenaje al dios Baco y al mes de
mayo, pues en Europa éste es el mes de la vendimia. A los
pies del personaje yace un toro que simboliza el
correspondiente signo zodiacal.
2.4 LAS ESCULTURAS DEL CEMENTERIO PRESBÍTERO MAESTRO
El Cementerio General Presbítero Maestro es uno de los

lugares donde se puede ver con mayor claridad el

esplendor de la Lima del guano. Allí se plasmaron los
sueños y los refinamientos de aquella generación. Los
limeños de entonces lo consideraban uno de los espacios
públicos más hermosos de la ciudad. Acudían hasta allí a
pasear y a disfrutar de la belleza de los monumentos que
comenzaban a poblar el cementerio. Consideraban a ésta
una forma de decirles a los escépticos extranjeros que
Lima había alcanzado el progreso.
UNA CUESTIÓN DE PRESTIGIO
El cementerio era una representación de la ciudad en

pequeño. Las calles y los cuarteles reproducían la
organización de Lima y mostraban, además, la condición
social de sus habitantes. Por eso, para una clase
enriquecida con el guano y el comercio fue tan importante
mostrar que no sólo eran ricos, sino que también tenían
buen gusto y habían logrado una posición social
importante. Cuenta Alfonso Castrillón que los signos de
riqueza de esta época eran: poseer un rancho en
Chorrillos, viajar a Europa, vestir a la última moda
parisina y comprarse un mausoleo en el Presbítero
Maestro. Y es que la meta no sólo era brillar en vida,
sino pasar a la posteridad a través de la belleza de
estas esculturas.
NUEVOS SÍMBOLOS Y ESPERANZA
Muchas esculturas representaban las virtudes teologales:

fe, esperanza, caridad; y también las cardinales:
justicia, templanza, fortaleza y prudencia. Otras hacían
alusión a personajes bíblicos, a Cristo cargando la cruz,
a los santos, a la Virgen, etc. Signos frecuentes, de
fácil lectura para todos, eran las guirnaldas de rosas y
las mariposas que simbolizaban la fugacidad de la vida.
Las semillas de amapolas representaban la vida eterna y
el ciprés encarnaba el duelo. Su resina y la fortaleza de
su follaje simbolizaban, además, la inmortalidad y la
resurrección, según Castrillón. Otro símbolo
importantísimo para la época era el caduceo, el bastón de
Mercurio, que llevaba alas en la parte superior y
serpientes et la inferior, significaba 1 prosperidad
material en la vida terrena. Este signo es frecuente en k
túmulos del Presbítero.
ROMANTICISMO Y SENSUALIDAD
En la segunda mitad del siglo XIX se difundió con mucha

fuerza el romanticismo. Este estilo luchó por romper la
rigidez de lo clásico y dar libertad a los impulsos
individuales. Ahora eran las pasiones las que debían
guiar a las personas, y no la razón. Un ejemplo de ello
es la representación de los ángeles con formas femeninas,
envueltos en túnicas transparentes y mostrando poses
sensuales.

ARTISTAS Y MAUSOLEOS FAMOSOS
Entre los mausoleos de estilo clásico destacan el túmulo

de Vicente Rocafuerte, así como los de Mariano Necochea y
del mariscal La Mar. De la tendencia romántica sobresalen
las obras del italiano Tenderini. Muchas de sus
esculturas, situadas en la cuarta puerta, muestran ya
rasgos neogóticos. Hacia 1870 se levantaron las primeras
sepulturas realistas. Cabe 'mencionar los relieves hechos
por Juan Figari, que muestran verdaderas escenas de la
vida familiar del difunto. Notable es la "Dama de la
Mantilla" y el monumento a Francisco Girbau, construido
por S. Varni, quien diseñó la columna al Dos de Mayo.
También son de gran calidad los trabajos en bronce.
El Presbítero Maestro no sólo alberga los restos de

aquellos personajes que forjaron el Perú republicano. Es
también una galería de arte donde algunos de los mejores
escultores del siglo XIX dejaron importantes obras.
2.5 LAS ESCULTURAS DEL CENTENARIO
EL ELOGIO AL TRABAJADOR
Regalo de la colonia belga, simboliza la dignidad del

