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Heitor Villa-Lobos

Datos biográficos

Inicios y primeros viajes por Brasil

Nació el 5 de marzo de 1887 en Río de Janeiro. Hijo de Raúl Villa-Lobos, profesor,


bibliotecario de la Biblioteca Nacional de Brasil, erudito brasileño y sobre todo buen músico.
Éste lo inició y guió en la vida musical desde muy pequeño, tocando diversos instrumentos,
asistiendo a ensayos de conciertos y óperas, generando así el amor por la música instrumental
y de conjunto en el pequeño Heitor.
Comentaba Heitor en relación a las enseñanzas que le dio su padre:

"Aprendí también a tocar el clarinete y estaba obligado a discernir el género, estilo,


carácter y origen de las obras, y a señalar con presteza el nombre de las notas,
sonidos o ruidos que surgieran incidentalmente, como por ejemplo el chirrido de la
rueda de un tranvía eléctrico, el gorjeo de un pájaro, la caída de un objeto de metal,
etc. ¡Ay de mí cuando no acertaba!"

Raúl Villa-Lobos le despertó el gusto por la música, le enseñó a los 6 años a tocar el
violonchelo (que en realidad era una viola adaptada para su tamaño) y clarinete a las 11, le
suministra las primeras nociones teóricas de música.
En la casa de Raúl Villa-Lobos se hacía buena música, donde organizaba verdaderos
conciertos, en los cuales el pequeño Heitor no se limitaba a ser solista, sino que disfrutaba
con sus amigos de hacer música. Tal hábito influyó decisivamente en la formación de la
mentalidad musical de Villa-Lobos.
Su padre en aquel momento era amigo y protegido de Manuel Vitorino, futuro
vicepresidente de la república, después de escribir una serie de artículos contra el Mariscal
Floreano tuvo que salir provisoriamente de Rio. Fue así cómo comenzaron los grandes viajes
de Heitor por su país.
Después de la temporada en el interior del estado de Río de Janeiro, la familia se trasladó a
Mina Gerais, así comienza las primeras impresiones musicales de Villa-Lobos con la música
rural, sarteneja, la cual se le grabó en el inconsciente.

A los 8 años comienza su interés por Bach. esto sería porque estaba insatisfecho con
aquella música trivial que lo asaltaba por doquier, dos cosas le llamaba la atención: Bach y la
música rústica. La responsable por el amor a la música de Bach fue su tía Zizinha, la cual era
buena pianista y entusiasta del ​Clave Bien Temperado​.

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A los 11 años, al mismo tiempo que aprendió a tocar el clarinete, conoció la música del
nordeste, pues acostumbraba a frecuentar con su padre la casa de Alberto Brandão, donde se
reunían cantores y los llamados seresteiros.
Cuando era niño quiso aproximarse a esos músicos que le llamaba la atención, pero la
reacción de sus padres fue negativa, por lo tanto tuvo que escucharlos desde la puerta.
La pasión por la música popular lo llevó a perfeccionarse, en secreto, a estudiar guitarra,
saxofón y clarinete.

La muerte de su padre en 1899 le dio gran libertad al pequeño Villa-Lobos, qué trató de
aproximarse a sus ídolos, los músicos llamados chorões, músicos que formaban conjuntos
instrumentales, para recorrer las calles de Río de Janeiro por las noches dando serenata. Para
acercarse de manera amistosa, fue vendiendo los libros heredados de la biblioteca de su
padre, para obtener dinero y ofrecerles de vez en cuando algún buen trago.

A los 16 años, en su adolescencia, su inquietud lo llevó a huir de la casa materna y


refugiarse en la casa de su tía Fifina, para tener más libertad de frecuentar a los chorões y
tocar en pequeñas orquestas. Tocó en el Teatro Recreo un repertorio de lo más variado, que
incluía óperas, operetas y zarzuelas. Se presentó en el Cinema Odeón, en bares hoteles y
cabarets. Sus composiciones en esta época se limitaban a valses, chotis, doblados, osea
música popular sin ninguna pretensión.
Convivio entonces con una serie de cantantes populares Cómo Eduardo das neves, Olimpo
Becerra y compositores muy importantes, como Ernesto Nazaré, entre otros.

En 1905, con 18 años de edad, decidió sacrificar alguno de los libros más caros de la
biblioteca de su padre y con el dinero partió hacia el norte para visitar los estados de Espíritu
Santo, Bahía y Pernambuco. En ellos se extasió ante la riqueza folclórica, se introdujo en los
barrios más dudosos de las ciudades del Salvador y de Recife, en busca de aspectos curiosos
del folklore local.
La música de los cantantes populares, la impostación o desimpostación en su cantar, la
afinación de sus instrumentos primitivos, los cantos de los vaqueros, las danzas dramáticas,
los desafíos.

