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Historia del arte.

Tema 1. El Renacimiento como fenómeno histórico, cultural y


artístico.

El Renacimiento supone una ruptura con la Edad Media. En los siglos XV y XVI
Europa asiste a un proceso de renovación importante que afecta tanto al arte como a los
demás ordenes de la vida humana, y además, trasciende la propia etapa del
Renacimiento.
Éste concepto de Renacimiento aparece en Italia en fechas tempranas, a comienzos del
siglo XVI y tiene como precursor a Giotto di Bondone, quién plantea una nueva
concepción del arte, en un intento de ir más allá de las limitaciones de la pintura
medieval, aunque mantiene ciertos matices de ésta, como el gusto por los dorados y los
brillos.
Los italianos del siglo XV creían que les correspondía promover el arte, la cultura y la
ciencia del “mundo clásico”. Los italianos tenían plena conciencia de que Roma había
sido, en un tiempo pasado, el centro de la civilización y por eso intentaban devolver a
Italia esa grandeza de la época antigua. Y que solo podían ser ellos quienes lo
instauraran en esta nueva época.
Tres puntos importantes del Renacimiento:
-El sentido estricto de Renacimiento.
-Continuidad o ruptura con el pasado medieval.
-Cultura de élites o cultura medieval.
Uno de los principales obstáculos para establecer el verdadero signo de la palabra
Renacimiento ha sido la oscilación entre un concepto referido exclusivamente al arte y
las letras, y otro que nos permite ampliar la consideración de renacimiento a niveles de
organización social, económica, política, etc.
En esta época se habla mucho de la ciudad desde una perspectiva renacentista
(urbanismo del Renacimiento).
Históricamente, el Renacimiento fue contemporáneo de la era de los Descubrimientos y
las conquistas ultramarinas. Esta «era» marca el comienzo de la expansión mundial de
la cultura europea, con los viajes portugueses y el descubrimiento de América por parte
de los españoles, lo cual, rompe la concepción medieval del mundo,
fundamentalmente teocéntrica. El fenómeno renacentista comienza en el siglo XIV y no
antes, aunque al tratarse de un proceso histórico, se elige un momento arbitrariamente
para determinar cronológicamente su comienzo, pero lo cierto es que se trata de un
proceso que hunde sus raíces en la Alta Edad Media y va tomando forma gradualmente.
Hasta el siglo XIX se generaliza el Renacimiento como un movimiento cultural basado
en la recuperación del pasado greco-romano.
Se postula que existe un pre-renacimiento en el siglo XIII, estableciéndose un
Renacimiento alto y otro bajo. El termino Renacimiento no puede ser específico de lo
que se considera exclusivamente renacentista, por lo que se puede hablar de
“renacimientos”. El renacimiento va a representar una revolución que fue posible
gracias a otros factores: La imprenta, la revolución educativa y sobre todo al
intercambio de ideas, personas y obras.
En el renacimiento se produce una mayor comunicación entre la élite de la cultura y las
clases populares, por lo que podemos afirmar que el Renacimiento va más allá del
marco de creación artística y abarca casi todo el conjunto de la sociedad de la época.
Además es el escenario en el que se encierran las posibles potencialidades que permiten
el desarrollo de los tiempos modernos. Podemos afirmar que el Renacimiento es una
de las grandes revoluciones de la humanidad.

Tema 2. Consideraciones generales sobre el Barroco y la


cultura del siglo XVIII.

1º Breve introducción.
2º Contexto geopolítico.
3º Claves en la transmisión de las figuras artísticas del Barroco.
4º Historia e historiografía del arte Barroco.


La historia del arte ha sido descrita como la narración de la alternancia de diversos
estilos, al arte románico (arcos de medio punto y bóvedas de arista) le sucede el arte
gótico (arcos apuntados y bóvedas de crucería) y a éste le sigue el estilo renacentista
Que es una rememoración de los valores del “mundo clásico” (formas centralizadas).
A partir del siglo XVI no aparecen elementos nuevos. El primer gran monumento
Barroco es la iglesia barroca consagrada en Suiza: construida en 1666 por
el padre Christoph Vogler para los jesuitas.