trabajo manual. Su autor, Constantin Meunier, fue
conocido en su época como el escultor del proletariado,
pues él mismo había sido un obrero. La escultura encarna
el anhelo de progreso basado en el trabajo, ideal que
gobernó las mentes en el siglo XIX. Fue inaugurada el 28
de julio de 1921 y para que luciera mejor se le construyó
una pequeña placita, llamada "Bélgica".
LA FUENTE MONUMENTAL CHINA
Según los entendidos, ésta fue una de las más bellas

esculturas regaladas al Perú por su Centenario. Fue
labrada en bronce y mármol de Carrara. El diseño estuvo a
cargo de Gaetano Moretti, a quien se le encargó también
el Museo de Arte Italiano. La fuente pretende mostrar la
unión de las razas. Arriba se divisa a una mujer con un
libro en la mano y levantando una antorcha que simboliza
la libertad. La rodean las tres razas. Se inauguró el 27
de julio de 1924.
EL ARCO MORISCO
Regalo de los españoles. Estaba situado al comienzo de la

avenida Arequipa, llamada entonces Leguía, y señalaba el
ingreso a la Lima moderna del sur
LA FUENTE NORTEAMERICANA
Era conocida como la fuente de las Tres Figuras. Fue

realizada en bronce por la escultura norteameriana G.

Whitney. Según Alfonso Castellón, se trata de una copia
cuyo original se encuentra en Washington. La fuente está
ubicada en la avenida Arequipa, frente a la Plaza
Washington, y fue inaugurada el 6 de agosto de 1924.
EL MONUMENTO A MANCO CAPAC
Este fue el regalo de la colonia japonesa. Según A.

Castrillón, los japoneses habrían escogido a Manco Cápac
porque entonces se decía que los peruanos podían tener un
origen asiático.
El escultor elegido fue el peruano David Lozano, quien

representó al Inca de bronce sobre un pedestal de
granito. Este monumento imponente, de 13 metros de alto,
fue el homenaje que se le dedicó a la figura del inca en
Lima y vino a reforzar la importancia que cobraba por
entonces el movimiento indigenista. En la base aparecen
cuatro bajorrelieves que representan idílicamente la
religión, las fiestas y los trabajos en el Tahuantinsuyo.
A media altura se divisan dos cóndores y dos llamas que
simbolizarían la valentía, tenacidad y perseverancia de
los antiguos peruanos. La inauguración fue el 4 de abril
de 1926. La plaza lleva desde luego el nombre del inca.
MONUMENTO A LA LIBERTAD
Regalo de los franceses que representa a una mujer (la

Libertad) levantando un brazo y sosteniendo con el otro
una antorcha de luz, como la estatua de la Libertad
norteamericana que también fue regalo de los franceses.
Para ella se construyó la Plaza Francia. El monumento se
inauguró en 1926.
A JORGE WASHINGTON
Para la ciudad fue significativo colocar esta estatua en

la zona “moderna" de Lima. En efecto, el barrio de Santa
Beatriz estaba decididamente influenciado por el estilo
de la arquitectura norteamericana. Jorge Washington,
padre de los Estados Unidos es representado en actitud
solemne.
Ocupa una base de granito. Reproduce una célebre estatua

que está en Virginia. Para él se creó la plaza Washington
no lejos de la embajada de EE.UU. Fue inaugurado el 4 de
julio de 1922.
UN MONUMENTO PARA EL LIBERTADOR
El programa celebratorio oficial se inició con un gran

reconocimiento nacional al Libertador San Martín por sus
campañas en favor de la independencia peruana.

El escultor elegido fue el español Mariano Benluire,
después de una larga selección que se inicia en 1906. El
artista decidió representar a San Martín en un momento
importantísimo de su empresa, cuando cruzaba los Andes para
liberar al Perú y a Chile; Por eso, el Protector aparece
sobre un pedestal que simboliza los picos de los Andes. A
los lados de esta estructura se aprecian dos frisos. En uno
está esculpida una alegoría que representa la Proclamación
de la Independencia y en otro, dos soldados que se abrazan,
simbolizando la fraternidad peruano argentina. También se
pueden ver los escudos de ambos países.
EL MONUMENTO A SUCRE
También Sucre mereció un pedestal de granito. Su monumento