En 1906 aceptó la invitación de un amigo de emprender un viaje al sur del país. Se dirigió a
Paranaguá, donde trabajó en una oficina de una fábrica de fósforo de dos cabezas durante 8
meses, dando conciertos en las ciudades alrededor y componiendo al mismo tiempo. Para
Villa-Lobos su viaje al sur fue una decepción, desde el punto de vista folclórico había mucho
para recopilar, pero la pobreza y riqueza del material estaban lejos de alcanzar interés de sus
investigaciones del nordeste. En 1907 volvió a Río de Janeiro.

En 1908 compone su primera obra típica los ​Cantos Sertanejos, p​ ara pequeña orquesta,
donde reprodujo el ambiente musical brasileño por medio de procesos técnicos musicales
autóctonos.

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Ese año se recibió de la clase de armonía de Frederico Nascimiento, en el Instituto Nacional
de Música, también tomó lecciones de armonía con Agnelo França. Abandona sus estudios
para visitar los estados de São Paulo, Mato Grosso y Goiás.
En este viaje por el norte tuvo de compañero a Donizetti, un músico bohemio y muy buen
amigo. Este viaje Se extendió por 3 años recopilando el folklore qué Villa-Lobos creía
invaluable. Cuando volvió a Río, sorprendió a su madre que lo creía muerto, seguramente
por no haber tenido tiempo de mandar una carta y estar en contacto.
En Rio de Janeirocompuso las óperas ​Aglaia y ​Elisa​. La ópera ​Elisa e​ stuvo a punto de ser
estrenada por una pequeña compañía lírica en el Teatro Trianón, pero el estreno no pudo
realizarse porque justo antes la compañía cayó en bancarrota.

Luego en 1912 compuso la ópera ​Izhat,​ en cuatro actos, que fue la fusión y ampliación de
las dos primeras óperas compuestas.
Fue en esta época que Villa-Lobos estudio las partituras de autores clásicos y románticos,
los cuales fueron una gran influencia en esta época, cuando todavía estaba formando su
personalidad como compositor. influyeron en gran medida la música de Wagner y Puccini.
De ​Tristán​, tomó la armonía cromática wagneriana, así como su orquestación abultada.
También tomó rasgos de la línea melódica pucciniana. Aunque, en realidad fue una influencia
pasajera, como él mismo dijo:

"Después que siento una influencia de alguien, me sacudo y salto"

Sin embargo fue para él una influencia muy importante el libro escrito por Vincent d'Indy:
Course de composición Musicale.​ Las dos primeras ​Sinfonías,​ la ​Segunda Sonata para chelo,​
los ​Tríos,​ están hechos en base a esta influencia cíclica.

En 1913 se casa con la pianista y compositora Lucilia Guimarães. Ella se había formado en
el Instituto Nacional de Música (de Brasil) en solfeo, canto coral y piano; era profesora de
música en la Escuela Normal. Estuvieron casados 22 años, ella le fue muy devota y muchas
veces realizó primeras audiciones de algunas obras de Heitor en Brasil y París. Lucilia ejerció
influencia en su marido, sobre todo al comienzo del matrimonio, cuando su cónyuge aún
tocaba mal el piano, y lo ayudó a mejorar mucho su técnica pianística.

Presentación en sociedad

1915 marca su presentación oficial en Río como compositor, organizando una serie de
conciertos con obras suyas. Las cuales causaron un gran debate sobre la estética de sus
composiciones, tan novedosas, aunque el autor no conociera las innovaciones de Schöenberg
y Stravinsky, que en esa época ya estaban empezando a ser escuchadas. Sus trabajos se
distinguían por un tratamiento armónico novedoso y audaz.

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El primer concierto fue realizado en el salón del diario Jornal do Comércio, el cual causó
cierta impresión. Luego en 1918 organizó tres recitales más con sus obras, también en el
mismo salón del Jornal do Comércio.
La oposición y los debates sobre su obra fueron tremendos, no solo por parte de los críticos
especializados y el público, sino también por alguno de los músicos de las orquesta que
debían interpretar su música.

En 1918 recibe la invitación del director del Instituto Nacional de música para programar
un concierto con obras suyas. Programa así la ​1ra Sinfonía y el poema sinfónico ​Amazonas,​
recién compuesto con el título de ​Miremis.
Este poema sinfónico recibió las más diversas críticas; el concertino, junto a otros colegas
de la orquesta, en el primer ensayo, afirmaron que Amazonas no tenía ni pies ni cabeza. En el
segundo ensayo diversos músicos se negaron a tocar la sinfonía; la crítica de entonces la
consideraba poco revolucionaria…

Son de esta época el primer y segundo ​Quarteto,​ las cinco primeras ​Sinfonías, l​ os poemas
sinfónicos ​Naufragio de Kleônicos ​y ​Centauro de Ouro​, la ​2da Sonata para chelo y piano​, el
Oratorio Vida Pura​, las óperas ​Zoé, Jesús ​y Malazarte​, la suite ​Prole do Bebê Nro 1,
Amazonas​ y ​Uirapuru​.

