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ARTE EN LA
BAJA EDAD MEDIA
OCCIDENTAL: '
AROUITECTURA,
ESCULTURA
PINTURA
Esther Aege Carvajal
Inés Monteira Arias
Joaquín Malínez Pino
Antonio Perla, de las Parras
Sergio Vidal Alvaez
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ÍNDICE

INTRODUCCION...,.................................................,.......................... 13

TEMA 1. IiNA MIRADA HACIA EL ARTE DE LA ALTA EDAD


19

1. Aproximación al arte de la Alta Edad Media..............................,... 19


2. Et primer arte cristiano (siglos i a v) ............................................... 21
3. El artade las invasiones gerttiánicas (siglos vi a vio) ..................... 25
4. El arte bízantino altomodieval (siglo vi a inicios del xm) ............... 28
4.1. El arte de la Primera Edad de On (476-717).......................... 29
4.2. El arte de la Segunda Edad de Oro (867-1204)....,.................. 32
5. El arte islámico de Oriente y Occidente en la Alta Rdad Media ...... 34
5.1. El arte islániico oriental hasta el 9iglo xi................................. 3S
5.2. El arte andalusí hasta el siglo xi.............................................. 37
6, El arte prerrománicn de los siglos m y x: arte irlandés, arts caro-
lingio, arte asturiano y arte mozárabe .............................................
7. El arte romáaico: primer estilo intemacional europeo (siglos xi a xin)
7.1. La arquitecnirammánica......................................................... 4S
7.2. La imagen románica................................................................ 48
g. Hacia el arte gdtico..............................,........................................... NO

TEMA 2. INTRODUCCIÓN AL ARTE GÓTICO ..........,.................. 53

1. El término gdtico y :sus valoraciones historiográf ícas ..................... 53


2. El espacio y el tiempo englobado en el concepto “gótico”............. 6fi
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3. La catedral gòtica ...........................„..............,................................ 62


3.1. El sistema constructivo del gótico: ovaeiones técnícas y
formales ................................................„.,.,..„......................... 62
3.2. El proceso eonstructivo: medios técnicos y métodos .............. 70
3.3. El significado simbólico: el orden cósmico y la mística de
la luz .........................................,. .......................................... ,. 81
3.4. Espacios y usos de la catedral .......................,...........,............. 82
4. La evolución de las artes figurativas: escultura y las nuevas artes
.del cólor......................................................,...............,.................... 85
5. La ciudad en la cultura gótica.........................,..................,............. 87
5,1. La forma de la ciudad medieval ..................................,........... • 87

TRMA 3. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN EL SIGLO XIII:


LAS GRANDES CATBDRALES...........................,........... 97

1. Francia: origen y fases de la arquitectura gótica..................,.......... 97


2. El gdtico preclásico, el clásico y el radiante ................................... 100
3. Originalidad del gótico inglés: el primer gdtiao y el estilo dec,o-
rado................„„. .......................................................................... ,. 112
4. España: la importación del modelo francés.......................:............. 119
4.1. Las grandes catedrales castellanas ...,........,.......................... ,. 122
4.2. Las peculiaridades del gótico en la Corona de Aragón ........... 128
5. Italia yla nadicidn clásica..,.........,.,................................................ 131
6. La arquitectura gótica en Centroeuropa ,......................................... 134

TRMA 4. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN LOS SIGLOS XIV


Y XV..............,.,.................,. ............................................ , 139

í, La arquitecnira tardogótica en Europa ..,........,................................ 141


l.l. El gótice flamlgero francés ....................,................................ 144
1.2. El g6tico perpendicular ingles............................,.................... 1.48
1.3. El dominio de las iglesias de salón en Centroeuropa.............. 151
1.4. España: el final del gdtico y el reinado de los Reyes Católicos . 152
1.5. El gdtico manuelino en Pomigal. ..................................... ,.. 163
2. Gil auge de la arquitectura civil: edificios para la ciudad........,........ 165
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TEMA 5. LA ESCULTURA GÓTICA............................................... 171

1. La renovmión del lenguaje plástico ..................................,...,......... 171


2. La escultura gdtica de los aiglos xii y xpi ....................................... 173’
2.1. Escultura gótica en francia ....................................:................ 173
2.1.1. Los orígenes de la escultura gótica: Saint Denis,
Chartrea y París............................................................. 173
2.1.2. Lii escultura gótica del siglo xm. Las grandes portadas:
Amiens y Reims ........................................................... 177
2.2. La difusión del gótico en el Imperio. Los modelos de Esnas-
burgo y Bamberg ..................................................................... ]82
2.3. La asimilación de los modelos franceses en España. Burgos
y Ledn....................................................:................................. 185
3. Clasicísmo y originalidad del gótico en Italia................................. 187
4. La escultura gótica de los siglos xiv y xv: Escultura exenta y
18.9

TEMA 6. EL GÓTICO Y LAS ARTES DEL COLOR....................... 201

1. Las artes del color. El gótico lineal y el auge de la vidríera y la


miniatura.........................,................................................................ 201
2. La vidriera. Simbolismo, técnica y desarrollo histíírico.................. 204
2.1. Los grandes conjuntos vitrales ..........................................,. ,. 2ós
3. La miniatura gótica y los libros de devoción durante el siglo xci... 209
3.I. La miniatura en Francia: el Salterio de San Luís, el Salterío
de Blanca de Castilla y el Maestro Honoré ............................. 2lO
3.2. Evolución de la miniatura en Inglaterra y España................... 213
4. El desarrollo de la pintura durante el siglo xiv ............................... 215
5. £fl gotico internacional..................................................................... 220

TEMA 7. LA PITTURA ITALIANA DE LOS SICrLOS XBIY XIV:


DUECENTO, TMCENTO Y SUS PRINCIPALES
ESCUELAS ........................................................................ 233

i. “I primi lumi”. Introducción a la Historíografía del Arte e Historia


de la Italia de los siglos xm-xrv ...................................................... 233
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2. La influencia bizan’bna en la pintura y el mosaico en la Italia del


Duecento.......................................................................................... 235
2.1. Los artistas toscanoi.,.............................................................. 236
2.2. La escuela de Roma............................................................... 238
3. El Trecento, un nuevo estilo pictórico en la Europa dela BajaEdad
Media............................................................................................... 242
3.1. Cimabue y la transición Florentina hacia el Tre eritó .............. 242
3.2. La escuela de Horencia: Giotto y sus seguidores............... ... 245
3.3. La escuela de Siena: Duccio, Simone Martini y los hermanos

3.4. La pintura del Trecento en Italia tras la Peste Negra........... _


4. La ínñuencia del Trecento en Europa........................................... . 265

TEMA 8. LA PINTURA PLAMENCA.............................................. 27a

1. Introducción................................................................................. . 271
2. Contexto geográfico, histórico y social........................................ . 172
3. Cambios en la producción arsstica y principales rasgos de la pintiaa
fl amenca ............................................................................... ...... . 273
4. Los fundadores del estilo: el Maestro de Flémalle, Jan van Kynk
y Rogier van der Weyden ,..,................................................. ., .. 27d
5. La consolidación del estilo: Petrus Christas, Dirk Bouis y Hugo
van dei Goes.......................................,.................................. 288
6. Hacia finales del siglo xv: Hans Memling, G6rard David y &
Bosco...............................,..................,................................, .. 293

TEMA 9. AL-ANDALUS: LAS INVASIONES ALMORÁVIDES,


kLivíoilnoHsv zL eUwo N«z?mí............... .... 303

1, Almorávides. Notas histñrieas....................................... . 303


1.1. Al-Andalus y la unión de dos continentes.......... 3o3
1.2. Características generales del arte almoráviúe.... .... 308
1.3. Téjidos almorávides....................,.................. .. .. 3os
2. La invasión de los Almohades................................ . .. 310
2.1. Al-Andaluz almohada........................................ 311
2.2. Mezquitas y alminares................................. . .... 313
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2.3. Arquitectura defensiva............................................................. 317


2.4. El Jardín del Paraíso ................................................................ 319
3. El reino nazarí ................................................................................. 321
3. 1. A 1 -H aiTira ................................................................................. 322
3.2. Los Palacios de la Alhambra ................................................... 324
3.3. Significados ............................................................................. 330

TEMA 10. LAS ARTES DEL MUDEJAR ............ 333

1. Sobre el origen del término mudéjar ............................................... 333


2. Cuestionamientos del término ......................................................... 335
3. Establecimiento de un matco .......................................................... 336
4. Movilidad, influencias e intercambios .............. 339
3. Revisión de conceptos ..................................................................... 342
6. Modelos hispanomusulmanes: las qubbas y los alminares ... 349
7. Consideración sobre los materiales ................................................. 357
7.1. El yeso ..................................................................................... 358
7.2. Carpinterías de armar .............................................................. 360
8. Toledo, eI primer foco ..................................................................... 362

BIBLIOGRAFIA.................................................................................. 367
TEMA 1. UNA MIRADA HACIA EL ARTE DE LA ALTA EDAD
MEDIA

Aproximación al arte de la Alta Edad Media

Con frecuencia se habla de la Edad Media como de una época


decadente, estereotipo que ha afectado particularmente al concepto de
arte medieval, entendido como una manifestación tosca y primitiva, un
arte realizado por artesanos ignorantes que olvidaron el buen hacer de
los antiguos maestros.
Trabajos de mayor rigor histórico, en un contexto histórico y
sociocultural han superado estas nociones.
El surgimiento y expansión del cristianismo determinarán en gran
medida esta etapa, condicionada por el derrumbe del Imperio romano.
Hay que reconocer que en Occidente se retrocede técnica y
culturalmente, afectando al arte, pero la Alta Edad Media es un período
muy largo, formado por un gran número de civilizaciones, culturas y
hasta imperios, que en Oriente y Occidente llegaron a ser
esplendorosos.
El retroceso cultural que se observa en Occidente cristiano durante los
primeros siglos medievales, contraste con el florecimiento cultural de
Al Andalus y el Oriente musulmán.
Las consecuencias fueron que Cordoba y Bagdad se convirtieron en
centros de saber a los que acudían a formarse monjes y clérigos de
todos los rincones de la cristiandad, siendo el árabe la lengua
internacional del conocimiento. En Bizancio se supo conservar con
esmero la antigua cultura. Por ello, el despertar artístico y cultural que
se produce en Occidente cristiano en el siglo XI, está en deuda con las
culturas bizantina y musulmana, (esta última irradió su influencia desde
la Península Ibérica y Sicilia.
A pesar de estas consideraciones, hubo un punto común en la Alta Edad
Media, tanto en el cristianismo occidental, Bizancio e islamismo: la
figuración abstracta alejada de todo realismo.
Por ello, las formas planas y desproporcionadas de pinturas, mosaicos y
relieves no se debe a la falta de pericia técnica de los artistas, sino a una
voluntad artística: LA DE REPRESENTAR ASPECTOS
ESPIRITUALES POR MEDIO DE LAS FORMAS.
Por ello, teólogos y autoridades cristianas de la época se aseguraron de
que la imagen sirviera únicamente para comunicar dogmas y
representar mensajes morales: la prioridad no era que el fiel se recrease
en los aspectos corpóreos para contemplar las obras

1
El primer arte cristiano (siglos I a V)

El primer arte cristiano es el comprendido entre el surgimiento del


cristianismo y la consolidación de las invasiones germánicas en
Occidente. El Edicto de Milán en el año 313 marca un punto de
inflexión en esta etapa, concediendo al cristianismo la libertad de culto,
y por tanto, de CREACIÓN ARTÍSTICA, tratándose del verdadero
momento de arranque del arte medieval.
El cristianismo supuso una revolución moral:
-Concepto de divinidad única frente al politeísmo pagano
-Igualdad entre los hombres frente a la jerarquización social
romana -Reivindicación del sacrificio frente al lujo de los
patricios

El arte cristiano anterior el Edicto de Milán tuvo un carácter


marcadamente funerario debido a la clandestinidad a la que se vieron
condenados sus seguidores, que llevó a convertir los cementerios
subterráneos (catacumbas), y los enterramientos de los mártires
venerados (martyria) en lugares de reunión. También las casas
particulares sirvieron para la celebración de la eucaristía.
Tras la libertad religiosa promulgada en 313, los cristianos pasaron a
reunirse públicamente y a buscar un lugar cerrado y amplio de
congregación que se adaptara a sus necesidades: LA BASÍLICA
ROMANA, orientada hacia el este y que consta de las siguientes partes:
-Pública: se distribuye en torno a un patio, con una fuente en el centro ,
que daba paso hacia la iglesia propiamente dicha cuyo primer cuerpo es
una nave transversal a los pies: el narthex-Semipública: el nártex da
paso al cuerpo principal de la basílica: la zona semipública formada por
3 ó 5 naves. La nave central marca el eje longitudinal del templo y
destaca por su mayor anchura y altura. Generalmente se separa de los
laterales por medio de columnas enlazadas por arcos. Esta nave central
concluye con un gran arco de triunfo abierto a la
nave transversal del crucero y que da acceso a la parte reservada a los
presbíteros.
-Reservada: es el presbiterio, presidido por el altar protegido por un
baldaquino y que se situaba sobre la sepultura de un santo

2
La primitiva basílica romana de San Pedro del Vaticano respondía a
esta estructura, y fue edificada hacia 320 en el lugar donde se creía que
había sufrido martirio San Pedro.
Las artes figurativas presentan variedad de formas que se sitúan entre el
naturalismo clasicista y un emergente esquematismo figurativo, aunque
siempre cargadas de simbolismo. La primer iconografía cristiana se
sirve de las formas y los personajes de la mitología grecolatina para
dotarlos de nuevos significados y de una función moralizante, con lo
cual el cristianismo ganó adeptos al reutilizar las formas de la cultura
imperante. Así, Jesucristo adoptará en los frescos de las catacumbas
romanas el aspecto de Hércules.
Las más depuradas formas clásicas sirvieron en el primer arte cristiano
para representar los pasajes bíblicos y evocar los dogmas de la nueva fe.
Paralelamente a este continuismo en las formas clásicas nacía UN
NUEVO LENGUAJE FIGURATIVO más apropiado para una religión
que prima los valores espirituales. Un esquematismo y la capacidad de
síntesis de mensajestrascendentes que alcanza el primer arte cristiano en
los mosaicos de la bóveda del mausoleo de Gala Placidia (siglo V,
Rávena, Italia)

3
su máxima expresión, donde un cruz dorada sobre un suelo estrellado
representa a Cristo en gloria rodeado del Tetramorfos: los 4 a animales
alusivos a los evangelistas.
En los siglos venideros el arte occidental perderá la referencia de la
realidad. Mientras en Occidente los pueblos germánicos prácticamente
renuncian a la presencia de la figura humana, el Imperio Bizantino será
el verdadero continuador de ese arte cristiano gestado en el seno de
Roma

El arte de las invasiones germánicas (siglos VI a VIII)

Entre los siglos III y V, visigodos, vándalos y hunos irrumpen en Roma.


Sus altos cargos llegan a ocupar los puestos de mando romanos
manteniendo algunas instituciones imperiales. El arte y la cultura de
estos fragmentados reinos mostrarán cierta unidad bajo el doble signo
del germanismo y el cristianismo
La Iglesia y el monacato ejercerán de guardianes de la cultura en
Occidente durante esta etapa comprendida entre los siglos VI y VIII.
Los merovingios en Galia, ostrogodos lombardos en Italia y los 4
visigodos en la P Ibérica, desarrollarán el denominado arte bárbaro, con
arquitecturas de estructuras sencillas, muy sólidas y poco esbeltas. La
decoración escultórica será escasa y esquemática, desarrollándose sin
embargo el arte del metal.
La Italia ostrogoda de Teodorico será una excepción al potenciar un arte
cristiano grandioso que busca enlazar con el esplendor
imperial
estableciendo su capital en Ravena.
El mausoleo de Teodorico en Rávena,

5
con su estructura sólida y equilibrada, representa uno de los ejemplos
arquitectónicos más destacados de todo el arte de las invasiones, pero la
cubierta maciza de piedra tallada a modo de casquete , pone la nota
germánica en la construcción.
En esta época, el arte visigodo alcanza su apogeo artístico en la Península
Ibérica durante el siglo VII: la iglesia zamorana de San Pedro de la Nave
cuenta con algunos capiteles esculpidos a bisel, como el capital del sacrificio

de Isaac.
También el arte visigodo muestra de modo ejemplar el florecimiento de las
artes del metal en estos reinos de origen germánico (Tesoro de Guarrazar)

El arte bizantino altomedieval (siglo VI a inicios del XIII)

Cuando Roma sucumbe definitivamente en el años 476, Constantinopla se


convierte en la legítima heredera de la conciencia imperial romana. El
imperio bizantino subsistió durante los 1000 años que dura la Edad Media,
siendo políticamente inestable pero artísticamente homogénea.
El arte bizantino interacciona con el arte musulmán de las regiones
circundantes y también con el arte cristiano occidental, razón por la que se
convierte en un perfecto crisol de tendencias. En arquitectura, la cúpula será
el elemento distintivo al alcanzar una gran profusión y una enorme
perfección técnica. El mosaico parietal alcanza un esplendor nunca antes
visto y es el protagonista del cambio operado hacia la esquematización de las
formas.
La historiografía ha dividido el amplio período de producción artística
bizantina en tres grandes edades de oro:

6
-I edad de oro: desde la caída del Imperio Occidental en 476 hasta la Crisis
Iconoclasta (717 843). Es la época de Justiniano I el Grande, promotor de
conocidas y sobresalientes empresas artísticas

-II edad de oro (867 1204), marcada por el gobierno sucesivo de las dinastías
macedonia y comnena, así como por la expansión del Imperio hacia Rusia y
la toma de Constantinopla por los cruzados occidentales que la justificaron
por la lucha contra el islam

-III edad de oro, que ocupa todo el periodo bajo medieval hasta la caída de
Constantinopla ante los turcos en 1453

El arte de la I edad de oro (476-717)