Panorama europeo.
La ruptura de la unidad católica en los últimos años del siglo XVI representa una de las
claves más importantes para comprender el arte Barroco. Esta ruptura la
inicia Lutero y se extiende por toda Europa (reformismo) dando lugar más
tarde a la llamada contrarreforma por parte de la iglesia católica. En el año
1600 se consigue detener el reformismo protestante, aunque se mantienen
algunos grandes reductos donde impera el reformismo.
En esta época también surge el afianzamiento de los grandes estados: Francia,
Inglaterra, y España. Este afianzamiento da lugar a una constante lucha entre ellos.
Francia e Inglaterra empiezan a destacar por encima de España. Esta búsqueda de poder
da lugar a sistemas de poder absolutistas, cuyas consecuencias van a ser muy
importantes (surge el capital del estado). En el terreno de la pintura también se destacan
los atributos del poder absolutista.
El siglo XVII es una época de complejas de complejas relaciones, guerras cuyos efectos
son devastadores y que serán el resultado de las tensiones entre las principales fuerzas
de la época:
Absolutismo contra burguesía capitalista.
Católicos contra protestantes.
Aristocracia contra Burguesía.

Crisis de subsistencia.
Lo más determinante en esta época es la división geográfica, política, económica y
cultural de Europa. Mientras Italia, España, Portugal y Francia permanecen unidas por
el catolicismo, Inglaterra, Holanda, Suiza etc., llevan otros derroteros. Con este
panorama se puede comprender la manera de extensión que tuvo el arte barroco por
Europa. (La propia convulsión de Europa se refleja en el arte barroco).
Claves en la trasmisión.
Factores que tienen un carácter sobresaliente:
-El papel difusor que va a tener la imagen estampada (ilustración de libros, gravados...)
-Los agentes trasmisores de las imágenes no son solo los artistas sino también los
mecenas. (Francis Haskell, Pintores y mecenas del Barroco en Italia).Los mecenas
fueron un gran motor para la difusión del arte barroco (la iglesia, la aristocracia, la
monarquía). Entre ellos destacan el archiduque de Austria, Felipe IV etc.
En esta época surgen las aspiraciones de muchos artistas por ir más allá. Peter Paul
Rubens fue embajador, Diego Velazquez solicitó su incursión en la orden de santiago
etc.
La dificultad para encajar este periodo responde a la pluralidad del Barroco, esto
provocó una cierta confusión que afecto en tres aspectos:
-Periodización.
-Terminología.
-Concepto.
Concepto: No como un concepto de estilo sino como concepto histórico, que se refiere a
un periodo que abarca desde comienzos del siglo XVII hasta el primer tercio del siglo
XVIII.
Terminología: Surge al final del siglo XVIII para referirse a poetas, artistas etc. Fue
empleado para cambiar las tendencias clásicas del siglo XVII.
Barroco significa absurdo o grotesco.
En el marco de la arquitectura se considera que no se debía haber aplicado las formas
clásicas de una manera distinta a como lo hicieron griegos y romanos (Renacimiento).
Denis Diderot decía que el Barroco era inusual, no armónico y estrambótico. Francesc
Milizia que era irregular, bizarro y desigual.
Hubo un intento de manifestar el estilo barroco como algo diferenciado.
A mediados del siglo XIX aparece la figura de Jacob Burckhardt que inicia la
recuperación del Barroco al considerarla como una fase exaltada del renacimiento.
La figura del Barroco por excelencia es Heinrich Wöllflin. Define el estilo como
contraposición.
Geografía: Su epicentro es
Roma, desde hay hasta el resto de Italia, y desde Italia a España y Flandes, desde las
cuales, pasa a Francia y Alemania, y por último a Inglaterra, Portugal etc.
Cronología: Su etapa inicial abarca todo el siglo XVII y acaba con el arte rococó, que
puede ser otro arte.

Tema 4. El triunfo del clasicismo en el arte italiano del


Cinquecento y Manierismo.

En el siglo XVI no hay homogeneidad. El Cinquecento supone la reafirmación del gusto


por el clasicismo, esta reafirmación se apoya sobre la base práctica y teórica de los
artistas del siglo XV.
Comprende dos fases: comienza con el denominado Alto Renacimiento (últimos años
del siglo XV y primeras décadas del siglo XVI), y termina con el denominado Bajo
Renacimiento o Manierismo.

Arquitectura del Cinquecento.


