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bilbaoarte 2019

bilbaoarte 2019

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 bilbaoarte 2019

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Kartografian zerbait kimerikoa badago ere, laburpen-lan orori datxekion dese-
rosotasun bat, argi daukagu existitzen dena antolatuta zabaltzean erakusten ari
garenaren benetako dimentsioa ulertzen laguntzen duela. Jorge Luis Borgesek,
paradoxaren eta ulertezinaren betiko lagunak, Del rigor en la ciencia saiakera
laburrean egoki kontatzen zuen, aldi berean, Lewis Carroll idazlearen Sylvie and
Bruno lan inspiratzailearen pasarte bati eutsiz. Milia batek milia bat neurtzen duen
mapa bat irudikatzea ez-eraginkorra bezain zentzugabea da. Egia esan, egiten du-
gunaren esentzia atera ezin badugu, ezin izango dugu inoiz garena eta goazen
lekua ebaluatu eta ulertu.
Horixe da obra horren izateko arrazoia. Espazio ireki eta aktibo honetan, lanerako
eta lankidetzarako leku honetan, gertatutakotik agerikoena islatzea. Bertan, gure
ekintzakoak diren proiektu artistiko ezberdinak baino ez dira babesten, bultzatzen
eta zehazten. Oinarri nuklearrak, eraikinaren bihotzean bizi denak, sortzeko eta
zehazteko egitearen eta pentsatzearen izaerari men egiten dio. Hala eta guztiz
ere, aldi berean, ezin dugu ahaztu hitzordu kulturalak eta jendeari irekitako jar-
duerak ugari direla Bilbao Arte Fundazioan. Ia egunero sortzen da kultura-pro-
posamen ireki bat; izan ere, zikloa amaitzeko azken maila hau ere garrantzitsua
iruditzen zaigu.
Lan artistikoa, hausnarketak eta prozesuak herritarren esku jartzen dituzten pro-
posamen artistikoak ikusarazteko ekintza eta espazio bateratu bat bultzatzeko
errituala erabakigarriak dira. Elkarrizketarik gabe, publikoak erabil dezakeen eta
testu artistiko horiek jaso ditzakeen irakurketarako txokorik gabe, ezerk ez du
zentzurik.
Horrenbestez, ekoizpen artistikoko fabrika bat eta egoitza bat gara, baina, aldi
berean, ezezaguna denaren, deskubritzeke dutenaren, lurraldera sartzen diren
pertsonen topagunea ere bai; arte garaikideak berak eratzen duen galdera- eta
bilaketa-eremu horretako biztanleak.
Duela 21 urte sortu zenetik, Bilboko Udalak babesten duen Bilbao Arte Fundazioak
albiste onez betetako balantzearekin amaituko du 2019. urtea. Urte osoko memo-
ria honetan, batez ere, gure jarduera jaso da, eta, hain zuzen ere, gure tailerretan
eta estudioetan ekoitzitako lan artistiko guztiaren inguru osoa biltzen du. Konta-
kizunen kontakizun baino ez den katalogo-memoria honek gure bitartekaritza-la-
nen bitartez eta BBK Fundazioaren laguntza erabakigarriari esker bekadun diren
proiektuak erdiestea berresten eta birsotzen du.
Etengabe luzatzen doan zerrenda osatzen dute bekek: egoitza eta ikasketen be-
kak, ekoizteko laguntzak, artista erabiltzaileak, truke-bekak, lankidetzak gure in-
guruko ekimen eta eragile kulturalekin... Eboluzio-prozesu positibo horri esker,
urtekari honek ateak irekitzen dizkio Bilbao Arteko errealitatea egonkorra eta ir-
moa denaren ziurtasunari, baina baita zabaltzeko promesez jositako berehalako
etorkizunari ere. Hazkunde hori behar-beharrezkoa dugu, eta gure patronatuaren
babes osoa du eginda dagoena eta egiten jarraitu ahal izango dugun guztia kon-
tuan izanda.
Bilbao Arte Fundazioan 2019. urtean gertatutakoaren estatistika-datuak orrialde
hauetatik ondoriozta ditzakegu. Arreta jaso duten dozenaka eta ehunka artistak
eta ikusle gisa era batera edo bestera gure programazioan parte hartu duten mi-
laka pertsonak gure jardueraren berri emateko erreferentzia guztietan ageri dira.
Hobeak eta baliagarriagoak egin gaituzten eta alboan ditugun dozenaka erakunde
eta kolaboratzaileak ere urtekari honetako atal guztietan agertzen dira. Laguntza
guzti horri esker lortu dugu gaur egun garena izatea, eta errealitate hori hitzez
adieraztearekin batera gure norabide berean lan egiten duten enpresa, erakunde
eta organismo guztien konfiantza eta babesa eskertzen ari gara.
Azken finean, lerro hauetan hitzaurrea ageri da, baina, aldi berean, eskerrak ema-
teko hitzak ere badaude, Bilbao Arten bizi diren, egia bihurtzen duten edo bertako
kide diren pertsonen mikrokosmosari eskerrak emateko hitzak, alegia.

Gonzalo Olabarria Villota

Bilboko Udaletxeko Kultura Zinegotzia

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 Even though there is something chimerical in the very drawing of a map, that
inherent awkwardness in any compendium work, a summary to neatly focus on
what exists is known to help to understand the real dimension of what is being
shown. Jorge Luis Borges, a steadfast friend of the paradox and of the elusive,
clearly explained it in his short essay “On Exactitude in Science”, elaborating on an
inspiring landscape of Lewis Carroll’s “Sylvie and Bruno”. Making a mile-for-mile
map seems to be something that is as useless as it is rash. Admittedly if we cannot
dispense the essence of what we are doing, we will never be able to assess and
understand what we are and where we are heading.
This is the raison d’être of this work. Reflecting on the most obvious of what has
happened in this open and active space, in this collaboration and work place, whose
backbone is none other than that of supporting, driving and enabling the realiza-
tion of the different artistic projects that are part of our action. Its cornerstone,
which is at the heart of the building, is linked to this nature of doing, of thinking
to create and of substantiating. However, it should not be overlooked that, at the
same time, there are numerous cultural events and activities open to the public at
the Bilbao Arte Foundation. Practically every day, an open cultural proposal occurs
as we believe that this last step to complete the cycle is also important.
The action of showcasing artistic proposals and the ritual of driving that common
space where artistic work, its reflection and its processes reach out to the general
public is decisive. Nothing would meaningful without that dialogue, without that
reading place which the public accesses and receives the artistic texts.
Consequently, we are not only a factory of artistic production and residency, but
also a meeting place of people that enter that territory of the unknown, or what is
still to be discovered; inhabitants of that questioning and quest zone which is what
is characteristic of contemporary art.
The Bilbao Arte Foundation, an institution supported by Bilbao City Council since
the foundation was set up 21 years ago, is ending 2019 on a high note. The greater
deployment of our activity, which is the main feature of this report on a whole year,
fundamentally highlights all aspects revolving around that artistic work produced
in our workshops and studios. This tale of tales which is this catalogue-report only
endorses and gives a new meaning to the accomplishment of those projects that,
funded with the decisive help of the BBK Foundation, become possible with our
mediation.
Study and residency grants, collaboration grants, production funding, user artists,
exchange scholarships, collaborations with local cultural initiatives and stakehold-
ers… swell a constantly growing list. A positive and evolutive process that leads us
to note that this yearbook leaves the way open to the certainty that Bilbao Arte’s
reality not only remains stable and robust, but also that its immediate future is
brimming with promises of expansion. That growth is very necessary and unani-
mously supported by our whole board given what has been done and everything
that could still be done.
The 2019 statistics for the Bilbao Arte Foundation are extracted from these pag-
es overall. The dozens, hundreds of artists served and the thousands of people
who as the audience have taken part in one way or another in our programme
run though each and every one of these references that report on our activities.
The dozens of partner and fellow institutions that have made us better and more
useful are dotted throughout the sections of this yearbook. We are what we are
thanks to all that support and when voicing that reality, we are expressing our
gratitude for the trust and support of all those companies, institutions and entities
on the same course as us.
In short, these lines are an introduction and to thank that microcosmos of people
who, in one way or another, live, make and form part of Bilbao Arte.
Gonzalo Olabarria Villota
Culture Councilor of Bilbao City Council
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Aunque hay algo quimérico en el ejercicio de la cartografía, una incomodidad inhe-
rente en toda labor de compendio, se sabe que resumir para desplegar ordenada-
mente lo existente, ayuda a comprender la verdadera dimensión de lo que se está
mostrando. Jorge Luis Borges, siempre amigo de la paradoja y de lo inaprensible,
lo relataba lúcidamente en su breve ensayo Del rigor en la ciencia, retomando a su
vez un pasaje inspirador de Silvia y Bruno de Lewis Carroll. Hacer un mapa donde
una milla mida una milla se antoja algo tan ineficaz como insensato. Ciertamente
si no podemos escanciar la esencia de lo que hacemos jamás podremos evaluar y
entender lo que somos y el lugar hacia el que nos dirigimos.
Esta es la razón de ser de esta obra. Reflejar lo más evidente de lo que ha aconteci-
do en este espacio abierto y activo, en este lugar de trabajo y colaboración cuya
espina dorsal no es otra que la de apoyar, impulsar y hacer posible la concreción de
los diferentes proyectos artísticos que forman parte de nuestra acción. Su funda-
mento nuclear, lo que habita en el corazón del edificio, obedece a esta naturaleza
del hacer, del pensar para crear y del concretar. Sin embargo no hay que olvidar
que, al mismo tiempo, en la Fundación Bilbao Arte, abundan las citas culturales y la
actividad abierta al público. Prácticamente todos los días acontece una propuesta
cultural abierta porque creemos que también es importante ese último escalón
con el que se completa el ciclo.
La acción de visibilizar las propuestas artísticas y el ritual de impulsar ese espacio
común en el que el trabajo artístico, sus reflexiones y sus procesos se acerquen al
alcance de la ciudadanía es decisiva. Sin ese diálogo, sin ese lugar de lectura donde
el público accede y recibe los textos artísticos, nada tendría sentido.
En consecuencia somos fábrica de producción artística y residencia pero, al mismo
tiempo, lugar de encuentro de personas que se adentran en ese territorio de lo no
conocido, de lo que está por descubrir; habitantes de esa zona de interrogación y
búsqueda que constituye lo que es propio del arte contemporáneo.
La Fundación Bilbao Arte, institución sostenida por el Ayuntamiento de Bilbao
desde su creación hace ya 21 años, cierra 2019 con un balance lleno de buenas
noticias. El mayor despliegue de nuestra actividad, de lo que se ocupa mayoritaria-
mente esta memoria de todo un año, resalta fundamentalmente todo aquello que
ha girado en todo a ese trabajo artístico producido en nuestros talleres y estudios.
Este relato de relatos que es este catálogo-memoria no hace sino refrendar y re-
significar la consecución de esos proyectos que, becados con la decisiva ayuda de
la Fundación BBK, se hacen posible con nuestra mediación.
Becas de residencia y estudio, becas de colaboración, ayudas a la producción,
artistas usuarios, becas de intercambio, colaboraciones con iniciativas y agentes
culturales de nuestro entorno… engrosan una lista de crecimiento constante. Un
proceso evolutivo y positivo que lleva a señalar que este anuario deja abierta la
puerta a la certeza de que la realidad de Bilbao Arte no solo permanece estable y
sólida sino que su futuro inmediato viene cargado con promesas de una expan-
sión. Un crecimiento muy necesario y unánimemente apoyado por todo nuestro
patronato a la vista de lo que se ha hecho y todo lo que se podrá seguir haciendo.
Los datos estadísticos de lo que ha sido 2019 en la Fundación Bilbao Arte se extra-
en del conjunto de estas páginas. Las decenas, cientos de artistas atendidos, y los
millares de personas que como espectadores han participado de una manera u
otra en nuestra programación atraviesan todas y cada una de estas referencias
que dan noticia de nuestra actividad. Las decenas de instituciones amigas y cola-
boradores que nos han hecho mejores y más útiles salpican todas las secciones de
este anuario. Somos lo que somos porque contamos con todos estos refuerzos y
al verbalizar esa realidad estamos agradeciendo la confianza y el apoyo de todas
esas empresas, instituciones, organismos que reman en la misma dirección que
nosotros.
En definitiva, estas líneas sirven de introducción y de reconocido agradecimiento
a ese microcosmos de personas que, de un modo u otro, habitan, hacen y forman
parte de Bilbao Arte.
Gonzalo Olabarria Villota
Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao
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07 Aurkezpena
Presentación
Presentation
15 Bekadun artistak
Artistas becados
Grant holder artists
17 Javier Arbizu
21 Esther Camacho Cerezo
25 Alejandría Cinque
29 Moriah De Zen
33 Lucía Díaz
37 Sergio D Loeda
41 Helena Goñi
45 Heather Kapplow
49 Liane Lang
53 Miguel Leiro
57 Daniel Llaria
61 Cachorro Lozano
65 Los Picoletos
69 Gerónimo Manzueta
73 Miguel Marina Cobo
77 Adrián Mena
81 Antonio Menchen
85 Saioa Olmo Alonso
89 Damaris Pan
93 Milena Rossignoli
97 Aristide Stornelli
101 Marina Suarez Ortiz de Zarate
105 Irati Urrestarazu
109 Marta Van Tartwijk
113 Produkzio beka
Beca producción
Production Grant
115 Raisa Alava Robina
117 Andrea Alonso Vargas
119 Jenni Alvarado
121 Severine Beata
123 Victoria Ascaso
125 Inge Conde Moreno
127 Noela Covelo
129 Mikel Escobales Castro
131 Pau Figueres
133 Usoa Fullaondo
135 Ivan Gómez Gutierrez
AURKIBIDEA
ÍNDICE
TABLE OF CONTENTS
137 Amaia Gracia Azqueta
139 Urtzi Ibarguen
141 Irati Inoriza
143 Miriam Isasi Arce
145 Alessandro Leggio
147 Pedro Marco Landa
149 Karlos Martinez Bordoy
151 Susana Perez Gibert
153 Maite Pinto Zangroniz
155 Susana Talayero Sebastian
157 Lourdes de la Villa Liso
159 Maia Villot de Diego
161 Trukaketako artistak
Artistas de intercambio
Exchange artists
163 Juana García- Pozuelo
165 Alberto Lomas
167 Julia Martos
169 Dorothy M Yoon
171 Idoia Monton
171 Zigor Baraiazarra
173 Maite Caballero
173 Genís Rigol
175 Erakusketak
Exposiciones
Exhibitions
177 Es el cristal. Ella
179 El pozo y la pirámide
181 Objeto [In]quieto
183 Habitar las rosas y otras cosas
185 Begira: BilbaoArte bilduma
187 Urazurrutia 32
189 Sueños fotomontados
191 Waaitt
197 Zentroa
El centro
The centre
203 Jarduerak
Actividades
Activities
 BEKADUN ARTISTAK
ARTISTAS BECADOS
GRANT HOLDER ARTISTS

«Nire lana intuiziozko jakinmin ba-
tetik abiatzen da, materiaren ezau-
garriak eta bere eraldaketa eta in-
terakzio posibilitateak aztertzera
naramana. Nire posizioa medium
batena da, beste iksukera batzuk
estimulatzen eta bere kontroletik
kanpo dauden prozesuen emaitzak
aktibatzea.
Nire obrak gorputz eta espazioen
arteko mugak zalantzan jartzen ditu,
gizatiarra eta gizatiarra ez denarena,
mundu materialaren bitartez, gure
garaiaren desastre ekologiko eta
ekonomikoan pentsarazten digun
birsortze edo desitxuratze emozional
mota bat.
Nire lanaren eraikitze prozesuan
materialen, intuizioen eta desioen
ezaugarri eta dinamiken negoziazio
ariketa bat suposatzen du, baldintza
haptikoa beti goretsiz. Testuinguru
honetan objektuak aktante bezala
dira ulertuak, euren dinamika fisiko,
denborazko eta psikologiko zehatze-
tatik. Hau da, kanpo-estimuluek
eragindako gorputz bitalak, –gaine-
rakoen artean, ni neu– interakzio po-
sibilitateak aldatzen dituztenak».
Javier Arbizu Arte Ederretan
lizentzia­tua, Salamancako Unibertsi-
tatean. Arte Ederretan Masterra
(MFA) San Francisco Art institutuan.
Generaciones, Guasch Coranty lehen
saria, Fullbright, San Francisco Art
Institute Fellowship, Anne Bremer
Memorial Price, Murphy and Cado-
gan Award eta Inéditos dira, besteak
beste, jaso dituen beka eta sariak.
Erroman Espainiako Akademian ego-
naldia izan du, Blue Project Founda-
tion Barcelona eta Kulturabteilung
Vorarlberg - Kunshtaus BilbaoArte
Bregenzen, Austrian. Jorge Oteiza
Fundazioan, San Fernando Akade-
mian, Centre Cultural La Nau, Arco-
Lisboa, Volta Basel, Scope Miami Be-
ach, Arte Santanderren erakutsi du
bere lana. Eta galeriei dagokienez,
Lisi Hämmerle Bregenzen, Ángeles
Baños Badajozen, Espacio Valverde
Madrilen, eta Diego Rivera eta SO-
MArts San Franciscon, California.
«Mi trabajo parte de una cierta cu-
riosidad intuitiva que me lleva a
examinar las características de la
materia y sus posibilidades de ma-
nipulación e interacción. Mi posición
es la de un médium que trata de es-
timular otras percepciones y activar
otros procesos cuyos resultados es-
tán fuera de mi control.
Mi obra cuestiona los límites entre los
cuerpos y el espacio, lo humano y lo
no humano, en una suerte de recons-
trucción o desfiguración emocional
que nos hace pensar, a través del
mundo material, en el desastre eco-
lógico y económico de nuestra era.
Los procesos de construcción en mi
trabajo suponen un ejercicio de ne-
gociación entre las características y
dinámicas propias de los materiales
y mis intuiciones y deseos, ponde-
rando siempre una cierta condición
háptica. En este contexto los objetos
son entendidos como actantes, que
operan desde sus propias dinámicas
físicas, temporales y psicológicas.
Es decir, cuerpos vitales que se ven
afectados por estímulos externos, –
entre otros yo mismo– que alteran
sus posibilidades de interacción».
Javier Arbizu es licenciado en Bellas
Artes por la Universidad de Sala-
manca. Master en Bellas Artes (MFA)
por el San Francisco Art Institute. Ha
recibido las becas y premios: Ge-
neraciones, Primer premio Guasch
Coranty, Fulbright, San Francisco Art
Institute Fellowship, Anne Bremer
Memorial Price, Murphy and Cado-
gan Award e Inéditos entre otros.
Ha realizado residencias en la Aca-
demia de España en Roma, Blue
Project Foundation Barcelona y Kul-
turabteilung Vorarlberg - Kunsthaus
Bilbaoarte en Bregenz, Austria. Ha
mostrado su trabajo en el Museo
Fundación Jorge Oteiza, la Academia
de San Fernando, el Centre Cultu-
ral La Nau, ArcoLisboa, Volta Basel,
Scope Miami Beach, Arte Santander
y en las galerías Lisi Hämmerle en
Bregenz, Ángeles Baños en Badajoz,
Espacio Valverde en Madrid y Diego
Rivera y SOMArts en San Francisco,
California.
Javier Arbizu
Estella, 1984
‟My work is moved by an intuitive
curiosity that leads me to examine
the characteristics of the matter and
its possibilities of manipulation and
inter­action, where I positions myself
as a medium, trying to stimulate other
perceptions and activating processes
whose results are beyond my control.
My praxis revolves around the idea
of the incapability of understanding,
assi­milating and being in relationship
to the thing itself.
I intend to question the boundaries
between bodies and spaces, the hu-
man and the non-human. A short of
reconstruction or emotional disfig-
urement that makes us think, through
the material world, about the ecolog-
ical and economic disaster of our era.
The construction processes in my
work, suppose an exercise of negotia­
tion between the characteristics and
dynamics of the material world and
my intuitions and desires, always pon-
dering a certain haptic condition. In
this context, objects are understood
as actants, which follow their own
physical, temporal and psychological
dynamics. That is, vital bodies that are
affected by external stimuli, among
others myself”.
Javier Arbizu, Bachellor in Fine Arts
at the University of Salamanca, MFA at
the San Francisco Art Institute. He has
received, among others, the following
grants and prices: Generaciones,
Guasch Coranty First Price, Fulbright,
San Francisco Art Institute Fellowship,
Anne Bremer Memorial Price, Murphy
and Cadogan Award and Inéditos.
He has been artist in residence at the
Academy of Spain in Rome, Blue Pro-
ject Foundation Barcelona and Kul-
turabteilung Vorarlberg - Kunsthaus
BilbaoArte in Bregenz, Austria.
He has shown his work at the Jorge
Oteiza Foundation Museum, the
Academy of San Fernando, La Nau
Cultural Center, ArcoLisboa, Volta Ba-
sel, Scope Miami Beach, Arte Santand-
er and at the following galleries: Lisi
Hämmerle, Bregenz; Ángeles Baños,
Badajoz; Espacio Valverde, Madrid
and Diego Rivera y SOMArts, San
Francisco, California.
19

Bat
bi
hirulaubostseizazpi
ZORTZI
(...)
Laurogei
Minutu t’erdikoa izaten da emozioen
koktelak birxurgatua eta metaboli-
zatua izateko gorputzak behar duen
denbora… Baina igarotzen ez diren
emozioak daude, eta horiek dira erai-
kitzen gaituztenak.
Denboraren kontzeptuak, Mendebal-
dean ulertzen den bezala, historian
zehar pairatu duen sinplifikazioaren
ondorioz, ez ditu antzinako Greziako
nozio guztiak barnebiltzen, denborak
ñabardura ezberdinak zituen: Cro-
nos denbora lineala, Aion denbora
infinitua eta Kairós denbora egokia.
Love-letters to Aion saiakera bisual
ez-linealak dira, kamera bat, gorputz
bat, espazio zehatz bat, kamera
bat maneiatzean pribilegioen
berrespena. Ez du ikuspuntu bakar
bat erregistratu eta dokumentatzen,
ilusio eta denbora-estruk­tura berriak
ere sor ditzake. «Nirea bera den,
errealitate iraganko­rraren zati txiki,
konkretu eta subjektibo batetik
abiatzen naiz, kontzeptu globalagoei
heltzeko».
«Izarretatik ibiltzen, sabaiaren ordez
hare gainazal bat aurkitu genuen».
Esther Camacho Cerezo, artista
bisuala, argazkilaria, bideografoa.
UPH-EHUko AAEEtan lizentziatua,
UWE Bristol UKn ikasteko eta MPE-
VC Madrilgo Museo Reina Sofia
Mas­terrean bekatua. Bisuala eta
performatiboaren arteko mugak ha-
bitatzea interesatzen zaio, zientzia
eta artearen artekoak. Bere obra
maila nazional eta internazionale-
an: Getxoarte, Viphoto, Baffest, Bil-
boargazki eta Format Festival UK,
besteak beste. Ikerlariekin ere lan
egin du, Dublin, Londres, Nottingha-
meko Unibertsitatean irakasle eta
argazkilari bezala, galeria eta muse-
oetarako. Txipreko Museo Nazional
Arkeologikoan hasi zen, orain Bilba-
oArte Fundazioan burutzen ari den
proiektuarekin.
Esther Camacho Cerezo
Uno
Dos
Trescuatrocincoseissiete  Threefourfivesixseven
OCHO
(...)
Noventa
Un minuto y medio es lo que tarda
aproximadamente en ser reabsorbi-
do y metabolizado por el cuerpo, el
cóctel propio de cada emoción.
El concepto del tiempo, tal y como
se entiende en occidente, tras la
simplificación sufrida a lo largo de
la historia, no llega a encerrar todas
las nociones de la antigua Grecia,
donde el tiempo tenía diferentes
matices: Cronos, Kairós y Aion.
Love-letters to Aion son ensayos vi-
suales no lineales, una cámara, un
cuerpo y un espacio determinado,
una reafirmación de los privilegios
al manejar una cámara, que no
sólo registra y documenta un pun-
to de vista determinado, sino que
también genera nuevas imágenes,
ilusiones o estructuras temporales.
«Parto de una pequeña porción de
realidad efímera, concreta y subje-
tiva, la mía propia, para conseguir
abordar conceptos más globales».
«Caminando por las estrellas, en-
contramos por techo una superficie
de arena».
Esther Camacho Cerezo, artista vi-
sual, fotógrafa, videógrafa. Licencia-
da en BBAA por la UPV-EHU, becada
para estudiar en la universidad UWE
Bristol UK y para realizar el Máster
MPECV Museo Reina Sofía Madrid.
Le interesa habitar las fronteras
entre lo visual y lo performativo,
entre ciencia y arte. Su obra se ha
expuesto tanto nacional como inter-
nacionalmente: Getxoarte, Viphoto,
Baffest, Bilboargazki y Format Festi-
val UK, entre otros. Ha trabajado con
investigadores, como docente y fo-
tógrafa en Dublín, Londres, Univer-
sidad de Nottingham, para galerías
y museos. Es en el Museo Arqueo-
lógico de Chipre, donde comenzó el
proyecto que está desarrollando en
la Fundación BilbaoArte.
Barakaldo, 1984
esthercamachocerezo@gmail.com
One
Two
EIGHT
(…)
Ninety
One and a half minutes are roughly
how long it takes for the body to reab-
sorb and metabolise the very cocktail
of each emotion.
The concept of time, as understood in
the West, after the simplification it has
undergone throughout history, fails to
encompass all the notions of Ancient
Greece, where time had different
nuan­ces: Chronos, Kairos and Aion.
Love-letters to Aion are non-linear
visual essays, a camera, a body and a
particular space, a reassertion of the
privileges when using a camera, which
not only records and documents a cer-
tain point of view, but also generates
new images, illusions or time struc-
tures. «I start from a small portion of
subjective, specific and ephemeral
reality, my own, in order to address
more global concepts».
‟Walking through the stars, we found
a sandy ceiling”.
Esther Camacho Cerezo, visual
artist, photographer, videographer.
After graduating in Fine Arts from
the UPV-EHU, Ester was awarded
a grant to study at UWE Bristol UK
and for her Master’s Degree in Arts
Practice and Visual Culture at the
Reina Sofía Museum Madrid. She is
interested in inhabiting the frontiers
between the visual and performance,
between science and art. Her work
has been exhibited nationally and
internationally: including Getxoarte,
Viphoto, Baffest, Bilboargazki and
Format Festival UK. Esther has worked
with researchers, as a lecturer and
photographer in Dublin, London, at
Nottingham University, for galleries
and museums. She began work on
the BilbaoArte Foundation project at
the Cyprus Archaeological Museum.
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25

WeAre, Generación Desechable
proiektutik jasotako argazkiekin
egindako fanzine bilduma bat da.
Alejandría Cinque artista madril-
darra hamar urte egon da bizi eta
maite duen hiriko underground
artxibo dokumentala sortzen. Gene-
ración desechable, artistak bizitako
momentu eta erlazio askoren gai-
nean sortutako ideia bat da, Madri­
leko eszena queerrean jai, after
eta raveetan kokatzen dena. Non
sexuak, musikak eta dro­gak gor-
putzak argiztatzen dituzten. Erabi-
lera bakarreko kamera erabiltze-
aren ondorioz, erretratatutako
gazteak gaueko iluntasunean gor-
putzak foku batekin argiztatzera
eraman du. Aldizkariko argitalpen
bakoitzak 24 argazkiko karrete bat
fikzionatzen du, 2010. hamarkadan
zehar errebelatutakoak. TRIPIre-
kin proiektua haratago eramateko
asmoa du Alejandriak, enkoadra-
keta beste hiri batzuetako gaueta-
ra eramanez. Horregatik hasi da,
Bilbo edo Montevideoko egonaldi
artistikoen bidez, bisitatzen dituen
hirietako club eszenak erretratatuz,
zenbaki berezien edizioan.
Alejandría Cinque Madrilen
jaio zen. Bertan, Arte Ederretan
lizentzia­tu, eta Praktika Eszeniko eta
Kultura Bisualaren masterra burutu
zuen. Eduki kritiko handiko proiek-
tuak garatzen ditu, gaztaroa, gaua,
iraultza, errebeldia, erotismoa eta
queer izaera bezalako gaiekin egiten
du lan. Normatiboa denaren mugak
desitxuratzea duelarik helburu.
WeAre es una colección de fanzines
que recogen las fotografías del pro-
yecto Generación Desechable con el
que el artista madrileño Alejandría
Cinque lleva diez años trabajando
generando un archivo documental
del underground de la ciudad que
vive y ama. La generación desechable
es una idea que sobrevuela muchos
momentos y relaciones que el ar-
tista vive con los jóvenes que se va
cruzando en fiestas, afters y raves de
la escena queer de Madrid donde el
sexo, música y droga hacen que los
cuerpos se iluminen. El medio de las
cámaras de un solo uso con las que
trabaja le ha llevado a encontrarse
con los jóvenes retratados poniendo
un foco de luz en la oscuridad de la
noche. Cada publicación de la revista
ficciona un carrete de 24 fotografías
reveladas durante la década de los
2010. Con TRIPI Alejandría pretende
llevar más lejos el proyecto trasla-
dando el encuadre a las noches de
otras ciudades. Por ello ha comenza-
do la edición de números especiales
protagonizados por las escenas club
de las ciudades que visita a través de
residencias artísticas como Montevi-
deo o Bilbao.
Alejandría Cinque nace en Madrid
donde se licencia en Bellas Artes y
cursa el máster en Práctica Escénica
y Cultura Visual. Desarrolla proyec-
tos de alto contenido crítico traba-
jando conceptos como la juventud,
la nocturnidad, la revolución, la re-
beldía, el erotismo y lo queer bus-
cando desdibujar las fronteras de lo
normativo.
Alejandría Cinque
Madrid, 1990
www.alejandriacinque.bigcartel.com
WeAre is a collection of fanzines fea-
turing the photographs of the Gene-
ración Desechable [Disposable Gene-
ration] project. Alejandría Cinque,
the artist from Madrid, has been
working on the project for ten years
and has generated a documentary
archive of the underground of the
city she loves and where she lives.
The ‟disposable generation” is an
idea hovering over many moments
and relations that the artist expe-
riences with the young people that
she comes across at parties, afters
and raves on Madrid’s queer scene
where sex, music and drugs light up
their bodies. Using disposable ca-
meras has allowed her to encounter
young people portrayed by creating
a spotlight in the darkness of the
night. Each issue of the magazine
fictionalises a reel of 24 photos de-
veloped during the 2010s. Alejandría
with TRIPI seeks to take the project
further by transferring the framing
to the nights of other cities. She has
therefore begun to publish special
issues featuring the club scenes of
the cities, such as Montevideo and
Bilbao, that she has visited thanks to
artistic residences.
Alejandría Cinque was born in Ma-
drid where she graduated in Fine
Arts and completed the Master’s
Degree in Performing Arts Practice
and Visual Culture. She has worked
on highly critical projects where
she focuses on concepts such as
youth, nightlife, revolution, defian-
ce, eroticism and the queer scene,
seeking to blur the frontiers of ru-
les and regulations.
27

Giza izadiaren jakintzaren interes
sakonak bultzatuta, erretratua eta
kontzientziaren eta subkontzientea-
ren ikerketa erabiltzen ditu pertso-
nenganako hurbilketa modura. Bere
formazio artistikoaz gain, kinesiologa
eta terapia holistikoak ikertzen ditu.
Kontzientzia, irudi-fluxuak sortzen di-
tuen «adimen» bat dela kontuan har-
tuz. Honek, patroi sentsorialen bidez
errealitatearen irudi bat (A. Damasio)
sortzen laguntzen digula jakinda,
eta adimen-gorputzaren dualtasuna
gaindituta dugun legez (F. Varela),
Mo­riah-k bere lana patroi sentsori-
al eta gorputzaren arteko erlazioan
finkatzen du. Argazkia, bideoa, ma­
rr­azkia eta praktika terapeutikoaren
intersekzioaren bidez ikertzen duen
alorra da.
Artearen eremutik esploratzen du
kontzientzia, elkarrizketa segida ba-
ten ostean bideo bat ekoizten du. Ba-
koitzarentzat haien esperientziaren
prismatik erantzungo dioten pro-
fesional ezberdinak hautatzen ditu
galdera honi erantzuteko: «Zer da
kontzientzia?». Lan hau argazki, bideo
eta marrazki prozesualekin ­osatua
dago.
Moriah De Zen, argazkilari, eta arte
zuzendariak, arte bisualak, publizita-
tea eta argazkigintza ikasten ditu NA-
BAn, Milanen. Londresen, bi urtetan
zehar, jarraitzen du bere formazioa-
rekin. 2003an bere lehenengo erakus­
keta pertsonala egiten du, I bambini
di Amman. Ostean, Evoke (2007) eta
In­sight (2010). 2007 eta 2012 artean
New Yorken, Lishuin, Milanen, Erro-
man, Reggio Emilian, Pasovan eta
Orvieton ere egiten ditu erakuske-
tak. Horien artean: Volontariamente
(2012), Humankind (2010), eta Acqua
Aria Fuoco Terra National Geographic
(2008). Eta ondorengo lehiaketetan
ere errekonozimendua jaso du ar-
tistak: Master Cup, PX3, IPA, FIOF
Profe­ssional Photofraphy Award, Pre-
miofotografico. 2016 urte amaieran
Bilbora doa. 2018an Proyecto Personal
Argazkigintza Masterra gauzatzen du
Bilboko CFCan. 2019an, UPV/EHUn,
Artean eta Sorkuntzan Ikerketa buka-
tzen du, Arteshopen, Certamen Carl-
ton, Gijoneko Encuentros Fotografi-
cos, eta BilbaoArten.
Impulsada por un profundo interés
en el conocimiento de la naturaleza
humana, utiliza primero el retrato y
luego el estudio de la conciencia y
el subconsciente para su aproxima-
ción a la persona. Junto a su forma-
ción artística, estudia kinesiología y
otras terapias holísticas.
Teniendo en cuenta que la concien-
cia es una «mente» que genera un
flujo de imágenes mentales a tra-
vés de patrones sensoriales que nos
ayudan a construir una imagen de la
realidad (A. Damasio) y que la duali-
dad entre mente y cuerpo ya está su-
perada (F. Varela), Moriah enfoca su
trabajo en torno a la relación entre
patrones sensoriales y cuerpo. Ex-
plora estas cuestiones a través de la
intersección entre fotografía, vídeo,
dibujo y la práctica terapéutica.
Para explorar la consciencia desde
el arte, produce una obra de vídeo
a partir de una serie de entrevistas.
Para cada una escoge distintos pro-
fesionales que responden desde su
experiencia a la pregunta: «¿Qué es
la consciencia?» Esta obra se comple-
menta con un conjunto de fotogra-
fías, vídeos y dibujos procesuales.
Moriah De Zen, fotógrafa y direc-
tora de arte, estudia artes visuales,
publicidad y fotografía en la NABA
en Milán. Continúa su formación en
Londres donde permanece dos años.
En 2003 realiza su primera exposi-
ción personal, I bambini di Amman,
seguida por Evoke (2007) e Insight
(2010). Entre el 2007 y 2012 expone
en Nueva York, Lishui, Milán, Roma,
Reggio Emilia, Padova y Orvieto. En-
tre las que destacan: Volontariamente
(2012), Humankind (2010) y Acqua Aria
Fuoco Terra por National Geographic
(2008). Obtiene reconocimientos en
competiciones fotográficas como
Master Cup, PX3, IPA, FIOF Professio-
nal Photography Award, Premiofoto-
grafico. A finales de 2016 se traslada
a Bilbao. En 2018 asiste al Máster de
Fotografía Proyecto Personal en el CFC
de Bilbao. En 2019 termina el Máster
Investigación y Creación de Arte en la
UPV-EHU, expone para Arteshop,
Certamen Carlton, Encuentros Foto-
gráficos de Gijón y BilbaoArte.
Moriah De Zen
Asolo, Treviso
www.moriadezen.com
Driven by a deep interest in learning
about human nature, Moriah first
uses the portrait and then the
study of the consciousness and
subconsciousness for her approach
to the person. Along with her artistic
training, she has studied kinesiology
and other holistic therapies.
Taking into account that the con-
sciousness is a ‟mind” that gen-
erates a flow of mental images
through sensory patterns that help
us to build an image of reality (A.
Damasio) and that the duality be-
tween mind and body is already
overcome (F. Varela), Moriah focus-
es her work on the relationship be-
tween sensory patterns and body.
She explores these issues by means
of intersecting photography, video,
drawing and therapeutic practice.
To explore the consciousness from
art, Moriah has produced a video
work using a series of interview. For
each one she chose different profes-
sionals who, based on their experi-
ence, answered the question: ‟What
is the consciousness?” This work is
complemented by a set of processual
photographs, videos and drawings.
Moriah De Zen, photographer and
art director, studied visual arts, ad-
vertising and photography at the
NABA in Milan. She continued her
training in London where she stayed
for two years. In 2003, she put on her
first individual exhibition, I bambini di
Amman, followed by Evoke (2007) and
Insight (2010). Between 2007 and 2012,
she exhibited in New York, Lishui,
Milan, Rome, Reggio Emilia, Padova
and Orvieto. These included: Volon-
tariamente (2012), Humankind (2010)
and Acqua Aria Fuoco Terra by Nation-
al Geographic (2008). Her awards in
photography competitions include
Master Cup, PX3, IPA, FIOF and Pre-
mio fotografico. At the end of 2016,
Moriah moved to Bilbao. In 2018, she
attended a Photography Master in
Personal Project at the Bilbao CFC. In
2019, she completed the Master in Art
Research and Creation at the UPV-EHU
and has had exhibitions at Arteshop,
Certamen Carlton, Encuentros Fo-
tográficos de Gijón and BilbaoArte.
31
On/Off #1 Des_enfoque_es #1 Con_ciencia_acción
Inpresio digitala textil gainean Bideoa / Video Bideoa / Video
Impresión digital sobre textil 2:13 min, 2019 5:06 min, 2019
210x300 cm, 2019
Des_enfoque_es #2, 2019
Bideoa / Video
3:00 min, 2019