Si algo caracteriza al arte bizantino es su pronta madurez y la capacidad de


definir su personalidad. Por ello, ya en época de Justiniano I (527-565 )
aparecen algunas de las obras más emblemáticas de este arte, como la
basílica de Santa Sofía de Constantinopla, erigida entre los años 532 y 537.
La construcción de Santa Sofía

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fue encargada a los mayores ingenieros del momento: Antemio de


Tralles e Isidoro de Mileto. Su tipología es compleja, ya que sintetiza la
planta longitudinal con una distribución de volúmenes centralizada. La
planta del edificio muestra una estructura basilical de 3 naves, siendo la
central mucho más ancha. Sin embargo, la cubierta de esta gran espacio
con un inmensa cúpula sobre pechinas viene a determina el conjunto de
la construcción. La cúpula semiesférica está sustentada al norte y al sur
por unos grandes arcos que conducen los empujes hasta el suelo a través
de 4 enormes pilares. Al este y al oeste, la cúpula canaliza su peso por
medio de dos grandes semicúpulas y 4 exedras sobre columnas. Se trata
de un proeza arquitectónica basada en un sistema de volúmenes
escalonados, descendientes desde la cúspide hasta la base de la
construcción, que concede una enorme estabilidad al conjunto.
Un gran número de vanos que horadan la inmensa cúpula, las bóvedas
y los muros laterales, hacen penetrar la luz en el interior de este
templo, cuya arquitectura es eminentemente ilusionista, ya que la
enorme cúpula parece flotar milagrosamente sobre la luez, SÍMBOLO
DE LA UNIÓN DE LO DIVINO (esfera/círculo) Y LO TERRENAL
(el cuadrado de su base.La estructura de esta basílica determinó la
evolución de la arquitectura bizantina y además se convirtió en
modelo para las mezquitas otomanas de la Edad Moderna.
La época de Justiniano destaca igualmente por el florecimiento de las
8
artes figurativas, aunque lamentablemente la pugna iconoclasta llevó
a la destrucción de un gran número de iconos al considerarse herejía
el representar a Dios con aspecto humano
Los mosaicos de San Vital de Rávena (532 547) son un testimonio
excepcional del esplendor que alcanza la decoración musivaria en el
arte bizantino, donde encontramos un lenguaje más simbólico y
menos naturalista, que persigue la exaltación del poder político del
emperador (basileus) unido a la fe cristiana. En el mosaico de
Justiniano en Rávena

(Italia), se presenta un fondo dorado que evoca el ámbito celestial,


una figura deificada de Justiniano, hierático y nimbado, flanqueado
por sus altos dignatarios militares y eclesiásticos. El escudo presidido
por el crismón a la izquierda nos habla de la sacralización de la
guerra, y la cenefa de pedrería que enmarca el conjunto muestra las
riquezas de este mundo que simbolizan el ámbito trascendente,
permitiendo divinizar el poder real

El arte de la II Edad de oro (867. 1204

Tras la Crisis Iconoclasta, el culto a la imagen queda restaurado en


843, iniciándose la próspera dinastía macedonia en el 867. En esta
etapa se produce un hecho de gran relevancia en la definición cultural
del cristianismo oriental: el Gran Cisma de 1054 que separa
definitivamente al patriarca de la Iglesia ortodoxa del papa de Roma.
Sin grandes novedades en arquitectura, se observa, no obstante, una
preferencia por los templos de planta de cruz griega con una gran
cúpula central. En ocasiones, los 4 brazos de la cruz se cubren con
cúpulas menores, formando las características iglesias de 5 cúpulas. 9
Los edificios se realizan en materiales pobres como el ladrillo y serán de
dimensiones reducidas, aunque se aprecia una mayor decoración exterior que
en la época precedente, por medio de la disposición del aparejo y de su
bicromía (Iglesia de Hosios Lukas, Grecia).

Otro de los grandes conjuntos


musivarios de la época lo
encontramos en el iglesia de la
Dormición de Dafni (Grecia). Las
pugnas sobre el peligro de la
adoración de imágenes llevaron a
fijar los temas que correspondían a
cada lugar de la iglesia, siendo
presididos por el “Pantocrator”, un
rostro duro capaz de aterrar a los
fieles que aguardaban el juicio
El arte islámico de Oriente y
Occidente en la Alta Edad Media

El año 622 de nuestra era marca la


irrupción del islam en la historia,
que nace como la tercer religión
monoteísta a partir de las
10
revelaciones del profeta Mahoma recogidas en el Corán.
Esta nueva religión se expansionó rápidamente hacia el este (India) y oeste
(norte de África, P Ibérica y Francia), en tan solo un siglo
Su presencia en Occidente tendrá una enorme responsabilidad en el
florecimiento de la cultura cristiana occidental a partir del siglo XI,
especialmente en la P Ibérica, donde el refinamiento de Al Andalus
convertirá a la España cristiana en transmisora de conocimientos a toda
Europa, como la transmisión de la cultura griega, el empleo del sistema
numérico arábigo y el uso del papel .
A diferencia del antropomorfismo cristiano, que se basa en la encarnación de
cristo, el Islam considera que Dios no tiene esencia material y sólo puede
simbolizarse por medio de metáforas visuales que representan su infinitud e
indivisibilidad. Las figuraciones vegetales y geométricas servirán a este fin y
aparecen recubriendo los objetos con un espíritu tapizante, de “horror vacui”
que invade las artes del marfil, del metal, la cerámica , las sedas, alciatados
tallas y estucos parietales.
El arte musulmán será rico también en figuras humanas y animales, a
diferencia de lo que generalmente se cree, pero no suelen aparecer en el
interior de la mezquita, espacio de oración donde sí se representa la palabra
divina por medio de versículos árabes del Coran transcritos en una cuidada
caligrafía que invade los muros. La estilización (naturaleza desnaturalizada9,
será la nota común de las artes figurativas de esta cultura, que busca la
belleza en una geometría de fuertes connotaciones simbólicas.
La estructura de la mezquita viene determinada por la que tuvo la casa de
Mahoma en Medina, donde se celebraba la plegaria de manera colectiva. A
partir de esta casa, las mezquitas estarán compuestas por un patio (sahn),
presidido por una fuente (sabil) destinada a las abluciones rituales antes de la
oración, situándose en uno de sus lados el alminar, desde donde se convoca
la plegaria.
Desde el patio se accede a la gran sala cubierta destinada a la oración
(haram), generalmente más ancha que larga y llena de columnas, debido a
que los creyentes deben dirigir sus rezos hacia la Meca, cuya dirección está
marcada por el muro del fondo: la quibla. En el centro de la quibla se abre un
nicho o pequeña capilla denominada mihrab destinada al imán. A su lado, el
mimbar permite dirigir los rezos desde lo alto

El arte islámico oriental hasta el siglo XI

Se divide en dos períodos:


-661 750 (Omeyas), con influencia bizantina
-750 1259, (abasíes) se desplaza la capital desde Damasco a Bagdad, con
influencia iraní.

El monumento más antiguo del islam es la famosa cúpula de la roca en 11


Jerusalén,
concluida en 691 por mandato de Abd al-Mallik. Se trata de un edificio
conmemorativo que atesora una roca, escenario del sacrificio de Isaac en el
monte Moriah y último lugar pisado por Mahoma antes de ascender al trono
de Dios. Rivalizó con el Santo Sepulcro levantado por Constantino en
Jerusalén, lo cual explica su magnificencia. Tiene una planta octogonal
centralizada que encierra dos anillos concéntricos de columnas y pilares
sobre los que se apoya la gran cúpula. Si por algo destaca este edificio es por
sus bellos mosaicos de tradición bizantina que recubren el interior con
decoración vegetal naturalista.
Más novedoso y trascendente para la arquitectura musulmana posterior
resulta otro edificio
religioso omeya: la gran
mezquita de Damasco

que inaugura la tipología de


sala de oraciones con naves
paralelas al muro de la
quibla. El frontón que se
abre al patio y la gran
cúpula situada en el centro
de la sala, derivan de las
tradiciones antigua y
bizantina. Los paneles de
mosaico que recubren la
fachada y las galerías del
patio conforman los restos
más valiosos de este monumento.
12
A partir de 750, el califato abasí situaría su centro artístico en Bagdad, desde
donde la influencia irania cambió los usos constructivos. Si la arquitectura
omeya se caracterizaba por el empleo de los sillares de piedra, columnas,
revistimientos de mármol y mosaicos, las construcciones abasíes priorizarán
el uso del ladrillo y el adobe, con el pilar como elemento sustentante y l
acúpula sobre trompas como sistema de cubierta

El arte andalusí hasta el siglo XI

En el año 711 se produce la conquista musulmana de la P Ibérica dando


inicio a la historia de al – Andalus, estableciéndose durante los 3 primeros
siglos la capital en Cordoba, que se convierte en el principal centro de
producción artística y foco de irradiación de la cultura islámica a toda
Europa.
Hasta 756, Al Andalus dependió de Damasco. Desde 756 hasta 929 Abd al –
Rahman I instaura un emirato también omeya pero independiente del poder
islámico oriental, ahora en manos de los abasíes. Desde 929 hasta 1032, Abd
al-Rahman III implantará un califato que se fragmentaría en luchas internas
en pequeños reinos de taifa.
El arte cordobés alcanza su esplendor en esta primera etapa medieval, tanto
en arquitectura como en artes figurativas. Los testimonios arquitectónicos
más importantes conservados son la mezquita de Córdoba, la ciudad palatina
de Madinat al –Zahra (Córdoba) y la mezquita de Bab al Mardum en Toledo.
La mezquita de Córdoba influiría en el arte mozárabe, románico y gótico.Fue
edificada en varias fases y fue iniciada por Abd al –Rahman en 786 sobre la
basílica cristiana de San Vicente, formando un cuadrado perfecto con patio
en la mitad norte y sala de oraciones en la mitad sur, formada por 11 naves
perpendiculares a la quibla con doce intercolumnios cada una, estas naves se
separaban por soportes superpuestos formados por columnas que sustentan
pilares y que se unen entre
si por arcos de herradura en
la parte inferior y de medio
punto en la parte superior.
Las sucesivas ampliaciones
conservaron este sistema de
soporte, creando un efecto
de bosque decolumnas.
Boveda del mihrab, de la
mezquita de Cordoba entre
962-71)
Al Hakan II, en el siglo X

derriba la quibla para


ampliar la nave en 12 tramos hacia el sur, creando un nuevo mihrab con
espacios ricamente decorados con mosaicos. La belleza de esta zona
garantizó su conservación posterior en la catedral del siglo XVI, cuando la 13
ideología de la Reconquista llevó a edificar una iglesia sobre la antigua
mezquita.
El arte hispano musulmán destacó también en el arte mueble: figuras
bestiales y entramados vegetales que fueron codiciados objetos de prestigio
en todas las cortes cristianas de la época, donde llegaron por medio del
comercio o como botín de guerra
El arte prerrománico de los siglos IX y X: arte irlandés , arte carolingio,
arte asturiano y arte mozárabe
Durante los siglos IX y X vemos desarrollarse en Occident un arte cristiano
que constituye la prolongación del arte de las invasiones, aunque con una
evolución constructiva y un refinamiento estético impulsado por la influencia
con el arte islámico andalusí y siciliano y con el bizantino, gracias al
intercambio de objetos y de conocimientos.
Irlanda quedó al margen de las invasiones germánicas y experimentó un
fuerte desarrollo de la vida monástica durante los primeros siglos
medievales, llegando a crear un arte religioso propio: un arte sintetizado en
lo celta y lo oriental traido por San Patricio. (Cruces de piedra al aire libre,
que son únicas por su tamaño, entre 3 y 5 metros. En la Cruz de Muiredach
de inicios del Xse inscriben en un círculo los brazos de la cruz y su
decoración incluye motivos celtas y temas bíblicos como la
Crucifixión.Rasgos célticos y orientales se observan en los manuscritos
irlandeses.

14
En Centroeuropa, el conocido como Imperio Carolingio marcó a partir del
800 un cierto florecimiento cultural en el que Carlomagno instala su capital
en Aquisgrán, donde manda constuir una ciudad palatina de la que solo
queda en pie la famosa capilla palatina de Aquisgrán,

concluida en el 805 y destinada a servir de enterramiento del rey. Se trata de


una iglesia de planta centralizada octogonal que se rodea de un
deambulatorio y consta de 2 pisos. La bicromía de las dovelas de sus
arcosinteriores parece inspirada en la gran mezquita de Cordoba, iniciada dos
décadas antes.
15
La arquitectura carolingia destacó igualmente por la erección de grandes
complejos monásticos, la mayoría desaparecidos pero que influenciaron
posteriormente a las abadías románicas benedictinas. Se conserva el plano de
Sain Gall, que establece el prototipo de estructura ideal de los monasterios.
El arte del libro vive un gran impulso gracias a la fundación de la Escuela
palatino por Carlomagno en Aquisgrán, en un intento de recuperar la cultura
antigua para fortalecer el imperio.
En el norte de la Península Ibérica asistimos al desarrollo del arte asturiano
durante el siglo IX, sobre todo en el arte de la arquitectura. Se trata de
construcciones simples formadas por muros de sillarejo, arcos de medio
punto peraltados y bóvedas de cañón, que se refuerzan con arcos fajones y
contrafuertes en el exterior. Las iglesias suelen ser basilicales de tres naves y
tienen cabecera rectangular. La decoración es sencilla con sogueados y
clípeos (Santa Maria del Naranco, Oviedo, período ramirense).
Una de las manifestaciones artísticas más originales y significativas de este
época en el norte peninsular es el conocido como arte mozárabe de los ss XI
y X. Se entiende por mozárabes o dimmíes a los cristianos que vivieron bajo
el poder andalusí conservando su culto.
La arquitectura mozárabe se caracteriza por emplear el arco de herradura
encuadrado por un alfiz y las bóvedas de nervios de arcos cruzados, ambos
elementos de origen califal. La planta de estas pequeñas iglesias es muy
variada, cubriéndose el exterior con techumbre de teja y aleros salientes
sustentados por modillones de rollo.
La mayoría de los edificios mozárabes conservados se sitúan en Castilla y
León y uno de los mas interesantes es la ermita de San Baudelio de Berlanga
(Soria),

16
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cuya planta cuadrada ve erigirse en el centro una gran columna en la que se


apoyan arcos de la techumbre abovedada, formando una especie de palmera.
Destacan el conjunto de frescos del romanico inicial.
La producción de códices mozárabes constituye una de las más brillantes
manifestaciones artísticas de toda la Edad Media

El arte románico: primer estilo internacional europeo

Se denomina románico al nuevo arte surgido en Occidente a mediados del


siglo XI como consecuencia del proceso de unificación política y eclesiástica
impulsado por la Reforma Gregorian.
Lentamente, a partir del año 1000, Europa empieza a cubrirse de “blanco
manto de iglesias”, que se distinguieron de las anteriores: -Por su alto
número
-Por ser construidas enteramente en piedra
-Por responder a una planificación común que se refleja en los rasgos
unitarios de su arquitectura.
El origen del arte románico está deteminado por factores religiosos, políticos
y sociales; nace entre el sur de Francia y el norte de España, en torno a la
ruta de peregrinación hacia Santiago de Compostela que congregó a un
creciente número de peregrinos. La orden benedictina de Cluny organizó esta
peregrinación erigiendo abadías y hospitales y alcanzando un enorme poder
político y espiritual. Esta orden borgoñona es considerada la principal
promotora del arte románico y de la reforma papal del siglo XI. La Reforma
Gregoriana perseguía unifica el rito eclesiástico con las políticas de los
reinos feudales, para que dejarán de luchar entre sí (paz de Dios) y unieran
sus fuerzas frente a un enemigo común: el Islam. En los reinos hispanos la
influencia papal y cluniacense fue enorme, impulsando la ideología de la
Reconquista, que fructificaría a la vez en toda Europa con la I Cruzada de
1095. Se puede decir que el arte románico fue una inversión de papas y reyes
para propagar la ideología de poderío eclesiástico. Las consecuencias fueron
hegemonía política y económica de la cristiandas, desarrollo cultural.

La arquitectura románica

Presenta unas características comunes en Occidente:


-templos robustos con sillares de piedra de aspecto
fortificado -Vanos pequeños para horadar tan gruesos muros
-Los vanos se abren de manera abocinada, generalmente en arquivoltas que
se apoyan sobre columnas
-El arco por excelencia es el de medio punto
-Las naves suelen cubrirse con bóveda de cañón, sobre todo la central; las
laterales pueden cubrirse con bóvedas de arista
-La fachada de la iglesia suele seguir el esquema de arco de triunfo romano,
17
con un gran vano central semicircular y relieve a los lados, como en la
iglesia de San Trófimo de Arlés, ss XI y XII en Francia,en referencia a la
victoria del cristianismo; los animales situados bajo las columnas de esta
portada hacen más evidente esta idea de triunfo sobre el mal

-La fachada está siempre presidida por la puerta central, situada al oeste, e
incorpora con frecuencia un tímpano esculpido cobijado por arquivoltas que
se apoyan sobre columnas
-La decoración escultórica aparece concentrada en este tímpano,
-En planta, las iglesias suelen ser de 1 a 3 naves, con un crucero
sobresaliente y cabecera con capillas semicirculares. Surgen entonces el pilar
compuesto, que recibe los empujes de los arcos fajones y de las bóvedas
gracias a las medias columnas que se adosan a los pilare. En alzado, la
búsqueda de la luz lleva a que la nave central sea más alta

Especial mención merece la tipología de “iglesias de peregrinación” como la


de Santiago de Compostela, fundamentales para el posterior desarrollo de la
arquitectura gótica, y que incorporan una girola tras el altar mayor, que
permitía a los peregrinos recorrer el templo por las naves laterales hasta la
cabecera para venerar las reliquias sin interrumpir el rito celebrado en la
nave central. Otro rasgo característico de las iglesias de peregrinación es la
presencia de la tribuna: galería situada en las naves laterales y abierta a la
nave central, que permite contemplar la ceremonia a un mayor número de
peregrinos.

