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Bill Bowerman

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Bill Bowerman

Nacido William Jay Bowerman

19 de febrero de 1911

Portland, Oregon , EE. UU.

Murió 24 de diciembre de 1999 (88 años)

Fósil, Oregon

alma mater Universidad de Oregon

Ocupación Profesor de Respuesta Competitiva [ cita requerida ]

Cofundador de Nike, Inc.

Esposos) Barbara Young Bowerman (Esposa)


Niños Jon Bowerman (Hijo)

William J. "Jay" Bowerman, Jr. (Hijo)

Thomas Bowerman (Hijo)

Padre (s) Jay Bowerman (Padre)

Carrera militar

Lealtad Estados Unidos

Servicio / sucursal Ejercítio EE.UU

Rango Mayor

Batallas / guerras Segunda Guerra Mundial

Premios Estrella de plata Estrella de

bronce (4)

Sitio web Nike Corporation

William Jay " Bill " Bowerman (19 febrero 1911 hasta 24 diciembre 1999) fue un profesor
americano de respuesta competitiva [ cita requerida ] y co-fundador de Nike, Inc. Durante su carrera,
se entrenó 31 olímpicos los atletas, 51 All- Estadounidenses , 12 poseedores de récords
estadounidenses, 22 campeones de la NCAA y 16 millares de menos de 4 minutos . No le
gustaba que lo llamaran entrenador y durante sus 24 años en la Universidad de Oregon ,
el equipo de atletismo de los Ducks tuvo una temporada ganadora cada temporada, pero una,
logró 4 NCAAtítulos, y terminó en el top 10 de la nación 16 veces. Como cofundador de Nike,
inventó algunas de sus principales marcas, incluidas Cortez y Waffle Racer , y ayudó a la
empresa a pasar de ser un distribuidor de otras marcas de calzado a crear sus propios
zapatos en casa.

Contenido

 1vida temprana
o 1.1Carrera militar
 2carrera de coaching
o 2.1Universidad de Oregon
o 2.2Programa de la pista olímpica de los Estados Unidos
 3corriendo
 4Nike
 5legado
 6muerte
 7Ver también
 8referencias
 9fuentes
 10enlaces externos

Vida temprana [ editar ]


Bill Bowerman nació en Portland, Oregon . Su padre fue el ex gobernador de Oregon Jay
Bowerman ; [1] su madre había crecido en Fossil. La familia regresó a Fossil después de que
los padres se divorciaron en 1913. Bowerman tenía un hermano y una hermana mayores, Dan
y Mary Elizabeth "Beth"; y un hermano gemelo, Thomas, quien murió en un accidente de
ascensor cuando tenía 2 años. [2]
Bowerman asistió a las escuelas de Medford y Seattle antes de regresar a Medford para la
escuela secundaria. Jugó en la banda de la escuela secundaria y para el equipo de fútbol
campeón estatal en sus años junior y senior. Bowerman conoció a Barbara Young, la mujer
con la que se casaría, mientras era estudiante de secundaria en Medford. [3]
En 1929, Bowerman asistió a la Universidad de Oregon para jugar fútbol y estudiar
periodismo. Por sugerencia del entrenador de atletismo Bill Hayward , también se unió al
equipo de atletismo. Fue miembro de la Fraternidad Beta Theta Pi . Después de graduarse,
enseñó biología y fue entrenador de fútbol en la Franklin High School en Portland en 1934. En
1935, Bowerman regresó a Medford para enseñar y entrenar fútbol durante el cual ganó un
título estatal en 1940. [3]
Bowerman se casó con Barbara Young el 22 de junio de 1936. Su primer hijo, Jon, nació el 22
de junio de 1938. William J. Bowerman, Jr. ("Jay") nació el 17 de noviembre de 1942.
Carrera militar [ editar ]
Bowerman había estado en el ROTC y la Reserva del Ejército , y luego se unió al Ejército de
los Estados Unidos como segundo teniente en los días posteriores al ataque de Pearl
Harbor . Fue asignado a Fort Lawton en Washington y sirvió un año allí antes de ser asignado
al 86º Regimiento de Infantería de Montaña en Camp Hale en Leadville, Colorado . Junto con
el 87º Regimiento de Infantería de Montaña , su regimiento se convertiría en la 10ª División de
Montaña . [4]
El deber de Bowerman consistía en organizar los suministros de las tropas y mantener las
mulas utilizadas para transportar los suministros en las montañas. El 23 de diciembre de 1944,
la división llegó a Nápoles, Italia, y pronto se trasladó al norte a las montañas del norte de
Italia. [5] Durante su turno de servicio , Bowerman fue ascendido a comandante del Primer
Batallón del 86º Regimiento en el rango de Mayor . [6] Bowerman negoció una retirada de las
fuerzas alemanas cerca del Paso Brenner en los días previos a la rendición del ejército
alemán en toda Italia. [7] Por su servicio, Bowerman recibió la Estrella de Plata y
cuatro Estrellas de Bronce.. Fue dado de baja honorablemente en octubre de 1945. [8]

Carrera de coaching [ editar ]


Después de la guerra, Bowerman volvió a su puesto en Medford High School. El tercer hijo de
Bowerman, Tom, nació el 20 de mayo de 1946. La familia se mudó a Eugene, donde se
convirtió en el entrenador principal de atletismo en su alma mater, la Universidad de Oregon ,
el 1 de julio de 1948.
Universidad de Oregon [ editar ]
"Men of Oregon" de Bowerman ganó 24 títulos individuales de la NCAA (con victorias en 15 de
los 19 eventos disputados) y cuatro coronas de equipos de la NCAA (1962-1964-1965-1970),
y registró 16 finales de la NCAA entre los 10 primeros en 24 años como jefe entrenador. Sus
equipos también se jactaban de 33 olímpicos, 38 campeones de conferencias y 64
estadounidenses. En el nivel dual, los Ducks registraron un récord de 114-20 y quedaron
invictos en 10 temporadas. Además, Bowerman entrenó al equipo de relevos de 4 millas (6.4
km) en 1962. Este equipo estaba formado por Archie San Romani, Dyrol Burleson , Vic Reeve
y Keith Forman con un tiempo de 16: 08.9. Seis años después, otro equipo de Roscoe Divine
en Oregon, Wade Bell , Arne Kvalheim y Dave Wilborn mejoraron el récord a 16: 05.0. [9] Entre
los atletas que Bowerman entrenó se encuentran: Otis Davis , Steve Prefontaine , Kenny
Moore , Bill Dellinger , Mac Wilkins , Jack Hutchins , Dyrol Burleson, Harry Jerome , Sig
Ohlemann , Les Tipton, Gerry Moro, Wade Bell, Dave Edstrom , Roscoe Divine, Matt
Centrowitz , Arne Kvalheim, Jim Grelle , Bruce Mortenson y Phil Knight .
En 1972, Bowerman dio un paso atrás de las actividades diarias de entrenamiento para llevar
a cabo la recaudación de fondos para renovar las tribunas de Hayward Field que serían
necesarias para la consideración de organizar los Juegos Olímpicos de Montreal. También se
postuló sin éxito para un escaño de la Cámara [10] en la Legislatura de Oregón en 1970
como republicano , [1] perdiendo por solo 815 votos de 61,000 emitidos. [10] Según
el periódico Eugene Register-Guard , Bowerman se retiró oficialmente como entrenador en
jefe de la Universidad de Oregon el 23 de marzo de 1973, y fue sucedido por el entrenador
asistente Bill Dellinger .
Programa de la pista olímpica de los Estados Unidos [ editar ]
Bowerman creó un programa de entrenamiento para ajustar a los atletas a la altura que
experimentarían en los Juegos Olímpicos de la Ciudad de México de 1968. Este exitoso
programa condujo a su selección como entrenador en jefe de atletismo olímpico de Munich en
1972 , a pesar de que el favorito estadounidense de miler Jim Ryan perdió ante Kenyan Kip
Keno citando la actitud como parte de la razón de este malestar. Bowerman entrenó a
miembros de equipos de Noruega, Canadá. , Australia y los Estados Unidos.
Durante la Masacre de Múnich en los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, donde el equipo
de atletismo estadounidense culpó a Bowerman con frecuencia de una actuación
desalentadora, el caminante olímpico israelí Shaul Ladany escapó de los terroristas de la OLP
y luego despertó a Bowerman y alertó a la policía alemana. Bowerman pidió a los marines
estadounidenses que vengan a proteger al nadador olímpico estadounidense Mark Spitz y al
lanzador de jabalina Bill Schmidt . [11]

Corriendo [ editar ]
Durante un viaje a Nueva Zelanda en 1962, Bowerman conoció el concepto de correr como
una rutina de ejercicios, incluidas las personas de edad avanzada, a través de un club de
corredores organizado por su amigo y colega Arthur Lydiard . Bowerman trajo este concepto a
los Estados Unidos y comenzó a escribir artículos y libros sobre correr. También creó un
programa de carrera en Eugene que se convirtió en un modelo nacional para programas de
acondicionamiento físico. Un Manual del Jogger , una guía de tres páginas, se publicó poco
después de que Bowerman regresó de Nueva Zelanda. En 1966, junto con el cardiólogo WE
Harris, Bowerman publicó un libro de 90 páginas titulado Jogging. El libro vendió más de un
millón de copias y se le atribuyó haber encendido el fenómeno de trotar en los Estados
Unidos. La nueva cosecha de personas mayores atléticas contribuyó a la evolución del
deporte de atletismo para crear una nueva división para estos atletas maestros . Debido a la
popularidad de Jogging , Harris y Bowerman publicaron un libro de 127 páginas en 1967.
Athletics West es un equipo de atletismo estadounidense formado por Bill Bowerman, Phil
Knight y Geoff Hollister en 1977. En ese momento, Estados Unidos no tenía un programa
definitivo de atletismo para que los atletas jóvenes continuaran compitiendo fuera de la
universidad. La formación y el éxito de Athletics West, junto con el éxito y la popularidad de
corredores estadounidenses como Craig Virgin (miembro fundador), Steve Prefontaine , Frank
Shorter y Bill Rodgers ayudaron a inspirar el auge de la carrera de los años 70 . [ cita requerida ]

Nike [ editar ]
Según Otis Davis , un atleta estudiante que Bowerman entrenó en la Universidad de Oregón ,
que luego ganó dos medallas de oro en los Juegos Olímpicos de Verano de 1960 , Bowerman
hizo el primer par de zapatos Nike para él, contradiciendo una afirmación de que se hicieron
por Phil Knight . Davis dice: "Le dije a Tom Brokaw que fui el primero. No me importa lo que
digan todos los multimillonarios. Bill Bowerman hizo el primer par de zapatos para mí. La
gente no me cree. De hecho, no lo hice". como la forma en que se sentían en mis pies. No
había apoyo y estaban demasiado apretados. Pero vi a Bowerman hacerlos con la plancha de
gofres y eran míos ". [12]
En 1964, Bowerman llegó a un acuerdo de apretón de manos con Phil Knight, quien había
sido un miler debajo de él en la década de 1950, para comenzar una compañía de distribución
de calzado deportivo llamada Blue Ribbon Sports, más tarde conocida como Nike, Inc. Knight
administró el fin comercial del asociación, mientras que Bowerman experimentó con mejoras
en el diseño de calzado deportivo. Bowerman se quedó en Eugene, manteniendo su trabajo
de entrenador en la Universidad de Oregón, mientras Knight operaba la oficina principal desde
Portland. Bowerman y Knight inicialmente comenzaron a importar el tigre de
Onitsukazapatillas deportivas de Japón para vender en los Estados Unidos. Inicialmente, la
asociación era de 50-50, pero poco después Bowerman quería que cambiara a 51-49, con
Knight teniendo la mayor propiedad. Hizo esto para evitar posibles embotellamientos y hacer
que uno de ellos se encargara de las decisiones finales.
Las ideas de diseño de Bowerman llevaron a la creación de una zapatilla para correr en 1966
que en última instancia se llamaría " Nike Cortez " en 1968, que rápidamente se convirtió en
un éxito de ventas y sigue siendo uno de los diseños de calzado más emblemáticos de
Nike. Bowerman diseñó varios zapatos Nike, pero es mejor conocido por arruinar
el gofre belga de su esposa en 1970 o 1971, experimentando con la idea de usar caucho
planchado con gofres para crear una nueva suela para calzado que agarre pero sea
liviano. [13] La inspiración del diseño de Bowerman llevó a la introducción del llamado "Moon
Shoe" en 1972, llamado así porque se decía que la banda de gofres se parecía a las huellas
dejadas por los astronautas en la luna. El refinamiento adicional resultó en el "Waffle Trainer"
en 1974, que ayudó a impulsar el crecimiento explosivo de Blue Ribbon Sports /
Nike. Mientras Bowerman estaba experimentando con el diseño del zapato, trabajó en un
espacio pequeño y sin ventilación, usando pegamento y solventes con componentes tóxicos
que le causaron graves daños a los nervios. El daño a los nervios de la parte inferior de sus
piernas lo dejó con importantes problemas de movilidad; Como Kenny Moore señala en su
libro Bowerman and the Men of Oregon , Bowerman no pudo correr en los zapatos que le
había dado al mundo. [14]
Bowerman estaba obsesionado con reducir el peso de las zapatillas deportivas de sus
atletas . Él creía que los zapatos hechos a medida pesarían menos en los pies de sus
corredores y reducirían las ampollas , así como reducirían la resistencia general de su energía
por cada onza que pudiera quitar del zapato. Según su estimación, quitar una onza (28 g) de
un zapato, basado en una marcha de seis pies para un corredor, se traduciría en una
reducción de 55 libras (25 kg) de elevación en un tramo de una milla (1.6 km) .
Knight dijo una vez sobre la importancia de Bowerman para la compañía: "Si el entrenador
(Bowerman) no está contento, Nike no está contento". [15]
Bowerman redujo su papel en la compañía a fines de la década de 1970 y comenzó a pasar
su participación en la compañía a otros empleados poco antes del lanzamiento de la OPI. [ cita
requerida ]

Legado [ editar ]
Bowerman es miembro del Salón de la fama nacional de la carrera a distancia, del Salón de la
fama nacional de atletismo de EE. UU., Del Salón de la fama del deporte de Oregón, del Salón
de la fama atlético de Oregón, del Salón de la fama del atletismo a distancia RRCA y del Salón
nacional de inventores la fama . Su estatua , que sostiene un cronómetro, adorna la esquina
noroeste de Hayward Field , hogar del Prefontaine Classic en la Universidad de
Oregon . Una película biográfica , sin límites , sobre la relación entre el corredor de
distancia Steve Prefontaine que rompe récordsy su entrenador Bill Bowerman se hizo en 1998,
y Bill Bowerman fue interpretado por Donald Sutherland. La sede de Nike se encuentra en
Bowerman Drive en homenaje al cofundador de la compañía. También en su honor, la
compañía creó la "Serie Bowerman" de zapatillas deportivas de alto rendimiento, diseñadas
para proporcionar productos más duraderos y más enfocados en la capacitación para competir
con marcas como Asics y Saucony .
En 2009, la Asociación de Entrenadores de Atletismo y Cross Country de EE. UU. Creó The
Bowerman , un premio que se otorga al atleta universitario de atletismo masculino y femenino
más destacado en un año calendario determinado. [16] Los ganadores inaugurales del premio
fueron Galen Rupp de Oregon y Jenny Barringer de Colorado . [17] El trofeo Bowerman fue
diseñado por Tinker Hatfield , un empleado de Nike y ex estudiante-atleta de Oregon
entrenado por Bowerman. [18]

Muerte [ editar ]
Bowerman murió en su casa en Fossil, Oregon, a la edad de 88 años en la víspera de Navidad
de 1999. [19]

Ver también [ editar ]

 Portal de biografia

 Lista de profesores retratados en películas


 Sin límites

Referencias [ editar ]
1. ^ Salte a:a b Bill Gallagher (junio de 2006). "Bowerman: el hombre, la leyenda y la nueva
biografía de Kenny Moore" . Lluvia de ideas NW .
2. ^ Bowerman y los hombres de Oregon , autor Kenny Moore
3. ^ Salte a:a b "Acerca de Bowerman" . Consultado el 7 de febrero de 2011 .
4. ↑ Moore, p. 67-68
5. ↑ Moore, p. 71
6. ↑ Moore, p. 77
7. ↑ Moore, p. 78-79
8. ↑ Moore, p. 81
9. ^ "¿El registro de 4xMile de EE. UU. Pertenece a Eugene? Los patos dicen: Absolutamente.
Seguimiento de noticias, notas y enlaces" . oregonlive.com .
10. ^ Salte a:a b "Verificación de la encuesta agrega 1 voto" [recuento de votos electorales] (15 de
diciembre de 1970). El Oregonian , p. 18)
11. ^ Kenny Moore (abril de 2006). Llevando a los hombres . Mundo del corredor . Consultado el
24 de febrero de 2013 .
12. ^ Haya, Jim (14 de mayo de 2006). "El oficial ausente fue el héroe olímpico Emerson High tiene
medallista de oro en medio" . El reportero de Hudson. Archivado desde el originalel 4 de mayo
de 2012 . Consultado el 18 de marzo de 2012 .
13. ^ Blitz, Matt. "Cómo un viejo y sucio gofre se convirtió en el Santo Grial de Nike" . Mecánica
Popular 15 de julio de 2016 . Mecánica Popular . Consultado el 20 de octubre de2018 .
14. ↑ Moore, p. 383ff
15. ^ Phil Knight (2016). "Shoe Dog: una memoria del creador de Nike"
16. ^ "USTFCCCA anuncia el inicio de The Bowerman" . USTFCCCA . Consultado el 12 de julio
de 2011 .
17. ^ Lewis, Tom. "Rupp, Barringer honrado como ganadores inaugurales de The
Bowerman". Consultado el 12 de julio de 2011 .
18. ^ "El Bowerman: diseño de trofeo" . Consultado el 12 de julio de 2011 .
19. ^ Zapato perro

Fuentes [ editar ]
 Moore, Kenny (2006). Bowerman y los hombres de Oregon . Emaús, Pensilvania:
Rodale. ISBN 978-1-59486-190-1.
 Bowerman, William J (1991). Entrenamiento de alto rendimiento para
atletismo . Champaign, Illinois: Leisure Press. ISBN 0-88011-390-1.
 Freeman, William H. (1972). Un estudio biográfico de William Jay Bowerman .
 Greenberg, Keith (1994). Bill Bowerman y Phil Knight: Construyendo el Imperio
Nike . Blackbirch Press. ISBN 978-1-56711-085-2.

Enlaces externos [ editar ]


Wikiquote tiene citas
relacionadas con: Bill
Bowerman

 Guía de los documentos de Bill Bowerman en la Universidad de Oregon


 Experiencia en Oregon: Bill Bowerman
 Inducción del Salón de la Fama Nacional de Carrera a Distancia
 Bill Bowerman Documental producido por Oregon Public Broadcasting

espectáculo

Nacional de Funcionamiento de la distancia del Salón de la Fama inductees

espectáculo
Ganadores de la Medalla de Oro de la National Football Foundation

espectáculo

1972 Equipo olímpico de atletismo de EE. UU.

espectáculo

The Bowerman (premio de atletismo universitario)

BIBSYS : 90605246

ISNI : 0000 0000 8436 3300

LCCN : n84029406

NDL : 00434050

SNAC : w6z15qw3

VIAF : 30930675

Identidades de WorldCat (a través de VIAF): 30930675


Categorías :
 Nacimientos de 1911
 Muertes de 1999
 Corredores de larga distancia masculinos estadounidenses
 Entrenadores de atletismo estadounidenses
 Oregon Ducks entrenadores de atletismo
 Personas de Nike, Inc.
 Oficiales del ejército de los Estados Unidos
 Destinatarios de la estrella de plata
 Antiguos alumnos de North Medford High School
 Alumnos de la Universidad de Oregon
 Republicanos de Oregon
 Deportistas de Medford, Oregon
 Deportistas de Portland, Oregon
 Gente del condado de Wheeler, Oregon
 Empresarios de Oregon
 Empresarios estadounidenses del siglo XX
 Fundadores de empresas estadounidenses
 Inventores estadounidenses del siglo XX

Phil Knight
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Phil Knight

Información personal

Nacimiento 24 de febrero de 1938 (81 años)


Portland (Estados Unidos)

Nacionalidad Estadounidense

Partido
 Partido Republicano
político
Familia

Padre William W. Knight

Hijos  Travis Knight

Educación

Educado en Universidad de Oregón


 Universidad Stanford
 Universidad Estatal de Oregón

Información profesional

Ocupación Empresario y autor

Empleador Nike


Miembro de Academia Estadounidense de las Artes y las
Ciencias

Web

Sitio web nikeinc.com

[editar datos en Wikidata]

Philip Hampson Knight (Portland, Oregón, 24 de febrero de 1938) es el director


ejecutivo estadounidense de la empresa Nike, además de ser el dueño de Laika.