33

Proiektu honetan materiaren trans-
formazio prozesuak ikertzen ditu
kontzeptu zientifikoen irakurketa
poetikoarekin. Inorganikoa eta geo-
logikoaren izaera dinamiko eta dar-
darkaria. Naturaren indar heziga­
rrietan ikertu, eta dimentsio kultural
eta espiritualetan barneratu. Horre-
la, magiaren inguruan hausnartzen
du, artearekin erlazionatzen duen
heinean. Antzekotasunak handiak
eta intimoak dira. «Praktika magi-
koak aktibitate artistikoen bitartez
garatzen dira. Emozio hauek enfo-
katuak eta kristalizatuak dira, eta
bizitza praktikora zuzentzen dira»
(R.G. Collinwood).
Horrela, prozesu hauek buztingintza
tradizionalarekin erlazionatzen ditu,
diskurtsoa memoriara hurreratu
nahi duen bezala. Eguneroko era-
bilera duten objektu hauei berezko
historia bat ezartzen die anekdota
historikoaren bitartez. Era zehatza-
go batean, emakumeen historiari
eta «gorputzaren disziplinatzeari».
Gai hauek; denbora eta historia, he-
riotza eta magia, bere obran kons-
tante bat izaten hasten dira. Materia
organikoa eta inorganikoaren ar-
teko loturekin jolasten du, prozesu
fisiko-kimikoiei sortze garapenaren
eta kontzeptualizazioaren atal ga­
rrantzitsu bat bilatuz eta eskainiz.
Lucía Díaz UGRn Arte Ederretan
lizentziatua da. Urte bat Municheko
Akademie Der Bilbenden Künsten,
eta beste bat EHUko Arte Ederren
Fakultatean. Paraleloan Zeramika
Aristikoan Goi Mailako Gradu bat
burutu zuen Granadako Arte Esko-
lan. Bere azken bakarkako erakus­
keta esanguratsuak: En tiempo seco
(2018) Condes de Gabia palazioan,
Olla no se queda (2019) FACBAn, eta
El oro blanco (2019) Casa del Gaviá-n.
Portzelanan elementu organikoen murgiltzeak, 2019
Inmersiones de elementos orgánicos en porcelana, 2019
Zeramika esmaltatuaren gaineko efloreszentzien detailea, 2019
Detalle de eflorescencias sobre cerámica esmaltada, 2019
En este proyecto investiga sobre
los procesos de transformación de
la materia con una lectura poética
de conceptos científicos. Marcar el
carácter dinámico y vibrante de lo
inorgánico, de lo geológico. Inda-
gar en la fuerzas formativas de la
naturaleza a la vez que penetrar en
dimensiones culturales y espiritua-
les. Con ello medita sobre la magia
al estudiarla relacionándola con el
arte. Las semejanzas son grandes
e íntimas. «Las prácticas mágicas
contienen, o se desarrollan, median-
te actividades cuasi-artísticas. Estas
emociones son enfocadas y cristali-
zadas, y se canalizan y dirigen hacia
la vida práctica» (R.G. Collingwood).
De esta manera, relaciona estos
procesos con la alfarería tradicio-
nal a la vez que pretende acercar el
discurso a la memoria. Concederles
una historia propia a esos objetos
de uso cotidiano a través de la anéc-
dota histórica, y de una manera más
concreta a la historia de las mujeres
y al «disciplinamiento del cuerpo».
Estos temas; el tiempo y la historia,
la muerte y la magia, empiezan a
ser una constante el su obra.
Juega
con las conexiones entre la materia
orgánica e inorgánica, buscando
y concediendo a los procesos físi-
co-químicos una parte importante
del desarrollo de creación a la vez
que de conceptualización.
Lucía Díaz es licenciada en Bellas
Artes por UGR. Cursó un año en la
Akademie Der Bilbenden Künste de
Múnich y otro en la Facultad de Be-
llas Artes de la UPV. Paralelamente
finalizó un Grado Superior en Cerá-
mica Artística en la Escuela de Arte
de Granada. Destacan sus últimas
muestras individuales: En tiempo
seco (2018) en el Palacio de los Con-
des de Gabia, Olla no se queda (2019)
en el FACBA, y El oro blanco (2019) en
la Casa del Gaviá.
Lucía Díaz
Granada, 1984
@luciadiazbarrales
This project investigates the trans-
formation processes of matter with
a poetic reading of scientific con-
cepts. Marking the vibrant and dy-
namic nature of the inorganic, the
geological. Delving into the form-
ative forces of nature while pene-
trating into spiritual and cultural
dimensions. It reflects on the magic
of studying it when relating it to art.
The similarities are large and inti-
mate. ‟The magical practices con-
tain, or are developed, by means of
quasi-artistic activities. These emo-
tions are focused and crystallised,
and are channelled and aimed at
practical life” (R.G. Collingwood).
It thus ties those processes together
with pottery while seeking to bring
discourse together with memory.
Granting those everyday items their
own history by means of historical
curiosity, and more specifically the
history of women and the ‟disci-
plining of the body”. Those themes
– time and history, death and magic
– begin to be a constant in her work.
She plays with the connections be-
tween organic and inorganic matter,
seeking and granting to the phys-
ical-chemical processes an impor-
tant role in the creative and, in turn,
conceptualisation development.
Lucía Díaz graduated in Fine Arts
from Granada University (UGR). She
studied for a year at the Akademie
Der Bilbenden Künste de Múnich
and another at the Fine Arts Faculty
of the University of the Basque Coun-
try (UPV). At the same time, she ob-
tained a Higher Technical Certificate
in Artistic Ceramics at Granada Art
School. Special mention should be
made of her latest solo exhibitions:
En tiempo seco (2018) at the Palacio
de los Condes in Gabia, Olla no se
queda (2019) en el FACBA, and El oro
blanco (2019) at the Casa del Gaviá.
35
 Azulejos con cristal de sales
Efloreszentzien xehetasuna / Detalle
de eflorescencias, 2019
Aguabenditero
Keramika efloreszentziarekin
hazkunde garapenean / Cerámica
con eflorescencias en proceso de
crecimiento, 47x21x13 cm, 2019
37

Japonen jazotako gatazka politikoek,
eta ondorioz izandako istiluek, 60ko
hamarkadan, baliagarri izan dira
ZENGAKUREN proiektuaren abia-
puntua zehazteko. Proiektu honen
izenburuak Estatu Batuek Japoni lu-
zatutako kooperazio hi­tzarmenaren
aurka sortutako ikasle erakundeen
protestei egiten dio erreferentzia.
Bigarren Mundu Ge­rraren ondoren,
Sobietar Batasunetik gertu zeuden
herrialdeetan, base militarrak sor-
tzeko asmoa zuten AEBBek. Lehe-
nengo ministro japoniarrak, hitzar-
mena sinatzera behartuta egongo
zelakoan, uniber­tsitate erakunde
ezkertiarrei euren desadostasuna
adierazteko bihotz eman zien. Na-
hiz eta protesta hauek akordioaren
aurka hasi, justizia sozialaren ize-
nean Japoneko gizartea desorekatu
zuten.
Proiektu hau osatzen duten piezek
gertakariaren indarra azalera­tzen
dute. Irabazle eta galtzaileen figu-
ren intentzionaltasuna, eta tentsioa-
rena, zeinek argia sortzen duen, eta
burdina eta tela bezalako materia-
len alderatzea, zeintzuek eskultura
nagusia osa­tzen duten, diskurtso-
aren metafora osatzen dute. Spray
bidezko pintura bezalako elementu-
ek kale-protestei egiten die errefe-
rentzia, eta, erretratu ofizial bateko
begiak buruz-behera jarriz tapatze-
ak, suposatzen duen umiliazioari.
Sergio D Loeda Madrilen bizi da, eta
bertan egiten du lan, Estudio Men-
dozan, Mar Cubero, Ana de Fon-
techa eta Miguel Marinarekin bate-
ra. Bakarkako zein taldeko hainbat
erakusketan parte hartu du. Ampo
1960. Getxoarte. Getxo, Euskadi,
2019. Un mercado japonés. Espacio
Vértice, Madril, 2018. La mecánica
de una botella. Artelateral, Madril
2017/18. Totems. Galería Maisterra-
valbuena, Madril, 2015. Eren molts i
venien de lluny. Centre d’art Pirami-
dón. Bartzelona, 2017.
Los conflictos políticos y los conse-
cuentes disturbios que se dieron en
Japón, en la década de los 60, sirven
de punto de partida para configurar
el proyecto ZENGAKUREN. El título de
este proyecto hace referencia al nom-
bre de las asociaciones de estudiantes
que protagonizaron las protestas en
contra del acuerdo de cooperación
que planteaba Estados Unidos a Ja-
pón. Después de la Segunda Guerra
Mundial, Estados Unidos pretendía
construir una serie de bases milita-
res en diferentes paises cercanos a la
URSS. El primer ministro japonés, sa-
biendo que se vería obligado a firmar
este acuerdo, alentó a las asociaciones
universitarias de izquierdas a las pro-
testas para mostrar su desacuerdo.
Estas protestas comenzaron contra
el acuerdo pero, acabaron haciendo
tambalear el equilibrio de la sociedad
japonesa en busca de la justicia social.
Las piezas que conforman este proyec-
to hacen un recorrido que evidencia la
vigencia de esta situación. La inten-
cionalidad de las figuras de ganador
y perdedor y la tensión que genera la
luz y la contraposición de un material
como el hierro y la tela que conforma
la escultura principal construyen la
metáfora del discurso. La utilización de
elementos como la pintura en spray
hace referencia a las protestas calleje-
ras y la humillación que supone tapar
los ojos de un retrato oficial así como
colocarlos boca abajo.
Sergio D Loeda vive y trabaja en
Madrid, en Estudio Mendoza junto
con los artistas Mar Cubero, Ana de
Fontecha y Miguel Marina. Ha parti-
cipado en numerosas exposiciones
tanto individuales como colecti-
vas. Ampo 1960. Getxoarte. Getxo,
Euskadi, 2019. Un mercado japonés.
Espacio Vértice, Madrid, 2018. La
mecánica de una botella. Artelate-
ral, Madrid 2017/18. Totems. Galería
Maisterravalbuena, Madrid, 2015.
Eren molts i venien de lluny. Centre
d’art Piramidón. Barcelona, 2017.
Sergio D Loeda
Madrid, 1988
www.sergiodloeda.com
Political conflicts and the ensuing
riots in Japan, in the 1960s, were the
starting point for the ZENGAKUREN
project. The project’s title refers to
the name of the student associa-
tions that led the protests against
the cooperation agreement that the
USA offered Japan. After World War
II, the USA sought to build a series of
military bases in different countries
near to the USSR. The Japanese pri-
me minister, knowing that he would
be required to sign that agreement,
encouraged the left-wing university
associations to protest to express
their disagreement. Those protests
began against the agreement, but
ended up rocking the balance of Ja-
panese society in the search for so-
cial justice.
The pieces making up this project co-
ver the different aspects that show
the validity of this situation. The in-
tentionality of the figures of winner
and loser and the tension generated
by the light and the contrast of a
material such as iron and the fabric
making up the main sculpture are
the metaphor of the discourse. The
use of elements such as spray paint
refers to the street protests and the
humiliation involved in covering the
eyes of an official portrait, along
with placing them upside down.
Sergio D Loeda lives and works in
Madrid, at Estudio Mendoza along
with the artists Mar Cubero, Ana de
Fontecha and Miguel Marina. Sergio
has taken part in numerous indivi-
dual and group exhibitions. Ampo
1960. Getxoarte. Getxo, Basque
Country, 2019. Un mercado japonés.
Espacio Vértice, Madrid, 2018. The
Mechanics of a Bottle. Artelateral,
Madrid 2017/18. Totems. Galería
Maisterravalbuena, Madrid, 2015.
Eren molts i venien de lluny. Centre
d’art Piramidón. Barcelona, 2017.
39
41

«Dinosaurioen fosilak deskubritzeko
basamortu gorri bat. Frutak eta lo-
reak batu, eta auzokoei eraman, edo
etxe aurreko atarian itsulapiko bat
jarri zera diona: «2 flowers, 50p» eta
jendeak zorrozki ordaintzea. Anti-lu­
rrikara protokoloak. Aluminioaren
koloreko manta termikoak. Hartzak.
Mendiak. Oreinak errepidean zehar.
Kotxean lo egitea. Brunch. Totemak
eta baleak. Errege Magoak ez dira
existitzen. Offspring. Britney Spe-
ars. Polaroid argazki-kamerak. Alga
itzelak. Ozeano oso hotz bat».
Kanadara egindako bidai batez ge-
roztik sortutako proiektu bat da,
umea nintzenean urte t’erdi bizi
izan nintzen herrialdea, nire umeta-
ko ia oroitzapen guztiak gordetzen
dituena. Oroitzapen hauek eral-
datuak, idealizatuak eta asmatuak
izan dira. Eta Kanadak herrialde be-
zala nortasuna galtzen du. Nire me-
moriaren leku etereo eta utopikoa
bilakatzen da. Bidaia helburu hutsa
bihurtzen da, herrialdearekin be­
rriz topatzearen interesak gidatuta.
Eta nire atentzioa prozesuan, bide-
an eta etengabeko mugimenduan
zentratuz.
Bidaiatzen ari diren beste gazteekin
egindako erlazioek ardazten dute
proiektua, ia 4 eguneko tren-ibilbide
batean eginikoak. Eguneroko bezala
funtzionatu zuten argazki segida ba-
tez eta bideo-instalazio batez dago
osatuta.
Helena Goñi UPV/EHUn Artean gra-
duatua, Central Saint Martins-en
Argazkigintzan master bat buru-
tzen du. Solomon R. Guggenheim
2018-ko Basque Artist Grant, Ertibil
2018 eta 2016 eta GetxoArte 2016.
The Storefront Porject (NY), Aldama
Fabre Gallery eta Rekalde Aretoa
(Bilbao)-n, izan da esposatua, eta,
kolektiboan, Europan zehar hainbat
herrialdeetan.
«Un desierto rojo donde descubrir
fósiles de dinosaurios. Recoger frutas
y flores y llevárselas a los vecinos, o
poner un puesto delante de tu puer-
ta con una hucha que indique «2
flowers, 50p» y que la gente pague
religiosamente. Protocolos anti-terre-
moto. Mantas térmicas del color del
aluminio. Osos. Montañas. Ciervos
por la carretera. Dormir en el coche.
Brunch. Totems y ballenas. Los Reyes
Magos no existen. Offspring. Britney
Spears. Cámaras de fotos Polaroid.
Algas enormes. Un océano muy frío».
Un océano muy frío es un proyecto
que surge a raíz de un viaje que reali-
zo a Canadá, país en el que viví duran-
te un año y medio cuando era niña y
del que guardo casi todos los recuer­
dos de mi infancia. Estos recuer­dos
con los años han sido modificados,
ideali­zados y hasta inventados. Y
Canadá deja de tener una identidad
de país para convertirse en un lugar
etéreo y utópico de mi memoria. El
viaje se convierte en el fin en sí mis-
mo desde el interés por tener un re-
encuentro con ese país, centrando mi
atención en el proceso, el camino y el
mo­vimiento continuo.
El proyecto se centra en las relaciones
que surgen con otros jóvenes que
viajan, concretamente a partir de un
trayecto en tren de casi 4 días, y se
compone de una serie de fotografías
a modo de diario y de una instalación
con video.
Helena Goñi, graduada en Arte por la
UPV/EHU, obtiene un máster de Fo-
tografía en Central Saint Martins. Ha
recibido premios como Basque Artist
Grant del Solomon R. Guggenheim
2018, Ertibil 2018 y 2016 y Getxo­Arte
2016. Su obra ha sido expuesta de
forma individual en The Storefront Pro-
ject (NY), Aldama Fabre Gallery y Sala
Rekalde (Bilbao), y colectivamente en
varios países europeos.
Helena Goñi
Bilbao, 1990
www.helenagoni.com
‟A red desert for digging up dinosaur
fossils. Picking fruit and flowers and
taking them to your neighbours, or
setting up a stand by your front door
with a piggy-bank reading `2 flow-
ers, 50p´ and watching people pay
religiously. Anti-earthquake proto-
cols. Aluminium-coloured thermal
blankets. Bears. Mountains. Deer
on the roads. Sleeping in the car.
Brunch. Totem poles and whales. No
Three Wise Men. Offspring. Britney
Spears. Polaroid cameras. Enormous
seaweed. A cold, cold ocean”.
A cold cold ocean is a project that
arises from a trip I made to Canada,
a country where I lived for a year and
a half when I was a child and from
which I keep almost all the memories
of my childhood. These memories
over the years have been modified,
idealized and even invented. And
Canada ceases to have an identity as
a country to become an ethereal and
utopian place in my memory. The
journey becomes the aim in itself,
driven by the interest in having an
encounter with that country, focus-
ing my attention on the process, the
path and the continuous movement.
The project deals mainly with the re-
lationships arising with other young
travelers, specifically during a train
trip of almost 4 days, and is com-
posed of a diaristic series of photo-
graphs and a video installation.
Helena Goñi, graduated in Fine Arts
from the UPV/EHU, she obtained a
Master’s degree in Photography at
Central Saint Martins. She has re-
ceived awards such as the Basque
Artist Grant from Solomon R. Gug-
genheim 2018, Ertibil 2018 and 2016
and GetxoArte 2016. Her work has
been exhibited individually at The
Storefront Project (NY), Aldama Fab-
re­ Gallery and Sala Rekalde (Bilbao),
and collectively in several European
countries.
43
35 mm. Argazkiak / Fotografías 35 mm
Medidas variables / Neurri aldakorrak
45

Mundu guztiko hirietan, burge-
samendu olatuak paisaia eta ko-
munitateak birmoldatzen ari dira,
inperfektu edo zaharkitu bezala
ageri den hori eraldatuz, gehiegiz-
ko diru-sarrerak dituztenak, hau
da, luxuan bizi nahi duten horiek
erakarriz. Luxuzko bizi-estiloak di-
tuzten horientzat hiriak moldatzea
askotan lehentasuna da, epe luze-
rako hiritarrak, eta honek sortzen
duen inbertsioa. Aniztasuna susta-
tzea edo lekuko nortasuna zaintzea
baino garrantzitsuagoa da. Heather
Kapplow 2019an zehar zergatik
luxua horren konbentzigarria den
determinatzen saiatu da.
Zurichen hasita, Kapplowek inkesta
eta entrebistak egin dizkie luxuzko
kontsumitzaileei, luxuzko industria-
ko langileei eta bizi-estilo sinplea
duten pertsonei, luxuaren inguruko
esperientzia pertsonalez eta emo-
zioez ikasiz. Ikerketa 4 hizkuntza-
tan eta 5 herrialdetan gauzatu zen.
BilbaoArten, datuak interakzio eta
konteplaziorako objektu bezala
transformatu ziren. Pure Luxury-n
objektu hauek batu dira, bisitariek
luxuaren inguruan esandakoak
senti ditzaten, euren ulerkerarekin
alderatzeko.
Pure Luxuy-k mundu osoarentzat
ulergarriak ez diren hizkuntzetan
idatzitako testuak barnebiltzen ditu,
luxuaren, eskuragarritasun-ezaren
ezaugarri tradizionala nabarmen-
duz. Baina objektu askorekin ja­
rritako konpromisoak sortutako
testura eta keinuek kontra-espe-
rientzia bat eskaintzen dute: pers-
pektiba aldaketa batez, luxua erraz
eskuratu daitekeen aukera bezala
bir-imajinatzea.
Luxury Study: Zurich Edition (Xehetasuna / Detalle / Detail)
Heather Kappplow Estatu Batue-
Perfomancea / Performance / Engagement, 2019
tako artista kontzeptual autodidak-
ta da. Objektuak, existitzen diren
Data (Hard) (Xehetasuna / Detalle / Detail)
inguruneen interpretazio alternati-
Grabatutako aluminioa egurrezko base pertsonalizatuekin / Aluminio grabado con bases
boak, instalazioa, errendimendua,
de madera personalizadas / Engraved Aluminum with Custom Wood Mounts, 2019
idazketa, audioa eta bideoa erabiliz
28x20x1 cm
ustekabeko intimitateak eragiten
dituzten konpromiso-esperientziak
Greifen (Txupeteak / Chupetes)
sortzen ditu.
Eskuz forjaturiko altzairua / Acero forjado a mano / Hand Wrought Steel, 2019
74x15x12 cm
En las ciudades de todo el mundo,
las rápidas olas de aburguesamiento
están remodelando los paisajes y las
comunidades, transformando lo que
se clasifica como imperfecto u ob-
soleto para atraer a quienes tienen
ingresos excesivos, es decir, a quie-
nes desean vivir con lujo. Acomodar
estilos de vida lujosos es a menudo
una prioridad para estas ciudades
más que la ciudadanía a largo plazo
y la inversión comunitaria que gene-
ra. Más importante que fomentar la
diversidad o preservar el carácter re-
gional. Heather Kapplow ha pasado
2019 tratando de determinar por qué
el lujo es tan convincente.
Comenzando en Zurich, Kapplow
encuestó y entrevistó a consumi-
dores de lujo, trabajadores de la
industria del lujo y personas que
viven lo que sienten que son estilos
de vida simples, aprendiendo sobre
sus experiencias personales y emo-
ciones en torno al lujo. La investi-
gación se realizó en 4 idiomas y 5
países. En BilbaoArte, los datos se
transformaron en objetos destina-
dos a la interacción y la contempla-
ción. Pure Luxury reúne estos obje-
tos para que los visitantes puedan
sentir lo que otros han dicho sobre
el lujo y compararlo con su propio
entendimiento.
Pure Luxury incluye textos en idio-
mas que no son del todo accesibles
a todo el mundo, haciendo eco de
la característica tradicional del lujo
de estar siempre fuera de su alcan-
ce. Pero las texturas y los gestos
evocados por el compromiso con
muchos de los objetos ofrecen una
contra-experiencia: una oportuni-
dad para reimaginar el lujo como
algo fácilmente obtenible por un
cambio de perspectiva.
Heather Kapplow es una artista
conceptual autodidacta radicada en
los Estados Unidos. Kapplow crea
experiencias de compromiso que
provocan intimidades inesperadas
utilizando objetos, interpretaciones
alternativas de entornos existentes,
instalación, rendimiento, escritura,
audio y vídeo.
Heather Kapplow
1972 Boston (USA)
http://www.heatherkapplow.com
In cities around the world, fast
moving waves of gentrification are
reshaping landscapes and commu-
nities, transforming whatever is
classified as imperfect or outdated
to appeal to those with excessive
amounts of income—those wanting
to live in luxury. Accommodating
luxurious lifestyles is often more
of a priority to these cities than
long-term citizenship and the com-
munity investment it breeds. More
important than fostering diversity
or preserving regional character.
Heather Kapplow has spent 2019
trying to determine why luxury is
so compelling.
Beginning in Zurich, Kapplow sur-
veyed and interviewed luxury con-
sumers, luxury industry laborers,
and people living what they feel are
simple lifestyles, learning about their
personal experiences of and emo-
tions around luxury. The research
was conducted in 4 lan­guages and
5 countries. At BilbaoArte, the data
was transformed into objects meant
for interaction and contemplation.
Pure Luxury collects these objects to-
gether so that visitors can feel what
others have reported about luxury
and compare it to their own under-
standing.
Pure Luxury includes text in lan­
guages not fully accessible to every-
one, echoing luxury’s traditional
characteristic of being always just
out of reach. But textures and ges-
tures evoked by engagement with
many of the objects offer a counter
experience: an opportunity to re-im-
agine luxury as something easily ob-
tained by a shift in perspective.
Heather Kapplow is a self-trained
conceptual artist based in the Unit-
ed States. Kapplow creates engage-
ment experiences that elicit unex-
pected intimacies using objects,
alternative interpretations of exist-
ing environments, installation, per-
formance, writing, audio and video.
47

Liane Langek interes obsesiboa dau-
ka bere media praktika anitzean,
boterea, ikonoklasia eta legezkota-
sunaren gaiak objektu publiko eta
pribatuen bitartez jorratuz. Azken
bi urteetan Europan zehar bidaiatu
du emakumeak omentzen dituzten
estatuen irudiak pilatuz. BilbaoAr-
ten bilduma honetan murgildu da,
kategorizatuz, parean jarriz: hildako
erreginak eta iraultzaileak, idazle-
ak, artistak, santuak eta bekatariak.
Interbentzioa, materialtasuna, ar-
gitaratzea eta ezkutatzea bezalako
gaiak jorratzen ditu obrak, ezagu-
nari eta ezezagunari buruzko istorio
konplexu eta anbiguoak kontatzeko.
Argazki asko material eskultoriko,
harri gaineko inprimatzea, marmol
iztukua, beruna edo kobrean bilaka-
tzen ditu; argazkiaren behe eta gai-
na landuz, geruzak erabiliz, objektua
gehituz eta zatikatuz. Figura eskul-
turan polemikoa da berez, Anita Ga-
ribaldiren hori bezala, bi hanketan
dagoen zaldi baten gaineko iraultzai-
lea, ezkerreko eskuaz ume bat eta
eskumako eskuaz pistola bat eutsiz.
Estatua Mussolinik enkargatu zuen,
bere gorputza idulkian ente­rratua
da. Zergatik altxatu zuen ikono femi-
nistadun monumentu bat? Bazekie-
lako aita santua haserraraziko zuela.
Banako konplexuen errealitate na-
hasia, onenena eta txarrenena, mo-
numentu publiko guztiei datxekie.
Langek bere obrekin jakinmina sor-
tu nahi du, baina estatuak euren kar-
getatik aske dauden objektu bezala
existitu daitezkeen toki bat ematea
ere bilatzen du, etengabeko aldake-
tan dauden narrazioen lekuko mutu-
ak bilakatuz, egunen batean zonalde
arkeologikoetako lurpetik atereak
izateko, eta ezer gutxi itzuliz.
Liane Lang Londreseko The Royal
Academy Schoolsen Arte Ederretan
graduatua, Glosdmiths Collegen
lizentziatu zen. Bere lana mun-
du-mailan izan da erakutsia. Besteak
beste, ikuskizunak kontuan hartuz;
Kunsthalle Tübingen, James Simon
Museum, Berlin, Musee de Beaux
Arts, Calais, Saatchi Gallery, Londres,
The Royal Academy, Londres, Kunst-
werke, Berlin, PS1 New Yorken.
Liane Lang tiene un obsesivo inte-
rés en estatuas en su variada prac-
tica de media, investigando temas
como el poder, iconoclasia y lega-
lidad a través de objetos públicos
y privados. En los últimos dos años
ha viajado por Europa recopilando
una colección de imágenes de es-
tatuas homenajeando a mujeres.
En BilbaoArte se ha sumergido en
esta colección, categorizando, yux-
taponiendo: las reinas y las revolu-
cionarias muertas, las escritoras, ar-
tistas, santas y pecadoras. El trabajo
resultante trata de intervención,
materialidad, revelación y oculta-
miento, para contar complicadas y
ambiguas historias sobre lo famoso
y lo desconocido. Lang trae muchas
de las fotos a material escultórico,
impresión sobre piedra, estuco,
mármol, plomo y cobre; trabajando
bajo y sobre la imágen fotográfica,
usando capas, añadiendo y frag-
mentando el objeto. La figura en
escultura es por naturaleza contro-
vertida, como ésa de Anita Garibaldi,
una revolucionaria sobre un caballo
a dos patas, sujetando un bebé en
su mano izquierda y una pistola en
su mano derecha. La estatua fue en-
cargada por Mussolini, su cuerpo es
enterrado en el pedestal. ¿Por qué
levantó un monumento a un icono
feminista? Por que sabía que esta
estatua enfurecería al papa. Lang
quiere que sus obras inspiren cu-
riosidad, pero también dejar a las
estatuas un espacio donde puedan
existir como objetos liberados de
su carga, convirtiéndose en testigos
mudos de narraciones en constante
cambio, para que un día sean des-
enterrados en zonas arqueológicas,
devolviendo casi nada.
Liane Lang graduada en un Máster
en Bellas Artes por The Royal Aca-
demy Schools en Londres. Se licen-
ció en Bellas Artes en Goldsmiths
College en Londres. Su obra ha sido
exhibida internacionalmente, inclu-
yendo espectáculos en Kunsthalle
Tübingen, James Simon Museum,
Berlin, Musee de Beaux Arts, Calais,
Saatchi Gallery, Londres, The Ro-
yal Academy, Londres, Kunstwerke,
Berlin, PS1 New York.
Liane Lang
London, 1973
www.lianelang.com
Liane Lang takes an obsessive inter-
est in statuary in her mixed media
practice, examining issues of power,
iconoclasm and legacy through pub-
lic and museum objects. For the past
two years she has travelled around
Europe amassing a collection of im-
ages of statues honouring women.
At BilbaoArte she immersed herself
in this collection, categorising, jux-
taposing: the queens and the dead
revolutionaries, the writers, art-
ists, saints and sinners. The result-
ing works are attempting through
inter­vention, materiality, reveal-
ing and obscuring, to tell complex
and ambig­uous stories about the
famous and the unknown. Lang
returns many of the photographs
back to sculptural material, printing
onto stone, stucco marble, lead and
copper; working under and over the
photographic image, layering, add-
ing to and fragmenting the object.
The figure in sculpture is inherently
controversial, like that of Anita Gar-
ibaldi, a revolutionary on a rearing
horse, holding a baby in her left and
a pistol in her right hand. The stat-
ue was commissioned by Mussolini,
her body is interred in the pedestal.
Why did he erect a monument to
a feminist icon? Because he knew
this statue would incense the pope.
The messy reality of complex indi-
viduals, of the very good and the
very bad, is inherent in every public
monument. Lang wants her works
to inspire curiosity, but also to allow
statues a space where they can exist
as objects, dumb witnesses to ever
changing narratives, to be one day
dug up on archaeological sites, giv-
ing away almost nothing.
Liane Lang graduated with a Mas-
ters in Fine Art from The Royal Acad-
emy Schools in London. She com-
pleted a Batchelor Degree in Fine
Art at Goldsmiths College in Lon-
don. Her work has been exhibited
internationally including shows at
Kunsthalle Tübingen, James Simon
Museum, Berlin, Musee de Beaux
Arts, Calais, Saatchi Gallery, Lon-
don, The Royal Academy, London,
Kunstwerke, Berlin, PS1 New York.
51
Royal Debris (Queen Elizabeth of Austria
and Hungary, Budapest),
Inpresio pigmentatua eta errexina
eraikuntza ondakin gainean
Impresión pigmentada y resina sobre
escombros de construcción
Pigment print and resin on building
rubble, 65x50 cm

Poster Girl (Sarah Bernhardt, Paris)

Inpresioa eta akrilikoa paper gainean
Impresión y acrílico sobre papel
Print and acrylic on paper, 120x90 cm

Mother Dear (Queen Victoria, London),

Sculpted by her daughter
Igeltsuzko erliebea
Reliebe en yeso
Plaster relief,
95x75 cm

Aulki bat kuadro bat bezain ikonikoa
izan daiteke. Ikonikoa, kasu hone-
tan, irudi batek errepresentatzen
duenaren arabera. Alderdi hau in-
teresgarria da, gizarte baten kultura
material bezala ulertu dezakegunari
dagokionez. Diseinua, kasu hone-
tan, mugimendu bat, toki bat edo
jendea errepresentatzean eragin-
korra gertatzen da.
Proiektua aulki baten diseinuan,
garapenean eta ekoizpenean oina­
rritzen da. Lehen begiratuan sinplea
dirudi, baina tipologia hau edozein
diseinatzailerentzat lanik konplexu-
ena da.
Diseinu interaktibo baten bitartez
egin zaio aurre proiektu honi. Saia-
kera-akats pentsamendua behar da
honetarako, destilazio baten emai­
tza izango da azken pieza. Destilatu
hauek pieza bilakatzen dira, proiek-
tuaren prozesu mental eta mate-
riak omenduz. Azken aurkezpen
baten bitartez, diseinu prozesu hau
bere zabaltasunean irudikatzea da
helburua. Bere lanak diseinuaren
prozesuaren mugak eta inguratzen
gaituzten objektuetan eraginak
ulertu nahi ditu. Entitate bezala,
objektuaren zabalera azpimarratzen
da, baita fabrikazio industrial, arti-
sau lan eta prototipoen modelaketa
testuinguruetan ekiteko duen ahal-
mena ere.
Miguel Leiro New Yorkeko Pratt
Institutuan Diseinu Industriale-
an graduatua. Moneo Brock, Juan
Uslé eta Jaime Hayon bezalako
sortzaileekin elkarlanean aritu da.
2017-18 Erroma Diseinu Saria Aka-
demia Espainolean.
Una silla puede llegar a ser tan icóni-
ca como un cuadro. Icónico en este
caso, en referencia a lo que repre-
senta una imagen. Resulta interesan-
te ese aspecto en relación a lo que
podamos entender como la cultura
material de una sociedad. El diseño,
en este caso, resulta ser muy efectivo
en el momento de representar una
gente, un lugar, un movimiento.
El proyecto se basa en el diseño, de-
sarrollo y producción de un modelo
de silla. A primera vista resulta bási-
co, pero esta tipología es uno de los
trabajos mas complejos para cual-
quier diseñador.
La forma de afrontar este proyecto ha
sido a través de un diseño interactivo.
Esto implica una mentalidad de prue-
ba y error, en el que la pieza final será
resultado de una destilación. Estos
destilados se convierten en piezas,
homenajeando así cada paso del pro-
ceso mental y material del proyecto.
A través de una presentación final, se
busca plasmar este proceso de dise-
ño en toda su amplitud. Su trabajo
busca comprender los limites del
proceso de diseño y su efecto en
los objetos que nos rodean. Se hace
hincapié en la amplitud del objeto
como entidad y su capacidad para
actuar en contextos de fabricación
industrial, trabajo artesanal e inclu-
so modelado de prototipos.
Miguel Leiro graduado en Diseño
Industrial de Pratt Institute, Nueva
York. Ha colaborado y trabajado con
creadores como Moneo Brock, Juan
Uslé y Jaime Hayon. Premio 2017-18
Roma de Diseño en la Academia Es-
pañola.
Miguel Leiro
Santiago de Compostela, 1994
www.migueleiro.com
A chair can be as iconic as a paint-
ing. Iconic in this case is defined rel-
ative to imagery. This aspect is be-
comes interesting when attempting
to understand the material culture
that is part of our day to day. Design
in this case, turns out to be very ef-
fective when representing a people,
place or movement.
The project is based on the design,
development and production of a
chair. At first glance it seems very
basic but this typology is one of the
most complex projects for any de-
signer.
The project is tackled through an it-
erative design process. This implies
a trial and error mentality, in which
the final piece will be the result of a
distillation. These distillates become
pieces themselves, honoring each
step of the mental and material pro-
cess of the project. Through a final
presentation, it seeks to capture the
breadth of this design process. His
work seeks to understand the limits
of the design process and its effect
on the objects that surround us. Em-
phasis is placed on the breadth of
the object as an entity and its ability
to act in contexts of industrial man-
ufacturing, craft work and even pro-
totype modeling.
Miguel Leiro graduated in Indus-
trial Design from Pratt Institute,
New York. He has collaborated and
worked with creators such as Moneo
Brock, Juan Uslé, and Jaime Hayon.
Recipient of the 2017-18 Rome De-
sign Award at the Spanish Academy.
55
Estudioaren ikuspegi orokorra
Vista general de estudio
Silla Amarilla (xehetasuna / detalle).
Altzairua eta plastiko erreziklatua /
Acero y plastico reciclado, 37x42x70 cm
Prototipo anitzak / Prototipos Variados Silla Minena (Xehetasuna / detalle).
Altzairu galbanizatua eta kontratxapa-
tua / Acero galvanizado y contracha-
pado, 36x35x71 cm
57

Ez da lehenengo aldia Daniel
Llaríaren pieza batean, Becketteko
pertsonaiaren batek, eszenatokiaren
ezlekuren batean, esan nahi lukeen
zerbait antzematen dudala. Ordu-
an konturatzeko, gorputza dagoen
lekuan itotzen dela ahotsa. Bi edo
hiru hitz ahoskatzera nekez heltzen
da, zizakadurak presentzia lortze-
ko nahikoa, tonu ezdeusean, behin
eta berriro itzultzen den alferrikako
saioa, galtzen duena errepikatzen,
zentzugabekeriaren arauarekin. Zei-
nen arabera, galtzen dena soilik erre-
pikatzen dena, eta bere errepikape-
na izanik irabaziko ez duen bakarra.
Eredu hori, paradoxikoki, konstante
historiko bat ere bada, hemen ironia
isil batez hornitua, isildua eta hardco-
re lanaren erreferentziengatik, ahots
klasearen gaiarengatik, uniforme
gorrietan, ia tiretan urratuak. Ahots
hori kontzebitu genezake, egundo
ez jaulkitako ahotsa edo, beste mu-
turrean, hainbeste alditan bere bu-
ruaren oihartzun bat bihurtutakoa,
porrot baten zalantzazko denbora
bezala, zeinen mintz-hondakinak
besterik geratzen ez diren (...).
Pablo Marte
Silencio Litoral sin Pájaros-en labur-
pena. Itzuli Barik erakusketaren in-
guruan, Leire San Martin komisario
lanetan, Alazne Zubizarreta, Daniel
Llaría eta Natalia Suárez artistare-
kin. Trancen argitaratua, praktika
artistiko eta diskurtsiboen kritika-
rako Espazioan. criticaytrance.com
Daniel Llaría Arte Ederretan
lizentziatu zen Euskal Herriko Uni-
bertsitatean. Parsonsen burutu
zuen masterra, The New School for
Design (NYC) Fullbright bedakun
bezala, eta Skowhegan School of
Painting and Sculpture (Maine)-en
egonaldia izan zuen. Antes que todo
(CA2M, Móstoles, 2010), First Thou-
ght Best (Artium, Vitoria, 2014) o Se-
cond Nature (WestBeth, NYC, 2017)
bezalako erakusketa kolektiboetan
parte hartu du. Bere bakarkako era-
kusketa berrienak Hazlo pos las cha-
valas (Instituto Riojano de la Juven-
tud, Logroño, 2015) eta papá camp
da (Carreras Múgica, Bilbao, 2019).
No es la primera vez que intuyo en las
piezas de Daniel Llaría algo que algún
personaje de Beckett podría querer
decir en algún lugar del ningún lugar
de un escenario, para descubrir en-
tonces que allí donde el cuerpo está,
la voz se ahoga. O alcanza apenas a
pronunciar dos o tres palabras, las
suficientes para que el balbuceo ad-
quiera presencia, en tono inútil, de
tentativa malograda, a la que vuelve
una y otra vez, en esa máxima del sin-
sentido según la cual solo se repite
lo que pierde, aquello que nada va a
ganar salvo su propia repetición. Esa
máxima es también, paradójicamen-
te, una constante histórica, aquí car-
gada de ironía silenciosa, silenciada
y hardcore por las referencias al tra-
bajo, a la cuestión de la clase, en los
uniformes rojos, desgarrados, casi a
tiras. Podríamos concebir esa voz, el
grito jamás proferido o, en el otro ex-
tremo, dado tantas veces que acaba
transformado en un eco de sí, como
el tiempo incierto de una derrota,
de la que solo quedan su despojos
membranosos (…).
Pablo Marte
Extracto de Silencio Litoral sin Pája-
ros. Sobre la exposición Itzuli Barik,
comisariada por Leire San Martin,
con las artistas Alazne Zubizarreta,
Daniel Llaría y Natalia Suárez. Pu­
blicada en Trance, Espacio para la
critica de prácticas artísticas y dis-
cursivas. criticaytrance.com
Daniel Llaría se licenció en Bellas
Artes por la Universidad del País
Vasco. Completó su máster en Par-
sons, The New School for Design
(NYC) como becario Fulbright y fue
residente en la Skowhegan School
of Painting and Sculpture (Maine).
Ha formado parte de exposicio-
nes colectivas como Antes que todo
(CA2M, Móstoles, 2010), First Thou-
ght Best (Artium, Vitoria, 2014) o Se-
cond Nature (WestBeth, NYC, 2017).
Sus exposiciones individuales más
recientes han sido Hazlo por las Cha-
valas (Instituto Riojano de la Juven-
tud, Logroño, 2015) y papá camp da
(Carreras Múgica, Bilbao, 2019).
Daniel Llaría
Logroño, 1985
It is not the first time that I sense
in Daniel Llaría’s pieces something
that some Beckett character could
mean anywhere within the no-place
of the stage, finding out then that
where the body is, the voice stifles.
Or he barely gets to pronounce two
or three words, enough of them so
that the babble acquires presence,
in a useless tone, of a spoiled at-
tempt, to which he returns over and
over, in that upmost nonsense by
which only what is lost is repeated,
by which nothing will be won except
its own repetition. That maximum
also is, paradoxically, a historical
constant, loaded here with silenced
irony, quiet but brutal in its refer-
ences to labour, to the question of
class, in red uniforms, ragged, near-
ly striped. We could conceive that
voice, the scream never uttered or,
on the other end, shouted so many
times that it has just become an
echo of itself, like the uncertain time
of a defeat, of which only its mem-
branous remains abide (…).
Pablo Marte
Excerpt from Coastal Silence with
no Birds. On the exhibition Itzuli
Barik, curated by Leire San Martin,
with the artists Alazne Zubizarreta,
Daniel Llaría y Natalia Suárez.
Published in Trance. Space for the
critique of artistic and discursive
practices. criticaytrance.com
Daniel Llaría obtained his bach-
elor’s degree by the University of
Basque Country. He completed
his masters in Parsons, The New
School of Design (NYC) as a Ful-
bright scholar and was a resident
of the Skowhegan School of Paint-
ing and Sculpture (Maine). He par-
ticipated in collective shows such
as Antes que todo (CA2M, Móstoles,
2010), First Thought Best (Artium, Vi-
toria, 2014) or Second Nature (West-
Beth, NYC, 2017). His most recent
solo exhibits were Hazlo por las Cha-
valas (Instituto Riojano de la Juven-
tud, Logroño, 2015) y papá camp da
(Carreras Múgica, Bilbao, 2019).
59
Aberastu #20 /Hazte-Rico #20 / Get-Rich
#20.(Arrasate - Mondragón) Arropa,
burdina, hormigoia, nylona. Neurri
aldakorrak / Ropa, hierro, hormigón,
nylon. Medidas Variables / Clothing,
concrete, iron, nylon
Neurri aldakorrak / Medidas variables
/Variable Measures, 2019
Berreskuratzea #36 Aberastu #16 /Hazte-Rico #16 / Get-Rich #16
Papera, burdina, iman. / papel, hierro, Arropa, hormigoia, burdina / Ropa,
iman, 29x38x8 cm, 2019 hormigón, hierro. / Clothing, concrete,
Zu-bezalakoa-naiz-oso #30 / Soy-muy- iron. 195x80x105 cm, 2019
como-Tú #30 / I-am-a-lot-like-You #30.
Erretxina, pigmentua / Resina,
pigmento / Resin, pigment
20x33x25 cm, 2019
61