Arranca en Milán al amparo del mecenas Ludovico “el moro” que reúne en torno a su
corte a algunos de los maestros que consolidan el arte clasicista, entre ellos podemos
destacar a Donato Bramante, el cuál, asumió las enseñanzas de los maestros del
Quatrocento a la vez que se sintió atraído por las formas tradicionales del arte del norte
de Florencia, próximas al estilo Lombardo (Iglesia de Santa María Presso San Satiro).
Bramante diseño el templete de San Prieto in Montorio que es el monumento
renacentista más armónico con la antigüedad clásica. Este templete esta levantado en el
monte donde fue crucificado San Pedro. La gran obra de Bramante: la renovación de la
Basílica de San Pedro Vaticano fue póstuma, ya que su proyecto fue elegido para la
renovación después de su muerte.
Estos artistas posteriormente se marchan a Roma para desarrollar su trabajo.
Los precursores del Manierismo son Baltasar Peruzzi, Antonio Sangallo “el viejo” y su
sobrino Antonio Sangallo “el joven”.
Peruzzi: arquitectura palaciega del manierismo (Villa Farmesina) la fachada como
espacio vital.
A. Sangallo “el viejo”:
A. Sangallo “el joven”: Palacio Farnesio.
El encargado de desarrollar el manierismo fuera de Italia fue G. Romano que centro su
actividad en la ciudad de Muntua.
En esta época desarrollaron su actividad una serie de grandes arquitectos manieristas:
J. Sansovino que fue el encargado de reconciliar a una ciudad gótica con el mundo
bizantino. Trabajó en la Plaza de San Marcos (Biblioteca) con un gusto excesivamente
ornamental.
Vignola que principalmente diseñó Iglesias (Iglesia del Gesú de Roma) aunque también
villas (Villa Giulia).
P. Ligorio: su actividad se centro bastante en los jardines asociados a los grandes
edificios (Casina di Pio IV).
G. Della Porta: Iglesia de San Luís de los franceses).
G. Vasari: (Palacio de los Uffizi).
La difusión tardía del manierismo la representa A. Palladio. Este arquitecto va ha tener
una vertiente importante en el punto de vista teórico. (Su obra tuvo una influencia
mayor en las islas británicas) Palladio se convierte también en el prototipo del palacio
manierista (Palacio comunal de Vicenza, Palacio Porta Bregonze y sobre todo la villa
Capra). La Villa Capra es la recuperación de los componentes del Panteón Romano.

Escultura.
En roma se gesta la base de la primera etapa de la escultura italiana del XVI. En 1506
mientras Miguel Ángel y Sangallo daban un paseo se encuentran la obra del Laoconte,
una obra del siglo II a.c. Esto supuso un gran hallazgo que acelero el desarrollo del
mundo clásico.
La escultura del Cinquecento tiene como representantes a A. Sansovino (Sepulcro de los
cardenales, Santa Ana, La virgen y el niño), B. Bondinelli (Hércules y Anteo).
Miguel Ángel se puede estudiar a parte del manierismo porque éste se basa en su obra.
Un elemento importante en la escultura del cinquecento es la creación de un arte al
servicio del pueblo (Concilio de Trento) que quiere reafirmar la fe católica.
Los grandes centros son: Florencia, Venecia y el norte de Italia.
En Florencia lo más destacado es Miguel Ángel, también el trabajo hacia nuevos
espacios iconográficos, Bondinelli (Hércules y Anteo), B. Armmannati (Fuente de
Neptuno), J. de Bolonia procede de los Países Bajos y hay quien lo considera el
verdadero discípulo de Miguel Ángel, B. Cellini (Perseo, la Ninfa de Fontainebleau).
En Venecia J. Sansovino muy influenciado por Miguel Ángel (Madonna del Parto de
San Agustín de Roma), A. Vittoria (San Jerónimo. Esta escultura ya se acerca al
Barroco)
En el norte de Italia L. Leoni (Carlos V dominando al terror).

La pintura del renacimiento en Italia: Cinquecento y Manierismo.

Los grandes centros artísticos del Cinquecento: el esplendor veneciano.