18
El ejemplo más significativo de arquitectura románica española, es sin dura,
la catedral de Santiago de Compostela (1075 1211) , ; las catedrales de
Zamora y Salamanca y numerosos ejemplos de románico rural con
influencia andalusí (bóvedas de nervios cruzados, arcos entrelazados y
modillones de rollo)
En Alemania, catedrales de Worms y Spira. En Italia, catedral de Pisa

La imagen románica

La escultura alcanza una importancia fundamental en el arte románico, ya


que será un valioso medio de legitimación del orden social y político. Todo
el templo será un soporte privilegiado de mensajes que impresionaban a los
fieles por situarse en la casa de Dios bajo la forma de relieves
policromados, no solo en
portadas y capiteles , sino en
canecillos que se repiten en
iglesias románicas de toda
Europa (canecillos de la iglesia
de Santa María deUnm castillo
Zaragoza) con figuras humanas
y bestiales capaces de amonestar
al pueblo para que se aleje del
pecado.
La pintura románica recibió tanto
desarrollo como la escultura,
pero el paso del tiempo ha sido
aún más despiadado con ella
debido a que los muros se han
repintado o enlucido

Hacia el arte gótico


El último arte románico enlaza directamente con el arte gótico. El
Pórtico de la Gloria, de la catedral de Santiago de Compostela,
realizado por el maestro Mateo en 1180 anuncia ya la humanización
propia del arte gótico; el antiguo

19
Cristo Juez, se convierte aquí en el Varon de los dolores, mientras los
profetas y apóstoles de las jambas presentan rostros caracterizados y
cuerpos independizados de las columnas.
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En arquitectura, el verdadero nexo con el gótico es el arte cirterciense. La


reforma monástica cisterciense buscó durante la I mitad del siglo XII una
profunda transformación de la orden benedictina, una búsqueda de
austeridad frente a los excesos de Cluny. Las construcciones, que siguieron
realizándose en piedra, presentaban ahora una completa desornamentación,
al tiempo que la luz natural se convertía en el único elemento para acercarse
a Dios. Esto llevó al desarrollo de soluciones innovadoras, com el uso del
arco apuntado y las bóvedas de crucería ojival, que permitieron la
introducción de los grandes ventanales y las vidrieras (monasterio de
Poblet, en España).

TEMA 2. INTRODUCCION AL ARTE GOTICO


El término gótico y sus valoraciones artísticas

El término gótico fue utilizado por 1ª vez en 1550 por el historiador del arte
italiano Giorgio Vasari. Con él quería adjetivar el “oscuro” arte de la Edad
Media frente al glorioso pasado de la Antigüedad clásica. Esta definición
comprendió todo el arte de la Edad Media, sinónimo de bárbaro y cargado
de connotaciones peyorativas, definiendo lo gótico como el arte realizado
por los godos, que provocaron el hundimiento de Roma. 20
Fue a comienzos del siglo XIX cuando el movimiento romántico descubre la
arrolladora fuerza y originalidad del gótico con sus catedrales.
A partir de este momento se sueña con un renacimiento del arte medieval y
se separa el gótico de otros estilos como el románico.
Una vez definido y valorado el sistema arquitectónico gótico, representado
por las grandes catedrales de los siglos XII y XIII se producen una serie de
interpretaciones contrapuestas, como valorar negativamente el flamígero
(una degeneración del gótico), entre otros estilos. Posteriormente , la
diversidad de estilos termino considerando como fructífera y en la actualidad
ENTENDEMOS POR GÓTICO UN AMPLIO PERIODO ARTÍSTICO
DEL MUNDO OCCIDENTAL QUE ABARCA DESDE MEDIADOS DEL
SIGLO XII HASTA COMIENZOS DEL XVI.
Pueden diferenciarse dos corrientes durante mucho tiempo antagónicas:
-La escuela francesa entendió las estructuras góticas como el producto de un
método constructivo racional: una necesidad práctica con una economía
constructiva superior a la de cualquier estilo del pasado
-La escuela germánica interpreta el gótico como una creación del espítiru de
los pueblos del norte que surge libre y opuesto al ideal clasicista de los
pueblos mediterráneos, explicando el uso del arbotante como el recurso para
crear un visión simbólica deliberada y no un mero esqueleto estructural.
Las últimas interpretaciones del gótico tienden a hacer complementarios los
diferentes enfoques: el racionalismo de lógica constructiva con las
interpretaciones históricas y simbólicas, a las que se unen estudios sobre el
factor político
El espacio y el tiempo englobado en el concepto “Gótico”

(catedral de Notre Dame, París) 21


El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y
crisis de la Edad Media. En Europa, los siglos XII y XIII fueron un tiempo
de expansión y desarrollo caracterizado por un crecimiento demográfico y
económico, mejoras técnicas y mayor aprovechamiento de los recursos
energéticos, que conllevó el fin de hambrunas y epidemias significativas.
La fractura feudal posibilitó que el poder fuera absorbido por incipientes
monarquías que, aunque también feduales, centralizaron las prerrogativas
regias, caso de Castilla, Inglaterra, Francia, Aragón, etc. Los excedentes
agrarios favorecieron la expansión del comercio y del fenómeno urbano,
junto con el auge de manufacturas artesanales controladas por nuevos
gremios.
En muchos territorios, el primer gótico se vinculó al poder monárquico, que
lo alentará como una expresión de su incipiente poder, así como al poder de
los obispos que se asentaron en una renovada cultura urbana. Pero no hay
que olvidar que el gótico coincide también con el desarrollo de las
universidades, de la escolástica y la expansión de ordenes como las de los
Cister y los mendicantes.
Sin embargo, la expansión alto medieval se vio truncada en el 1348 con la
peste bubónica, iniciándose la crisis de la Baja Edad Media, caracterizada
por el Cisma de Avignon de 1378, la división del poder temporal de la
cristiandad y el afianzamiento de las monarquías feudales y las revueltas
urbanas, junto con conflictos bélicos

La catedral gótica

La catedral es el edificio simbólico de esta época gótica, un estilo que se


codificó gracias al empeño en construir catedrales desde Ile (Francia, ) hasta
el resto de Europa. Su construcción representa el empeño de toda la
colectividad, es el símbolo de la confianza de la ciudad en su capacidad, sus
recursos, su riqueza y prestigio. Como símbolo político y cívico, la catedral
se interpreta también como una arquitectura destinada a transmitir una
imagen del poder monárquico, obispal o ciudadano, frente a las dos formas
arquitectónicas propias de la Alta Edad Media y del poder feudal: el castillo
y el monasterio.
En medio de la ciudad, la catedral destaca sobre el resto de sus edificios por
su monumentalidad y grandeza, y marca el carácter y estructura de los
nucleos urbanos medievales. Sus notables volúmenes quedan escondidos en
infinitos arbotantes, pináculos, haces de columnas y arcos apuntados,
mientras que sus fachadas presiden plazas flanqueadas por torres esquinales.
Por tanto, hablamos no solo de un elemento de referencia espiritual y físico,
sino también de espacio cívico utilizado para el encuentro y el mercado, así
como ocio de la sociedad a través de la festividad religiosa

El sistema constructivo gótico: innovaciones técnicas y formales


22
La nueva arquitectura pretende acercar a los fieles , de una manera vivencial
y casi palpable, a los valores religiosos y simbólicos de la época; para esto
fue necesario:
-El arco apuntado u ojival
-Bóveda de ojivas
-Arbotante

(arbotantes de Notre Dame)


Gracias a estos nuevos elementos se levantaron estructuras esbeltas y ligeras
y el espacio interior se transformó, dado que los apoyos estaban exentos o
adosados al muro y se aligeró su estructura, que queda modelada y se hace
más visible gracias a la luz coloreada que devuelven las vidrieras, lo que crea
un espacio irreal, un espacio sagrado simulado
Las bóveda de crucería y el arco apuntado

23
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(nave central de la catedral de Canterbury)

Al igual que la románica, la arquitectura gótica se marca como


objetivo lograr un edificio sagrado cubierto por completo con bóvedas
de piedra. Sin embargo, las bóvedas góticas no actúan a compresión,
como las románicas, apoyándose en los muros, sino que dirigen sus
empujes a ciertos puntos que los recogen. Es decir, las fuerzas de
tracción reemplazan a las fuerzas de compresión y el equilibrio se
obtiene por medio de cargas que convierten las diversas fuerzas
oblicuas en verticales.
Este tipo de solución estructural se consigue gracias a la bóveda de
crucería (nervada u ojival), conformada por 2 arcos apuntados
cruzados (ojivas), más ligera que cualquier otro tipo de bóveda
construida hasta la fecha; un entramado de nervios, arcos y soportes
que se constituye en un armazón tridimensional y unitario sobre el
que descansan las bóvedas.
Los muros tradicionales, liberados de las cargas, pasan a ser simples
cerramientos del espacio, y al pesar relativamente poco tolera que la
altura de las naves sea superior y que se aumente la distancia 24
horizontal entre sus apoyos.
Además, los arquitectos góticos descubrieron una serie de elementos
arquitectónicos exteriores al edificio destinados a equilibrar esa frágil
estructura , ya que absorbían los empujes horizontales que no podían
ser soportados por los pilares demasiado altos: los arbotantes
apoyados en estribos (absorben el empuje del arbotante). Los
arbotantes , se decoran con pináculos, para aumentar la resistencia y
la estética.
Esta estructura, sorprendentemente ligera y flexible, libera los muros
de las naves de elementos sustentantes, por lo que pueden ser
horadados con grandes ventanales y permite también cubrir espacios
de planta rectangula o trapezoidal de medidas diferentes.
El origen de la bóveda de crucería, convertida en gótica, hay que
buscarlo en Normandia, un gótico preclásico en el que aún no se había
conseguido la uniformidad del espacio.
Los capiteles que coronan las columnas adosadas presentan
decoración de follaje, ya no retienen la vista como hacían los capiteles
románicos cargados de figuras, sino que facilitan la transición desde
la cúspide de las bóvedas, donde se cruzan los nervios hasta el
suelo.Sin duda, son las ventanas y sus vidrieras los elementos más
característicos del gótico, que evolucionan hasta conformar amplios
huecos góticoscubiertos de hermosas tracerías caldas de piedra, de
arco apuntado , o los grandes rosetones que se colocan en lo alto de
las fachadasFachadas y portadas
(fachada de la catedral de Reims)

25
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(fachada de la
catedral de Notre
Dame , París)

Al igual que en la
catedral románica,
la fachada gótica se
organiza de forma
tripartita: 3 cuerpos
horizontales que
dividen en altura la
nave central, y 3
seccione verticales
que se
corresponden con
la división entre
nave central y las
naves laterales que la recorren.
El cuerpo horizontal inferior se constituye con las 3 portadas de las fachadas,
equivalentes a la nave central y las laterales. Sobre las puertas, una galería
corre pareja a los triforios interiores. Más arriba se sitúa el rosetón calado
que se ajusta al claristorio interior. Las 2 torres laterales forman parte del
cuerpo de la fachada y se rematan con frecuencia con agujas o chapiteles que
marcan el sentido ascensional del conjunto. La decoración escultórica
MARCA LA CONCEPCIÓN TEOLÓGICA DEL MUNDO GÓTICO. Las
portadas presentan la misma composición y mismos elementos que la
portada románica, pero el abocinamiento viene marcado por multiplese
arquivoltas apuntadas. Las finas molduras, las columnillas, las tracerías
caladas, los motivos vegetales , les confieren un marcado aspecto gótico

El proceso constructivo: medios técnicos y métodos

La construcción de la catedral gótica requieren ingentes medios materiales y


humanos que se dilatan a lo largo de varios siglos, por lo tanto, gran parte de
las catedrales no están construidas estrictamente en estilo gótico clásico, sino
que combinan elementos y estilos diferentes. Por ello cobra sentido el
entender que la catedral es el empeño de toda una población, el símbolo de
las posibilidades de una ciudad así como de sus dificultades, así como de su
búsqueda de prestigio u utopías.
La rapidez y la efervescencia de la primera formulación del estilo gótico en
los monumentos franceses de Ile (Francia), se produce gracias a la asociación
de intereses entre los obispos y los cabildos catedralicios con los propios de
los monarcas Capetos. Es una arquitectura opuesta a los monasterios
cistercienses románicos. 26
En otros territorios europeos, llega la influencia del gótico de Ile, aunque
sólo en Amiens hay una colaboración entre el cabildo y los ciudadanos.
Sin embargo, la catedral no fue en sentido estricto un espacio público, sino
un espacio altamente privatizado en el que monarcas y nobles adquirieron
derechos sobre una zona del edificio

El arquitecto y sus medios

En más de una ocasión, el estilo gótico y la construcción de catedrales han


sido interpretados como el esfuerzo conjunto y comunitario de la ciudad, es
decir, un estilo de constructores anónimos. Sin embargo, lo cierto es que la
arquitectura gótica está llena de nombres concretos y de personajes que la
favorecen y la extienden; está llena de arquitectos que fueron adquiriendo
prestigio gracias a la expansión del gótico, aunque a veces permanecieron en
el anonimato, algo muy distinto del individualismo renacentista.
Algunos arquitectos góticos utilizaron el suelo de la catedral para perpetuar
su nombre, como los tres maestros de la catedral de Reims: Luzarches,
Crmon y REgnault.
El gótico se extiende por toda Europa gracias al viaje de los arquitectos de
unos lugares a otros. Sin embargo, el gótico marca una notable diferencia:
-Ya no existen grandes cuadrillas de constructores, como ocurría en el
románico
-Los estudios de la construcción estaban muy desarrollados y controlados por
los gremiso
-Cada maestro artesano tenía su especialidad

Por lo general, las obras de la nueva catedral empezaban sin que ,se hubiera
demolido el viejo edificio anterior, reedificándose las cabeceras y a veces
una importante parte de las naves.
La racionalización de las tareas permitió que las obras pudieran avanzar con
rapidez; los arquitectos y maestros estaban mejor formados gracias a los
gremios. Además se perfeccionó el dibujo arquitectónico a partir del 1200
con planos completos, que permitieron la especulación sobre una posible
realidad mediante su representación.
Las últimas interpretaciones sobre la arquitectura gótica apuntan a la
intención de los arquitectos de crear un arte individual que los diferenciara
de sus colegas

El significado simbólico: el orden cósmico y la mística de la luz

La luz es el atributo fundamental del arte gótico, que dota a la arquitectura de


una naturaleza trascendente y se percibe como la sublimación de la
divinidad. Una luz que el arquitecto gótico utiliza sabiamente para
desmaterializar los elementos del edificio. Será una luz física, no figurada en
figuras y mosaicos, sino una luz general y difusa.
27
La belleza del espacio gótico no puede entenderse sin la luz; las vidrieras son
las encargadas de dar una luz difusa, coloreada e irreal (Roseton de la Sante-
Chapelle de París.

La técnica utilizada en la conformación de


las vidrieras es el teñido de trozos de vidrio
unidos mediante tiras de plomo que
delimitan las figuras y aíslan los tonos

Espacios y usos de la catedral

La catedral no es sólo un elemento de


referencia espiritual y física, sino que sirve
de espacio cívico polifuncional utilizado
como encuentro , e incluso de mercado; la
catedral es la ciudad dentro de la ciudad, el
nucleo intelectual y moral de la colectividad,
el corazón de la actividad pública.
Los espacios y usos propios del cabildo
catedralicio son los claustros, las salas capitulares y los coros.
La sala capitular es el lugar de reunión del cabildo, con plana cuadrangular y
cubiertas de bóveda estrellada.

(salacapitular de la catedral de Salisbury)

28
El uso social de la catedral se incrementó a lo largo del tiempo; la nave
central es la zona de reunión eclesial; las naves laterales son lugares para
deambular y que se distribuya el tránsito por el edifico. Pero, ante todo, la
catedral es un espacio destinado al enterramiento, en un panteón funerario
privilegiado en capillas privadas compradas al efecto en las naves laterales,
lo que proveía de fondos importantes para la conclusión de las obras en la
propia catedral
La evolución de las artes figurativas: escultura y las nuevas artes del
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color

El estilo gótico supone un paso decisivo en la liberación de las artes


figurativas respecto a la arquitectura: LA ESCULTURA, AUNQUE SIGUE
LIGADA A LA ARQUITECTURA, MUESTRA EN EL TRATAMIENTO
DEL RELIEVE UNA LIBERTAD RESPECTO AL MARCO
ARQUITECTÓNICO QUE NO HUBIERA SIDO POSIBLE EN EL
ROMÁNICO. Tanto pintura como escultura rompen la llamada ley de
adecuación al marco. Es el fin de las estatuas-columnas románicas.
Volumen, movimiento y expresividad constituyen las características de una
escultura que camina con claridad hacia un marcado naturalismo,
centrándose sobre
todo en las portadas ,
donde se reproducen
temas como el Juicio
Final. (Portada de
Saint-Denis),

29
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donde los ancianos del ápocalipsis siguen el sentido de las arquivoltas y ya


no están dispuestos de manera radial en torno al tímpano.
Los capiteles ya no retienen la mirada románica en la que estaban cargados
de figuras. A no ser con motivos vegetales; lo que hacen ahora es facilitar la
lectura de las líneas arquitectónicas.
Hay una nueva forma de entender la realidad del hombre gótico: su
preocupación por el Dios Hombre y su naturaleza mortal hacen que cobren
importancia escenas de su vida como la Crucifixión. La figura de la virgen
desempeña un papel fundamental, con temas humanos como el dolor, la
ternura y la protección; la virgen se convierte en el eslabón entre los hombre
y Dios. Los santos adquieren también importancia, representándose historias
de sus vidas. La naturaleza sigue siendo importante, se mantiene el gusto por
los monstruos y animales , aunque en menor grado que en el románico.
El nuevo sentido de la muerte hace que surja una importante escultura
funeraria, gran parte de ella alojada en el interior de las catedrales.
La invasión de las ventanas en las paredes de los edificios góticos hace que
la pintura mural pierda importancia, a favor de la pintura en las vidrieras. Al
mismo tiempo se desarrolla el arte del retablo, donde se mezclarán pintura y
escultura
La pintura gótica presenta un preferencia temática religiosa: el mundo
sobrenatural con figuras planas e ingrávidas, sin referencias a la realidad
La crisis del siglo XIV da lugar a la llamada pintura del gótico internacional,
en el que las cortes y los nobles manifiestan un gusto por el lujo y por las
obras de arte

La ciudad en la cultura gótica

La forma de la ciudad medieval

En el aspecto físico, dos elementos fundamentales prefiguran la imagen


urbana de la ciudad medieval: la muralla y la plaza.
La muralla surge como necesidad de defensa de un entorno a veces hostil,
pero pronto se convierte en el origen de las finanzas municipales y en la
delimitación física de los derechos de los ciudadanos.
La plaza, por su parte, surge como necesidad espacial para la instalación del
mercando, base económica y de progreso de la ciudad.
Un nucleo central formado por edificios administrativos y de gobierno,
plazas mayores, casas gremiales, sedes de justicia, universidades y
hospitales, se unen con las puertas de la ciudad a través de calles radiales
principales.
Un buen número de ciudades medievales se forma por la fusión de varias
aldeas cercanas y la construcción de una muralla común conformará un
conjunto urbano unitario.
30
Otra tipología muy extendida en esta época es la ciudad con esquema lineal
que surge a lo largo de un camino, siendo ejemplo paradigmático el Camino
de Santiago, del que surgen ciudades como Logroño y Sarría.
Por último otras ciudades responden al antiguo trazado regular de tradición
helenística transmitido hasta la Edad Media por los campamentos militares
romanos, con un plano rectangular amurallado y divididas en dos calles
principales perpendiculares: el cardo y el decumanus de los campamentos
romanos.
En Francia se construyen una serie de ciudades fortificadas con fines
militares (murallas de Aigües Mortes).