LAS NOCHES proiektu piktorikoa
mistika eta erotika maskulinoaren,
sorginkeria eta gay kontrakultura-
ren harreman sinbolikoetan mur-
giltzen da, okultismoaren hainbat
alderdi eta queer sujetu bezala
izandako esperientzia erreferen-
te bezala harturik. Artistak Pascal
Quignarden La nuit sexuelle (Gau
sexuala) obra literarioa izan du
inspirazio iturri, eta honen inguru-
ko bidaia satelitea da.
Gerra, sinboloa, lana, haragia eta
sua.
Erritu-praktika, naturaz gaindiko-
aren azaleratzea, eta pertsonen
munduaren eta mundu ikusezi-
naren (arbasoen, jainkoen eta
izpirituen) froga ukigarria. Pi-
txerra ezkutatu, gorde, eduki eta
jasotzen duen gailu bezala. Ger-
tatu izan zitekeenaren arrastoa.
Elementuen koreografia bisuala,
trantze egoerari deia. Iniziazioa,
gailurra, eta, beti, nahi eta nahi ez,
bukaera. Gerlariaren deskantsua.
Cachorro Lozano Madril eta Bilbo
artean bizi da, non pinturan aritze-
az gain, ilustratzaile, argazkilari,
jaialdien sustatzaile, sormen zu-
zendari eta DJ-a da. Bere plantea-
mendu artistiko guztiak XXI. men-
dean Europako sujetu homosexual
disidentearen analisia egitera, eta
sujetu horrek biolentziaren aurre-
an bizirauteko, eta ikusgarritasuna
eta garrantzia izango duen espa-
zioa bilatzeko formei bideratuta.
El proyecto pictorico LAS NOCHES
ahonda la simbólica relación entre
la mística y la erótica masculina,
entre la brujería y la contracultu-
ra gay, tomando como referencia
varias vertientes del ocultismo y
la propia experiencia del artista
como sujeto queer. Esta serie está
inspirada y es un viaje satélite alre-
dedor de la obra literaria de Pascal
Quignard La Nuit sexuelle (La noche
sexual).
La guerra, el símbolo, el oficio, la
carne y el fuego.
La práctica ritual, la manifestación
de lo sobrenatural y la prueba tan-
gible entre el mundo de las perso-
nas y el mundo invisible, el de los
ancestros, dioses y espíritus. El ja-
rrón como dispositivo que oculta,
guarda, contiene y eleva. Los ves-
tigios de algo que pudo haber su-
cedido. La coreografía visual de los
elementos, que es una invocación
al estado de trance. La iniciación, el
culmen, y siempre, sin remedio, el
fin. El descanso del guerrero.
Cachorro Lozano vive a caballo
entre Madrid y Bilbao, donde ade-
más de dedicarse a la pintura, es
ilustrador, fotógrafo, promotor de
fiestas, director creativo, y DJ . Todos
sus planteamientos artísticos están
enfocados desde un análisis de la
figura del sujeto homosexual y disi-
dente en la Europa del siglo XXI y las
formas de este sujeto para no sólo
sobrevivir, sino encontrar un espa-
cio de visibilidad y relevancia frente
a estas prácticas de violencia.
Cachorro Lozano
Bilbao, 1993
www.cachorrolozano.com
The LAS NOCHES pictorial project
delves into the symbolic relation-
ship between mysticism and male
eroticism, between sorcery and
gay counterculture, where the ref-
erence point is different aspects of
the occult and the artist’s own ex-
perience of being queer. This series
is inspired by and is a satellite trip
around Pascal Quignard’s literary
work La Nuit sexuelle (The Sexual
Night).
War, symbol, trade, flesh and fire.
The ritual practice, the manifesta-
tion of the supernatural and the
tangible proof between the world
of people and the invisible world,
that of ancestors, gods and spir-
its. The pitcher as something that
hides, keeps, contains and lifts. The
traces of something that could have
happened. The visual choreography
of the elements, which invokes the
state of trance. The initiation, the
climax, and always, hopelessly, the
end. The rest of the warrior.
Cachorro Lozano divides his time
between Madrid and Bilbao, when
apart from painting, he is an illustra-
tor, photographer, party promoter,
creative director, and DJ . All his ar-
tistic approaches are focused from
an analysis of the figure of the dissi-
dent and homosexual subject in 21st
-century Europe and the ways that
subject not only survives, but finds
a relevant and visible space against
those violent practices.
63

Pandillas palaciegas Picoletos biko-
tearen azken proiektua da, 2017an
hasitako ikerketa baten ja­rraipena,
euskal komunitatearen gazte talde
ezberdinen kulturan sakontzeko
beharrak gidatutakoa. Ezarritakoa-
ren aurka manifestatzeko eta borro­
katzeko moduak ikertuz. Kontrakul-
tura folklorearen mugan dagoen
lurraldean, jarrera intsumiso baten
oihartzunak norabide anitzetan bo­
rrokatuz birsortzeko hainbat ahots
aurkitzen dituzten lurraldean. Punk,
queer, skinhead eta skater mugi-
menduek osatzen duten sarearen
gainean altxatzen dira talde hau-
entzako palazio txatarreroak. Mate-
rial hondakinak eta elementu apain-
garriekin argazkiak eta argizarizko
panel retro-argiztatuak nahasten
dituzten instalazio-euskarriak. Artxi-
bo, bideo eta elkarrizketen materia-
larekin egindako obraz gain.
Los Picoletos —Dante Litvak (1990)
eta Fabro Tranchida (1987)— argaz-
kigintza eta instalazioaren bitartez,
indentitate gazte eta kultura que-
er-punk eta skaterrak ikertzen ditu-
en artista bikotea da.
Berriki irabazitako sariak: Premio
Kenneth Kembre, Premio Itaú (oho-
rezko aipamena) eta Beca Colección
Oxenford. Azken lanen artean esan-
guratsuak: Abanderados (perfor-
mance en La Juan Gallery, Madrid
2019), Nudillos rotos (performance
Niño de Elcherekin batera, 2018),
Moralzarzal (NN-n erakusketa, La
Plata, Argentina, 2019), Navajeros
(erakusketa, Factoría de arte y de-
sarrollo, Madrid, 2017) eta Kontuz
(Alkolea-Beach, Donostia, 2017).
Artean egin dituzte ikasketak.
Irakas­le bezala mintegi eta tailerrak
ematen dituzte.
Dante Litvak & Fabro Tranchida (Buenos Aires)
@lospicoletos | http://cargocollective.com/lospicoletos
Pandillas Palaciegas es el último pro-
yecto del dúo los Picoletos y conti-
núa una investigación comenzada
en 2017 que surge como necesidad
de profundizar en la cultura de dis-
tintos grupos de jóvenes dentro de
la comunidad vasca. Analizando los
modos de manifestarse y luchar
contra lo establecido. En una tierra
donde lo contracultural roza el fol-
clore, donde el eco de una actitud
insumisa encuentra múltiples vo-
ces para renovarse combatiendo en
varias direcciones. El cruce entre la
movida punk, lo queer, el movimien-
to skinhead y el movimiento skater
forman la trama sobre la cual se
levantan los nuevos palacios chata-
rreros para las distintas pandillas.
Soportes instalativos que mezclan
materiales de desecho y fotogra-
fías con elementos ornamentales y
paneles de cera retro-iluminados.
Además de obra con material de ar-
chivo, video y entrevistas.
Los Picoletos —Dante Litvak (1990)
y Fabro Tranchida (1987)— es un
dúo de artistas argentinos que inda-
ga, a través de la fotografía y la ins-
talación, sobre identidades juveniles
y la cultura queer-punk y skater.
Han ganado recientemente el Pre-
mio Kenneth Kemble, el Premio Itaú
(mención honor) y la Beca Colección
Oxenford. Entre sus últimos traba-
jos destacan: Abanderados (perfor-
mance en La Juan Gallery, Madrid,
2019), Nudillos rotos (performance
junto al Niño de Elche, 2018), Moral-
zarzal (expo en NN, La Plata Argen-
tina), Navajeros (expo en Factoría
de arte y desarrollo, Madrid, 2017) y
Kontuz (expo en Alkolea-Beach, Do-
nostia, 2017).
Han cursado estudios en artes. Tam-
bién dictan seminarios y talleres en
calidad de docentes.
Los Picoletos
Pandillas Palaciegas is the latest pro-
ject of the Picoletos duo and builds
on the research begun in 2017
which emerged as a need to delve
further into the culture of different
groups of young people within the
Basque community. By analysing
the ways of demonstrating and
fighting against the establishment.
In a land where the countercul-
ture verges on folklore, where the
echo of an insubordinate attitude
finds many voices to be renewed
by fighting in different directions.
The encounter between the punk
and queer scenes, and the skinhead
and skater movements form the
foundation on which to erect the
new scrap palaces for the different
gangs. Installation media that mix
waste materials and photographs
with decorative items and back-lit
wax panels. They also work with ar-
chive material, video and interviews.
Los Picoletos —Dante Litvak (1990)
and Fabro Tranchida (1987)— is a
duo of Argentinean artists who ex-
plore, using photography and in-
stallations, youth identities and the
queer-punk and skater cultures.
They have recently won the Kenneth
Kemble Prize, the Itaú Prize (hon-
ourable mention) and been award-
ed the Colección Oxenford Grant.
There recent works include: Aban-
derados (performance at La Juan
Gallery, Madrid 2019), Nudillos rotos
(performance together with Niño de
Elche, 2018), Moralzarzal (exhibition
at NN, La Plata Argentina), Navajeros
(exhibition at Factoría de arte y de-
sarrollo, Madrid, 2017) and Kontuz
(exhibition at Alkolea-Beach, Donos-
tia/San Sebastián, 2017).
They have art training. They also run
and teach at seminars and work-
shops.
67

Beti sekretua izango dena jakin
behar da; dena zabalik dagoen ingu-
ru bateko alde estaliak beti sortuko
du jakinmina, gorputz biluzi batek
beti beteko du pentsamendua se-
gurtasuna eta segurtasunik-ezare-
kin lotutako ideiekin, asetasuna,
gaiztakeria, imajinazioa purutasuna
eta ezpurutasunaren pentsamen-
duak sortzen hasiko da. Gorputza
beti izango da ikusten duenaren,
desio duenaren, izan duenaren,
pentsamenduarekin, ukimenarekin,
ikusmenarekin uki dezakeenaren
adimenean desitxuraketa hori sor-
tzen duen kritika-objektua. Hau beti
izango da ezinegona, gaiztakeria,
ausardia, energia-iturria sortzen
duen elementua. Indarrik handiena
ahula izatea lortzen duena, izakirik
sinpleenak unibertso osoaren inda­
rrari desafio egitea lortzen duena.
Gerónimo Manzueta Santo Do-
mingoko Unibertsitate Autono-
moan UASD (2013), publizitatean
lizentziatua da. Arte Ederrak buka-
tu zituen Arte Bisualen Eskola Na-
zionalean ENVA (2008), Dominikar
Errepublikan eta Gestio Kulturalean
Masterra Balentziako Unibertsitate-
an, ­Espainian.
Bere bizitzaren parte bat arte ere-
muan lan egiteari eskaini dio, zeine-
tan ekarpen ezberdinak egin dituen:
eskulturan bigarren saria (2007)
Bere jaioterrian zein Dominikar
Erre­publikan muralak egin ditu, hala
nola Ruta de los Murales, Salcedo
Dom. Errep. (2008). Bere herrian
bertan muralak. Patrizioei omenal-
dia (2013). Santo Domingoko Esk.
Nazionaleko Erakusketa kolektiboa
(2008). Transitando Fusión, Plaza
del Teatro Real, Madril, Espainia
(2018), Transitando Fusión, Anfi-
teatro Parque Lineal Benimámet,
Balentzia, Espainia (2018), egun
Bilbao­Arteko egonaldi artistikoaz
gain (2019).
Gerónimo Manzueta
Hay que saber lo que siempre será
un secreto; la parte cubierta en un
entorno dónde todo está abierto
siempre va a crear intriga, un cuerpo
desnudo siempre va a llenar la mente
de pensamiento en el que el propio
individuo empezará a crear ideas des-
de el punto de vista de la seguridad
e inseguridad, la saciedad, perversi-
dad la imaginación empieza a crear
pensamientos de pureza e impureza.
El cuerpo siempre será ese objeto de
crítica que crea esa deformación en la
mente de quien mira, quien lo desea,
quien lo tiene, quien lo puede tocar
con el pensamiento, con su tacto, con
la vista. Este siempre es ese elemento
que viene a crear inquietudes, perver-
sidad, valor, fuente de energía capaz
de hacer que la fuerza más grande
sea débil, hacer que el ser más sen-
cillo se atreva a desafiar la fuerza que
mantiene todo el universo unido.
Gerónimo Manzueta es licencia-
do en Publicidad en la Universidad
Autónoma de Santo Domingo UASD
(2013). Finalizó Bellas Artes en la
Escuela Nacional de Artes Visuales
ENVA (2008) en Republica Dominica-
na y Máster en Gestión Cultural en
la Universidad de Valencia, España.
Parte de su vida se ha dedicado a
trabajar con las artes donde ha reali-
zado diferentes aportes: 2do premio
de escultura (2007).
Ha realizado murales en su provin-
cia natal como en diferentes puntos
de Republica Dominicana como:
Ruta de los Murales, Salcedo Rep.
Dom. (2008). Murales en su munici-
pio. Homenaje a los patricios (2013).
Exposición Colectiva Esc. Nacional
de Artes Visuales Santo Domingo
(2008). Transitando Fusión, Plaza del
Teatro Real, Madrid, España (2018),
Transitando Fusión, Anfiteatro Par-
que Lineal Benimámet, Valencia,
España (2018), además de la actual
residencia artística en BilbaoArte,
Bilbao, (2019).
República Dominicana, 1985
One has to know what will always
be a secret; the covered part in a
setting where everything is open is
always going to create intrigue, a
naked body is always going to flood
the mind with thoughts where the
individual will begin to create ideas
from the perspective of security and
insecurity, satiation and perversity.
The imagination begins to create
thoughts of purity and impurity.
The body will always be that critical
object that creates that distortion
in the mind of the person looking,
who desires it, who has it, who can
touch it with thought, with their
touch, with sight. This always is that
element that ends up creating con-
cerns, perversity, value, an energy
source capable of weakening the
greatest power, ensuring that the
simplest person dares to challenge
the force that keeps the universe
together.
Gerónimo Manzueta graduated in
Advertising from the Autonomous
University of Santo Domingo UASD
(2013). He completed Fine Arts and
the National Visual Arts School -
ENVA (2008) in the Dominican Re-
public and has a Master’s Degree in
Cultural Management from the Uni-
versity of Valencia, Spain.
Part of his life has been spent of his
life working with the arts where he
has made different contributions:
2nd sculpture prize (2007).
He has produced murals in his native
province and at different points of the
Dominican Republic, including: Mu-
ral Route, Salcedo, Dom. Rep. (2008).
Murals in his municipality. Tribute
to the Patricians (2012). Group ex-
hibition at the National Visual Arts
School - Santo Domingo (2008). Tran-
sitando Fusión, square by the Teatro
Real, Madrid, Spain (2018), Transi-
tando Fusión, Lineal Benimámet Park
Amphitheatre, Valencia, Spain (2018),
in addition to the current artistic res-
idency at BilbaoArte, Bilbao, (2019).
71

«Orain arte nire lana pieza eta ma-
terial bakoitzak hurrengora nara-
maten prozesu bezala ulertu izan
dut, zeinek salto formalak eta dis-
kurtsiboak sortarazi dituen. Hauen
ardatz komuna zera da: paisaia eta
hau konposatzen duten elementu
ezberdinak pinturatik eta espaziotik
ikertu eta pentsatzea.
Azken hilabete hauetan aspaldi
gauzatu nahi nituen pieza eta plan-
teamenduak garatzeko aukera izan
dut. Egur tailuetan, mandarina azal
lehorrekin edo dilistekin eraikitako
mosaikoetan, eta burdina, egurra
eta sokarekin egindako zintzilika-
rietan zentratutako lan gorputza.
Material hauen espezifikotasunak,
eta osteko, piktorikotik pentsatuta-
ko, itzulpenak, interpretazioak eta
birformulazioak, materialei, erre-
ferenteei eta eskalei dagokienean
nire praktika emantzipatu dutela
uste dut.
Garatu ditudan piezak azken bi ur-
teetan ikertu ditudan prozesuekin
dute zerikusia, ‟harrapatu eta har-
tu” ideien inguruan hitz egiten dute.
Ekintza hauek paisaian aurkitzen di-
tudan forma eta materialekin lotu-
ta daude, eta ideia-irudi-materialen
loturarekin zentratutako lanaren bi-
tartez, gauza berari erantzuten die-
ten fronte ezberdinen obra-gorputz
bat sortzen joan dira. Egunez egun
nire praktikarekin erlazionatzerako
orduan, manuala eta egitea gogo-
ra ekartzen dituen kontzientzia eta
abiapuntu bezala narrazio zatikatu
bat».
Miguel Marinak Erroman Real
Academia de España eta Casa de
Velázquez-en izan ditu egonaldiak.
The Goma, Nordés, etHALL, Palau
de Casavells eta Combustión Es-
pontánea bezalako galerietan egin
ditu erakusketak. Luis Adelantado,
Carlos Carvalho, Espacio Valverde,
Artnueve, Fundación DIDAC, Sala
de Arte Joven de Madrid, Laboral
Centro de Arte y Creación eta Pira-
midón Centre d’Art Contemporani,
besteak beste, galeria eta institu-
zioetan era kolektiboan.
«Hasta ahora he entendido mi traba-
jo como un proceso en el que cada
pieza y cada material me llevaban al
siguiente, lo cual ha desencadena-
do saltos formales y discursivos que
tienen como eje común analizar y
pensar el paisaje y los distintos ele-
mentos que lo componen desde la
pintura y el espacio en ella.
Estos últimos meses he podido desa-
rrollar piezas o planteamientos que
hacía tiempo que quería realizar. Un
cuerpo de trabajo centrado en tallas
en madera, mosaicos hechos con piel
de mandarinas secas o lentejas y col-
gantes con hierro, madera y cuerda.
Pienso que la especificidad de estos
materiales, y su posterior traducción,
reinterpretación y reformulación
pensadas desde lo pictórico, ha he-
cho que mi práctica se emancipe en
cuanto a materiales, referentes y es-
calas y abrace nuevas preocupacio-
nes formales y plásticas.
Las piezas que he desarrollado tie-
nen que ver con procesos que vengo
investigando en estos últimos dos
años los cuales giran en torno a la
idea de ‟atrapar y recoger”. Estas ac-
ciones entroncan con formas y mate-
riales que encuentro en el paisaje y
que, por medio de un trabajo centra-
do en el acoplamiento de idea-ima-
gen-material, han ido formando un
cuerpo de obras que miran a dife-
rentes frentes pero que remiten a
lo mismo. Una suerte de narración
fragmentada que evoca al hacer y a
lo manual como conciencia y punto
de partida a la hora de relacionarme
con mi práctica en el día a día».
Miguel Marina ha participado en
residencias como Real Academia
de España en Roma y Casa de Ve-
lázquez y ha expuesto su trabajo de
manera individual en galerías como
The Goma, Nordés, etHALL, Palau de
Casavells y Combustión Espontánea.
También ha participado en colectivas
en galerías e instituciones como Luis
Adelantado, Carlos Carvalho, Espacio
Valverde, Artnueve, Fundación DI-
DAC, Sala de Arte Joven de Madrid,
Laboral Centro de Arte y Creación y
Piramidón Centre d’Art Contempora-
ni, entre otras.
Miguel Marina
Madrid, 1989
www.miguelmarina.com
‟I have so far seen my work as a
process where each piece and each
material took me to the next, which
has triggered discursive and formal
leaps with the common thread of
analysing and thinking about the
landscape and its different elements
from painting and the space there.
In recent months, I have been able
to develop pieces or approaches
which I have wanted to do for some
time now. A body of work focused
on woodcarvings, mosaics made
with dried tangerine skins or lentils
and twine, wood and iron pendants.
I think that the specificity of those
materials, and their subsequent
translations, reinterpretation and
reformulation from the pictorial,
has meant that my art is emancipat-
ed as regards materials, references
and scales and embraces new plas-
tic and formal concerns.
The pieces that I have produced in-
volves processes that I have been
researching in those last two years
which revolve around the idea of
‛catching and collecting’. Those ac-
tions are rooted in forms and mate-
rials that I find in the landscape and
which, by means of work focused on
the idea-image-material coupling,
have formed a body of works look-
ing at different fronts but which re-
fers back to it. A type of fragmented
narration that evokes the doing and
the manual as awareness and the
starting point when I relate to my
artistic practice in daily life”.
Miguel Marina has taken part in art-
ist-in-residence programmes at the
Royal Academy of Spain in Rome and
at Casa de Velázquez and has individ-
ually exhibited his work at galleries
including The Goma, Nordés, etHALL,
Palau de Casavells and Combustión
Espontánea. He has also been part
of group exhibitions at galleries and
institutions such as Luis Adelantado,
Carlos Carvalho, Espacio Valverde,
Artnueve, Fundación DIDAC, Sala de
Arte Joven de Madrid, Laboral Centro
de Arte y Creación and Piramidón
Centre d’Art Contemporani.
75

«Goya, Van Gogh eta Sergio Ramo-
sen egun berean jaio nintzen; nire
amak, Inések, erakutsi zidan ezkuta-
ketan jolasten. Nire lehenengo lagu-
na itsua zen, uste dut nire aita beze-
la deitzen zela, Ezequiel. Imajinatzen
nuen harea begietan bota ziotelako
zegoela itsu, berarekin nengoene-
an beti ukitzen zidan aurpegia, eta
begiak aterako zizkidanaren ideiak
beldurtzen ninduen. Nire lehenengo
laguna Maria Dolores izeneko moja
bat izan zen. Hau guztia ahoa lurrez
bete baino lehenago gertatu zen.
Jolas-orduetan matxinsaltoak harra­
patzen eta, patioan aurkitutako gu-
sanito poltsetan sartzen pasatzen
genuen denbora. Behin nire lagu-
netako bati klasean ihes egin zioten
in­tsektuek eta guztiak hasi ziren
oihuka eta iskanbila sortzen. Hau
gertatutakoan, gainontzeko nire
lagunek, elkartasunagatik baino
boikota egiteko intentzioz, haien
matxinsaltoak askatu zituzten. De-
nek zabaldu zituzten haien poltsak,
baina nik poltsikoan mantendu nitu-
en, poltsaren ahora gogor estutuz.
Eskolatik irtendakoan, garajera joan
nintzen korriketan, aitak kaiola bate-
an gordeta zuen eperkumearenga-
na. zeini jateko matxinsaltoan ema-
ten nizkion. Egun horretan, halere,
ez zituen jan eta arratsalde osoa iga-
ro nuen haren aurrean, intsektueki-
ko zuen erabateko indiferentziare-
kin ha­rrituta. Kaiolaren alde batetik
bestera paseatzen hau gogoratu
nuen: matxinsaltoak eskaini dizkio-
dan aldi bakoitzean bizirik zeuden,
oraingoan gehiegi estutu dut poltsa,
intsektuak hil arte, horregatik ez
ditu nahi».
Adrián Mena
«Nací el mismo día que Goya, Van
Gogh y Sergio Ramos; mi madre,
Inés, me enseñó a jugar al escondi-
te. Mi primer amigo era ciego, creo
que se llamaba igual que mi padre,
Ezequiel. Imaginaba que estaba cie-
go porque le habían echado arena
en los ojos, las veces que estaba
con él siempre me tocaba la cara y
temía que me arrancara los ojos. Mi
primera amiga fue una monja que
se llamaba María Dolores. Todo esto
pasó antes de tener la boca llena de
tierra.
En los recreos nos dedicábamos a
coger saltamontes y los guardába-
mos en las bolsas de gusanitos que
íbamos encontrando por el patio.
Una vez a uno de mis amigos se le
escaparon dentro de la clase y todos
empezaron a gritar y formar escán-
dalo. Cuando esto pasó el resto de
amigos, más por boicotear la clase
que por solidaridad, soltaron tam-
bién sus saltamontes. Todos abrie-
ron sus bolsas, pero yo los mantuve
guardados en mi bolsillo, apretando
con fuerza la boca de la bolsa. Cuan-
do salí del colegio fui directo a la co-
chera donde mi padre tenía un per-
digón enjaulado al que siempre le
daba los saltamontes, pero ese día
no se los comió y pasé toda la tarde
frente a él, observando su completa
y total indiferencia hacia los insec-
tos. Viendo como se paseaba de un
lado a otro de la jaula recuerdo que
pensé: Todas las otras veces que le
he ofrecido saltamontes estos esta-
ban vivos y hoy apreté demasiado la
bolsa, matándolos, por eso es que
no los quiere».
Adrián Mena
Adrián Mena
Madrid, 1991
‟I was born on the same day as Goya,
Van Gogh and Sergio Ramos; my
mother, Inés, taught me to play at
hide-and-seek. My first male friend
was blind and I think he had the
same name as my father, Ezequiel.
I imagined he had become blind
when sand had been thrown in his
eyes. When I was with him, he always
touched my face and I was frightened
that he would pull out my eyes. My
first female friend was a nun called
María Dolores. That all happened be-
fore my mouth was full of dirt.
We would spend our playtimes
catching grasshoppers and we
kept them in the empty cheese puff
bags that we would find in the play-
ground. Once they escaped from
one of my friends in class and every-
one began to shout and there was
an uproar. When that happened,
the other friends, more to get out
of class than to show solidarity, also
released their grasshoppers. They
all opened their bags, but I kept
mine in my pocket and held the top
of the tap tightly shut. After school,
I went directly to the garage where
my father kept a partridge in a cage
that I always gave the grasshoppers
to, but it did not eat them that day
and I spent the whole afternoon
there, watching his complete and
total indifference to the insects. As I
watched how he went from one side
of the cage to the other, I remem-
ber that I thought: every other time
I gave it grasshoppers, they were
alive and today I held the bag too
tight, killing them, and that is why it
does not want them”.
Adrián Mena
79
81

NEGRO FONDO ULTRATERRENO
Objektu bati, istorio bati denborazko
ingurunea marrazten zaio, ahalegina
egiten da oraindik proiektatzen duen
itzala zedarritzeko. Hala, haren barru-
aldetik, jokoan jarri nahi dira batera-
tzen, gainjartzen edo berri­dazten di-
ren elementuak, adibideak eta gauza
desberdinak, azken batean, berdinak
ez direnen arteko antzekotasun-erla-
zio hutseko esperientzia bat izateko.
Lurraz haraindiko hondo beltza pro-
posamenak jarraipena ematen dio
irudiaren trantsituaz gogoeta egiten
duen lan edo egikera bati; nola igaro-
tzen den mundu mekanikotik mundu
digitalera, eta iragaitza horrek nola
eragiten duen prozedura batean,
zer eragin duen jakintza edo baliabi-
de batean. Zulo horretatik siluetak,
paperak edo ahotsak azaltzen dira
ora­indik, iragan analgesiko, mitiko
eta espektral batetik oraindik haute-
man daitekeen errealitate edo espe-
rientzia bat transferitzen dutenak.
Hala, materiala aintzat hartzeko du-
gun modua aldatzen da, metaketa
eta konbertsioagatik, beharrizan eta
ohituragatik. Etengabe eraikitzen,
etengabe editatzen ari den irudi-ar-
txibo batetik abiatuta, ahalegina
egingo dugu marko hori betetzeko,
proiektatutakoa, oraindik izan dai-
tekeena, irudikatutakoa ezabatzea
lehengoratzeko, aurreikuspen baten
taxutzea gogora ekartzeko.
Antonio Menchenek 2007an buka-
tzen ditu ikasketak Madrileko Arte
Ederretan. Akademieder Bildenden
Künste Wien-eko (Viena, 2012-2013)
zine departamentuan ikasle izan zen
eta Goldsmiths College-en Aural and
visual Cultures (Londres, 2013-2014),
masterra ere egin zuen Mark Fisher
eta Kodwo Eshunekin batera. Barru,
barren, barrene (Harriak-EREMUAK,
Arriarán eta Güeñes 2019), Premi
Miquel Casablancas, Sant Andreu Con-
temporani (Fabra i Coats, Bartzelona
2019); Negro fondo ultraterreno (Bule-
goa, Bilbao 2019); Distancias elásticas
(Centro Párraga, Murtzia 2019); Que­
rer parecer noche (CA2M, Móstoles,
2018); 10 VC (The Showroom, Londres,
2015) edo Sala de lectura (Espacio F,
Madril, 2005) erakusketetan parte
hartu du.
NEGRO FONDO ULTRATERRENO
Un objeto, una historia a la que se
le dibuja un contorno temporal, a la
que se intenta delimitar la sombra
que aún proyecta. Así, desde su in-
terior, poner en juego elementos,
ejemplos, cosas distintas que con-
fluyen, se solapan o reescriben para
desembocar en una experiencia de
una simple relación de semejanza
entre no iguales.
Negro fondo ultraterreno  supone la
continuación de un trabajo, de un
hacer, que piensa un tránsito de la
imagen; de un mundo mecánico a
otro digital y cómo este paso actúa
sobre un procedimiento, cómo afec-
ta a un saber o recurso. Un agujero
desde el que todavía asoman silue-
tas, papeles o voces que transfieren
una experiencia, una realidad aún
perceptible de un pasado analgési-
co, mítico, e
­ spectral.
Cambia así la forma en que consi-
deramos el material, en tanto por
acumulación y conversión, en tanto
que necesidad y hábito. A partir de
un archivo de imágenes en continua
construcción, en continua edición,
trataremos de ocupar ese marco
para pensar en revertir la cancela-
ción de lo proyectado, de lo aún po-
sible, de lo imaginado para traer a
la memoria la conformación de una
predicción.
Antonio Menchen termina sus es-
tudios de Bellas Artes en Madrid
en 2007. Fue estudiante del depar-
tamento de cine de la Akademie
der Bildenden Künste Wien (Viena,
2012-2013) y realizó el máster en
Aural and Visual Cultures en el Golds-
miths College, (Londres 2013-2014),
junto con Mark Fisher y Kodwo Es-
hun. Ha participado de exposiciones
como Barru, barren, barrene (Ha-
rriak-EREMUAK, Arriarán y Güeñes
2019), Premi Miquel Casablancas,
Sant Andreu Contemporani (Fabra i
Coats, Barcelona 2019); Negro fondo
ultraterreno (Bulegoa, Bilbao 2019);
Distancias elásticas (Centro Párraga,
Murcia 2019); Querer parecer noche
(CA2M, Móstoles, 2018); 10 VC (The
Showroom, Londres, 2015) o Sala de
lectura (Espacio F, Madrid, 2005).
Antonio Menchen
Toledo, 1983
www.antoniomenchen.com
NEGRO FONDO ULTRATERRENO
An object, a story onto which is
drawn a contour in time, which
projects a shadow still that I try to
define. From inside it I try to lay
out things, examples, different ele-
ments that come together, overlap,
or are rewritten to play out as an
experience of a simple similarity be-
tween non-similar things.
Negro fondo ultraterreno  is the con-
tinuation of a work, a way of ma-
king, which considers the transition
of image, from the mechanical to
the digital world, and how this step
acts on a procedure, how it affects
a form of knowledge or resource. A
gap, where silhouettes can still be
made out; papers, voices that trans-
fer the experience, the still percepti-
ble reality of an analgesic, mythical,
spectral past.
This changes the way we consi-
der material, by accumulation and
conversion, by necessity and habit.
Using an archive of images con-
tinually being put together and
edited, I will try to occupy this fra-
mework to think about and rever-
se the cancellation of projection,
of what is still possible, of what is
imagined, to recall the structure of
a prediction
Antonio Menchen graduated in
Fine Arts in Madrid in 2007. He was
a student in the Film Department at
the Akademie der Bildenden Künste
Wien (Vienna, 2012-2013) and com-
pleted his Master’s Degree in Aural
and Visual Cultures at Goldsmiths Col-
lege, (London 2013-2014), along with
Mark Fisher and Kodwo Eshun. He
has taken part in exhibitions such as
Barru, barren, barrene (Harriak-ER-
EMUAK, Arriarán & Güeñes
2019), Premi Miquel Casablancas,
Sant Andreu Contemporani (Fabra i
Coats, Barcelona 2019); Negro fondo
ultraterreno (Bulegoa, Bilbao 2019);
Distancias elásticas (Centro Párraga,
Murcia 2019); Querer parecer noche
(CA2M, Móstoles, 2018); 10 VC (The
Showroom, London, 2015) or Sala de
lectura (Espacio F, Madrid, 2005).
83

Denbora zeramaten atseden har-
tzen, kutxetan erretiratuak, apaletan
sakabanatuak eta bazterretan aban-
donatuak. Bizi labur eta, aldi berean,
luzea izango zutela somatzen zuten,
era batere lausengarian. Susmo hau
indargabetzeko, potentzien jokuari
errenditzea erabakitzen dute, ho­
rretarako, ni konprometitzen saia-
tzen dira… baita lortu ere. Nubecar-
casak seinale isil bat bidaltzen du.
Meda­llacircuitoak karraska zirkular
batekin perimetratzen du. Cuarzo-
letrak mugaraino doaz narrasean.
Globotecla batek eztanda egiten du
limoi hutsez… Gauzak. Iragankorrak
direla jakinda, bir-konfigurazioa eta
beste gorputz batzuk soinuz oku-
patzea bilatzen dute. Gure belarriak
seduzitzen dituzte, sekretu txikiak
kontatuz, xuxurlak konfesio eran,
trikimailu baliagarriak eta egunero-
ko ikaskuntzak, «jaramonik egin ez
zitzaion» masa isilean disolbatuta
geratzera erresistitzen direnak».
Lehenengo saiakera baten hisiaz,
plastikozko telehierbak mehatxari
itxaroten du. Gomagafak zigorrez
hots egiten du. Virustarroa toxikoki
dago zelatan. Rejillolirak bere ahots
latzena ateratzen du.
Alatavozaxilaren batek entzun ditzan
espero dute, dedosagujasek laztan
ditzaten, conchaslabiosek dasta di­
tzaten, eta bombipapayagandik aha-
lik eta gehien urrundu daitezen.
Bat-batean, perspektiba ezberdin
batetik ikusten dut egoera. Estalag-
tanak niri esateko momentu egokia-
ri itxaron zion: ez zineten zuek izan,
gu izan ginen.
Saioa Olmo Alonso UPV/EHUko
Arte Ederretan artista eta doktorea
da. TRANSARTEk, bere ikerketa le­
rroak, elkarlaneko praktika artisti-
koekin dauka zerikusia, teknologia
erlazionalak eta performatibitate
sozialak. Bere azken proiektu artisti-
koen artean, hala nola Solasparkea,
Geroa Xuxurlaka eta Eromekanika,
izaera ezberdinetako eragileen arte-
ko transakzioak ikertzen ditu.
Llevaban tiempo reposando, retira-
das en cajas, diseminadas por es-
tantes y abandonadas en rincones.
Sospechaban, de manera nada ha-
lagüeña, que iban a tener una vida
corta y larga a la vez. Para contra-
rrestar esta premonición, deciden
entregarse al juego de las potencias,
para lo cual, intentan comprometer-
me… y lo consiguen.
La nubecarcasa manda una señal
silenciosa. La medallacircuito peri-
metrea con un chasquido circular.
Las cuarzoletras se arrastran hasta
el límite. Una globotecla explota de
puro limón... Cosas, que sabiéndose
fugaces, buscan reconfigurarse y
ocupar sonoramente otros cuerpos.
Seducen a nuestros oídos, contán-
doles pequeños secretos, susurros a
modo de confesiones, trucos útiles
y aprendizajes cotidianos, que se re-
sisten a quedar diluidos en la masa
silenciosa de «a lo que no se le pres-
tó atención».
Despechada tras un primer inten-
to, la telehierba de plástico aguarda
amenazante. La gomagafa latiguea.
El virustarro acecha tóxico. La rejillo-
lira saca su voz más áspera.
Esperan que les oiga alguna altavo-
zaxila, que les acaricien dedosgujas,
que les saboreen conchaslabios, y
alejarse lo más posible de bombipa-
payas.
De repente, veo la situación desde
una perspectiva diferente. La es-
talagtana aguardaba el momento
preciso para decírmelo: no fuisteis
vosotros, fuimos nosotras.
Saioa Olmo Alonso es artista y doc-
tora en Bellas Artes por la UPV/EHU.
Su línea de creación e investigación
TRANSARTE gira entorno a las prác-
ticas artísticas colaborativas, las
tecnologías relacionales y la perfor-
matividad social. En algunos de sus
últimos proyectos artísticos, como
Solasparkea, Susurrando el futuro y
Eromecánica, explora las transaccio-
nes entre agentes de diversa índole.
Saioa Olmo Alonso
Bilbao, 1976
http://saioaolmo.com
They had been resting for some
time, hidden away in boxes, scat-
tered on shelves and left in corners.
They suspected, in a stark way, that
they were going to have both a long
and short life. In order to counter
that premonition, they decide to
surrender themselves to the game
of the potentials, and therefore,
try… and manage… to get me to
commit myself.
The nubecarcasa (cloudcasing)
sends a silent signal. The medallacir-
cuito (circuitmedal) goes around the
perimeter with a circular click. The
cuarzoletras (quartzletters) drags
to the limit. A globotecla (balloon-
key) explodes pure lemon… Things,
knowing to be fleeting, seek to re-
configure and resoundingly occupy
other bodies. They seduce our ears,
telling small secrets, whispered
like a confession, useful tricks and
everyday lessons, that resist becom-
ing diluted in the silent mass of ‟to
what no attention was paid”.
Enraged after an initial attempt, the
telehierba (plastic telegrass) threa­
teningly awaits. The gomagafa (rub-
bergoggle snaps). The virustarro
(viruspot) lurks toxicly. The rejillolira
(gridlyre) uses its raspiest voice.
They hope that some altavozaxila
(underarmspeaker) hears them,
that dedosgujas (needlefingers) ca-
ress them, that conchaslabios (shell-
lips) taste them and take them as far
as possible from bombipapayas.
Suddenly, I see the situation from a
different perspective. The estalag-
tana (stalagtana) chose that very
moment to tell me: you did not go,
we went.
Saioa Olmo Alonso is an artist and
has a PhD in Fine Arts from the UPV/
EHU. Her TRANSARTE creative and
research line revolves around colla­
borative artistic practices, relational
technologies and social performa-
tivity. She explores the transactions
between different types of agents in
some of her recent artistic projects,
such as Solasparkea, Whispering the
Future and Eromechanics.
87