El centro del Cinquecento en las primeras décadas del siglo XVI es Venecia, gracias a
dos artistas fundamentales: Giorgione y Tiziano.
La pintura del Cinquecento tiene un desarrollo importante en Venecia por varios
motivos:
-Importancia del color.
- En Venecia se introduce en Italia la técnica de la pintura al óleo.
Giorgione adquirió un gran domino de la pintura al óleo y fue el primero que renunció a
realizar bocetos previos. Es un pintor muy desconcertante porque algunos de sus
cuadros son abstractos, se separa en este sentido de los convencionalismos.
Su cuadro, La Tempestad tiene muchas interpretaciones.
Si Giorgione fue el introductor, el punto culminante es Tiziano (La virgen y el niño con
San Roque y San Antonio). Tiziano produjo bastantes obras ya que vivió muchos años.
En El amor sacro y amor profano empieza a crear su estilo propio.
A mediados del siglo XVI aparece un cambio en el estilo de Tiziano producido en gran
parte por su contacto con Miguel Ángel; donde adquiere un carácter más manierista (La
Piedad) también fue una de los mejores retratistas del renacimiento (Retrato de la
emperatriz Isabel de Portugal, Carlos V a caballo). En el periodo manierista la pintura se
valora a partir de las enseñanzas de Miguel Ángel y Rafael.
Los grandes centros de la pintura manierista fueron: Florencia, Roma, Parma, y Venecia.
En Florencia se puede hablar de dos fases:
-Manierismo temprano: Los tres grandes pintores de este periodo son A: del Sarto,
Pontormo y Bronzino.
A. del Sarto se considera un antecedente del Barroco (Horror Vacui) también fue un
magnifico retratista.
Pontormo es un autor muy teatral, sus composiciones son muy elaboradas (La virgen
entronizada con ángeles).
Bronzino fue un gran retratista.
-Manierismo consolidado: dos grandes maestros.
F. Rossi (La caridad) inicia una línea pictórica más amanierada.
G. Vasari (Cúpula de S. María del Fiore de Florencia).

En Roma el Manierismo esta unido a la pintura rafaelesca, La mayoría de los artistas


beben de Rafael por ejemplo G. Romano (La batalla del puente Milvio), IL Sodoma
(San Sebastián). EL otro gran maestro del manierismo romano fue S. del Biombo
(Cristóbal Colón).

En Parma los grandes maestros fueron los mecenas (la familia D’Este) que favorecieron
la creación de un centro artístico notable (Il Carreggio, Leda y el Cisne; Il Parmigianino,
La virgen del cuello largo).

En Venecia cierra el XVI Il Tintoretto (Laboratorio de los pies) que se dedico a pintar
cuadros de temática religiosa, y tuvo un gran interés por representar el paisaje, así como
por los cuadros de gran formato (La última cena). E Il Veronese que se conoce como el
pintor más espectacular de banquetas, es el pintor de la obstentocidad (Las bodas de
Caná, Banquete en casa de Leví).

Tema 6. El Renacimiento en España.

Arquitectura del Renacimiento español.

En Andalucía: D. Riaño está vinculado a la ciudad de Sevilla (fachada del


ayuntamiento, cúpula de la catedral de Sevilla) gusto por el horror al vacío.
H. Ruiz “el joven” se enmarca en la línea de arquitectos teóricos, intelectuales etc. (La
sala capitular de la catedral de Sevilla, iglesia del hospital de las cinco yagas, cuerpo de
campanas de la Giralda).
A. Vandelvira es el intérprete más original del Renacimiento en Jaén (Catedral de Jaén,
palacio de Vázquez de Molina de Úbeda).
En el Renacimiento español se suceden traes fases que coinciden con la llegada al trono
de Felipe II. (1556).
La etapa filipina supone en la arquitectura el triunfo de un lenguaje artístico que va a ser
claramente clasicista y de una gran pureza.
Los dos grandes interpretes de este clasicismo fueron J. Bautista de Toledo y Juan de
Herrera. Felipe II contó como arquitecto real primero con J. Bautista y a su muerte con
Juan de Herrera, ambos trabajaron en el monasterio de San Lorenzo del Escorial.

La escultura renacentista en España.