Primeros contactos con músicos internacionales

Villa-Lobos se ganaba la vida tocando el violonchelo en las orquestas de los teatros y


cinemas cariocas. Interpretaba de todo y de todos, y se complacía en escribir su música
rodeado de buenos amigos. Su esposa daba clases de piano y el toca por la tarde en el teatro
Colombo y por la noche en el Assírio.
En 1917 le presentaron a un joven francés, un tal Darius Milhaud, entonces secretario del
poeta Paul Claudel, embajador francés de la embajada de aquel país en Río de Janeiro. Heitor
lo acogió fríamente, desconfiando de aquel mozo que no perdía ocasión de pero no tardaron
en hacerse buenos amigos y Villa-Lobos le mostró los tesoros de la música brasileña, en
especial de la carioca. le mostró la música de las macumbas, lo llevó escuchar a los chorões,
le hizo apreciar la música carnavalesca. La conocida suite ​Saudades do Brasil,​ con la pieza ​El
Buey Sobre el Tejado, del famoso compositor francés Es una reminiscencia de los meses que
pasó en Río de Janeiro en camaradería con Villa-Lobos.

Fue un tanto curiosa la manera en la que se contactó con Arthur Rubinstein. Estaba el gran
pianista en Buenos Aires, cuando el director Ernest Ansermet le dijo haber encontrado en Rio
de Janeiroa un músico estupendo, capaz de tocar las principales piezas modernas. Viajó a tal
destino en 1918 procurando conocer a tal prodigio. Al manifestar su deseo, Henrique Oswald
creyó que se trataba de él y le ofreció una fiesta, a la que asistieron los personajes más
importantes del medio musical carioca. Arthur, al no encontrar lo que buscaba, se vio

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conversando con un muchacho moreno que hablaba perfectamente el francés, creyó que era la
persona que estaba buscando, pero luego se esclareció el dilema, era Darius Milhaud, cuyo
tipo abrasilerado había engañado a Ansermet.
El encuentro con Villa-Lobos se daría unos días después, gracias a los cazadores de
autógrafos, que arrastraron a Rubinstein hasta el Cinema Odeón, donde el músico carioca
tocaba en una pequeña orquesta, sin pretensiones. Luego de otras piezas tocaron una de las
Danças Africanas.​ El pianista se acercó al escenario para felicitar al autor, pero fue rechazado
violentamente con al grito de: "​Vous êtes un virtuoso, vous ne pouvez pas comprendere ma
musique!" ​ante tal recepción Rubinstein retrocedido. Al día siguiente, a las 8 de la mañana,
en el hotel donde se hospedaba Rubinstein, aparece en la puerta del cuarto Villa-Lobos
rodeado de una docena de instrumentistas, quería que escuchaste algunas piezas suyas, y le
pidió disculpas por llegar a esas horas, pues sus colegas trabajaban a la tarde y la noche.

Rubinstein fue, directa o indirectamente, una gran ayuda financiera para el compositor. Se
sabe que esa ocasión le compró el manuscrito de la ​Sonata para violonchelo. M ​ ás tarde fue
con Graça Aranha, para buscarle una ayuda financiera, éste insistió ante los magnates
industriales Carlos y Arnaldo Guinle para proveer a Villa-Lobos con el dinero necesario para
viajar a Europa y editar sus principales obras. Sin embargo, fue Carlos Guinle no solo el
principal mecenas, sino uno de los principales responsables de la divulgación del nombre de
Villa-Lobos en Europa. Suministro una elevada suma y le prestó hospedaje en un
departamento que poseía en París.

Semana del Arte Moderno

El Modernismo en Brasil no nació con la Semana del Arte Moderno, sino que fue la
presentación del mismo. La propuesta del escritor y poeta Graça Aranha exteriorizó el
movimiento y unificó adeptos, pero no formó nada, pues se encontró con una obra hecha.
Con el escrito ​A estética da Vida i​ nició su acción contra el academicismo. Este escrito
proclamaba el derecho permanente a la investigación estética, la actualización de una
conciencia creadora nacional; y proponía el cantar la naturaleza, al alma y las tradiciones
brasileñas, desterrando para siempre los "pastiches", o malas imitaciones, del arte europeo.

Enseguida fueron a llevarle la propuesta a Villa-Lobos y solicitar su participación, el cual


quedó encantado, pero tenía un problema, en ese momento no disponía de los fondos para
viajar a São Paulo. Organizaron nuevamente el programa y le suministraron un presupuesto,
con el que finalmente Heitor, no sólo pudo viajar, sino que contrató a los mejores
instrumentistas.