A finales de la Edad Media, reaparece el modelo de campamento romano


debido a las efímeras instalaciones militares de asedio que llevaron a cabo
los Reyes Católicos al concluir la reconquista (campamento de Santa Fe a las
puertas de Granada), con trazados geométrico que influiría en los diseños
urbanísticos de las ciudades hispanoamericanas).
Además de tener una función defensiva, la muralla se convierte en un
elemento imprescindible de la ciudad, ya que identifica y simboliza a la
misma, como un sentimiento de integración en la comunidad.
Las murallas llegan incluso a estratificar los espacios ciudadanos, ya que en
época medieval, la nobleza y la burguesía acomodadas buscaron edificar sus
casas y palacios al abrigo de las murallas, buscando solidez y seguridad.
La plaza medieval surgió unida al auge del mercado, aunque se dieron casos
de hacinamiento de viviendas en el interior de las murallas que
imposibilitaron la organización de plazas
31
TEMA 3. LA ARQUITECTURA GOTICA EN EL SIGLO XIII: LAS
GRANDES CATEDRALES

Francia: origen y fases de la arquitectura gótica

A diferencia del arte románico, que tiene su origen en diferentes regiones


geográficas, el arte gótico temprano tiene como único centro de nacimiento e
irradiación al norte de Francia, en un contexto de alianza entre la monarquía
francesa y la iglesia. La región de Ile era un territorio dominado por la
dinastía de los Capetos, una sólida estructura monárquica que favoreció la
formación de una clase dirigente unitaria animada por el ideal caballeresco.
Esta sociedad halló una jerarquía eclesiástica debilitada. Otro factor
fundamental para la difusión del arte gótico fue la expansión de las lenguas
vernáculas (romances), estableciéndose en esta época lenguas literarias
nacionales de prestigio político y poético
El primer intento de arquitectura gótica se produce, precisamente, en la
abadía de Santi Denis, lugar donde había sido coronado Carlomagno (754) y
lugar también de mausoleo de reyes franceses y merovingios.
La cabecera fue iniciada por el abad Suger en 1140, combinando ya la
bóveda de ojivas, cuyos nervios apoyan en haces de columnillas que se
prolongan hasta el suelo. Gracias al arco apuntado, la luz invade el espacio
arquitectónico interior, unido a un presbiterio con deambulatorio y capillas
radiales. El objetivo del abad Suger es buscar un original lenguaje
arquitectónico, más elegante y que sea manifestación original y contundente
del poder real frente al clero cluniacense y la nobleza feudal. Se trata por
tanto de una arquitectura que muestra poder: la alianza que la monarquía
establece con un nuevo clero.
Pero el comienzo del gótico en Francia está marcado también por otro
edificio: la catedral de Sens, con una nave central totalmente cubierta con
bóvedas de crucería. Sin embargo, la única novedad respecto al románco es
la supresión de tribunas (aún sigue influenciado por las abadías cistercienses)

El gótico preclásico, el clásico y el radiante

Preclásico (II mitad del siglo XII)

32
(catedral de Laon)

-bóvedas sexpartitas (3 nervios y 6 pelementos sobre tramo


cuadrado) -Articulación del muro mediante 4 pisos -Alternancia de
soportes pilar-columna
-Presencia de tribuna que impide la apertura de grandes vanos

No obstante, el prototipo de catedral gótica es, sin duda , Notre Dame de


Paris. Las continuas investigaciones para conseguir mayor elevación
yapertura de ventanales llevan a la invención del arbotante y que permite
dirigir los empujes desde las bóvedas hasta los contrafuertes exteriores, con
lo que se consigue la apertura de grandes vanos.

Gótico clásico (I mitad del siglo XIII)

La utilización de arbotantes en Notre Dame

33
abre una nueva etapa en la arquitectura gótica. NOtre Dame consta de 5
naves separadas por arquerías sobre pilares cilíndricos. La fachada principal
se estructura en 3 cuerpos horizontales y 3 verticales, flanqueados por dos
torres, al estilo de las románicas normandas. En el cuerpo inferior se abren
las 3 portadas donde se concentra una profusa decoración escultórica; el
cuerpo inferior se separa del cuerpo superior mediante un friso corrido, con
decoración escultórica (galería de los reyes). Sobre él se abre el gran rosetón,
que coincide con el espacio de la nave central y está flanqueado por dos
grandes ventanales; a continacón presenta una galería de arcos ojivales , y,
rematando el conjunto, las torres decoradas con ventanales alargados.
En esos mismo años (1194 1220) se inicia la construcción de la catedral de
Chartres, con la novedad de eliminar la tribuna sobre las naves laterales y la
utilización de bóvedas de crucería simple. Notre Dame lo había hecho
posible, en Chartres se hace realidad.
La planta de Chartres

34
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es de 3 naves con girola y capillas radiales. Su sistema constructivo lleva a la


plenitud del gótico clásico. El uso exterior de arbotantes permite que el muro
de la nave central se articule en 3 pisos (desaparece de forma definitivala
tribuna). Todo ello lleva a la reducción del grosor de los muros que se
pueden horadar con grandiosos ventanales ocupados por vidrieras a través de
las cuales la luz se filtra y se transforma en claridad coloreada que inunda
todo el espacio interior confiriéndole un simbolismo trascendente.
Del mismo modo, el arquitecto de Chartres sustituye la bóveda sexpartita de
tramos cuadrados por la bóveda de crucería sencilla (2 nervios cruzados 35
dividida en cuatro plementos. Sin embargo, la fachada principal sigue muy
vinculada a los modelos románicos.
El estilo gótico se afianza definitivamente en las catedrales de Reims y
Amiens.
La catedral de Reims

tenía un significado especial para la monarquía francesa, ya que era el lugar


en el que se consagraba a sus reyes.
Amiens representa el resultado del esfuerzo conjunto y comunitario de una
ciudad, ya que está probado que para su erección se contó con la aprobación
expresa del clero y el pueblo.
En Normandía, el estilo gótico se impuso una vez desligada ésta de
Inglaterra al ser ocupada por los reyes capetos (1204). Su primer ejemplo
destacable fue la catedral de Lisieux

Gótico radiante (II mitad del siglo XIII)El estilo ya perfectamente asentado
evolucionará hacia una artificiosidad continua empeñada en ganar altura,
expandir los vanos y acentuar el apuntamiento de los arcos. Los avances
técnicos permitían que las formas fueran cada vez más ricas y complejas y a
partir de la II mitad del s XIII las filigranas de rosetones y ventanas
respondían a diseños dibujados previamente, ganándose en elegancia y
preciosismo, pero PERDIÉNDOSE MONUMENTALIDAD: la vidriera era
la protagonista y la arquitectura servía únicamente de soporte. La catedral
gótica ve reducida sus dimensione y se asemeja a una caja de cristal.
El máximo exponente del gótico radiante lo encontramos en Sainte Chapelle
(París),

36
con dos plantas la inferior poco iluminada, y la superior, una auténtica caja
de vidrio con alargados ventanales.Otro ejemplo de gótico radiante es la
abadía de Saint Danis en París

37
Originalidad del gótico inglés: el primer gótico y el estilo decorado

Inglaterra fue el primer territorio no francés en adoptar el estilo gótico, en


reformularlo y dotarlo de características originales.
Uno de los primeros edificios es la catedral de Durham (1093 1133) donde
los nuevos elementos arquitectónicos: arco apuntado, bóvedas de ojivas se
ensayan en una concepción del espacio aún románica, aún influenciado por
el estilo normando.
Pero desde finales del sigl XII el estilo normando es sustituido por el gótico,
con la catedral de Canterbury,manteniéndose la cripta románica.

La catedral de Salisburyiniciada en 1220 presenta el genuino gotico inglés:


doble crucero y cabecera recta. Sin duda, el gótico ingles es un estilo más
horizontal que el francés, con reducidas puertas de acceso, con arquerías que
cobijan estatuas, cubriendo toda la superficie del muro, incluidas las torres.

38
En la abadía de Westminster(sala capitular de Westminster) se desarrolla un
1

estilo gótico francés imbricado con el ingles, lugar de coronación de los


reyes de Inglaterra, presenta paralelismo con Reims.

39
La sala capitular de la catedral de Well(fachada de la catedral de
Wells)menos
acristalada que
la de Salisbury,
destaca por las
nervaduras de
su bóveda que
descansan en un
pilar central con
forma de
palmera.
Excepcional es
la catedral
Exeter,al
sudoeste del
país edificio de
escasa altura en
el que las
bóvedas
interiores
arrancan sobre

robustos haces de columnas. En su fachada occidental destaca su gran


ventana central

40
España: la importación del modelo francés

En España, el gótico se desarrolla desde finales del siglo XII, el gótico llegó
de Francia, para luego pasar a formular características propias.
La primera época, en el siglo XIII, marcada por las estrechas relaciones de
Castilla con Francia, se produce una importación directa del modelo
constructivo francés: es la época de las grandes catedrales españolas.
En el siglo XIV, el gótico clásico se funde con las formas italianas
introducidas a través del reino de Aragón
En el siglo XV se introducen formas borgoñonas y flamencas (Castilla tiene
una intensa relación comercial con Flandes), surgiendo el estilo hispano-
flamenco).
En 1196 se inicia la construcción de la catedral de Cuenca,considerada la
primera catedral gótica de la península; en ella se utilizan bóvedas sexpartitas
propias del gótico primitivo del norte de Francia

Las grandes catedrales castellanas

Al igual que el gótico francés, la preeminencia de obispos sobre abades, su


alianza con los nuevos poderes monárquicos y el peso específico que fueron
adquiriendo las ciudades sobre el conjunto de los reinos son hechos que
condicionarán en la construcción de las catedrales. En 1221 se comienza la
catedral de Burgos,m ciudad desde donde se canalizaba todo el mercado de
la lana hacia losPaises Bajos. En Burgos se siguen las directrices de Reims.
La amplitudm concedida al presbiterio planteara en el futuro un complejo
problemam respecto de la ubicación del coro; en las catedrales europeas el

41
coro está msituado siempre en el prebisterio, pero en la catedral de Burgos
este prebisterio es demasiado profundo y no permite acompañar
adecuadamente el rito religioso por mala acústica, por lo que en Burgos se
decide su colocación en la nave central, solución que ya se había adoptado en
la catedral de Toledo. Esta será a partir de este momento la ubicación de los
coros en las catedrales españolas.

42
La catedral de Leon

tiene también una importante conexión con el poder regio, ya que en 1230 se
unieron el Reino de Castilla y el Reino de Leon, lo que dio lugar a que
Alfonso X iniciara una construcción igual de ostentosa que la de Burgos.
Influenciada también por Reims y Amiens. El interior presenta un alzado
tripartito con un estrecho triforio sobre el que se abren amplísimos
ventanales por donde entra luz coloreada por las vidrieras. Este ligera
estructura es sostenida al exterior mediante gruesos contrafuertes y dobles
arbotantes.La fachada principal es similar a la de Chartres con 3 pórticos
sobre los que se abre un hermoso rosetón flanquada por dos torres.Por
iniciativa del rey Fernando III y para conmemorar la victoria de la batalla de
las Navas de Tolosa, en 1226 se inician las obras de la catedral de Toledo,

43
de mayores dimensiones que la de Burgos y de menores que la de León.
La catedral es una estructura gótica salpicada con elementos mudéjares
aislados. Durante el siglo XIII se ponen en marcha, además las
catedrales de Burgo de Osma, Oviedo, Palencia, Astorga o Bilbao, todas
de menores dimensiones y menos elegantes.
Lo que es cierto es que la tendencia de la arquitectura gótica a crear
un espacio direccional, grandioso, amplio y desahogado, se ve
interrumpida y hasta truncada con las catedrales góticas españolas con
la incursión del coro en medio de la nave central que atomiza el
espacio y fractura su direccionalidad hacia la cabecera, fragmentando
la visión del mismo e interrumpiendo su unidad.
En el siglo XIV Castilla vive inestabilidad que incide enla
construcción de nuevos edificios. No sería hasta el reinado de los
Reyes Católicos cuando el gotico arraigue como estilo popular, dado
que con anterioridad fue consecuencia de la voluntad impuesta por
personajes notables

Las peculiaridades del gótico en la Corona de Aragón

El gótico del siglo XIV se centra fundamentalmente en las


construcciones del reino de Aragón, que a pesar de sufrir las
consecuencias de la peste negra (desde 1348,) goza de un período de
expansión económica y territorial. Recibe la influencia de Francia e
Italia. Se tiende a la planta de salón, prescindiendo de la diferencia de
altura entre nave central y laterales,, con lo que se reduce la función
de los arbotantes. Las cubiertas se hacen planas y se abren pequeños
ventanales, con predominio del muro sobre el vano.

La catedral de Barcelona, iniciada en 1298 con un proyecto de Jaume


de Fabre, 44
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consta de 3 naves casi a la misma altura, girola sin arbotantes exteriores,


deambulatorio y 9 capillas radiales. Las bóvedas descansas en esbeltos
pilares que se alargan dejando un pequeño espacio para el triforio ciego y
óculos en vez de ventanales.
El modelo de catedral de Barcelona se aplicó a la basílica de Santa María del
Mar, de Barcelona,

45
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que opta por la misma planta de salón, con 3 naves de idéntica altura,
separadas por pilares octogonales y con ausencia de arbotantes. Su
arquitecto, Berenguer de Montagut , consigue un espacio interior amplio y
desahogado pero en el que prima el muro envolvente sobre el vano. Su
iluminación se produce a través de óculos laterales con poca incidencia de la
luz coloreada de las vidrieras.
La catedral de Palma de Mallorca

iniciada en el siglo XIII sigue el mismo esquema de las catedrales catalanas


con 3 naves y capillas laterales entre los contrafuertes

Italia y la tradición clásica

En Italia, el estilo gótico no tiene tanta extensión ni arraiga como estilo


propio, ya que se ve superado por las nuevas formas prerrenacentistas del
Trecento. La arquitectura italiana, dominada por la tradición clásica, es más
horizontal y cercana a masas sencillas propias del románico.
El arco apuntado llegó ligado a modelos cistercienses (abadía de
Fossanova,siglo XIII), aunque el desarrollo gótico llega de la mano de
franciscanos y dominicos (nuevas órdenes mendicantes), lo que lleva a una
predilección por la planta basilical, tendencia a ventanas de reducido tamaño
y arcos ligeramente apuntados. Ejemplo : iglesia de Santo Domingo en
Bolonia.
La reacción contra las formas góticas, tan lejos de la tradición clásica, es
muy temprana y aparece ya en la catedral de Orvieto,

46
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donde la horizontalidad se
remarca por el juego
cromático.
Pese a esta tendencia hacia
el clasicismo y el
prerrenacimiento, Italia
acoge, aunque muy al norte,
un ejemplo paradigmático de
arquitectura gótica: la
catedral de Milán, una
arquitectura ligada al poder
ducal y eclesiástico, como
había ocurrido en Francia y
España. La planta es de 3
naves, crucero de tres naves
y cabeza con girola y
capillas radiales. Su espacio
interior trata de armonizar el
espacio dinámico del gótico
clásico con la tendencia
hacia la unificación espacial
propia de la arquitectura
centroeuropea

La arquitectura gótica en Centroeuropa

El Sacro Imperio permanece reticente ante cualquier innovación hasta


comienzos del siglo XIII cuando aparece un estilo de transición románico-
gótico (catedral de Limburg an der Lahn.
En los territorios de habla alemana la evolución de la arquitectura fue
compleja; se desarrolla a partir del siglo XII copiando laterales de las de
Chartres, Reims y Amiens, como ocurre en la catedral de Colonia.
Sin embargo, pronto presenta diferencias respecto al gótico clásico francés:
son las iglesias denominadas de salón, con naves dispuestas a la misma
altura que unifican el espacio produciendo una sensación de diafanidad que
no habían conseguido los modelos franceses. La influencia del gótico alemán
se trasmitirán hacia el norte y centro de Europa hasta Rusia.
En cuanto a la arquitectura religiosa, la discontinuidad geográfica y política
favorecieron que las grandes intervenciones arquitectónicas no se centraran
solo en las catedrales, sino en iglesias de estilo catedralicio vinculadas a
poderes locales y no a altas jerarquías.