Desde finales del s. XV se observa un panorama marcado por la existencia de dos


ofertas, la italiana y la gótica. También entra en escena el mudéjar.
La influencia italiana es muy variada aunque se detecta que la mayor influencia es del
norte (Lombardía también Génova). Génova era un puerto clave entre España e Italia,
Florencia y Nápoles también influyeron, a partir de 1534-1540 llegan influjos de Roma.
La temática es básicamente religiosa, los géneros más usados son los sepulcros, sillerías
de coro y el retablo en el que la escultura española fue muy original.
Los materiales básicos son la madera, alabastro o mármol y bronce aunque muy poco.
Técnicas: estofado etc.
Evolución:
La introducción se hace por dos vías: una a través de obras, grabados y estampas
italianas que fueron traidas a España por trabajadores italianos o por escultores
españoles que trabajaban en Italia. Y otra a través de la importación de obras realizadas
en Italia.
En la primera vía hay tres maestros fundamentales; Prieto de Torrigiano (San
Jerónimo), Domenico Fancelli (Sepulcro del cardenal Don Diego Hurtado de Mendoza)
este hizo los sepulcros más importantes en la España de ese momento (Sepulcro del
príncipe Don Juan, Sepulcro de los Reyes Católicos).
Jacobo y Francisco Florentino.
Jacobo es el introductor en Granada y Francisco en Murcia.
Jacobo (L’Indaco). Santo Entierro.
Francisco. Torre de la catedral de Murcia.
La otra vía: importación desde Italia acapara una gran cantidad de escultores que
vendieron obras a España. (Sepulcro del cardenal Don Pedro Gonzalez de Mendoza;
Toledo, Sepulcro de don Pedro Enriquez; Sevilla).
En España el triunfo de los modelos italianos era evidente pero al mismo tiempo nos
encontramos con un Renacimiento con un Renacimiento que llega a través de artistas
flamencos y franceses que habían estado en Italia pero que desarrollan un estilo
diferente al italiano.
En Burgos se desarrolla la labor de varios maestros por ejemplo Bartolomé Ordoñez,
Diego de Siloé y Felipe Bigatny.
Valladolid es un centro importante donde destaca el nombre de Juan de Juni (Entierro de
Cristo).
En Aragon el maestro Damiant Formemt (retablo del monasterio del Poblet) cuya
especialidad eran los tallados en alabastro.
Etapa Filipina de la escultura española.
Se impone una escultura sobria, austera, que se pone del lado de una concepción de la
escultura como propagación de la fe. También destaca el ámbito vinculado a la corte (El
Escorial) León y Pompeo Leoni (Retablo de la basílica del escorial, enterramientos
reales).
Pintura.3 épocas:
1ª Reyes católicos: dos conceptos uno hacia la escuela flamenca y otro hacia la italiana.
Los inicios de la pintura renacentista española se localizan en Cataluña, donde también
se da esa doble orientación. Luís Dalmau (La virgen de los Conselleres) J. Huguet
(Retablo de San Jorge), B. Bermejo (Santo Domingo de Silos).
En castilla la pintura esta muy relacionada a la escuela flamenca. Jorge Ingles, Fernando
Gallego (La virgen de los reyes católicos).
En Andalucía nos encontramos con una influencia de los dos conceptos. Alejo
Fernandez (la virgen de los navegantes).
En la etapa clásica (Italia). Esta etapa supene la aceptación de las grandes enseñanzas de
Leonardo, Miguel Ángel y sobre todo Rafael. F. Yánez de la Almedina (Santa
Catalina), V. Macip (la Anunciación), Juan de Juanes (La Santa Cena).

Tema 7. Arquitectura y ciudad el Barroco en Italia.

7.01 Introducción: práctica y teoría arquitectónicas.

Italia es el principal centro de producción del arte Barroco. El Barroco designa las
manifestaciones artisticas y culturales de Europa y de Iberoamérica durante todo el siglo
XVII y la primera mitad del XVIII.
Aunque tradicionalmente se ha puesto el interés en el aspecto formal del Barroco,
tenemos que reconocer que el Barroco puede interpretarse como un sistema ideológico y
cultural nuevo, que se expresa a través de soluciones estéticas y formales a partir de un
elemento que es la revalorización de los criterios sensoriales frente al equilibrio
sensorial del Renacimiento.
EL Barroco supone la aceptación de los objetos representados, la representación realista
del hombre y la naturaleza, las emociones, la fusión de las artes. Otra cuestión
importante es la necesidad de desarrollar un arte próximo a la sensibilidad de los fieles.
El Barroco tiene una gran riqueza en símbolos y nos obliga a buscar las claves de estos
mensajes ocultos.
En el último tercio del XVI se produce un cambio ideológico bastante notable que va a
suponer una rápida innovación sobre los distintos ámbitos de la cultura europea, sin
embargo la arquitectura se incorporará a esta renovación más tarde en el siglo XVII. El
gran marco de la renovación de la arquitectura es la ciudad y en particular la ciudad
capital. En muchos casos este marco de ciudad capital se ve acompañado de un
profundo proceso de renovación urbana, pero en muchos casos el largo pasado de las
ciudades condiciona mucho esta renovación. Aparece la fundación de nuevas ciudades
donde dar libre expresión a la arquitectura (Versalles).
Se ponen en marcha una serie de medidas encaminadas a un nuevo concepto de ciudad:
creación de grandes avenidas, grandes espacios abiertos (plaza real), la intervención
sobre los edificios para amoldarlos a la nueva imagen, en definitiva la definición de un
nuevo estilo, a partir del afán integrador de espacios. (La intervención sobre el paisaje
es muy importante en la época barroca.).
En la arquitectura religiosa se define un modelo: el modelo de la iglesia
contrareformista, también en la arquitectura civil. Se trataba de marcar unas pautas para
hacer de la ciudad el escaparate de las ideas políticas, religiosas etc. (En el barroco la
apariencia es muy importante.).