«Kontrolaren obsesiotik ateratzea
lortzen dut batzuetan eta hegaldi
modu horretara, normalean, intsis-
tentzia eta nekearen bitartez iristen
naiz. Mihise baten karratutasuna
ora­in baldintza gisa pentsatzen du-
dan konbentzioa da. Frontoiaren
karratutasuna bezala. Honek pen­
tsamendu espazial geometriko
zehatza eskatzen du; kalkuluena,
angeluena. Nola egon laukiaren
barruan aire eta haize guztiare-
kin eta kontra. Eta bertan zerbait
errit­mikoa, egiturazkoa, gertarazi.
Errepikatuz doazen hainbat zentzu-
patro­irekin zerikusia du, galdu egi-
ten direnak eta berriro agertu beste
modu batean. Horrela gertatzen
dena ez dut ahazten, modu honetan
ezagutzen dudana, ondo ezagutzen
dudalako.
Artea da (orokorrean) eta Pintura
(zehazki) lanerako darabildan ma-
teriala. Gaiari dagokionez, ez dago
gairik, nahiz eta itxuraz aldatu. Nire
galderak, betikoak, elkarrizketa be­
rrietan. Materiala antolatu eta eral-
datzeko beharretik, arauak, balioak,
konbentzioa, pertzepzioa eta gauzen
destinoa aldatzeari buruz hausnar-
tzen dut. Bizitzari buruz, hizkuntzari
buruz, gauza poetikoari buruz. Ez
gauza poetikoa zerbait kon­kretu gisa,
baizik eta ulertzeko edo ez ulertzeko
modu bezala. Gauza guztien arteko
tolesturak dira eta formaren bidezko
sintesi aukerak. Eta askatasunari bu-
ruzkoa ere bada. Eta esango duzue,
ondo, baina margotzen besterik ez
zara ari. Eta hala da».
Damaris Pan artista eta pintura
irakaslea da Euskal Herriko Uni-
bertsitatean. Artea oinarri hartuta
defendatu zuen balio eta arauen
desbideratzeari buruzko doktore
tesia 2014an. Hainbat egonaldi egin
ditu atzerrian: Berlingo Kunsthoch-
schule Weissensee eskolan egon
da, adibidez, eta baita New Yorkeko
Art Omi artista egoitzan ere. Bilbo-
ko Rekalde aretoan zabaldu zuen Ze
morena zauden  (2017) bakarkako
erakusketa eta Bi Dos Two talde era-
kusketa kolektiboan ere parte hartu
zuen Azkuna Zentroan (2018).
«De la obsesión por el control hay
momentos en que logro escapar y
dar con una especie de estado de
vuelo, al que llego normalmente a
través de la insistencia y del agota-
miento. Lo cuadrado de un lienzo es
una convención que ahora pienso
como condición. Como lo cuadrado
de un frontón. Esto exige un pensa-
miento espacial geométrico especí-
fico, de cálculos, de ángulos. Cómo
estar dentro del cuadrado con todo
el aire y el viento. Y hacer que suce-
da algo rítmico, estructural, que tie-
ne que ver con ciertos patrones de
sentido que se repiten, se pierden
y vuelven de otra manera. De todo
lo que por allí pasa, algo se queda
y aparece en lo siguiente y eso es lo
que no olvido. Porque lo que conoz-
co así, lo conozco bien.
Mi material para hacer y producir
un resultado es el Arte (general) y la
pintura (habitual). En cuanto a tema
no hay tema, aunque la Cosa cambie
de apariencia. Mis preguntas, las de
siempre, en conversaciones nuevas.
Desde la necesidad de organizar y
transformar el material, se piensa
sobre normas, valores, convención,
percepción y sobre cambiar el desti-
no de las cosas. Sobre la vida, sobre
el lenguaje, sobre lo poético. No so-
bre lo poético como algo concreto,
sino como manera de entender o de
no entender. Son los pliegues entre
todas las cosas y la posibilidad de
síntesis a través de la forma. Y es so-
bre libertad. Y diréis, bueno, si solo
estás pintando. Y así es».
Damaris Pan es artista y docente
en la Facultad de Bellas Artes de la
UPV/EHU. Defendió su tesis docto-
ral en torno al desvío y la anomalía
como fundamento artístico en 2014.
Ha realizado diversas estancias en
el extranjero: en la Kunsthochs-
chule Weissensee de Berlín y en la
residencia Art Omi en New York.
Entre sus exposiciones recientes se
encuentran la individual Qué more-
na estás (2017) en la Sala Rekalde
y la colectiva Bi Dos Two en Azkuna
­Zentroa (2018).
Damaris Pan
Mallabia, 1983
damarispan@gmail.com
‟From the obsession to control there
are times when I manage to escape
and I attain a type of flight status,
which I usually reach by means
of insistence and exhaustion. The
square of a canvas is a convention
that I now think of as a condition.
Like the square of a Basque pelota
court. This requires specific geome­
tric spatial thought, of calculations, of
angles. How to be within the square
with all the air and wind. And make
something rhythmical to happen,
something structural, that relates
to certain patterns of meaning that
are repeat­ed­, are lost and return
in a­nother way. Something of
everything that passes through there
remains and appears in the following
and that is what I usually do not
forget. Because what I thus know, I
know it well.
My material to make and produce a
result is Art (general) and pain­ting
(regular). As regards the subject mat-
ter, there is no subject ma­tter, even
though the Thing changes in appear-
ance. My questions, the same as ever,
but in new conversation. The need
to organise and transform the mate­
rial, leads me to think about rules,
values, convention, perception and
how to change the destiny of things.
About life, about language, about po-
etics. Not about poetics as something
specific, but rather the way of under-
standing or of not understanding. It is
all the folds between everything and
the possibility of synthesis through
form. And it is about freedom. And
you will say, well, she is just painting.
And that’s it“.
Damaris Pan is an artist and teaches
at the Fine Arts Faculty of the UPV/
EHU. She defended her doctoral the-
sis on deflection and anomaly as an
artistic cornerstone in 2014. She has
spent different periods abroad: at
the Kunsthochschule Weissensee in
Berlin and at the Art Omi residency
in New York. Her recent exhibitions
include the solo Qué morena estás
(2017) at the Sala Rekalde and the
group show Bi Dos Two at Azkuna
Zentroa (2018).
91
Peine, 2019
Inpresio digitala mihise gainean
Impresión digital sobre lienzo
210x300 cm

S.T., 2019
Olioa mihise gainean
Óleo sobre lienzo
200x300 cm

Delfín con ola, 2019

Olioa mihise gainean
Óleo sobre lienzo
168x140 cm
93

Bilboko paisaia industriala zein na-
turala daude presente. Airea, plasti-
koa, zementua, surf, sokak, olatuak,
haize handia, jende gutxi. Barina-
txe hondartzatik, kaioak eta para-
penteak. Zeru grisean soka zurien
tentsioa. Oihal garestiegiek hauts
asko hartzen dute; bizikletan hel-
tzen da, bizikleta elektrikoa. Euria,
putzuak, bustitzea eskultura izatea
bezalakoa da. Lurraren sakonetik
zilindroak, mota askotarikoak, kutxa
urdinetan. Pisu handia dute, bakoi­
tzak bat har dezake, baina sostenga-
tzen dira. Estudioan esperientzia es-
tetiko bat Terzo paradiso deitzen da
eta etorkizunaren ikuspegi bat sor-
tzen du. Inguruan keramika eta ia-ia
mugimendua. Aireak eta ametsek
irudi gabeko imajinazioa azaltzen
dute. Sabai batetik grabitatea be­
rriz aurkitu, azulejoen egitura. Ten-
dederos Marta patioan tatuatuak,
yogurta mangoarekin. Poriektuaren
helburua prozesua bera da, duela
urte bat Sorginetxe zuen izena, bai-
na uda bukatu da.
Milena Rossignoli Quiton, 1990an
Ekuadorren jaio zen. Eta Italian
hazi. Bertan Arte plastikoak ikasi
zituen Maffeo Olivieri Liceo Artis-
tikoan diploma bat jasoz (2009).
Ondoren, Bolognako Arte Ederren
Akademian pinturan lizentziatu
zen. 2016an fakultate berean Arte
Bisualen Ikerketa eta Diseinuan
bienioarekin karrera bukatu zuen.
2012 urtetik Italia, Espainia eta
Alemanian erakusketak egin ditu.
Azken bakarkakoak: Tendø Ana
Mas Project-en (Barcelona, 2019),
Limiti di curvatura White Noise Gal-
lery-n (Roma, 2019), Unire la distan-
za Spazio Vanni-n (Torino, 2016).
Sarien artean: Arte eta Teknologia
Berrietan bekaduna Real Academia
de España, Erroman (2017-18); Mo-
vin-up proiektua GAIk (Giovani Ar-
tisti Italiani, 2016) promozionatua
mugikortasunerako Italiako Kultura
eta Turismo Ministerioaren eskutik.
mileana.rossignoli@gmail.com | www.milenarossignoli.com
Tanto el paisaje industrial como el
natural de Bilbao están presentes.
Aire, plástico, cemento, surf, cuer-
das, olas, mucho viento, poca gente.
Desde la Salvaje, gaviotas y para-
pentes. Tensión de cuerdas blancas
sobre el cielo gris. Telas demasiado
caras recogen mucho polvo; se llega
en bici, bici eléctrica. Lluvia, charcos,
empaparse o encharcarse es como
ser escultura. Cilindros desde lo pro-
fundo de la tierra, de varios tipos, en
cajas azules. Pesan mucho, puedes
recoger solo uno por cabeza, pero
se sostienen. En el estudio una ex-
periencia estética se llama Terzo
paradiso y crea una visión del futu-
ro. Alrededor cerámica y casi movi-
miento. El aire y los sueños explican
la imaginación sin imagen. Re-en-
contrar la gravedad por un techo,
estructura de azulejos. Tendederos
Marta tatuados en el patio, yogurt
con mango. La finalidad del proyec-
to es el propio proceso, se llamaba
Sorginetxe hace un año pero se aca-
bó el verano.
Milena Rossignoli nace en Quito
Ecuador en el 1990 y se cría en Ita-
lia. Aquí estudia Artes plásticas con-
siguiendo primero un diploma en
el Liceo Artístico estatal de Maffeo
Olivieri (2009), luego se licencia en
pintura en la Academia de Bellas
Artes de Bologna (2012). En el 2016
termina su carrera en la misma fa-
cultad con un bienio en Investiga-
ción y Diseño en las Artes Visuales.
Desde el 2012 expone entre Italia,
España y Alemania. Entre las últimas
individuales señala: Tendø en Ana
Mas Project (Barcelona, 2019), Limiti
di curvatura en White Noise Gallery
(Roma, 2019), Unire la distanza en
Spazio Vanni (Torino, 2016). Entre los
premios: becada en Arte y Nuevas
Tecnologías en la Real Academia de
España en Roma (2017-18); proyec-
to Movin-up promocionado por GAI
(giovani artisti italiani, 2016) y por el
Ministerio de Cultura y Turismo Ita-
liano para la movilidad.
Milena Rossignoli
Quito Ecuador, 1990
Both the natural and industrial
landscape of Bilbao are present.
Air, plastic, cement, surf, ropes,
waves, gales, few people. From the
Wild, seagulls and paragliders. Ten-
sion of white ropes against a grey
sky. Costly fabrics gather a great
deal of dust; you come by bike, an
electric bike. Rain, puddles, getting
soaked or waterlogged is just like
being a sculpture. Cylinders from
the depths of the earth, coming in
various types, in blue boxes. They
are very heavy, you can only carry
them one at a time, but they stand
up on their own. In the studio, an
aesthetic experiment is called Ter-
zo paradiso and creates a vision of
the future. Around ceramics and
nearly movement. Air and dreams
explain image-less imagination.
Re-encounter gravity through a
roof, a tile structure. Tendederos
Marta clotheshorses tattooed on
the courtyard, yoghurt with mango.
The purpose of the project is the
process itself was called Sorginetxe
a year ago, but the summer ended.
Milena Rossignoli was born in Quito
(Ecuador) in 1990 and grew up in Ita-
ly. She studied plastic arts there and
first worked for a diploma at the Ma-
ffeo Olivieri state Art Lyceum (2009),
then graduated in painting from the
Bologna Fine Arts Academy (2012).
She completed her higher education
at the same faculty with a two-year
postgraduate Research and Design
in the Visual Arts. Since 2012, her
work has been exhibited in Italy,
Spain and Germany. Her most re-
cent solo exhibitions include: Tendø
at Ana Mas Project (Barcelona, 2019),
Limiti di curvatura at White Noise
Gallery (Roma, 2019), Unire la dis-
tanza at Spazio Vanni (Torino, 2016).
Her awards include: an Art and New
Technologies grant at the Spanish
Royal Academy in Rome (2017-18);
Movin-up project promoted by GAI
(giovani artisti italiani, 2016) and a
mobility grant from the Italian Min-
istry of Culture and Tourism.
95

APSU (xehetasuna / detalle), 2019. Latexa eta denbora oihal eta karbono gainean / Látex y tiempo sobre tela y
carbono. Neurri aldakorrak / Medidas variables
Tension de peso igual (xehetasuna / detalle), 2019. Latex, nylon reflectante, madera, cuerda,
tiempo y tension sobre tela. Neurri aldakorrak / Medidas variables
In scala (xehetasuna / detalle), 2019.
Intsensua, soka, zementua egur gainean / Incienso, cuerda, cemento sobre madera
Neurri aldakorrak / Medidas variables
Tension de peso igual (Xehetasuna / detalle). Latex, nylon reflektantea, egurra, soka, denbora eta tensioa oihal gainean /
Latex, nylon reflectante, madera, cuerda, tiempo y tension sobre tela. Neurri aldakorrak / Medidas variables
97

THE GHOST ON THE PAPER
«Azken urteetan, nire lengoaia es-
tetikoaren prozesua eta garapena,
ma­rrazkia, grabatu, serigrafia eta
bideoen segidaren ekoizpenean bor-
borka sortzen joan dira, ‟El Juego
Concreto” bezala izendatzen dituda-
nak. Male­vichen suprematismoaren,
konstruktibismoaren, arkitektura
brutalistaren, Memphis taldearen,
Neokonkretismo hegoamerikarraren
eta Philip K. Dick edo J. G. Ballarden
zientzia fikzio postmodernistaren
ikerketa pertsonalen eskutik joan dira.
Grabatu eta serigrafiaren tekniken
bidez sortzeko izan dudan interes
pertsonala, inoiz ez da edizioak egite-
arena izan. Kontrara, baliabide hauek
artearen barruan inposatzen dituz-
ten arauak zalantzan jartzea izan da
nire intentzioa, grabatuaren orto-
doxoek askotan kritikatutako jarrera.
Irudien eboluzio eta transformazioan
hauek eman diezadaketen esperi-
mentazio eta ekarpenak dira erabil-
tzera naramaten arrazoiak, estanpa
baten inperfekzio delako horiek in-
teresatzen zaizkit (erregistro txarra,
jauziak, urak, errezelak, mamuak,
etab.). ‟Akats” horietatik abiatuta
eraikitzeko estimulua, aipatutako
tek­nikak erabiltzeko leitmotiva dira.
Esperimentatzeko eta ikertzeko abe-
rastasun bisuala duten ‟akats” edo
glicht analogiko hauekin eraikitzeko
prozesu hau, estanparen sortze pro-
zesuan lagungarri zait, irudiak (ar-
telanak) sortuz, zeintzuk hizkuntza
estetiko pertsonalaren bilaketaren
prozesu etengaberako balioagarri
zaizkidan. Espazioa, atenporalitatea
eta erritmoa monotoniatik askatzeko
anomaliekin birsortzen dira».
Aristide Stornellik Caracaseko Cristó-
bal Rojasen, Venezuelan, burutu zitu-
en Arte Ederretan ikasketak. Bertan
marrazketa, eskultura eta pinturan
diploma lortu zuen. Londresen, B.A.
titulua lortu zuen grabatuan eta seri-
grafian egindako ikasketengatik, Lon-
don College of Communication-en.
2005 urtetik Stornelli Busturian bizi da
(Euskadi, España), non bere obra ar-
tistikoan lanean jarraitzen duen.
Artista venezolano de origen italo-colombiano
THE GHOST ON THE PAPER
«En los últimos años el proceso y
desarrollo de mi lenguaje estético,
ha ido fluyendo en la realización de
una serie de dibujos, grabados, seri-
grafías y videos, obras a las cuales lla-
mo ‟El Juego Concreto”, realizadas a
partir de investigaciones personales
sobre el suprematismo de Malevich,
el constructivismo, la arquitectura
brutalista, el grupo Memphis, el Neo-
concretismo latinoamericano y de
la ciencia ficción postmodernista de
Philip K. Dick o J.G. Ballard.
Mi interés personal en la realización
de obras con las técnicas de graba-
do y la serigrafía, nunca ha sido el de
hacer ediciones, por el contrario, mi
idea siempre ha sido poner en tela de
juicio los preceptos que rigen estos
medios dentro del arte, postura mu­
chas veces criticada por los ortodo-
xos del grabado. La experimentación
y el aporte que estas pueden darme
en la evolución y transformación de
las imágenes a crear, son el motivo
que me lleva a utilizarlas, me intere-
san las llamadas imperfecciones de
una estampa (mal registro, saltos,
aguas, velos, fantasmas, etc.). El es-
tímulo de construir a partir de esos
‟errores” es sin duda el leitmotiv de
usar dichas técnicas.
Este proceso de construir con estos
‟errores” o glicth analógicos en los
cuales existe una riqueza visual a
experimentar y explotar, me ayudan
en el proceso de la creación de la
estampa, creando imágenes (obras
de arte), que me sirven para el con-
tinuo proceso de la búsqueda de un
lenguaje estético personal, donde el
espacio, la atemporalidad y el ritmo,
se recrean con las anomalías para así
ser libre de la monotonía».
Aristide Stornelli, realizó sus estu-
dios en la Escuela de Bellas Artes Cris-
tóbal Rojas de Caracas, Venezuela,
donde recibió un diplomado de dibu-
jo, escultura y pintura, y en Londres
recibió un título B.A. por sus estudios
de grabado y serigrafía en el London
College of Communication.
Desde el año 2005 Stornelli reside en
Busturia (Euskadi, España), donde si-
gue desarrollando su obra artística.
Aristide Stornelli
malandrocaracas@gmail.com
THE GHOST ON THE PAPER
‟In recent years the process and de-
velopment of my aesthetic language,
has been flowing in the realization of
a series of drawings, printmakings,
screen-printings and videos, works
that I call ‛The Concrete Game’, made
from personal research on the Ma-
levich suprematism, constructivism,
brutalist architecture, the Memphis
group, Latin American Neoconcre-
tism and postmodernist science fic-
tion by Philip K. Dick or JG Ballard.
My personal interest in the realiza-
tion of works with the techniques
of engraving and screen printing,
have never been to make editions,
on the contrary, my idea has always
been to question the precepts that
govern these media within art, pos-
ture often criticized by the orthodox
printmakers. The experimentation
and the contribution that these can
give me in the evolution and transfor-
mation of the images to be created,
are the reason that leads me to use
them, I am interested in the so-called
imperfections of a print (bad registra-
tion, jumps, waters, veils, ghosts, etc.)
The stimulus to build from these ‛mis-
takes’ is undoubtedly the leitmotif of
using these techniques
This process of building with these
‛errors’ or analogue glitch in which
there is a visual wealth to experience
and to take advantage of, help me
in the process of creating the stamp,
creating images (works of art), which
serve me for the continuum process
of the search for a personal aesthe-
tic language, where space, timeless-
ness and rhythm, are recreated with
anomalies in order to be free from
monotony».
Aristide Stornelli, studied at the
Cristóbal Rojas Fine Art College in Ca-
racas, Venezuela, where he received
a diploma in drawing, sculpture and
painting, and in London he received a
B.A. for his studies of engraving and
screen-printing at the London Colle-
ge of Communication.
Since 2005, Stornelli resides in Bustu-
ria (Euskadi, Spain), where he conti-
nues to develop his artistic work.
99

Bortusai Bilduma materiaren per-
tzepziozko komunikazioaren miake-
ta da. Izaera ezberdineko objektu
eta materialen bilketan, manipula-
zioan eta kokatze lanean aritu da,
betiere ezberdintasunean oinarri-
tzen diren harremanak abiatuta.
Izaera ezberdinen elkarbizitzaz,
materia mugikorraz edota komu-
nikatzen diren elementuaz mintza
gaitezke. Bilduma honek gotorleku
bat aurkezten du non materialek
leku moldakor bat konpartitzen du-
ten. Lan honek, intuizioren bitartez
ukitu nahi duen eta gelditu ezin den
esku baten moduan funtzionatzen
du, jolas bat bezala, parke edota
txaku­rrentzako entrenamendurako
zirkuito bat bezala, non artista mu-
gitua izan den eta mugimendua era-
gin duen. Hurbilketa material hori,
traketsa, sinplea, irregularra da,
ume batek egur koskorrekin gaztelu
bat eraikitzen duen modura.
Zentzu honetan, jolasa ez da soilik
jolasa, munduan egoteko modu bat
ere bai. Materialetan eta haien iza-
eretan miatzeak, mundua elkarbizi­
tza bitxiz eraikitako espazio bat
bezala ikustea permititzen digu.
Bilduma honetan, mugiezina, gel-
diezina, mugitzeko zorian dagoena,
mugiarazia, mugitu izan dena eta
jarraitu ezin duena edota mugimen-
duari eusten diona ikusgai dago.
Marina Suarez Ortiz de Zarate
Arte Ederretan lizentziatua (UPV/
EHU), Praktika eszenikoan eta kul-
tura bisualean Masterra (UCLM,
ARTEA, Reina Sofia). Bere ibilbide
artistikoa arte plastiko eta eszeni-
koen artean mugitu izan da. Azken
urteetan espazioa materialtasunetik
eta performatibitatetik esploratu
du. Beka ezberdinak jaso ditu (Gaz-
te sortzaileak, Emart Showroom,
Eusko Jaurlaritzako arte plastikoak
eta sorkuntza koreografikoa). Bere
lana AZALA, BilbaoArte, Baratza eta
Teatro Pradilloko egonaldiei esker
garatu du.
Marina Suarez Ortiz de Zarate
Coleccion Bortusai se basa en la reco-
lección, manipulación y recolocación
de objetos y materiales de diferen-
tes naturalezas con los que explorar,
desde relaciones basadas en la dife-
rencia, la comunicación perceptiva
de la materia. Se podría hablar de
naturalezas que coexisten, de mate-
ria que se mueve, de elementos que
se comunican. Esta colección pre-
senta un reducto de objetos y ma-
teriales que conviven en un espacio
variable. Desde la intuición de quien
toca porque le lleva la mano, este
trabajo funciona como un juego,
una especie de parque o de circui-
to de entrenamiento para perros en
el que la artista ha sido movida por
el entorno y éste, a su vez, ha sido
movido por ella. Esa aproximación
material se da desde lo rudo, lo sim-
ple, lo irregular, lo inexperto, como
el niño que construye un castillo con
dos piezas toscas de madera.
En este sentido el juego no es solo
juego sino una manera de estar en el
mundo. Es a través de indagar en los
materiales y sus naturalezas, sus re-
acciones, sus combinaciones, lo que
permite visualizar el mundo como un
espacio de convivencia extraña. En
esta colección se encuentra lo que
no se puede mover, lo que no para
de moverse, lo que está a punto de
moverse, lo que es movido, lo que se
ha movido mucho y ya no puede o lo
que se resiste al movimiento.
Marina Suarez Ortiz de Zarate
es licenciada en Bellas Artes por la
UPV/EHU, Master en Práctica Escé-
nica y Cultura Visual (UCLM, ARTEA,
Reina Sofia). Su trayectoria como ar-
tista oscila entre las artes plásticas
y las escénicas. En los ultimos años
explora el espacio desde lo matérico
y lo performativo. Ha recibido be-
cas como Gazte Sortzaileak, Emart
Showroom o Ayudas a la producción
del Gobierno Vasco en artes plásti-
cas y coreografía. Ha desarrollado
parte de sus trabajos gracias a dife-
rentes residencias (BilbaoArte, AZA-
LA, Baratza, Teatro Pradillo).
Vitoria-Gasteiz 1988
manusk.szo@gmail.com
Coleccion Bortusai is based on gath-
ering, manipulating and reposi-
tioning different objects and ma-
terials in order to explore, from
difference-based relations, the
perceptive communication of mat-
ter. One might talk of coexisting
natures, moving matter, communi-
cating elements. This collection is a
bastion of objects and material that
coexist in a variable space. Based
on the intuition of touching some-
one who stretches out their hand,
this work functions as a game, a
kind of dog training circuit or park,
where the artist has been moved by
the environment and it, in turn, has
been moved by her.  This material
approach occurs from the rough,
the simple, the irregular, the inex-
perienced, like the child who builds
a castle with two crude pieces of
wood.
The game is thus not only a game,
but rather a way of being in the
world. The world can be seen as a
type of strange coexistence by ex-
ploring materials and their nature,
their reactions and their combina-
tions. This collection contains what
cannot move, what does not stop
moving, what is about to move,
what is moved, what has moved
a great deal and can no longer, or
what resists movement.
Marina Suarez Ortiz de Zarate
graduated in Fine Arts from the
UPV/EHU and has a Master’s Degree
in Arts Practice and Visual Culture
(UCLM, ARTEA, Reina Sofia). Her ca-
reer as an artist has fluctuated be-
tween the performing and plastic
arts. In recent years, she has been
exploring space from the materi-
al and performance. Marina has
been awarded scholarships includ-
ing Gazte Sortzaileak, Emart Show-
room and the Basque Government’s
grants for production in plastic
arts and choreography. Part of her
graphic work has been produced
in different residencies (Bilbaoarte,
AZALA, Baratza, Teatro Pradillo).
103

«Legein/teukhein kontzeptuen arte-
an murgiltzen naiz, esan-pentsatu/
egin-eraiki-sortu. Nire subjektibita-
tearen eta objektuaren artean zer-
bait dagoenaren ideiak erakartzen
nau, ikusten ez dena baina sumatze-
ko sensiblea denak. Hiru maitaleren
arteko erlazioak zentzutzen duena,
instalatzeko ariketan zeozerk guru-
tzatzen, bizia ematen eta bizi izaten
duen sentsazioak erakartzen nau.
Objektu bakoitzak, unitate bezala,
izateko eta beste objektuekiko er-
lazioan bihurtzeko gaitasuna dute.
Sortzen diren erlazioak eta es­
kaintzen didaten ahalmen mugaga-
beak erakartzen naute.
Prozesua da zutabe eta euskarria,
beraien artean aurkakoak diren ma-
terialen artean sortzen diren joeren
bilaketa etengabean aritzen naiz.
Joko dialektiko batean, egonko­rra-
dinamikoa, iragankorra-hondarra,
materialen jokaera naturalen eta
hertsatzen dituzten materialen arte-
an gertatzen dena. Materialak muga
berrietara moldatzera eta batzera
behartuz.
Nire prozesua, indar berbereko
elementuek sortzen duten enfren-
tamenduak erakarrita jaiotzen da,
naturala-artifiziala, fluorra-grisa, bi­
guna-gogorra, disdira-matea, txu-
ria-beltza, solidoa-likidoa. Faktore
hauen arteko talkak gorpuzkera na-
hasi berri bat sortzen du, desegiten
dena.
Keinua aztarna etengabea da, gor-
dina, zakarra eta zikina. Nire keinua,
keinu materikoa, eta ondorioa dena.
Egitearen eta egiten uztearen arte-
ko mugak desitxuratzeko saiakera».
Irati Urrestarazu Okela sormen lan-
tegiko sortzailea 2014. urtetik hone-
ra komisariotza lanarekin uztartu
du bere praktika artistikoa. Erakus­
keta indibiduala izan du Rekalde
aretoan 2019an eta 2013tik gaur
arte zenbait erakusketa kolektibo-
etan parte hartu du. Bizkaiko dipu-
tazioaren produkzio beka jaso zuen
(2017-2018) eta Euskal gobernuko
produkziorako dirulaguntza jaso du
(2019). BilbaoArte Fundazioko be-
kaduna izan da (2019).
«Me muevo dentro de la idea de le-
gein/teukhein, decir-pensar/hacer­-
fabricar-construir.
La idea de que hay algo entre mi
subjetividad y el objeto, algo que no
se ve pero es sensible a percibirse.
Un triángulo amoroso que termina
de dar sentido, en el momento de
instalar o situar en el espacio suce-
de algo que atraviesa, vive y habita.
Cada objeto que desarrollo, como
unidad, tiene la capacidad de ser y
convertirse en la relación con otros
objetos. Esa relación que se genera
y la capacidad infinita que ofrece es
lo que me motiva.
El proceso se vertebra como eje
central, una búsqueda constante de
los comportamientos de materiales
que considero contrarios entre si,
en un juego dialéctico sobre lo está-
tico-dinámico, lo efímero-residual,
entre su comportamiento natural
y los materiales que lo constriñen.
Obligando a los materiales a adap-
tarse y confluir en nuevos límites.
Mi proceso nace del enfrentamien-
to que me generan atracciones de
igual fuerza, natural-artificial, fluor-
gris, blando-duro, brillo-mate, blan-
co-negro, sólido-líquido. La colisión
de estos factores generan un nuevo
cuerpo confuso, en disolución.
El gesto es un huella constante,
una huella cruda, basta, y sucia. Mi
propio gesto, el gesto matérico, y el
resultante. Tratando de desdibujar
los límites entre el hacer y dejarse
hacer».
Irati Urrestarazu es fundadora
de Okela Sormen Lantegia, ha comi-
sariado exposiciones desde 2014
hasta la actualidad. Desde el 2013
ha participado en varias exposicio-
nes colectivas y ha realizado una
individual en la sala Rekalde (2019).
Ha recibido la Beca de Producción
de la Diputación de Bizkaia (2017-
2018), la Subvención Modalidad de
Creación-Producción Gobierno Vas-
co (2019). Ha realizado la residencia
BilbaoArte (2019).
Irati Urrestarazu
Altsasua, 1989
irati.urresta@gmail.com
‟I move among the idea of legein/
teukhein, say-think/make-produ­ce-
build. The idea of being something
between my subjectivity and the
object. Something that can not be
seen but is sensitive to perceive it.
A love triangle that finishes making
meaning, at the time of installation
or placing the objects in the space
happens something that cross, lives
and inhabits.
Each object that I make, it shall func-
tion as an autonomous unit, it has
the capacity to be and transform ac-
cording to the other objects. The re-
lationship generated and the infinite
capacity that it offers is what moti-
vates me the most.
The process hinges on the central
axis, a constant research for the be-
havior of materials that I consider
contraries between them, in a dia-
lectical bond between the station-
ary-dynamic, the ephemeral-remain-
ing, between their natural behavior
and the materials that constrain
them. Compelling the materials to
adapt and to converge on new limits.
My process comes under the con-
frontation that creates attractions
with equal force, natural-artifi­cial,
fluo­ride-grey, soft-hard, bright-
ness-dull, solid-liquid. The collision
of these factors generate a new con-
fused body, in solution.
The gesture is a constant finger-
print, a raw print, is rough and
dirty. Mi own gesture, the material
gesture, and the result. I try to blur
the lines between `making´ and let
things happen“.
Irati Urrestarazu is founding mem-
ber of Okela Sormen Lantegia, she
has curated exhibitions from 2014
until the present. From 2013 she has
been involved in several collective
exhibitions and she has had a solo
exhibition in Sala Rekalde (2019).
She obtained a grant from the Pro-
vincial Council of Bizkaia in art pro-
duction (2017-2018), also a grant of
the Basque Government in Art Crea-
tion-production (2019), and she has
recently made an artistic residence
in BibaoArte (2019).
107

«Norbera ez denaren inguruan hitz
egiten hasten da (ez dagoenaren ingu-
ruan, batek ez dakienaren inguruan.) //
Norberak kanpoaldearen inguruan or-
bitatzen du. // Kanpoaldean dagoena
beste edozer baino urrunago dagoena
da. Gauza hitza debekatuta zegoela
esanez hezi gintuzten, gauza hitza
gehien den eta ez den hitza da aldi
berean. Nahiz eta mundu guztiak
dakien gauza bat eta bestearen ar-
tean beti dagoela distantzia bat. Ba-
tzuetan gauzak elkartuta daude, eta
beste gauza batzuk gertatzen dira.
Esan behar dugun egia zera da: gau-
zen aldaketak, nik ulertu ezin dudan
irakaskuntza jatorrizko eta sakon bat
ematen dizula zuri. Honek gu bion arte-
ko harridura azaltzen du. Gauzak ikus-
tea, gauzak imajinatzea da. Eta egun
batean gauzek elkarren antza har-
tzen dute, gauzak lekualdatzen dira.
Hodi batek besoa dirudi. Inbutu ba-
tek hezurra dirudi. Eta gorri hori gorri
hau bezalakoa da. Gauzek behar pro-
pioak dituzte. Edukazio onekoa izan
behar da, apur bat mimatu. Ukitu, to-
lestu, bildu, moztu, inguratu, noraino
ikusi, hau da egiten dudan gimnasia,
sistema bat aurkitzeko esperoan, kei-
nua. Orduan, batzuetan, gauzak eta
biok, ongi-etorri hedakor bat ema-
ten diogu elkarri. Guraso eta ume,
biki, edo maitaleek xurgatze horren
(beraren) bitartez komulgatu dezakete.
Forma horien «bat-egitea» ulertzeko ez
da era bakarra existitzen, batak bestea
sortu zuela jakin dakigun arren. Ho­
rregatik, gauzei buruz ezin daitekeen
eta ezin izan dugun hitz egin, gauzak
ez datozenez ezerekin bat, hitzak la-
purtzen ditut».
Marta van Tartwijk Arte Ederretan
lizentziatu da UCM-n, A*Desk-en
bitartez, Bartzelonako Unibertsitate-
an, formazioa osatuz. 2014an, Sala
d’Art Jove ekoizpen artistikoaren
saria lortu zuen, eta 2017an, berriz,
sorkuntzari bideratutako INJUVE.
2016an, Teatro Pradillo-n, bere lan
eszenikoa aurkeztu zuen. Sala Ama-
dís, Getxoarte, TEA, San Andreu Con-
temporani-n aurkeztu du bere lana.
Madrilgo Erkidegoaren produkzio
beka lortu zuen, baita BilbaoArteko
egonaldi-beka ere.
«Uno comienza a hablar de lo que no
es (De lo que no hay, de lo que uno
no sabe.) // Uno orbita alrededor del
afuera. // Lo que está afuera es lo que
está más lejos que cualquier otra cosa.
Nos educaron diciéndonos que la
palabra cosa estaba prohibida en los
redactados, porque la palabra cosa
es la palabra que más es y menos
es al mismo tiempo. Aunque todo
el mundo sabe que siempre hay una
distancia entre una cosa y otra cosa.
A veces las cosas están juntas, y en-
tonces suceden otras. La verdad que
hemos de decirnos es la siguiente: el
cambio de las cosas te da a ti una en-
señanza originaria y profunda que yo
no puedo comprender. Y esto explica
una extrañeza entre nosotros dos. Ver
cosas es imaginar cosas. Y hay un día
en que las cosas se parecen, en que
las cosas se desplazan. Y una tubería
parece brazo. Y un embudo parece
hueso. Y aquel rojo es como este
rojo. Las cosas tienen sus propias ne-
cesidades. Hay que ser educado, mi-
mar un poco. Tocar, doblar, envolver,
cortar, rodear, ver hasta dónde, esta
es la gimnasia que hago esperando
encontrar un sistema, el gesto. Y en-
tonces a veces sucede que la cosa y
yo nos damos la una a la otra una
misma bienvenida expansiva. Los
padres y los bebés, los gemelos, o los
amantes pueden comulgar a través de
esa (misma) absorción. No existe una
sola manera de entender la «unión»
de esas formas incluso aunque sepa-
mos que una de ellas fue hecha por la
otra. Por eso, porque de las cosas no
se puede ni hemos podido hablar,
porque las cosas no corresponden a
nada robo palabras».
Marta van Tartwijk es licenciada
en Bellas Artes por la UCM, comple-
tando su formación en la Universitat
de Barcelona y en A*Desk. Obtuvo
el premio de producción artística de
Sala d’Art Jove en 2014, el de creación
INJUVE en 2017. En 2016 presentó su
trabajo escénico en Teatro Pradi-
llo. Ha expuesto su trabajo en Sala
Amadís, Getxoarte, el TEA, San An-
dreu Contemporani. Ha sido benefi-
ciaria de la beca de producción de la
Comunidad de Madrid, así como de
la beca de residencia de BilbaoArte.
Marta Van Tartwijk
Barcelona, 1990
martavantartwijk.com
‟One begins by speaking of what is
not (Of what there is not, of what one
does not know.) // One orbits around
the outside. // What is outside is what
is further than anything. They educa-
te us by saying that the word thing
cannot be used in essays, because
the world thing is the world that is
most and least at the same time.
Even though everyone knows that
there is always a distance between
one thing and another thing. Thin-
gs are sometimes together and
then others happen. The truth is
that we have to say the following:
changing things gives you a deep and
homegrown education that I cannot
understand. And this explains an
estrangement between us both.
Seeing things is imagining things.
And a day comes when things are si-
milar, when things shift. And a pipe
seems to be an arm. And a funnel
seems to be a bone. And that red is
like this red. Things have their own
needs. One has to be educated, be
a little pampered. Touch, fold, wrap,
cut, envelop, see how far, this is the
gymnastics that I do hoping to find
a system, the gesture. And then it
sometimes happens that the thing
and I give each other the same
expansive welcome. Parents and ba-
bies, twins or lovers can commune by
means of that (same) absorption. The-
re is no single way of understanding
the ‛union’ of those forms even when
we know that one of them was done
by the other. Therefore, I steal words
as we cannot or could not speak
about things, because things do not
correspond to anything”.
Marta van Tartwijk graduated in Fine
Arts from the Complutense University
of Madrid, and completed her edu-
cation at Barcelona University and at
A*Desk. She won the Sala d’Art Jove
artistic production prize in 2014 and the
INJUVE creation award in 2017. In 2016,
she showcased her dramatic work at
the Pradillo Theatre. Her work has been
exhibited at Sala Amadís, Getxoarte,
the TEA and San Andreu Contempora-
ni. Marta was awarded the Comunidad
de Madrid production grant and the Bi-
lbaoarte residency scholarship.
111
 BA-BA-BA-BA, 2019
Keramika, kobrezko tutua eta plastikoa
Cerámica, tubo de cobre y plástico
Neurri aldakorrak/ Medidas variables
113
 PRODUKZIO BEKAK
BECA PRODUCCÍON
PRODUCTION GRANT

Marrazkia funtsezko oinarri gisa
izanik, gaur egun dagoen proiek-
tua erre­produkzio metodo ezberdi-
nen garapenera dago bideratuta.
Teknika grafikoa eta zeramika inte-
resatzen zaizkio abiapuntua guztiz
itxuraldatu arte prototipoa eralda-
tzeko, forma emateko eta suntsi-
tzeko duten erraztasunagatik. Bere
proposamena proportzio eta kon-
posizioen hierarkietatik eta kodigo
tradizionaletatik aldentzea mesede
egiten dion lengoaia berritzailea
da, elementuen gehiegikeriare-
kin ensaiatzen du eta bere irudiek
irakurketa liberatuak dituzte, fik-
zioa antzeman daitekeelarik. «Ma­
rrazkiaren bidez, komikian jatorria
duten elementuak erabiltzen ditut.
Kodigo berri bat sortu arte, forma
bakoitza aletzen eta banakatzen
saiatzen naiz, grafia edo elementu
figuratibo gisa (gorputzaren atal
bat, esaterako). Ariketa honen bi-
dez, eta zorizkoaren eta zenguga-
bekoaren bitartez, narratiba forma
berriak sortzen saiatzen naiz».
Raisa Alava Robina artista eta ilus-
tratzailea da. UPV/EHUn eta Bar-
tzelonako ELISAVAn egin ditu bere
ikasketak. Bilbon bizi da. Jasotako
beka ezberdinen artean, AirWron
(Polonian), Maison des Auteurs (An-
gouleme) Irudika, Artiumen Esku-
aldeak eta oraingoa, BilbaoArten.
Bere erakusketen artean Si aparez-
co aparezco/ momentuz ez Rekalde
aretoan, Bizkaiko Foru Aldundia eta
Ride the Lightning La Tallerren arte
bisualen sorkuntzan izandako la-
guntzari esker. Kolektiboen artean
The Dollen CERCO (Zaragoza) eta Lo
que tu ves no es lo que yo veo Zumaia-
ko Harriaken programan.
116
El proyecto en el que se encuentra
actualmente se centra en el desarro-
llo de diferentes métodos de repro-
ducción tomando como base fun-
damental el dibujo. Le interesan las
técnicas gráficas y la cerámica por
su facilidad para modificar el proto-
tipo, para darle forma y destrozarlo
hasta transformar por completo el
punto de partida. Su propuesta es
un lenguaje de renovación al que le
sienta bien alejarse de jerarquías y
códigos tradicionales de proporción
y composición, ensayo con el exceso
de elementos y sus imágenes tienen
lecturas liberadas pudiendo intuir-
se ficciones. «Desde el dibujo, uso
elementos recurrentes que provie-
nen fundamentalmente del cómic.
Intento desgranar y hacer desglose
de cada forma hasta inventar un
código nuevo, en forma de grafía o
de elemento figurativo (una parte
del cuerpo, por ejemplo). Gracias a
este ejercicio, intento crear nuevas
formas de narrativa, mediante lo
azaroso y lo que no tiene sentido».
Raisa Alava Robina es artista e ilus-
tradora. Ha realizado sus estudios
de Bellas Artes en la UPV/EHU y en
la ELISAVA de Barcelona. Reside en
Bilbao, entre las diferentes becas
recibidas destaca su residencia en
AirWro (Polonia), Maison des Au-
teurs (Angouleme) de Irudika, Es-
kualdeak de Artium y la actual en
Bilbaoarte. Entre sus exposiciones
destaca Si aparezco aparezco/ mo-
mentuz ez en la sala Rekalde como
resultado del trabajo realizado con
la ayuda a la creación de artes vi-
suales de la Diputación Foral de Biz­
kaia y Ride the Lightning en La Taller.
Entre las colectivas destaca The Do-
llen CERCO (Zaragoza) y Lo que tu ves
no es lo que yo veo dentro del progra-
ma Harriak en Zumaia.
Raisa Alava Robina
Zuaza (Ayala), 1990
www.raisalava.com
Raisa Alava Robina’s current project
focuses on developing different re-
production methods, fundamentally
based on drawing. She is interested
in graphic techniques and ceramics,
given how easy it is to modify the
prototype, give it form and destroy it
to completely transform the starting
point. Raisa’s proposal is a language
of renewal where she seeks to step
away from traditional hierarchies
and codes of proportion and com-
position, play with the excess of el-
ements and her work has free read-
ings where fiction can be sensed. ‟I
draw and use recurrent elements
that mainly come from comics. I
try to thresh and break down each
form to invent a new graphic code
or using figurative elements (a body
part, for example). That exercise lets
me attempt to create new narrative
forms, by means of the haphazard
and meaningless”.
Raisa Alava Robina is an artist and
illustrator. She studied Fine Arts at
the University of the Basque Country
(UPV/EHU) and at ELISAVA in Barcelo-
na. She lives in Bilbao and her differ-
ent grants include her residency at
AirWro (Poland), Maison des Auteurs
(Angouleme) funded by Irudika, Es-
kualdeak funded by Artium and her
current one at BilbaoArte. Her exhi-
bitions include Si aparezco aparezco/
momentuz ez at Sala Rekalde as the
result of her work funded by Bizkaia
Provincial Council’s visual art creation
grant and Ride the Lightning at La Tall-
er. Special mention should be made
of The Dollen CERCO (Zaragoza) and
Lo que tu ves no es lo que yo veo as
part of the Harriak programme in Zu-
maia, among her group exhibitions.
117