La Semana del Arte Moderno consistió en una serie de tres espectáculos, el primero de los
cuales tuvo lugar en 1922, en el teatro municipal de São Paulo. En el foyer había

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exposiciones de pintura y escultura, el escenario se dictaron conferencias, se redactaron
poemas y se ejecutarán obras musicales.
El propio Villa-Lobos que estaba mal de un pie, fue varias veces ridiculizado. Al verlo
entrar en el teatro de frac y zapatillas, la multitud le seguía El Paso marcando el ritmo exacto
del pie doliente.
Este evento tuvo una importancia capital, de un movimiento subterráneo pasó a ser un
asunto artístico a nivel nacional. Si le abrieron las columnas de los diarios, las casas editoras,
y el tiempo se encargó de consagrar a los héroes de aquellas jornadas.

Primeros viajes a París y éxitos en Europa

Rubinstein y la cantante Vera Janacopulos fueron los que animaron más a Villa-Lobos para
que viajara a Europa. todo el movimiento musical carioca y hasta los enemigos más
pertinaces se mostraron favorables a la idea. Sin embargo los envidiosos no tardaron en
aparecer y no faltó quien ridiculizase tal propuesta.
fue propuesta la cámara de diputados de aquel país una subvención de 108 contos, para que
Villa-Lobos puede sedar conciertos en Europa y difundir la música del Brasil. Luego de
mucho debate, en 1922, se resolvió conceder al maestro la suma de 40 contos.
Para dar una satisfacción al público brasileño, Villa-Lobos promovió una serie de cuatro
conciertos sinfónicos, donde se interpretarán diversas de sus propias obras, en diversos
estilos, para justificar el favor oficial. Las audiciones tuvieron escaso interés y una reducida
concurrencia.

En 1923 Villa-Lobos dejaba Río de Janeiro, sin su esposa, rumbo a Europa. No iba a París a
estudiar o perfeccionarse, iba a mostrar lo que ya había hecho. Llegó a allí con mentalidad
propia y se hizo conocido en menos de un año, ningún otro autor extranjero, menos uno
procedente de Brasil, tuvo tanta suerte en París como Villa-Lobos.

Gracias a un grupo de amigos pudo hacer frente a los primeros gastos y abrirse camino en
el medio musical. Rubinstein y el marido de Vera Janacopulos lo presentaron a los editores
Max Eschig, y en sus tourneés, la famosa cantante comenzó a divulgar las canciones del
compositor en varios países vecinos.
Al llegar a París Villa-Lobos trató inmediatamente de preparar dos audiciones: una para la
casa de editora y otra para el público. Tuvo una respuesta del público parecida a la de su país,
imperaba la lucha entre los renovadoras y los tradicionalistas. Trabó amistad con los músicos
vanguardistas y las figuras más célebres de la música francesa.
En este primer concierto de 1924 en la Salle des Agricultores se incluyó el ​Quatour​, el
Noneto,​ ​Pensée d'Enfant,​ ​Epigramas Irônicos e Sentimentais y la suite ​Prole do Bebê N°1​,
con la valiosa colaboración de Vera y Rubinstein.

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El público reaccionó mal a un tipo de música demasiado audaz para la época, pero atrajo la
atención de Jean Wiener, que lo contrató para una serie de conciertos de música vanguardista,
donde junto con otros músicos se hicieron célebres.
Pronto el subsidio oficial y la ayuda económica de los amigos se acabaron y a fines de 1924
tuvo que volver a Brasil.

De vuelta en Brasil, dirige en 1925 en São Paulo, tres conciertos sinfónicos, mientras van
llegando noticias de estrenos de sus obras en diversos lugares de Europa.
En 1926 realiza tres festivales sinfónicos para la asociación Wagneriana de Buenos Aires,
siempre con mucho éxito, desde ese momento el público porteño lo acogió con cariño.

En 1927 vuelve a París con la ayuda importante de Carlos Guinle, el cual le presta a la
pareja un departamento amueblado en la ciudad, era imperioso aprovechar el impulso que
tuvo su primera visita. Organiza conciertos y se dedica a publicar una serie de obras.
esta vez para calibrar su presupuesto aprovecha para dar lecciones y trabaja como editor de
sus obras en la oficina de Max Eschig. Hizo más amigos y en breve consiguió reunir a un
grupo de artistas selectos, entre los que estaban, p. ej., Edgar Varèse. Muchos artistas
frecuentaron su casa y participaron de sus alegres feijoadas.