7.01.02 Roma: manifestación visible del mundo barroco.

El gran impulsador de la Roma barroca fue el papa Sixto V, el cual consideró que su
deber sagrado era hacer de Roma la ciudad más bella de la cristiandad.
El plano regulador: que pretendía integrar los grandes elementos de la Roma
renacentista y antigua con la nueva Roma barroca, ciudad capital. Todo esto lo
desarrolló Sixto V a través de una serie de arquitectos. Entre sus medidas estaba
abastecer de agua a la ciudad, red de largas y anchas calles que unían las siete basílicas
con los espacios públicos (plaza del Popolo). Todo esto se hizo en un tiempo breve,
donde se asentarán las bases para las reformas posteriores.
Aunque cuando se analizan las grandes construcciones de Roma siempre se nombra la
plaza de San Pedro hay otras importantes como la plaza Navona, plaza de Santa María
Della Pace.
El siglo XVIII también es importante en el Barroco (Plaza de España, Fontana di
Trevi).
Los papas romanos barrocos fueron además de urbanistas grandes constructores,
actuaron sobre los edificios con una serie de arquitectos como:
D. Fontana (Palacio de Letrán).
C. Maderno (Fachada de la iglesia del Gesú, Fachada de la basílica de San Pedro
Vaticano).
P. da Cortona (Iglesia de los Santos Martina y Lucas).
C. Rainaldi (Iglesia de Santa María in Canpitelli, las iglesias gemelas de Santa Maria
dei Miracoli y Santa Maria in Montesanto).
Fonatana tuvo mucha influencia en Alemania y Austria.
En el siglo XVIII asistimos en Roma a un florecimiento de la arquitectura (A. Galilei,
fachada de la basílica de San Juan de Letrán, que es la primera iglesia consagrada en
Roma.).

7.02 Los grandes maestros de la arquitectura barroca.

Gianlorenzo Bernini.
Era hijo de un modesto escultor, nació en Nápoles en 1598. A los siete años se traslada a
Roma con su familia y Roma se va convertir en la ciudad donde plasma su creación
artística. Fue un artista que se caracterizo por un permanente estudio de la arquitectura y
escultura antigua y del renacimiento. Desde muy joven entro al servicio del mecenas
cardenal Barberini, este cardenal se convierte en 1624 en Papa lo que supone un gran
salto para Bernini que pasó a ser el arquitecto titular de San Pedro Vaticano.
Sus primeras obras arquitectónicas, ya consagradas se producen con un cierto retraso
respecto a lo que sería sus obras escultóricas.
En su madurez es llamado por Luis XIV de Francia para trabajar en el palacio del Luvre
aunque su diseño no es aceptado. Sus primeras obras nos presentas intervenciones poco
definidas (Fachada de la iglesia de S. Bibiana) aunque tiene algunas más definidas
(Baldaquino de la basílica de San Pedro Vaticano). En esta primera etapa hay que añadir
una serie de trabajos menores que van definiendo su estilo (Palacio Barberini).
Cuando muere el papa y le sucede Inocencio X, Bernini pierde protagonismo en el
Vaticano aunque familias particulares lo contratan bastante (Capilla funeraria de la
familia Cornaro).
Con la llegada del papa Alejandro VI vuelve a tomar protagonismo (iglesia de
Castelgandolfo, F. de Ariccia y iglesia de San Andres del Quirinal.).
Su obra más importante fue la plaza de la basílica de San Pedro Vaticano.
Bernini trabajó en la basílica de San Pedro Vaticano a partir de 1656.
La plaza de San Pedro Vaticano era el escenario de imponentes celebraciones religiosas.
Se trataba de crear un entorno apropiado como punto de entrada hacia el templo de
mayor importancia en el mundo católico.
El aspecto topográfico.
1º Piazza retta: condicionada por el acceso a palacio Vaticano.
2º Enorme plaza ovalada, para la que Bernini dio varios diseños, pero al final se quedo
con pilares y un entablamineto corrido alrededor de la galería.
3º Tercer espacio que cerraría la plaza pero que no se llegó a realizar, y que fue
sustituido por una avenida para engarzar la plaza con el río Tivet.
La escala Regia del Vaticano supone la culminación de obras que eran parecidas.
Bernini traza el diseño arquitectónico y decorativo.