47
En todas ellas hay una tendencia a la unificación espacial en el interior y a la
centralización en planta, con naves a la misma altura, sin deambulatorio ni
girola ni arbotantes.
Lo que individualiza al gótico alemán es la falta de referencia a la
Antigüedad clásico, en contra de lo que se produce en Italia

48
TEMA 4. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN LOS SIGLOS XIV Y
XV

La arquitectura tardogótica en Europa

Si algo caracteriza a la arquitectura gótico-tardía es la riqueza y la diversidad


que alcanza en los diferentes países. No existe un centro difusor, como
ocurre en Francia en el periodo anterior. Hay abundancia de elementos
decorativos, renunciando a parte de la complejidad constructiva, estructural y
simbólica del gótico clásico. En las construcciones religiosas se abandona la
mística de la luz, por lo que el espacio ya no se entiende como trascendente y
transfigurado. Las consecuencias son que la arquitectura gótica se adecua
para todo tipo de edificios y construcciones.
Los interiores de las iglesias góticas quedan oscurecidos, ya no hay
ventanales cubiertos con vidrieras; las cabeceras crecen, las capillas privadas
aumentan en número.
En el exterior aumentan las torres y agujas, las portadas son muy decoradas.
El gusto por la ornamentación se refleja en elementos arquitectónicos
significativos:
-La bóveda de crucería se desarrolla con formas estrelladas a base de nervios

secundarios
-Los capiteles desaparecen y el apoyo de los nervios de las bóvedas cae sin
interrupción en los soportes
-Aparecen nuevos arcos como el carpanel y el
mixtilíneo -Los muros, vanos y rosetones se cubren de
tracerías -Decoración vegetal de yedras y frondas

49
El gótico flamígero francés

Es la definición de esta fase final del estilo gótico en Francia. A diferencia


del radiante, la iglesia deja de interpretarse como una auténtica caja de
vidrio, abandonándose la conexión entre espiritualidad y estructura diáfana.
En la arquitectura religiosa, gran parte del flamígero se plasmará en las

fachadas (fachada de la Trinidad de Vendome),


donde se observa el juego de curvas y contracurvas que dibujan llamas
ondulantes en la tracería de las ventanas.
En la arquitectura cortesana, hay que destacar que desde finales del siglo
XIII los reyes de Francia remodelaron o construyeron sus residencias
(castillo de Vincennes,

como ciudad administrativa amurallada, residencia regia y capilla palatina).


Del mismo modo, miembros de la familia real crearon cortes satélites de la
de París (palacio de Mehun sur yevre) en un intento de competir con la
residencia del propio monarca

50
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El gótico perpendicular inglés

En Inglaterra, a partir de 1350 el uso de bóvedas de abanico permitió el


desarrollo de estructuras ligeras sin arbotantes (catedral de Gloucester).
Finos nervios verticales se cortan por otros horizontales formando una trama
geométrica regular que se repite en los muros y permite la apertura de
amplísimos ventanales (capilla de Enrique VII en

la Abadía de Westminster)

El dominio de las iglesias de salón en Centroeuropa

Desde mediados del siglo XIV se observa una ruptura con las actitudes
arquitectónicas del pasado, aunque la tendencia anterior de espacios
homogéneos continuó (catedral de Praga)

España: el final del gótico y el reinado de los Reyes Católicos

A lo largo del siglo XIV Castilla vivió un periodo de gran inestabilidad que
paralizó en gran medida las construcciones; frente a esta situación, en la
Corona de Aragón hay un desarrollo económico que favorece la construcción
de edificios significativos.
La catedral de Oviedo, de 1388 (no se termina hasta el siglo XVI), es el
edificio en el que mejor se muestra el gótico flamígero de origen francés,
patente en las tracerías del triforio y en las bóvedas estrelladas.
Por su parte en la Corona de Aragón, la renovación del gótico llegó de mano
de arquitectos procedentes del norte de Francia que a su vez la difundieron
por Castilla.
51
Por Castilla llegaron también artistas extranjeros flamencos y normandos
(catedral de Sevilla de 1401), que se erigió sobre la antigua mezquita. Su
planta es un rectángulo, tiene 5 naves que no sobresalen de los muros
perimetrales, lo que le confiere un aspecto de caja.
La llegada de maestros extranjeros se debe al interés de un grupo de
comitentes de atraerlos para sus grandes empresas arquitectónicas.
Así, hacia 1440 el obispo Alonso de Cartagena trae a Burgoa a Juan DE
colonia para construir las dos torres de la catedral de Burgos.

El rey Juan II lo requirió para la construcción de la iglesia de la Cartuja de


Miraflores, destinada a panteón real.
En Toledo, el arzobispo Juan de Cerezuela requiere los servicios del
arquitecto Hanequin de Bruselas, para finalizar la capilla funerario de don
Álvaro de Luna en la catedral de Toledo, realizando además la coronación de
la torre y la puerta de los Leones.
Desde finales del siglo XV , la llegada al trono de los Reyes Católicos se
inicia un ola constructiva en la que el gótico se simplifica en su estructura y
se clarifica en las construcciones, que como expresión del poder real se
extenderá por toda la península: se complican infinitamente las nervadurasde
las bóvedas, se utilizan todos tipo de arcos y hay abundante decoración de
finos labrados. Una vitalidad que terminó enlazando con las primeras
construcciones renacentistas, por lo tanto, dos arquitecturas válidas y
novedosas, adecuadas para configurar una imagen moderna de la monarquía,
una referencia visual del poder y emblemática.
Podemos decir que esta forma de arquitectura tiene su origen en la obra que
el arquitecto Juan Guas realiza en Toledo a partir de 1476 para los Reyes
Católicos: iglesia de San Juan de los Reyes,

52
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con la intención de convertirlo en Mausoleo real, así como la renovación del


Castillo del Real de Manzanares
realizado por Juan Guas para la familia
Mendoza: la tradicional función
defensiva de los castillos sufren el
cambio hacia la imagen del poder, con
el matiz de que deja de ser residencia
señorial para insertarse como palacio
plenamente ciudadano inserto en la
trama urbana de la ciudad.
Por otra parte, los hospitales y centros
de beneficencia fueron remodelados o
se crearon nuevos, dejando de estar
adscritos a las comunidades religiosas
para constituirse en complejos
independientes.
53
El gótico manuelino en Portugal

Presenta un gusto decorativista propio del gótico flamígero, unas estructuras


simplificadas para poder repetirse con facilidad y una mezcla con elementos
renacentistas.
Aunque sus principales manifestaciones fueron arquitectónicas, también se
mostraron en escultura. Se caracteriza por una exuberancia de motivos
decorativos y por el mantenimiento de estructuras góticas. La vocación
marinera de Portugal determina que los motivos más utilizados deriven en
formas marinas y aparejos marineros o instrumentos náuticos (Torre de
Belem, Lisboa)

del arquitecto Francisco de Arruda, era un centro de recaudación de


impuestos

El auge de la arquitectura civil: edificios para la ciudad

El final de la Edad Media se puede identificar por un florecimiento de la vida


urbana, con el afianzamiento de nuevas clases profesionales y el lento y
progresivo desmantelamiento de las estructuras feudales, lo que trae consigo
nuevos grupos sociales en el arte y la arquitectura.
Las nuevas oligarquías urbanas renuevan por entero la imagen de la ciudad
bajomedieval, con ambiciosos encargos de edificios civiles. LA
CATEDRAL DEJA DE SER EL SÍMBOLO ARQUITECTÓNICO DE LA
CIUDAD, a favor de lonjas, ayuntamientos, hospitales…
En España, ligados a la imagen de poder que quiere transmitir la monarquía 54
se construirán los hospitales de Toledo, Granada y Santiago; en Inglaterra ,
las edificaciones universitarias de Oxford y Cambrige; en Portugal, la torre de
Belem; en los Paises Bajos, las enriquecidas clases burguesas
muestranedificios ciudadanos: ayuntamiento, lonjas: lonja de Brujas
ayuntamiento de Bruselas; las lonjas eran lugares de comercio y de reunión
41 11

de negocios que se situaban junto a


los ayuntamientos, centro político de
la ciudad. Eran edificios de 2 ó 3
plantas alargadas, de naves únicas
con alargados ventanales; la
horizontalidad de las fachadas
contrasta con la verticalidad de sus
torres campanario.
En Italia, la fuerza de las ciudades-
Estado llevó a la construcción de
edificios civiles como el
ayuntamiento de Siena.

En la corona de Aragón destacan las lonjas de Valencia y Palma de Mallorca


En Venecia, el gótico flamígero se mezcla con elementos orientales y
bizantinos (palacio ducal)

55
TEMA 5. LA ESCULTURA GOTICA

La renovación del lenguaje plástico

La caída del Imperio Romano conllevó un largo periodo de decadencia hasta


mediados del siglo XI, en el que las ciudades del Occidente cristiano
observaron un lento pero continuo desarrollo económico y aparición gremios
de artesanos.
Además el reforma emprendida a mediados del siglo XI por Gregorio VII
consiguió restablecer la autoridad moral del papado, lo que conllevó la
transformación de las comunidades monásticas, sometidas ahora a los
obispos.
La catedral, símbolo del renovado poder episcopal, adoptó la misión de
ilustrar y educar al pueblo por medio de LA IMAGEN ESCULPIDA.
Con la irrupción de aristotelismo, el pensamiento teológico avanzó utilizando
la razón como instrumento capacitado para explorar el universo circundante.
A su vez, la reflexión teológica comenzó a centrarse en la condición humana
de Cristo.
En el ámbito de la imagen, esto significó el alejamiento de la idea románica
para la cual todo lo que afectaba a la materia era pecado, por eso durante
estos siglos asistimos a un progresivo naturalismo , con rostros y gestos cada
vez más realistas, con más sentimiento, más humanos

La escultura gótica de los siglos XII y XIII

En Francia, al igual que ocurre en arquitectura, la renovación del templo


emprendida por el abad Suger constituye una referencia fundamental en los
orígenes de la escultura gótica.
En la portada de la abadía de Saint Denis se representa el tema del Juicio
Final con un Cristo sentado delante de la cruz y a ambos lados de su cabeza 4
ángeles portan los instrumentos de la Pasión. A los pies de Cristo aparecen
las figuras de los muertos que salen de sus tumbas. La novedad consiste en
que ya no hay la sensación y terror que caracterizaba a las portadas
cluniacenses.
La conocida como Portada Real de la catedral de Chartres, ya no hay esas
imágenes monstruosas del románico. Nos encontramos con esculturas
talladas en la misma piedra que las columnas que se funden en el rígido
esquema de columnas y arquivolas: un ordenamiento geométrico dominado
por la fe y la razón.
Esta fusión de la escultura gótica francesa con la arquitectura cumple una
función que se aleja de lo decorativo: en las fachadas la escultura divde los
pisos e invade las zonas altas.
La portadas de Notre Dame avanzan una importante transformación
iconográfica en torno a la Virgen María, que se ubica en un trono al mismo
nivel que Cristo. 56
El siglo XIII se inaugura con un estilo de transición que se caracteriza por la
recuperación de las formas de la antigüedad clásica (Relicario de los reyes
magos de Nicolás de Verdún)y una tendencia a la monumentalidad
(catedrales de Laon y de SEns).
La reconstrucción de la fachada occidental de Notre Dame de París es
fundamental para comprender el cambio que se produce en este siglo; la
portado es ocupada por el Juicio Final en el que la figura de Cristo
ABANDONA EL CARÁCTER DE JUEZ, APARECIENDO AHORA CON
UNA ACTITUD REDENTORA.
En 1210, tras un incendio, el arzobispado de la catedral de Reims puso en
marcha un proyecto de reconstrucción que fue interrumpido en numerosas
ocasiones. Fue una catedral relevante por su estrecha relación con el poder
monárquico y en ella observamos un desbordamiento de la escultura que
invade toda la fábrica, con personajes del Antiguo Testamento que se
presentan como antepasados de la monarquía francesa.
En el Museo de Cluny se conserva la figura de un Adán desnudo, un buen
ejemplo de cómo se profundizó en el estudio anatómico del cuerpo humano y
en las posibilidades del movimiento.
En el Sacro Imperio, fue hasta bien entrado el siglo XIII cuando se
asimilaron las formas góticas procedentes de Francia, de tal manera que la
catedral de Estrasburgo abandona el románico, el bizantinismo y la tradición
otoniana, con un personaje influyente: Nicolás de Verdún, que introdujo el
estilo francés en el Imperio.
Fue peculiaridad en el Imperio la mayor autonomía de la escultura respecto
al elemento arquitectónico con lo que en las portadas se reducen las
esculturas, aumentando en el interior

(Pilar de los Angeles de la


Catedral e Estrasburgo),
compuesto por 12 esculturas
dispuestas en 3 registros. Su
iconografía remite al Juicio
Final.
Todas las figuras del
conjunto son altas y
delgadas, con un movimiento
acompañado de ropajes finos
que permiten observar la
anatomía del cuerpo. La
catedral de Bamberg es el
segundo de los grandes focos
alemanes, en la que
participan dos escuelas: una
arcaizante de tradición
románica y otra más cercana
a los modelos franceses 57
En España,, la catedral de Burgos ejemplifica perfectamente la asunción de
modelos franceses. Levantada entre 1221 y 1260 bajo el impulso del obispo
Mauricio, sus grandes conjuntos arquitectónicos se sitúan en la zona del
crucero.
El conjunto mejor conservado de la estatutaria gótica en España es el de la
catedral de León, con sus fachada occidental

dedicada a la infancia de Cristo y a escenas de la vida de la virgen, junto con


el Juicio Final

Clasicismo y originalidad del gótico en Italia

La escultura italiana presenta una gran independencia respecto a los modelos


franceses , las causas son las siguientes:
-Inicial persistencia de los modelos románicos -Influencias oriental y
bizantina
-Temprano interés por la antigüedad clásico, fruto de la voluntad del
Emperador Fedrico II,que tenía territorios al N y S de Italia.

58
El Púlpito del Baptisterio de Pisa, de 1260,de forma hexagonal, se alza sobre
6 columnas externas y una
columna central, sobre una
basa con figuras humanas y
animales. La decoración de
este púlpito entronca con la
tradición franciscana de
exhibir paneles con
imágenes, mientras que el
lenguaje formal recuerda a
los sarcófagos de la
antigüedad tardía.
Arnolfo di Cambio ayudante
de Pisano entró al servicio de
Carlos Anjou en Roma y su
obra Tumba del Cardenal de
Braye muestra la figura del
difunto sobre el sepulcro en
el que lo más original son las
figuras que se disponen a
abrir o cerrar las cortinas

La escultura gótica de los siglos XIV y XV: escultura exenta y espíritu


cortés

El periodo comprendido entre los siglos XIV y XV es uno de los más


brillantes de la escultura europea occidental. SE GENERALIZA LA
PROGRESIVA INDEPENDENCIA DE LA ESCULTURA RESPECTO A
LA ARQUITECTURA.
Para Georges Duby, los esfuerzos baldíos de Santo Tomás de conciliar
cristianismo y aristotelismo a través de la razón dieron paso a una visión
franciscana del mundo que ahondaba en la humanidad de cristo, tanto en su
ternura infantil como en el suplicio de la muerte.
Un segunda aspecto que caracteriza la producción escultórica de estos siglos
es la consolidación de los poderes terrenales monárquicos y nobles. En las
cortes europeas la exhibición de la fuerza militar dejó paso a una nueva
escenificación del poder manifestada a través del lujo y del buen gusto,
valorándose especialmente el mármol y el alabastro. Uno de los aspectos que
mejor ilustra esta etapa es el gran desarrollo del sepulcro monumental. 59
En Francia, durante la I mitad del siglo XIV la escultura pasa de estar al
servicio del clero, a ser recuperada por particulares que formaban parte de la
familia real, de la corte o de la nobleza. Es el momento de gestación de una
escultura cortesana, manifestada en pequeños encargos fruto de la piedad
individual ( Ángel de la anunciación, Museo de Cleveland)
La llegada al trono de Carlos V supuso un gran impulso para la escultura
francesa. Con él se implanta una verdadera política artística dirigida a
legitimar el poder de la monarquía (retratos de Carlos V y Juana de Borbón,
Museo del Louvre).
No obstante la fama de
escultores como Juan
de Lieja se debe a su
maestría en el arte
funerario (estatuas
yacentes de Carlos IV y
Juana de Evreaux).

Los sepulcros
monumentales
adquieren a finales de
la Edad Media una
dimensión sociológica
desconocida hasta
entoncesEn Inglaterra se
observa una acusada falta de
correspondencia entre la
arquitectura y la escultura
gótica a causa de las
destrucciones llevadas a cabo
tras la reforma anglicana de
Enrique VIII, de marcado
carácter iconoclasta. No
obstante, en la catedral de
Canterbury se conserva el
sepulcro del Príncipe Negro
60
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cuyo autor fue posiblemente Jean


Orchard
En el Sacro Imperio y
Centroeuropa, tras la coronación de
Carlos IV, Praga se convierte en la
capital artística del Imperio,
imitando a Carlos V en París. Un
estilo cortesano claramente
vinculado a la escultura francés
(virgen de Krumlov) donde se
muestra la iconografía de la
Piedad. A partir de la II mitad el
siglo XV cambia en gusto
abandonándose las formas amables
y se vuelve a ahondar en el
realismo.
En España y Portugal , al igual que
ocurrió en el Imperio, se produce un desarrollo de la escultura sin
precedentes. El número de encargos atrajo a escultores del norte, cuya
técnica y estilo acabaron fusionándose con las tradiciones de cada región,
dando lugar a un arte de gran originalidad. Uno de los maestros más
importantes fue Pere Joan (retablo de santa tecla de la catedral de
Tarragona). En Burgos destaca Gil de Silóe (retablo mayor den la cartuja de
Miraflores).