La popularidad de Villa-Lobos en París creció con el debatidísimo artículo del Intransigeant


de 1927, en el que se publicó un artículo muy controversial. La poetisa Lucie Delarue
encontró un libro de un viajero alemán del 1600 "​Viajem do Brasil" ​en la casa de Heitor.
Luego los brasileños residentes en París quedaron anonadados con un artículo que relataba la
historia de Villa-Lobos tomando el lugar de ese aventurero alemán, en el que tiene que luchar
con los indios antropagófagos y se preparan para comerlo; en pleno s. XX. El artículo se
llamaba: ​"L'Aventure d'un Compositeur-Musique Canibale".​

Finalmente organizó dos conciertos con las primeras audiciones de diversos ​Choros​, del
Rude Poema (dedicado a su amigo rubinstein), de las ​Serestas y del ​Noneto,​ un grupo de 260
voces interpretó el poderoso ​Choro N°10.​ La prensa Parisina sólo elogiada Villa-Lobos. En
esta época de la casa Max Eschig, ya había impreso 19 de sus obras.
A partir de ese momento Villa-Lobos adquirió nombre en París y en el mundo musical
internacional.

Dio recitales de música de cámara, promovió audiciones de sus obras y dirige orquestas en
Londres, Amsterdam, Viena, Berlín, Madrid, etc. Fue profesor de composición en el
Conservatorio Internacional de París. Recibió alumnos de distintos lugares para que les
enseñe a tocar su música.
De acuerdo con la opinión del propio compositor, este año de 1927, habría sido decisivo
para la difusión de su obra y el reconocimiento de su mérito por los grandes directores de
orquesta.

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Fue muy importante el artículo sobre Villa-Lobos publicado en la ​Révue Musicale (N°10 de
1929), escrito por Suzanne Demarquez, el primer estudio serio redactado sobre la obra del
maestro.
En 1930 a regresó definitivamente al Brasil, pero volvió frecuentemente a Francia a dar
conciertos por cortas permanencias.

Permanencia en Brasil, labor educativa

No creía Villa-Lobos que al dejar París en 1930 se quedaría en Brasil. da conciertos en São
Paulo y en Río de Janeiro. Se encontró con una ciudad agitada por el movimiento
revolucionario que terminaría en la Victoria de Octubre. Esto afecta algunos de los conciertos
que tenía planeados.
Mientras tanto, mal impresionado por el abandono que había en la enseñanza musical, en
las escuelas de su país, presenta un proyecto en la Secretaría de Educación del estado de São
Paulo.

En ese año la revolución triunfa y Villa-Lobos, desalentado, se prepara para abandonar el


país. Estando a punto de embarcar, se presenta a su puerta un oficial invitando a participar en
el palacio de los Campos Elíseos para debatir su plan de educación. Se dedica a concretar su
proyecto educativo.
Después de dos años de trabajar en la educación musical en las escuelas de São Paulo,
Villa-Lobos, fijó su residencia en Río de Janeiro para dirigir la Superintendencia de
Educación Musical y Artística de Brasil. Realizó una intensa propaganda de la educación
popular por medio de concentraciones orfeónicas (coros colectivos escolares brasileños,
bautizados en honor a Orfeo), orquestas con finalidades educativas, cívico-artísticas y
culturales.
Estrenó obras muy importantes, como la ​Misa Solemne de Beethoven, el oratorio ​Judas
Macabeo de Haendel y ,en el 250 aniversario de Bach, estrena la ​Misa en Si Menor, con su
conjunto de canto orfeónico.

Nuevos viajes y reconocimiento

En 1945 realiza su primer viaje a los Estados Unidos de América, para dirigir la orquesta
sinfónica de Boston con un programa de obras exclusivamente suyas: ​Choro N°12, Rude
Poema y​ la ​Bachiana Brasilera N°7 (Toccata y fuga)​. Luego estrenan obras suyas en el
Carnegie Hall y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1947 emprende su segundo viaje a Estados Unidos de América, esta vez para escribir la
opereta ​Magdalena​, lo que le llevó dos años. Continúan estrenándose obras suyas en diversas
ciudades de este país.

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En 1948, estando en París, recibe el elogio de la prensa parisina:
"[...] ​La personalidad poderosa y cautivantes de Villa-Lobos no sé arredo de nada ni
se domesticó; la música es dura, a veces brutal, con aristas vivas y colores de
violencia extrema. poseé frecuentemente una extraordinaria densidad sonora y extrae
del folklore brasileño efectos impresionantes. En todo caso, esta música es bien suya,
pero permanece a pesar de su exotismo en el plano del arte puro."
(Raymond Charpentier, ​Arts. 1​ 948)

Luego de esto empiezan los períodos más difícil de la vida de Villa-Lobos. Sufrió la
primera crisis a raíz de su enfermedad. Realiza un viaje inmediato a los Estados Unidos Para
aprovechar los avances de la medicina. Esto por cierto freno a su creatividad compositiva.

A partir de 1949 hizo diversas turneés en Europa y Estados Unidos y segob está Israel,
donde compuso un poema Sinfónico en homenaje al nuevo Estado.