Francesco Borrromini.

Un arquitecto con una personalidad humana y artistica bastante significativa, que lleva
el arte hacia nuevos horizontes. Fue un arquitecto maldito tanto en vida como en
muerte. (Estuvo eclipsado por la fama de Bernini).
Pertenecía a una familia vinculada a la arquitectura (Carlo Maderno). Su padre le
aconseje que se traslade a Milán donde estaba el cardenal Borromeo, y allí inicia sus
primeras obras. En 1620 aparece en Roma casi al mismo tiempo que Bernini. Gracias a
Carlo Maderno se le incorpora a las obras de la Basílica de San Pedro Vaticano como
escultor.
En 1634 realiza su primera gran intervención ( iglesia de San Carlo alle Quattro
Fontane en el Quirinal) esta le enfrenta a un problema de espacio, por lo que tuvo que
hacer un gran esfuerzo creativo para disimular la carencia de amplitudes.
La cúpula de esta iglesia se parece a la del Panteón de Roma. Otra obra singular de
Borromini es la casa y oratorio de San Felipe Neri, en la que destacan las líneas
ondulantes de la fachada.
En 1642 es nombrado arquitecto de la universidad de Roma, su trabajo más importante
en este ámbito es la Iglesia de Sant'Ivo alla Sapienza donde crea una variedad de
elementos singulares. Al mismo tiempo se le encarga la remodelación de la Basílica de
San Juan de Letrán, también en el entorno de la plaza Novona (Iglesia de Santa Inés).
y en la iglesia de San’t Andrea delle Fratte. Hace obras de arquitectura civil (colegio de
propaganda Fide) ventanas con elementos decorativos.
Trabajo en el palacio del Espiritud Santo (palacio Spada) destaca de este la escalera,
donde juega con la forma para darle más apariencia de longitud. Borromini es un
arquitecto que se presenta como algo extraño para su época, su obra fue valorada como
extravagante, pero en ella hay una gran preocupación por el espacio y propone un
cambio de actitud sobre lo que se hacia en ese momento; por eso no le daban mucho
trabajo en las instituciones. Anthony Blunt (historiador de arte y espía ingles para los
soviéticos) dijo de Borromini que su lucha podía ser más atractiva que la retórica de
Bernini.

Tema 8. La escultura Barroca en Italia.

8.01 introducción.

La escultura italiana nunca puede abstraerse de la tradición clásica. Hablar de escultura


barroca es hablar del mundo antiguo, sobre esta tradición se incorporarán nuevos
valores que acabarán definiendo un nuevo discurso expresivo. Varias propuestas: una
clasicista y otra más barroca, más contrapuesta a lo clásico. La escultura esta muy
condicionada por la contrarreforma. Se habla de ese Barroco como un arte retórico. En
el caso de Italia también se desarrollo una iconografía laica que tuvo un enorme
desarrollo. (Utilizar a los héroes clásicos como conducta moral).
La decoración de fuentes y jardines con elementos barrocos tuvo una doble función,
abastecer de agua a la población y como medio de ostentación del poder. (Fuente de los
cuatros ríos, Bernini) Quiere representar la fuerza del catolicismo para extenderse.
Durante este periodo asistimos a una época en la que la muerte se convierte en un
elemento esencial. Esto se traduce en la creación de obras de arte.
El Papa representa un claro ejemplo de esto, porque desea crear monumentos
conmemorativos para la muerte. También es característico del Barroco el arte efímero
para celebrar una victoria militar, la entrada de un rey en una ciudad etc. (monumentos y
esculturas temporales) estas obras representaran un papel crucial en el desarrollo de la
estética barroca. (Tubulos para los funerales de los reyes).

08.02 Los orígenes de la escultura barroca.

A comienzos de 1620 empieza a notarse entre los escultores italianos una nueva
tendencia que se preocupa especialmente por la busqueda del realismo (naturalismo)
desde una visión muy amplia. No solo desde la naturaleza sino en movimientos,
sentimientos etc. Una de las obras que define esta caracterista es Santa Cecilia de S.
Maderno. Otros maestros también avanzaban hacia esa renovación como P. Bernini,
(La asunción de María) padre de G. L. Bernini. También Francesco Mochi
(Monumento ecuestre de Ranuccio Farnese ) que imprime una mayor energía y la
necesidad de que jinete y caballo sean uno solo. P. Tacca (Retrato ecuestre de Felipe
IV).