Biografía[editar]
Knight fue miembro del equipo de atletismo en la Universidad de Oregón (Estados Unidos),
donde también hacía reportajes para el periódico de la universidad,1 en la cual se graduó en
Periodismo en 1959.2 Posteriormente realizó estudios de posgrado en la Escuela de
Postgrado de Negocios Stanford, obteniendo una Maestría en Administración de Negocios.2
En 2006 donó 100 millones de dólares a la Universidad Stanford.3
Actualmente posee el 35% de Nike y su fortuna asciende a unos 7.900 millones de dólares, lo
que le convierte en la 30ª persona más rica de Estados Unidos.4 Dejó de ser directivo de la
famosa empresa el 28 de diciembre de 2004, aunque a día de hoy sigue siendo el Presidente
de la Junta de Administración.

Referencias[editar]
1. ↑ "25 Things about the Oregon Daily Emerald", 29 de marzo de 2011 (en inglés)
2. ↑ Saltar a:a b Krentzman, Jackie (1997). «The Force Behind the Nike Empire». Stanford
Magazine. Archivado desde el original el 25 de junio de 2010. (en inglés)
3. ↑ NIKE chairman donates $100 million to GSB for new campus (en inglés)
4. ↑ Forbes.com Lista de las 400 personas más ricas del mundo (en inglés)
Proyectos Wikimedia

Datos: Q557305

dentificadores

WorldCat

VIAF: 55795692

SNI: 0000 0004 4887 5244

GND: 123056799

LCCN: n91096130

NKC: hka2016929992
Categorías:
 Hombres
 Nacidos en 1938
 Alumnado de la Universidad de Oregón
 Alumnado de la Universidad Stanford
 Directores ejecutivos
 Empresarios de Estados Unidos
 Nike, Inc.

Nike
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Para otros usos de este término, véase Nike (desambiguación).

Nike, Inc.

Tipo Sociedad anónima

Símbolo bursátil NYSE: NKE

ISIN US6541061031
Industria Textil

Forma legal Sociedad por acciones

Fundación 25 de enero de 1964 (55 años)

Fundador(es) Phil Knight


Bill Bowerman

Sede Washington County, Oregón, Estados


Unidos (cerca de Beaverton)

Productos Calzado y ropa deportiva

Ingresos 24.300 millones de dólares (2013)1[actualizar]

Beneficio neto 2.223 millones de dólares (2012)[actualizar]

Empleados 55 000 (2017)[actualizar]

Filiales Converse
Pony
Hurley International

Dependiente de Promedio Industrial Dow Jones

Coordenadas 45°30′33″N 122°49′48″O

Sitio web www.nike.com

[editar datos en Wikidata]

Nike, Inc.nota 1 ( / naiki / )(del griego: Νίκη, Nike, diosa de la victoria ;4 NYSE: NKE) es una
empresa multinacional estadounidense dedicada al diseño, desarrollo, fabricación y
comercialización de balones, calzado, ropa, equipo, accesorios y otros artículos deportivos.
Es uno de los mayores proveedores de material deportivo,5 con unos ingresos de más de
24,100 millones de dólares estadounidenses y un total en 2012 de unos 44,000 empleados.
La marca por sí sola tiene un valor de 15,900 millones de dólares estadounidenses, lo que la
convierte en la marca más valiosa entre las corporaciones deportivas.6
La empresa fue fundada el 20 de enero de 1964 como Blue Ribbons Sports por Phil Knight y
Bill Bowerman,7 y se convirtió oficialmente en Nike Inc., el 30 de mayo de 1971. Nike
comercializa sus productos bajo su propia marca, así como bajo Nike Golf, Nike Pro, Nike
+, Air Jordan, Nike Skateboarding, Hurley InternationalyConverse, Nike CR7,8 entre otras. Nike
también fue dueño de Bauer Hockey (Nike Bauer) entre 1995 y 2008, y anteriormente
propiedad de Cole Haan y Umbro.9 Además de la ropa deportiva y el equipo de fabricación, la
compañía es dueña de las tiendas Niketown. Nike es patrocinador de muchos atletas de alto
nivel y equipos deportivos de todo el mundo, con el famoso eslogan «Just do it.» y el logo,
llamado Swoosh, creado por Carolyn Davidson, esquematización de un ala de Niké, diosa
griega de la victoria.10

Índice

 1Historia y origen
o 1.1Adquisición de Umbro
 2Marca
 3Productos
 4Patrocinios
 5Sede
 6Controversia
o 6.1Fábricas de explotación
o 6.2Alegaciones de trabajo infantil
o 6.3Huelga en la fábrica de China
 7Registro ambiental
 8Notas
 9Referencias
 10Enlaces externos

Historia y origen[editar]
Antiguo logo de Nike, Inc.

Fue fundada por cibertec , o BRS, por el deportista de la Universidad de Oregón Phil Knight y
su entrenador, William Jay "Bill" Bowerman. La empresa comenzó distribuyendo calzado de la
firma Onitsuka Tiger (actualmente ASICS) hasta 1971, cuando BRS lanzó su primer producto
propio, con el emblema de la marca diseñado por Carolyn Davidson.
Según Otis Davis, un deportista, quien Bowerman entrenó en la Universidad de Oregon, que
más tarde pasó a ganar dos medallas de oro en los Juegos Olímpicos de Roma 1960.
Bowerman hizo el primer par de zapatos Nike para él, lo que contradice la afirmación de que
se hicieron por Phil Knight. Dice Davis. “le dijo a Tom Brokaw que yo era el primero. No me
importa lo que dicen todos los multimillonarios.
En 1964, en su primer año en el negocio, BRS vendió 1.300 pares de zapatos para correr
ganando en total 8.000 $. Antes de 1965 la nueva compañía había adquirido un empleado a
tiempo completo, y las ventas habían alcanzado los 20.000 $. En 1966, El BRS abrió su
primera tienda ubicada en el 3107 Pico Boulevard, en Santa Mónica, California, junto a un
salón de belleza. En 1967, debido al rápido aumento de las ventas, el BRS expandió sus
operaciones al por menor y distribución en la costa este, en Wellesley, Massachusetts.
En 1971, la relación entre BRS y Onitsuka Tiger estaba llegando a su fin. BRS se prepara para
lanzar su propia línea de calzado, lo que llevaría el Swoosh de nuevo diseño por Carolyn
Davidson. El Swoosh se utilizó por primera vez por Nike el 18 de junio de 1971, y el 22 de
enero de 1974 se registró en la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos
En 1976, la compañía contrató a John Brown and Partners, con sede en Seattle, como su
primera agencia de publicidad. Al año siguiente, la agencia creó el primer "anuncio de marca"
de Nike, llamado "No hay línea de meta", en el que no se mostró ningún producto de Nike. En
1980, Nike había alcanzado una cuota de mercado del 50% en el mercado de calzado
deportivo de Estados Unidos, y la compañía se hizo pública en diciembre de ese año.
Un Nike Store en el centro de Buenos Aires, Argentina.

Juntos, Nike y Wieden + Kennedy han creado impresión y anuncios de televisión. Wieden +
Kennedy sigue siendo la agencia de publicidad principal de Nike. Fue co-fundador de la
agencia Dan Wieden, quien acuñó el lema ahora famoso "Just Do It" para una campaña
publicitaria de Nike 1988, que fue elegida por Advertising Age como uno de los cinco lemas
más importantes del siglo XX y que está consagrado en la Smithsonian Institution.11 Walt
Stack apareció en el primer anuncio de Nike "Just Do It", que se estrenó el 1 de julio de
1988.12 Wieden atribuye la inspiración para el lema de "hagámoslo" (let's do it), las últimas
palabras pronunciadas por Gary Gilmore antes de ser ejecutado.13
A lo largo de la década de 1980, Nike ha ampliado su línea de productos para abarcar muchos
deportes y regiones de todo el mundo.

Vista de una tienda Nike en Osaka, Japón.

A principios de los años 80 se popularizaba en Estados Unidos el uso del calzado deportivo
para el uso diario y esto junto con las estrategias de patrocinio hace que Nike llegue a los
hogares estadounidenses de forma masiva. A mediados de los 80, la empresa atraviesa una
crisis de la mano de su competidor Reebok, ésta se superaría gracias a la contratación en
1985 del novato sensación de baloncesto llamado Michael Jordan que llevará a la marca a
cotas de mercado inéditas hasta la fecha a costa de ganarse repetidas multas de la NBA por
volar sus normas de indumentaria14. En este lustro es cuando se creó el eslogan publicitario
más conocido de la marca, «Just Do It», reconocido incluso como marca autónoma en muchos
ámbitos.
En los últimos años, ha desplazado el foco de su negocio desde la producción, que
actualmente corre a cargo de empresas externas, a la imagen de marca, como símbolo del
espíritu del deporte y la autosuperación.
Adquisición de Umbro[editar]
Nike fabricante de ropa y calzado deportivo, en noviembre de 2008, adquirió la
marca Umbro en una operación que valoró a la firma británica en 285 millones de libras
esterlinas (340 millones de euros). Umbro vio en esta compra una oportunidad para ampliar su
negocio internacional. La marca deportiva tuvo que perfilar sus expectativas de beneficios
para 2008 ante la caída en las ventas de la camiseta de la Selección de fútbol de Inglaterra
Umbro ha accedido a la propuesta de Nike tras valorar que su rendimiento financiero tendrá
menos desequilibrios al pasar de un año con un gran torneo de fútbol (como un Mundial o la
Eurocopa) a otro sin torneos de ese tipo.
Y es que la caída en las ventas de la camiseta de la selección inglesa repercutía en su
cotización en Bolsa. Umbro advirtió que los beneficios en 2008 no alcanzarían los pronósticos
tras las pobres ventas de equipamiento en 2007. Las acciones se resintieron ante este
anuncio y cerraron a 165 peniques.
Nike ha dicho que los accionistas de Umbro recibirán 193,06 peniques por título, lo que
representa una prima de aproximadamente un 61% sobre el precio de cierre del valor.
Sin embargo, Nike vendió a Umbro en el mes de mayo del año 2012 por un precio de 174
millones de euros a la principal compañía de gestión de marcas en el mundo Iconix Brand
Group ya que la idea de Nike era centrarse en sus marcas con mayor potencial de
crecimiento.

Marca[editar]

Unas zapatillas y un balón de fútbol, fabricados por Nike, con el clásico isotipo de la marca.

El isotipo, denominado "swoosh" se llama así ya que era el sonido que se escuchaba al
momento de correr, fue creado por la estudiante de diseño Carolyn Davidson en 1971.
Productos[editar]

Nike Hypervenom, modelo de tacos de fútbol realizado por Nike.

Un par de zapatillas de baloncesto Nike Air Jordan I.

Niketown en Oxford Circus, Londres.

Nike fabrica una amplia gama de equipamiento deportivo. Sus primeros productos fueron
zapatos de pista para correr. En la actualidad también se hacen zapatos, camisetas,
pantalones cortos, y demás accesorios, para una amplia gama de deportes, incluyendo
atletismo, béisbol, hockey sobre hielo, tenis, fútbol, lacrosse, baloncesto, y el cricket. Nike Air
Max, es una línea de zapatos lanzados por primera vez en 1987. Las adiciones más recientes
a la línea son el Nike 6.0, NYX Nike y Nike SB, zapatos diseñados para el skateboarding. Nike
ha presentado recientemente los zapatos de cricket llamado Zoom Air New Yorker, diseñado
para ser un 30% más ligero que sus competidores. En 2009, Nike presentó el Air Jordan XX3,
una zapatilla de baloncesto de alto rendimiento.
Uno de los estilos más vendidos, en cuanto a moda y no a deporte.

Nike se asoció recientemente con Apple Inc. para producir el producto Nike+ que monitorea el
desempeño de un corredor a través de un dispositivo de radio en el zapato que enlaza con
el iPod o iPhone. El producto genera estadísticas útiles, pero ha sido criticado por los
investigadores. En 2004, Nike lanzó el Programa de Capacitación SPARQ / División. También
lanzó al mercado los tenis Daddy Yankee en honor a dicha celebridad para alcanzar máxima
popularidad en Estados Unidos y el mundo entero. Esta producción fue idea de Phil Knight
firmando un contrato millonario para usar su prestigio en la venta, al escuchar sus canciones,
ya que se vendieron como pan caliente en toda Latinoamérica.
Algunas de las nuevas zapatillas Nike contienen Flywire y espuma Lunarlite para reducir el
peso. El 15 de julio de 2009, la pulsera inteligente Nike+ FuelBand fue lanzada en las tiendas.
Entre sus características se destaca la ejecución de los registros de productos a distancia, las
calorías quemadas, un registro puntual de la hora y también brinda a los corredores nuevas
rutas en línea con las cuales pueden seguir corriendo.
El 2010 Nike Pro Combat, colección de camiseta, fueron usados por los equipos de las
siguientes universidades: Miami, New York, Boise State University, Florida, Oregón State
University, Texas Christian University, Virginia Tech, Virginia Occidental, y Pittsburgh.
Fabricación
Nike tiene más de 500 lugares en todo el mundo y oficinas en 45 países fuera de Estados
Unidos. La mayoría de las fábricas están situadas en Asia, incluyendo Indonesia, China,
Taiwán, India, Tailandia, Vietnam, Pakistán, Filipinas, Malasia, y la República de Corea. Nike
no se atreve a revelar información sobre el contrato con las empresas que funciona. Sin
embargo, debido a las duras críticas por parte de algunas organizaciones como Barbie.com,
Nike ha divulgado información sobre su contrato de fábricas en su Informe de Gobierno
Corporativo.
Modelo de Nike utilizado en el 2014.

Patrocinios[editar]
Artículo principal: Anexo:Patrocinios de Nike

Nike Plus por su parte, es la alianza de la marca con Apple que permitió en 2006 el
lanzamiento de una zapatilla inteligente dotada con un sensor que se conecta con el iPod
Nano y permite conocer el rendimiento al correr. A nivel megaglobal, Nike fue responsable el
2008 de organizar la carrera con más participantes en la historia, fue el pasado 31 de agosto y
se llamó The Human Race. En ella participaron más de millón de participantes que corrieron
10 km de forma simultánea en 25 ciudades de diversos países.
Otro punto importante a destacar son, claro está, los deportistas patrocinados por la empresa.
En toda su existencia, grandes figuras han sido ícono de la “pipa”, como: Michael
Jordan, Cristiano Ronaldo, Kyrie Irving, Roger Federer, Tiger Woods, Kobe
Bryant, Ronaldinho, Manny Pacquiao, Neymar, Ronaldo, Rafael Nadal, Serena Williams, María
Sharápova, Eric Koston, Radamel Falcao, Roman Torres, Lebron James, Arturo Vidal, Juan
Martín del Potro, entre muchos otros. De igual manera, instituciones deportivas como los
equipos de fútbol: FC Barcelona, Sevilla FC, Granada Club de Fútbol, Atlético Nacional, San
Lorenzo de Almagro, Boca Juniors, Atlético de Madrid, Málaga C.F, Paris Saint-Germain, Inter
de Milán, A.S. Roma, Chelsea Football Club, Tottenham Hotspur FC, Liverpool FC, (al partir
de la temporada 2020-21), Eintracht Frankfurt, RB Leipzig, Club Alianza Lima, Club Cerro
Porteño, Club Libertad, BSC Young Boys, Zenit San Petersburgo, FC Spartak de Moscú, Rio
Ave FC, FC Shakhtar Donetsk, K.R.C. Genk, Red Bull Salzburgo, Galatasaray SK, Shanghái
Shenhua, Molde FK, SK Brann, Partizán de Belgrado, Aris Thessaloniki
FC, Corinthians, Internacional de Porto Alegre, Club América, selección de fútbol de los
Estados Unidos, Selección de fútbol de Canadá, Selección de fútbol de Australia, Selección de
fútbol de Brasil, Selección de fútbol de Francia, Selección de fútbol de Portugal, Selección de
fútbol de Inglaterra, Selección de fútbol de los Países Bajos, selección de fútbol de
Polonia, selección de fútbol de Croacia, selección de fútbol de Grecia, Selección de fútbol de
Noruega, Selección de fútbol de Eslovenia, selección de fútbol de Finlandia, Selección de
fútbol de Turquía, selección de fútbol de Corea del Sur, selección de fútbol de Arabia
Saudita, Selección de fútbol de Nigeria, selección de fútbol de Catar, Selección de fútbol de
Sudáfrica y Selección de fútbol de Chile.
Además, se ha encargado de patrocinar eventos o torneos, como la Copa Libertadores de
América, el Abierto de Tenis de Australia, el Tour de Francia, Copa América, Liga Panameña
de Baloncesto entre otros.
Sede[editar]
La sede mundial de Nike están rodeada por la ciudad de Beaverton, pero está en un radio no
incorporado del Condado de Washington (Oregón). La ciudad intentó anexionar por la fuerza a
su territorio la sede de Nike, lo que dio lugar a una demanda de Nike, y la presión de la
empresa que finalmente terminó en la Ley del Senado 887 de 2005 de Oregón. Bajo los
términos de ese proyecto de ley, le fue específicamente prohibido a Beaverton la anexión por
la fuerza la tierra que Nike y Columbia Sportswear ocupan en el condado de Washington
durante 35 años, mientras que Electro Scientific Industries y Tektronix reciben la misma
protección pero a los 30 años. Nike está planeando la construcción de su sede mundial en
Beaverton con una expansión de 3,2 millones de pies cuadrados. El diseño tendrá como
objetivo la certificación LEED Platino y estará cubierto por luz natural, y un centro de
tratamiento de aguas residuales.

Controversia[editar]
Nike ha contratado más de 700 tiendas en todo el mundo y tiene oficinas ubicadas en 45
países fuera de los Estados Unidos. La mayoría de las fábricas se encuentran en Asia,
incluyendo Indonesia, China, Taiwán, India, Tailandia, Vietnam, Pakistán, Filipinas, México y
Malasia. Nike no se atreve a revelar información acerca de las empresas contratistas que
trabaja. Sin embargo, debido a las duras críticas por parte de algunas organizaciones como
CorpWatch, Nike ha revelado información acerca de sus fábricas contratistas en el Informe de
Gobierno Corporativo.
Fábricas de explotación[editar]
Nike ha sido criticado por la contratación de fábricas (conocidas como fábricas de explotación
de Nike) en países como China, Vietnam, Indonesia y México. Labor Watch Vietnam, un grupo
de activistas, ha descubierto que las fábricas contratadas por Nike han violado las leyes de
salario mínimo y tiempo extra en Vietnam desde 1996, aunque Nike afirma que esta práctica
se ha detenido. La empresa ha sido objeto de muchas críticas: las condiciones de trabajo a
menudo son muy pobres y la explotación de mano de obra barata en el extranjero empleado
en las zonas de libre comercio , donde sus productos se fabrican típicamente. Las fuentes de
estas críticas se incluyen en el libro de Naomi Klein, No Logo y en los documentales
de Michael Moore. Hay muchas campañas hechas por muchos colegios y universidades, en
especial contra la globalización, así como varios grupos antiexplotación como el de
Estudiantes Unidos contra la Explotación.
Alegaciones de trabajo infantil[editar]
Durante la década de 1990, Nike fue objeto de críticas por el uso de Trabajo
infantil en Camboya y Pakistán en las fábricas se contrajo para la fabricación de balones de
fútbol. Aunque Nike tomó medidas para frenar o al menos reducir la práctica, siguen
contratando su producción a empresas que operan en áreas donde la regulación y la
supervisión inadecuada hacen que sea difícil asegurar que no se está utilizando trabajo
infantil.
En 2001, un documental de la BBC descubrió ocurrencias de trabajo infantil y malas
condiciones de trabajo en una fábrica de Camboya utilizado por Nike. El documental se centró
en seis niñas, que trabajaron siete días a la semana, a menudo 16 horas al día.
Huelga en la fábrica de China[editar]
En abril de 2014, una de las mayores huelgas en China continental se llevó a cabo en el Yue
Yuen Holdings Dongguan fábrica de zapatos, produciendo, entre otros, para Nike. Yue Yuen
pagó menos de 250 yuanes (40.82 dólares) por mes. El salario medio en Yue Yuen es 3000
yuanes por mes. La fábrica emplea a 70.000 personas. Esta práctica estaba vigente durante
casi 20 años.

Registro ambiental[editar]
Según la organización ambientalista Clean Air-Cool Planet, con sede en Nueva Inglaterra,
Nike figura entre las tres primeras empresas (de un total de 56) en una encuesta de empresas
amigas del clima. Nike también ha sido elogiado por su Nike Grind programa (que cierra
el ciclo de vida del producto ) por grupos como Climate Counts. Una campaña que comenzó
Nike para el Día de la Tierra 2008 fue un comercial que contó con la estrella de
baloncesto Steve Nash que llevaba zapatos de Nike reciclados, que habían sido construidos
en febrero de 2008 a partir de piezas de cuero y piel sintética de residuos de pisos de la
fábrica. El zapato reciclado también ofreció una suela compuesta del caucho ground-up de un
programa del reciclaje del zapato. Nike afirma que este es el primer zapato de baloncesto de
rendimiento que se ha creado a partir de residuos de fabricación, pero solo produjo 5.000
pares para la venta.
Otro proyecto que Nike ha comenzado es el programa Nike Reuse-A-Shoe. Este programa,
iniciado en 1993, es el programa más largo de Nike que beneficia tanto al medio ambiente
como a la comunidad coleccionando zapatos viejos de cualquier tipo para procesarlos y
reciclarlos. El material que se produce a continuación, se utiliza para ayudar a crear
superficies deportivas, tales como canchas de baloncesto, pistas de carreras y juegos
infantiles.
Un proyecto a través de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill encontró
trabajadores que fueron expuestos a tóxicos isocianatos y otras sustancias químicas en las
fábricas de calzado en Tailandia . Además de la inhalación, la exposición dérmica fue el mayor
problema encontrado. Esto podría resultar en reacciones alérgicas incluyendo reacciones
asmáticas.