61
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En Portufal, por su parte, el principal foco de encargos fue la escultura


funeraria: Sepulcro de Inés de Castro para la abadía de Alcobaça

TEMA 6. EL GOTICO Y LAS ARTES DEL COLOR

Las artes del color. El gótico lineal y el auge de la vidriera y la


miniatura

La apertura de grandes vanos en la arquitectura gótica en detrimento


de la superficie mural trajo consigo una drástica reducción de la
pintura mural, aunque siguió practicándose en palacios y conjuntos
civiles, abandonándose, lógicamente los temas sacros, y floreciendo
una temática profana caballeresca:
Sucesos históricos
- Escenas de cacería
- Luchas de caballeros
- -Representación de nuevos espacios como la ciudad (Conquista
de Palma de Mallorca por las tropas de Jaime I

En el retablo de San Cristóbal del Museo del Prado hay organización


por escenas.
Otra de las características propias de la época es la pervivencia de
fondos dorados. Se trata en definitiva de una dialéctica que parte de la
62
tradición simbólica bizantina para adentrarse poco a poco en la
representación de espacios naturales.
Un comentario más detenido va a merecer la vidriera, un arte utilizado
en épocas anteriores que ahora adquiere mayor protagonismo

La vidriera. Simbolismo, técnica y desarrollo histórico

Para entender el papel que juega la vidriera entre las artes góticas
debemos recordar el carácter simbólico y trascendente que se otorga a
la luz en la tradición literaria cristiana; los teólogos distinguían entre
luz espiritual (Dios) y luz natural (manifestación o expresión de
Dios). LA LUZ DEL INTERIOR GÓTICO, TRANSFORMADA
POR EL FILTRO COLOREADO DE LA VIDRIERA, SE
CONVIERTE EN LUZ NO NATURAL, QUE SIMBOLIZA LA LUZ
ESPIRITUAL (IMAGEN DE DIOS), Y QUE TRASLADA EL
ESPACIO ARQUITECTÓNICO A UNA DIMENSIÓN
TRASCENDENTE.
Por el monje Teófilo sabemos que el trabajo del vidrio partía de un
boceto a pequeña escala, pasando luego a un cartón de tamaño real
que guiaba la colocación de los vidrios ya cortados. Sobre los vidrios
se dibujaba a pincel las líneas de figuras, rostros, pliegues, etc.. Al
cocer las piezas en el horno la pintura se fundía con la superficie
vitral. Más adelante se introdujo la técnica de la grisalla, con la que se
conseguían efectos de claroscuro que dotaban de volumen a las
pinturas.
La vidriera tuvo un desarrollo desigual en Europa. Tuvo mayor
esplendor en el norte de Francia.
Estilísticamente, la vidriera, como la miniatura, parte de la
recuperación de formas antiquizantes propias del denominado estilo
1200.
En Chartres, cuya reconstrucción comenzó en torno a 1190,
encontramos uno de los
conjuntos vitrales mejor
conservados: Glorificación de
la virgen; un programa
iconográfico que se completa
con distintos pasajes bíblicos
y escenas de la vida
cotidiana, con un contraste
cromático entre azules y
rojos, utilizándose el verde,
purpura, amarilo y blanco
para las figuras.
Es en París, en la Sante
Chapello , hacia 1240, donde
la vidriera juega un papel sin
63
precedentes en la búsqueda de un espacio trascendente; el muro
desaparece caso por completo y los elementos arquitectónicos se
decoran para fundirse con el efecto de las vidrieras en la búsqueda de
una unidad espacial. Las imágenes hacen continuas alusiones a la
monarquía francesa, que aparece ligada a los reyes del Antiguo
Testamento. Las
equilibradas proporciones
de las figuras suponen un
salto importante hacia el
estilo gótico
pleno.Conforme avanza el
siglo, las vidrieras fueron
abandonando su intenso
cromatismo para hacerse
más luminosas. Para ello
se utilizaron vidrios más
finos y traslúcidos (Coro
de la catedral de Amiens,
1270).La vidriera francesa
se expandio por
Estrasburgo, Colonia e
Inglaterra.En España , es
en la catedral de León
donde encontramos el
ciclo de vidrieras más
importante y mejor
conservado del país, con
influencia francesa y un
evidente interés por exaltar el papel de la monarquía (Alfonso X el
Sabio, lado norte de la nave central.

La miniatura gótica y los libros de devoción durante el siglo


XIIIDurante el siglo XIII se consolidó una nueva clientela de carácter
urbano que repercutió en la empresa de edición y en el tamaño de los
libros: clientes intelectuales , estudiantes y cortesanos (reyes y
príncipes).Hay que tener en cuenta también que en el siglo XIII la
ilustración de libros pasó de ser competencia exclusiva de clérigos y
monjes, a ser elaborados por talleres de profesionales laicos. Estos
nuevos talleres laicos fueron los responsables de la renovación que
tiene lugar durante esta centuria.Un estilo propio , que conjugó el
bizantinismo con las tradiciones locales, permitió a la pintura alejarse
de los esquemas abstractos románicos y crear imágenes más naturales
y corpóreas .
En Inglaterra, uno de los autores más importantes fue el llamado
Maestro de la Hoja Morgan, miniatura que influyó en el norte de
Francia (Salterio de Ingeburge).
64
En Francia , la miniatura francesa pronto se consolidó en un estilo
propio; el famoso Salterío de San Luis
lOMoARcP

con 68 miniaturas ilustran


pasajes del Antiguo
Testamento, con
decoración vegetal animal
con figuras de canon
alargado.
Durante el siglo XIII
Inglaterra se abre hacia el
gótico francés , aunque la
miniatura francesa fue
laica, y la inglesa laica y
relisiosa.
En España, la mayor parte
del siglo se caracteriza por
una producción
conservadora, ligada a
monasterios ya en
decadencia. Las Cantigas
de Santa María de Alfonso
Xtuvo como objeto recoger
todos los milagros
atribuidos a la virgen. El
uso de elementos islámicos
convierte esta obra en una
de las más originales de la
miniatura medieval

65
El desarrollo de la pintura durante el siglo XIV

El libro de Horas de Jeanne


d ´Evreux
es la obra que permite
apreciar los avances
producidos: de tamaño
minúsculo fue realizado
por encargo de Carlos IV
como regalo para su mujer.
En este libro hay intentos
por otorgar una
espacialidad tridimensional
a las escenas que nos
remiten al conocimiento de
la pintura de Giotto.
En la iluminación de libros
destaca el maestro
Guillermo de Machaut
que en el Paramento de
Narbona el dibujo está
realizado en grisalla sobre
una tela de seda blanca; es
un ornamento de altar que
se colgaba en lugar alto y
visible.
El interés por captar la
realidad lo más fielmente
posible condujo a la
representación del
individuo, dando origen al
retrato (retrato sobre madera de
Juan el Bueno,situado de perfil
sobre fondo dorado; autor
Girar d Órleans.

Durante el siglo XIV, la ciudad


francesa de Aviñón se
convirtió en exponente de la
apertura del norte hacia Italia.
Sede papal que asimiló la
pintura italiana. Bajo los
pontificados del Benedicto XII
y Clemente XIII fueron llamados a la corte papal artistas italianos
como Simone Martini. 66
(Sagrada Familia) l

En Inglaterra , durante el siglo XIV


se generaliza la pintura de caballete
(retablo de la vida de la Virgen)
Mueo de Clunie, con figuras
flexibles y elegantes, de canón
alargado y actitudes afectadas.
En el Sacro Imperio llegaron
influencias inglesas en Colonia,
mientras que en la zona austriaca
influencia italiana

El gótico internacional

En los albores del siglo XV un profunda crisis afecta en Europa a la


sociedad medieval:
-El Imperio, tras la muerte de Carlos IV está en decadencia
-Carlos IV de Francia está inmerso en una guerra interminable con
Inglaterra -En la P Iberica se unificaron Castilla y Aragón,
expulsando a los árabes -Los turcos toman Constantinopla
-El Cisma de Occidente traslada el papado a
Avignon -Crisis demográfica a causa de la
peste negra

Utilizamos el término gótico internacional, estilo cortesano o arte


1400 para referirnos a un tipo de pintura que se desarrolla en Europa
entre 1380 y mediados del siglo XV.
La pintura del gótico internacional se encuentra estrechamente
relacionado con el auge de las cortes europeas y tiene como objetivo
agradar a una clientela que se deleita en lo exquisito y lo fantástico.
En la pintura asistimos a un grado de cohesión y unidad sin
precedentes, A CAUSA DE LA ACTIVIDAD POLÍTICA Y
CORTESANA DE SUS PROMOTORES. HAY QUE RECORDAR
QUE PINTURA Y MINIATURA PRONTO SE CONVIERTEN EN
OBJETO DE COLECCIONISMO Y SE OFRECÍAN COMO
REGALO PARA SELLAR ALIANZAS MATRIMONIALES O
CONSOLIDAR AMISTAD ENTRE FAMILIAS.
Estilísticamente, la pintura del gótico internacional se caracteriza por
un dibujo delicado y expresivo, por una tendencia hacia la curva con
armoná de colores brillantes. Se aprecia un interés común por los
67
elementos arquitectónicos y paisajísticos.
Su origen posiblemente sea una síntesis del modelo lineal francés y el
de la escuela sienesa
Sociológicamente, este arte es el reflejo de una clase social que huye de
una realidad dramática y se refugia en una vida de lujo y de placer.
La miniatura ocupa un lugar excepcional en la producción pictórica de
estos años, con libros de vidas de santos, crónicas históricas, libros
científicos, etc.

En Francia , el duque de Berry destacó como mecenas de libros en


miniatura con maestros como los hermanos Limbourg.
Hacia el Sacro Imperio, en el reinado de Carlos IV llegaron maestros
de Francia e Italia, que se fundieron con la tradición propia, sumada a
un lejano bizantinismo (Bula de oro de Carlos IV, de Wenceslao.
En la Península Ibérica no es posible hablar de un gótico internacional
generalizado y solo logra un buen desarrollo en Cataluña (San Jorge ,
de Bernat Martorel).
(En Castilla la corte tenía mayor peso).
En Italia, tras las grandes aportaciones realizadas durante el Trecento
en Siena y Florencia, en la península italiana se asiste a finales de
siglo a una renovacón de la pintura gótica internacional, lógicamente
en ambientes cortesanos, como ocurre en Milan, donde los Visconti,
gobernantes, adquieren una producción de libros a la altura de los
talleres del norte. Incluso en Florencia, ciudad eminentemente
burguea se experimenta el gusto por el gótico internacional (-
Adoración de los Reyes Magos, de Lorenzo de Mónaco.

68
En Inglaterra , la pintura del gótico internacional ha conservado pocos
testimonios. El más singular es el Díptico de Wilton

, en el que se presenta al rey arrodillado ente la virgen con el niño. El


fondo dorado del cuadro contribuye a crear un espacio simbólico, con
precisión en los detalles y sutilieza de la paleta.

69
TEMA 7. LA PINTURA ITALIANA DE LOS SIGLOS XIII Y
XIV

“I Primi lumi”. Introducción a la Historiografía del Arte e


Historia de la Italia de los siglos XIII-XIV

Para comprender la pintura italiana de los siglos XIII y XIV, deben


tenerse en cuenta unos factores históricos y sociales que marcaron la
realidad vivida por los artistas de la época:
-A comienzos del siglos XIII, en Italia se consolidan y expanden las
ordenes mendicantes, que a diferencia de las órdenes monásticas de la
Alta Edad Media, serán fundamentalmente urbanas, fundándose gran
cantidad de conventos en las principales ciudades de Europa
Occidental
-Progresivo crecimiento de población urbano en detrimento de la
rural, que propició el auge de las órdenes mendicantes
-La expansión de las órdenes mendicantes (Franciscanos y
Dominicos) tuvo un impacto directo en las artes, siendo sus conventos
dotados de obras artísticas
-En 1204, Constantinopla es saqueada, lo que confirmó la supremacía
de Occidente sobre Oriente y la llegada a Europa de gran cantidad de
obras de arte, haciendo posible un renovado influjo de la estética
bizantina en todo Occidente
-La Italia del siglo XIII asiste al auge de la escolástica , que fusionó la
filosofía antigua con la doctrina cristiana, reinterpretándose la
filosofía de Aristóteles en clave cristiana
-El siglo XIV vino marcado por un hecho sin precedentes: la salida
del Papado de Roma hacia Aviñón en 1309. La consecuencia fue que
Roma pierde su supremacía artística, que se trasladó a la Toscana y a
Florencia y Siena
-En 1348 la peste negra diezmó la población de ciudades como
Florencia (hermanos Lorenzetti)

La influencia bizantina en la pintura y el mosaico en la Italia del


Duecento

En 1204, tras el saqueo de Constantinopla, la pintura italiana de la I


mitad del Duecento asimila la pintura bizantina , hacia una incipiente
humanización de los personajes y escenas.
Tanto pintura como mosaico siguen las pautas bizantinas,
constituyendo la denominada “maniera greca” de la pintura italiana,
caracterizada por la severa frontalidad y solemne rigidez de las
figuras, colores planos de las superficies y tratamiento lineal de los 70
detalles internos de las mismas (como en los pliegues de las
vestiduras), junto con el uso de los fondos de oro, creando espacios
intrascendentes e irreales. Estas son las principale características de la
maniera greca del Duecento. Los artistas toscanos son los siguientes:
-Berlinghieri padre
-Berlinghieri hijo (San Francisco de Pescia),donde S Francisco ocupa
todo el cuerpo central, representado frontalmente y portando un libro
y mostrando los estigmas a la manera bizantina, con 6 escenas de su
vida a los lados.
-Giunta Capitinia da Pissa, heredero de la tradición bizantina, muestra
grandes crucifijos contorneados para ser dispuestos sobre el altar. Se
muestra a Cristo sufriente
con el cuerpo
dramáticamente curvado y
a sus lados las figuras de la
Virgen y S Juan
Evangelista. En la parte
superior el INRI y el
pantocrátor en forma de
medallón
-Coppo di Marcovaldo, en
la II mitad del s XIII dará
un paso más en la
incipiente emancipación de
la maniera greca de la
pintura florentina (La
Madonna con el Niño de
Santa María dei Servi de
Siena)
-Margaritone de
Arezzo, Virgen
entronizada con
el
Niño.

71
En cuanto a la escuela de Roma, que sigue siendo uno de los
principales focos artísticos de la Italia del s XIII:-Jacopo Torriti, uno
de los mejores artistas del mosaico (mosaico del ábside de Santa
María la Mayor. Coronación de la Virgen)

-Filipo Rusuti, mosaico de la antigua fachada principal de Santa


María la Mayor)
-Piero Cavallini (mosaico de Santa María in Trastevere, siguiendo la
tradición bizantina en iconografía , pero con la innovación de la
tridimensionalidad.

El Trecento, un nuevo estilo pictórico en la Europa de la Baja


Edad Media
A comienzos del siglo XIV el papado se traslada a Aviñón, haciendo
que Roma pierda el papel protagonista a favor de Así, Siena y
Florencia.
La ruptura de los cánones de la tradición bizantina es ya irreversible y
Cimabue representa la transición en la Madonna entronizada, aún sin
desvincularse totalmente del Duecento, con elementos como el fondo
dorado o el tratamiento iconógráfico, la novedad reside en la sutil
gama de colores, el tratamiento de los pliegues, la posición de la
Virgen con los pies apoyados e dos escalones diferentes del trono y en
el intento de simular la profundidad del trono; innovaciones presentes
tambén en su Maestá de la santa Trinidad,con una evidente voluntad
espacial y volumétrica .

72
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El florentino Giotto di Bondome 1267 1337, con su “revolución pictórica”,


anticipa muchas de las innovaciones pictóricas desarrolladas posteriormente
en el Renacimiento:
-Preocupación por la tridimensionalidad en el espacio
-El carácter volumétrico de sus personajes
-La importancia de los gestos de sus
personajes -Gusto por los colores luminosos
-Detallismo en sus escenas debido al carácter narrativo de sus obras
Destacan sus frescos de la Basílica superior de Asís, dedicados a la Vida de
San Franciscomo, como la Expulsión de los demonios de Arezzo,

73
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donde sobre un fondo azul intenso, San Francisco Arrodillado a la izquierda,


enviá al hermano Silvestre ante las puertas de la ciudad para que por
mandato de Dios expulse a los seres malignos que tienen a la ciudad al borde
de la ruina.
Poco años después, entre 1305 y 1306, Giotto se encuentra en Padua, donde
ejecuta los frescos del interior de la Capilla de los Scrovegni, su obra magna
y uno de los mayores logros artísticos de la pintura italiana de la Baja Edad
Media. SE tratan de unos frescos, seres de 40 escenas correspondientes a los
ciclos de la Vida de la Virgen (desposorios de la Virgen Maria)donde se
preocupa por la tridimensionalidad del espacio, el contraste claroscuro
74
de los pliegues, la individualización de las posturas y gestos de los
personajes, con semblante serio de los sacerdotes.
El ciclo dedicado a Cristo presenta como singularidad los gestos de las
figuras, que son más extremos y menos contenidos que los de los ciclos de la
Virgen, exteriorizando plenamente su dolor y sufrimiento (lamentación sobre
el cuerpo de Cristo ,muerto).

75
Entre las obras de Giotto en Florencia destaca “Maesta di Ognisanti”que
muestra la virgen con el niño sentada
sobre un trono con baldaquino, y
mostrando una virgen mucho más
humana, del todo alejada de los
parámetros bizantinos, con un
tratamiento sutil de las vestiduras de la
Virgen y el niño y el preciosismo de
los detalles y de los colores.
En cuanto a la escuela de Siena,
Duccio ejecuta para la catedral de
Siena su obra magna: la Maestá de
Siena, una monumental composición
de 3,7 m de alto y 4,5 de ancho. Hay un
amplio despliegue de detalles y
diversidad en la
expresividad de los personajes.