08.03 Las propuestas de los grandes maestros.


En torno a 1630-1640 es cuando se observa la definición de las dos grandes direcciones
de la escuela barroca italiana y que van a tener en Roma su principal escenario.
Una de estas corrientes es llevada a sus últimas consecuencias por G. L Bernini que
incorporará como novedad la fuerza, la pasión, la vitalidad y sobre todo la obseción por
hacer de la escultura la representación de un instante echo eterno.
La otra línea se enmarca dentro de lo clásico y a su vez tiene dos vertientes: una que no
renuncia al realismo barroco (A. Algardi) y otra mucho más sobria (renuncia del
espíritu barroco) representada fundamental mente por F. Duquesnoy.

Gian Lorenzo Bernini (escultura).


Sus primeras obras eran piezas para decorar los jardines del cardenal Borghese (San
Lorenzo). A partir de 1620 realiza sus grandes obras sobre todo en la temática
mitológica (Eneas, Anquises y Ascanio) también el rapto de Proserpina donde imprime
un sentido plástico a la escultura. Apolo y Dafne que puede tener un significado casi
católico sobre el triunfo del cristianismo sobre el paganismo, Neptuno y Tristán tiene un
gran realismo físico. Bernini es un magnifico retratista (retrato del cardenal Escipione)
hace retratos escultóricos tanto de grandes personajes como de otros más censillos.
Baldaquino: cuatro esculturas para cada pilar.
Tumba de Alejandro VII.

Tema 11. Plenitud y difusión de los modelos absolutistas de la


cultura barroca en España.

11. 02 Arquitectura barroca en España.

En el siglo XVII se empieza a valorar al artista plenamente.


El hijo de el Greco es el gran difusor de la primera arquitectura barroca española.
El estilo churrigueresco esta dominado por lo ornamental, el gusto por los dorados etc.
Para concluir la arquitectura barroca habría que añadir la instauración de la dinastía
borbónica. Felipe V y su mujer intentaron traer arquitectos italianos para modernizar o
cambiar las estructuras en contra de lo que habían echo los arquitectos españoles.
(Palacio de la granja de San Ildefonso de estilo francés a imitación de Versalles). En el
antiguo alcázar de Madrid Felipe V interviene a partir del incendio de éste y lo
reconstruye a su manera. El palacio de Aranjuez también fue reformado desde la nueva
perspectiva, también se intervino sobre la población que rodeaba al palacio. También se
retocan el palacio de Río Frío y el Pardo.
Se crea una tendencia a una arquitectura cada vez más académica (se imponen unas
pautas en la enseñanza).
Fernando de Casas transformo la catedral de Compostela al estilo Barroco.
En Cataluña la capilla de San Jordi o la catedral de Gerona como concepto de
fachada retablo.
Valencia también tiene una fase barroca en el contexto decorativista (Palacio del
marques de dos Aguas, Rococó) también podemos encontrar decorativismo en la
fachada de la catedral de Murcia.
Cuando entran en escena los maestros que habían sido formados en la real academia de
bellas artes se apuntan los primeros pasos hacia un estilo neoclásico. (Ventura
Rodríguez).
Ventura Rodríguez tiene una primera etapa muy barroca pero al mismo tiempo apuesta
por la simplificación de algunas obras (Iglesia de la Encarnación de Monte Frío).
Escultura.

Su evolución general supone un punto y a parte respecto a todo la que sucede en el resto
de Europa. Desde el punto de vista de la concepción estética, técnica, materiales e
iconografía. La escultura en madera, formulaciones y modelos diferentes al resto de
Europa.
La sociedad española del siglo XVII esta profundamente sacralizada por eso la escultura
barroca es al 100% religiosa, los temas mitológicos son casi inexistentes, el retrato
también, excepto los retratos asociados a la religión. El arte del retablo es lo más
particular y los más utilizado en la España barroca. (Mensaje contrarreformista).
Hubo una gran demanda en este sentido. Los dos grandes focos fueron Castilla y
Andalucía.
Castilla: Valladolid.
Andalucía: Sevilla y Granada.
En Valladolid se fija la residencia de Gregorio Fernández el primer gran escultor
barroco español. El escultor de las emociones religiosas fue el ideólogo de los nuevos
tipos iconográficos (Imagen de los cristos yacentes, atados a la columna o un tema muy
español el Ecce-Homo.