fue esculpido por David Lozano y mide 10 metros de alto. El
artista representó al mariscal de Ayacucho cabalgando con
el brazo en alto y con una espada en la mano, llamando al
combate. La base de piedra, tallada con elementos incaicos,
evidencia la difusión del estilo indigenista en Lima. A
ambos lados llaman la atención dos placas que dicen: "Al
comandante en Jefe de Riobamba, Pichincha y Ayacucho. La
Nación Argentina, 1824. 9 de Diciembre de 1924" y "El
Ejército de Venezuela al glorioso vencedor en Ayacucho.
Diciembre de 1924". Para su colocación se construyó una
plaza que lleva el mismo nombre, junto al Parque de la
Reserva. Su inauguración, el 9 de diciembre de 1924,
constituyó uno de los momentos culminantes de las fiestas.
Está ubicada en lo que fuera el Bosque de Santa Beatriz.

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Docente: Alexis Pizarro Cárdenas

EL ARTE EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA

1. EL ARTE DEL NEOCLÁSICO

Se suele fijar el año 1,750 como punto de partida de un

a) Las excavaciones y los hallazgos en las ciudades romanas

Muy pronto las grandes capitales se vieron alegradas por la

Movimiento literario y artístico que dominó en Europa desde

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -1-

En las pinturas románticas se percibe la violenta posición de las

Los máximos exponentes de la pintura romántica fueron:

El Realismo a secas suele definir el movimiento formado en

Este movimiento representa una gran transformación espiritual

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -2-

Está caracterizado por algunos movimientos como el

6. LA PINTURA MODERNA O CONTEMPORÁNEA

Los artistas del arte contemporáneo fueron creadores de

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -3-

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -4-

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -5-

LA PINTURA DEL SIGLO XIX EN AMERICA

Es difícil pensar que desde mediados del siglo XIX, cuando

El retrato y la pintura histórica, así como la estatuaria de

Durante el siglo XIX, el arte culto de América Latina no sólo

Aunque los temas eran locales (paisajes, historia, tipos humanos

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -6-

Resulta más interesante relacionar el arte culto del siglo XIX

En Estados Unidos el género predilecto fue el del retrato

LA PINTURA EN EL PERU DEL SIGLO XIX

Se denomina período de iniciación al momento en que la expresión

El principal exponente de este período fue José Gil de Castro.

También destaca el retratista Mariano Carrillo, que realizó en

GIL DE CASTRO (JOSÉ) LIMA, 1783 – 1841)

Pintor autodidacta. Desarrolló su habilidad como retratista

En Gil de Castro se manifiesta, de una parte la herencia de la

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -7-

Entre sus obras destacan: Los retratos de San Martín, José

La pintura costumbrista de estilo muy peculiar en la formación

El principal exponente de esta corriente es Pancho Fierro. Fue

PANCHO FIERRO. (LIMA, 1809 – 1879)

Pintor mulato de temas costumbristas, acuarelista, autodidacta

En su arte persigue una tradición de pintura popular que tiene

Entre sus obras se tiene: Tapadas Limeñas, Pelea de Gallos,

RUGENDAS (JOHAN MORITZ) (ALEMANIA, 1802 – WELHEIN 1858)

Realizó sus estudios en el Gimnasium de Santa Clara y en la

Fue uno de los más representativos pintores extranjeros que

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -8-

Sus óleos, acuarelas y dibujos de escenas costumbristas,

Su cuadro Plaza de Armas de Lima es uno de los más coloridos del

La corriente académica es el resultado de la influencia que

Los artistas que emigraron de nuestro medio permanecieron casi

MERINO (IGNACIO) (PIURA, 1817 – PARÍS, 1876)

Vivió casi toda su vida en Europa. Sus primeras lecciones de

El arte de Merino se desarrolló en todo su esplendor, con su

Obras: Colón ante los Sabios de Salamanca, Resurrección de

LASO (FRANCISCO) (TACNA, 1823 – LIMA, 1869)

ASIGNATURA: ARTE REPUBLICANO -9-

Laso y Merino fueron compañeros de la enseñanza de Javier Cortés

En 1843 viaja a Europa e ingresa a complementar estudios con

En 1850 inicia su viaje por el interior del sur del Perú

Entre otras obras se tiene: El Indio Alfarero, donde muestra a

En su pintura sabe destacar el contorno de sus figuras sobre los

Su colorido es sobrio, en ocres y sienas. Da a los ojos y las

Entre sus obras se tienen: Pascana, Indios en la Puna, Alegoría