Simone Martini es el discípulo más


aventajado de Duccio (Investidura de
San Martin como caballero,donde es
evidente la influencia de Giotto en los
aspectos espaciales y voluminosos.
Sin embargo, Martini adapta a su
estilo una escena con aire
caballeresco y cortesano, con
infinidad de detalles: las ricas
indumentarias, el personaje con alcón
, el grupo de músicos de la derecha, 76
que nos transmiten el presente, la
realidad de un ceremonial de esas características. Su obra maestra es sin
embargo Guidoriccio da Fogliano a caballo, una temática de corte profano y
una innovadora composición que recorta la figura protagonista sobre un
fondo paisajístico desolado dominado por un campamento militar.
Pietro Lorenzetti , seguidor de la tradición de Duccio, en la Última
cenaplasma la tridimensionalida y
el uso de contrastes claroscuros.
Tras la Peste Negra (II mitad del
siglo XIV), Giovanni da Milano
muestra la influencia de Giotto y
la preocupación por los
volúmenes y las formas
naturalistas, si bien con un gusto
más sutil del tratamiento
cromático (frescos de las
Historias de la Virgen
de la Capilla Rinuzzini

77
La influencia del Trecento en Europa

Las escuelas florentina y sienesa se difundieron por el Continente de manera


desigual; leve en Cenntroeuropa, Inglaterra y fuerte en Bohemia, Hungria,
reinos cristianos de la P Ibérica y Francia.
Los territorios cristianos de la p Ibérica poseen lazos comerciales con Italia.
De igual modo las relaciones con la Corte Papal de Avignon facilitan la
penetración del Trecento al sur de los Pirineos, sobre todo en Cataluña
(Ferrer Bassa, Anunciación de la Virgen, frescos de la Capilla de San Miguel
del Real Monasterio de Pedralbes, Barcelona)donde se aprecia un gusto por
el cromatismo y los detalles de los tejidos, junto con la voluntad de situar a
las figuras en un espacio tridimensional

78
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TEMA 8. LA PINTURA FLAMENCA

Contexto geográfico, histórico y social

La pintura al óleo sobre tabla se desarrolla en un área amplia que abarca la


región actual del Benelux y el nordeste de Francia, una región con gran
densidad de población y donde se produce un desarrollo urbano y económico
extraordinario. El auge de comercio fue debido a la avanzada infraestructura
fluvial de Brujas y Gante. Las consecuencias fueron:
-Auge de los oficios artesanales, especialmente el arte pictórico, que
encontraba una creciente clientela entre la burguesía (banqueros
ymercaderes) que conformaban una identidad urbana que quedó reflejada en
el desarrollo del retrato y en la presencia de vistas de ciudades en estas tablas

Cambios en la producción artística y principales rasgos de la pintura


flamenca

La creciente demanda de bienes de consumo llevó al desarrollo de una


producción industrial que afectó a la pintura, con la realización de tablas de
muy variados precios y calidades en función de las posibilidades del cliente:
una producción a gran escala para ser vendida en ferias, tiendas y mercados.
Sabemos que los gremios estaban cuidadosamente definidos y regulados para
proteger a los artesanos, que pagaban una cuota elevada para desarrollar su
actividad pictórica.
La estima creciente por el virtuosismo de los grandes maestros llevó al
ascenso social del pintor y a una autoconciencia de la importancia de su
labor, reflejada en algunos autorretratos de pintores realizando su oficio. Son
características comunes de la pintura flamenca:
-Técnica de pintura al óleo: apenas se usaba antes debido a su lento secado,
pero la incorporación de sustancias secantes como la resina natural permitó
el perfeccionamiento de la pintura al óleo
-Detallismo: se observa un gusto particular por la minuciosidad de los
detalles realizados por finísimos pinceles, mediante lupas e instrumentos
ópticos para hacer de su pintura una visión más nítida del mundo que la
apreciable a simple vista
-Realismo y naturalismo: El detallismo de estos pintores se relaciona con una
acusada vocación de realismo. Frente al idealismo del arte italiano, la escuela
flamenca fue libre para penetrar en el alma humana sin las limitaciones que
impone la belleza: las figuras pierden armonía y elegancia para expresar
emotividad. El retrato logra su versión más sincera, llegando a alcanzar
límites feistas y hasta caricaturescos.
Respeto por la naturaleza, gusto por el paisaje: el naturalismo y el detallismo
denotan una completa dependencia de la naturaleza, que pretende ser 79
retratada en toda su verdad. Se alcanza una gran perfección técnica en los
efectos de luz y atmósferoa
-Simbolismo: las tablas flamencas están llenas de alusiones simbólicas y
metáforas visuales. La realidad entera se vio impregnada de un mensaje
trascendente
-Nuevos géneros pictóricos: entre los más destacados está el retrato como
materialización del auge del individuo en un mundo cada vez más secular; el
bodegón o naturaleza muerta, debido al gusto por las escenas de interior y a
la voluntad de plasmar los privilegios de las élites urbanas: jarrones, sedas
orientales, frutas o flores frescas
-Obras de pequeño formato: el uso particular de estas tablas, fruto de una
cultura de los privado, llevó a que fueran con frecuencia transportables y de
pequeño formato (algunas del tamaño de una postal), dado que estaban
pensadas para ser contempladas en la intimidad del hogar

Los fundadores del estilo: el Maestro Flémalle, Jan Van Eyck y Rogier
van der weyden.
-El Maestro Flémalle (Robert Campin), combina el naturalismo con el
simbolismo; en Los Desposorios de la Vigen, simboliza por una parte el

Nuevo Testamento con el Gotico y al Antiguo Testamento con el Románico;


el muro inacabado da a entender que la nueva arquitectura está destinada a
suplantar a la antigua.
En el tríptico de la Anunciación se interpreta esta escena como un hecho
cotidiano narrado en el interior de una típica casa burguesa. A la izquierda
los clientes aparecen en un contexto urbano contemporáneo y a la derecha
San José , en su taller de carpintero, retratando un oficio de la época.
Rober Campin se dedicó también al género del retrato, que libera al arte
pictórico del tema sagrado, encumbrando al individuo, poniendo el pincel al
servicio de la verdad, a riesgo de desatender la belleza (arrugas, papada,
ojeras, barba incipiente: el retratado aparece tal como era.
-Jan Van Eyck destaca por captar la naturaleza con asombrosa minuciosidad,
así como por la carga psicológica de sus retratos, capaz de turbar al 80
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espectador por medio de una mirada distante, carente de sentimiento pero


llena de vida y personalidad.
La obra de van Eyck se compone fundamentalmente de retratos y escenas
sacras envueltas en una atmósfera cargada de religiosidad. Su primera tabla
conocida “Políptico del Cordero Mística”

, donde el pintor crea un espacio de enorme amplitud cuyo eje central está
formado por 3 elementos de fuerte carga simbólica: el sol, el cordero y la
fuente de la vida; en los extremos laterales encontramos a Adán y Eva y
ángeles que celebran el triunfo de Cristo. Los cabellos de estos y sus
indumentaras de seda evidencian el profundo análisis que el autor realiza de
la materia con su pincel.
Pero el retrato más famoso de Van Eyck es el “Matrimonio Arnolfini”

Descargado por Jaime Gil (spanishchefdansk@hotmail.com)

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Descargado por Jaime Gil (spanishchefdansk@hotmail.com)

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, un cuadro cargado de simbolismo, dado que ningún objeto pintado carece


de significado; la vela de la lámpara es el cirio que se encendía en el
dormitorio nupcial y en la silla del fondo está tallada Santa Margarita,
patrona del parto. Los zuecos del suelo subrayan la sacralidad de la escena;
las frutas en la ventana aluden a la fertilidad, el perrito a la fidelidad e la
esposa y la mano de ésta en el vientre evidencia su voluntad de
descendencia, reforzada por el color verde esperanza de su traje. Gracias al
recurso del espejo, la parte ausente de la habitación se introduce en la obra y
con ella aparecen el propio pintor y otro personaje como testigos del
casamiento.
Uno de los retratos más famosos de van Eyck es “Hombre con Turbante
rojo”;el rostro pálido, severo, de labios
apretados y mirada fría, impactan al
espectador gracias al color rojo del
turbante que contrasta con el piel blanca y
el fondo oscuro.

Entre sus obras de temática religiosa


destaca “La Virgen del canciller Rolin,en
la que la tabla permite comprobar la
fuerte desacralización que se operó en la
pintura flamenca, donde a pesar de los
temas religiosos, asistimos a la
coexistencia espacial de los santos y los
vivos: el canciller mira con descaro a la
Santa Dama, sin que exista una barrera
espacial entre ambas figuras, ni una
diferencia de tamaño, como ocurría hasta
la fecha. La minuciosidad está presente en
la representación del paisaje, donde se
alza la silueta de la ciudad y 2 personajes
se asoman al río: posiblemente el pintor y
su hermano.En palabras de Panofsky, van
Eyck fue capaz de concebir la tabla como
un microcosmos y un macrocosmos al
mismo tiempo

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-Roger van der Weyden: vino a cargar a sus personajes de aquello que Jan
había ignorado: la expresión de
sentimientos, y especialmente
la plasmación del sufrimiento
humano. El sentimiento trágico
encuentra su expresión más
elocuente en El
Descendimiento,con un eje
central ocupado por Cristo y la
Virgen, cuyos cuerpos trazan a
su vez 2 líneas diagonales
paralelas, transmitiendo así la
idea de que el padecimiento de
Cristo en su cuerpo lo vivió la
Virgen en su alma, invitando al
espectador a interiorizar el
sufrimiento de Jesús.
Otra obra significativa de van
der Weyden es el San Lucas dibujando a la Virgen, ensalzando el oficio de
pintorn asignándoselo al
evangelista; la historiografía
ha visto en la figura de San
Lucas un autorretrato del
propio Weyden, lo cual
ofrece otro ejemplo de
desacralización del arte y
pone de manifiesto el
orgullo del pintor, que
reivindica su labor al
ponerle rostro al santo.

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Van der Weyden fue famoso también por los retratos: “Retrato de mujer”
, en el que frente al derroche
de sentimentalismo de sus
composiciones religiosas,
muestra aquí una gran
contención emocional en
el ademán reservado y
humilde de la dama, lo que
responde posiblemente a
un idealización impuesta
por la cliente

La consolidación del
estilo: Petrus Christus, Dirk Bouts y Hugo van der Goes

-Petrus Christus: en su obra


encontramos huellas de van Eyck,
Flémalle y Weyden. “La Joven
muchacha”
muestra el equilibrio y la armonía
de la formas en contraste con el
realismo
extremo de sus contemporáneos. El
rostro de esta niña recibe un
tratamiento
reservado e intimista. Este
idealización de Christus puede ser
consecuencia
de su paso por Italia.

86
La Virgen del árbol seco es una de sus tablas devocionales más
fascinantes, diminuta obra destinada
a un pequeño oratorio doméstico que
atestigua el carácter íntimo que
adquiere la religiosidad den los
Paises Bajos; el manto rojo de la
Virgen insiste enla idea de
sacrificio, remitiendo con ello a la
salvación que será traída por el fruto
de su vientre; las letras aluden al
avemaría, revelando la función
litúrgica de la tabla. La concepción
es un tema iconográfico de gran
éxito en la Edad Moderna, al
presentar a María como paradigma
de virginidad

- Dirk Bouts: aunque influido por los


fundadores del estilo, Bouts es ,
junto con Christurs, el primer pintor de los Países Bajos que aplica la
perspectiva geométrica renacentista a sus escenas de interior. El tríptico de
la Ultima Cena

muestra los aspectos ligurgicos y rostros inexpresivos que dificultan la


identificación de los apóstolees

-Hugo van der Goes aborda temas de la infancia y la pasión de Cristo,


aunque introduce la novedad de incorporar modelos populares rudos y
vulgares para lograr un naturalismo más acusado.

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“La Adoración de los Reyes Magos

es una obra admirable del maestro; los reyes portan las ricas vestiduras; el
oro, incienso y la mirra que traen al niño hacen referencia a su triple
condición de rey, Dios y hombre. A pesar de la armoní ay la idealización
que ha llevado a hablar de una influencia italiana, encontramos rasgos
costumbristas de gran naturalismo: los lugareños que observan la escena
intrigados y las figuras lejanas a la izquierda que dan de beber a los
caballos en el rio tras el largo viaje que ha traído a los reyes desde Arabia.

Hacia finales del siglo XV: Hans Memling, Gerarde David y El Bosco

-Memling es heredero del estilo de


van Eyck y del de van der Weyden.
Su papel fue esencial para del
desarrollo del díptico con retrato que
ideara Weyden. También fue un
pintor de escenas sacras, aunque
suprimiendo notas dramáticas (Pasión
de Cristo) es una magnífica vista
urbana cuyos edificios se abren
mostrando su interior y mostrando
pasaje scomo la ÜLtima Cena y el
Juicio ante Pilatos. De gran interés es
su Retrato de hombre joven orante”,

88
un rostro lleno de calma y serenidad, en armonía con el espacio que lo
circunda y el paisaje del fondo.-Gerard David, se sitúa a la cabeza de los
pintores flamencos a inicios del siglo XVI, que supo aunar las corrientes
pictóricas flamencas con el ideal armónico italiano. El Tríptico del
Bautismo de Cristo

es una de sus obras más destacadas, con rostros idealizados hasta el punto
que resultan un tanto inexpresivos, mientras las figuras no parecen tener
relación entre sí, y sí con la naturaleza
-Hieronymus Bosch (el Bosco). En su ciudad natal existía una religiosidad
mu arraigada, lo que explica la presencia recurrente de mensajes morales y
espirituales de su pintura. El turbador imaginario del artista pude ser
debido a la inestabilidad política que le tocó vivir. Su obra parece
dominada por un sentimiento religioso violento y brutal: la lucha entre el
bien y el mal; se estaba gestando la reforma de Lutero, pero el Bosco se
aferró a un fuerte conservadurismo, transmitiendo un mensaje de temor a
Dios y de severidad religiosa. Sin embargo, a pesar de su poderoso
mensaje espiritual, El Bosco constituye uno de los más fascinante alardes
de libertad artística combinando línea y color y equilibrando conjunto y
detalle que permite que sus tablas mantengan armonía , vistas tanto de
cerca como de lejos.
En la Mesa de los 7 pecados capitales el infierno del angulo inferior
izquierdo aflora con plena vitalidad el sobrecogedor imaginario
bosquiniano, un mundo onírico poblado de seres híbridos y de horrores
insospechados.

89
En la Nave de los locos,caricaturiza a los partícipes de la herejía en una
barca de perdición donde
los
pecadores beben, comen ,
juegan a las cartas y se
abandonan al placer de la
carne; algunos de ellos son
incluso clérigos,
extendiendo la crítica a los
religiosos de vida disoluta.

90
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El Jardín de las Delicias

es la obra más signiicativa de El Bosco, tríptico que una vez abierto


representa al Paraíso en la Tabla izquierda, la Tierra en el centro y el
Infierno en la derecha. En el Paraíso, Dios entrega una compañera a
Adán: Eva origen del pecado de la lujuria que se desencadena en las 2
tablas adyacentes. La noción medieval de la mujer como fuente de la
perdición moral está aquí perfectamente plasmada. En el panel
central, enla parte superior se presentan arquitecturas inventadas y
futuristas, en el centro , personajes abandonados al desenfreno carnal,
y en la parte inferior, respresentaciones de la sexualidad desbocada de
hombres y mujeres. El infierno, en la tabla derecha, refleja figuras
aberrantes y efectos de luz sobrcogedores.

El Bosco logra sumergir al espectador en un clima de temor y horror,


lo que le valió la aclamación de los sectores más ortodoxos de la
Iglesia, aunque parte del clero criticó su extremada descripción de los
pecados. Incluso se ha especulado con que sufría alucinaciones. Se
anticipó el Surrealismo y Expresionismo de la edad contemporánea y
puso fin al realismo de los primitivos flamencos

91
TEMA 9. AL – ANDALUS: LAS INVASIONES
ALMORÁvIDES, ALMOHADES Y EL REINO NAZARÍ

Almorávides. Notas históricas

Tradicionalmente se han considerado los 400 años transcurridos entre


el desmembramiento del califato de Córdoba y la toma del poder de
los almorávides, como un período de crisis cultura, política y social.
Sin embargo, las últimas investigaciones apuntan a que la época de
los taifas no fue ese momento decadente culturalmente. Para
sobrevivir, os reinos taifas solicitaron ayuda al recién creado imperio
almorávide del norte de África, en un intento de frenar la expansión
de los territorios cristianos.
Al-Murabitun, es el nombre que reciben los hombres del ribat, lugar
de concentración donde se prepara una casta de ascetas guerreros de
fuerte carácter rigorista respecto al Corán. A mediados del siglo XI se
expanden por el norte de África.

Al-Andalus y la unión de 2 continentes

El califato de Córdoba ya había mantenido en el pasado contactos


comerciales y militares permanentes con los bereberes y con los
pueblos del norte de África. Ahora, los taifas de Sevilla, Badajoz y
Granada solicitaron ayuda a los almorávides para enfrentarse a los
reyes cristianos. Estratégicamente, Al Andalus se convirtió en una
región fronteriza del imperio norteafricano y los almorávides pasaron
a dominar las instancias del poder civil y militar. Hablar de las
manifestaciones del arte almorávide es una tarea algo compleja dada
la escasez de obras conservadas. En realidad, hemos de pensar que,
puesto que los almorávides llegados a la Península no suponen unan
sustitución de la población autóctona, lo que sucede es que, marcado
por los principios que pueden importar lastrados por sus creencias y
costumbres, las manifestaciones artísticas de las antiguas taifas
presenten una continuidad, complementada con la influencia de las
manifestaciones artísticas de Al Andalus hacia el norte de África,
pues alarifes andalusíes son trasladados al continente africano para
trabajar en los edificios almorávides del Magreb (Mezquita Mayor de
Tremecen), mezquita Kutubiyya de Marrakech.

Características generales del arte almorávide

Los elementos que se han identificado con las construcciones


almorávides son los de la profusión de arcos complejos y variados,
entrecruzados a menudo y profusamente decorados con atauriques y
muqarnas. Estas últimas habrían sido introducidas por los almorávides 92
traídas desde oriente. No se sabe por qué, se constata una
predominancia en el uso de los pilares de ladrillo.