Cuatro habitaciones segida, grabatu
kalkografikoan egindako ilustrazio
proiektua da, espazio/logela baten
barruan bi pertsonaiaren arteko
erlazioek osatzen dutena. Espazio
irreal hauek dira, sarritan, lengoaia
enigmatiko eta ilunetatik abiatuta-
koak; familiarrak eta intimoak zaiz-
kigun elementuak errepikatuz, eta
tristezia eta melankolia sentsazioak
sorraraziz.
Bere protagonistarekin, hurrengo
ideia proposatzen du: espazio bat
hutsik dagoenean ez da norbaitek
habitatzen duenean bezain bakar-
tia. Hau da, bakardadea ikusgarria-
goa egiten da pertsonaia, dekoratu
estatiko batez inguratua, logelan
bakarrik dagoenean.
Estatikoak izateaz gain, deseroso-
ak dira sortzen dituen giroak. Beti
dago protagonista begiratzen duen
norbait, eta berak ez daki ezer pre-
sentzia horretaz, Habitación I-n ikus
daitekeen bezala, segida grafikoa
hasten duen obra.
Urtintak ematen dion iluntasunaren
teknikaren bitartez, iruditegi propio
eta intimoa sortzen du artistak, ar-
gia pertsonaia bat gehiago izanik,
jakin-mina sortu edo lekuz kanpo
sentiarazteko nahiak bultzatuta.
Andrea Alonso Arte Ederretan gra-
duatua Pintura eta Grafikan Mino­
rrarekin 2015 (UPV/EHU). 2017an
LLAVES beka izan zuen, LA GALERÍA
proiektuarekin, Santander Creativa
fundazioa eta Centro Botín-en esku-
tik. Erakusketa kolektiboetan esan-
guratsuena: OPEN PORTFOLIO FIG
(2019) Ensanche Eraikinean, Bilbo.
Aurten PRODUKZIO BEKA egokitu
zaio BilbaoArten Cuatro habitaciones
proiektuarekin.
118
La serie Cuatro habitaciones es un
proyecto de ilustración en grabado
calcográfico que comprende dos
personajes y sus relaciones dentro
de un mismo espacio/habitación.
Son estos espacios irreales los que
a menudo parten de un lenguaje
enigmático y lúgubre; repitiendo
elementos que nos son familiares,
íntimos, evocando una sensación de
tristeza y melancolía.
Con su protagonista, expone la idea
de que un espacio es menos soli-
tario si está desolado que si está
habitado por alguien. Es decir, la
soledad se hace más visible cuando
el personaje se encuentra solo en la
habitación, rodeado de un decorado
estático.
Además de estáticos, los ambientes
que recrea son incómodos. Siempre
hay alguien observando a la prota-
gonista, y ella es completamente
ajena a esa presencia, como se apre-
cia en Habitación I, obra que comien-
za la serie gráfica.
A través de la oscuridad que le
permite la técnica de aguatinta,
construye un imaginario propio e
íntimo, haciendo de la luz un perso-
naje más, con la motivación de des-
pertar extrañamiento y curiosidad
en el espectador.
Andrea Alonso es graduada en Be-
llas Artes con la especialidad Minor
de Pintura y Gráfica en 2015 (UPV/
EHU). En 2017 obtuvo la beca LLA-
VES con el proyecto LA GALERÍA,
por la fundación Santander Creativa
y Centro Botín. Ha participado en
exposiciones colectivas, entre las
que destaca el certamen de OPEN
PORTFOLIO FIG (2019) en el Edificio
Ensanche, Bilbao. Este año se le con-
cede la BECA DE PRODUCCIÓN de
BilbaoArte por su proyecto Cuatro
habitaciones.
Andrea Alonso
Santander, 1993-
andreaalonsovargas@gmail.com
The Cuatro habitaciones series is
an illustration project in chalco-
graphic engraving which features
two characters and their rela-
tions within a single space/room.
They are those unreal spaces which
often start from a grim and enig-
matic language; repeating elements
that are familiar, intimate to us,
evoking a feeling of sadness and
gloom.
With my main character, I argue that
a space is less lonely if it is bleak
than if it is inhabited by someone.
In other words, loneliness is more
visible when the character is alone
in a room, surrounded by a static
backdrop.
Apart from being static, the settings
I create are uncomfortable. There is
always someone observing the main
character, and she is completely de-
tached from that presence, as can
be seen in Habitación I, the work that
begins the graphic series.
I use obscurity, which lets me re-
sort to the aquatint technique, to
construct an own and intimate im-
aginary, turning light into another
character, motivated to awaken
estrangement and curiosity in the
viewer.
Andrea Alonso graduated in Fine
Arts, minoring in Painting and
Graphics, in 2015 (UPV/EHU). In
2017, she was awarded the LLAVES
grant by the Santander Creativa
Foundation and Botín Centre for her
LA GALERÍA project. Andrea has tak-
en part in group exhibitions, includ-
ing the OPEN PORTFOLIO FIG (2019)
at the Edificio Ensanche in Bilbao).
This year, she was awarded the Bil-
baoArte PRODUCTION GRANT for
her Cuatro habitaciones project.
119

Artistikoa eta onirikoaren arteko
ideien bateratze bat dago Jenniren
esperientzia plastiko eta bisualean.
Objeto ritual proiektuarekin, ingura-
tzen gaituzten objektuekin sortzen
diren harremanen bilaketa bisual
eta piktorikoa egiten da. Bilaketa
honekin, objektu, denbora eta espa-
zioen arteko eztabaida sortzea inte-
resatzen zaio artistari. Izan ere, arte
inguruko praktikan, espazioa, objek-
tuaren parte bat izan daiteke, eta,
era berean, denbora, prozesu artis-
tikoaren ezaugarri batean bihurtzen
da. Hori dela eta, bai espazioa bai
denbora gauzatzen dira, objektu ar-
tistikoarekin bat eginez.
Eskultura, pintura eta ikus-entzun­
ezko arteko feedback batean susta-
tzen da bere lana. Hau da, eskultu-
raz egindako artefakto bat bideo
batentzat pentsatuta egon daiteke.
Halaber, bideo horietako fotogra-
mak pinturarekin lantzen ditu, iru-
dien esanahia sinbolikoa materia
bihurtzeko helburuarekin.
Jenni Alvarado Eskal Herriko Uni-
bertsitatean, Arte Ederretan lizentzi-
atuta (2006). Geroztik bere proiektu
artistikoak, batez ere pintura arloan
izan dira. Era berean, ikus-entzune-
zko inguruan ere lan desberdinak
egin ditu. Hori dela eta, bi hizkuntz
horien elkarrizketaren sormena
landu du. Ertibil erakusketa kolek-
tiboarentzat hautatuta (2010). Clo-
ne Magazine – especial ilustración
hautatuta (2011). Eusko Jaurlaritza-
ko Bizkaiko Foru Aldundiaren arte
plastiko eta ikusizkoen Beka (2015).
Pintura Masterra Euskal herriko Uni-
bertsitatean (2018). Objeto Ritual eta
Falso Totem proiektuarekin lan egi-
ten jarraitzeko (2019).
120
En su experiencia con el procedimien-
to plástico y visual, existe una aso-
ciación de ideas entre lo artístico y lo
onírico. Objeto ritual, responde a una
búsqueda visual y pictórica en cuanto
a la relación con los objetos que nos
rodean. Dicha búsqueda plantea una
serie de cuestiones en torno al obje-
to, al espacio y al tiempo, ya que en
la práctica artística el espacio puede
formar parte del propio objeto, mien-
tras que el tiempo se convierte en una
cualidad para la percepción del proce-
so creativo, cosificándose a su vez con
el propio objeto artístico.
Parte de una retroalimentación entre
varios elementos de expresión plás-
tica y visual, generándose de este
modo, una relación entre la construc-
ción del objeto escultórico, el uso de
dicho objeto en el medio audiovisual,
dotándole de cierta simbología inhe-
rente a los propios materiales, colores
y formas; y la representación pictó-
rica de algunos de esos fotogramas,
convirtiendo la imagen en naturaleza
muerta, y liberando el contenido sim-
bólico de sí mismo, para transformar-
lo en pura materia.
Jenni Alvarado. Se licenció en Be-
llas Artes en la Universidad del País
Vasco (2006). Desde entonces sus
proyectos artísticos se han desarro-
llado sobre todo en torno a la pin-
tura. Al mismo tiempo ha llevado a
cabo diferentes trabajos de ámbito
audiovisual, y esto le ha generado
un diálogo entre ambos lenguajes.
Seleccionada para la exposición
colectiva de Ertibil (2010). Seleccio-
nada para la revista Clone Magazine
– especial ilustración (2011). Beca
a la producción de artes plásticas y
visuales de la Diputación Foral de
Bizkaia (2015). Máster de pintura en
la Universidad del País Vasco (2018),
para continuar trabajando entorno
al Objeto ritual y al Falso Tótem (2019).
Jenni Alvarado
Durango, 1981
There is an association of ideas be-
tween the artistic and the dreamlike
in Jenni’s experience with the visual
and plastic art process. Objeto ritual
is a response to a pictorial and visual
search regarding the relationship
with objects that surround us. That
search raises a series of questions
about the object, space and time,
as space in artistic practice can form
part of the object itself, while time
becomes a quality for the percep-
tion of the creative process, objec-
tifying in turn with the very artistic
object.
Jenni starts from feedback between
different elements visual and plastic
expression, thus generating a rela-
tionship between the construction
of the sculptural object, the use of
that object in the audiovisual me-
dium, endowering it with a certain
symbology inherent to the very ma-
terials, colours and forms; and the
pictorial depiction of some of those
photograms, turning the image into
still life, and releasing the symbolic
content as such to transform it into
pure matter.
Jenni Alvarado graduated in Fine
Arts from the University of the
Basque Country (2006). Her artistic
projects since then have particular-
ly focused on painting. At the same
time, Jenni has produced different
audiovisual works and that has gen-
erated a dialogue between both
languages. Selected for the Ertibil
group exhibition (2010). Selected
for Clone Magazine – especial ilus-
tración (2011). Awarded Bizkaia Pro-
vincial Council’s visual and plastic
arts product grant (2015). Master’s
Degree in Painting from the Univer-
sity of the Basque Country (2018),
to continue working on Objeto ritual
and on Falso Tótem (2019).
121

Humillación y Estrella proiektu bi-
deografiko, sonoro, musikal eta
performatibo bateratua da, Bizkaia
Gipuzkoa eta Nafarroako kokaleku
ezberdinetan gauzatua.
Paisaia industrial eta naturaletatik
abiatutako grabazioetatik, nostalgia
eta iraganaren ikuskera, memoria,
bitxikeria eta komunikazio burutuga-
bearen kotzeptuak berrikusten dira.
Aizkorri eta Zumaiako itsaslaba­
rrek gogo-aldarte eta oroitzapenen
espresio eta keinuen atze-oihal be-
zala funtzionatzen dute. Denbora eta
ahanztura, memoria eta hutsune be-
zala ulertutako sedimentazio eta hi-
gadura. Bestalde, Barakaldoko espa-
zio industrialak izaki arraro baten
haluzinazioen eszenatoki dira, toki
propio bat aurkitzeko erreferenteak
bilatzen dituen ez-memoria mota bat.
Segida hau softwarearen efektu di-
gitalen disoluzioen erabilerak ezau-
garritzen du. Bideoaren kasuan
baliabide plastiko eta analogikoek
ordezkatua, eta soinuaren kasuan,
aldiz, ordenagailuen erabilerarik ga-
beko elektronika, zeinetan melodiek
flotatzen duten, oroitzapen urrun eta
desitxuratu bat bezala esanahia bi-
latzen dute.
Artista biek bideo kontzertuen prak-
tikatik garatu dituzte pieza hauek,
asmatze eta akatsen metodoan kon-
fidantza jarriz.
Severine Beata Marta Peláez Corchs
musikologo malagarrak aukeratuta-
ko izena da. Bere azken albumari, El
Ojo Brillante (2018), oso kritika ona
egin zaio, Reina Sofia Museoan, Me-
diaLab Prado, Ca2M, eta LEM Gràcia
Territori Sonor bezalako festibal eta
erakusketetan programatua izanik.
Beatriz Sánchez Arte Ederretan li-
zentziatua da EHUn, eta Arte Digi-
talen Masterra ere egin du Pompeu
Fabra Uniberstitatean. Marrazkilaria,
performerra, ikus-entzuneko sortzai-
le eta multimedia ganberroa da. Bere
lanak aipamen ugari izan ditu, eta di-
fusio espazio ezberdinetan eraku­tsia
izaten ari da, hala nola Metrópolis
Rtve, Caixaforum, La Casa encendi-
da, Centro José Guerrero, CentroCen-
tro Cibeles, Centro Huarte, eta abar.
Humillación y Estrella es un proyecto
conjunto videográfico, sonoro, musi-
cal y performativo realizado en dife-
rentes localizaciones de Bizkaia, Gui-
puzkoa y Navarra.
A partir de grabaciones de paisajes
industriales y naturales se revisa el
concepto de nostalgia y visión del pa-
sado, memoria, extrañeza y comuni-
cación incompleta.
Los acantilados de Azkorri y Zumaia
sirven de telón de fondo para mostrar
expresiones y gestos de estados de
ánimo y recuerdos. Sedimentación y
erosión entendidos como tiempo y ol-
vido, memoria y vacío. Por otra parte,
los espacios industriales de Barakaldo
son escenarios para la alucinación de
un ser extraño, una suerte de desme-
moria que busca referencias para en-
contrar un sitio propio.
Esta serie se caracteriza por la diso-
lución del uso de efectos digitales
propios del software, sustituidos por
recursos plásticos y analógicos en el
caso del vídeo y hacia una electrónica
sin uso de ordenadores en lo sono-
ro, donde las melodías se sugieren y
flotan, buscan significado como un
recuerdo lejano y desdibujado.
Las dos artistas han desarrollado
estas piezas desde la práctica en
vídeo-conciertos, confiando en el
acierto y error como método
Severine Beata es el nombre escogi-
do por la musicóloga malagueña Mar-
ta Peláez Corchs. Su último álbum El
Ojo Brillante (2018) ha obtenido muy
buenas críticas, siendo programada
en festivales y muestras en Museo Rei-
na Sofía, MediaLab Prado, Ca2M y LEM
Gràcia Territori Sonor entre otros.
Beatriz Sánchez es Licenciada en Be-
llas Artes en la UPV y tiene un Máster
en Artes Digitales por la Universidad
Pompeu Fabra. Es dibujante, perfor-
mera, creadora audiovisual y gambe-
rra multimedia. Su trabajo ha recibido
numerosas menciones y está siendo
presentado en diferentes espacios de
difusión, tales como Metrópolis Rtve,
Caixaforum, La Casa encendida, Cen-
tro José Guerrero, CentroCentro Cibe-
les, Centro Huarte, etcétera.
Severine Beata
Málaga, 1980
Humillación y Estrella is a joint perfor-
mance, musical, sound and video-
graphic project conducted at differ-
ent places in Bizkaia, Guipuzkoa and
Navarra.
Marta uses recordings of natural and
industrial landscapes to review the
concept of nostalgia and vision of the
past, memory, estrangement and in-
complete communication.
The Zumaia and Azkorri cliffs are the
backdrop as expressions and ges-
tures of moods and memories. Sed-
iment and erosion taken to be time
and oblivion, memory and void. On
the other hand, Barakaldo’s indus-
trial spaces are the scenario for the
hallucination of a strange memory,
a type of obliteration of memory
seeking references to find one’s own
place.
This series is noted for the dissolu-
tion of the use of the software’s own
digital effects, substituted by ana-
logical and plastic resources in the
case of video and towards electron-
ics without the use of computers in
sound, where melodies are suggest-
ed and float, looking for means as a
blurred and distant memory.
The two artists have produced these
pieces using video-concerts, relying
on trial and error as a method.
Severine Beata is the name chosen
by Marta Peláez Corchs, the musi-
cologist from Malaga. El Ojo Brillante
(2018), her last album, was widely
acclaimed and appeared on the pro-
grammes in festivals and exhibitions,
including at the Reina Sofía Museum,
MediaLab Prado, Ca2M and LEM Grà-
cia Territori Sonor.
Beatriz Sánchez is Graduated in Fine
Arts from the UPV and has a Master’s
Degree in Digital Arts from Pompeu
Fabra University. She is a cartoonist,
performance artist, audiovisual pro-
ducer and multimedia rogue. Her
work has been widely prized and has
been featured in different dissemi-
nation spaces, including Metrópolis
Rtve, Caixaforum, La Casa encendida,
Centro José Guerrero, CentroCentro
Cibeles and Centro Huarte.
123
124 BilbaoArte 2017
Stalk me To the end of Love mirestuak
eta miresgarri diren pertsonentzako
Android aplikazio bat da. Berdinen
arteko hiper-zaintzarako espazioa
da, ausaz bikoteka elkartutako era-
biltzaile anonimoen artekoa. Kon-
taktu aplikazioen (Tinder edo Badoo,
esaterako) narratiba eta mekanikak
bere egiten dituen tresna da, beste-
en begirada konstanteak nola eragi-
ten gaituen zalantzan jartzeko; nola
eraikitzen dugun intimitatea eta
gure identitatea mugikorren erabil-
eraren bitartez.
Proiektu honek stalker digitalaren
figura iraultzen du (sekretuki, in-
terneten ikusgai dauden beste
pertsona baten edukiak begiratzen,
ikertzen edo espiatzen dituena), bi
erabiltzaile berdinen, berdinki zaur-
garrien, berdinki ikusgai direnen
arteko erlazio horizontala behar-
tuz. Zeinetan nolabaiteko kontu
eta edukazio onez asetu behar den
bestearen espazio intimoan sartze-
ko nahia.
Programak bi erabiltzaile batzen
dituen momentutik, bikoteak egi-
ten duen argazki berri bakoitza
mugikorreko beste edozein apli-
kaziotik ikus dezakete. Ez da beste
komunikazio formarik existitzen...
argazki GUZTIEN bitartez izan ezik.
Bakoitzak erabakitzen du noiz eten
mirespen-lotura hori, bikotez alda
baitezake edozein momentutan.
Victoria Ascaso Arte Garaikideko
Ikerketan (UPV/EHU) da doktorea.
Bere lana praktika artistikoaren,
diseinu espekulatiboaren eta iker-
ketaren artean kokatzen da. Gailu
edo tresnen sorkuntzarekin, gara-
pen teknologikoa, artefaktu tekno-
logikoak bitartekari direnean, par-
te-hartzearen paradigma eta erlazio
interpertsonalak sortzen diren era
zalantzan jartzen du.
Stalk me To the end of Love es una apli-
cación Android para personas que
admiran y son admirables. Es un es-
pacio de hiper-vigilancia entre igua-
les, entre usuarias anónimas que son
vinculadas por parejas de manera
aleatoria. Es una herramienta que se
apropia de la narrativa y las mecáni-
cas de las aplicaciones de contactos
(como Tinder o Badoo…), para cues-
tionar cómo nos afecta la mirada
constante de las demás; cómo cons-
truimos nuestra intimidad y nuestra
identidad a través del uso que hace-
mos de nuestros móviles.
Este proyecto subvierte la figura del
stalker digital (alguien que secre-
tamente observa, investiga o espía
todo el contenido disponible en in-
ternet de otra persona), al forzar una
relación horizontal entre usuarias
igualmente vulnerables, igualmente
expuestas. Donde el deseo por se-
guir accediendo al espacio íntimo de
la otra requiere de cierto cuidado y
comportamiento respetuoso.
Desde el momento en el que el
programa vincula a dos usuarias,
pueden ver cada nueva imagen que
su pareja toma con su móvil desde
cualquier otra aplicación del teléfo-
no. No existe otra forma de comu-
nicación… únicamente a través de
TODAS las imágenes. Cada persona
decide cuánto dura su vínculo de ad-
miración, porque puede cambiar de
pareja en cualquier momento.
Victoria Ascaso es doctoranda en
Investigación en Arte Contemporá-
neo (UPV/EHU). Su trabajo se sitúa
en un punto de encuentro entre la
práctica artística, el diseño especu-
lativo y la investigación. Con la crea-
ción de dispositivos o herramientas,
busca cuestionar el desarrollo tecno-
lógico, el paradigma de la participa-
ción y la manera en la que suceden
las relaciones interpersonales cuan-
do están mediadas por artefactos
tecnológicos.
Victoria Ascaso
Zaragoza, 1986
http://victoriaascaso.net/
Stalk me to the end of Love is an An-
droid application for people who
admire and are admirable. It is a
hypervigilant space between peers,
between anonymous users who are
randomly paired up. It is a tool that
hijacks the narrative and mecha-
nisms of contact applications (such
as Tinder or Badoo…), to question
how being under the constant gaze
of others affects us; how we con-
struct our intimacy and our identify
by means of our use of our mobile
phones.
This project subverts the figure of
the digital stalker (someone who se-
cretly observes, researches or spies
on all the content available online
about the other person), by forcing
a horizontal relationship between
equally vulnerable and equally ex-
posed users. When the desire to con-
tinue accessing the intimate space
of the other person requires certain
care and considerate behaviour.
From the moment when the pro-
gramme links two users, they can
see each new image that their part-
ner takes with their mobile from
any other application of the phone.
There is no other form of commu-
nication… only through ALL the im-
ages. Each person decides how long
their admiration link lasts, as they
can change partner at any time.
Victoria Ascaso is studying for her
PhD in Contemporary Art Research
(UPV/EHU). Her work is at the cross-
roads between artistic practice,
speculative design and research.
By creating devices or tools, Victo-
ria seeks to question technologi-
cal development, the paradigm of
particip­ation and what happens to
inter­personal relations when they
are mediated by technological arte-
facts.
125

Conexiones estructurales (lotura es-
trukturalak) BilbaoArten garatzen
dagoen proiektuan, arkitektura,
pentsamendua eta azken honen
funtzionatzeko era erlazionatzen
ditu. «Etengabe gabiltza pentsa-
menduak erlazionatzen eta honek
beste puntu batera eramaten gai-
tu. Daukagun edozein beldur gutaz
jabetu daiteke baimena ematen
badiogu. Sentimendu eta sentsazio
ezberdinetan murgiltzen gaituen
espazioak sortzeko gai gara».
2016. urtean hasi zen proiektu ho-
nekin Bilboko hirian eta Holandan
jarraitu zuen han egon baitzen bizi-
tzen. Hango eraikin gehienen mini-
malismoak inspiratu zuten proiek-
tuaren sormen fase ezberdinak
burutuz. Musikaren konposaketa
laminetan oinarrituta izan zen fase
horietako bat.
Hiru urte pasatu dira. Sortu duen
materialari esker eta Bilbao­Arteko
bekari esker, are gehiago landu
zuen proiektua. Beste bide berri bat
aurkitu du grabatuaren teknika ba­
tzuk ikasi dituenetik. Emaitza ezber-
dinak egin ditu diseinu grafikoa, ar-
tea (pentsamenduaren transmisore
gisa) eta musika (konposaketa eta
aintzineko notazioa) elkartuz pie-
za bakoitzean. Beti ere arkitektura
eta geometria nabarmentzen nola­
edo hala.
Inge Conde Moreno disziplina ani-
tzeko artista da. Bere obran beti na-
barmentzen dira konposaketa musi-
kala, diseinu grafikoa eta ilustrazioa.
Arte Ederretan Lizentziatua Euskal
Herriko Unibertsitatean eta Konpo-
saketa Musikalean Nafarroako Goi
Mailako Kontserbatorioan. Kodize-
ak, sinboloak eta geometría maite
ditu. Ahal duen guztietan, mundu
grafikoa, sonoroarekin bat egiten
saiatzen da.
126
En el proyecto que sigue desarrollan-
do en BilbaoArte Conexiones estruc-
turales relaciona la arquitectura con
el pensamiento y con su modo de
funcionar. «Hilamos pensamientos
constantemente para movernos a
otro punto, a otro estado. Un miedo
puede crecer si le damos pie a ello.
Un pensamiento lleva a otro. Somos
capaces de crear espacios que nos
sumergen en distintas sensaciones y
sentimientos».
Empezó este proyecto en Bilbao en
2016 y lo continuó en Holanda don-
de ha estado viviendo. El minimalis-
mo de muchos de los edificios de la
ciudad de La Haya han conseguido
inspirarla y fomentar nuevas etapas
de creación. Incluyendo la composi-
ción musical a partir de las láminas
tratándolas como partituras gráficas.
Después de tres años y con tanto
material, y gracias a la beca a la pro-
ducción de BilbaoArte, lleva aún más
lejos el proyecto. Éste ha tomado un
nuevo giro gracias al grabado y a sus
posibilidades. Con el hilo conductor
de la arquitectura, conocimientos de
música y de diseño gráfico, ha podido
realizar distintas estampaciones lla-
mativas que le han llevado a fusionar
el diseño gráfico, el arte como medio
de expresión del pensamiento (color,
simbolismo, técnicas mixtas, inves-
tigación de nuev@s autores/as...) y
la música (composición y notación
antigua).
Inge Conde Moreno es una artista
multidisciplinar que tiene como ejes
centrales de su obra la composición
musical, el diseño gráfico y la ilustra-
ción. Licenciada en Bellas artes por
la UPV/EHU y en Composición por el
Conservatorio Superior de Música
de Navarra siente predilección por
los códices, los símbolos y la geome-
tría. Intenta aunar mundo gráfico
con el mundo sonoro en la mayoría
de sus proyectos.
Inge Conde Moreno
Barakaldo, 1988
www.ingecreative.com
In the project that continues to be
developed at BilbaoArte, Conexiones
estructurales, I relate architecture to
thought and to its way of function-
ing. ‟We constantly weave thoughts
to move to another point, to anoth-
er state. A fear can grow if we let it.
One thought leads to another. We
are capable of creating spaces that
submerge us in different sensations
and feelings”.
This project began in Bilbao in 2016
and it continued in Holland where I
have been living. The minimalism of
many of the buildings in the city of
The Hague have inspired me and fos-
tered new creative stages. Including
musical composition using laminates
as graphic scores.
After three years and with so much
material, and thanks to the Bil-
baoArte production grant, the pro-
ject has been taken much further.
This has turned a corner thanks to
engraving and its possibilities. With
the leitmotif of architecture, knowl-
edge of music and of graphic design,
She have managed to produce dif-
ferent eye-catching prints that have
fused graphic design, art as a means
of expressing through (colour, sym-
bolism, mixed techniques, research-
ing new authors…) and music (com-
position and old notation).
Inge Conde Moreno is a multidisci-
plinary artist whose central tenets of
her work are musical composition,
graphic design and illustration.. She
graduated in Fine Arts from the UPV/
EHU and in Composition from the
Navarra Convervatoire of Music and
her predilection is for codices, sym-
bols and geometry. Inge seeks to
combine the graphic world with the
sound world in the majority of her
projects.
127

PLAÑIDERA Y OTROS CUENTOS pie-
za askok osatutako instalazio bat
da, folklorearen etorkizuna eta bere
ahozkotasunaren ikertze batetik
abiatutakoa.
Folklorea, egitearen arte bezala
galdu da. Bere idazketa historikoak
«herrikoi»aren ideia hausletik urrun-
du gaitu. Bere aldetik, datu bilaka-
tutako herri kulturak, errepikapen
eta erreprodukzioekin bete dizkigu
disko gogorrak, eta berrikuntzaren
esperantza produkzio industrialaren
berrikuntzara murrizten da soilik,
geratzen den nobedade bakarra
globalizazioaren espazio berrietan
«an­tzinako» eta «moderno» diren
horiek dituzten adostasun eta de-
sadostasunak dira. Informazioaren
autopista ikusezinetan zehar heda-
tzen dira eta herrixka mamuetan
babesten dira; hauntologiari bide
eman diogu. Folklorea bere horre-
tan galdu egin da, baina kultura kul-
tu eta idatzitik kanpo egitearen tak-
tika edo arteak oraindik irauten du.
Sinesmena erritualaren bidez konfi-
guratzen da gero eta globalizatuago
dagoen infoesferan, non gure oroi­
tzeko eta memorizatzeko gaitasuna
hiltzen ari den. Non galera jada exis-
titzen ez den eta Coveloren oraina
paradig­ma mistiko moduan ernal-
tzen den. Ahozkotasuna, ez ahazte-
ko prestatu gintuena da artistaren
artea, ogia eta salbazioa. Isiltasuna,
bere planteamenduaren espazioa.
Hatsa eta hitzak falta zaizkio.
Noela Covelo, 2016an, Bartzelonan,
moda diseinuan graduatua. Para-
leloan kantua eta ahozko teknikan
ikasketak egin ditut. Gorputzarekin
zerikusia duten hizkuntzak erabil-
tzen ditu, aktibitate ekonomiko-
en fun­tzionamendua ikertzen du,
ekoizpena eta lan artistikoa. Egun
show­room 101 (Bartzelona) kude-
atzen du, kofundatzaile gisa, eta
Madeira de fusta espazioa (Ponte-
vedra). Proiektu hau Novos Balores
2018 (Pontevedra) deialdian izan da
bekatua.
128
LA PLAÑIDERA Y OTROS CUENTOS
es una instalación formada por va-
rias piezas, que parte de una investi-
gación sobre el folclore del futuro y
su oralidad.
El folclore se ha perdido como arte
de hacer. Su escritura histórica nos
ha distanciado de una idea transgre-
sora de lo «popular». Por su lado, la
cultura popular convertida en da-
tos, nos ha llenado los discos duros
con su repetición y reproducción, y
la esperanza que nos queda en la
novedad se limita a una novedad
de producción industrial donde lo
«antiguo» y «moderno» viven en-
cuentros y desencuentros en nue-
vos espacios de la globalización. Se
propagan por las autopistas invisi-
bles de la información y se cobijan
en aldeas fantasmas; hemos dado
paso a la hauntología. El folclore se
ha perdido como tal, pero la táctica
o el arte de hacer perduran fuera de
la cultura culta y escrita.
La creencia se configura a través del
ritual cada vez más globalizado de la
infoesfera, donde muere nuestra ca-
pacidad para recordar y memorizar.
Donde la pérdida ya no existe y se
cierne como paradigma místico de
la actualidad de Covelo. La oralidad,
que nos hizo un día prepararnos
para no olvidar, es su arte, su pan y
su salvación. El silencio, su espacio
de planteamiento. Le faltan el alien-
to y las palabras.
Noela Covelo es graduada en dise-
ño de moda en Barcelona en 2016.
En paralelo he desarrollado estu-
dios en canto y técnica vocal. Usa
ambos lenguajes que están relacio-
nados con el cuerpo, a través de los
que explora el funcionamiento de
actividades económicas, la produc-
ción y el trabajo artístico. Actual-
mente gestiona como cofundadora
el showroom 101 (Barcelona) y el
espacio Madeira de fusta (Ponteve-
dra). Este proyecto ha sido becado
en la convocatoria Novos Valores
2018 (Pontevedra).
Noela Covelo
Pontevedra, 1994.
www.noelacovelovelasco.net
LA PLAÑIDERA Y OTROS CUENTOS
is an installation consisting of dif­
ferent parts, which starts from
inves­tigating the folklore of the fu-
ture and its orality.
Folklore has been lost as a craft. Its
historical script has distanced us
from a pioneering idea of what is
‟popular”. In turn, popular culture
converted into data has filled our
hard disks with its repetition and
reproduction, and our last hope in
anything new is limited to a novel
approach to industrial production
where the ‟old” and ‟modern” ex-
perience points of contact and
divergence in new areas of globa-
lisation. They spread along the in-
visible information highways and
shelter in ghost villages; we have
set in motion hauntology. Folklore
has been lost as such, but the tac-
tics or art endure outside the writ-
ten and highbrow culture.
Belief is shaped through the
ever-increasing ritual of the infos-
phere, where our ability to remem-
ber and memorise dies. Where
loss no longer exists and lingers
as a mystical paradigm of Cove-
lo's present. Orality, which once
pre­pared us not to forget, is my
art, her bread and her salvation.
Si­lence, her approach space. She
lacks breath and words.
Noela Covelo graduated in fashion
design in Barcelona in 2016. At the
same time, she studied singing and
vocal technique. She uses both lan-
guages that are related to the body,
by means of which she explores the
functioning of economic activities,
production and artistic work. She is
the co-founder and currently mana-
ge Showroom 101 (Barcelona) and
the Madeira de Fusta space (Ponte-
vedra). This project was awarded a
2018 Novos Valores grant.
129

DO NOTHING CLUB lengoaiaren bi-
tartez zentzua galdu duten ideiek
hartzen dituzten gorputz eta jarre-
rak ikertzen ditu. Eskultura, serigra-
fia, pintura eta beste entitate ba­
tzuetan oinarritutako beste prozesu
batzuei lotuta dago lana. Era orga-
niko, baina sistematiko eta zaurga­
rrian gauzak gertatzea interesatzen
zaio. Jarraibide bat ezartzean, au­
rreikusi ezin den birkonfigurazio
bakan bezala buka dezakeen proze-
su bat iradokitzen dugu. Baina, or-
den zehatz batean ematen ez diren
bere intentzioetatik edo materialen
antolamendutik eta erreprodukzio
prozesuetatik haratago, ideiak gida-
tutako esperimentuen lokarri mo-
dura agertzen dira. Prozesu bera bi
aldiz gauzatzen bada, teknika marra
zuzena saltatzen saiatzen da, lana
modelatuz eta organikoaren eta
sistematikoaren artean aniztasuna
eta diferentzia baietsiz. Bere baitan
kiribiltzen den prozedura; hasieratik
amaierara, eta alderantziz.
Mikel Escobales Arte Ederretan,
Madrileko Complutense Unibertsi-
tatean graduatu da eta MA Arte
Garaikidearen Historian eta Kultura
Bisualean Master bikoitza egin du
Madrileko Complutense eta Autóno-
ma unibertsitateetan. Prospeccio-
nes ikerketa programan ere parte
hartu du MNCARS ikasketa zentruan
pasaia baterako.
Mikel Escobalesek, azken urteetan,
bakarka zein kolektiboan erakuske-
ta ugari egin ditu. Horren adibide
dira Hassenheide 9, Berlín; Kasta-
nienalle 26, Berlín eta Montera 32,
Madrid; la Galería Aldama Fabre,
Bilbo eta Fundación Blueproject-en
burututakoak.
130
Mikel Escobales Castro
DO NOTHING CLUB explora las ideas
que adoptan otros cuerpos o actitu-
des y que a través del lenguaje ter-
minan dislocando su sentido. El pro-
yecto está vinculado a la escultura, la
serigrafía, la pintura y a otros proce-
sos que se apoyan en inflexiones de
otras entidades. Le interesa que las
cosas surjan de una manera orgáni-
ca, aunque sistemática y vulnerable.
Al adoptar una pauta, sugerimos un
proceso que puede terminar en una
reconfiguración singular e imprede-
cible. Aunque, más allá de sus inten-
ciones o de la disposición hacia los
materiales y a los procesos de repro-
ducción, que no se dan en un orden
específico, las ideas aparecen como
nexos de experimentos dirigidos. Si
el mismo proceso se realiza varias
veces, la técnica intenta saltar en
línea recta, modelando el trabajo y
prometiendo multiplicidad y diferen-
cia entre lo orgánico y lo sistemáti-
co. Un procedimiento que se enrolla
sobre sí mismo; desde el comienzo
hasta el final y a la inversa.
Mikel Escobales es graduado en
Bellas Artes por la Universidad
Complutense de Madrid y MA en el
Máster conjunto de Historia del Arte
Contemporáneo y Cultura Visual
de la Universidad Complutense y la
Universidad Autónoma de Madrid.
También ha participado en el pro-
grama de investigación Prospeccio-
nes para un pasaje en el centro de
estudios MNCARS.
Mikel Escobales ha realizado diver-
sas exposiciones tanto individuales
como colectivas en los últimos años.
Algunos ejemplos de ello son las ex-
posiciones individuales realizadas en
Hassenheide 9, Berlín; Kastanienalle
26, Berlín y Montera 32, Madrid; la
Galería Aldama Fabre, Bilbao y en la
Fundación Blueproject, entre otras.
Aretxabaleta, 1991
mikelescobalescastro@gmail.com
DO NOTHING CLUB explores the
ideas that other bodies or attitudes
adopt and which through language
end up disrupting their meaning.
The project is linked to sculpture,
screen printing, painting and to oth-
er processes that are underpinned
by inflections of other entities. He
is interested in things emerging or-
ganically, although in a systematic
and vulnerable way. By adopting a
pattern, we suggest a process that
can end in a unique and unpredict-
able reconfiguration. Ideas appear
as focused experimental links, even
though, beyond his intentions or be-
ing disposed towards the materials
and to the reproduction processes,
they do not occur in a specific order.
If the same process is performed
several times, the technique tries to
skip in a straight line, modelling the
work and promising multiplicity and
difference between the organic and
the systematic. A procedure that
winds round itself, from the start to
the end and vice versa.
Mikel Escobales graduated in Fine
Arts from the Complutense Univer-
sity of Madrid and has an MA from
the Joint Master’s Degree in Histo-
ry of Contemporary Art and Visual
Culture from the Complutense and
Autónoma universities of Madrid. He
also took part in the Prospecting for
a Landscape research programme
at the MNCARS study centre.
Mikel Escobales has put on differ-
ent solo and group exhibitions in
recent years. Some examples are
the solo exhibitions at Hassenheide
9 (Berlín), Kastanienalle 26 (Berlin)
and Montera 32 (Madrid), the Alda-
ma Fabre Gallery (Bilbao) and at the
Blueproject Foundation.
131