Notas[editar]
1. ↑ En Estados Unidos, y de forma oficial, se pronuncia AFI: [ˈnaɪki]. En otros países de habla
inglesa, está extendida la pronunciación AFI: ['naɪk].23

Referencias[editar]
1. ↑ «Nike, Inc. Reports Fiscal 2013 Fourth Quarter and Full Year». Transworld Business (en
inglés). 2013. Archivado desde el original el 19 de abril de 2014. Consultado el 2 de julio de
2014.
2. ↑ Collins, Paul (29 de mayo de 2014). «Nike IS pronounced Nikey, chairman of shoe giant
finally confirms». Daily Mail. Consultado el 29 de mayo de 2014.
3. ↑ Jeffries, Stuart (3 de junio de 2014). «It's official: Nike rhymes with spiky - and you're saying
all these wrong too | Global | The Guardian». The Guardian (en inglés). Consultado el 11 de
mayo de 2016.
4. ↑ GARCÍA, Modesto. «Nike, la historia del logo más famoso del mundo». Brandemia_.
5. ↑ «Nike profit up but shares tumble on U.S. concerns» (en inglés). Reuters UK. 26 de junio de
2008. Archivado desde el original el 1 de febrero de 2014. Consultado el 22 de enero de 2014.
6. ↑ J. SCHWARTZ, Peter (2 de marzo de 2010). «The World's Top Sports Brands» (en inglés).
Forbes.
7. ↑ «About Nike, Inc.» (en inglés). Nike, Inc.
8. ↑ >«Nike CR7». Nike, Inc.
9. ↑ THE CANADIAN PRESS (21 de febrero de 2008). «Nike sells Bauer Hockey for $200 million» (en
inglés). TSN.ca. Archivado desde el original el 25 de febrero de 2008.
10. ↑ CRIVELLINI, Juan. «El origen del nombre y del logo de Nike». Sobre curiosidades.
11. ↑ «Company Overview : History : 1970s». Nikebiz. Archivado desde el original el 28 de febrero
de 2010. Consultado el 4 de marzo de 2010.
12. ↑ «Nike's 'Just Do It' slogan celebrates 20 years | Oregon Business News». OregonLive.com.
18 de julio de 2008. Consultado el 4 de marzo de 2010.
13. ↑ Peters, Jeremy W. (19 de agosto de 2009). «The Birth of 'Just Do It' and Other Magic
Words». The New York Times. Consultado el 30 de septiembre de 2009.
14. ↑ [1]

Enlaces externos[editar]

 Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Nike.


 Página oficial de Nike

Proyectos Wikimedia

Datos: Q483915

Multimedia: Nike, Inc.

dentificadores

WorldCat

VIAF: 137244892

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Diccionarios y enciclopedias

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Categorías:
 Empresas cotizadas en la Bolsa de Nueva York
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 Empresas textiles de Estados Unidos
 Marcas de indumentaria deportiva
 Marcas de calzado
 Fabricantes de indumentaria deportiva de Estados Unidos

Jumbo Elliott (fútbol americano)


Missing in español

 Automatic translation
 Contribute
John Stuart "Jumbo" Elliott (nacido el 1 de abril de 1965) es un jugador de fútbol
americano retirado .
John Elliott

No 76

Posición: Tackle ofensivo

Informacion personal

Nacido: 1 de abril de 1965 (54 años)


Lago Ronkonkoma, Nueva York

Altura: 6 pies 7 pulgadas (2.01 m)

Peso: 308 libras (140 kg)

Información de carrera

Escuela secundaria: Sachem (NY)

Universidad: Michigan

Draft de la NFL: 1988 / Ronda: 2 / Selección: 36

Historia de Carreras

 Gigantes de Nueva York ( 1988 - 1995 )


 Jets de Nueva York ( 1996 - 2000 ; 2002 )

Aspectos destacados y premios de carrera

 2 × Primer equipo All-American ( 1985 , 1986 )


 Campeón del Super Bowl ( XXV )
 Pro Bowl ( 1993 )

Estadísticas de la NFL profesional

Juegos 197
jugados:
Juegos 156
comenzados:

Estadísticas de jugadores en NFL.com

Estadísticas de jugadores en PFR


Elliott jugó 14 años como tackle ofensivo en la Liga Nacional de Fútbol (NFL) con
los Gigantes de Nueva York de 1988 a 1995 y los Jets de Nueva York de 1996 a 2000 y
2002. Apareció en 197 juegos de la NFL, incluidos 156 como titular. Fue un jugador clave
en el equipo de los New York Giants de 1990 que ganó el Super Bowl XXV , recibió
honores de All-Madden en 1990 y 1991, y fue seleccionado para jugar en el Pro Bowl de
1993 . Su momento característico llegó en octubre de 2000, cuando atrapó el pase de
anotación en el juego conocido como " Monday Night Miracle ".
Elliott jugó fútbol americano universitario como tackle ofensivo para la Universidad de
Michigan de 1984 a 1987. Comenzó 45 juegos para Michigan y fue seleccionado dos veces
como el primer equipo All-American, recibiendo esos honores en 1986 y 1987 . Fue un All-
American de consenso en 1987. Fue el tackle izquierdo inicial en el equipo de fútbol de los
Wolverines de Michigan de 1985 que compiló un récord de 10-1-1, superó a los oponentes
342-98 y ocupó el puesto número 2 en la encuesta AP final.
Contenido

Primeros años
Elliott nació en el lago Ronkonkoma, Nueva York , en 1965. Asistió a Sachem High
School en Long Island . [1] Jugó al fútbol en Sachem High School, fue seleccionado para el
equipo estelar del New York Daily News , la escuela retiró su número en 1989 y fue
incluido en el Sachem Athletic Hall of Fame en 2003. [2]
Universidad de Michigan
Elliott se inscribió en la Universidad de Michigan en 1983 como estudiante de primer año
de seis pies, siete pulgadas y 280 libras. [3] Jugó fútbol americano universitario como tackle
ofensivo para los equipos de fútbol de los Wolverines de Michigan del entrenador en
jefe Bo Schembechler de 1984 a 1987, creciendo a 306 libras en su tercer año. [3] Fue un
titular de cuatro años en la línea ofensiva de Michigan, comenzando 10 juegos en el tackle
izquierdo en 1984, [4] 11 juegos en el tackle izquierdo en 1985, [5] 12 juegos en el tackle
derecho en 1986, [6] y 12 juegos en el tackle derecho en 1987. [7] El equipo de Michigan de
1985 compiló un récord de 10-1-1, superó a los oponentes 342-98 y ocupó el puesto
número 2 en la encuesta AP final. [5]
Se hizo conocido por su bloqueo dominante, registrando 11.5 bloques de panqueques en
dos juegos a principios de la temporada de 1986. [8] Fue seleccionado como tackle ofensivo
del primer equipo en los equipos de College Football All-America de 1986 y 1987 . [9] En
1987, fue un consenso All-American, [10] recibió honores del primer equipo de United Press
International , Walter Camp Football Foundation , American Football Coaches
Association y Football Writers Association of America . [9]
Carrera profesional
Gigantes de Nueva York
Elliott fue seleccionado por los Gigantes de Nueva York en la segunda ronda (36ª selección
general) del Draft de la NFL de 1988 . [1] Pasó ocho temporadas con los Gigantes de 1988 a
1995. Apareció en el juego 112 para los Gigantes, 98 de ellos como el tackle izquierdo
inicial del equipo. [1] Elliott se perdió ocho juegos por lesión a mediados de la temporada
de 1990, con el equipo promediando 149.9 yardas por tierra con él y 111.8 yardas por tierra
sin él. [11] Con Elliott nuevamente en la alineación, los Gigantes de 1990 vencieron a
los Buffalo Bills en el Super Bowl XXV . El trabajo de Elliott contra el ala defensiva de
Buffalo, Bruce Smith , que permite a los Gigantes correr para 172 yardas, ha sido descrito
como "una de las claves inadvertidas para la victoria de los Gigantes en el Super Bowl de
1991". [12] Recibió honores All-Madden en 1990 y 1991 . [13] También fue seleccionado
para jugar en el Pro Bowl de 1993 , pero no jugó debido a una lesión en la espalda. [13]
Jets de Nueva York
En febrero de 1996, Elliott se había convertido en agente libre y firmó un contrato de cinco
años con los Jets de Nueva York que, según los informes, valía entre $ 15 millones y $ 16
millones. [14] Apareció en 85 juegos para los Jets, 58 de ellos como el tackle izquierdo
inicial de los Jets, de 1996 a 2000 y nuevamente en 2002. [1] Elliott ayudó a cambiar a los
Jets, de un final de 1-15 en 1996 al Campeonato de la AFC en 1998 . [2]
El "momento característico" de Elliott [15] ocurrió en un partido de fútbol el lunes por la
noche el 23 de octubre de 2000. Al final del último cuarto, los Jets perdieron por siete
puntos a los Miami Dolphins cuando Elliott atrapó su único pase de carrera, [1] por Vinny
Testaverde , para un touchdown para empatar el juego 37–37. Esta jugada marcó el final
del regreso de los Jets de estar abajo por 23 puntos en el último cuarto. Los Jets ganaron
40–37 en tiempo extra. [16] [17] El juego se ha conocido como el " Monday Night
Miracle ". [15]
Elliott fue lanzado por los Jets en julio de 2001 [18] y no jugó durante la temporada 2001 de
la NFL . [1] Regresó al año siguiente y apareció en 16 juegos, ninguno como titular, durante
la temporada 2002 de los New York Jets . [1]
En 14 temporadas de la NFL, Elliott apareció en 197 juegos, incluyendo 156
como titular en el tackle izquierdo. [1]
Años posteriores
Después de retirarse del fútbol, Elliott regresó a Long Island . Fue incluido en el Salón de la
fama del deporte de Suffolk en la categoría de fútbol con la clase de 1993.
En 2004, entró en un acuerdo de desarrollo para abrir tres tiendas Dunkin 'Donuts . [19] A
partir de 2010, era dueño de dos tiendas Dunkin 'Donuts cerca de su casa en Long Island.
Universidad Villanova
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Villanova University
Universidad Villanova

Sobrenombre Gatos salvajes

Lema Veritas, Unitas, Caritas

Tipo Privada

Fundación 1842

Localización

Dirección 800 Lancaster Avenue · Villanova, PA 19085


Radnor, Pensilvania,, Estados Unidos
40°02′16″N 75°20′15″OCoordenadas:
Coordenadas
40°02′16″N 75°20′15″O (mapa)

Administración

Rector/a Peter M. Donohue, O.S.A.

Academia

Estudiantes 9.500

• Pregrado 6.300

• Posgrado 3.200

Colores
Azul Pantone 281 y Blanco
académicos

Colores Azul oscuro (Pantone 281), azul claro


deportivos (Pantone 298), y blanco

Sitio web

http://www.villanova.edu

[editar datos en Wikidata]

La Universidad Villanova (en idioma inglés y oficialmente Villanova University) es


una universidad privada, católica, perteneciente a la Orden de San Agustín, que se ubica
en Radnor Township, un suburbio al noroeste de Filadelfia, Condado de
Delaware, Pensilvania, Estados Unidos. Su nombre fue puesto en honor a Santo Tomás de
Villanueva, escritor y Arzobispo de Valencia en el siglo XVI. Fundada en 1842, es la
universidad católica más antigua de ese estado.
Sus orígenes se encuentran en la antigua Iglesia de San Agustín de Filadelfia (1796), así
como en su escuela parroquial, la Academia San Agustín (1811).
Por más de una década, ha encabezado un ranking sobre másters universitarios de la revista
estadounidense U.S. News & World Report.

Índice

 1Historia
 2Vida estudiantil
 3Deportes
 4Enlaces externos

Historia[editar]
En octubre de 1841, los Padres Thomas Kyle y Patrick Moriarty, dos Agustinos de la iglesia de
San Agustín, en Filadelfia, adquirieron “Belle Air”, en el municipio de Radnor, con la intención
de fundar un colegio. La finca era propiedad de la familia Rudolph, feligreses de San Agustín,
que se la vendieron por un precio inferior al de mercado. Se trataba de unos 200 acres de
tierra, y sobre ellos se fundó el “Colegio Agustino Villanova”, en honor de su Patrón, el Santo
Agustino español Tomás de Villanueva, para convertirse posteriormente en la actual
universidad.

Vida estudiantil[editar]
El periódico universitario se llama Villanovan, y tiene una tirada de unos 6.500 ejemplares.
Otra publicación estudiantil, el bisemanal Villanova Times, vende 4.000 ejemplares.

Deportes[editar]
Artículo principal: Villanova Wildcats

Villanova participa en la División I de la NCAA, donde compite en la Big East Conference en


todos los deportes, excepto en Fútbol americano, que lo hace en la Atlantic Ten Conference, y
en Lacrosse femenino, que compite en la Patriot League. Mantiene una rivalidad deportiva
histórica con otras cuatro universidades de Filadelfia, la Universidad de Pensilvania,
la Universidad de Saint Joseph's, la Universidad de Temple, y la Universidad de La Salle, en lo
que se conoce como la liga de las cinco grandes (Philadelphia Big 5). Sus títulos más
importantes conseguidos hasta la fecha han sido los campeonatos nacionales
de Baloncesto masculino, logrados en 1985, 2016 y 2018 pero tiene 15 campeonatos
nacionales mas, en Campo a través (4 campeonatos nacionales masculinos y 7 femeninos) y
en Atletismo (3 campeonatos nacionales en pista cubierta y 1 al aire libre, todos ellos en
categoría masculina).

Enlaces externos[editar]
 Sitio web oficial

Proyectos Wikimedia

Datos: Q1466001

Multimedia: Villanova University

dentificadores

WorldCat

VIAF: 143964957

SNI: 0000 0001 0381 6134

GND: 1029982-8

LCCN: no2007129027

Diccionarios y enciclopedias
Britannica: url
Categorías:
 Universidad Villanova
 Centros Educativos Agustinos
 Localidades del condado de Delaware (Pensilvania)

Eugene (Oregón)
Ir a la navegaciónIr a la búsqueda

Eugene

Ciudad

Panorama de Eugene.

Eugene

Localización de Eugene en Oregón


Ubicación de Oregón en Estados Unidos

44°03′07″N 123°05′08″OCoordenadas:
Coordenadas
44°03′07″N 123°05′08″O (mapa)

Entidad Ciudad

• País Estados Unidos


• Estado Oregón
• Condado Lane

Fundación 1846

Superficie
• Total 113.29 km²
• Tierra 113,23 km²
• Agua 0,05 km²

Altitud
• Media 131.1 y 430 m s. n. m.

Población (1
de abril de
2010)
• Total 156 185 hab.
• Densidad 1379,3 hab/km²

Huso horario UTC−8 y Tiempo del Pacífico

• en verano UTC-7

Código ZIP 97401–97405, 97408 y 97440

Código de 541
área

GNIS 11205271

Sitio web oficial


[editar datos en Wikidata]

Eugene es la segunda ciudad más grande del estado de Oregón y es la sede del
condado de Lane. La ciudad está situada al sur del valle Willamette y a 86 km al este
del océano Pacífico. En 2008 Eugene tenía una población de 154 620 habitantes. En el centro
de la ciudad se encuentra la Universidad de Oregón.

Índice

 1Historia
 2Geografía
 3Ciudades hermanas
 4Véase también
 5Referencias
 6Enlaces externos

Historia[editar]
El nombre de la ciudad viene de su fundador, Eugene Franklin Skinner, quien construyó la
primera cabaña en el área. El edificio era utilizado como un mercado fronterizo y una oficina
de correos después de que Skinner obtuviera la autorización 8 de enero de 1850. Durante
estos años el asentamiento se llamaba Skinner's Mudhole (El Hoyo de Lodo de Skinner).2
Doce años después, en 1862, Skinner estableció el pueblo de Eugene y dirigía
un transbordador en el río Willamette donde hoy se encuentra el puente de la calle Ferry.
En Eugene se celebrará el décimo octavo Campeonato Mundial de Atletismo en 2021, que
tendrán lugar en el estadio Hayward Field.

Geografía[editar]
Según la Oficina del Censo de los Estados Unidos, Eugene tiene una superficie total de
113.29 km², de la cual 113.23 km² corresponden a tierra firme y 0.5 km² es agua.3

Ciudades hermanas[editar]
Las ciudades hermanas de Eugene son:

 Katmandú, Nepal
 Irkutsk, Rusia
 Kakegawa, Japón
 Jinju, Corea del Sur4

Véase también[editar]
 Arboreto Mount Pisgah
Categorías:
 Ciudades de Oregón
 Localidades del condado de Lane (Oregón)
Ian Schrager
Missing in español

 Automatic translation
 Contribute
Ian Schrager (nacido el 19 de julio de 1946) es un empresario estadounidense, hotelero y
desarrollador de bienes raíces , a menudo asociado con la co-creación de la categoría de
alojamiento " hotel boutique ". [1] Originalmente, ganó fama como copropietario y
cofundador de Studio 54 .
Ian Schrager
Nacido 19 de julio de 1946 (73 años)
Nueva York , Nueva York , Estados
Unidos

Ocupación Empresario

Esposos) Rita Noroña (divorciada)


Tania Wahlstedt

Niños Con Noroña:


--Sophia Schrager
--Ava Schrager
Con Wahlstedt:
--Louis Schrager

Sitio web La compañía Ian Schrager

Contenido

Vida temprana y educación


Schrager creció en una familia judía en Brooklyn . [2] [3] Su padre Louis era dueño de una
fábrica en Long Branch, Nueva Jersey , que fabricaba abrigos para mujeres [4] y murió
cuando Schrager tenía 19 años. Su madre, Blanche, murió cuando tenía 23 años. [3] En
1968, se graduó de la Universidad de Syracuse con un BA y luego obtuvo un JD de la
Facultad de Derecho de la Universidad de St. John en 1971. [4] Mientras estaba en
Syracuse, fue miembro y eventual presidente de la fraternidad Sigma Alpha Mu . Fue a
través de esta fraternidad que conoció a su hermano Steve Rubell , con quien
eventualmente entraría en el negocio. [5]
A principios de la década de 1970, Schrager con Steve Rubell y Jon Addison compraron 15
Lansdowne Street en Boston para una discoteca (la antigua The Ark , luego Boston Tea
Party ). [6] [7] [8]
En diciembre de 1975, después de practicar leyes durante tres años, Schrager se asoció con
Rubell para abrir Enchanted Garden, una discoteca en Douglaston, Queens. [9] Al ver el
éxito de Enchanted Garden, Schrager y Rubell decidieron abrir una discoteca
en Manhattan . Firmaron el contrato de arrendamiento de Studio 54 en enero de 1977, y seis
semanas después, se abrió. [10]
Carrera
Studio 54 era
Artículo principal: Studio 54
En enero de 1977, Schrager y Rubell firmaron el contrato de arrendamiento de Studio 54 ,
alquilando un espacio que originalmente había sido la Gallo Opera House y que sirvió por
última vez como un estudio de CBS. Se basaron en la infraestructura teatral existente del
lugar para cambiar la apariencia del club constantemente, creando escenarios emocionantes
que transformaron el espacio. Varias veces cada noche, reinventaron drásticamente el
entorno, el tamaño y el diseño de Studio 54. [11] A menudo organizaron fiestas temáticas
especiales de "una sola noche", para las cuales el club se sometió a una metamorfosis
completa con conjuntos intrincados y arte de performance. [ cita requerida ]
En diciembre de 1978, Studio 54 fue allanado después de que Rubell hubiera sido citado
diciendo que solo la mafia ganaba más dinero del que traía el club. En junio de 1979,
Rubell y Schrager fueron acusados de evasión de impuestos , obstrucción de la
justicia y conspiración por supuestamente robar casi $ 2.5 millones en ingresos no
reportados de los recibos del club, en un sistema que Rubell llamó "ingreso de efectivo,
retiro de efectivo y descremado". Los informes policiales indican que el efectivo y los
recibos estaban en el edificio y estaban escondidos en las secciones del techo de la oficina
de Rubell, donde trabajaban él y Schrager.
Una segunda redada ocurrió en diciembre de 1979. La pareja contrató a Roy Cohn para
defenderlos, pero el 18 de enero de 1980 fueron sentenciados a tres años y medio de prisión
y una multa de $ 20,000 cada uno por el cargo de evasión de impuestos. El 4 de febrero de
1980, Rubell y Schrager fueron a prisión, y Studio 54 fue vendido en noviembre de ese año
por $ 4.75 millones. El 30 de enero de 1981, Rubell y Schrager fueron liberados de la
prisión a un centro de rehabilitación durante dos meses y medio.
El 17 de enero de 2017, Schrager recibió un perdón total e incondicional del
presidente Barack Obama . [12]
Paladio
Después de Studio 54, Schrager y Rubell abrieron su próximo club nocturno, Palladium , en
el antiguo edificio de la Academia de Música de la ciudad de Nueva York. Alistaron al
arquitecto japonés de renombre mundial Arata Isozaki para reimaginar el antiguo auditorio
en un club nocturno, manteniendo la integridad del espacio. El paladio fue el primero de su
tipo en que el arte fue el punto focal de la experiencia del club. Colaboró con los
artistas Francesco Clemente , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , Kenny
Scharf y Keith Haring para crear un ambiente curado. Las grandes instalaciones de video
que bordean la pista de baile eran "innegablemente poderosas" como parte del arte y la
arquitectura; Durante toda la noche, se presentaron múltiples instalaciones dinámicas a
medida que las pantallas se elevaban y bajaban como piezas de un escenario. [13] Schrager
reconoció el poder que la gran arquitectura tenía para influir en un entorno; trabajar con
Arata fue solo el comienzo de su aventura en la arquitectura. Desde entonces, ha trabajado
con arquitectos, artistas y diseñadores como Philippe Starck , Herzog & de Meuron ,
Andree Putnam, Julian Schnabel y John Pawson , por nombrar algunos. [11]
Morgans Hotel Group
En la década de 1980, Schrager y su socio comercial Rubell dirigieron su atención a los
hoteles y descubrieron que su "impulso", sus agudos instintos para el estado de ánimo y la
sensación de la cultura popular les dieron una perspectiva única que les permitiría impactar
significativamente en la industria hotelera. como habían hecho con la vida nocturna. Su
primer hotel, Morgans, abrió en 1984 y fue un éxito instantáneo, presentando el concepto
de un hotel boutique de estilo de vida al mundo. [11] Tras el éxito de Morgans, abrieron el
bien recibido y altamente exitoso Royalton Hotel y Paramount Hotel , ambos diseñados por
Starck. Con estas propiedades, Schrager introdujo la "socialización del lobby", mediante la
cual el lobby del hotel se convirtió en un nuevo tipo de lugar de reunión para los huéspedes
del hotel y los residentes de la ciudad de Nueva York, y "chic barato", donde se ofrecía lujo
asequible en un ambiente elegante y sofisticado. [14]
A Schrager también se le atribuye la invención del concepto de "resort urbano" con
su Delano Hotel en Miami y Mondrian Hotel en West Hollywood , también diseñado por
Starck. Estos fueron seguidos por el Hudson Hotel en Nueva York, donde se dio cuenta
plenamente de su concepto de "hotel como estilo de vida", que continuó refinando,
expandiéndose a ciudades como San Francisco con Clift Hotel y Londres con St. Martins
Lane Hotel y Sanderson Hotel , todos los cuales fueron diseñados por el prolífico
Starck. [14] Schrager se quedó en el negocio hotelero y se fue solo después de perder a su
compañero Steve Rubell, quien murió de exposición temprana al SIDA el 25 de julio de
1989. [15]
Ian Schrager Company
En 2005, Schrager vendió Morgans Hotel Group , una compañía que fundó, para crear Ian
Schrager Company, que posee, desarrolla y administra hoteles, proyectos residenciales y de
uso mixto. Desde entonces, ha colaborado con Julian Schnabel para transformar
el Gramercy Park Hotel en la ciudad de Nueva York (que ya no posee). Schrager también
ha construido dos propiedades residenciales: 40 Bond y 50 Gramercy Park North. 40 Bond
fue diseñado por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron como su primer proyecto
residencial en América. [dieciséis]
Schrager tiene una nueva marca de hotel, Public. [17] Schrager's Public Hotel Chicago abrió
sus puertas en 2011. Fue el primer proyecto nuevo de Schrager como hotelero
independiente desde 2005, después de vender Morgans Hotel Group. Más tarde, Schrager
vendió el hotel de Chicago en 2016 a Gaw Capital Partners, con sede en Hong Kong. [18] El
7 de junio de 2017, Schrager abrió el Public Hotel New York de 367 habitaciones, en 215
Chrystie Street, en el distrito de Bowery. Public Hotel New York afirma tener el wi-fi de
hotel más rápido en la ciudad de Nueva York, que es gratis. [19] La idea detrás de Public
New York es "lujo para todos", cobrando una tarifa económica por calidad y servicio. [20]
La última empresa de Schrager es Edition Hotels, una asociación con Marriott
International , con la intención de crear una nueva marca de hotel con alrededor de 100
propiedades ubicadas en ciudades de América del Norte y América del Sur, Europa y
Asia. [21] Edition cuenta actualmente con cuatro hoteles ubicados en Londres, Miami
Beach , Nueva York y Sanya (China). [22] Según su sitio web, se abrirán nuevos hoteles en
Bangkok, Gurgaon , Abu Dhabi, Shanghai, Barcelona, Times Square - Nueva York, West
Hollywood - Los Ángeles, Tampa - Florida , Reykjavik, Bali, Dubai y Singapur . [23]
Vida personal
Schrager se casó con Rita Noroña, una bailarina de ballet cubana , en el Día de San
Valentín en 1994. [24] Tienen dos hijas, Sophia y Ava. [3] [25]
El 15 de noviembre de 2008, se casó con Tania Wahlstedt (née Garcia-Stefanovich), una ex
bailarina del New York City Ballet . Ella tiene dos hijas, Amanda y Lili Wahlstedt, de un
matrimonio anterior. [4] Tienen un hijo, Louis. Schrager tiene una casa de $ 20 millones
en Southampton, Nueva York . [26]
Ver también
 Bill Marriott

Powell's Books
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Powell's Books

Entrada de Powell’s en la esquina de NW 10th Ave. y W Burnside St.

Tipo negocio y librería

Industria Venta de libros

Fundación 1971

Fundador(es) Walter Powell

Sede Portland, Oregón


1005 W Burnside

Personas Emily Powell


clave
Productos Libros nuevos, usados y raros; libros
electrónicos (incluyendo Google eBooks);1 revistas,
tarjetas y otros2

Ingresos $45 millones (en 2009)3

Empleados 5002

Matriz Powell’s City of Books

Filiales 6 (incluyendo dos librerías especializadas)4

Coordenadas 45°31′23″N 122°40′52″O

Sitio web http://www.powells.com/

[editar datos en Wikidata]

Powell’s Books es una cadena de librerías en Portland, Oregón, y el área metropolitana


circundante. La compañía afirma que la casa central de Powell’s, llamada Powell’s City of
Books, es la librería independiente más grande del mundo, tanto de libros nuevos como
usados.5 Powell’s City of Books se encuentra en el distrito Pearl, al borde del centro de la
ciudad, y ocupa una manzana completa entre las calles NW 10th Ave. y NW 11th Ave., y entre
la calle NW Couch St. y la avenida W Burnside St. Tiene una superficie de más de 6300 m²,
cerca de 1,6 hectáreas de espacio comercial.
Cuenta con más de cuatro millones de libros nuevos, usados, raros y agotados, a la venta en
sus librerías y en línea.6 Powell’s compra alrededor de 3000 libros usados por día.5

Índice

 1Historia
o 1.1Siglo XX
o 1.2Siglo XXI
o 1.3Relaciones laborales
 2Lista de sucursales
 3Referencias
 4Enlaces externos

Historia[editar]
Siglo XX[editar]
Powell’s fue fundada por Walter Powell en 1971. Su hijo, Michael Powell, había comenzado
una librería en Chicago, Illinois, en 1970, especializada en libros usados, raros y a precio
reducido, principalmente de carácter académico y erudito. En 1979, Michael Powell se unió a
su padre en Portland, justo después de que a su padre no se le renovara el contrato de
alquiler; en un año encontraron el lugar que se convirtió en su sede actual.2 Walter Powell
vendió la librería a su hijo en 1982.7
En 1984 89 Powell’s abrió su primera sucursal en un centro comercial suburbano llamado
Loehmann's Plaza 9 (más tarde rebautizado Cascade Plaza), cerca del centro comercial
Washington Square. La nueva sucursal no era una réplica de City of Books; a Powell lo
preocupaba que el barrio "en transición" de la casa central limitara su clientela, por lo que la
nueva tienda fue "bastante lujosa", con estanterías blancas, suelo de cerámica y carteles
colgantes en los pasillos.2 Además, era cuatro veces más grande que la típica librería de una
cadena.7
Una sucursal que vendía libros de viajes abrió en 1985 en la plaza Pioneer Courthouse
Square; otras sucursales le siguieron, una por año durante los siguientes años.2 A principios
de los noventa, las librerías de Powell’s fueron parte del resurgimiento de la librería
independiente, que en conjunto representaba el 32% de las ventas de libros en los Estados
Unidos.7 La tienda de libros de viajes cerró en 2005.10

Entrada de Powell’s en la esquina de NW 11th Ave. y NW Couch St., donde aparece la “Columna de los
libros"

En 1993 Powell’s estableció su presencia en la Internet, que inicialmente solo incluía correo
electrónico y acceso a su librería técnica a través del servicio FTP; desde entonces esa
presencia en línea ha crecido y, al ser ahora un sitio de comercio electrónico tradicional,
ofrece también libros de ficción y otros géneros.11 Su sitio web fue creado en 1994, antes de la
aparición de Amazon.com, y ha contribuido sustancialmente al crecimiento reciente de la
cadena.12
City of Books creció hasta su tamaño actual después de una expansión; la nueva sección
abrió sus puertas en 1999. Incluía una nueva entrada (que daba al distrito Pearl) donde
aparecía la “Columna de los libros", un pilar de piedra arenisca tallado que representa una pila
de ocho de los grandes libros del mundo sobre una base con la inscripción "Compre el libro,
lea el libro, disfrute el libro, venda el libro" en latín.7 En el año fiscal que finalizó en junio de
2000, los ingresos de Powell fueron de 41,8 millones de dólares.7
Siglo XXI[editar]
En 2002, el periódico USA Today mencionó a Powell’s como una de las 10 mejores librerías
de los Estados Unidos.13
Desde 2005, su sitio web también ha ofrecido DVDs con envío gratis; el catálogo cuenta con
más de 40 000 títulos.[cita requerida]
En enero de 2008, Powell’s anunció planes para ampliar City of Books, en el centro de la
ciudad, añadiendo hasta dos pisos en la esquina sureste del edificio. La expansión añadirá al
menos 930 m² de nuevo espacio comercial.141516 En los planes presentados a la Portland
Design Commission [Comisión de Diseño Urbano de Portland] en noviembre de 2008 se
incluía un jardín en la azotea encima de la nueva ampliación y un "cubo de arte" sobre la
entrada principal, a ser rediseñada.17

Powell's Technical Books en su emplazamiento original en la zona North Park Blocks (cerrada en 2010)

En marzo de 2010, Michael Powell confirmó sus planes de transferir la empresa a su hija
Emily en julio.2 Ese mismo mes, Powell anunció que cerraría su librería especializada en libros
técnicos ubicada en la zona North Park Blocks, y trasladaría sus secciones de matemáticas,
ciencia, informática, ingeniería, construcción y transporte a "Powell’s Books Building 2", en la
esquina de NW 10th Ave. y Couch St., cerca de City of Books, la sede principal; la
consolidación fue en respuesta a la caída en las ventas (durante cinco años) de libros técnicos
en tiendas en favor de las ventas en línea.3
En octubre de 2010, Powell’s anunció que había comprado 7000 libros de la biblioteca de la
escritora Anne Rice; Powell ofrece estas copias firmadas por la autora en su sitio web.18 Se
reveló que la librería era miembro fundador del servicio Google eBooks cuando Google
anunció la noticia el 6 de diciembre de 2010.1
En junio de 2011, Powell’s participó en Google Offers durante el primer mes de operación del
servicio; de acuerdo a TechCrunch, que caracteriza a Powell’s como una "institución de
Portland", "5000 cupones de Powell’s se agotaron en cuestión de horas", por lo que fue "la
oferta más popular del mes".19
A partir de mayo de 2012,20 Powell’s comenzó a ofrecer la posibilidad de imprimir libros a
pedido usando la Espresso Book Machine instalada en su casa central.2122
Relaciones laborales[editar]
En 1991, tras unos despidos después de las fiestas, algunos de los empleados de Powell’s
formaron un comité organizador con el objetivo de unirse al Oregon Public Employees Union
(OPEU) [Sindicato de Empleados Públicos de Oregón]. Lograron que más del 35% de los
trabajadores firmaran tarjetas de afiliación sindical, pero optaron por no solicitar una elección
para obtener la certificación sindical ya que menos del 65% había firmado (65% era el
porcentaje mínimo sugerido por el OPEU).23 En respuesta a los problemas identificados por el
comité organizador, Powell’s actualizó y amplió su manual del empleado en abril de 1992, con
cambios que afectaban los procesos para presentación de quejas y resolución de conflictos, el
procedimiento de despido y período de prueba, y la asistencia a empleados, entre otras
modificaciones.
En septiembre de 1998, un correo electrónico de los gerentes de Powell’s que anunciaba
reducciones en el aumento de salarios de los empleados llevó a la creación de un nuevo
comité organizador de 26 trabajadores. Eligieron el International Longshore and Warehouse
Union (ILWU) [Sindicato Internacional de Estibadores y Empleados de Almacenes] porque
podrían crear un sindicato local autogobernado; este incluiría a unos 350 empleados que
trabajaban en una variedad de puestos en todas las librerías así como en los departamentos
de Internet, administración y envíos de la empresa. En marzo de 1999 solicitaron una elección
para obtener la certificación sindical a la National Labor Relations Board [Junta Nacional de
Relaciones del Trabajo]. Un mes más tarde, con 161 votos a favor y 155 en contra, se
oficializó la ILWU Local 5 [Sección 5 del Sindicato Internacional de Estibadores y Empleados
de Almacenes].23
En septiembre de 1999, ILWU Local 5 se reunió por primera vez con la gerencia de Powell’s
para iniciar el proceso de negociación del contrato. Después de algunos éxitos iniciales, en el
año 2000 se observó una desaceleración en las discusiones, seguida de mítines, la denuncia
de prácticas laborales injustas, una campaña para revocar la certificación (que no tuvo éxito),
el cierre del departamento de envíos por un día (el mismo día que alguien dañó el neumático
de una furgoneta), y mediación federal. Finalmente, en agosto de 2000 se anunció un contrato
de tres años.23
En febrero de 2011, Powell’s anunció el despido de 31 empleados, más del 7% de su fuerza
de trabajo sindicalizada, en "respuesta a la transformación veloz, sin precedentes, del campo
del libro". Fue la primera ronda de despidos desde que los trabajadores formaran un sindicato.
Un representante de este dijo que el año anterior Powell’s había reducido su plantilla en 40
personas a través de la eliminación natural de puestos (jubilaciones, renuncias, etc.), pero la
compañía consideraba que los despidos eran necesarios debido a una caída en las ventas de
libros nuevos y al aumento en los costos del seguro médico.24

Lista de sucursales[editar]

Powell's Books en el centro comercial Cedar Hills Crossing

Además de "City of Books", su casa central, Powell's Books también tiene varias librerías más
pequeñas:

 una librería general (cuya superficie es de 3,020 m²) con la "sección más grande de libros
infantiles de cualquier librería en la costa oeste",[cita requerida] ubicada en el centro comercial
Cedar Hills Crossing, en Beaverton; abrió sus puertas en noviembre de 2006, en
reemplazo de la librería cerca de Washington Square, a la que doblaba en tamaño y que
tenía 22 años de antigüedad;8
 otra librería general en el distrito Hawthorne de Portland;
 una tienda con materiales de cocina y jardinería, al este de la anterior y separada de esta
por dos espacios;
 libros técnicos (computadoras, matemáticas, ingeniería y ciencia) en "Powell’s Books
Building 2", en la esquina de NW 10th Ave. y Couch St.; y
 tres tiendas en el Aeropuerto Internacional de Portland que venden best sellers de ficción
y no ficción, libros usados de buena calidad, juegos, juguetes y regalos.25

Referencias[editar]
1. ↑ Saltar a:a b «Discover more than 3 million Google eBooks from your choice of booksellers and
devices». Official blog. Google. 6 de diciembre de 2010. Consultado el 6 de diciembre de 2010.
2. ↑ Saltar a:a b c d e f Inside Indie Bookstores: Powell’s Books in Portland, Oregon de la edición de
marzo/abril de Poets & Writers Magazine
3. ↑ Saltar a:a b «Powell's to move Tech Store». Portland Business Journal. 4 de marzo de 2010.
Consultado el 7 de diciembre de 2010.
4. ↑ The History of Powell's Books del sitio web de la compañía
5. ↑ Saltar a:a b «Powell's Books on Burnside». Powell's City of Books. Archivado desde el
originalel 26 de marzo de 2009. Consultado el 12 de marzo de 2009.
6. ↑ «Internet Retailer Best of the Web 2006». Internet Retailer. Archivado desde el original el 14
de febrero de 2009. Consultado el 28 de agosto de 2007.
7. ↑ Saltar a:a b c d e Powell's Books, Inc. de fundinguniverse.com
8. ↑ Saltar a:a b Powell's Books at Cedar Hills Crossing del sitio web de la compañía. Consultado
el 14 de julio de 2012.
9. ↑ Saltar a:a b "Loehmann's Plaza gains 85 percent occupancy". (November 25, 1984). The
Sunday Oregonian, p. D11.
10. ↑ Nkrumah, Wade (7 de febrero de 2005). "Food carts at Pioneer Square may be ousted". The
Oregonian, p. C1.
11. ↑ History of Powells.com del sitio web de la compañía
12. ↑ Baker, Lisa (19 de marzo de 2004). «Powell’s success story adds a chapter». Portland
Tribune. Consultado el 27 de agosto de 2012. (enlace roto disponible en Internet Archive; véase
elhistorial y la última versión).
13. ↑ USA Today, 21 de enero de 2002. "10 Great Places to Crawl Between the Covers"
14. ↑ «New design for Powell's Books features an art cube». Daily Journal of Commerce. 13 de
noviembre de 2008. Consultado el 11 de junio de 2010.
15. ↑ Gunderson, Laura (22 de enero de 2008). «Powell's plans expansion in two years».
OregonLive.com. Consultado el 24 de enero de 2007.
16. ↑ Nawotka, Edward (23 de enero de 2008). «Powell’s to Expand Flagship in 2010, Absorb
Technical Store». Publishers Weekly. Consultado el 24 de enero de 2007.
17. ↑ Portland Architecture: Powells Unveils Design For New Entrance to Flagship Store
18. ↑ Giegerich, Andy (26 de octubre de 2010). «Powell's Books buys Anne Rice
collection». Portland Business Journal. Consultado el 7 de diciembre de 2010.
19. ↑ Agrawal, Rocky (4 de julio de 2011). «Google Offers Versus Groupon: The Portland
Throwdown». TechCrunch. Consultado el 11 de julio de 2011.
20. ↑ «The Espresso Book Machine Arrives at Powell's Books» (PDF). Press release.
OnDemandBooks.com. 4 de mayo de 2012. Consultado el 14 de mayo de 2012.
21. ↑ «EBM Locations: List View». OnDemandBooks.com. Consultado el 14 de mayo de 2012.
22. ↑ Hallett, Alison (4 de mayo de 2012). «More on Powells' New Espresso Book Machine». The
Portland Mercury. Consultado el 6 de junio de 2014.
23. ↑ Saltar a:a b c ILWU Local 5: A Brief History of Local 5: Powell’s Books, Inc. from the ILWU
Local 5 website
24. ↑ Bosman, Julie (9 de febrero de 2011). «Powell’s Books Announces Layoffs». New York
Times Arts Beat blog. Consultado el 9 de febrero de 2011.
25. ↑ Powell's Books at PDX del sitio web de la compañía
Enlaces externos[editar]
 Esta obra contiene una traducción total derivada de Powell's Books de Wikipedia en
inglés, concretamente de esta versión del 8 de junio de 2014, publicada por sus
editores bajo la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia Creative Commons
Atribución-CompartirIgual 3.0 Unported.
 Sitio web de Powell's, incluyendo un tour de City of Books, su casa central

Proyectos Wikimedia

Datos: Q2106972

Multimedia: Powell's Books

dentificadores

SNI: 0000 0004 0491 3499


Categorías:
 Portland
 Atracciones turísticas de Oregón
 Edificios y estructuras de Oregón

Citicorp Center, el rascacielos que pudo


colapsar en la Gran Manzana
18 octubre, 2016 Cimentaciones, Edificación, Estructuras curiosas, Historia, Opinión 21 Comments

En el post de hoy vamos a contaros una historia que en más de una facultad se suele mostrar como
ejemplo de buena praxis profesional en el mundo de la ingeniería estructural. Se trata de la historia
de cómo un rascacielos de 279 m de altura, la torre Citicorp Center en Nueva York, estuvo a punto
de colapsar y de cómo gracias a dos casualidades y al buen hacer de un ingeniero, se evitó la
catástrofe.
Lo “gracioso” del tema es que los neoyorkinos tardaron 18 años en enterarse de que uno de
sus rascacielos se les podía haber desplomado encima.
En este post os explicamos en qué consistió el problema estructural, cómo se descubrió el fallo
después de que el rascacielos llevara un año puesto en servicio y cómo se procedió a su
reparación “in extremis” justo cuando se aproximaba un huracán a la ciudad.
Para empezar a contar bien esta historia hay que retroceder hasta prácticamente principios del siglo
XX. En 1905, la Iglesia Evangélica Luterana de San Pedro se trasladó a la esquina de la Calle 54 y
Lexington Avenue en Manhattan ocupando la esquina noroeste de la manzana.
Setenta años después, el banco Citibank quiso establecer su sede en la manzana donde se ubicaba
la mencionada Iglesia de San Pedro con un descomunal rascacielos. Pudieron comprar toda la
manzana salvo el terreno perteneciente a los religiosos (con la Iglesia hemos topado). Lo que si
consiguieron, en cambio, fue la posibilidad de construir sobre la iglesia. Los llamados “airigths” (la
iglesia siempre pensando en el cielo). A cambio, eso si, de que le reconstruyeran la ya deteriorada
iglesia, manteniendo el mismo emplazamiento del santuario y sin conexión estructural con el
rascacielos. Como veis, poniéndolo fácil.
Lo habitual en aquella época era poner, en las cuatro esquinas de los rascacielos, cuatro grandes
columnas para recoger las cargas de este. Sin embargo, la situación de la iglesia imposibilitaba dicha
solución. Así pues, el ingeniero estructural responsable del proyecto, William LeMessurier, el “prota”
de esta historia, colocó esta torre de 59 plantas sobre cuatro grandes columnas, de 35 metros de
altura, situadas en el centro de cada uno de los cuatro lados de la torre.
Este diseño permitió que el lado noroeste del edificio sobresalga en voladizo 22 metros sobre la
nueva iglesia.