Recibe numerosísimas conmemoraciones en Francia, Brasil, Alemania, graba música en


Estados Unidos y Europa
En 1952 São Paulo le encomendó una importante obra para celebrar el cuarto Centenario de
la ciudad, para ello compone la ​Décima Sinfonía​, dividida en cinco partes y subtitulada ​Sume
Pater Patrium.

Últimos años, estadía en EEUU

En 1957 se traslada a Nueva York para transformar esta ciudad en el centro de sus
actividades musicales. Su madre había desaparecido hacía once años en Río y ya no tenía a
nadie que lo retuviese en el Brasil, pues se había separado en 1936 de su primera esposa,
Lucilia.
Villa-Lobos tiene un deseo invencible divulgar su obra y de algunos otros compositores de
brasileños.

En su 70° aniversario el New York Times publicó un editorial en su honra, cosa que le ha
ocurrido a pocos músicos en la historia:
"EL MÚSICO TIENE 70 AÑOS" Heitor Villa-Lobos, uno de los más famosos
compositores y uno de los hombres más importantes del mundo musical de nuestro
tiempo, cumplirá setenta años mañana.

Igualmente en Brasil, que instituyeron el año Villa-Lobos y se organizó un gran programa de


conmemoraciones.

En noviembre de ese mismo año el compositor viajó nuevamente Europa para trabajar en la
partitura del filme "Green Mansions" de la Metro Goldwyn Mayer.

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En 1958 presentó en Rio de Janeiro, con la orquesta sinfónica del Brasil, la primera
audición del ​Magnificat Aleluya,​ encargado por el Vaticano.
En diciembre recibe el título de Doctor Honoris Causa en Música por la Universidad de
Nueva York.
Sigue teniendo actividades musicales hasta que fallece en 1959.

Algunas características de su obra

Villa-Lobos conoció casi todos los aspectos del Brasil sonoro. Sus viajes, su convivencia
prolongada con los chorões, su nacionalismo innato, le proporcionaron copioso material para
la creación de música auténticamente brasileña.

Choros

14 obras, en distintos ensambles e instrumentaciones típicas, que son el mejor ejemplo culto
de este género y lo toma como elemento nacionalista. Toma elementos rítmicos amerindios
junto con efectos, como onomatopeyas, presentes en la música de estos pueblos. Desarrolla
una forma típica de choro, qué sería finalmente la forma típica de rondó ABACA, donde la
tercera parte es más densa y cadenciosa que las otras partes.
La cronología de los choros es muy curiosa, no sigue una cronología lineal desde el primero
al último. ​La introducción a los choros para gran orquesta con guitarra, aprovechando
elementos característicos de los ​choros 3 al 14, fue escrita en 1929. Por ejemplo: El Choro
No. 1 es de 1920, dedicada a Ernesto Nazare, es la más folklórica de la serie y es donde
explora esta formosa forma de Choro. El ​Choro No. 2 p​ ara flauta y clarinete, que es una
instrumentación típica de los choros brasileños, fue escrita en París en 1924. El choro No. 3
fue escrito en 1925, basándose en la música primitiva de los estados de Mato Grosso y Goiás,
para clarinete, saxofón, fagot, trompetas, trombones y coro masculino, con efectos
onomatopéyicos. El choro No. 4, ​Pica-pau,​ fue escrito en París en 1926 para tres trompetas y
trombón. Choro No. 5 ​(alma brasileira),​ de 1926, para piano solo tiene ritmos muy
interesantes típico de los seresteiros. El choro No. 6, de 1926, tiene una mayor envergadura
que los choros anteriores. El choro camaristico No. 7, de 1924, es para conjunto de flauta,
oboe, clarinete, saxofón alto en mi bemol, fagot, violín y violonchelo. El ​choro ​da dança Nro
8​, escrito en 1925, es una obra muy fuerte y bien contrapuntistica, para orquesta y dos pianos
(uno como solista y el otro como percusión). El choro No. 9 fue escrito en 1929, es para
orquesta incluye instrumentos típicos de los choros brasileños. El choro No. 10, conocido
como Rasga Coraçao,​ también es para orquesta, presentando cierto virtuosismo y maestría,
presenta vestigios de la Modinha de aquel nombre, escrito por Catulo de Paixão. El choro No.
11 es para piano y orquesta, fue escrito en 1928, es tanto como el más extenso como el que
menos elementos tradicionales toma de la música brasileña. El choro No. 12 fue escrito en

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1929 para gran orquesta y amplió la técnica esbozada en el choro No. 9. Los choros No. 13 y
14 se extraviaron y nunca han sido estrenados.

La estadía de Villa-Lobos en Europa fue muy propicia para la composición de sus


choros. El conocimiento más cercano de los estilos de de Debussy, Stravinsky y el Grupo de
los Seis abrió horizontes hasta entonces inadvertidos. Esos nuevos recursos técnicos, que
ahora tenía a mano, sumado a la nostalgia, generaban un tipo único de música.