FISH FOOD
Andy Warholek Jackson Pollocken-
gatik zuen mirespenetik, Dance
Diagram delakotik eta Oxidation
Paintings izenekotik abiatuta, mar-
golanetako ekintza beste toki bate-
ra eramaten dute, non gorputzaren
eta obraren arteko harremanak ber-
tikaltasuna hausten duen, obra lu­
rrean ipiniz eta gorputza eta haren
fluidoak erabiliz irudi eta forma ez-
berdinak sortzeko.
Keinu hori abiatze-puntu bat da
aurreko lan bat berrirudikatzeko,
zeinaren bidez «teknologia berriak»
artistaren ekintzaren, euskarriaren,
materialaren eta obraren arteko bi-
tartekari moduan aurkezten diren.
Alde batetik, artistak bere gorpu­
tzarekin eremu publikoan «arra-
kastarik gabe» lerro batzuk irudi-
katzen ditu, GPS batekin eta beste
teknologiaren bidez euska­rrira era-
mango direnak. Bestalde, makinak
errepikatutako formen pilaketak,
alderantzizko maniobra baten bidez
haien tokia horman aurkituko duten
bolumenak sortuko ditu.
Pau Figueres Ortiz enpresen Admi-
nistrazio eta Kudeaketan lizentziatu
zen Coventry-ko (Erresuma Batua)
Unibertsitatean, baita Arte Ederre-
tan ere, Euskal Herriko Unibertsita-
tean, non Arte Garaikideko Ikerke-
ta Masterra egin duen eta klaseak
eman dituen. Hainbat beka eta sari
jaso ditu, horien artean BilbaoArte
Fundazioaren ekoizpen- eta egoi­tza-
beka (2013, 2016 eta 2019 urteetan),
Bizkaiko Foru Aldundiaren Ikusmen
Arteen beka, Eusko Jaurlaritzaren
ikerketa-beka eta proiektu artis-
tikoaren saria Gipuzkoako artista
berrien XLIV. lehiaketan. Hainbat
erakundetan egon da egoiliar gisa,
besteak beste, Tabakalera Donostia,
Kunsthaus Bregenz-en (Austria), eta
ikerketa-egonaldiak egin ditu Penn
State University delakoan ere (Pen-
silvania, AEB). Honako erakusketa
hauek nabarmendu daitezke: Donde
las patatas, la coca-cola y la fanta, Re-
kalde aretoa, Bilbao (2019).
FISH FOOD
El interés de Andy Warhol por Jack­
son Pollock, lleva la acción perfor-
mativa en la pintura a un lugar don-
de la relación entre el cuerpo y la
obra de arte, destaca por la decisión
de romper con la verticalidad apo-
yando la obra simplemente sobre el
suelo, como en el Dance Diagram y
por el uso del propio cuerpo y sus
fluidos para generar distintas imá-
genes y formas a través de las Oxi-
dation paintings.
Este gesto le sirve como punto de
partida para repensar un trabajo
anterior a partir del cual las «nuevas
tecnologías» se presentan como in-
termediarias entre la acción del ar-
tista, el soporte, el material y la obra.
En este nuevo proyecto se busca
reinterpretar «sin éxito» una serie de
formas transitando el espacio públi-
co, que recogidas por un GPS, pos-
teriormente se trasladan al soporte.
Por otro lado esas mismas formas se
repiten a través de la propia tecno-
logía superponiéndose a través del
proceso escultórico, en el que los vo-
lúmenes buscan su lugar en la pared
en una maniobra inversa.
Pau Figueres Ortiz es licenciado en
Administración y Gestión de empre-
sas por la universidad de Coventry
(UK) y en Bellas Artes por la Uni-
versidad del Pais Vasco, donde ha
desarrollado tareas docentes y ac-
tualmente termina su tesis doctoral.
Ha recibido varias becas y premios,
entre las que destacan las becas de
la Fundación BilbaoArte, la beca de
Artes Visuales de la Diputación de
Bizkaia, la beca de investigación del
Gobierno Vasco, el premio al pro-
yecto artístico en el XLIV Certamen
de artistas noveles de Gipuzkoa.
También ha realizado residencias
en diferentes instituciones como
Tabakalera y el Kunsthaus Bregenz
(Austria) y estancias de investiga-
ción en la Penn State University (PA,
EEUU). Ha realizado exposiciones a
nivel nacional e internacional, la últi-
ma en 2019, Donde las patatas, la co-
ca-cola y la fanta, en la Sala Rekalde
de Bilbao (2019).
Pau Figueres
Donostia, 1976
www.paufigueresortiz.com
FISH FOOD
Amazed by Jackson Pollock’s work,
Andy Warhol, takes the perform-
ative action in painting to a place
where the relationship between the
body and the work of art take prom-
inence through works such as Dance
Diagram and the Oxidation Paintings.
The reason is to break with verticali-
ty by simply locating the work direct-
ly on the ground and using the body
and its fluids to generate different
images and shapes.
This gesture is the turning point to
rethink a previous work where ‟new
technologies” become the link be-
tween the artist’s action, the me-
dium, the material and the work of
art itself. On the one hand, the artist
seeks ‟unsuccessfully” to trace and
perform with his own body different
lines in the public space. This lines
have been captured by a GPS and
transferred again through technol-
ogy to the medium. On the other
hand, a repeated shape overlaps,
creating volumes that search for
their place on the wall in a reversed
manoeuvre.
Pau Figueres Ortiz has completed a
BBA with a major in Marketing at Cov-
entry Business School, UK (1998) and
a BFA and a MFA at EHU/UPV Univer-
sity of the Basque Country Art School
(2012) where he is a PHD candidate
in Contemporary Art and where he
has carried out teaching tasks and is
currently finishing his doctoral the-
sis. He has received several grants
and awards, including the production
and residency grant at the BilbaoArte
Foundation, the Visual Arts Grant of
the Provincial Council of Bizkaia, the
Basque Government research grant,
and the artistic project prize at the
XLIV Gipuzkoa New Artists Competi-
tion. He has also completed residen-
cies in different institutions such as
Tabakalera Donostia, the Kunsthaus
Bregenz (Austria) and Penn State
Sova (PA, USA) as visiting Scholar. He
has exhibited his work internationally
and his most important exhibitions
include Donde las patatas, la coca-cola
y la fanta, Sala Rekalde, Bilbao (2019).
133

Usoaren azken urteetako lana gor-
putz-objektuekin mantentzen du-
gun harremanaren hausnarketan
oinarritu da. Hauen erabilera eta
begiratzetik harago, beraiekiko hur-
biltasunak gauzen artean lagunduta
sentitzeko aukera ematen digu eta
aldi berean, azalekoa argitasunera
eramatean datzan prozesu irekian
gidatzeko baliogarria zaigu. Pom-
peya rojo horretan datza hain zuzen
ere; azala eta gure izate fisiko, afek-
tibo eta sozialari buruz. Horrez gain,
trasteleku familiar bateko hormetan
itsatsitako 60eko hamarkadako pos-
terren inguruan jorratutako lanari
ere izena ematen dio. Irudi hauen
artean, emakumeen gorputzen za-
tiak bereizten dira batez ere; haragi,
azal eta modazko decollage-i bide
ematen dizkieten keinuak.
Usoa Fullaondo 2001ean Arte Ede­
rretan lizentziatu zen Euskal Herriko
Unibertsitatean. Unibertsitate bere-
ko Pintura Sailean doktoratu zen
2010. urtean. Gaur egun, bertako
Arteko Graduan eta Arte Sorkuntza
eta Ikerketa Masterrean klaseak
ematen ditu. Ekoizpen artistikoak
irakaskuntza eta ikerketarekin bat
egiten du, hemengo eta nazioarteko
hainbat erakusketetan parte hartu
duelarik, hala nola, Luis Adelantado
galerian, Madrilgo Círculo de Bellas
Artes-en, San Diegoko Space4art-en,
Rekalde Aretoan edo Montehermo-
so Kulturunean. Bizkaiko Foru Al-
dundiaren, Etxepare Institutuaren
edo Eusko Jaurlaritzaren bekak jaso
ditu eta Injuve bezalako lehiaketa
nazionaletan saritu dute. BilbaoAr-
te Fundazioan, Banff Centre-en eta
Concordia University-n arte egoitzak
egin ditu. Bere argitalpenen artean,
Eusko Jaurlaritzak babestutako Un
Atletismo Afectivo (2016) liburua eta
Journal for Artistic Research-ek argi-
taratutako What can a process do? A
passage from ritual to rituality (2019)
artikulua nabarmenarazi daitezke.
134
El proceso de trabajo llevado a cabo
durante los últimos años ha tratado
de trasladar nuestra relación con los
cuerpos-objeto al hacer en arte. Más
allá de su utilización y contempla-
ción, esta proximidad posibilita sen-
tirnos acompañados entre las cosas
y a la vez, nos sirve para orientarnos
en un proceso abierto que entiende
lo superficial como algo que tiene
que ver con la aparición de estas co-
sas a la luz. Pompeya rojo trata pre-
cisamente de eso; de la piel y de los
fenómenos materiales de nuestra
condición física, afectiva y social. Da
nombre asimismo a un proceso de
trabajo modular que gira en torno
al encuentro de restos de pósters
de revistas de los años 60 pegados
a las paredes de un trastero fami-
liar. Entre ellos se distinguen prin-
cipalmente fragmentos de cuerpos
de mujeres; gestos que dan lugar a
múltiples decollage de carne, piel y
pedazos de moda.
Usoa Fullaondo se licenció en Bellas
Artes de la Universidad del País Vas-
co en el 2001 y se doctoró en el De-
partamento de Pintura de la misma
Universidad en el 2010. En la actua-
lidad imparte clases en el Grado de
Arte y en el Máster de Investigación y
Creación en Arte de la misma univer-
sidad. Compagina su labor docente
e investigadora con la producción
artística, habiendo participado en
diferentes exposiciones a nivel auto-
nómico, estatal e internacional como
la galería Luis Adelantado, el Círculo
de Bellas Artes de Madrid, Space4Ar-
te en San Diego, la Sala Rekalde o el
Centro Cultural Montehermoso . Ha
recibido becas de la Diputación Foral
de Bizkaia, el Instituto Etxepare o el
Gobierno Vasco y ha sido premiada
en concursos nacionales como Inju-
ve. Ha realizado estancias en la Fun-
dación BilbaoArte Fundazioa, Banff
Centre y Concordia University. Entre
su publicaciones destaca el libro Un
Atletismo Afectivo subvencionado por
el Gobierno Vasco (2016) y el artícu-
lo What can a process do? A passage
from ritual to rituality publicado por
Journal for Artistic Research (2019).
Usoa Fullaondo
Algorta, 1979
www.usoafullaondo@gmail.com
The work process Usoa has carried
out during recent years attempts to
transfer our relationship with the
object-bodies to the making of art.
Beyond its use and contemplation,
this proximity makes it possible to
feel accompanied by things and at
the same time, it serves to guide
us in an open process that under-
stands the superficial as something
that has to do with the appearance
of these things into the light. Pom-
peya rojo deals precisely with that; of
skin and of the material phenomena
of our physical, affective and social
condition. It also gives its name to a
modular work process that revolves
around the encounter of remnants
of 60s magazine posters attached to
the walls of a family storage room.
Among them we mainly notice frag-
ments of women's bodies; gestures
that give rise to multiple decollages
of flesh, skin and pieces of fashion.
Usoa Fullaondo graduated in Fine
Arts from the University of the
Basque Country in 2001 and she
finished her PhD in 2010 in the De-
partment of Painting. She currently
teaches in the Art Degree and in the
Master Degree in the same Univer-
sity. She combines teaching and re-
search with artistic production and
she has taken part in certain exhi-
bitions in different galleries: Luis
Adelantado, Círculo de Bellas Artes
(Madrid), Space4Arte (San Diego),
Rekalde Aretoa, Centro Cultural
Montehermoso. She has also got
different artistic grants: BilbaoArte
Art Project Residency, Diputación
Foral de Bizkaia Art Fellowship,
Grant Visual Arts Fellowship from
Basque Government and Banff
Centre. She got the Injuve award in
2009. Her publications include the
book Un Atletismo Afectivo (2016)
and the article What can a process
do? A passage from ritual to rituality
published by Journal for Artistic Re-
search (2019).
135

BRUTOS EN DIAMANTE
[...] Arisotelesek, sustantziaren al-
daketa prozesua azaltzeko «aktoan
izatea» eta «potentzian izatea» ter-
minoak erabili zituen, hau da, sus-
tantzia bere horretan momentu ze-
hatz batean azaltzen zaigun era, eta
sustantzia horrek beste zerbait izate-
ko daukan ahalmena. Ildo honetan,
«potentzian izateak» potentzialta-
sun amaigabea duen ez-izate bat da:
edozer bilakatu daitekeen elementu
bat, momentuan den hori izan ezik.
Teoria aristotelikoan, izate naturalak
muga batzuk ditu: landare-hazi bat,
aktoan, potentzian landare bat izan
liteke, baina inoiz ez zaldi bat.  Kon-
trara, arte-eremuan potentzian iza-
teak infinitua izan daiteke: landu-
gabea, potentzian, diamantea da.
Modu honetan, ez dugu gainontze-
koa baztertu behar, baizik eta honen
gaitasun eraldatzailea besarkatu.
Bere deskontestualizazioa, jabetzea
eta bir-esanahiak zera suposatzen
dut: inoiz baliagarria izan ez dena-
ren txertatzea forma artistiko-dog-
matiko eta aurretiaz historiak kodi-
fikatutakoa moduan. Helburua ez
da gure hondakinak birziklatu edo
berrerabiltzea, baizik eta praktika
artistikoa diskurtsoaren zentrotik
at dauden gogoeta-elementuekin
gainezkatzea, material gordinetik
(aktoan izatea ) eta haren esposizio
bukatua (potentzian izatean) [...].
Garazi Pascual
Iván Gómez Arte Ederretan
lizentzia­tua (UB), Escuela de Cine
San Antonio de Los Bañosen (Kuba)
jarraitu zuen formazioarekin. UPV/
EHUn, Increarte masterra burutu
zuen, eta bertan jarraitu zuen dok-
toretzarekin. Artista bezala bere
praktika MAMMen (Medellín) egon
da ikusgai, La Casa Encendida (Ma-
dril), Vostell Malpartida (Cáceres),
eta beste hiri batzuk Berlin, Bruselas
edo New York, besteak beste.
136
Ivan Gómez Gutierrez
BRUTOS EN DIAMANTE
[…] Aristóteles, para explicar el pro-
ceso de cambio en la substancia,
recurrió a los términos de «ser en
acto» y «ser en potencia», es decir, la
substancia tal y como se nos presen-
ta en un momento determinado y
las posibilidades que esa substancia
tiene para llegar a ser algo distinto.
De esta manera, el «ser en potencia»
implica un no-ser con infinita poten-
cialidad: un elemento que puede
devenir en cualquier cosa menos lo
que actualmente es. Por supuesto,
en la teoría aristotélica, el ser na-
tural implica algunas limitaciones:
una semilla vegetal en acto, podría
ser una planta en potencia, pero
nunca un caballo. Por el contrario,
el campo de lo artístico permite un
ser-en-potencia casi infinito: el bru-
to es, en potencia, un diamante.
De este modo, no debemos desechar
el resto sino abrazarlo en su capaci-
dad transformadora. Su descontex-
tualización, apropiación y resignifica-
ción suponen la inserción de aquello
que nunca fue operativo como forma
artística dogmática y previamente
codificada por la historia. No se trata
de reciclar o reutilizar nuestros des-
perdicios sino de inundar la práctica
artística de aquello que está fuera
del centro del discurso como un ele-
mento para la reflexión, en su transi-
ción desde el material bruto (en acto)
y su exposición como obra finalizada
(en potencia) […].
Garazi Pascual
Iván Gómez Licenciado en Bellas
Artes (UB). Continuó su formación
en la Escuela de Cine San Antonio
de Los Baños (Cuba). Realizó el más-
ter Increarte en la UPV/EHU, donde
continúa su doctorado. Como artista
sus práctica han podido verse en el
MAMM (Medellín), La Casa Encendi-
da (Madrid), Vostell Malpartida (Cá-
ceres), y otras ciudades como Berlín,
Bruselas o New York.
Irún, 1984
www.ivangomez.net
BRUTOS EN DIAMANTE
[…]Aristotle, to explain the process
of change in the substance, resort-
ed to the terms of ‟being in actu-
ality” and ‟being in potentiality”,
in other words, the substance as it
appears at a specific moment and
the possibilities that that substance
has to become something differ-
ent. Thus, the ‟being in potentiali-
ty” implies a non-being with infinite
potentiality: an element that can
become anything except for what
it currently is. Of course, in Aris-
totelian theory, the natural being
implies several limitations: a plant
seed in actuality could be a plant
in potentially, but never a horse. By
contrast, the artistic field allows a
nearly infinite being in potentiality:
the rough is, in potentiality, a dia-
mond.
Thus, we must not discard the rest,
but rather embrace it in its trans-
formation ability. Its decontextual-
ization, appropriation and resigni-
fication mean the insertion of that
which was never operative as a dog-
matic artistic form and previously
codified by history. It is not about
recycling or reusing our waster,
but rather to flood artistic practice
with what that is outside the centre
of discourse as an element for re-
flection, in their transition from the
rough material (in actuality) and its
exhibiting as a finished work (in po-
tentiality). […]
Garazi Pascual
Iván Gómez graduated in Fine Arts
(UB). He continued his studies at
the San Antonio de Los Baños Film
School (Cuba). He obtained his In-
crearte Master’s Degree at the UPV/
EHU, where he is studying for his
PhD. His artistic work has been ex-
hibited at the MAMM (Medellín),
La Casa Encendida (Madrid), Vostell
Malpartida (Caceres), and other cit-
ies including Berlin, Brussels and
New York.
137

«NADA DEBERÍA FALLAR ematen
dio izen BilbaoArteko sorkuntza la-
guntzarekin landu dudan erakuske-
tari. Erakustaldi honek kointziditu
egiten du denboran, orain dela ha-
mar urteko Iruñako artista gazteen
sarituen markoan sortutako nire
lehenengo bakarkako erakusketare-
kin. Une oso garrantzitsua izan zen
eta urteetan zehar ibili da nire sor-
kuntza prozesuan, bai 2011n Bilbao-
Arten izandako egoiliar garaian, zein
eta 2016an Rekalde aretoan eginda-
ko Stripped erakusketan.
Erakusketa honek ez dio proiekto
izaera bati erantzuten, baizik eta, egi-
teko modu bateri, berregiteari berriz
hausnartuz egindako lanari. Proze-
dura honetan 2009tik gaur egun arte
egindako zenbait lanak berreskuratu
ditut, aurkitutakoan eukeraketa egin
dut, kanpoan utzi dudana eta azke-
nik, berriz erakutsi behar dudana.
Artxipelago bat non irla bakoitzak
gorputzarekin du harreman zuzena,
baita gorputzaren akzioarekin ere.
Zatikatzen duena, ehusten duena,
lotzen du, bere gain deskantsatzen
duena. Pieza hauetatik esanezinaren
inguruan hitz egiteko premia dago,
bertan kokatzen nahiz. Formak ma­
rrazten duten marrak batera kateak
direnak, tolesturak bata bestearen
gainean pausatzen dira egoera infi-
nitu baten bila. Gorpu batzuk beste
batzuk sostengatzen dituzte uztai
baten bidez, gomak edo ehundurak
material ezberdinan kate bat sortzen
dute, bertan, tentzioen eta zaintzen
harremanak ezarriz».
Amaia Gracia Azqueta Arte Ede­
rretan lizentziatua da, EHU/UPV
ko Sorkuntza eta Ikerketa Masterra
dauka, Kalostra Egiliarra (Donostia).
BilbaoArteko eta Madrilgo La Casa
Velázquez-eko Egoiliarra izan da.
Bakarkako eta talde erakusketak
egin ditu Bilboko Rekalde aretoan,
Torsión Bilboko Guggenheim Museoan, Hu-
Burdina, plotter inprimatzea eta goma elastikoa escako CDAN, BilbaoArteko funda-
Hierro,impresión plotter y goma elástica zioan eta Iruñako Ciudadelan beste-
94x100x164 cm, 2019 ak beste.
Archipiélago
Instalazioa
Instalación
520x350x250 cm, 2019
Amaia Gracia Azqueta
«NADA DEBERíA FALLAR da título a
la exposición para la que he estado
trabajando en BilbaoArte con la ayu-
da de producción. Esta muestra in-
dividual coincide con que hace diez
años realicé mi primera exposición
individual dentro los ganadores de
los Jóvenes artistas de Pamplona.
Fue un momento importante que
me ha seguido a lo largo del tiempo,
tanto en mi residencia en BilbaoArte
en 2011 como en la exposición Stri-
pped en la sala Rekalde en 2016.
Esta exhibición no responde a un
proyecto en sí, sino a un modo
de hacer o rehacer repensando el
trabajo ya hecho. En este proceso
he recogido algunas de mis obras
desde 2009 hasta la actualidad, he
seleccionado con lo que me he que-
dado, de lo que me he deshecho y lo
que voy a mostrar de nuevo.
Un archipiélago en el que todas las
islas tiene que ver con el cuerpo
directamente, incluso con la acción
del cuerpo. Lo que lo fragmenta, lo
sujeta, lo ata, sobre lo que a su vez
descansa. Desde estas piezas hablo
de lo inenarrable, me sitúo en ese
lugar. Líneas que dibujan las formas
curvadas que a la vez son cadenas,
los pliegues descansan unos sobre
otros buscando su estado infinito.
Unos cuerpos se sujetan a otros a
través de aros, gomas o tejidos for-
mando una cadena de diferentes
materiales, estableciendo una rela-
ción de cuidados y tensiones».
Amaia Gracia Azqueta es licenciada
en Be­llas Artes, Máster en Investiga-
ción y Creación en Arte por la UPV/
EHU, Residencia en Kalostra (Dono-
sti). Artista residente en BilbaoArte y
la Casa de Velázquez en Madrid. Ha
expuesto de manera individual o co-
lectiva en la sala Rekalde en Bilbao,
el museo Guggenheim de Bilbao, el
CDAN de Huesca, la Fundación Bil-
baoArte o la Ciudadela de Pamplona
entre otros.
Pamplona, 1985
www.amaiagracia.com
‟NADA DEBERíA FALLAR is the title
of the exhibition on which I have
working at BilbaoArte thanks to the
production grant. This individual ex-
hibition coincides with the fact that it
was ten years ago when I put on my
first individual exhibition as one of
winners of Pamplona Young Artists.
It was an important milestone that
would mark the way, both at my Bil-
baoArte residency in 2011 and at the
Stripped exhibition at the Sala Reka-
lde in 2016.
This exhibition is not a response to
a project as such, but rather an ap-
proach or re-approach by rethinking
work already done. In this process, I
went back to some of my works from
2009 to the present, I selected the
ones I wanted, those to get rid of and
those I am going to show again.
An archipelago where all the islands
are directly related to the body,
even the action of the body. Which
it fragments, catches and ties down,
on which it in turn rests. I use these
pieces to talk about the unuttera-
ble, I place myself there. Lines that
draw the curved forms that are in
turn chains, folds rest on one an-
other looking for their infinite state.
Bodies are attached to others using
rings, rubber or fabric bands, form-
ing a chain of different materials, es-
tablishing a relationship of care and
tensions”.
Amaia Gracia Azqueta graduated
in Fine Arts and has a Master’s De-
gree in Research and Creation in Art
from the University of the Basque
Country (UPV/EHU), and completed a
Residency at Kalostra (Donosti). Resi-
dent artist at BilbaoArte and the Casa
de Velázquez in Madrid. Amaia has
had solo and group exhibitions at the
Sala Rekalde in Bilbao, the Guggen-
heim Museum of Bilbao, the CDAN
in Huesca, the BilbaoArte Founda-
tion and the Ciudadela in Pamplona,
among others.
139

Nahiz eta aurrerapen teknikoek eta
postmerkatuaren logikek marraztu
eta moldatzen duten eskuak moz-
tu, teklatuaren kolpe bitartez duela
denbora gutxi eraiki ziren erreali-
tateen antzekoak sortzen dituzten
hatzak mantendu ditugu. Kasu ho-
netan nabarmena da mugimendu
modernoaren metafora arkitekto-
nikoa, bere parametro sozial nahiz
estetikoetan. Bauhaus mugimendua
ñabartutako sinboloa da, alde bate-
tik, komunitatearen progresu eta
garapenaren aipamenaren ilusioa
pizten zuten positibimo filosofikoa-
ren partetik, eta bestalde, sistema-
tikoki historiaren amaiera ukatzen
duen ideia nihilistaren partetik,
azken honek balioen transmutazioa-
ren bitartez zahartutako gizarte ba-
ten hondakinetatik hasera berri bat
eskatzen duelarik.
Pentsamendu sistemetan beti egon
da arkitektura, garrantzi politiko
handia zuten estrukturak sortze-
ko kontzeptuak eskeini dituelarik.
Derridak zioenez, arkitekturaren
eztabaida pentsamendua beraren
aukera bat zen, lekuaren arazoaren
inguruko pentsamendua gauzatze-
aren behar bat, bakoitzak betetzen
dugun lekuarena; espazio fisiko
nahiz politikoan eduki eta defen-
datu beharreko lekuarena. Horrela,
proiektuak, etorkizuneko gizarte-
aren begirada baten bitartez, mu-
gimendu modernoaren metafora
arkitektonikoaren berrirakurketa
bat planteatzen du, 3D inpresioa
eta diseinu digitalean oinarritutako
arte prozesu bat aurkeztuz, disei-
nua, arkitektura, industria eta arte-
aren mugetan kokatzen diren pieza
multzo bat sortzeko. Lan multzo
honek espazio komun bat bezala
funtzionatzen dute, eskulturaren
parametroetara bilakaera bat duen
ilusio arkitektoniko, konstruktibo
eta espazial bat.
140
Aunque los avances técnicos y las
lógicas del postmercado nos hayan
cercenado las manos que dibujan y
moldean, hemos conservado los de-
dos que a golpe de click crean nuevas
realidades bien parecidas a las que
se habían construido no hace tanto
tiempo atrás. En este caso la metá-
fora arquitectónica del movimiento
moderno, en sus paramentos tanto
sociales como estéticos, se hace evi-
dente. La Bauhaus es el gran símbolo
matizado, como estuvo siempre, por
los filtros del positivismo filosófico
con ilusiones de progreso y desarro-
llo comunitario y la idea nihilista que
niega sistemáticamente el fin de la
historia y exige un nuevo comienzo
desde los escombros de una socie-
dad caduca a partir de la transmuta-
ción de valores.
En los sistemas de pensamiento la
arquitectura siempre estuvo presen-
te, siempre proporcionó conceptos
que acabaron por formar grandes
estructuras con inmensa relevancia
política. Según Derrida la cuestión
arquitectónica era una posibilidad
del pensamiento mismo, una ne-
cesidad de materialización del pen-
samiento acerca del problema del
lugar, del lugar que ocupamos cada
uno; del problema de tener y abo-
gar por un lugar en el espacio físico
y político. Así, el proyecto plantea
una relectura de la metáfora arqui-
tectónica del movimiento moderno
mediante una mirada a una socie-
dad del futuro, planteando un pro-
ceso artístico basado en el diseño
digital y la impresión 3D para acabar
de construir una serie de piezas que
se mueven entre el diseño, la arqui-
tectura, la industria y el arte, y que
funcionan como parte de un espacio
común, una ilusión arquitectónica,
constructiva y espacial evolucionada
hacia unos parámetros escultóricos.
Urtzi Ibarguen
Errenteria, 1978
www.urtziibarguen.com
Even though technical advances and
the logics of the post-market have
tethered our hands that draw and
mould, we have kept our fingers
that by clicking create new realities
that are similar to that would have
been built not so long ago In this
case, the architectural metaphor of
modern movement, in both its so-
cial and aesthetical parameters, is
obvious. The Bauhaus is the great
symbol nuanced, as it always was,
by the filters of philosophical posi-
tivism with illusions of community
progress and development and the
nihilist idea that systematically re-
jects the end of history and requires
a new beginning from the rubble of
an obsolete society from the trans-
mutation of values.
Architecture was always present
in the thought systems and always
provided concepts that ended up
forming large structure with huge
political relevance. According to Der-
rida, the architectural question was
a possibility of thought itself, a need
to materialise thought regarding
the problem of place, the place that
each of us occupies; of the problem
of having and advocating for a place
in the political and physical space.
Thus, the project poses a re-read-
ing of the architectural metaphor
of the modern movement by means
of glimpsing a society of the future,
proposing an artistic process based
on digital design and 3D printing to
end up building a series of parts that
move between design, architecture,
industry and art, and which operate
as part of a common space, a spa-
tial, constructive and architectural
illusion evolved towards sculptural
parameters.
141

«Gure sorkuntzak, berariaz, amai-
tugabeak eta beti enigmatiko kutsu
batekin bezala agertzen dira, baita
problematika konplexuei aurre egi-
ten diegunean ere. Zentzua zera
da: irudiak baino haratago doazen
hizketaldi luzeak izateko aukera za-
baltzea. Zeintzuetan, hitza hartzeko
ekintza, jorratzen diren gaiak bezain
garrantzitsuak diren».
Brian Holmes
No doblar: desplegar
Seguir, seguir. Hacer lo siguiente bi-
ziraupenaren inguruko elkarrizketa
irekia da. Gorputzaren biziraupena
bere esperientzian, irudiaren bi-
ziraupena erregistro bezala. Desio-
ak mugiarazitako garaipenaren eta
porrotaren, lanaren, espektatibaren
eta nekearen ideia zeharkatzen du-
ten bi prozesuren bat-egitea. Gure
ezagutzeko, erlazionatzeko eta
geure buruak irudikatzeko forme-
tan eragine duten transformazioak,
bizirauteko gorpuzkera berriak sor-
tuz. Porzesuan dagoen narrazio hau
eraikitzen duten argitalpen batean
iraulitako ideia segida.
Jarraitu. Jarraitu.
Zeri biziraun.
Zer / artean biziraun.
Batera biziraun.
Irati Inoriza artista bisuala da. VUT
Unibertsitateko (Brno, CZE) Atelier
de Performancen espezializatua.
Artista Casal Solleric 2017 (Ma­
llorca) Proiektu Sariaren irabazlea,
berriki, C. C. Montehermoso (Vi-
toria-Gasteiz) eta ZSenne Art Lab
(Bruselas)en egin ditu bakarkako
erakusketak.
Abel Jaramillo artista bisuala da.
Fran Reus (Palma), Estrany de la
Mota (Bartzelona), Hypercorps (Bru-
selas) y Aldama Fabre (Bilbo) beza-
lako lekuetan egin ditu bakarkako
erakusketak. Lisboa, Sabadell edo
Palermon egonaldiak burutu dit, eta
Open Studio Comunidad de Madrid
edo Ayudas Injuve bekak jaso ditu.
142
Irati Inoriza & Jaramillo Abel
«Nuestras creaciones se muestran
deliberadamente incompletas y
siempre algo enigmáticas, incluso
cuando nos enfrentamos a las más
complejas problemáticas. Su senti-
do es abrir la posibilidad de mante-
ner largas conversaciones que van
mucho más lejos que las imágenes
en sí, en las cuales el propio acto de
tomar la palabra es tan importante
con los temas que se tratan».
Brian Holmes
No doblar: desplegar
Seguir, seguir. Hacer lo siguiente es
un diálogo abierto en torno a la
supervivencia. La supervivencia del
cuerpo en su experiencia, la super-
vivencia de la imagen como registro.
La confluencia de dos procesos que
atraviesan la idea de éxito y fracaso,
de trabajo, expectativa y fatiga movi-
dos por el deseo. Así como las trans-
formaciones que afectan a nuestra
forma de conocer, de relacionarnos
y de representarnos, generando
nuevas corporeidades de supervi-
vencia. Una serie de ideas volcadas
en una publicación que construyen
esta narración en proceso.
Seguir. Seguir.
Sobrevivir a.
Sobrevivir en/entre.
Sobrevivir juntos.
Irati Inoriza es artista visual. Se
especializó en el Atelier de Perfor-
mance dirigido por T. Ruller en la
Universidad VUT (Brno, CZE). Gana-
dora del Premio Proyecto de Artista
Casal Solleric 2017 (Mallorca), ha
realizado exposiciones individuales
recientemente en C. C. Monteher-
moso (Victoria-Gasteiz) y ZSenne Art
Lab (Bruselas).
Abel Jaramillo es artista visual. Ha
realizado exposiciones individuales
en Fran Reus (Palma), Estrany de la
Mota (Barcelona), Hypercorps (Bru-
selas) y Aldama Fabre (Bilbao). Ha
realizado residencias en Lisboa, Sa-
badell o Palermo y ha recibido becas
como Open Studio - Comunidad de
Madrid o Ayudas Injuve 2017.
Balmaseda, 1992 | Badajoz, 1993
#iratinoriza | www.abeljaramillo.es
‟Our creations are deliberately in-
complete and always rather enig-
matic, even when we are facing the
most complex issues. Their purpose
is to open up the possibility of hold
long conversations that are go-
ing much further than the images
themselves, where the very act of
speaking is as important as the mat-
ters discussed.”
Brian Holmes
No doblar: desplegar
Seguir, seguir. Hacer lo siguiente is an
open dialogue around survival. Sur-
vival of the body in its experience,
the survival of image as record.
The convergence of two processes
that traverse the idea of success
of failure, of work, expectation and
fatigue driven by desire. Along with
the transformations that affect our
way of knowing, of relating and por-
traying ourselves, generating new
survival corporealities. A series of
ideas dumped in a publication that
build this narrative in progress.
Follow. Follow.
Survive.
Survive in/between.
Survive together.
Irati Inoriza is a visual artist. She
specialised at the Performance At-
elier run by T. Ruller at VUT Univer-
sity (Brno, CZE). Winner of the Arti-
sta Casal Solleric 2017 Project Prize
(Mallorca), Irati has recently had
solo exhibitions at C. C. Montehe-
rmoso (Vitoria-Gasteiz) and ZSenne
Art Lab (Brussels).
Abel Jaramillo is a visual artist. He
has had solo exhibitions at Fran
Reus (Palma), Estrany de la Mota
(Barcelona), Hypercorps (Brussels)
and Aldama Fabre (Bilbao). He has
been an artist in residence in Lisbon,
Sabadell and Palermo and been
awarded grants including Open Stu-
dio - Madrid Autonomous Region or
the Injuve 2017 grant.
143

ALQUIMIA PRE-APOCALÍPTICA te-
matika honi eskainitako grabatu
segida bat sortzeko beharretik jaio
da. Irakurketa garaikide batetik iko-
nografia alkimikoa bere bir-inter-
pretazioarekin konbinatzen saiatzen
den urtinta segida bat. «Kontserba
pre-apokaliptikoen» garapen grafi-
ko bat. Kontzeptualki proiektu ho-
nekin oso lotuta dagoen aurretiaz
eginiko ikerketa batean, gai hau
zeharka jorratu zen. Transformazio
prozesu gisa, alkimian oinarritzen
den proiektu bat. Alanbike batez ge-
roztik, destilatu ezberdinak atera zi-
ren, inguruko landare zaurgarriekin
atseden hartu zutenak eta proiektu-
rako beira puzte ontzietan botilara-
tuak izan zirenak.
Grabatu segida honetarako, euska­
rri bezala kobrea aukeratzen du ar-
tistak aurretiazko proiektu honetara
daramalako, destilatua eta alanbi-
kearen hasierako fasera. Esentziara
eta transmutazio alkimikora.
Miriam Isasi EHUko Arte Ederreta-
ko Doktorea da, Mexikoko UNAMen
egonaldi internazionala burutu du.
Posizionamendu gairikide batetik,
antropologia, historia, aktibismoa,
paisaia eta memoriari egiten diz-
kion keinuen bidez osatzen den dis-
kurtsoa sortzen du.
Instituzio ezberdinek eman diote
laguntza: Eusko Jaurlaritza, Bizkaiko
eta Arabako Aldundia, Bilboko eta
Gasteizko Udaletxeak, ARTIUM, C.C.
Montehermoso, Bilboko Alhondiga,
Bilboko Guggenheim Museoa, Etxe-
pare Institutua, MAEX-AECID, Erro-
man Academia de España, MUCAS,
Artista x Artista Cuban edo BilbaoAr-
te fundazioa, besteak beste.
144
ALQUIMIA PRE-APOCALÍPTICA sur-
ge como necesidad de generar una
serie de grabados dedicados a esta
temática. Una serie de aguatintas
que pretende combinar iconografía
alquímica con su reinterpretación
desde una lectura contemporánea.
Un desarrollo gráfico de: «Conser-
vas pre-apocalípticas». Una inves-
tigación anterior muy ligada con-
ceptualmente al proyecto que nos
ocupa, en la que se trato de forma
colateral esta temática. Un proyecto
que se centra en la alquimia como
proceso de transformación.
En la que a partir de un alambique
se extrajeron diferentes destilados,
reposados con plantas vulnerables
del entorno y embotellados en reci-
pientes de vidrio soplado realizadas
ex profeso para el proyecto.
Para esta serie de grabados, esco-
ge el cobre como soporte porque le
remite a este proyecto anterior, a la
fase inicial del destilado con el alam-
bique. A la esencia y a la transmuta-
ción alquímica.
Miriam Isasi es Doctora en Bellas
Artes por la EHU, realizando su es-
tancia internacional en la UNAM de
México. Desde un posicionamiento
contemporáneo, genera un discurso
que se construye a partir de guiños
a la antropología, la historia, el acti-
vismo, el paisaje y la memoria.
Ha recibido apoyo por parte de di-
ferentes instituciones: Gobierno
Vasco, Diputación de Bizkaia y de
Álava, Ayuntamiento de Bilbao y de
Vitoria-Gasteiz, ARTIUM, C.C. Monte-
hermoso, Alhóndiga Bilbao, Museo
Guggenheim de Bilbao, Instituto
Etxepare, MAEC-AECID, Academia
de España en Roma, MUSAC, Artista
x Artista en Cuba o Fundación Bil-
baoArte entre otros.
Miriam Isasi Arce
Vitoria-Gasteiz ,1981
www.miriamisasi.com
ALQUIMIA PRE-APOCALÍPTICA emer-­
ged as a necessity to generate a se-
ries of engravings on this theme of
pre-apocalyptic alchemy. A series
of aquatints that seek to combine
alchemical iconography with its re-
interpretation from a contemporary
reading. A graphic development
of ‟Conservas pre-apocalípticas”
[pre-apocalyptic preserves]. An
earlier investigation that is closely
linked conceptually to the project in
question, where this thematic was
treated collaterally. A project fo-
cused on alchemy as a transforma-
tion process.
Where a still was used to extract
different distillates, rested with lo-
cal vulnerable plants and bottled in
blown glass vessels produced spe-
cially for the project.
She chose copper as the medium for
this series of engravings because
that refers to the earlier project, to
the initial phase of distilling with
the still. To the essence and to the
alchemic transmutation.
Miriam Isasi has a PhD in Fine Arts
from the UPV/EHU and her interna-
tional stay was at the UNAM in Mex-
ico. From a contemporary position,
she generates a discourse built with
nods to anthropology, history, activ-
ism, landscape and memory.
Miriam has received support from
different institutions: Basque Gov-
ernment, Bizkaia and Álava pro-
vincial councils, Bilbao and Vito-
ria-Gasteiz city councils, ARTIUM,
C.C. Montehermoso, Alhóndiga Bil-
bao, Guggenheim Museum Bilbao,
Instituto Etxepare, MAEC-AECID,
Spanish Academy in Rome, MUSAC,
Artista x Artista in Cuba and Bil-
baoarte Foundation, among others.
145

COMPRO ORO memoriaren komer-
tzioak duen interesean dauka abia-
puntua, urrezko objektu heredatu-
en bitartez, eta fenomeno honen
au­rrean gizarteak nola erreakzio-
natzen duen. Zeintzuen kokalekua
hirietan zentro garrantzitsuetan da-
goen. Madrileko Puerta del Sol, edo
Bilboko erdigunea.
Urrearen komertzioa bitxi eran,
gure herrialdeetako, eta krisiaren
fruitu den, gainbehera ekonomikoa
errepresentatzen duen konstante
bat da. Finantza-ezegonkortasunak
gidatuta, senideentzat garrantzitsu-
ak ziren urrezko bitxiak edo oroitza-
penak gordetzen dituzten objektuak
saltzeko indartuak sentitzen diren
pertsonak. Objektu hauen komer-
tzioak gure gizartearen memoriaren
galera dakar, aldaketa ekonomiko-
en geruza zaurgarrienak bereziki.
Azken urteetan, urre-erosketarako
denden kopurua nabarmenki han-
ditu da, hiriaren estetikan agertuz,
eta, horrenbestez, hiriaren oinarri-
aren parte izanik, eta era kolektibo-
an paisaiaren parte bezala onartuz.
Alessandro Leggio Madrilen bizi
da, eta bertan egiten du lan. Italian
Arte Ederretan ikasketak bukatuta,
Erresuma Batura lekualdatzen da,
hiri ezberdinetan bizi delarik, inmi-
grante kondizio etengabeak eragin-
dako esperientziak, Brexit-a beza-
lako aldaketa politikoek edo azken
urteetako atzerapen ekonomikoak
eragindako matxinadak. Erakusketa
kolektiboen artean; A Raw Garden
(2019), Pinch project-ek komisaria-
tua Fitzrovia Gallery-n (Londres,
Reino Unido). #Strangerthings (2018)
Krupic Kersting galerian (Kolo-
nia, Alemania) edo Deep East Win-
ter(2014), The Counter Collective-k
komisariatua, Mayor’s Parlour Ga­
llery Ltd-en (Londres, Erresuma Ba-
tua), besteak beste.
Leggio, Hiato Projects plataformaren
fundatzaile-kidea da, Londres eta
Madrilen artean praktika garaikide
berrien zabaltze proiektua.
COMPRO ORO parte del interés por el
comercio de la memoria, a través de
la posesión de objetos de oro hereda-
dos, y de cómo la sociedad reacciona
ante este fenómeno, cuyo emplaza-
miento en las ciudades se encuentra
en centros neurálgicos como es el
caso de la Puerta del Sol en Madrid
o la zona centro de Bilbao. El comer-
cio de oro en forma de joya, es una
constante que representa el declive
económico en nuestros países, fruto
de la crisis . Personas que se sienten
forzadas a vender joyas de oro que
tradicionalmente fueron relevantes
para sus antepasados u objetos que
llevan consigo recuerdos, de los cua-
les se tienen que desprender para
poder superar la inestabilidad finan-
ciera. El comercio de estos objetos re-
presenta la pérdida de la memoria de
nuestra sociedad, especialmente de
las capas más vulnerables a los cam-
bios económicos. En los últimos años,
el crecimiento de tiendas de compra
de oro ha incrementado considera-
blemente, definiéndose claramente
en la estética de la ciudad, y por lo
tanto, siendo parte del sustrato urba-
no actual, y aceptado colectivamente
como parte del paisaje.
Alessandro Leggio vive y trabaja
en Madrid, España. Tras concluir los
estudios de Bellas Artes, en la espe-
cialidad de pintura en la Academia
de Bellas Artes de Palermo (Italia),
se muda en Reino Unido, vivendo en
varias ciudades, una expericencia
que lo influenció por su condición
de inmigrante, los cambios politicos
causados por el Brexit y las revueltas
sociales ocurridas entre los últimos
años por la crisis economica.
Ha participado en colectivas como A
Raw Garden (2019), #Strangerthings
(2018) en Krupic Kersting gallery
(Colonia, Alemania), Deep East Winter
(2014), comisariada por The Counter
Collective, Mayor’s Parlour Gallery
Ltd (Londres, Reino Unido).
Actualmente, Leggio es co-fundador
y co-director de la plataforma Hiato
Projects, desarrollada entre Londres
y Madrid y que actualmente tiene su
sede en Madrid.
Alessandro Leggio
Ragusa, 1984
www.alessandroleggio.com
COMPRO ORO starts from the in-
terest about the trade of memory,
through the possession of gold
objects inherited, and how the so-
ciety reacts about this phenomena
which is manifesting itself in nevral-
gic points such as the case of Puerta
del Sol in Madrid, or the city centre
of Bilbao.
The trade of gold in form of jewel-
lery, is a constant that represents the
economic decline in our countries,
consequence of the crisis. People
that feel forced in selling in selling
jewellery in gold that were previous-
ly relevant for their ancestors or ob-
jects that carry the memories, and
of which they need to separate in
order to overcome the financial in-
stability. The trade of these objects
represents the loss of the memory
of our society, especially of those
layers that are the most vulnerable
to the economic changes. In the last
years the growth of gold for cash
shops has rose considerably, defin-
ing itself in the aesthetic of the city,
and therefore being part of the cur-
rent urban substrate, and accepted
collectively as part of the landscape.
Alessandro Leggio lives and works
in Madrid. After completing his stud-
ies in Fine Arts in Palermo (Italy),
he moves to the United Kingdom,
where will live in different cities, ex-
perience that influence him for the
condition of immigrant, affected by
the political changes such as the
Brexit or the turmoil accumulated
in the last years for the economic
reces­sion.
He has participated to group shows
such as A Raw Garden (London, UK).
#Strangerthings (2018) en Krupic
Kersting gallery (Cologne, Germany)
or Deep East Winter (2014), curated
by The Counter Collective, Mayor’s
Parlour Gallery Ltd (London, UK)
among others. Leggio is co-found-
er of the platform Hiato Projects, a
project of emerging contemporary
practices which develops between
London and Madrid.
147