Fuente Wikipedia
Sin embargo, para conseguir esto, LeMessurier tuvo que ingeniar un sistema de refuerzos
estructurales apilados con forma de chebrones invertidos. Cada chebrón lo que hacía era reconducir
las grandes cargas que iban por los vértices de la torre hacia las columnas que estaban en medio
de los laterales y posteriormente hacia el terreno.
William LeMessurier era por entonces uno de los más distinguidos ingenieros civiles de los Estados
Unidos. Contaba con amplia experiencia en rascacielos, como por ejemplo, el Boston’s State Street
Bank, con un innovador diseño de sistema de viga voladiza, o el Boston Federal Reserve Bank,
rascacielos con un gran orificio en el centro.
William LeMessurier 1926-2007
Y con el diseño de la torre Citicorp Center había demostrado todo su gran ingenio. De hecho, el
sistema estructural concebido era mas flexible de lo que cabría esperar para un rascacielos de su
altura (que no era tampoco poca) y, por tanto, tuvo que diseñar un amortiguador de masa en la
cabeza de la torre. Una mole de 400 toneladas suspendida en aceite presurizado, que compensa
gran parte de la acción del viento.
Este rascacielos fue uno de los primeros en el mundo en incorporar un amortiguador de masa,
sistema más que común en las actuales generaciones de rascacielos.
Amortiguador de masas de la torre Citicorp Center
Como veis, toda una proeza de la ingeniería de la que la empresa Citibank se sentía orgullosa al

más estilo americano :

Si; toda una proeza que encerraba un terrible error de cálculo.


Como decíamos al principio del artículo, la tragedia pudo evitarse debido a dos casualidades. Una
de ellas, la más importante, tuvo que ver con una llamada telefónica que
recibió LeMessurier en Junio de 1978 (un año después de la puesta en servicio de la torre).
Al otro lado del teléfono estaba Diane Hartley, una estudiante de Ingeniería de la Universidad de
Princeton, que estaba enfrascada en el estudio de la estructura de LeMessurier para su
tesis. Hartley se aventuró a llamar a LeMessurier para preguntarle sobre algunos aspectos
estructurales que no comprendía de su edificio y sobre ciertas dudas sobre su comportamiento frente
al viento.
LeMessurier, lejos de mandarla a tomar viento, se preocupó de darle una charla magistral sobre el
sistema estructural y cómo este era idóneo para soportar vientos perpendiculares a las caras de la
torre.
Diane Hartley actualmente (foto de su perfil de Twitter)
A medida que LeMessurier explicaba a Hartley sus dudas se percató de una cosa: él había calculado
los efectos del viento considerando este perpendicular a cada una de las caras de la torre, tal y como
especificaba la normativa del viento para rascacielos hasta entonces. Sin embargo, gracias a las
preguntas de Hartley sobre el tema, se le planteó la duda de si para su sistema estructural mediante
chebrones, con columnas situadas en medio de las caras de la torre en lugar de las esquinas, la
simplificación de suponer el viento perpendicular a las caras seguía estando del lado de la seguridad.
Cabía la posibilidad de que, dada la singular forma estructural del edificio, si el viento golpeara a la
torre de forma diagonal, dando a dos caras a la vez, los esfuerzos fueran mayores.

Se despidió de la estudiante comentando que en el supuesto de que el viento creara más esfuerzos
de los previstos, no debería ser preocupante pues estos incrementos deberían ser pequeños. Esto,
unido a que las uniones de las diagonales en el edificio las había proyectado con soldaduras, un
sistema que confería más seguridad que la realmente requerida, no debería generar problemas de
importancia.
A la izquierda, direcciones del viento que se habían tenido en cuenta el cálculo de la torre. A la derecha, las
direcciones que resultaron las mas desfavorables.
Podéis imaginaros a LeMessurier, después de colgar el teléfono, dándole vueltas al tema del viento
diagonal, con la mirada un poco ida… Ya no podía obviarlo. Tenía que investigarlo más
profundamente. De todas maneras, pensó que aunque no pasara nada con la estructura, el esfuerzo
del recálculo podría servir para un buen tema que comentar en sus clases como profesor de
ingeniería estructural en Harvard.
Así que, nuestro ingeniero, se puso a recalcular la estructura. Y esta vez estudió el caso de que el
viento impactara con direcciones oblicuas a la torre. Lo que ocurrió le sorprendió bastante: encontró
que con vientos oblicuos las cargas se incrementaban un 40% respecto a vientos perpendiculares,
lo cual podía llegar a originar un incremento de las tensiones en las uniones de las diagonales de los

chebrones de hasta el 160%!!!!

Realmente un 160% de incremento de tensiones no era un tema para tomárselo a la ligera. En


principio, LeMessurier estaba tranquilo puesto que las uniones que proyectó eran uniones soldadas,
un sistema que ofrecía resistencias mayores a las necesarias y podrían, con suerte, compensar en
cierta medida ese incremento de tensión. Pero entonces, LeMessurier se acordó de una
conversación que había mantenido unos meses atrás en una comida de negocios. Conversación
que llamaremos: la segunda casualidad.
Resulta que unos meses atrás, LeMessurier había asistido a una reunión sobre la construcción de
un nuevo edificio en Pittsburgh donde propuso su ingenioso sistema estructural como parte del
diseño. En dicha reunión, de forma accidental, se enteró que la constructora del edificio Citicorp
Center había decidido cambiar el sistema de uniones de la torre, propuestos inicialmente por él con
soldadura, por un sistema de uniones atornilladas (más económicas tanto en material como en plazo
de ejecución pero más débiles que las iniciales).

Cuando LeMessurier se acordó de esta reunión es cuando realmente se preocupó. ¿La


constructora habría tenido en cuenta los vientos en diagonal a la hora de recalcular las
uniones con tornillos? ¿Habrían dejado las uniones al menos con la misma holgura en
seguridad que con las que contaban estando soldadas?
Foto detalle de las uniones atornilladas en el Citicorp Center. Fuente: página oficial de Lemessurier.
Así que nuestro ingeniero empezó a mover cielo y tierra para poder estudiar lo que habían hecho
con las uniones de su edificio y lo que encontró no le gustó nada. Los contratistas no solo no habían
tenido en cuenta los efectos de vientos diagonales cuando hicieron la sustitución, como él había
temido, si no que habían interpretado el código de construcción de edificios de tal manera que habían
considerado innecesario incluir varios cálculos importantes en las uniones. Como resultado, se
empleó un número de tornillos mucho menor que el que se necesitaba.
Llegó a la conclusión de que, en base a los datos meterológicos de la zona, el edificio se podría
desplomar por el efecto de una gran tormenta de las que ocurren cada 55 años. Y eso si la mole
situada en lo alto del edificio, el amortiguador de masas, trabajaba sin ningún fallo. Cosa que
tampoco se podía asegurar al 100% dado que el sistema hidráulico del amortiguador era eléctrico y
no era descabellado pensar en la posibilidad de que hubiera algún corte eléctrico durante la
tormenta. En el caso de fallo eléctrico, una simple tormenta de las que ocurre cada 16 años,

podría tumbar el edificio.


Descubierto el pastel, LeMessurier hizo lo que éticamente tenía que hacer y por lo que se le
recordará positivamente en esta historia (y no por haber metido la pata en el cálculo). El 31 de Julio
de 1978 concertó una reunión con el abogado de la firma de arquitectos para la cual el había servido
como consultor de asuntos estructurales para la torre de Citicorp y luego con la compañía de seguros
de dicha firma. Y posteriormente otra reunión con el vicepresidente ejecutivo de Citicorp. En dichas
reuniones LeMessurier explicó cuál era el problema con la estructura de la torre y como se podrían
realizar las reparaciones de las juntas sin causar molestias a los usuarios de la misma
ejecutándolas en horario nocturno.
Fuente: wikipedia
Imaginaros la situación desde el punto de vista de los dueños de la torre: estas tan contento en tu
nuevo flamante edificio cuando una mañana aparece un ingeniero diciendo que tu rascacielos está

en riesgo de derrumbe si viene una simple tormenta.

Sin embargo, contra todo pronóstico, la reunión resultó ser un éxito. La dirección de Citicorp entendió
la gravedad del problema y estuvo de acuerdo con LeMessurier y con su propuesta para la
reparación (realizar uniones soldadas a todos los tornillos existentes de la estructura). Incluso se
aprobó un plan para instalar generadores eléctricos de emergencia en el amortiguador de masa,
para así asegurar el funcionamiento en todo momento.
Llegados a este punto, parece que LeMessurier podía respirar un poco más tranquilo. Pero para
poner las cosas un poco más emocionantes, con las obras de reparación a medio empezar, se alertó
de la llegada a Nueva York de un huracán.
Fotografía del Huracan Ella (1978). Fuente: wikipedia.
El huracán Ella, con vientos de 220 Km/h amenazaba a la “Gran Manzana” en general y a la
manzana de Citicorp Center en particular. Era primeros de septiembre y tan solo se llevaba un par
de semanas de obras de reparación.
Se creó un plan de emergencia para evacuar el edificio y diez manzanas alrededor de este. De
acuerdo con la propuesta final, el plan envolvería 2000 trabajadores de emergencia proporcionados
por la Cruz Roja.
Por suerte, a horas de empezar la evacuación de emergencia, Ella giró hacia el este adentrándose
en el océano y alejando el peligro.
Terminado el peligro y reiniciadas las obras, la última tarea que le quedaba a LeMessurier y que
también le suponía un mal trago, era informar a la prensa acerca de la gran empresa que se estaba
emprendiendo en la nueva torre de Citicorp. Se expidió un comunicado inicial en el que se informaba
que el edificio iba a ser reacondicionado para soportar “vientos ligeramente más fuertes”. Sin
embargo, el asunto fue aplazado por los medios debido a una inesperada huelga de la prensa de
Nueva York. Esto, unido a que no sucedió nada a causa del error de cálculo, hizo que el problema
se ocultara al público casi veinte años. Al final, se dio a conocer en un largo artículo del The New
Yorker del 29 de mayo de 1995 titulado “La crisis de Cincuenta y Nueve Pisos de Altura”.
La manera en que LeMessurier manejó la situación de Citcorp aumentó su reputación como
ingeniero estructural de excepcional competencia y rectitud. A menudo se pone de ejemplo en las
clases de ingeniería como modelo ético a seguir: lejos de haber mostrado incompetencia o mala
fe, LeMessurier había tenido un comportamiento ejemplar, descubriendo un problema inesperado,
actuado de manera apropiada, oportuna y eficiente, logrando resolverlo.

William J. LeMessurier. Autor de la fotografía Bill Thoen


Aunque hay quien también crítica su comportamiento, porque en su análisis de las cargas del viento
confió estrictamente en los códigos de construcción, que establecen solo requisitos mínimos, lo cual,
para una estructura tan especial como era su edificio, demostró ser insuficiente. Y no solo eso, hay
quien defiende que los comunicados públicos realizados por LeMessurier y Citigroup sobre el estado
real de la torre pretendían engañar deliberadamente al público subestimando el problema. Y por
último, también se discute si los casi veinte años de silencio no fueron impedimento para un
aprendizaje ético y técnico que, de otra manera, se podría haber producido.

FedEx
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Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación
acreditada.
Este aviso fue puesto el 12 de abril de 2012.

FedEx Corporation
Tipo Cotizante en bolsa

ISIN US31428X1063

Industria Paquetería

Forma legal Empresa de capital abierto

Fundación Little Rock, Arkansas (1971)


Como Federal Express Corporation

Fundador(es) Frederick W. Smith

Sede Memphis, Tennesse, EE.UU.


942 South Shady Grove Road

Área de operación Mundial

Presidente David J. Bronczek

Productos Entrega de correo


Servicios de paquetería
Transporte de carga
Logística de terceros

Ingresos $ 60.000 millones (2017)


Beneficio de USD 4.557 millones (2017)
explotación

Beneficio neto USD 3.300 millones (2017)

Activos $ 48.552 millones (2017)

Capital social $ 18.860 millones (2017)

Empleados 400 000 (2017)

Miembro de Fundación Linux

Filiales FedEx Office


Express
FedEx Ground
FedEx Freight

Dependiente de Promedio de Transportes Dow Jones, S&P


100 y S&P 500

Coordenadas 35°06′21″N 89°51′33″O

Sitio web [FedEx.com]

[editar datos en Wikidata]


DC-10 de FedEx en el aeropuerto de Puerto Rico.

FedEx Corporation (NYSE: FDX,) es una compañía aérea y de logística de


origen estadounidense, que tiene cobertura a nivel internacional. Fue fundada bajo el
nombre Federal Express en 1971 por Frederick W. Smith en Little Rock (Arkansas).
En 1973 se trasladó a Memphis (Tennessee).1 FedEx es una abreviación del nombre original
de la compañía: Federal Express.
La compañía opera fundamentalmente en la mayoría de las ciudades de Estados Unidos a
través de su centro de conexión (hub) en el Aeropuerto Internacional de Memphis. El segundo
centro se encuentra en Aeropuerto Internacional de Indianápolis, y tiene otros centros
regionales en Columbus (Ohio); Newark (New Jersey); Oakland (California); Anchorage
(Alaska); Fort Worth Alliance Airport en Fort Worth (Texas); Los Ángeles; Miami
(Florida); Baton Rouge y Greensboro (Carolina del Norte).
El centro de conexión de Canadá opera desde Toronto Pearson International Airport. En el
año 2008 se abriría el nuevo super-centro de conexión de Asia en Aeropuerto Internacional
Guangzhou Baiyun en el Sur de China, que, dicen, reemplazará a Filipinas. Otros centros se
encuentran en Kansai, Incheon, Shanghái Pudong y Singapur Changi.
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carlos964185431 automatic secretary virtual work similar viajes verdeverdedeverde ==
automatic program sites calculator and microproses in this verde smoll works similar to onlive
vision satelite dituaciones cameras automatic off modo privacy in take on La otra compañía se
fundó bajo el nombre de Federal Express en el año 1971 por Fred Smith en Little Rock,
Arkansas. Se acabó fundando en 1973 debido a algunos problemas con las autoridades
aeroportuarias que no permitían la actividad de la compañía aérea. El nombre fue elegido
como símbolo del mercado nacional de Estados Unidos, y tenía como objetivo obtener la
mayor parte de los contratos gubernamentales. La compañía comenzó sus operaciones el 17
de abril de 1973, con una red inicial de 14 Dassault Falcon 20s que conectaban 25 ciudades
de EE. UU. FedEx fue la primera línea aérea de carga que empleó solo aviones jet para sus
servicios, extendiendo la desregulación de las compañías aéreas de carga del sector.
En el año 2005, FedEx Express empezó un periodo expansivo desde su centro de conexión
de Indianápolis, que seria completado en el año 2010 para convertirse en uno de los más
grandes de FedEx Express.

El logotipo de la Federal Express tal y como lo describió y diseñó Richard Runyan en 1973

En agosto de 1989 la compañía adquirió Flying Tigers, una aerolínea de transporte


internacional, heredando de esta forma los contratos de transporte de las fuerzas aéreas de
EE. UU., pudiendo transportar pasajeros entre los continentes y EE. UU. hasta octubre
de 1992. En enero de 1998 Federal Express adquirió la empresa Caliber System, Inc, que era
propietaria de Roadway Package System, Roberts Express, Viking Freight, y Caliber Logistics.
Las compañías se combinaron y pasaron a denominarse FDX Corp. El nombre "FedEx", la
denominación abreviada de Federal Express, era popular muchos años antes de que la
compañía aceptara este nombre como oficial en el año 1994. La nueva identidad fue revelada
al mundo el 24 de junio de 1994. El nombre de "Federal Express" fue eliminado
completamente en el año 2000, cuando FDX Corporation cambió su nombre a FedEx
Corporation adoptando el eslogan de "The World On Time"2 En el año 2000, FedEx y la
compañía USPS firmaron un contrato de siete años para transportar todos los correos de alta
prioridad a través del sistema de FedEx. El contrato postal se extendió hasta el año 2012 y de
esta forma USPS continúa siendo uno de los mayores clientes de FedEx.
En el año 2001 FedEx adquirió la compañía American Freightways,3 una compañía de carga
de contenedores ('less-than-truckload' - LTL ), y combinada con la empresa 'Viking Freight' se
creó 'FedEx Freight'. En febrero de 2004 FedEx compró Kinko's, una cadena que provee
servicios de copia y reprografía ubicada en Dallas por la cantidad de $2.4 billones (muy
asociada a UPS adquiriendo además la compañía Mailboxes Etc). En mayo de 2006 FedEx
adquirió los activos de Watkins Motor Lines, un líder en el transporte de LTL por una cantidad
de 780 millones de dólares. La compra permitió a FedEx proporcionar más opciones en sus
transportes de grandes pesos. La compañía fue renombrada como FedEx National LTL, y es
parte del segmento de Fedex Freight.

Índice

 1Flota
 2Véase también
 3Referencias
 4Enlaces externos

Flota[editar]
La flota de FedEx se compone de las siguientes aeronaves (a octubre de 2019):4

 66 Airbus A300-600
 3 Airbus A310-300
 18 ATR 42-300
 15 ATR 72-200
 109 Boeing 757-200
 77 Boeing 767-300
 43 Boeing 777-F
 30 Douglas DC-10
 56 MD-11
 Total: 417
La flota de la Aerolínea posee a octubre de 2019 una edad promedio de: 21,1 años

Véase también[editar]
 En abril de 2015, FedEx anuncia la compra de TNT Express por 4.800 millones de euros.5
 Vuelo FedEx 705
 Vuelo 80 de FedEx Express
 BAX Global (competidor)
 DHL (competidor)
 UPS (competidor)
 USPS (competidor, cliente de FedEx en envíos urgentes)
 Purolator Courier
 FedEx Field, Estadio del equipo de football americano Washington Redskins, en
Washington, D.C.
 Windland Smith Rice

Referencias[editar]
1. ↑ "FedEx in Memphis". FedEx. Consultado el 28 de febrero de 2010.
2. ↑ Referencia al eslogan.
3. ↑ Historia
4. ↑ «Federal Express». The Book 2010-2011 (en inglés). Airfleets.net. p. 68.
5. ↑ FedEx comprará a TNT Express por US$ 4.800 millones, en diario Expansión, 07/04/2015

Enlaces externos[editar]

 Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre FedEx.