Se perciben reflejos impresionistas, o la insistencia rítmica de la Consagración de la


Primavera. El empleo de células rítmicas o instrumentos típicos, que representan una valiosa
contribución de la música brasileña a la música contemporánea.

Bachianas Brasileras

Las nueve ​Bachianas ​brasileñas es un conjunto de obras inspiradas en la atmósfera musical


de Bach, todas en una estética un poco más neoclásica. Representa una experiencia de
yuxtaposición de ciertos ambientes armónicos contrapuntísticos con algunas regiones de
Brasil, al estilo de Bach, donde hay, por ejemplo, muchos motivos y secuencias y formas
barrocas.
La Bachiana No. 1 fue dedicada a Pablo Casals, de 1930, compuesta para orquesta de
violonchelos, tiene en su introducción una ​embolada​, luego un preludio o modinha construida
a la manera de aria bachiana, luego una fuga llamada conversa dedicada a los choroes. La
Bachiana No. 2 es para orquesta de cámara, fue escrita en 1930, la cual dispone de un
preludio un adagio y un aria, la tocata final es conocida como ​Trenzinho do Caipira​, la cual
es una pieza descriptiva de las impresiones de un viaje al interior de Brasil. La Bachiana
Brasilera No. 3 es para piano y orquesta, dedicada a su pareja Mindinha. La Bachiana
Brasilera No. 5 es la más conocida de la serie, contiene dos partes el Aria (cantilena) de 1938
y la Dança (Martelo) the 1945, el aria es una de las obras maestras de Villa-Lobos. Su
introducción en compases de 5 en pizzicato, hace recordar a las guitarras de los seresteiros.
luego aparece una larga melodía lirika sostenido sobre estos pizzicattos en contrapunto, con
una marcha lenta de bajos a la manera de Bach. la Bachiana brasilera No. siete fue escrita
para orquesta en 1942 y está dividida en cuatro partes: preludio (ponteio), giga (quadrilha
Caipira), Toccata (desafío) y fuga (conversa), dónde son muy interesantes los últimos dos
movimientos, en la toccata aparecen sones festivos, timbres picantes y armonías disonantes,
asemejando a un personaje sertanejo desafiando a su adversario y finalmente una fuga que
escapa a las reglas académicas. Finalmente la última, la No. 9, escrita para orquesta de voces
u orquesta de cuerdas, hecha con efectos como en la quinta sinfonía. Es rica en timbres
obtenida a través de sorprendentes efectos onomatopéyicos de sílabas y vocales.

Piezas de piano

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Compuso varias piezas, entre las más importantes están las tres suites ​Prole do Bebê,​ ​Lendo
do Coboclo,​ el gigantesco ​Rude Poema (​ primero para piano y luego orquestado), las
Saudades das selvas brasileiras de 1927 y la ​Dança do indio Branco, q​ ue pareciera ser un
autorretrato de su autor.
Su primera gran obra pianistica Lendo do Coboclo d​ e 1920 va a ir en dirección decidida
hacia la música nacionalista que abordará luego con la ​Prole do Bebê no. 1. E ​ stas tres suites
tendrán como tema el universo infantil, en la primera dibuja con ellas los temperamentos más
contradictorios de diversas muñecas de trapo porcelana, etc. La segunda la de los bichitos y la
tercera sweet sobre los deportes. La primera serie fue grabada y frecuentemente interpretada
por Arthur Rubinstein. La segunda suite resulta ser fuertemente disonante y más a tonal
politonal que la primera, presentando así una madurez más acentuada del artista
El ​Rude Poema fue escrita entre 1921 y 1926, es una de las obras más complejas de la
literatura pianística contemporánea, siendo de una gran extensión. Fue dedicada a su gran
amigo Arthur Rubinstein, y en su dedicatoria dice que dicha obra fue inspirada en el carácter
de Rubinstein.

Los conciertos

A lo largo de su carrera compuso varios conciertos para diversos instrumentos. Tuvo


grandes éxitos y otras obras que no tuvieron una especial atención del público. Escribió la
mayoría de ellos en su estadía en Estados Unidos de América, casi siempre realizadas por
encargo. Entre estos nombramos a los cinco conciertos para piano y orquesta, el No. 1 de
1945, el 2do de 1948, el 3ro iniciado en 1952 y concluido en 1957 y el 4to y 5to ambos de de
1954.
Para violín y orquesta escribió sólo dos obras de importancia, ​Fantasía dos movimientos
mistos​ de 1922 y ​Martirio dos Insetos d​ e 1925.
Además de las ballenas y una Fantasía, escribió dos conciertos para violonchelo.
Tuvo un considerable éxito el ​Concierto para Guitarra y Orquesta en cuatro movimientos
que escribió en 1951 para Andrés Segovia, que sería estrenado en Houston, Texas. Al
comienzo pensó hacer una fantasía concertante, pero finalmente desarrolló un concierto en 4
movimientos. la guitarra se arriesga perderse entre la orquesta en las primeras movimientos
hasta que el autor ofrece una gran cadenza en que el instrumento se desenvuelve con bellos y
ricos comentarios de los temas principales.
Realizó también un concierto para arpa y orquesta en 1953, al igual que un concierto para
armónica en 1955.