1-10 ELEVADO A 10 erakusketa espe-
rimentalen sortzaile bezala funtzi-
onatzen duen proiektu piktorikoa
da, astro ezberdinen diametroen
datu sinple eta espektraletatik abia­
tuta, eta 1- 10.000.000.000ko eskalan
­errepresentatuak.
Erakusketa hauek bi kaos motaren
analogiaren adibide indibidual gisa
agertzen dira; naturala, bi funtsezko
indarren aurkaritzak sortutakoa, eta
sormenaren kaos indibidual edo su-
bjektiboa, egite piktoriko espresio­
nistan gorpuztua.
Erakusketa hauen bildumek, sarbi-
derik ez dugun paisaia berriak sor-
tzen dituzte. Izan ere, gaur egun,
eguzkiaren argazki zehatzak soilik
atera daitezke, gainontzeko astroak
birsorkuntza artistikorako geratzen
direlarik.
Pedro Marco Landa Iruñan bizi da
eta bertan egiten du lan. Marrazkian
zentratzen den artista interdiszipli-
narrak erakusketa indibidual zein
kolektiboetan parte hartu du, gure
lurraldean, eta bertatik kanpo. Ho-
rien artean esanguratsuak dira 1-10
elevado a 10 (Iruñeko Planetarioa,
2019), kaos ordenado (Iruñeko Zi-
tadela, 2015), Cutlog art fair (Paris,
2013), Híbrido I (Museo Gustavo de
Maeztu, 2008)... Bestalde, tailer zein
mintegi artistiko ezberdinetan ere
parte hartu du, Carlos Cánovas, Be-
goña Zubero, Joan Fontcuberta, edo
Andoni Eubak gidaturikoak, besteak
beste.
148
1-10 ELEVADO A 10 es un proyecto
pictórico que funciona como un ge-
nerador de muestras experimenta-
les, partiendo de los simples datos
de diámetro y tipo espectral de di-
versos astros, representados en una
escala de 1-10.000.000.000.
Estas muestras aparecen como
ejemplos individuales de la analogía
existente entre dos tipos de caos; el
natural, generado por la confronta-
ción de dos fuerzas fundamentales,
y el caos individual y subjetivo de la
creación, encarnado en el proceder
pictórico expresionista.
El conjunto de esas muestras con-
forma un paisaje inédito al que no
tenemos acceso, ya que, a día de
hoy, solo es posible obtener imá-
genes detalladas del sol, quedando
los demás astros para la recreación
artística.
Pedro Marco Landa vive y trabaja
en Pamplona. Artista interdiscipli-
nar, centrado en el dibujo, la pintura
y la fotografía, ha expuesto su obra
en diversas muestras individuales
y colectivas, en nuestro territo-
rio y fuera de él, destacando entre
otras 1-10 elevado a 10 (Planetario
de Pamplona, 2019), kaos ordena-
do (Ciudadela de Pamplona, 2015),
Cutlog art fair”(París, 2013), Híbrido I
(Museo Gustavo de Maeztu, 2008)...
Ha participado así mismo en diver-
sos talleres y seminarios artísticos,
impartidos por Carlos Cánovas, Be-
goña Zubero, Joan Fontcuberta, o
Andoni Euba, entre otros.
Pedro Marco Landa
Pamplona, 1968
www.marcolanda.com
1-10 ELEVADO A 10 is a pictorial
project that functions as a genera-
tor of experimental samples, start-
ing with the simple data of diam-
eter and spectral type of different
stars, represented on a scale of
1-10,000,000,000.
Those samples appear as individual
examples of the existing analogy be-
tween two types of chaos; the natu-
ral, generated by the confrontation
of two fundamental forces, and the
subjective and individual chaos of
creation, embodied in the expres-
sionist pictorial procedure.
These samples overall make up a
unique landscape to which we do
not have access, as, nowadays, only
detailed images can be obtained of
the sun, with the other stars being
left up to artistic recreation.
Pedro Marco Landa lives and works
in Pamplona. Interdisciplinary artist,
focused on drawing, painting and
photography, Pedro’s work has been
part of different solo and group ex-
hibitions, within and outside our
territory, and including 1-10 elevado
a 10 (Pamplona Planetarium, 2019),
kaos ordenado (Citadel of Pamplona,
2015), Cutlog art fair (Paris, 2013), Hí-
brido I (Gustavo Museum in Maeztu,
2008), ….He has also pariticipated
in different artistic workshops and
seminars, run by Cánovas, Begoña
Zubero, Joan Fontcuberta and Ando-
ni Euba, to name a few.
149

P.
1. Ze toki du prekarietateak?
R.
Hiztegiaren arabera:
Prekarietatea
Izen femeninoa
f. Prekarioaren ezaugarria.
prekario
lat. Precarius
1. Zerbaitetarako bitarteko edo ba-
liabide falta edo gabezia.
2. Egonkortasun edo segurtasun fal-
ta edo gabezia.
Lehenengo adieraren arabera, ez
diot garrantzi handia ematen +/-.
Bigarrena, aldiz, momentu honetan
interesgarriagoa dela deritzot zaur-
garritasunaren ideiari eusten baitio.
Rebecca Colling ikerkerlari-artistak
egindako bost galderaz osatutako
elkarrizketa, Espacio Azalan www.
azala.es (Lasierra, Araba. Ekaina
2019) egindako topaketen baitan.
Karlos Martinez Bordoy, UNEDen
bitartez Geografia eta Historian li-
zentziatua eta EASDren bitartez Gra-
fika Publizitarioan. Sorkuntza artis-
tikoan sari eta beka ugari lortu ditu
egonaldi, proiektu eta erakusketa
bakarkako zein kolektiboak gara-
tuz Bilbo, Donostia, Gasteiz, Madril,
Bartzelona, Manchester, Londres,
Leipzig, Lisboa Córdoba (Argentina),
Montevideo edo Argelen. Oteiza Mu-
seoa, Guggenheim Bilbo Museoa,
Bulegoa Z/B, Rekalde Aretoa, Praline
ArtistRunSpace, CAN Felipa, Caniche
Editorial, D21 Kunstraum, C.C Mon-
tehermoso, Galería Fabra i Coats,
Espacio Abisal, La Casa Encendida,
Fundación BlueProject, Espai d’Art
Contemporani de Girona, Tabakalera
San Sebastian, Synagogue de Delme,
Okela eta AUP (Serpentine Gallery),
besteak beste.
150
Karlos Martinez Bordoy
P.
1. ¿Qué lugar tiene la precariedad?
R.
Según el Diccionario:
Precariedad
Nombre femenino
f. Cualidad de precario.
precario, ria
Del lat. Precarius.
1. Carencia o falta de medios o re-
cursos necesarios para algo.
2. Carencia o falta de estabilidad o
seguridad.
Respecto a la primera acepción no le
doy mucha importancia +/-. La segun-
da en cambio si me parece en este
momento más interesante porque
remite a la idea de vulnerabilidad.
Extracto de la entrevista compues-
ta por cinco preguntas realizadas
por la investigadora y artista Re-
becca Collins durante el encuentro
en el Espacio Azala www.azala.es
(Lasierra, Álava. Junio 2019).
Karlos Martinez Bordoy Graduado
en Geografía e Historia por la UNED
y en Gráfica Publicitaria por la EASD.
Ha recibido varios premios y becas
de creación artística desarrollando
residencias, proyectos y exposicio-
nes tanto individuales como colec-
tivas en Bilbao, Donostia, Vitoria,
Madrid, Barcelona, Mánchester,
Londres, Leipzig, Lisboa, Córdoba
(Argentina), Montevideo o Argel en
organismos como Museo Oteiza,
Museo Guggenheim Bilbao, Bulegoa
Z/B, Sala Rekalde, Praline ArtistRunS-
pace, CAN Felipa, Caniche Editorial,
D21 Kunstraum, C.C Montehermoso,
Galería Fabra i Coats, Espacio Abisal,
La Casa Encendida, Fundación Blue-
Project, Espai dÁrt Contemporani de
Girona, Tabakalera San Sebastian,
Synagogue de Delme, Okela y AUP
(Serpentine Gallery) entre otros.
Bilbao,1982
www.karlitos53@hotmail.com
Q.
1. What is the place of precariousness?
R.
According to the Dictionary:
Precariousness.
Noun (feminine in Spanish).
f. Quality of precarious.
precarious
From the Latin Precarius.
1. Shortage or lack of means or re-
sources needed for something.
2. Shortage or lack of stability or se-
curity.
I do not give much importance +/- to
the first meaning. However, I think
the second is more interesting as it
has the idea of vulnerability.
Extract from the interview consist-
ing of five questions put by Rebec-
ca Collins, the researcher and artist,
during the meeting at Espacio Aza-
la www.azala.es (Lasierra, Álava.
June 2019).
Karlos Martinez Bordoy graduated
in Geography and History from the
UNED and in Advertising Graphics
from the EASD. He has been award-
ed different artistic creation grants
and prizes. His residencies, solo
and group projects and exhibitions
have been in Bilbao, Donostia-San
Sebastián, Vitoria, Madrid, Barce-
lona, Manchester, London, Leipzig,
Lisbon, Córdoba (Argentina), Mon-
tevideo and Algiers, at entities such
as the Oteiza Museum, Guggenheim
Museum Bilbao, Bulegoa Z/B, Sala
Rekalde, Praline ArtistRunSpace, CAN
Felipa, Caniche Editorial, D21 Kun-
straum, C.C Montehermoso, Galería
Fabra i Coats, Espacio Abisal, La Casa
Encendida, BlueProject Foundation,
Espai dÁrt Contemporani de Giro-
na, Tabakalera San Sebastian, Syn-
agogue de Delme, Okela and AUP
(Serpentine Gallery) among others.
151

VERSE bi instalazio erreaktiboetatik
eraikia den proiektua da. Ekintza,
espazioa, obra eta ikuslea interre-
lazionatzen diren ingurua sortzea
duelarik helburu. Argazkien, bi-
deoen eta objektu eskultorikoen
bitartez, erakusketa espazioan ga-
ratzen jarraitzen duten lan prozesu-
en emaitzak batu dira. Ispiluen eta
pertsonen presentzia hautematen
duten sistema elektronikoen bidez,
instalazioek ikuslearen presentzi-
ari erantzuten eta presentzia bera
artxibatzen dute sare bat sortzeko
arrasto modura, ni kolektibo bat.
Ispilua proiektu honen objektu
zentrala da begiratzearen, iden-
tifikatzearen eta analizatzearen
ekintzan sortzen den erakarpena-
gatik. Instalazioen mekanismoen
bitartez, ispiluek itzultzen duten
irudian esku hartzen da. Hone-
kin, heziketa-, kultura-, eta eko-
nomia-faktoreek eraikuntza iden-
titarioan duten eragina ikertzen
da, autoirudia eta erlazio afekti-
boak. Aipatutako faktoreen sujetu
bakoi­tza marko epistemologiko
konplexu baten barruan kokatzen
dute. Non soziala eta indibiduala
elkarelikatzen diren, post-internet
gizarte bateko plastikotasuna era-
kusten duten, non kontrolatu ezik,
mugimenduak, erabakiak eta jarre-
rak kontrolatzen dituzten.
Susana PG Arte Ederretan gradu-
atu zen USALen, Arte Bisualak eta
Multimedia, UPVn. SACek eta AAEE
Fakultateak hautatua, Arte Esperi-
mentalearen Espaziorako, BilbaoAr-
ten bekatua. USALeko argazki zien-
tifikoan 1. saria, San Marcos XIX eta
Jóvenes Pintores 15’ hautatua. Papel
Engomado eta Engomado Editoras
talde editorialeko kidea.
152
VERSE es un proyecto que se constru-
ye alrededor de dos instalaciones re-
activas que tienen como principal ob-
jetivo generar un entorno en el que
acción, espacio, obra y espectador/a
se interrelacionan. En el proyecto se
recoge mediante fotografías, vídeo
y objetos escultóricos el proceso de
trabajo por el cual se ha llegado a
unos resultados que siguen evolu-
cionando en el espacio expositivo. A
partir del uso de espejos y sistemas
electrónicos que reaccionan a la pre-
sencia de las personas, las instalacio-
nes responden e incluso archivan la
presencia del espectador/a a modo
de rastro para generar una red, un
yo colectivo.
El espejo es objeto central de este
proyecto por su atracción en el acto
de mirarse, identificarse y analizar-
se. Mediante los mecanismos de las
instalaciones se interviene la imagen
que devuelven los espejos. Con ello,
se explora cómo la influencia de los
factores culturales, económicos o
educacionales interfiere en la cons-
trucción identitaria, la autoimagen
y las relaciones afectivas. Dichos
factores inscriben a cada sujeto en
un marco epistemológico complejo
donde lo social e individual se re-
troalimentan y muestran la plastici-
dad de una sociedad post-internet,
donde no solo se controlan sino que
también se predicen movimientos,
decisiones y comportamientos.
Susana PG es graduada en Be­llas
Artes por la USAL, Máster en Artes
Visuales y Multimedia por la UPV.
Seleccionada por el SAC y la Facul-
tad de BB.AA. de Salamanca para el
Espacio de Arte Experimental, be-
cada en BilbaoArte. 1.º premio de
fotografía científica de la USAL, se-
leccionada en San Marcos XIX y Jóve-
ne Pintores 15’. Miembro del equipo
editorial de Papel Engomado y En-
gomado Editoras.
Susana PG
Madrid, 1993
VERSE is a project built around two
reactive installations whose main
aim is to generate an environment
where action, space, work and the
viewer interrelate. The work pro-
cess is included in the project by
means of photos, videos and sculp-
tures. The result therefore con-
tinues to evolve in the exhibition
space. Using mirrors and electronic
systems that react to the presence
of the people, the installations re-
spond to and even saves the pres-
ence of the viewer as a trail to gen-
erate a network, a collective self.
The mirror is the central object of
this project in the way it attracts
when looking at, identifying and
analysing one’s self. The image re-
flected by the mirrors intervenes
thanks to the installation mecha-
nisms. Thus, the influence is ex-
plored as to how the educational,
economic or cultural factors inter-
fere in the construction of identity,
the self-image and emotional rela-
tionships. Those factors place each
subject in a complex epistemo-
logical framework where the so-
cial and individual reinforce each
other and show the plasticity of a
post-Internet society, where not
only are they controlled but also
movements, decisions and behav-
iour are predicted.
Susana PG graduated in Fine Arts
from the USAL and has a Master’s
Degree in Visual Arts and Multime-
dia from the UPV. She was selected
by the SAC and Salamanca Universi-
ty’s Fine Arts Faculty for the Exper-
imental Art Space and was award-
ed a grant by BilbaoArte. 1st prize
in scientific photography from the
USAL, short-listed at San Marcos XIX
and Jóvenes Pintores 15’. Member of
Papel Engomado and Engomado
Editoras editorial team.
153

Album familiarra desagertze bidean
dago. Orri bakoitzean habitatzen
zuten memoria fisiko horiek gaur
birtualak ordezkatzen ditu, eten-
gabeko aldaketan dauden plata-
formak, zeintzuetan oroitzapenen
intimitatea desagertzen den eta
erabiltzaile guztiekin elkarbanatzen
den. Memorias analógicas proiek-
tuan 50. hamarkadako artxiboko
argazki familiarrak berreskuratzen
dira, grabatuaren bitartez birsor-
tuak izateko. Akuafortea eta urtin-
ta bezalako teknika tradizionalen
erabilerarekin posizionatze hau
memoria batzuk berreraikitzeko in-
tentzioarekin erlazionatuta dago,
hauek unibertsalizatzeko saiakeran.
Argazkiko familiarrek eta zirkuluko
jendeak erre­konozimendua bilatzen
duten artean, gainerakoentzat, izen,
istorio eta narratibarik gabeko iru-
ditegirako leiho irekia da irudia,
inkontzientearen poetikak fikzio be­
rria sortzen duen tokia baizik.
Maite Pinto Zangróniz artean gra-
duatutako (2015) artista multidis-
ziplinarra da, pintura eta grafikan
(UPV/EHU) aipamena izanik. 2017an
Arte Ederretan bukatzen du Master-
ra, Manchester School of Art (UK).
Egonaldi artistikoak egin ditu Scuola
Internazionale di Grafica de Vene-
zian (2016), JOYA Arte + Ecología,
Almería (2017), eta Basque Artist
Programen hautatua izan da The
Solomon R Guggenheim Museumen
eskutik, NY (2017). 2018an Itzal Akti-
boa saria irabazten du Euskal Herri­
ko sorkuntza gazte garaikideari.
Memorias analógicas proiektua aur-
kezten du SOLO show formatuan La
Gota de Leche (Logroño) eta Open
Portfolio del FIG (Bilbao) 2019an.
154
Maite Pinto Zangróniz
El álbum familiar está en peligro
de extinción. Esas memorias físicas
que habitaban en cada una de sus
páginas  son hoy sustituidas por lo
virtual, por plataformas en constan-
te cambio donde la intimidad de los
recuerdos desaparece y se compar-
te con todos los usuarios. Memorias
analógicas es un proyecto en el que
se rescatan  fotografías de archi-
vo familiar desde los años 50 para
recrearlas  por medio del grabado.
Este posicionamiento en la utiliza-
ción de técnicas tradicionales  como
la del aguafuerte y aguatinta está
relacionado con el deseo de  recons-
truir unas memorías en un intento
de universalizarlas. Mientras que los
familiares y gente del círculo de la
foto buscan el reconocimiento, para
el resto, la imagen es una ventana
abierta a un imaginario donde no
hay nombres, historias, ni narrativa
sino donde la poética del incons-
ciente crea una nueva ficción.
Maite Pinto Zangróniz es una ar-
tista multidisciplinar graduada en
Arte (2015) con mención en pintura
y gráfica (UPV/EHU). En 2017 finaliza
su MA in Fine Arts con distinción en
Manchester School of Art (UK). Ha
realizado residencias artísticas en la
Scuola Internatzionale di Grafica de
Venezia (2016), JOYA Arte + Ecologia,
Almería (2017), y ha sido selecciona-
da en the Basque Artist Program por
The Solomon R Guggenheim Mu-
seum, NY (2017). En 2018 recibe el
premio Itzal Aktiboa a la creación jo-
ven contemporánea del Pais Vasco.
Presenta  el proyecto Memorias Ana-
lógicas en formato SOLO show en
La Gota de Leche (Logroño) y en el
Open Portfolio del FIG (Bilbao) 2019.
Logroño, 1993
www.maitepinto.com
The family photo album is in dan-
ger of extinction. Those physical
memories that live on each of its
pages are today replaced by the
virtual, by constantly changing
platforms where the intimacy of
the memories disappears and
are charged with everyone. Me-
moarías analógicas is a project
when family archive photographs
from the 1950s are used to recre-
ate them using engraving. This ap-
proach using traditional techniques
such as etching and aquatint is re-
lated to the desire to reconstruct
memories in an attempt to univer-
salise them. While the relatives and
people from the circle of the photo
are seeking recognition, the image
for the others is a window open to
an imaginary where there are no
names, stories or narrative, but
rather where the poetics of the un-
conscious creates new fiction.
Maite Pinto Zangróniz is a multidis-
ciplinary artist who graduated in Art
(2015) with mention in painting and
graphics (UPV/EHU). In 2017, she
completed her MA in Fine Arts with
distinction at Manchester School of
Art (UK). Maite’s artistic residences
has been at the Scuola Internatzion-
ale di Grafica IN Venicea (2016) NS
JOYA Arte + Ecologia, Almería (2017),
and was selected for the Basque
Artist Program by The Solomon R
Guggenheim Museum, NY (2017). In
2018, she was awarded the Itzal Ak-
tiboa Prize for contemporary youth
creation of the Basque Country. She
has exhibited the Memorias Analó-
gicas om SOLO show format at La
Gota de Leche (Logroño) and at the
Open Portfolio del FIG (Bilbao) 2019.
155

«MICROBIANA, mugimenduan dau-
den irudiak eta irudi horien gorpu-
tzen gaineko proiekzioaren harre-
mana esperimentatzeko gogotik
sortu den bideoa da. Nire lanarekin
lotura duten baliabideen erabilera
eta berrerabilera -hala nola, 2004
urtean egin nituen bideo baten ma­
rrazkiak, eta material arrastoak-, Lei-
re Aranberri, performer eta proiektu
honen kolaboratzailea, esperimen-
tatzen ari zen Butoh dantzarekin ko-
nexioan jarri dira. Proiektua lan fisi-
ko eta zuzenek markatutako ariketa
batzuen dinamiken inguruan osa­
tzen joan da, zeintzuk aurretiazko
gidoirik gabe, sortzen eta pilatzen
joan diren. MICROBIANA bi ataletan
banatzen da: lehenengoak mikrofi-
txa batzuetan marraztutako mikro-
organismoen proiekzioak jasotzen
ditu, tatuai mugikor moduan gorpu-
tz ia-bizigabean zehar dabiltzanak.
Bigarrenean, aldiz, gorputz/bulto
batek ekintza bat inprobisatzen du:
partzialki zigilatua, gorputz-ortope-
dia nahaspila batekin mugimendu-
aren ziklo zentzugabean da ‟mugi-
tua”. Eta hemen abandonatzen du
MICROBIANAk ‟mikrobioaren gaia”
TRISTANA delako batean edo prote-
si-bizitza batean bihurtzeko».
Susana Talayerok pinturaren, ma­
rrazkiaren eta, aldizka, bideoaren
alorrean egiten du lan. UPV/EHUn
Arte Ederretan lizentziatu ondoren,
Erroman bizi izan da 1986 urtetik
1996 urtera. Bere azken erakuske-
ten artean El oscuro en su interior,
Carreras Mújica (2019); Relatos de
entenamiento, CAB-Burgos (2018);
Una certa organizzazione delle cose
AOC F58, Roma (2017) eta Crónica
inquieta, Bilboko Arte Ederren Mu-
seoan (2016). L’ocassione proiektu-
aren ko-autorea ere bada, Bilbon,
2011 urtetik, topaketa publikoak
antolatzen dituen ekimena bat.
156
http://carrerasmugica.com/artist/susana-talayero/
«MICROBIANA es un vídeo que sur-
ge del deseo de experimentar la re-
lación entre imágenes en movimien-
to y su proyección sobre un cuerpo.
El uso y reutilización de recursos
próximos a mi trabajo -como son los
dibujos de un vídeo que realicé en
el 2004 y restos de materiales-, son
puestos en conexión con una expe-
riencia corporal en torno a la danza
Butoh que la performer y colabora-
dora del proyecto, Leire Aranberri,
estaba experimentando. El proyec-
to se ha conformado en torno a un
trabajo físico y directo marcado por
la dinámica de unos ejercicios que,
sin guión previo, iban surgiendo
y amontonándose. MICROBIANA
se articula en dos partes: la pri-
mera recoge las proyecciones de
microorganismos dibujados sobre
microfichas, que a modo de tatuajes
móviles, circulan por un cuerpo casi
inerte. En la segunda, un cuerpo/
bulto improvisa una acción: parcial-
mente precintado, ‟es movido” con
una maraña de ortopedias corpo-
rales que incorpora al ciclo del no
sentido del movimiento. Y es aquí
cuando MICROBIANA abandona la
“cuestión microbio” para transfor-
marse en una suerte de TRISTANA,
o de la vida como prótesis».
Susana Talayero trabaja en el cam-
po de la pintura, el dibujo y de ma-
nera ocasional en el vídeo. Tras li-
cenciarse en Bellas Artes por la UPV/
EHU, se traslada a Roma donde resi-
de de 1986 a 1996. Entre sus últimas
exposiciones están El oscuro en su
interior, Carreras Múgica (2019); Re-
latos de entrenamiento, CAB-Burgos
(2018); Una certa organizzazione delle
cose AOC F58, Roma (2017) y Crónica
inquieta, Museo de Bellas Artes de
Bilbao (2016). Es coautora del pro-
yecto L’occasione, una iniciativa de
encuentros públicos que organiza
en colaboración desde el 2011 en
Bilbao.
Susana Talayero
Bilbao, 1961
‟MICROBIANA is a video that
emerged from the desire to experi-
ment with the relationship between
moving images and their projection
on a body. Using and reusing re-
sources close to my work – such as
the drawings of a video that I made
in 2004 and other materials –, are
connection points with a body ex-
perience around the Butoh dance
with which Leire Aranberri, the per-
former and project partner, was ex-
perimenting. The project has taken
shape around a direct and physical
work marked by the dynamics of ex-
ercises that, without a prior script,
emerged and piled up. MICROBIA-
NA is divided into two parts: the first
compiles the screenings of micro-
bodies drawn on microfiches, which
as if they were moving tattoos, circu-
late over a nearly inert body. In the
second part, a body/bundle impro-
vises an action: partially sealed, ‛it
is moved’ using a tangle of body or-
thopaedics that becomes part of the
non-consciousness cycle of move-
ment. And that is when MICROBIA-
NA abandons the ‛microbe question’
to become a type of TRISTANA, or
life as prosthetics”.
Susana Talayero works in the field
of painting, drawing and occasion-
ally with video. After graduating in
Fine Arts from the UPV/EHU, Susa-
na moved to Rome where she lived
from 1986 to 1996. Her recent exhi-
bitions include El oscuro en su inte-
rior, Carreras Múgica (2019); Rela-
tos de entrenamiento, CAB-Burgos
(2018); Una certa organizzazione
delle cose AOC F58, Rome (2017)
and Crónica inquieta, Bilbao Fine
Arts Museum (2016). She is co-au-
thor of the L’occasione project, an
initiative of public meetings that she
has organised with other contribu-
tors in Bilbao since 2011.
157

Correlatos del no mundo proiektu-
an, memoriaren eta kon­tzientzia
bisualaren arteko loturari buruzko
gogoeta egiten dut, irudiarekiko
posizionamendu fenomenologiko
batetik. Irudimenezko nortasuna
ematen diot ingurune intimoena-
ri, norberaren begiradari, «irudiak
egitea» norberaren esperientziatik
urruntzea eta ingurune horrekiko
identifikazioa berreskuratzea ahal-
bidetzen duen eragiketa dela uler-
tuta. «Egite» horretan, serigrafiaren
bidez, denborazkotasunari dagokio-
nez aurkakotutako bi bitartekoen
irudi-ezaugarriak lotzen ditut –ar-
gazkigintza eta pintura–.
Lourdes de la Villa Arte Ederretan
lizentziatu zen EHUn (2000). Bertan
doktoretza egin zuen 2011n, erre-
presentazio artistikoaren ikuspun-
tutik burmuinaren funtziora hurbil-
tzea planteatzen duen tesi batekin.
2014an CIPEIn (Mexikoko Uniber­
tsitate Nazional Autonomoko Arte
eta Diseinu Fakultatean) egonaldi
bat egin zuen ikertzaile gisa, non
Arte. Irudia eta errealitatea Ikerke-
ta-Mintegi Iraunkorraren jarduere-
tan parte hartu zuen.
2015ean, bere sortze-proiektuari
buruzko liburu bat argitaratu zuen:
Sueño del observador (Begiralearen
ametsa), Eusko Jaurlaritzaren ar-
teentzako laguntza baten bidez.
Urte berean, programa bereko
beste laguntza bat jaso zuen, Sor-
kuntza-Ekoizpen modalitatean.
Beste sorkuntzarako eta arteen
hedapenerako laguntza batzuk ere
jaso ditu, hala nola Etxepare Insti-
tutukoa (2016), Bizkaiko Foru Aldun-
dikoa (2012), eta BilbaoArteko (Bil-
bo) eta Kunsthaus de Bregenzeko
(Austria) artista egoiliarra izan zen
(2010). Hainbat ikastaro, mintegi eta
tailerretan parte hartu du, horien
artean Serigrafia hedatua: paperetik
serigrafiako esku-hartzera, Bilbao­
Arte (2011). 2018tik EHUko Arte
Ederretako Fakultateko irakaslea da.
158
En Correlatos del no mundo reflexio-
no sobre el vínculo entre la memo-
ria y la consciencia visual desde un
posicionamiento fenomenológico
en relación a la imagen. Doy iden-
tidad imaginaria al entorno más ín-
timo, el de la mirada propia, enten-
diendo que «hacer imágenes» es la
operación que permite tanto tomar
distancia de la propia experiencia,
como recuperar la identificación con
dicho entorno. En este «hacer», vin-
culo por medio de la serigrafía ca-
racterísticas de imagen de dos me-
dios de temporalidad contrapuesta
–la fotografía y la pintura–.
Lourdes de la Villa se licenció en Be-
llas Artes por la UPV-EHU (2000). Allí
se doctoró en 2011 con una tesis en
la que plantea un acercamiento a la
función del cerebro desde el punto
de vista de la representación artísti-
ca. En 2014 realizó una estancia como
investigadora en el CIPEI (Facultad
de Artes y Diseño de la Universidad
Nacional Autónoma de México), don-
de tomó parte en las actividades del
Seminario Permanente de Investiga-
ción Arte. Imagen y realidad.
En 2015 publicó un libro sobre su
proyecto de creación Sueño del ob-
servador mediante una Ayuda a las
Artes del Gobierno Vasco. Ese mis-
mo año recibió otra ayuda del mis-
mo programa en la modalidad de
Creación-Producción. Ha recibido
también otras ayudas a la creación
de instituciones como el Instituto
Etxepare (2016), la Diputación Fo-
ral de Vizcaya (2012), y fue artista
residente de BilbaoArte (Bilbao) y
del Kunsthaus de Bregenz (Austria)
(2010). Ha participado en distintos
cursos, seminarios y talleres, entre
ellos Serigrafía expandida: del pa-
pel a la intervención serigráfica, Bil-
baoArte (2011). Desde 2018 es pro-
fesora de la Facultad de Bellas Artes
de la UPV/EHU.
Lourdes de la Villa
Burgos, 1970
www.lourdesdelavilla.com
In Correlatos del no mundo I reflect
on the link between memory and
visual awareness from a pheno-
menological position in relation to
the image. I give imaginary identity
to the most intimate environment,
that of one’s own gaze, unders-
tanding that ‟making images“ is
the operation that allows both to
take distance from the experience
itself, and to recover the identifica-
tion with that environment. In this
‟doing”, I link through serigraphy
image characteristics of two means
of opposing temporality –photogra-
phy and painting–.
Lourdes de la Villa graduated in
Fine Arts from the UPV-EHU (2000).
He got a Ph degree in 2011 with a
thesis in which she proposed an
approach to brain function from the
point of view of artistic representa-
tion. In 2014 she made a residence
as a researcher at the CIPEI (Faculty
of Arts and Design of the National
Autonomous University of Mexico),
where she took part in the activities
of the Permanent Research Seminar
Art. Image and reality.
In 2015 she published a book about
his creation project Sueño del ob-
servador (Dream of the Observer)
through a fellowship to the Arts of
the Basque Government. That same
year she received another help
from the same program in the Crea-
tion-Production modality. She has
also received other grants for the
creation of institutions such as the
Etxepare Institute (2016), the Pro-
vincial Council of Biscay (2012), and
was a resident artist of BilbaoArte
(Bilbao) and the Kunsthaus de Bre-
genz (Austria) (2010).
She has participated in different
courses, seminars and workshops,
including Expanded screen printing:
from paper to screen printing in-
tervention, BilbaoArte (2011). Since
2018 she is a professor at the Facul-
ty of Fine Arts of the UPV / EHU.
159

«W-B
B-W
Witches-Bitches-Witchesek, azken
urteetan garatu dudan emakume
boteretsuen errepresentazio pa-
triarkalen inguruko ikerketa ildoa
jarraitzen du. Kasu honetan sorgi-
nen iruditegiaren hurbilketa bat da.
Emakume jakintsuak, sendatzaileak,
igarleak, emaginak… jakintza hege-
monikoei mehatxu egiten dien ja-
kintzak.
Sorgin figurarekin lotzen diren klixe-
en irudi-segida sortu dut, azazkal
luzeak, gauekotasuna, landareak,
mineralak, kutunak… Higa edo Fi-
garen keinua berreskuratuz, ukabil
itxi baten atz luze eta erakuslearen
artetik hatz potoloa arinki erakusten
duen kutuna.
Irudi hauetatik bandera eta zutoihal
segida atera da, aldare eran eskul-
tura talde bat, eta irudi-bandera
horiek, mugimendu eta argiaren bi-
tartez, aktibatzen dituen performan-
ce bat. Arreta, denbora eta eskala
modu berriak proposatuz».
Maia Villot de Diego, UPV/EHUko
Arte Ederretan lizentziatu zen 2006
urtean. Ikus-entzunezko tailer eta
mintegietan, dantzan eta perfor-
mancean jarraitu zuen bere forma-
zioarekin.
Bere azken lanetatik esanguratsuak
dira W-B B-W (Emen Hetan Witchy By-
tchy Ding Dong it’s Sabbat Time, Hu-
arte Zentrua, 2018. Julie Laymond
erakusketako komisario lanetan),
BIDIMENSIONAL (Yo, La Peor de to-
das, Museo de Navarra, 2017 . Maite
Garabayo erakusketako komisaio
lanetan), Lectura (True in my body,
Tabakalera, 2016. Anarchivo SIDA
erakusketaren baitan, Equipo re ko-
lektiboak komisariatua, Aimar Arrio-
la, Nancy Garín eta Linda Valdések
konposatua) eta Échale la culpa I, II
eta III, (BAD Festibala, 2014).
160
Maia Villot de Diego
www.maiavillotdediego.blogspot.com
«W-B
B-W
Witches-Bitches Bitches-Witches con-
tinúa la investigación que he desa-
rrollado en los últimos años acerca
de las representaciones patriarcales
de mujeres poderosas. En este caso
es una aproximación al imaginario
de las brujas. Mujeres sabias, sa-
nadoras, curanderas, videntes, co-
madronas… con conocimientos que
se ven como una amenaza para los
saberes hegemónicos.
He producido una serie de imáge-
nes a través de algunos clichés aso-
ciados a la figura de la bruja, como
las uñas largas, la nocturnidad, las
plantas, los minerales, los amule-
tos… recuperando el gesto de la
Higa o Figa, un amuleto en forma
de puño cerrado con el dedo pulgar
asomando levemente entre el cora-
zón y el índice.
De estas imágenes ha surgido una
serie de banderas o estandartes, un
grupo de esculturas a modo de altar
y una performance en la que activo
esas imágenes-bandera jugando
con el movimiento, la luz y propo-
niendo otro tipo de atención, otra
temporalidad y otra escala».
Maia Villot de Diego, se licenció en
Bellas Artes en la Universidad del
País Vasco en 2006. Continuó su for-
mación a través de diversos talleres
y seminarios en artes visuales, dan-
za y performance.
De sus últimos trabajos cabe des-
tacar W-B B-W (Emen Hetan Witchy
Bytchy Ding Dong it’s Sabbat Time,
Centro Huarte, 2018. Exposición
comisariada por Julie Laymond), BI-
DIMENSIONAL Yo, La Peor de todas,
Museo de Navarra, 2017. Exposición
comisariada por Maite Garbayo),
Lectura (True in my body, Tabakale-
ra, 2016. Dentro de la exposición
Anarchivo SIDA, comisariada por el
colectivo Equipo re, compuesto por
Aimar Arriola, Nancy Garín y Linda
Valdés) y Échale la culpa I, II y III,
(Festival BAD, 2014).
Sevilla, 1977
‟W-B
B-W
Witches-Bitches Bitches-Witches con-
tinues my recent research on partial
portrayals of powerful women. In
this case, I consider the imaginary
of witches. Wise women, healers,
folk healers, seers, midwives… with
knowledge that is seen as a threat
to hegemonic knowledge.
I have produced a series of images
by means of certain clichés associ-
ated to the figure of the witch, such
as long nails, her nocturnal activity,
plants, minerals, amulets… recover-
ing the Figa hand charm, an amu-
let of a fist with the thumb slightly
sticking out between the middle and
index fingers.
These images have led to a series
of flags or standards, a group of
altar sculptures and a performance
where those images-flags play with
movement, light and propose an-
other type of attention, another
temporality and another scale”.
Maia Villot de Diego graduated in
Fine Arts from the University of the
Basque Country in 2006. She contin-
ued her training in different visual
arts, dance and performance work-
shops and seminars.
Among her recent work, special
mention should be made of W-B
B-W (Emen Hetan Witchy Bytchy Ding
Dong it’s Sabbat Time, Centro Huarte,
2018. Exhibition curated by Julie
Laymond), BIDIMENSIONAL (Yo, La
Peor de todas, Museo de Navarra,
2017. Exhibition curated by Maite
Garbayo), Lectura (True in my body,
Tabakalera, 2016. As part of the An-
archivo SIDA exhibition, curated by
the Equipo re, the group comprising
Aimar Arriola, Nancy Garín and Lin-
da Valdés) and Échale la culpa I, II y
III, (Festival BAD, 2014).
161
 TRUKAKETAKO ARTISTAK
ARTISTAS DE INTERCAMBIO
EXCHANGED ARTISTS