 FedEx (sitio web oficial)
 FedEx realiza entregas más eficientes con cero emisiones mediante bicicletas eléctricas
 earnFX.com

Proyectos Wikimedia

Datos: Q459477

Multimedia: FedEx

dentificadores

WorldCat

VIAF: 134064953

SNI: 0000 0001 2217 6355

Diccionarios y enciclopedias

Britannica: url
Categorías:
 Empresas cotizadas en la Bolsa de Nueva York
 Empresas de Tennessee
 Empresas de transporte
 Empresas de paquetería y reparto

El rey león
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The Lion King

Título El rey león

Ficha técnica

 Rob Minkoff
Dirección
 Rogers Allers

Producción  Don Hahn

Guion  Linda Woolverton

 Irene Mecchi

 Jonathan Roberts

Música  Hans Zimmer

 Elton John

 Tim Rice

Montaje  Tom Finan

 John Carnochan

Guion gráfico  Rogers Allers

 Barry Johnson

 Lorna Cook

 Thom Enriquez
 Kevin Harkey

 Larry Leker
 Rick Maki

 Ed Gombert

 Mark Kausler

 George Scribner

 Miguel Tejada-Flores

 Jenny Tripp

 Bob Tzudiker

 Kirk Wise

 Noni White

 J. T. Allen
 Christopher Vogler

 Burny Mattinson

 Andy Gaskill

 Gary Trousdale

 Jim Capobianco

 Jorgen Klubien

 Chris Sanders

 Tom Sito
 Joe Ranft

 Francis Glebas

 Brenda Chapman

Protagonistas Matthew Broderick


James Earl Jones
Jeremy Irons
Jonathan Taylor Thomas
Moira Kelly
Nathan Lane
Ernie Sabella
Rowan Atkinson
Robert Guillaume
Madge Sinclair
Whoopi Goldberg
Cheech Marin
Jim Cummings
Ver todos los créditos (IMDb)

Datos y cifras

País  Estados Unidos

Año 1994

Estreno 24 de junio de 1994

Género Musical, animación tradicional, película


infantil y drama

Duración 88 minutos

Clasificación

Todos en General

Idioma(s) Inglés

Compañías

Productora  Walt Disney Animation Studios

 Walt Disney Pictures

Distribución  Walt Disney Studios Motion Pictures

 InterCom

Presupuesto 45 000 000 USD1

Recaudación 968 483 777 USD1

Clásicos de Walt Disney

Aladdín The Lion King Pocahontas

El rey león

The Lion King II: Simba's


— The Lion King
Pride

Ficha en IMDb
Ficha en FilmAffinity

[editar datos en Wikidata]

El rey león —título original en inglés: The Lion King— es una película animada producida
por Walt Disney Feature Animation y distribuida por Walt Disney Pictures. Es la trigésima
segunda cinta en la serie Walt Disney Animated Classics y se realizó en un período conocido
como el Renacimiento de Disney. La película se realizó bajo la dirección de Rob
Minkoff y Roger Allers, el productor Don Hahn, los guiones de Irene Mecchi, Jonathan
Roberts y Linda Woolverton, y con Hans Zimmer, Elton John y Tim Rice como encargados de
la banda sonora. Además, cuenta con un amplio reparto coral en el que participaron Matthew
Broderick, Jeremy Irons, James Earl Jones, Jonathan Taylor Thomas, Moira Kelly y Nathan
Lane. El argumento de El rey león se desarrolla en África y tiene inspiraciones en las
historias bíblicas de José y Moisés, y en la obra Hamlet de William Shakespeare. Cuenta la
historia de Simba, un joven león que tras la muerte de su padre, rey de Pride Lands,Nota 1 es
exiliado de su hogar por su tío, que usurpa el trono. Con ayuda de sus amigos y las
enseñanzas de su padre, Simba es alentado tiempo después a regresar y reclamar su lugar
en el reino.
El desarrollo del filme comenzó en 1988, en una reunión entre Jeffrey Katzenberg, Roy E.
Disney y Peter Schneider, mientras promocionaban Oliver y su pandilla en Europa. Thomas
Disch escribió un tratamiento y Woolverton avanzó los primeros guiones cuando George
Scribner fue asignado director, al que se unió Allers posteriormente. La producción empezó en
1991 al mismo tiempo que Pocahontas, que es la que tenía a los mejores animadores de
Disney. Más tarde, parte del personal viajó a Kenia a visitar el Parque nacional de Hell's
Gate con tal de investigar animales y la ubicación en la que se basaría la película. Scribner
abandonó la producción tiempo después debido a diferencias creativas, por lo que fue
reemplazado por Minkoff. Cuando Hahn se unió al proyecto, se mostró insatisfecho con el
guion, por lo que la historia se volvió a escribir rápidamente. Unos veinte minutos en
secuencias de animación se elaboraron en Disney-MGM Studios, ubicados en el
estado estadounidense de Florida, a la que se añadió la animación por computadora, recurso
utilizado varias veces en el filme.
La cinta fue lanzada el 15 de junio de 1994. Obtuvo reacción positiva por parte de la crítica,
que la elogió sobre todo por su música, argumento y animación. Tras un relanzamiento en
versión 3D en 2011, la recaudación ascendió hasta unos 968 millones USD desde su estreno
original hasta ese mismo año, además de ser la cinta cuyos dibujos están hechos a mano y en
2D con más recaudación, y se encuentra entre las películas que más ingresos ha generado
tanto en Estados Unidos como en otros países. El rey león ganó dos premios Óscar gracias a
su banda sonora y el Globo de Oro en la categoría de mejor película comedia o musical, entre
otros. De esta película derivaron varios trabajos como la adaptación al teatro, las películas The
Lion King II: Simba's Pride (1998) y El rey león 3: Hakuna Matata (2004), así como la serie de
Timón y Pumba.

Índice

 1Argumento
 2Reparto principal
 3Producción
o 3.1Antecedentes y redacción del guion
o 3.2Animación
o 3.3Banda sonora
o 3.4Características técnicas
o 3.5Doblaje al español
 4Lanzamiento
o 4.1Mercadotecnia
o 4.2Estreno
o 4.3Reestreno en IMAX y 3D
 5Recepción
o 5.1Comercial
o 5.2Crítica
 5.2.1Anglosajona
 5.2.2Hispanoamericana y española
o 5.3Premios y reconocimientos
o 5.4Controversias
 6Adaptaciones y secuelas
o 6.1Cine y televisión
o 6.2Videojuegos
o 6.3Adaptaciones al escenario
 7Formato casero
 8Véase también
 9Notas
 10Referencias
 11Enlaces externos

Argumento[editar]
En Pride Lands,Nota 1 el león Mufasa gobierna a todos los animales como su rey junto con su
esposa Sarabi. El nacimiento de su hijo y heredero, Simba, provoca resentimiento en el
hermano de Mufasa, Scar, que anhela convertirse en el nuevo rey león. El tiempo transcurre y
el cachorro es instruido por su padre sobre las responsabilidades que habrá de tener cuando
se convierta en el nuevo soberano. Mientras tanto, Scar trama un siniestro plan para
deshacerse de sus familiares y apoderarse del trono. Primeramente engaña a Simba y a su
amiga Nala al incitarlos a explorar un cementerio de elefantes ubicado en una región apartada
de Pride Lands. Pese a las advertencias de Mufasa sobre ese lugar, la curiosidad de Simba y
Nala los lleva hasta ese sitio. Al llegar, son atacados por las hienas Shenzi, Banzai y Ed,
quienes trabajan para Scar pese a los maltratos que reciben de su parte.
Por aviso de Zazú, un toco que trabaja como mayordomo real, Mufasa se entera de la
desobediencia de Simba y llega a tiempo al cementerio para rescatarles, y llevarlos de vuelta
al reino. Enterado de su fallido intento por deshacerse de Simba, al día siguiente Scar guía a
su sobrino hasta un cañón donde le pide que espere en lo que llega Mufasa. Después de
abandonar el cañón Scar le pide a las hienas que espanten a una manada de ñus para
provocar una estampida. Mufasa aparece nuevamente y logra poner a salvo a su hijo, sin
embargo cuando trata de escalar uno de los bordes para evitar la estampida es empujado por
Scar y muere pisoteado por los ñus. Cuando la estampida termina, Simba se encuentra con el
cadáver de su padre y Scar aprovecha la ocasión para culparlo de lo acontecido y pedirle que
abandone Pride Lands con tal de evitar represalias por la muerte del rey. El joven huye así del
reino y deja libre el trono a Scar, que se proclama como el nuevo soberano ante la
desaparición de Mufasa y Simba.
En medio de su huida, Simba cae exhausto en medio de una región desértica en donde es
encontrado por el suricato Timón y el facóquero Pumba, que lo protegen y llevan consigo a
una selva, en donde habitan juntos hasta que el león crece y alcanza su etapa adulta. Un día
Simba se reencuentra con Nala en la selva y descubren que están enamorados uno del otro.
Nala lo insta a que regrese a Pride Lands y reclame el reino, que se ha convertido en un
páramo sin agua ni comida suficiente bajo el mandato de Scar. Sin embargo, Simba se rehúsa
a seguir su recomendación ya que continúa sintiéndose culpable por la muerte de Mufasa. No
es sino hasta su encuentro con Rafiki, antiguo amigo y consejero de su padre, que Simba
logra superar la muerte de Mufasa, y es motivado a regresar de vuelta a Pride Lands para
acabar con el reinado de su tío.
Ya en el reino, Simba se enfrenta a Scar, quien le confiesa su responsabilidad en la muerte de
Mufasa. Enfurecido, Simba logra arrinconarlo tras una persecución, pero el viejo león suplica
misericordia e inculpa a las hienas como las verdaderas asesinas de su padre. En medio de la
confusión que dicha revelación provoca en el joven, Scar aprovecha la ocasión para atacar por
sorpresa a su sobrino. No obstante, las hienas intervienen, arrojan al fuego a Scar tras
enterarse de su acusación e insultos, y huyen del reino. Simba se reencuentra con Nala y
Sarabi, así como sus amigos Timón y Pumba, y es proclamado como el nuevo rey de Pride
Lands. En las últimas escenas, y transcurrido un tiempo de la asunción de Simba, se aprecia a
Rafiki presentando a la hija de Simba y Nala a los demás animales del reino.

Reparto principal[editar]
Véase también: Anexo:Personajes de El rey león

El equipo de producción valoró la afinidad entre los actores y los personajes de la película
para elegir al reparto de voces. Por ejemplo, seleccionaron a James Earl Jones para el papel
de Mufasa porque su voz era «potente y equiparable al rugido de un león».2 Nathan
Lane originalmente había audicionado para el personaje de Zazú, mientras que Ernie
Sabella buscaba el papel de una de las hienas. Ambos participaban en aquel entonces en el
musical Guys and Dolls. Al reunirse en el estudio de grabación de El rey león, se les pidió que
interpretaran a las hienas. Su actuación resultó tan hilarante para los directores, que los
eligieron para los roles de Timón y Pumba.34 Para las hienas tenían pensado contratar al
dúo Cheech y Chong, pero solo Cheech Marin estaba disponible así que le ofrecieron el papel
de la otra hiena a Whoopi Goldberg.5
James Earl Jones, Jeremy Irons y Rowan Atkinson fueron algunos de los actores que prestaron su voz
para los personajes del filme.

En cuanto a los protagonistas, Matthew Broderick puso voz al Simba adulto en las fases
iniciales de producción, y cabe señalar que durante los tres años que tomó el proceso de
doblaje grabó sus diálogos en solitario, con la excepción de una ocasión en que estuvo con
otro actor en el estudio de grabación. Inclusive no se enteró de que Moira Kelly doblaba a Nala
hasta el estreno de la película.6 Si bien Jeremy Irons había declinado el papel de Scar al
expresar que no se sentía preparado para interpretar a un personaje cómico, después de su
actuación en un rol dramático como Claus von Bülow en Reversal of Fortune al final accedió y
se integró al reparto. De hecho, los guionistas decidieron incorporar parte de los diálogos de
von Bülow en El rey león —como la frase «no tienes ni idea»— mientras que el animador
Andreas Deja estudió los tics y rasgos faciales de Irons tanto en Reversal of Fortune como
en Damage para el diseño de Scar.27 De esta forma, el reparto estelar de voces en inglés
quedó conformado por:

 Matthew Broderick como Simba: es el hijo de los reyes Mufasa y Sarabi, y por lo tanto
heredero de las Pride Lands. Joseph Williams interpretó las canciones del personaje, cuyo
diseño corrió a cargo de Mark Henn y Ruben A. Aquino para el Simba joven y el adulto,
respectivamente.8
o Jonathan Taylor Thomas es la voz de Simba joven, mientras que Jason
Weaver interpretó las canciones de esta versión del personaje.8
 James Earl Jones como Mufasa: es el padre de Simba y rey de las Pride Lands al
principio de la película. El animador Tony Fucile supervisó el diseño del personaje.8
 Jeremy Irons como Scar: es el hermano de Mufasa y tío de Simba, que anhela obtener el
trono. Su diseño corrió a cargo de Andreas Deja.8
 Moira Kelly como Nala: es la mejor amiga de Simba y, más tarde, su esposa. Sally
Dworsky interpretó sus canciones y los supervisores fueron Aaron Blaise y Anthony
DeRosa para las versiones de joven y adulta.8
o Niketa Calame es la voz de la Nala joven y Laura Williams interpretó sus canciones en
esta versión del personaje.8
 Nathan Lane como Timón: una suricata macho ensimismada y ocurrente. El supervisor en
el proceso de animación fue Michael Surrey.8
 Ernie Sabella como Pumba: un inocente facóquero —aunque en la película se refieren a él
como un jabalí— que sufre flatulencias y es el mejor amigo de Timón. Tony Bancroft fue el
encargado de animación.8
 Robert Guillaume como Rafiki: un sabio y anciano mandril —aunque también es
mencionado como un babuino— que colabora como chamán de las Pride Lands, además
de presentar formalmente ante los animales del reino a Simba cuando era un cachorro. La
tarea de animación corrió a cargo de James Baxter.8
 Rowan Atkinson como Zazú: un toco que hace de mayordomo real. La animación del
personaje recayó en Ellen Woodbury.8
 Madge Sinclair como Sarabi: es la esposa de Mufasa, madre de Simba y líder de la
manada de caza. El animador Russ Edmonds supervisó su diseño.8
 Alex Kupershmidt y David Burgess fueron los supervisores de animación de las hienas,
que estaban aliadas con Scar, interpretadas a su vez por:
o Whoopi Goldberg como Shenzi: una hembra de carácter insolente e irritable, y líder
del trío.8
o Cheech Marin como Banzai: un macho agresivo y de carácter impulsivo.8
o Jim Cummings como Ed: un macho de temperamento lerdo que no habla, solo ríe.8
También es de resaltar que este mismo actor le puso voz a un geómido que habla con
Zazú, y sustituyó a Jeremy Irons en la escena donde Scar canta «Be Prepared».9
 Zoe Leader como Sarafina: es la madre de Nala, aunque solo aparece en una escena en
donde conversa con Sarabi.10

Producción[editar]
Antecedentes y redacción del guion[editar]

Rob Minkoff y Roger Allers, directores de la cinta.

La trama de El rey león surgió a finales de 1988, en una conversación entre Jeffrey
Katzenberg, Roy E. Disney y Peter Schneider mientras volaban a Europa para
promocionar Oliver y su pandilla. Al discutir la posibilidad de que la historia estuviera
ambientada en África, Katzenberg se sintió enganchado de inmediato al proyecto.11 Charlie
Fink, vicepresidente de asuntos creativos de Walt Disney Feature Animation, continuó
desarrollando el concepto,12 y Katzenberg fue agregando temáticas como la mayoría de edad
y la muerte, y ciertas anécdotas personales relacionadas con su irregular carrera política.13 De
acuerdo a este último: «Es acerca de la responsabilidad que todos tenemos como portadores
de la antorcha de una generación a la siguiente. Para cualquier ser humano, se trata de un
momento especial cuando pasas de ser un niño a un adulto y [entonces] debes asumir la
responsabilidad que eso conlleva. Para la mayoría de la gente esto es un momento de júbilo
tal y como encontrar a la pareja de tu vida o el nacimiento de un hijo. A veces, como ocurre
con Simba, esto es ocasionado por algo trágico. Él tiene que afrontarlo de esa manera y
crecer en el proceso. Así tengas 5 u 85 años, es algo con lo que todos pueden sentirse
relacionados instintivamente o por experiencia propia».8
Para noviembre del mismo año, Thomas Disch —autor de El valiente tostadorcito— había
terminado un tratamiento titulado King of the Kalahari —traducción: «El rey del Kalahari»—14
aunque luego Linda Woolverton estuvo revisando el guion durante el siguiente año, etapa en
la que el documento fue renombrado primero a King of the Beasts —traducción: «El rey de las
bestias»— y luego a King of the Jungle —traducción: «El rey de la selva»—.12 La versión
original de la película era muy distinta a lo que acabó siendo la versión definitiva: el argumento
estaba centrado en batallas entre leones y babuinos; Scar era el líder de los simios, Rafiki era
un guepardo,13 y Timón y Pumba eran los amigos de la infancia de Simba.5 Simba tampoco
abandonaba el reino, sino que llegaba al trono como «un personaje vago y descuidado»
debido a las manipulaciones de Scar, motivo que habría de conducirlo a su derrocamiento. En
1990 el productor Thomas Schumacher, que recién había concluido su trabajo en The
Rescuers Down Under, se integró al equipo12 y consideró que el libreto de El rey de la
jungla era adecuado para «un documental animado especial de National Geographic».15

Algunos miembros del equipo de producción viajaron al Parque nacional de Hell's Gate, en Kenia, para
diseñar un paisaje más realista para la película.16

Disney eligió inicialmente a George Scribner, responsable de Oliver y su pandilla, para


dirigir El rey de la selva17 junto con Roger Allers, principal involucrado en el guion de La bella y
la bestia.11 Allers integró a Brenda Chapman para que se encargara de la trama.12 Con tal de
tener una mejor apreciación del entorno en que habría de estar ambientada la película, el
equipo de producción acudió a Kenia para visitar el Parque nacional de Hell's Gate.16 No
obstante, debido a diferencias creativas entre Scribner y el resto del equipo —por ejemplo,
Allers quería que fuese un musical mientras que Scribner tenía en mente un documental
centrado en la naturaleza—, el director renunció al proyecto seis meses después,1118 siendo
reemplazado por Rob Minkoff.16 Otros cambios incluyeron la incorporación del productor Don
Hahn, mientras que Schumacher pasó a ser productor ejecutivo ante su nuevo nombramiento
como vicepresidente para el desarrollo y la animación de largometrajes de Disney.15 En
opinión de Hahn, el guion carecía de una idea clara hasta ese momento, así que propuso que
la temática principal lidiara con «dejar atrás la infancia y encarar las realidades del mundo»,
idea que sometió a la revisión de los guionistas. Allers, Minkoff, Chapman y Hahn
reescribieron la trama basándose en este concepto a lo largo de dos semanas de reuniones
con los directores Kirk Wise y Gary Trousdale, que recién habían terminado su trabajo en La
bella y la bestia.16 Fue en esta etapa que el guion acabó titulándose El rey león y el escenario
principal dejó de ser la selva, para ser ahora la sabana.11
El rey león fue la primera película animada de Disney en contar con una historia original, en
contraste a las anteriores producciones del estudio que consistían en adaptaciones de obras
ya existentes. Contó con rasgos de los personajes bíblicos José y Moisés, así como
de Hamlet de William Shakespeare.19 Los guionistas Irene Mecchi y Jonathan Roberts se
integraron al equipo a mediados de 1992, y se encargaron principalmente de revisar el libreto,
resolver temas emotivos dudosos y resaltar la comicidad de Pumba, Timón y las hienas.8 El
letrista Tim Rice colaboró estrechamente con los guionistas, y volaba a California al menos
una vez al mes debido a que sus canciones necesitaban estar a la par de la continuidad
narrativa. Si bien las letras de sus canciones sufrieron modificaciones al término de la
producción, estas fueron agregadas a los guiones gráficos durante las fases iniciales de
desarrollo.16 De manera similar, el guion pasó por constantes ediciones provocando que
ciertas escenas fuesen animadas en más de una ocasión debido a cambios en el diálogo, por
ejemplo.12
Animación[editar]

El rey león era considerada como una pequeña película porque


íbamos a correr algunos riesgos. La idea de la historia sobre un
cachorro de león estaba enmarcada en asesinar a su tío con la
música de Elton John. La gente decía: «¿Qué? Buena suerte con
eso». Pero por alguna razón, las personas que terminaban con la
película se encontraban muy entusiasmadas con ello y
motivadas.