Sinfon​ías

Escribió 12 sinfonías entre 1916 y 1957, mostrando la madurez del autor a lo largo del
tiempo. La Sinfonía No 1 fue escrita bajo la influencia de Vincent d'Indy (O imprevisto) en
1916, la número 2 en 1917 y requiere algunos instrumentos tradicionales. las sinfonías
números 3 4 y 5 no tienen tanta importancia y fueron escritas para grandes conjuntos

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instrumentales, apuntan a reproducir las impresiones sobre la guerra, victoria y la paz, más o
menos por el año 1920. La quinta sinfonía de 1920 utiliza un coro con efectos
onomatopeyicos que luego desarrollaría en otras obras. La cuarta sinfonía fue estrenada en
1905 en Francia. La quinta sinfonía nunca se estrenó y fue extraviada. la sexta sinfonía tiene
un estilo completamente opuesto a las obras precedentes, presentando un estilo más
avanzado. La Sinfonía 7 fue escrita para un concurso sinfónico en Detroit, EEUU.

Danzas y Poemas Sinfónicos

Lo primero que quiso componen el género fue en 1910 con la suite de ​Cantos Sertanejos,​
luego en 1917 compuso los ballets ​Uirapuru y Amazonas​, donde el autor investigó nuevas
sonoridades amerindias instrumentos autóctonos y timbre recabadas en la primera en
Uirapuru. En el Amazonas su relato a través de la música un viaje por la región del gran río,
siendo de características todavía más programática con efectos orquestales sorprendentes y
audaces combinaciones de timbres, utiliza nuevos instrumentos como el violinofone y la
viola d'amore.
En 1937 compone las cuatro suites ​Descubrimento do Brasil,​ como material sonoro para un
film del mismo nombre, inspiradas en las cartas de Pero Vaz de Caminha al rey del Portugal.

Música de Cámara

Escribió 17 y cuarteto de cuerdas los cuales muestran su nacionalismo y su estética, por


momentos, más ruda. Los cuatro primeros cuartetos fueron compuestos entre 1915-1917, el
número 5 de 1931, el número 6 de 1938 y los demás a partir de 1942 hasta el final de sus
días. Estos pululan entre el neoclasicismo y por momentos el atonalismo (Nros 10 y 11).
Se destacan también el ​Quatour ​de 1921 para arpa, celesta, flauta, saxofón y coro
femenino.
son muy importantes las piezas que el compositor hizo para guitarra, las cuales gozan de
gran popularidad en todo el mundo. Entre ellas están el ​Choro No 1,​ ​la Suite Popular
Brasilera​ de 1917, y los 12 estudios para guitarra dedicados a Andrés Segovia.

Operas

compuso algunas óperas aunque no eran su género más desarrollado, la primeras dos las
esposo en 1912 ​Aglaia ​y ​Elisa, ​que acabaron respondiendo hace bajo el título de Izhat e​ n
1918, de la cual la obertura fue ejecutada en varios conciertos sinfónicos de la época.
En 1921 esbozó tres óperas más, todas en tres actos, las cuales nunca fueron representadas
y aún faltan Orquesta ese, ​Jesús (​ 1919) con librito de Goulart de Andrade, ​Zoé ​(1921), con
argumento de Renato Viana y ​Malazarte ​(1921), con trama de Graça Aranha.

Técnicas utilizadas

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Su estilo está marcado por una fuerte polirritmia donde se destacan los ritmos de la música
popular brasileña, estos ritmos enérgicos en cierta medida recrean la selva y los rituales y las
danzas de los pueblos nativos del Brasil. Asimismo el ritmo se contrasta con el lirismo y las
danzas populares urbanas, las formas son libres o ajenas a las formas académicas establecidas
en el siglo XIX. la tonalidad es libre, con marcadas inflexiones tonales y por momentos llega
al atonalismo. Tiene influencias de Debussy, Puccini, Stravinsky, el grupo de Los Seis de
Francia, Vincent d'Indy, tanto en lo armónico melódico y formal.

Bibliografía:
Heitor Villa-Lobos El Nacionalismo Musical brasileño​, Vasco Mariz, 1987
Historia da Música no Brasil​, Vasco Mariz, 1983
Heitor Villa-Lobos: The Search for Brazil's Musical Soul​, Gerard Béhague 1953

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