Tejidos almorávides

La producción de tejidos de lujo que venían ejecutándose desde el


siglo IX se mantiene con los almorávides, constatado ya desde
tiempos del Emirato de Córdoba, refiriéndose a mantos con bandas
tejidas de finos tapices, generalmente de seda, que solían llevar el
nombre del gobernante e incluso la fecha. Se trataba de un símbolo de
dignidad que se reservaba al soberano o a quienes fueran autorizados.
Uno de los tejidos más destacados

es el que fue reutilizado en la confección de la casulla de San Juan


Ortega, de la iglesia de quintanaortuño, Burgos; en su inscripción en
caracteres árabes se lee “la gloria de Dios para el emir de los
musulmanes” Ali labor de Sammak. Es un tejido datado en la I mitad
del siglo XII y procedente posiblemente de los talleres de Almería.
Estos tejidos almorávides se caracterizan por el desarrollo de los
motivos en círculos dobles que alojan en su interior representaciones
de animales enfrentados o dándose la espalda, tanto reales como
fantásticos

La invasión de los almohades

El imperio almorávide tiene una corta existencia, no llega al siglo. Si


la base de la expansión almohade había venido de la mano del
rigorismo religioso, será otra tribu bereber procedente de las montañas
del Atlas, la que los elimine: los almohades, que en este caso
invadieron Al Andalus directamente
93
El Al Andalus almohade

El historiador Al Idrisi calificó este periodo como una época floreciente y


próspera, aunque las manifestaciones artística vuelven a ser limitadas

Mezquitas y alminares

El modelo de las mezquitas levantadas por los almohades, va a seguir las


pautas de la Gran mezquita de Kairauán, de la Gran mezquita de Samarra y
la mezquita mayor de Córdoba. (Mezquita almohade de Tinmal,

en el Alto Atlas) con planta en forma de T, según la cual, las naves están
colocadas en perpendicular al muro de la quibla, salvo una que discurre
paralelo al mismo.
Los alminares o minaretes de las mezquitas cobran especial significado con
los almohades, elevándolos como auténticos símbolos del poder de la
religión musulmana (alminar de Kutubiyya de Marrakech)

94
que se levantó siguiendo el modelo del de Córdoba. Se trata un alminar
realizado en sillarejo de piedra de arenisca, originalmente enlucido por un
mortero de yeso rosa.

Arquitectura defensiva

El desarrollo de la arquitectura defensiva es un capítulo de primer orden para


los almohades y si limitarse a su funcionalidad ejerce un evidente papel de
representación del poder, (Torre del Oro de Sevilla), que servía para proteger
la entrada por el río, cerrando el paso mediante una cadena que la unía con
una torre situada enfrente. Su construcción se data en la I mitad del siglo
XIII por el gobernador almohade de la ciudad Abua-l-Ula. La torre del Oro
sigue el esquema de las torres
almohades, formadas por dos
cuerpos, uno interior hexagonal
y otro exterior dodecagonal,
construido mediante sillares de
piedra en los ángulos y un
hormigón o argamasa de cal en
forma de cajas.

El Jardín del Paraiso

De la sofisticación a la que se
llegó en este período nos hablan
los jardines, fundamentalmente
en su forma de jardines de
crucero o enterrados; el jardín
es símbolo del Paraíso,
representado en un esquema de
planta en forma de cruz, directamente relacionada con el simbolismo de los 4
ríos del Edén o Primer paraíso (Nilo, Eufrates, Tigris y Amu Daria), uno por
cada uno de los andenes que confluyen en el centro. Entre los andenes y el
perímetro rectangular hay
árboles frutales y plantas
aromáticas. El agua canalizada
discurre por el eje de los
andenes y las fuentes colocadas
en el centro y en los extremos de
los andenes. (Jardín en crucero
del Patio de la Contratación de
Sevilla). Este jardín reproduce
los esquemas almohades , pero
realmente es un jardín de
Alcázar cristiano.

95
El reino nazarí

Con la progresiva descomposición del imperio almorávide, en la Península


Ibérica fueron desplazados tras una serie de movimientos y levantamientos
que han sido dados a llamar las terceras taifas, que coinciden con el aumento
de la presión de los reinos cristianos y que en 1232 definitivamente se
traducen en la creación del reino nazarí de Granada, un reino que tendrá una
dilatada existencia de algo más de dos siglos y medio, hasta que la
inestabilidad interna y la presión de los Reyes Católicos acaben con él tras la
capitulación de Granada el 2 de enero de 1492 pactada por Boabdil

Al-Hamra

Las murallas de la Alhambra, como las del resto de la ciudad de Granada,


están formadas , básicamente, a base de tapiales de tierra y cal. La tierra
empleada para la construcción de los tapiales era extraída prácticamente in
situ y las arcillas de la Alhambra son ricas en mineral de hierro, por lo que el
rojo de su color quedó como seña de identidad de sus muros.
Tras la conquista de Sevilla en 1248 por Fernando III, el reino de nazarí
pasará a identificarse con al Andalus, que quedaba ahora limitada a los
territorios de las taifas o antiguas coras de Granada, Málaga, Almería,
Algeciras y Ronda.
Los Palacios de la Alhambra se convirtieron en una de las principales cortes
de Europa

Los Palacios de la Alhambra

Hubo 6 palacios, 5 de ellos ocupados por la dinastía nazarí, el 6º es de Carlos


V.
La organización interna de los palacios es complicada, pues a lo largo de la
historia han sufrido numerosas modificaciones, desvirtuando uno de los
aspectos fundamentales de su razón de ser, el de las funciones a que se
destinaban y los protocolos de acceso.
Los estudios han demostrado cómo el protocolo de acceso a las diferentes
zonas de los palacios era fundamental y cómo toda la ornamentación estaba
destinada a acompañar y guiar en el mismo. El Palacio de Comareses el
palacio principal, sus funciones eran ejecutivas, judiciales y administrativas.
Fue concluido por Muhammad V en 1370. Todo gira en torno a un patio
principal (patio de Comares), alrededor del cual se organiza el protocolo en
los patios contiguos, donde se realizaban las funciones judiciales y
administrativas. En el patio de Comares, un enorme telón de yeserías y
alicatados servía de fondo al cadí y a veces al sultán, quien esperaba sentado
a que los solicitantes de justicia se acercaran a la base de los 3 escalones.
Una escenografía de poder destinada a abrumar a los suplicantes .
96
97
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La Sala de Embajadores como destino final exclusivamente para la


recepción, es todo un símbolo
del poder emanado de Dios. En
sus paredes hay alabanzas a
Dios y al emir, textos del Corán;
en el techo se representan
esquemáticamente los 7 cielos
del cosmos musulmán y los
árboles de la vida en las 4
diagonales.
El Palacio de los Leones es
levantado en tiempo de
Muhammad V una vez que hubo
terminado las obras del de
Comares; parece que no tenía
función ceremonial alguna, sino
la de ser un espacio de descanso
ajeno al protocolo; la Sala de los
Reyes y la de los Mocárabes estaban destinadas a fiestas y banquetes y su
uso se reservaba al verano.
Recientemente se ha
descubierto en la policromía
una piedra semipreciosa azul
procedente de Afganistán,
evidencia de la riqueza y el
lujo con el que se rodearon
(Universidad de Jaen). En las
3 cúpulas de madera que
dividen el espacio de la Sala
de los Reyes, hay sendas
representaciones figuradas,
pintadas sobre cuero (figura
23), posiblemente de pintores
genoveses. En cualquier caso
se constatan relaciones
comerciales entre el reino de
Granada y la península
italiana. Las salas de las Dos
hermanas y la de los
Abancerrajes estaban reservadas para la música.

98
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El Patio de los Leones ha sido contemplado como el símbolo más alto


del desarrollo arquitectónico alcanzado por los nazaríes en la Alhambra, y el
último paradigma en que se resume el control de la ingeniería hidráulica que
permitió la existencia de la alcazaba palaciega

Significados

La Alhambra significa el desarrollo en su máxima expresión del gusto de los


sentidos, para alcanzar la gloria en tierra y formar parte de la naturaleza
mimetizándose con ella. En realidad encarnan una cierta continuidad del arte
califal cernido a través de ese cruce de
caminos que representan los almorávides y
los almohades y la elevación a sus máximas
consecuencias de lo ornamental como
fundamento del espacio. Una filosofía que es
básica para el entendimiento de esas
manifestaciones que en territorio cristiano
hemos denominado como mudéjar.
Los jarrones de la Alhambra han de servirnos
de epílogo del sentido escenográfico, de
representación y del placer de los sentidos
desarrollado por los nazaríes. Fueron creados
para los salones de la Alhambra y las últimas
investigaciones apuntan a que las asas servían
para girar tinajas y los cuellos para facilitar su
llenado (Patronato de la Alhambra). Jarrón de las Gacelas.
99
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TEMA 10. LAS ARTES DEL MUDÉJAR

Sobre el origen del término mudéjar

El 19 de junio de 1859, el historiador José Amador de los Ríos presentó su


discurso sobre el estilo mudéjar en arquitectura; se había identificado el arte
mudéjar para definir UNA CORRIENTE CON UN CRUCE DE
INFLUENCIAS ALMORÁVIDES, ALMOHADES, NAZARÍES Y
CRISTIANAS.

Cuestionamientos del término

Por su carácter peyorativo, el término mudéjar no era el comúnmente


utilizado durante la Edad Media, entonces se empleaba del de moro y el de
sarraceno.
En la pretensión de que el nuevo estilo mantuviera una cierta unidad formal
que le sirviera de seña identitaria, se pasaron por alto las serias diferencias
temporales y espaciales que marcan la pérdida y conquista de los territorios

Establecimiento de un marco

El concepto de arte mudéjar ha sido muy discutido, y el tiempo ha ido


forzando la necesidad de intentar poner un poco de coherencia en la
diversidad: LO QU DEBEREMOS RECORDAR ES LA MÁXIMA DE
QUE AQUELLO QUE LLAMAMOS ARTE MUDÉJAR ES EL
RESULTADO DE LA PERVIVENCIA DE LAS CONCEPCIONES
ESTÉTICAS DEL MUNDO HISPANO MUSULMÁN DENTRO DE UNA
SOCIEDAD DOMINADA POR EL NUEVO PODER, EL DE LOS
CRISTIANOS, LO QUE FORZOSAMENTE NO SUPONE UN CAMBIO
RADICAL DE LA SOCIEDAD EN LO QUE SE REFIERE A LO
ESTÉTICO, MÁXIME CUANDO EN GRAN PARTE DE LOS CASOS
LAS POBLACIONES VENCIDAS NO SON EXPULSADAS DE SUS
CIUDADES. Es importante
recordar que muchas de las
mezquitas de losterritorios
conquistados acaban siendo
reconvertidas en templos
cristianos, muchas veces sin
más transformación que el
lógico cambio de uso
religioso
(Iglesia del Cristo
de la
Luz, Toledo).
100
Movilidad, influencias e intercambios

La continuidad de unos modelos arraigados parece evidenciarse en la Portada


del palacio de Pedro I de Castilla en el alcázar de Sevilla, con un lenguaje
mudéjar.
Son, por lo tanto, una serie
de manifestaciones que se
singularizan en buena
parte de nuestra geografía,
pero que no debemos
confundir con aquellas
manifestaciones que aún
se llevan a cabo en los
territorios que permanecen
bajo poder musulmán.
Hemos de partir de la
siguiente premisa: LO
CONSIDERADO
MUDÉJAR ES EL
RESULTADO O
HERENCIA DE
MANIFESTACIONES
CULTURALES
ANDALUSÍES
TRANSMITIDAS EN LOS
TERRITORIOS
CRISTIANOS. La causa
principal es sencilla: la
población manufacturera: los alarifes permanecen en los territorios
conquistados y ejecutan las obras en base a sus conocimientos, tanto
materiales como estétios. (Almohada de Doña Berenguela, del monasterio de
Santa María la Real de Burgos); la almohada fue realizada con tejido
almohade entre 1180 y 1246

Revisión de conceptos

Se ha considerado erróneamente que la población mudéjar era un población


étnicamente sometida y minoritaria. Sin embargo, realmente, la sociedad
musulmana durante largo tiempo siguió siendo mayoritaria en gran parte de
los territorios conquistados. Otra de las tendencias historiográficas ha
identificado lo mudéjar con la arquitectura de ladrillo de carácter medieval.
Realmente, no puede negarse el empleo del mismo en gran parte de las
construcciones mudéjares, pero no es éste un elemento exclusivo de las
mismas, sino el fruto de tradiciones que vienen desde el mundo romano.
Hay que matizar también que el empleo del ladrillo en la arquitectura
medieval iba acompañado de revestimientos (Castillo de Coca en Segovia). 101
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(Bóveda del castillo de Coca)

Más allá de estas


matizaciones, esa
identificación de la
arquitectura del ladrillo
con lo mudéjar es lo que ha
llevado a mucho
historiadores a hablar de
arquitectura románica
mudéjar en ladrillo
(cabecera de la Iglesia de
San Tirso de Sahagún), que
originó un debate sobre su
clasificación como
mudéjar toledano, mudéjar
de Castilla la Vieja y mudéjar
románico leonés. Hay que
tener en cuenta que el espacio
en el mundo musulmán es la
representación de un inmenso
universo simbólico, pleno de
movimiento que se plasma en
la riqueza de sus superficies.
De ahí que se hable de lo
decorativo como principio
fundamental en el arte
islámico y por extensión sea
trasladado a la filosofía del
arte mudéjar.
Bajo esta perspectiva es
entendible que no siempre
consigamos ponernos de
acuerdo con lo que es o no es mudéjar (palacio de Pedro I en Tordesillas),
que para Angel Gonzalez Hernandez es tiene componentes cristianos en
las plantas y los alzados; siendo islámicos los motivos ornamentales
Modelos hispanomusulmanes: las qubbas y los alminares
SD

Un espléndido ejemplo de cómo las qubbas funerarias islámicas pasan al


mundo cristiano lo tenemos en Toledo, en la capilla del convento de la
Concepción francisca, con una cúpula alboaire de azulejos alojados.
Además de las qubbas, otra estructura claramente heredera de la
arquitectura musulmana incorporada al mundo cristiano son las torres de
las iglesias, cuyo origen está en los alminares de las mezquitas (torres
mudéjares de Toledo y Aragón)
102
Las torres mudéjares son una de las señas de identidad de Aragón y
constituyen uno de sus legados
patrimoniales más importantes,
reconocidas por la UNESCO
como patrimonio de la
humanidad. Las torres
aragonesas incorporan elementos
cerámicos de ladrillos, en las
torres junto con azulejos en las
fachadas.
Otra torre significativa es la de
lacatedral de Santa María de
Teruel, así como la torre de San
Martín en Teruel.

Consideración sobre los


materiales

Ya hemos hecho alusión a la


cuestionable identificación de la
arquitectura mudéjar con el uso
del ladrillo en contraposición con
el uso de la piedra en la
arquitectura cristiana, pero es
importante hacer hincapié e el
origen en el que se sustenta esta
consideración: en la función a
que se destinan. Por ello no
parece tener sentido que se determine que unas arquitecturas son más
importantes que otras por los materiales que se empleen; el considerar que
los materiales nobles estaban destinados a ser vistos, es un error. Un
ejemplo es la puerta de madera de la portada del palacio de los Oter de
Lobos, en Toledo: sobre la puerta, una viga de madera hace las funciones
de durmiente y tenemos evidencias de que dicha viga estuvo enlucida, y
por lo tanto no estaba destinada a ser vista

El yeso
Su plasticidad, ductilidad, posibilidades de labra y dureza (puede ser
transformado en un material de considerable dureza capaz de resistir al
exterior. Los suelos tendidos con yeso son una aplicación extendida en la
Península que parece remontarse a la arquitectura islámica. Sin embargo ,
a menudo resulta complicado establecer el momento en que fueron
ejecutados y dilucidar si se corresponden con el ámbito musulmán o con el
cristiano

Carpinterías de armar
103
Han sido otros de los hitos identificados con lo mudéjar, aprehendidas del
mundo almohade y del
nazarí (Artesonado de la
Catedral de Teruel).
Realmente, podemos decir
que nadie ha puesto en
duda el adscribir todas las
estructuras de madera a la
tradición
hispanomusulmana, salvo
Enrique Nuere Matauco,
quien en más de una
ocasión ha planteado la
posibilidad de que realmente la técnica de los artesonados no provenga del
sur de la Península, sino del Norte de Europa (en la España visigoda había
una cultura carpintera influida por el norte de Europa)

Toledo, el primer foco


Toledo es la primera ciudad de importancia que cede ante el empuje de
las tropas de la reconquista, por ello su valor simbólico es evidente, pues
se trataba de la capital del reino visigodo. No obstante, Toledo no fue
conquistada, como tantas veces se ha repetido: la ciudad capituló ante
Alfonso VI a cambio de que musulmanes, judíos y cristianos mantuvieran
sus bienes, su lengua, religión, forma de gobierno. Eso nos puede ayudar
a entender el por qué los edificios principales del culto musulmanes se
mantienen sin apenas transformaciones, salvo las de servir a un nuevo
rito, el cristiano.
La permanencia de una población musulmana mayoritaria y no sometida,
nos centra en la denominación de lo mudéjar como la manifestación
artística de carácter islámico que se produce, sin más, en territorio
dominado por los cristianos. Por un lado una población llana, por otro los
poderes señoriales y
económicos de la ciudad
que siguen construyendo
sus residencias
representativos según la
estética tradicional, la que
llamamos mudéjar,
mientras que la Iglesia
construye catedrales en
lenguaje gótico. LA
CONVIVENCIA DE
TODOS ELLOS DARÁ
LUGAR A UNA
SIMBIOSIS CON
PERVIVENCIAS MUSULMANAS (iglesia de Santiago de Arrabal,
Toledo) 104