—Don Hahn4

El desarrollo de El rey león empezó al mismo tiempo que el de Pocahontas, con la mayoría de
los animadores de Walt Disney Feature Animation trabajando en esta última, porque pensaban
que iba a ser la más exitosa y prestigiosa de las dos.19 Los guionistas tampoco tenían mucha
fe en el proyecto; Chapman, por ejemplo, declaró que originalmente no quería aceptar su
trabajo «porque la historia no era muy buena»,12 mientras que el escritor Burny Mattinson le
comentó a Joe Ranft que «no sabía quién iba a querer ver este filme».18 Los animadores
principales coincidían con este sentimiento y se mostraban desinteresados en el diseño de
animales,13 pese a que trece de ellos, tanto en California como en Florida, fueron los
responsables de crear las personalidades de los protagonistas. Entre estos se
encontraban Mark Henn y Ruben A. Aquino a cargo de las versiones juvenil y adulta de
Simba; Andreas Deja con Scar; Aaron Blaise y Anthony DeRosa con Nala de joven y adulta;
y Tony Fucile para Mufasa.8 Alrededor de veinte minutos de la película, incluida la secuencia
musical de «I Just Can't Wait to Be King», fueron producidos en las instalaciones de Disney-
MGM Studios.5 En total, más de seiscientos artistas, animadores y técnicos contribuyeron en
la producción del largometraje.17 Semanas antes del estreno ocurrió el terremoto de
Northridge de 1994, que ocasionó el cierre del estudio y por lo tanto el equipo de animación
tuvo que finalizar el trabajo en sus respectivos hogares.20
Al igual que ocurriera con Bambi en 1942, se tomó como referencia el comportamiento de los
animales en la vida real para el diseño de los personajes. Jim Fowler, un reconocido
especialista en fauna silvestre, visitó los estudios en varias ocasiones con algunos leones y
otros animales de la sabana para discutir con los animadores su comportamiento y ayudarles
en su cometido de crear dibujos apegados a la realidad.16 Para el diseño de las Pride Lands el
equipo visitó el parque nacional de Kenia. Se usaron varias lentes focales para ofrecer una
versión diferida de la representación habitual de África que aparece en los documentales —
donde se emplean teleobjetivos para capturar a las especies lejanas—, y recurrieron a los
estudios conceptuales del artista Hans Bacher para ofrecer un mayor realismo mediante
efectos como el lens flare. Las obras de los pintores Charles Marion Russell, Frederic
Remington y Maxfield Parrish también influyeron en el diseño del filme.1621 A diferencia de
otras producciones animadas, los personajes de El rey león no son antropomorfos, situación
que llevó a los animadores a instruirse en el trazo de animales cuadrúpedos. A su vez, optaron
por tomas más extensas de los personajes para contribuir al desarrollo de la historia y de los
propios personajes.5
La animación por computadora ayudó a que los cineastas pudieran exponer su visión con
nuevos recursos tecnológicos. Por ejemplo, para la secuencia de la estampida de ñus, se
utilizó un software de diseño tridimensional para aumentar la cantidad de animales en escena,
y luego agregaron efectos de sombreado plano para emular la animación tradicional. De igual
manera esta herramienta permitió la adición de varios trayectos aleatorios para los cientos de
ñus, con tal de recrear el movimimento impredecible de la manada.22 No obstante, a pesar de
la innovación y a que contaban con animadores y técnicos especialistas en animación por
computadora, esta sola secuencia de escasos dos minutos y medio de duración requirió de
dos años para ser terminada.8 A su vez, el Computer Animation Production System simuló los
movimientos de la cámara para ciertas tomas travellings, y ayudó a la producción de efectos
de iluminación y coloreado.5
Banda sonora[editar]

The Lion King: Original Motion Picture


Soundtrack

de varios artistas

Publicación 13 de julio de 199423

Género(s) Banda sonora

Duración 46:2924

Discográfica Walt Disney Records23

Productor(es) Hans Zimmer, Mark Mancina, Jay Rifkin, Chris


Thomas

Certificación Diamante (RIAA)25

Calificaciones profesionales
Allmusic.com — 24

Filmtracks.com — 26

Cronología de las bandas sonoras de los clásicos de Walt Disney

Aladdín El rey león Pocahontas


(1992) (1994) (1995)

[editar datos en Wikidata]

Disney contactó al letrista Tim Rice, que en aquel momento se encontraba trabajando
con Alan Menken en las canciones de Aladdín, para hacerse cargo de la banda sonora de El
rey león. Rice aceptó con la condición de que contrataran a otro compositor con el cual
trabajar. Dado que Menken no estaba disponible, se eligió a Elton John por recomendación del
propio Rice,3 que también había sugerido al grupo ABBA, pero Benny Andersson estaba
ocupado con el musical Kristina från Duvemåla.13 John quería escribir «canciones ultra-
pop que les gustaran a los niños; [de modo que] ya de adultos pudieran mirar esas películas y
obtuvieran el mismo placer», y citó como influencia a El libro de la selva (1967) cuya música
«era divertida y atractiva tanto para niños como adultos».27

Hans Zimmer, compositor de la banda sonora de El rey león.

John y Rice escribieron cinco canciones para el filme —«Circle of Life», «I Just Can't Wait to
Be King», «Be Prepared», «Hakuna Matata» y «Can you feel the love tonight?»; esta última
interpretada por John para la escena de los créditos finales—,28 y una adicional que había sido
descartada durante la producción, «The Morning Report», para los relanzamientos en IMAX y
DVD. Cabe señalarse que esta última fue incluida como parte del repertorio del musical.29 Se
optó por Hans Zimmer para la musicalización, basándose en su participación en un par de
películas ambientadas en África —The Power of One y A World Apart—.16 Zimmer incorporó
música tradicional africana y algunos elementos corales interpretados por el compositor
sudafricano Lebo M.28 Mark Mancina y Jay Rifkin, colaboradores de Zimmer, ayudaron con los
arreglos y la producción del material musical.30
Walt Disney Records puso a la venta la banda sonora a partir del 13 de julio de 1994. Al
término del año acabó siendo el cuarto álbum con mayores ventas de acuerdo a Billboard 200,
y la banda sonora con más copias vendidas hasta ese entonces.31 También es de resaltar que
se trata de la única banda sonora que ha conseguido una certificación de diamante —
10x platino— de la Recording Industry Association of America.25 Existe
una grabación bootleg de la versión instrumental completa de Zimmer, la cual estuvo
disponible hasta el restreno de la película en 2014.3226 El disco influyó en la producción
de Rhythm of the Pride Lands (1995), álbum que incluye ocho canciones de Zimmer, Mancina
y Lebo M.33
El uso de la canción «The Lion Sleeps Tonight» ocasionó disputas entre Disney y la familia
del sudáfricano Solomon Linda, compositor de la pista —originalmente titulada como
«Mbube»— en 1939. En julio de 2004 la familia demandó a Disney por infracción de derechos
de autor, aunque dos años después llegó a un acuerdo con Abilene Music, propietaria de los
derechos de distribución de la canción.34 A continuación, se enlistan las canciones de la banda
sonora original:24

N.º Título Duración


1. «Circle of Life» 3:59
2. «I Just Can't Wait to Be King» 2:51
3. «Be Prepared» 3:40
4. «Hakuna Matata» 3:34
5. «Can You Feel the Love Tonight» 2:58
6. «This Land» 2:55
7. «...To Die For» 4:18
8. «Under the Stars» 3:45
9. «King of Pride Rock» 5:59
10. «Circle of Life» 4:52
11. «I Just Can't Wait to Be King» 3:37
12. «Can You Feel the Love Tonight» 4:01
46:29
Características técnicas[editar]
La película fue creada con los métodos tradicionales de animación —dibujos hechos a mano—
en los estudios de Walt Disney Animation, ubicados en Burbank, Estados Unidos. En concreto,
fue grabada en resolución 2K con el formato Spherical, junto al empleo del proceso
cinematográfico Technicolor. La relación de aspecto es de 1.85: 1 para todas las versiones,
con la excepción de los lanzamientos en alta definición y en formato Blu-ray, que es de
1.78: 1,35 además de que la conversión a 3D se realizó con la técnica de reconstrucción de
imagen para conseguir una distribución más real de los fotogramas en el espacio.36 En
relación al audio, las mezclas que aparecen en la versión final son Dolby Surround —versión
estrenada en cines— y Dolby Digital —añadida en las reediciones en DVD y Blu-ray—,3537
mientras que la versión IMAX tiene un sistema de sonido mejorado.38
Doblaje al español[editar]
La película fue doblada al español en dos versiones, una de ellas para España —a cargo del
estudio Sonoblok, radicado en Barcelona— y la otra para Hispanoamérica —por el estudio
Grabaciones y Doblajes S. A., localizado en Ciudad de México—. En el primer caso, la
dirección corrió a cargo de Antonio Lara, mientras que en América, el encargado de tal tarea
fue Francisco Colmenero.3940
Respecto a los actores de doblaje, para la versión ibérica prestaron sus voces Marc
Porciello y Sergio Zamora —como Simba joven y adulto—, Graciela Molina, Marta
Barbará y Ángela Aloy —como Nala en diálogos de joven y adulta, y canciones en ambos
casos, respectivamente—, Alberto Mieza y Óscar Mas —Timón para diálogos y canciones—
, Miguel Ángel Jenner —Pumba—, Constantino Romero —Mufasa—, Ricardo Solans y Jordi
Doncos —Scar para diálogos y canciones —, María Dolores Gispert —Shenzi—, Antonio
García Moral —Banzai—, Juan Fernández —Rafiki—, Eduard Doncos —Zazú— y Mercedes
Montalá —Sarabi—.39
En cuanto a la versión iberoamericana, el reparto contó con la participación de Héctor Lee
Jr. y Kalimba Marichal —Simba joven en diálogos y canciones—, Karla Falcón
Castrejón y Maggie Vera —Nala joven en diálogos y canciones—, Arturo Mercado y Renato
López —Simba adulto en diálogos y canciones—, María Fernanda Morales y Marianne —Nala
adulta en diálogos y canciones—, Raúl Aldana y Raúl Carballeda —Timón en diálogos y
canciones—, Francisco Colmenero —Pumba—, Carlos Magaña —Mufasa—, Carlos Petrel —
Scar—, Rosanelda Aguirre —Shenzi—, Jesús Barrero —Banzai—, Genaro Vásquez —
Rafiki—, Eduardo Tejedo —Zazú— y Ángela Villanueva —como Sarabi—.40

Lanzamiento[editar]
Mercadotecnia[editar]
En noviembre de 1993 Disney estrenó la secuencia inicial de la película con la canción «Circle
of Life» como primer tráiler promocional de El rey león, revelado durante el estreno de Los tres
mosqueteros. De acuerdo a Dick Cook, presidente de Buena Vista Pictures Distribution,
«todos estábamos tan impresionados con la belleza y majestuosidad de esta escena que
[coincidimos en] que probablemente serían algunos de los mejores minutos que habíamos
visto». Para entonces, solo una tercera parte de la película estaba concluida.4142 Debido a que
el tráiler causó reacciones positivas en la audiencia, Hahn externó su preocupación por
satisfacer las expectativas del público.41 En total, Disney llevó a cabo once proyecciones de
prueba antes del estreno de la película.38 En marzo de 1994 el estudio realizó una
presentación en el ShoWest, donde mostró algunas escenas de El rey león acompañadas de
guiones gráficos y bocetos de las animaciones usadas en la película.43
La campaña de mercadotecnia simultánea al lanzamiento de la película incluyó acuerdos
comerciales con empresas como Burger King, Mattel, Kodak, Nestlé y Payless ShoeSource,
entre otras,44 y se registraron hasta 186 productos licenciados.4546 La banda sonora
representó otro de los puntos fuertes de la mercadotecnia de El rey león.47 En 1994, Disney
ganó alrededor de mil millones USD con la venta de artículos basados en la película,48 de los
cuales 214 millones USD provenían de juguetes comercializados durante la temporada
navideña de 1994.49
Estreno[editar]
Para su estreno el 15 de junio de 1994 en el Radio City Music Hall de Nueva York y El Capitan
Theatre de Los Ángeles, Disney preparó una breve presentación escénica con música de
varias de sus películas animadas que era llevada a cabo antes de cada función de El rey
león.5051 El 24 de junio estuvo disponible en aproximadamente 2000 salas de cine del resto del
país.51 Para la reproducción del sonido envolvente de la película, Dolby Laboratories incorporó
nuevos sistemas de reproducción de audio en las salas estadounidenses.1752 A continuación
aparecen las fechas de estreno de la cinta en distintos países:

Fechas de estreno (Fuente: IMDb)53


País Fecha de estreno País Fecha de estreno

15 de junio de 1994 (premier)


Estados 24 de junio de 1994
Irlanda 21 de octubre de 1994
Unidos 18 de noviembre de
1994 (reestreno)

Israel 23 de junio de 1994 España 8 de noviembre de 1994

Canadá
24 de junio de 1994 Bélgica 9 de noviembre de 1994
Uruguay

Chile
30 de junio de 1994 Alemania 17 de noviembre de 1994
Colombia

Austria
Dinamarca
Corea del Sur 2 de julio de 1994 Polonia 18 de noviembre de 1994
Suecia
Suiza (zona alemana)

24 de noviembre de
Venezuela 6 de julio de 1994 Italia 1994 (premier)
25 de noviembre de 1994

Argentina 7 de julio de 1994 25 de noviembre de 1994


Países Bajos
México

Brasil Eslovaquia
Hong Kong 8 de julio de 1994 Grecia 1 de diciembre de 1994
Perú Hungría

Finlandia
Taiwán 10 de julio de 1994 Islandia 2 de diciembre de 1994
Portugal
Japón 23 de julio de 1994 Eslovenia 4 de diciembre de 1994

Singapur 10 de agosto de 1994 Croacia 8 de diciembre de 1994

Noruega 18 de agosto de 1994 República Checa 15 de diciembre de 1994

Australia Rusia
25 de agosto de 1994 20 de enero de 1995
Nueva Zelanda Turquía

3 de agosto de 1994 (premier) 5 de julio de 1995 (solo


Francia 9 de noviembre de 1994 China en Pekín)
27 de agosto de 2014 (reestreno) 15 de julio de 1995

5 de octubre de 1994 (premier)


Reino Unido Estonia 3 de mayo de 1996
7 de octubre de 1994

Filipinas 12 de octubre de 1994 — —

Nota: También se estrenó en India, Indonesia y Tailandia en octubre; y en Sudáfrica y en la zona francófona de Suiza en noviembre de 1994.
No aparecen en la tabla debido a que no tienen un día específico de inicio.

Reestreno en IMAX y 3D[editar]


La película tuvo un relanzamiento el 25 de diciembre de 2002 en formato IMAX, ocho años
después de su estreno original. De acuerdo a Hahn: «Había toda una generación nueva de
niños que no la habían visto, sobre todo en la pantalla grande». El proceso de restauración y
mejora de ciertas escenas resultó sencillo ya que el filme había sido archivado digitalmente.38
54 No obstante, este lanzamiento solo llegó a la salas de cine de Alemania, Estados

Unidos, Francia, México y Reino Unido —25 de diciembre—; Sudáfrica —27 de diciembre—
, Japón —1 de enero de 2003—, Rusia —31 de marzo— y República Checa —15 de mayo—
.53
En junio de 2011 se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo5355 una versión
en 3D que sí tuvo una mayor cobertura que la versión en IMAX53 pese a que solo duró un par
de semanas en cartelera.5657 A esta versión le siguió un lanzamiento en formato Blu-ray 3D.56
57 A continuación aparecen listadas las fechas de estreno en cada país de la versión 3D:

Fechas de estreno en 3D (Fuente: IMDb)53

País Fecha de estreno País Fecha de estreno


24 de junio de 2011 (premier)
Reino Unido Malasia 20 de octubre de 2011
7 de octubre de 2011

Ucrania 28 de julio de 2011 Hong Kong 22 de octubre de 2011

México 12 de agosto de 2011 Singapur 25 de octubre de 2011

Israel 25 de agosto de 2011 9 de noviembre de 2011


Malta
Perú

Brasil
Polonia 26 de agosto de 2011 Alemania 10 de noviembre de 2011
Sudáfrica

27 de agosto de 2011 (premier)


Estados Unidos Italia 11 de noviembre de 2011
16 de septiembre de 2011

Croacia 14 de septiembre de 2011 Filipinas 14 de diciembre de 2011

Canadá
16 de septiembre de 2011 España 21 de diciembre de 2011
Paraguay

Islandia 23 de septiembre de 2011 Portugal 22 de diciembre de 2011

Turquía 30 de septiembre de 2011 Corea del Sur 29 de diciembre de 2011

Países Bajos 5 de octubre de 2011 Suecia 6 de enero de 2016

Argentina
6 de octubre de 2011 Noruega 13 de enero de 2012
Grecia

Irlanda
7 de octubre de 2011 Finlandia 20 de enero de 2012
Pakistán
Japón 8 de octubre de 2011 Kazajistán 20 de marzo de 2012

Kuwait 13 de octubre de 2011 Rusia 22 de marzo de 2012

Taiwán 14 de octubre de 2011 Francia 11 de abril de 2012

Recepción[editar]
Comercial[editar]
El rey león recaudó 422 783 777 USD en Estados Unidos y Canadá, y 545 700 000 USD en el
resto de países, para un total de 968 483 777 USD.1 Hasta 2016 era la trigésima película que
más dinero había recaudado en la historia del cine58 y también uno de los mayores éxitos en
taquilla de Disney —solo por detrás de Frozen y Zootopia—.5960 Además, se trató del mayor
éxito de taquilla internacional en 1994.61 Después de su estreno inicial, con una recaudación
de 768 millones USD en todo el mundo se situó en el segundo puesto en la clasificación de las
películas más taquilleras de la historia, solo por debajo de Parque Jurásico.62 No obstante, fue
luego superada por otros filmes como Titanic, en 1997.63 Por añadidura, ostentó en su día el
récord de la cinta de animación más taquillera de todos los tiempos hasta el estreno de
filmes animados por computadora como Buscando a Nemo (2003), Shrek 2 (2004), Ice Age:
Dawn of the Dinosaurs (2009) y Toy Story 3 (2010), antes de su reestreno en 2011. Gracias a
los ingresos obtenidos con el lanzamiento en 3D, El rey león volvió a superar a todas las
películas anteriormente mencionadas, con la excepción de Toy Story 3, y subió de nuevo al
segundo puesto del ranking. Más tarde, bajó al sexto lugar tras el estreno
de Frozen (2013), Minions (2015), Buscando a Dory y Zootopia —este último par de 2016—,
aunque a fecha de 2016 sigue siendo la película de animación tradicional más taquillera de
todos los tiempos.64 También es la que ha tenido mayor afluencia de público —tanto en su
estreno como en los reestrenos posteriores— en el período 1961-2011.65
Aunque tuvo un estreno original limitado, ganó 1 586 753 USD en el fin de semana del 17 al
19 de junio de 1994, lo que la ubicó dentro de las diez mejores en taquilla de esa semana.66
Sin embargo, la media de recaudación en fin de semana por cine se mantiene como la más
alta de todos los tiempos, con 793 377 USD.67 Con su lanzamiento el 24 de junio en más de
2000 salas de cine, El rey león recaudó 40,9 millones USD —que en aquel entonces se
convirtió en el cuarto mejor fin de semana de apertura para un filme de Disney—, lo que la
ubicó de nuevo dentro de las diez mejores en ventas,17 además de conseguir la calificación
«A+» de CinemaScore.68 Al final de su primer lanzamiento, hacia la primavera de 1995, había
ganado 312 855 561 USD,1 lo que la convirtió en la segunda película de 1994 en lograr mejor
rendimiento en taquilla en América del Norte, tras Forrest Gump,69 que sumado a lo
conseguido en el extranjero —455 millones USD—, recaudó un total de 768 millones USD.62
También es importante mencionar que, gracias el éxito de El rey león y de todas las películas
producidas en esa época, el período en el que se estrenaron es conocido como
el Renacimiento de Disney.70
Con su lanzamiento en formato IMAX, en su primer fin de semana del 27 al 29 de diciembre
de 2002 consiguió 2 789 969 USD en 66 salas de cine, con una media de 27 664 USD por
cada sala de cine y un total al 30 de mayo de 2003 de 15 686 215 USD.71 Posteriormente, en
2011 se convirtió a 3D para un lanzamiento limitado de dos semanas.56 La película empezó el
16 de septiembre de 2011 con 8,9 millones USD72 y acabó el fin de semana como la primera
en taquilla, con 30,2 millones. Fue así como pasó a ser el primer reestreno en conseguir la
primera posición en América del Norte desde Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi, en
1997.64 También ostentó la decimotercera posición de las producciones con mayores ingresos
durante el mes de septiembre de cualquier año.73 Se mantuvo en la primera posición durante
su segundo fin de semana, aunque perdió un 27 % de ingresos, hasta los
21,9 millones USD.74 Lo anterior pese a que algunos analistas habían estimado que sus
recaudaciones cayeran hasta un 50 % y fuese superada por Moneyball.75
Debido al éxito en taquilla, muchas salas siguieron mostrando la cinta más allá de las dos
semanas previstas, aunque su lanzamiento en Blu-ray 3D estaba estimado para dos semanas
y media después de su primera proyección en cines.74 En América del Norte, su reestreno
terminó el 12 de enero de 2012 con un beneficio de 94 242 001 USD, mientras que fuera de
esta región ganó 91 300 000 USD.76 El éxito del filme en esta versión hizo que tanto Disney
como Pixar comenzaran a planificar el relanzamiento en 3D de La bella y la bestia, Buscando
a Nemo, Monsters, Inc. y La sirenita durante 2012 y 2013.77 Sin embargo, las tres primeras no
consiguieron el mismo nivel de aceptación que El rey león, razón que llevó a la cancelación de
los otros relanzamientos.78798081 De acuerdo a Ray Subers, la razón por la que el reestreno
de El rey león cosechó un gran éxito en taquilla se debía a que «la sensación de un
relanzamiento en 3D todavía estaba fresca y [era] emocionante, y tuvo una oportunidad dado
el inminente lanzamiento en Blu-ray. La audiencia ha sido golpeada con tres lanzamientos en
3D al año, lo que ha provocado que el valor de la novedad se haya desgastado
definitivamente».82
Crítica[editar]
Anglosajona[editar]

Roger Ebert, reconocido crítico del Chicago Sun-Times, dio una calificación casi perfecta a la película.

El rey león obtuvo críticas favorables en general. Rotten Tomatoes estimó un índice de
aprobación del 92 % y una media ponderada de 8,3/10 con base en 119 críticas,83 mientras
que la variable estandarizada de Metacritic computó una media de 83/100 basada en catorce
opiniones.84 Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, la calificó como «una animación
magníficamente dibujada» y señaló que «la saga de Simba, con unos orígenes profundamente
sepultados, tiene algo de tragedia griega y, desde luego, a Hamlet, es una experiencia de
aprendizaje a la par que de entretenimiento». Le dio un puntaje de 3,5/4 estrellas.85 Si bien
recibió buenas críticas en el programa Siskel & Ebert & the Movies, también fue objeto de
crítica al ser comparada con otras películas de Disney; por ejemplo, Gene Siskel recalcó que
no era tan buena como La bella y la bestia.86 Hal Hinson, de The Washington Post, señaló que
era «un logro impresionante, casi abrumador» y sintió que fue «espectacular de la misma
manera que ya se ve comúnmente con las animaciones de los largometrajes de Disney»,
aunque al final fue menos entusiasta y comentó que era «de Shakespeare en tono, de alcance
épico y parece más apropiada para adultos que para niños. Incluso diría que para los adultos
también sería realmente extraña».87
Owen Gleiberman, de Entertainment Weekly, elogió el filme y escribió que «tiene la
resonancia de aguantar no solo unos dibujos animados geniales, sino también una película
emotivamente picante».88 También la revista Rolling Stone alabó la cinta, ya que su
crítico, Peter Travers, percibió que era «una combinación de música, diversión e
impresionantes emociones para que no falte el corazón enormemente entretenida».89 James
Berardinelli, de ReelViews, también opinó que era una gran película y declaró: «Con cada
nuevo lanzamiento de una animación, Disney parece que expande sus horizontes un poco
más. El rey león es el más maduro —en más de un sentido— de esos filmes y es evidente que
ha habido un esfuerzo intencionado para satisfacer tanto a adultos como a niños.
Afortunadamente, para aquellos de nosotros que están muy lejos de los dibujos animados,
han cosechado un éxito».90 En tanto, Janet Maslin, del diario The New York Times, afirmó que
«cuenta con varias formas infalibles de carga cómica, un tipo de humor que es una auténtica
especialidad de Disney», si bien dijo que «hace énfasis en el machismo, [ya que] no tiene
heroína, a diferencia de sus predecesores inmediatos».91
Por otro lado, algunos articulistas encontraron problemas en la narrativa de El rey león. Por
ejemplo, el personal de TV Guide escribió que, si bien la cinta era técnicamente eficiente y
entretenida, «ofrece una canción menos memorable que la de éxitos anteriores y una solución
dramática apresurada e insatisfactoria».92 Finalmente, Terrence Rafferty, de la revista The
New Yorker consideró que, a pesar de la buena animación, «manipulaban nuestras reacciones
a la voluntad», ya que «entre traumas, la película incluye números musicales dulcemente
banales y es una comedia tonta e inquieta».93
Hispanoamericana y española[editar]
Al igual que en los países anglosajones, en general, la cinta consiguió buenas opiniones por
parte de la crítica hispana. La revista española Fotogramas le dio una puntuación de cuatro
sobre cinco estrellas.94 Antonio Méndez, de AlohaCriticón.com, afirmó que la historia «es muy
simple pero efectiva en provocar emociones en torno a maduración, ciclo vital, vínculo
paternofilial, tragedia familiar...», aunque reconoció que «la animación no es que deslumbre
pero los personajes tienen personalidad».95 Juan-Fabián Delgado, colaborador para
Criticalia.com, también elogió el filme, en especial a sus productores, ya que «han cuidado su
diseño, sus bandas sonoras, sus lanzamientos publicitarios y han usado para hacer mercado
la inercia de la marca».96
La publicación mexicana Cine Premiere, fue una de las que dio mejor puntuación al filme en
versión 3D —5/5 estrellas—, ya que Clara Itzel Hernández declaró que «sus colores son
increíblemente nítidos y brillantes», aunque no se olvidó de la historia que «sigue siendo
desgarradora» y catalogó a Scar como «uno de los grandes villanos de Disney».97 Por otro
lado, Jesús Delgado, columnista de Hobby Consolas, también alabó la producción, al decir
que «estamos ante uno de los trabajos más cuidados de la compañía [y] una maravillosa
banda sonora».98 El sitio web Decine21.com afirmó que «la contribución más valiosa de esta
cinta ha sido inculcar el amor a la naturaleza entre el público más joven».99
Sin embargo, la cinta no evitó algunas valoraciones contrarias. Paula Arantzazu,
de SensaCine.com, dijo sobre la versión 3D que «quienes sienten debilidad por los felinos no
necesitan de la tridimensionalidad en pantalla para emocionarse de manera más intensa»,
además de añadir que «la secuencia de Scar y las hienas [está] inspirada en las sombras del
totalitarismo del siglo pasado».100 Esta última línea argumental también la siguió Santiago
Navajas, de Libertad Digital, quien fue especialmente crítico con la sección inicial: «La película
comienza con una apología del totalitarismo con el dictador Mufasa presentando a su
heredero recién nacido, con todos los animales de la selva, sus súbditos y potenciales
víctimas, aplaudiendo a su futuro rey y asesino».101
Premios y reconocimientos[editar]
El rey león recibió cuatro nominaciones a los Globos de Oro y a los Óscar. De los primeros,
sería vencedor en las categorías de mejor película comedia o musical, mejor banda
sonora y mejor canción original —por «Can you feel the love tonight?»—. La canción de
«Circle of Life» también fue nominada.102 En los Óscar, fue el ganador en la temática de mejor
banda sonora y mejor canción original —con la misma que en el Globo de Oro—. Las
canciones «Circle of Life» y «Hakuna Matata» también fueron nominadas.103 «Can you feel the
love tonight?» también ganó un Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.104 La
película también conquistó los premios Annie en las categorías de mejor película animada,
mejor actuación vocal —para Jeremy Irons— y mejor historia en un filme animado.105
Por su parte, en los Saturn, la cinta fue nominada a las secciones mejor película de
fantasía y mejor interpretación de un actor/actriz joven, pero no ganó en ninguno de los
casos.106 También recibió las nominaciones para los premios de cine de la Academia
Británica, por el mejor sonido y al Anthony Asquith a la mejor música de película pero perdió
frente a Speed y Backbeat, respectivamente.107 Además, también recibió los BMI Film & TV
Awards por la música y canción mejor representada gracias a, precisamente, «Can you feel
the love tonight?».108 En los MTV Movie Awards de 1995, estuvo presente en mejor villano y
mejor canción, pero perdió en los dos.109 También ese mismo año, se presentó en los Kids
Choice Awards de Nickelodeon y ganó como película favorita.110
En 2008, la revista Empire llevó a cabo una encuesta entre numerosos lectores y críticos para
seleccionar cuáles eran las quinientas mejores películas de todos los tiempos y El rey león fue
galardonada con el puesto 319.111 A su vez, American Film Institute la ubicó en el cuarto
puesto de las 10 mejores películas de animación,112 entretanto que la revista Time incluyó la
cinta dentro de las 25 mejores películas animadas de todos los tiempos.113 Además, en 2016
la película fue seleccionada por el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos para su
conservación en la Biblioteca del Congreso.114
Controversias[editar]
Véase también: Jungle Taitei#Controversia: El rey león

Ciertos elementos del filme guardan similitudes con el anime de los años 1960, Jungle Taitei,
al mostrar personajes análogos —por ejemplo, el protagonista se llama «Kimba»— y
numerosas escenas casi idénticas en composición y ángulo de cámara. De hecho, Broderick
creía al principio que Disney trabajaba en una adaptación del anime, ya que estaba muy
familiarizado con esta producción.115 Sin embargo, la postura oficial de Disney fue que se
trataba de simples coincidencias;116 Roger Allers dijo que «durante el tiempo en el que trabajé
nunca se mencionó el nombre de esa serie»,117 a lo que Rob Minkoff añadió que «si infringiera
las leyes de infracción de derechos de autor, Disney lo diría [...] No es inusual que aparezcan
babuinos o hienas» u otros animales de la fauna africana.118 A su vez, Yoshihiro Shimizu,
de Tezuka Productions y creador de Jungle Taitei, desmintió rumores que mencionaban que
su estudio había recibido dinero en secreto por parte de Disney para evitar acciones legales.
Al contrario, aclaró que nunca fue su intención ejercer una demanda contra Disney pese a que
algunos ejecutivos de Tezuka creían que esto se debía a que «somos una compañía débil. No
merecería la pena, de todos modos... ¡Los abogados de Disney se encuentran entre los veinte
más importantes del mundo!».119 Más tarde la serie estadounidense Los Simpson parodió este
hecho en el capítulo «'Round Springfield», donde aparece una nube con la forma de Mufasa y
dice: «Debes vengar mi muerte, Kimba, quiero decir, Simba».120
Otra polémica surgió cuando la audiencia sugirió que aparecía la palabra «SEX» —del inglés:
«sexo»— en una escena en la que Simba levanta polvo al echarse.121 El activista
conservador Donald Wildmon aseveró que se trataba de un mensaje subliminal con el objetivo
de promover la promiscuidad sexual. Los animadores de la película manifestaron que las
letras en realidad eran «SFX» —una abreviatura común para «efectos especiales» en inglés—
con la intención de rendir homenaje a los animadores de efectos por computadora.122 En otra
escena durante la interpretación de la canción «Be Prepared» se detectaron elementos
reminiscentes del nazismo, al mostrar a las hienas desfilando de una forma muy parecida a la
de los militantes en los congresos nacionales de Núremberg.123
Ciertos biólogos especialistas en las hienas protestaron contra la representación que se las
había dado a estas criaturas en El rey león: de hecho, un investigador denunció a Disney
por difamación124 y otro —que había preparado a los animadores una visita al Área de
Investigación del Comportamiento de la Universidad de California en Berkeley para observar y
dibujar hienas en cautividad—125 promovió el boicot a la película como forma de ayudar a
preservar estos animales en la naturaleza.126 Algunos analistas coincidieron en que las hienas
aparecen en el filme como una alegoría contra la inmigración, representando a comunidades
latinas o negras,127128 ya que hablan un dialecto comúnmente asociado con estos grupos
étnicos de Estados Unidos.129

Adaptaciones y secuelas[editar]
Cine y televisión[editar]
El primer proyecto de animación relacionado con El rey león fue protagonizado por dos de los
personajes de la película, Timón y Pumba. En concreto, el dúo apareció en el corto de
animación «Stand by Me», en el que Timón canta la canción del mismo nombre. Este fue
estrenado en 1995, al mismo tiempo que la película Tom and Huck. Después, ambos
personajes protagonizaron su propio programa de animación, Timón y Pumba, que abarcó tres
temporadas con 85 episodios en total y se emitió entre 1995 y 1999. Ernie Sabella dobló a
Pumba para el programa, mientras que la voz de Timón corrió a cargo de Quinton
Flynn y Kevin Schon, además de Nathan Lane.130
Disney estrenó dos secuelas directamente para vídeo. La primera de estas es The Lion King
II: Simba's Pride, lanzada al mercado en 1998 en formato VHS. Dicha película se centra en la
hija de Simba y Nala, Kiara, la cual se enamora de Kovu, un león criado en una manada de
seguidores de Scar, «The Outsiders» —del inglés: «Los Forasteros»—.131 En 2004 vio la luz
una segunda secuela en DVD, El rey león 3: Hakuna Matata. No obstante, parte de esta
película es una precuela, porque se narran las circunstancias en las que Timón y Pumba se
conocieron, y también puede considerarse una medicuela, en el sentido de que se muestra
una retrocontinuidad de las acciones de los personajes durante la película original de 1994.132
Más tarde, en junio de 2014, se hizo pública la noticia del estreno de una serie de televisión
basada en la película, The Lion Guard, protagonizada por Kion, el segundo cachorro de Simba
y Nala. El programa es una secuela de El rey león y una medicuela de The Lion King II:
Simba's Pride.133 Aunque fue retransmitida por primera vez en Disney Channel como una
película de televisión titulada The Lion Guard: Return of the Roar, en noviembre de 2015, se
convirtió en una serie de Disney Junior en enero de 2016.134135
En septiembre de 2016, debido al éxito comercial y de crítica de El libro de la selva, Walt
Disney Pictures anunció una adaptación del filme pero en imagen real, dirigida por Jon
Favreau y con animaciones creadas con la técnica de imagen generada por computadora.136
Se estrenó en julio de 2019.137
Videojuegos[editar]
Durante la temporada navideña de 1994 se distribuyeron tres videojuegos inspirados en la
película. Virgin Interactive desarrolló uno de ellos para las plataformas PC, Amiga, Super
Nintendo y Sega Mega Drive/Genesis, mientras que Dark Technologies y Syrox Developments
estuvieron detrás de la producción de otros juegos para Game Boy, y Master System y Game
Gear, respectivamente.138 Seis años después, la cinta y su secuela, Simba's Pride, sirvieron
de inspiración para otro juego, desarrollado por Torus Games: The Lion King: Simba's Mighty
Adventure (2000) para Game Boy Color y PlayStation.139 Timón y Pumba también aparecieron
en Timon & Pumbaa's Jungle Games (1995), un juego de puzles para PC de los estudios 7th
Level, posteriormente reeditado para SNES por Tiertex.140
Simba aparece como un personaje jugador en el nivel «Pride Lands» de Kingdom Hearts II,
desarrollado por Square Enix.141142143 Además, uno de los escenarios del videojuego de
2011, Disney Universe, está basado en El rey león,144 mientras que Simba también aparece
en el juego de Nintendo DS, Disney Friends (2008).145
Adaptaciones al escenario[editar]
Artículo principal: El rey león (musical)

Walt Disney Theatrical produjo una adaptación en forma de musical con el mismo título que la
película, cuyo estreno tuvo lugar en Minneapolis, Estados Unidos, en julio de 1997. Un mes
después, el musical llegó a Broadway, donde fue estrenado en el teatro New Amsterdam
Theatre. El musical estaba dirigido originalmente por Julie Taymor,146 e incluía canciones tanto
de la película como de Rhythm of the Pride Lands, así como tres nuevas composiciones
musicales de Elton John y Tim Rice. Mark Mancina se encargó de los arreglos musicales y la
orquesta compuesta expresamente para la obra.147 Este musical es uno de los más exitosos
en la historia de Broadway, como demuestran los seis Tony Awards que ganó, entre ellos el
de mejor musical. Por añadidura, aunque fue trasladado al Teatro Minskoff en 2006, todavía
es representado en Nueva York, lo que lo convierte en el tercer musical que más tiempo ha
estado en cartelera en Broadway y en la producción más taquillera de su historia. Debido a su
éxito comercial, varias adaptaciones de este han sido estrenadas con posterioridad en todo el
mundo.15148149
El rey león sirvió de inspiración para dos espectáculos basados en la historia de la película,
inaugurados en varios de los parques de atracciones propiedad de Walt Disney Parks and
Resorts. El primero, The Legend of the Lion King, consistía en una recreación de la película
mediante modelos a tamaño real de sus personajes, y estuvo en activo desde 1994 hasta
2002 en el área de Magic Kingdom en el parque de atracciones Walt Disney World.150 Otra
atracción que sigue en funcionamiento a fecha de 2016 es el evento musical de treinta
minutos de duración Festival of the Lion King, en el que los números musicales de la película
son representados con actores reales y muñecos animatrónicos de Simba y Pumba, además
de un actor disfrazado de Timón. Esta atracción abrió sus puertas en abril de 1998, en el
área Animal Kingdom de Disney World,151 y un espectáculo idéntico fue estrenado en
septiembre de 2005 en la zona de Adventureland de Hong Kong Disneyland.152 Una versión
parecida del espectáculo, «The Legend of the Lion King», estuvo en activo en Disneyland
Paris entre 2004 y 2009.153154
El musical ha ganado más de 70 de los galardones del orbe, entre ellos seis premios Tony, en
las 22 producciones globales, las cuales han sido vistas por más de 80 millones de personas
alrededor del mundo.155

Formato casero[editar]
El rey león fue lanzada al mercado del cine doméstico por primera vez en
formato VHS y Laserdisc en Estados Unidos el 3 de marzo de 1995, como parte de la
colección de películas para consumo personal de Disney Walt Disney Colección Maestra. La
versión en VHS incluía un tráiler preliminar de la película animada Pocahontas, también
producida por Walt Disney Pictures y que por aquel entonces todavía no había sido estrenada.
En dicho avance, la protagonista de la película, Pocahontas —doblada por Judy Kuhn—
interpreta la canción «Colors of the Wind».156 Además, también fueron puestas a la venta las
versiones Deluxe de ambos formatos; en VHS incluía el filme, en algunas ediciones
una litografía exclusiva de Rafiki y Simba, un epígrafe conmemorativo de «Circle of Life», seis
litografías del arte conceptual previo a la creación de la película, una cinta de vídeo extra con
el documental estrenado en televisión Cómo se hizo El rey león, así como un certificado de
autenticidad. Por su parte, la versión Deluxe en Laserdisc también incluía tanto la película
como las seis litografías y el documental televisivo anteriormente mencionados, pero traía
contenido adicional como guiones gráficos, croquis de diseño de los personajes, más arte
conceptual, videoclips de animación preliminar, y los comentarios del director de los que la
versión en VHS carecía, todo ello en cuatro discos de doble cara. De ambas versiones, la
versión VHS consiguió un mayor éxito comercial al venderse 4 500 000 unidades el día de su
lanzamiento al mercado,157 hasta hacer un total de 30 000 000 de unidades vendidas en 1997.
Estas cifras hicieron que El rey león pasara a ser la cinta con más copias VHS vendidas en
toda la historia de este formato.158 Una moratoria en la venta al público entró en vigor en 1997,
por decisión de Disney, en virtud de la cual la película dejó de fabricarse y comercializarse
durante seis años.37
Posteriormente, el 7 de octubre de 2003, el VHS volvió a estar disponible en el mercado junto
con la primera versión en formato DVD, con el título El rey león: Edición Platino, que forma
parte de la colección Edición Platino de los clásicos de animación de Disney en formato DVD.
Comprendía dos versiones de la película en el primer disco, una remasterizada creada para el
reestreno de 2002 en cines IMAX y otra editada del reestreno IMAX idéntica a la versión del
filme lanzada en 1994.159 Un segundo disco, con contenido extra, fue incluido también en el
lanzamiento en DVD. En lo concerniente a la banda sonora, estuvo disponible tanto en Dolby
5.1 como en Mezcla Mejorada de Home Cinema Disney. De esta forma, el lanzamiento en
DVD de El rey león es el primero de Disney que incluyó ambas mezclas de audio de la banda
sonora.160 Mediante seamless branching, la cinta podía ser visualizada con o sin una escena
alternativa: una breve conversación era reemplazada por la canción «The Morning Report».
También salió a la venta una edición especial del coleccionista, que comprendía los dos
discos de la edición en DVD, cinco retratos litográficos exclusivos de los personajes de la
película —croquis expresamente dibujados y firmados por los técnicos de animación
originales—, y un libro introductorio titulado El Viaje —del inglés: The Journey—.37 Por su
parte, la Edición Platino de la película incluyó modificaciones realizadas para la versión
reeditada de El rey león que se estrenó en cines IMAX, como por ejemplo el rediseño de las
animaciones de los cocodrilos en la secuencia musical «I Just Can't Wait to Be King», además
de otros cambios estéticos.159 Las ventas del DVD en Edición Platino y la cinta VHS
alcanzaron las dos millones de unidades en el mismo día de su lanzamiento al público.157 Más
tarde, un pack de DVD de las tres películas de la saga El rey león —cada una en formato de
Edición Especial de dos discos— salió a la venta el 6 de diciembre de 2004. En enero de
2005, la fabricación de discos DVD y cintas VHS de la película original y sus secuelas fue
puesta de nuevo en moratoria.161
Walt Disney Studios Home Entertainment puso en venta la Edición Diamante de El rey león el
4 de octubre de 2011.57 Esta es la primera ocasión en la que la película ha sido estrenada en
alta definición para Blu-ray y Blu-ray 3D.57162 Se comercializaron cuatro versiones distintas de
la edición en alta definición para cine doméstico: una edición de dos discos con la película en
DVD y en Blu-Ray, una edición de cuatro discos con la película en DVD, Blu-ray, Blu-ray 3D
y copia digital, y una caja recopilatoria de ocho discos, que incluye también las secuelas The
Lion King II: Simba's Pride y El rey león 3: Hakuna Matata.57162 A estos lanzamientos se sumó
una edición de un solo disco en DVD, puesta en venta el 15 de diciembre de ese mismo año.57
El éxito cosechado por la versión en VHS volvió a repetirse esta vez, ya que las ediciones en
Blu-ray lograron vender más de un millón y medio de copias inmediatamente después del
lanzamiento, lo que la situó en el primer puesto del ranking de ventas de películas en Blu-ray
en la semana de su lanzamiento.163 A fecha de marzo de 2012, aproximadamente 3 830 000
unidades en Blu-ray han sido vendidas en total, con unos ingresos de 101 140 000 USD.164

Véase también[editar]
 El rey león (franquicia)
 Simba
 Nala (El rey león)
 Scar (El rey león)

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