PAYSAGES FANTOMATIQUES Juana
García-Pozuelok Cité internationa-
le des Arts de Parisen garatutako
proiektu piktorikoa da, Pariseko,
Chaptal kalea, 16an kokatutako,
«Musée de la Vie Romantique»en
obrako bilduma eta eraikina bera
izanik interes-objektua.
Ary Scheffer (1795-1858) pintore-
aren etxea izan zen eraikin haur, eta,
ondoren, bere alabarena, Cornelia
Scheffer (1830-1899) eskultorea. Ha-
markadetan zehar kultur-munduko
pertsona esanguratsuen topaleku
izan zen. George Sand, Frédéric Cho-
pin, Eugéne Delacroix, Jean Auguste
Dominique Ingres, Franz Liszt, edo
Charles Dickens.
XIX mendeko patio bukoliko zuhaizti
batean kokatutako museoko bildu-
ma iraunkorrean, Ingres eta Dela-
croixen marrazkiak erakusten ziren,
nahiz eta bildumaren figura nagusia
George Sand izan, erretratu fami-
liarrak, etxeko ondasun, bitxi eta
oroimen objektuak barne.
Museoak dituen piezen artean,
«Dendrites» izeneko akuarela txiki
batzuk daude, irudimenezko paisaiak
sinbolizatzen dituztenak, George
Sandek joku gisa egindakoak, eta
Juanari, Pariseko egonaldian zehar,
ikerketa plastikorako abiapuntu
bezala baliagarri zaizkionak.
Juana García-Pozuelo Bilbon bizi
da 1996 urtetik, artistaren ekintza
profesionalaren kokaleku nagu-
sia. Euskal Herriko Unibertsitatean
gauzatu ditu Arte Ederretan eta
Sorkuntza eta Ikerketa Masterrean
ikasketak. Egun, Institut Francais
eta BilbaoArtek emandako bekare-
kin, Cité Internationale des Pariseko
Arts-en dabil proiektu bat garatzen.
Juana García- Pozuelo
PAYSAGES FANTOMATIQUES es el
proyecto pictórico desarrollado por
Juana García-Pozuelo en la Cité inter-
nationale des Arts de Paris, tomando
como objeto de interés, el edificio y
la colección de obra del «Musée de
la Vie Romantique» de Paris, situado
en el nº 16 rue Chaptal.
Este edificio fue la vivienda del pin-
tor Ary Scheffer (1795-1858) y pos-
teriormente de su hija, la escultora
Cornelia Scheffer (1830 - 1899). Du-
rante décadas fue lugar de reunión
de personalidades destacadas del
mundo de la cultura como George
Sand, Frédéric Chopin, Eugène De-
lacroix, Jean Auguste Dominique In-
gres, Franz Liszt, o Charles Dickens.
El Museo, una mansión del siglo
XIX situada en un bucólico patio
arbolado, muestra en su pequeña
colección permanente dibujos de
Delacroix e Ingres, aunque la prota-
gonista principal de la colección sea
la figura de George Sand, incluyen-
do retratos familiares, pertenencias
domésticas, piezas de joyería y obje-
tos de recuerdo.
Entre las piezas que guarda el mu-
seo, se encuentran unas pequeñas
acuarelas llamadas «Dendrites», que
simbolizan paisajes imaginarios, rea-
lizadas por Georges Sand a modo de
juego y que sirven a Juana de punto
de partida de investigación plástica
durante su estancia en París.
Juana García-Pozuelo reside en Bil-
bao desde 1996, donde ha realizado
la mayor parte de su actividad pro-
fesional. Es licenciada en Bellas Ar-
tes por la Universidad del País Vasco
y Master Creación e Investigación
en la misma universidad. En estos
momentos desarrolla un proyecto
en la Cité Internationale des Arts de
Paris gracias a una beca del Institut
Français y BilbaoArte.
Logroño, 1978
www.juanagarciapozuelo.com
PAYSAGES FANTOMATIQUES is the
pictorial project developed by Juana
García-Pozuelo at the Cité interna-
tionale des Arts in Paris, taking as an
object of interest, the building and
the work collection of the ‟Musée de
la Vie Romantique” in Paris, located
in the nº 16 rue Chaptal.
This building was the home of the
painter Ary Scheffer (1795-1858)
and later of his daughter, the sculp-
tor Cornelia Scheffer (1830 - 1899).
For decades it was a meeting place
for prominent personalities from
the world of culture such as George
Sand, Frédéric Chopin, Eugène Dela-
croix, Jean Auguste Dominique In-
gres, Franz Liszt, or Charles Dickens.
The Museum, a 19th-century man-
sion located in a bucolic tree-lined
courtyard, shows in its small perma-
nent collection drawings by Delacroix
and Ingres, although the main pro-
tagonist of the collection is the figure
of George Sand, including family por-
traits, household belongings, pieces
of jewelry and memorabilia.
Among the pieces that the museum
keeps, there are some small wa-
tercolors called ‟Dendrites”, which
symbolize imaginary landscapes,
made by Georges Sand as a game
and that serve as Juana’s starting
point for plastic research during his
stay in Paris.
Juana García-Pozuelo lives in Bil-
bao since 1996, where she has car-
ried out most of her professional ac-
tivity. She has a degree in Fine Arts
from the University of the Basque
Country and a Master in Creation
and Research from the same uni-
versity. She is currently developing a
project at the Cité Internationale des
Arts in Paris thanks to a grant from
the Institut Français and BilbaoArte.
165

Thirty eight Hangul syllables -in a
manner of speaking-.
«Eman iezazkidazu ezer esaten ez
duten hitzak, eman izeazkidazu
dena esaten duten hitzak».
Winston Tong
Paraleloan bi esaldi, hogeita zortzi
silaba. Zenbaki errudunena Korean,
bi Koreak banatzen dituen paralelo-
aren zenbakia.
Ikuspuntu kontzeptualetik, eta este-
tikotik arras polita den alfabeto bati
lotutako hogeita hamazortzi irudi.
Herriarentzat tresna gisa jaio zena,
eta apenas 7 menderekin, mugaren
bi aldeetan bizirik jarraitzen duena.
Alderantzizko bi irakurketa; alde-
rantzizkatuak?
Alde batetik, munduko zirugia este-
tiko aurreratuena jarraituz eraldatu-
tako erretratuak.
(그들은 우리가 비슷해지고 외로움이
되기를 원한다: They want us to be
similar and loneliness).
Bestetik, pertsona ezberdinen aur-
pegien gainjartzearekin sortutako
erretratuak.
(그들은 우리를 함께 다양하게 가질­
것이다: They will have us together
and diverse).
Byung-Chul Hanen irakurketa kon-
pultsiboa isladatzen duten gardenta-
sun, gehiegizko argiztatze eta itzalen
joko bat.
Edertasunaren salbazioa eta desber-
dina den ororen kanporaketzearen ar-
tean, shanzai jolasten dugu moltsoan.
Bakardadean nahi gaituzte, komu-
nean izango gaituzte.
Nota: Winston Tong ez da Korearra,
iparramerikarra baizik, filosofo alema-
niarra al da Byung-Chul Han?
Inglesetik koearrera itzulpenak Choi
Yanghyunen eskutik.
Alberto Lomas azken bakarkakoak
Hard Borders/Soft Borders, Karge Galle-
ry, Slemani, Irak (2018); Interface, Cen-
tre d'Art Monderne Tetuan, Moroko
(2017), Maroko (2017); Alteraciones en
praxis, Artium, Vitoria/Gasteiz (2015).
www.albertolomas.com / www.albertolomasartworks.blogspot.com
Thirty eight Hangul syllables
-in a manner of speaking-.
«Dame las palabras que no dicen
nada. Dame las palabras que lo di-
cen todo».
Winston Tong
Dos frases en paralelo, treinta y
ocho sílabas. El número menos ino-
cente en Corea, el número del para-
lelo que separa las dos Coreas.
Treinta y ocho imágenes de rostros
asociados a un alfabeto extremada-
mente bello, tanto desde el punto de
vista conceptual como estético que
nació como un instrumento para el
pueblo y que con apenas 7 siglos de
existencia se mantiene vivo a ambos
lados de la frontera.
Dos lecturas inversas; ¿invertidas?
Por un lado, retratos modificados
siguiendo los cánones de la cirugía
estética más avanzada del mundo.
(그들은 우리가 비슷해지고 외로움이
되기를 원한다: They want us to be
similar and loneliness).
Por otro, retratos creados a partir de
la superposición de rostros de dife-
rentes personas.
(그들은 우리를 함께 다양하게 가질­
것이다: They will have us together
and diverse).
Un juego de transparencias, so­
breiluminación y sombras que debe
mucho a la lectura compulsiva de
Byung-Chul Han.
Entre la salvación de lo bello y la
expulsión de lo distinto jugamos al
shanzhai en el enjambre.
Nos quieren en soledad, nos ten-
drán en común.
Nota: Winston Tong no es Coreano
es norteamericano, ¿es Byung-Chul
Han un filósofo alemán?
Traducciones de inglés a coreano
de Choi Yanghyun.
Alberto Lomas últimas individuales
Hard Borders/Soft Borders, Karge Ga-
llery, Slemani, Irak (2018); Interface,
Centre d'Art Monderne Tetuan, Ma-
rruecos (2017); Alteraciones en pra-
xis, Artium, Vitoria/Gasteiz (2015).
Alberto Lomas
Vitoria/Gasteiz, 1967
Thirty eight Hangul syllables
-in a manner of speaking-.
‟Give me the words. That tell me noth-
ing. Give me the words. That tell me
everything ”
Winston Tong
Two phrases in parallel, thirty-eight
syllables. The least innocent number
in Korea, the number of the parallel
that separates the two Koreas.
Thirty-eight images of faces associat-
ed with an extremely beautiful alpha-
bet, both from the conceptual and
aesthetic point of view that was born
as an instrument for the people and
that with just 7 centuries of existence
remains alive on both sides of the
border.
Two reverse readings; inverted?
On the one hand, modified portraits
following the canons of the most ad-
vanced cosmetic surgery in the world.
(그들은 우리가 비슷해지고 외로움이
되기를 원한다: They want us to be
similar and loneliness).
On the other hand, portraits created
from the superposition of faces of dif-
ferent people.
(그들은 우리를 함께 다양하게 가질­ 것
이다: They will have us together and
diverse).
A game of transparencies, overlight-
ing and shadows that is the conse-
quence of the compulsive reading of
Byung-Chul Han.
Between the salvation of the beautiful
and the expulsion of the different we
play shanzhai in the swarm.
They want us in solitude, they will
have us in common.
Note: Winston Tong is not Korean is
American, is Byung-Chul Han a Ger-
man philosopher?
Choi Yanghyun's English to Korean
translations.
Alberto Lomas last individual Hard
Borders / Soft Borders, Karge Gallery,
Slemani, Iraq (2018); Interface, Center
d'Art Monderne Tetuan, Morocco
(2017); Alteraciones en praxis, Artium,
Vitoria / Gasteiz (2015).
167

False Historical Facts, faltsu historiko-
tik abiatzen den saiakera instalatua
da, gorputz- eta arkitektura-espa-
zioen arteko konbergentziaen po-
sibilitateari buruz hausnartzeko.
Ho­rretarako, piezaren bizkarrezur
diren Bilbo hiriko bi agente nagu-
sirekin topaketan antolatzen ditu.
Alde batetik, plano arkitektonikoan,
Patxi Garcia arkitekto eta dibulga­
tzailea, eta, bestetik, gorputz ere-
muan, María Gómez, UPV/EHUko
aktibista ikertzailea, intersexualita-
teen alorrean espezializatu dena.
False Historical Facts aniztasuna, le-
kualdatzea, gainjartzea eta intertex-
tualitatea erabiltzen dituen pentsa-
mendu proposamena da. Beste
gorpuzkera posibleei buruzko haus-
narketa sortzeko helburuarekin.
Julia Martos UGR-n lizentziatu
da AAEEtan, eta Valentziako Poli-
técnica Unibertsitatean Ekoizpen
Artistikoan burutu zuen master-
ra. Bere ibilbidea, gaur egunera
arte, ekoizpen artistiko pertsonala,
proiektu kulturalen koordinazio eta
programazioarekin konbinatu ditu.
Hala nola, Centre for Contempora-
ry Arts (CCA) Glasgow, 2018 (Cultu-
rex Beka). Bere praktika artistikoari
dagokionean, begirada jarraitu bat
landu du artxiboan, gorputzean, eta
honen presentzian film eta antzerki
espazioetan, lengoaia koreografiko
eta zinematografikoaren arteko in-
terkonexioetan interesa jarriz. New
York, Leipzig, Lisboa eta Latinoa-
merika bezalako tokietan egin ditu
erakusketak, baita Madrileko Rei-
na Sofia museoan, Vigoko MARCO,
Malagako CAC, edo Bartzelonako
CCCB ere. Espazio eszenikoetan; An-
tic Teatre Barcelona 2018, Sevillako
Festival Mes de Danza 2017, Leone-
ko Sala Albéitar 2017, C3A Córdoba
2017, edo Festival Danzamos Conde
Duque 2015. Gaur egun Londresen
bizi eta lan egiten du, non Film pro-
False Historical Facts
gramming and Curating 2019-20
Bideo framea / Video frame
Masterra ikasten ari den Birkbeck
Bideoa / Video, 2019
Unibertsitatean, Fundación Botín de
Comisariado eta Gestión de Museo
bekari esker.
False Historical Facts es un ensayo au-
diovisual instalado que parte de la
idea de falso histórico para especular
sobre la posibilidad de convergencia
entre escenarios corporales y arqui-
tectónicos. Para ello, la artista lleva a
cabo una serie de encuentros con dos
agentes principales de la ciudad de Bil-
bao que suponen la espina dorsal de
la pieza. Por un lado, en el plano arqui-
tectónico, el arquitecto y divulgador
Patxi García, y por otro lado, en el cor-
poral, la activista e investigadora por la
UPV/EHU María Gómez, especializada
en el terreno de las intersexualidades.
False Historical Facts es ante todo una
propuesta de pensamiento que utiliza
la multiplicidad, el desplazamiento,
la superposición y la intertextualidad
para generar una reflexión hacia otras
corporalidades posibles.
Julia Martos es licenciada en BBAA
por la UGR, y máster en Producción
Artística por la Universidad Politéc-
nica de Valencia. Su recorrido has-
ta la actualidad ha combinado la
producción artística personal con
experiencias profesionales rela-
tivas a la gestión, coordinación y
pro­gramación de proyectos cultu-
rales como su última estancia en el
Centre for Contemporary Arts (CCA)
Glasgow, 2018 (Beca Culturex). En
relación con su práctica artística, ha
cultivado una continua mirada al
archivo, al cuerpo, y a su presencia
en el espacio fílmico y/o teatral, in-
teresándose por las interconexiones
entre lenguajes coreográfico y cine-
matográfico. Su obra se ha expuesto
en lugares como Nueva York, Leipzig,
Lisboa o Latinoamérica, además de
en museos nacionales como el Reina
Sofía de Madrid, el MARCO en Vigo, el
CAC en Málaga, o el CCCB en Barce-
lona, así como en espacios escénicos
como el Antic Teatre Barcelona 2018,
el Festival Mes de Danza de Sevilla
2017, o el Festival Danzamos en Con-
de Duque 2015. Actualmente vive
y trabaja en Londres, donde estu-
dia el Máster en Film Programming
and Curating en la Universidad de
Birkbeck, gracias a la beca de la Fun-
dación Botín de Comisariado y Ges-
tión de Museos.
Julia Martos
Córdoba, 1989
www.juliamartos.com
False Historical Facts is an installed au-
dio-visual essay that starts from the
false history to speculate about the
possibility of convergence between
architectural and bodily scenarios.
Therefore, the artist performs a series
of meeting with two main stakehol-
ders of the city of Bilbao that is the
backbone of the piece. On the one
hand, in terms of architecture, Patxi
Garcia, the architect and proponent,
and on the other hand, regarding the
corporal, María Gómez, the activist
and researcher at the UPV/EHU, who
specialises in the field of intersexuali-
ties. False Historical Facts is above all
a thought proposal that uses multip-
licity, displacement, overlapping and
intertexuality to generate a reflection
towards other possible corporealities.
Julia Martos graduated in Fine Arts
from the UGR and has a Master’s
Degree in Artistic Production from the
Politécnica University of Valencia. Her
career so far has combined personal
artistic production with professional
experiences relating to the manage-
ment, coordination and programme
of cultural activities, such as her recent
time at the Centre for Contemporary
Arts (CCA) Glasgow, 2018 (Culturex
Grant). As regards her artistic prac-
tice, Julia has cultivated a continuous
focus on the archive, the body, and
to their presence in the film and/or
theatre space, where she considers
the interconnections between cine-
matographic and choreographic lan-
guages. Her work has been exhibited
in different locations including New
York, Leipzig, Lisbon and Latin Ame-
rica, as well as in national museums
such as the Reina Sofía in Madrid, the
MARCO in Vigo, the CAC in Malaga or
the CCCB in Barcelona, as well as at
scenic spaces including Antic Teatre
Barcelona 2018, the 2017 Seville Dance
Month Festival and the Festival Danza-
mos en Conde Duque 2015. Julia
currently lives and works in London,
where she is studying for a Master’s
Degree in Film Programming and Cu-
rating at Birkbeck University, thanks
to the Botín Foundation’s Curating
and Museum Management grant.
169

«Bilboko jendea zerbaitekin harro
egotekotan, hiriak krisia gainditzeko
aprobetxatu zuen aukera denaren
susmoa daukat. Nahiz eta burdin
meatzeak erdugune ziren tokiak
egon, eta kanpotik Bilbok eta
Guggenheimek bezala distira
egiten duten, Espainian gehien
harritu ninduena futbola izan zen,
eta bereziki, koloreen indarra.
Korea ere, bere historia eta
prozesuan, Saekdong kolore-paleta
zabalera bideratu zen (Koreako
kolore biziekin egindako ehun
marradunak). Ezaugarri komun hau
kontuan izanik, ‟zinta apaingarri”
bat sortzeko erabili nuen burdina
edo ‟As”-a. Material dinamikoki
bigun hau, publikoari deigarri
gertatzeko asmoz, burdin indartsu
estatiko bat erabiliaz fabrikatu zen.
Puztukiak erabiliz jai-giroko ekitaldi
bat instalatzea ere planteatzen dut».
Dorothy M. Yoon (Miyeon Yoon)
Seulen bizi da eta bertan egiten
du lan. Arte Ederretan lizentziatua
Londreseko Glodsmiths College
unibertsitatean; Seuleko unibertsitate
femeninoan, Ewha-n, eskulturan izan
zen lizentziatua; eta Arte Ederretan
lizentziatua unibertsitate berean.
Bakarkako erakusketak: Girls from
North and Boys from South Trunk
Gallery-n (Seul, 2015); Rococo No.33B
16 Bungeeen Hyundai Window
Galerian (Seul, 2011); 8 of heroines
SaLon galerian (Londres, UK, 2009);
‘8 of heroines’ Andrew James Art
galerian (Shanghai, 2009); 13 of
Blondes Andrew James Art galerian
(Shanghai, 2008).
Hautatutako erakusketak: Here / Ever
– Nowhere / Never Swatch Art Peace
Art Centre, (Shanghai, 2018); argazki
bienala DEAGU (freme, freely) -
Erakusketa nagusia Deagu Art Center-
en (Deagu, 2018); The Missing Peace
Paju Bookcity Culture Foundation-en
(PAJU, 2018); EXIT New Delhi Korea
Cultural Center-en (New Delhi,
2018); The Skin I live in Seoul Olympic
Museum of Art (Seul, 2017); Report
& Recall (SeMA Nanji Residency 10th
Review) SeMA Storage-n (Seul, 2017).
«Tengo la impresión de que si hay algo
de lo que la gente de Bilbao está orgu-
llosa es de que la ciudad aprovechó
la oportunidad para superar la crisis.
Aunque existen lugares en los que
las minas de hierro fueron su cen-
tro y que brillan por fuera gracias a
este metal como lo hace Bilbao y el
Guggenheim, lo que me sorprendió
realmente en España fue el fútbol y,
sobre todo, la fuerza de los colores.
Corea también cuenta con una es-
pectacular historia y proceso que
condujo a la paleta de colores Saek-
dong (tejidos de rayas tradicionales
de vivos colores de Corea). Teniendo
en cuenta esta característica común,
utilicé el hierro para crear una ‟cinta
decorativa” o un ‟As”. El material diná-
micamente blando de la cinta se fabri-
có utilizando un fuerte hierro estático
para atraer la atención del público.
También me planteo instalar un even-
to festivo utilizando globos».
Dorothy M. Yoon (Miyeon Yoon) vive
y trabaja en Seúl. Licenciada en Bellas
Artes en el Goldsmiths College de la
universidad de Londres; también tiene
una licenciatura en escultura en la
universidad femenina Ewha de Seúl y es
licenciada en Bellas Artes (escultura) por
la universidad femenina Ewha de Seúl.
Exposiciones en solitario: Girls from
North and Boys from South en la
Trunk Gallery (Seúl, 2015); Rococo
No.33B. 16 Bungeeen en la Galería
Hyundai Window (Seúl, 2011); 8 of
heroines en SaLon gallery (Londres,
UK, 2009); 8 of heroines en la
Andrew James Art gallery (Shanghái,
2009); 13 of Blondes en la galería
Andrew James Art (Shanghái, 2008).
Exposiciones seleccionadas: Here / Ever
– Nowhere / Never en el Swatch Art Peace
Art Centre, (Shanghái, 2018); Bienal
fotográfica DEAGU (freme, freely) -
Exposición principal en el Deagu Art
Center (Deagu, 2018); The Missing Peace
en la Paju Bookcity Culture Foundation
(PAJU, 2018); EXIT en el New Delhi Korea
Cultural Center (Nueva Delhi, 2018);
The Skin I live in en el Seoul Olympic
Museum of Art (Seúl, 2017); Report
& Recall (SeMA Nanji Residency 10th
Review) en SeMA Storage (Seúl, 2017).
Dorothy M Yoon
Busan, 1976
www.dorothymyoon.com
‟I gather that if there is one thing
the people of Bilbao (Spain) are
proud of, it is the city that seized
on opportunity to overcome crisis.
Although there are places centred
around iron mining districts and
which shine thanks to the iron
used outside such as Bilbao and
Guggenheim, what I was particularly
hit by in Spain was soccer and even
more so, the strength of the colours.
Korea, too, has a dramatic history
and process, which led to the strong
Saekdong colour palette (Traditional
Korean Colourful Stripes). Given
this commonality, I used iron to
create a ‛Ribbon certificate’ or
‛Trump’. The dynamically soft
ribbon material was made using
a strong static iron material to
attract the audience’s attention.
I likewise plan to install a
celebration event using materials
such as balloons”.
Dorothy M. Yoon (Miyeon Yoon)
lives and works in Seoul. MFA in
Fine Arts at Goldsmiths College,
University of London; MFA
(Sculpture) at Ewha Woman’s
University, Seoul; BFA (Sculpture)
at Ewha Woman’s University, Seoul.
Solo Exhibitions: Girls from North
and Boys from South at Trunk
Gallery (Seoul, 2015); Rococo
No.33B. 16 Bungee at Gallery
Hyundai Window (Seoul, 2011); 8 of
heroines at SaLon gallery (London,
UK, 2009); 8 of heroines at Andrew
James Art gallery (Shanghai,
2009); 13 of Blondes at Andrew
James Art gallery (Shanghai, 2008).
Selected Exhibitions: Here / Ever
– Nowhere / Never at Swatch Art
Peace Art Centre, (Shanghai, 2018);
DEAGU Photo Biennale (freme,
freely)-Main Exhibition at Deagu Art
Center (Deagu, 2018); The Missing
Peace at Paju Bookcity Culture
Foundation (PAJU, 2018); EXIT at
New Delhi Korea Cultural Center
(New Delhi, 2018); The Skin I live in
at Seoul Olympic Museum of Art
(Seoul, 2017); Report & Recall (SeMA
Nanji Residency 10th Review) at
SeMA Storage (Seoul, 2017).
171

1969 urtean jaiotako pintore donos-
tiarra, 2007 urtetik Bartzelonan bizi
da. BilbaoArten egonaldia izan du.
Kurdistaneko egonaldi hau bere
ibilbidearen momentu aproposean
heldu da, LA GUERRA lana aurkez-
teko puntuan baitago, gai honen
inguruan Bartzelonako lanaren
azken bost urteak aurkezten dituen
liburua. Berak adierazten duen le-
gez, ez ditu analisi politikoak egiten,
pintore bezala inguratzen duena
kontenplatzen du, eta bere konpo-
sizioetan lan egiten duen artean,
errealitatearen errebelazioen espe-
roan egoten da. Idoia Montónek
hiriari dedikatutako murala egiteko
aukera planteatzen du.
Bilbon jaioa 1976an BilbaoArten
egonaldia izan du. Ez da bere lehen
egonaldia atzerrian; New York, Rot­
terdam edo Paris bezalako ego-
naldiez gozatzeko aukera izan du.
Bere lanean, instalazioa, eskultura,
dantza edo bideo-dokumentalak bat
egiten dute. Gorputzaren interak-
zioak, espazioaren eta inguru iden-
titarioei dagokienez, egindako lanen
ildotik, bibote kurduaren politikaren
gai iradokitzaileari buruzko ikerketa
bat egitea planteatzen du.
Pintora donostiarra nacida en 1969,
vive desde 2007 en Barcelona. Ha
sido residente en BilbaoArte.
Esta residencia en el Kurdistán llega
en un momento muy oportuno en
su carrera, puesto que está apunto
de presentar su trabajo LA GUE-
RRA, un libro que muestra los cinco
últimos años de su trabajo en Bar-
celona sobre esta temática. Como
señala ella misma, no hace análisis
políticos sino que contempla como
pintora lo que le rodea, y espera la
llegada de revelaciones de la reali-
dad mien­tras trabaja en sus com-
posiciones. Idoia Montón plantea
la posibilidad de elaborar un mural
dedicado a la ciudad.
Nacido en Bilbao en 1976. Ha sido
residente de BilbaoArte. No es su
primera residencia artística en el ex-
tranjero; también ha disfrutado de
estancias en Nueva York, Rotterdam
o París. En su trabajos confluyen la
instalación, la escultura, la danza o
el vídeo documental.
En línea con su experimentación so-
bre la interacción del cuerpo en re-
lación con el espacio y los entornos
identitarios, se plantea hacer una in-
vestigación sobre el sugerente tema
de la política del bigote kurdo.
Idoia Montón
Donostia, 1969
A painter from Donostia born in
1969, Idoia has lived in Barcelona
since 2007. She has been an art-
ist-in-resident at BilbaoArte.
That residency in Kurdistan came
at just the right time in her career,
given that she was just about to
unveil LA GUERRA, a book covering
the last five years of her work in
Barcelona on this theme. As she
points out, she does not analyse
politics, but rather considers what
is happening around her from the
perspective of a painter, as she
waits for revelations on reality while
she works on her compositions.
Idoia Montón raises the possibility
of producing a mural dedicated to
the city.
Zigor Baraiazarra
Bilbao, 1976
Born in Bilbao in 1976. Zigor has been
a BilbaoArte artist-in-resident.
It was not his first artistic residency
abroad, as he has also spent time in
New York, Rotterdam and Paris. In-
stallation, sculpture, dance and docu-
mentary video converge in his work.
Zigor intends to delve into the
thought-provoking theme of the
politics of the Kurdish moustache
in keeping with his work on the in-
tegration of the body in relation to
space and identity environments.
173

Marrazki eta fanzinetan kontakizun
propioak argitaratu ditu, edo beste
kolektiboenak, eta Paula Estévez,
Mikel Larraioz marrazkilarekin ba-
tera Hijos Acabados aldizkaria edi-
tatu du. Eurekin batera Izkutukoak
erakusketa ziklorako ere komisario
lanak egin ditu, Komikigunean, 2018
urtean zehar eta urtean behin Do-
nostiako Guillotina autoedizio azoka
ere antolatzen dute .
Ilustrazaile eta komiki marrazkilaria,
Maite Caballero Donostian jaio zen
1984 urtean. Arte Ederretan lizentzi-
atu zen UPV/EHUn eta, ondoren,
ilustrazioa ikasi zuen Bartzelonan.
Animatzaile eta marrazkilaria, Genís
Rigolek publizitate eta telebistako
hainbat produkzio animatuetan
egin du lan. Autoedizioarekin lotura
izanik, proiektu askotan egin ditu
kolaborazioak eta bi komiki argita-
ratu ditu. Barcelona Gutterfest au-
toedizio jaialdiaren antolatzaileeta-
riko bat da. Esperimentazio formala
teknikoarekin konbinatzen ditu bere
animazio prozesuak.
Bere Knocktrike laburmetraia, Pau
Anglada eta Marc Toricesekin batera
egina, mundu osoko festibaletan sa-
ritua eta hautatua izan da, Sundan-
ce Film Festival 2019 kontuan izanik.
Ha publicado dibujos e historietas
en fanzines propios o de otros colec-
tivos y coeditado junto a los dibujan-
tes Paula Estévez y Mikel Larraioz la
revista Hijos Acabados. Junto a ellos
también ha comisariado el ciclo de ex-
posiciones Izkutukoak que tuvo lugar
en Komikigunea durante el año 2018
y organizan una vez al año la feria de
autoedición Guillotina en Donostia.
Ilustradora y dibujante de cómic,
Maite Caballero nació en Donostia
en 1984. Se licenció en Bellas Artes
por la UPV/EHU y después estudió
ilustración en Barcelona.
Animador y dibujante de cómic, Genís
Rigol ha trabajado en multitud de pro-
ducciones animadas en publicidad
y televisión. Ligado a la autoedición,
ha colaborado en un gran número
de proyectos y ha publicado dos có-
mics. Es uno de los organizadores del
festival de autoedición de Barcelona
Gutterfest. Su proceso en animación
combina la experimentación formal
con la técnica.
Su cortometraje Knocktrike, realizado
junto a Pau Anglada y Marc Torices, ha
sido premiado y seleccionado en fes-
tivales de todo el mundo, incluyendo
Sundance Film Festival 2019.
Maite Caballero
Bilbao, 1984
Has published drawings and
comic strips in her own or group
fanzines and co-published the
Hijos Acabados magazine along
with the cartoonists Paula Estévez
and Mikel Larraioz. Maite also
curated with them the Izkutukoak
exhibition cycle held in Komikigunea
in 2018 and they organise the
Guillotina self-publishing fair in
Donostia-San Sebastián every year.
Maite Caballero, an illustrator and
cartoonist, was born in Donostia-San
Sebastián in 1984. She graduated in
Fine Arts from the UPV/EHU and then
studied illustration in Barcelona.
Genís Rigol
Barcelona, 1982
Animator and cartoonist, Genís Rigol
has worked on many animated pro-
ductions for advertising and televi-
sion. Linked to self-publishing, Genís
has worked on a large number of
projects and has published two co-
mics. He is one of the organisers of
Gutterfest, Barcelona’s self-publish­
ing festival.
His animation process com-
bines formal experimenta-
tion with the state of the art.
Knocktrike, his short film produced
with Pau Anglada and Marc Torices,
has been selected and won prizes at
festivals around the world, including
Sundance Film Festival 2019.
175
 EKOIZPEN PROPIOKO ERAKUSKETAK
EXPOSICIONES DE PRODUCCIÓN PROPIA
SELF PRODUCED EXHIBITIONS

176
 ES EL CRISTAL. ELLA
Pablo Martek bekadun bezala ga-
ratzen duen proiektua gelditasuna,
edo bizigabea, ikertzeko interes
batean dauka hasiera. Era honetan,
zorigaiztozko nerabetasun eta joera
hermetikoko Franziska Gaze pertso-
naia aurkitzen du, saio bakoitzean
heriotza bizitzen duen aktorea. Do-
kumentu eta fikziozko lekukoen bi-
dez Franziskaren aztarnak berresku-
ratzen ditu artistak.
Marterentzat erakusketa bateratzen
eta laguntzen duen ideia hiru bizitzen
gainezarpena da: erreala, imajinatua
eta ez-hautemandakoa. Erakusten
diren bideoak, argazkiak eta irudiak
bizitza baten xehetasunei egiten
die erreferentzia; hauek ez daukate
helburuz osotasun bat kontatzea,
errealitate batera hurbiltzea baizik.
Emaitza kontaketa zatitu bat da, oso-
tasunetik borondatez urrunduta.
Erakusketarekin argitaratu den ka-
talogoak narratiba bat aurkezten
du, zeinean, Pablo Martek, Franziska
Gazen biografo posibletako bate-
an bihurtzen den. Testua, naturaz
lineala, erakusketaren jauzi eta hu­
tsuneak dituzten irudi eta bideoen
bildumarekin erkatzen da, bizitza
baten irudi kristalizatu bat sortuz.
Titulua, Es el cristal. Ella (Kristala da.
Hura), Marteren arabera, lantzen
duen pertsonaiaren karreran zehar
jasotako Le Vitre (Kristala) ezizenan
dauka jatorria, bere interpretazioe-
tan gardena bilakatzen zelako,
hauek gogoraezinak bihurtuz.
Pablo Marte (Cádiz, 1975) artista,
idazle eta ikertzailea da. Bere lana,
besteak beste, Bilboko Arte Ederren
Museoa, Zinebi jaialdia (Bilbo), O ci-
neclube (Santiago de Compostela),
HANGAR Centro de Investigação
Artística (Lisboa), Koldo Mitxelena
(Donostia), Azkuna Zentroa (Bilbo),
Tabakalera (Donostia), Kadist Art
Foundation (Paris), CA2M (Madril),
Artium (Gasteiz), BAD jaialdia (Bilbo),
Arteleku (Donostia) edo BilbaoArte
Fundazioan (Bilbo) erakutsia izan da.
El proyecto que desarrolla Pablo
Marte como becado parte en su ini-
cio de un interés por investigar la
quietud, lo inerte. Es así como en-
cuentra al personaje de Franziska
Gaze, una actriz de tormentosa ado-
lescencia y actitud hermética, que
vive la muerte en cada actuación. El
artista recupera el pasado de Fran-
ziska a través de documentos y tes-
timonios ficticios.
Para el artista, la idea que engloba
y acompaña la muestra supone la
superposición de tres vidas: la real,
la imaginada y la no percibida. Los
vídeos, fotografías y dibujos que se
muestran son referencias a detalles
de una vida, que no tienen como ob-
jetivo narrar un todo sino aproximar
a una identidad. El resultado es un
relato fragmentado, desde un ale-
jamiento voluntario de la totalidad.
El catálogo que acompaña esta ex-
posición presenta una narrativa en
la que Pablo Marte se convierte en
uno de los biógrafos posibles de
Franziska Gaze. El texto, lineal por
naturaleza, se contrapone a la reco-
pilación de imágenes y vídeos, con
saltos y vacíos, de esta exposición,
generando una imagen cristalizada
de una vida. El título, Es el cristal. Ella,
tiene su origen en que la actriz de
la que trata es, según Marte, renom-
brada durante su carrera como Le
Vitre (El Cristal) debido a que se tor-
na transparente en sus interpreta-
ciones, que nunca son recordadas.
Pablo Marte (Cádiz, 1975) es artista,
escritor e investigador. Ha mostrado
su trabajo en contextos como el Mu-
seo de Bellas Artes de Bilbao, Festival
Zinebi (Bilbao), O cineclube (Santia-
go de Compostela), HANGAR Centro
de Investigação Artística (Lisboa),
Koldo Mitxelena (San Sebastián),
Azkuna Zentroa (Bilbao), Tabakalera
(San Sebastián), Kadist Art Founda-
tion (París), CA2M (Madrid), Artium
(Vitoria), Festival BAD (Bilbao), Arte-
leku (San Sebastián) y la Fundación
BilbaoArte (Bilbao), entre otros.
Pablo Marte
2019.02.15 > 2019.03.15
The project undertaken by Pablo
Marte during his scholarship, was
initially driven by an interest to in-
vestigate stillness, the inert. That is
how he came across the character
of Franziska Gaze, an actress with
a tempestuous adolescence and
hermetic attitude, who experiences
death in each action. The artist re-
trieves Franziska’s past through ficti-
tious documents and accounts.
According to the artist, the idea en-
capsulating and accompanying the
exhibition involves the overlapping
of three lives: the real, the imagined
and the non-perceived. The videos,
photographs and drawings on dis-
play are references to details of a
life, which are not aimed at narrating
a whole but rather approaches an
identity. The result is a fragmented
account, from a voluntary detach-
ment of the whole.
The catalogue accompanying this
exhibition reveals a narrative where
Pablo Marte becomes one of the
possible biographers of Franziska
Gaze. The text, linear by nature, runs
counter to the compiling of images
and videos, with leaps and gaps, of
this exhibition, generating a crystal-
lised image of a life. The origin of the
title, Es el cristal. Ella [She is Glass], is
that the actress in question was, ac-
cording to Marte, known during her
career as Le Vitre (The Glass) as she
became transparent in her perfor-
mances, which were never recorded.
Pablo Marte (Cadiz, 1975) is an art-
ist, writer and researcher. He has ex-
hibited his work in contexts such as
the Bilbao Fine Arts Museum, Festival
Zinebi (Bilbao), O cineclube (Santiago
de Compostela), HANGAR Centro de
Investigação Artística (Lisbon), Koldo
Mitxelena (San Sebastián), Azkuna
Zentroa (Bilbao), Tabakalera (San Se-
bastián), Kadist Art Foundation (Par-
is), CA2M (Madrid), Artium (Gasteiz),
Festival BAD (Bilbao), Arteleku (San
Sebastián) and the BilbaoArte Foun-
dation (Bilbao).
179
 EL POZO Y LA PIRÁMIDE
El pozo y la pirámidek Cristina Ra-
mírez eta Álvaro Albaladejok Bil-
baoArte Fundazioan egoiliar be-
zala garatutako lanen aukeraketa
bat biltzen du. Erakusketa, Javier
Sánchez Martínezek (Madril, 1982)
komisariatua, bi lan-gorputz inde-
pendenteen arteko elkarrizketa
bat bezala antolatzen da, hala ere
helburu berbera partekatzen dute-
nak: begirada bere mugaldeetara
eramatea, non zabu egiten eta oina
galtzen duen. Artista hauentzako
krisian dagoen orden sinboliko ba-
ten bertigoa ezagutarazten den le-
kua da obra. Irudi-muga honen bila
bi estrategien bidez lan egiten dute
Cristina eta Álvarok, batez ere: laztu-
ra eta haluzinazioa.
Álvaro Albaladejo (Granada, 1983)
Granadan bizi eta bertan lan egiten
duen eskultorea da. Arte Ederretan
lizentziatu zen Granadako Uniber­
tsitatean, Munichgo Akademie der
Bildenden Künstean egonaldi bat
burutuz. Bere azken bakarkako era-
kusketen artean hauek dira azpima­
rragarrienak: FACBA proiektuaren
barruan Zaida aretoan aurkeztuta-
ko El fin del universo (2018); Vueltas
y penumbras (2017) PTS aretoa eta
Granadako Aldundiaren Palacio de
los Condes de Gabian aurkeztutako
El ojo y el vértice (2016).
Cristina Ramírez (Toledo, 1981)
Artearen Historia (Madrilgo Uniber­
tsitate Conplutentsea) eta Arte Ede­
rretako (Granadako Unibertsitatea)
ikasketak burutu ditu. DKV-Mak-
ma marrazketa saria jasotzen du,
Conplutentse Fundazioaren Joven
sariarekin batera eta Iniciarte pro­
gramako produkzio laguntzetan
hautatua da. Eslovenia (BB-Art Co-
lony) edo Italiako (CasaFalconieri)
arte egoitzetan parte hartu du eta
bere lana bakarka edo taldeka Ma-
dril, Valentzia edo Granadako are-
toetan erakutsia izan da.
Cristina Ramírez | Álvaro Albaladejo
El pozo y la pirámide reúne una se-
lección de trabajos realizados por
Cristina Ramírez y Álvaro Albaladejo
durante su período de residencia en
la Fundación BilbaoArte. La exposi-
ción, comisariada por Javier Sánchez
Martínez (Madrid, 1982), se organiza
como un diálogo entre dos cuerpos
de obra independientes que, sin
embargo, comparten idéntico pro-
pósito: llevar la mirada hasta sus
confines, allí donde vacila y pierde
pie. Para estos artistas la obra es el
lugar donde se revela el vértigo de
un orden simbólico en crisis. En su
búsqueda de esta imagen límite,
Cristina y Álvaro trabajan funda-
mentalmente a partir de dos estra-
tegias: el horror y la alucinación.
Álvaro Albaladejo (Granada, 1983)
es un escultor, que reside y trabaja
en Granada. Se licenció en Bellas
Artes por la Universidad de Grana-
da, realizando una estancia en la
Akademie der Bildenden Künste en
Munich. Entre sus últimas exposicio-
nes individuales destacan: El fin del
universo (2018) Sala Zaida dentro del
proyecto FACBA; Vueltas y penumb-
ras (2017) Sala PTS y El ojo y el vér-
tice (2016) Palacio de los Condes de
Gabia de la Diputación de Granada.
Cristina Ramírez (Toledo, 1981) se
forma en Historia del Arte (Univer-
sidad Complutense de Madrid) y en
Bellas Artes (Universidad de Gra-
nada). Recibe el premio de dibujo
DKV-Makma, el Premio Joven de la
Fundación Complutense y es selec-
cionada por el programa Iniciarte de
ayudas a la producción. Ha disfruta-
do de residencias en Eslovenia (BB-
Art Colony) o en Italia (Casa Falco-
nieri) y su obra ha sido expuesta de
manera individual y colectiva en sa-
las de Madrid, Valencia o Granada.
2019.03.22 > 2019.04.17
El pozo y la pirámide brings togeth-
er a selection of works by Cristina
Ramírez and Álvaro Albaladejo dur-
ing their residency at the BilbaoArte
Foundation. The exhibition, curated
by Javier Sánchez Martínez (Madrid,
1982), is organised as a dialogue be-
tween two independent bodies of
work that, however, share an iden-
tical purpose: to take the viewer’s
gaze to its limits, where it stumbles
and flounders. Those artists consid-
er the work to be the place where
the vertigo of a symbolic order in cri-
sis is revealed. In this search for this
limit perception, Cristina and Álva-
ro’s work is fundamentally based on
two strategies: horror and delusion.
Álvaro Albaladejo (Granada, 1983)
is a sculptor, who lives and works in
Granada. He graduated in Fine Arts
from Granada University and spent
time at the Akademie der Bildenden
Künste in Munich. His recent solo
exhibitions include: El fin del univer-
so (2018) Sala Zaida as part of the
FACBA project; Vueltas y penumbras
(2017) Sala PTS and El ojo y el vértice
(2016) Palacio de los Condes de Ga-
bia (Granada Provincial Council).
Cristina Ramírez (Toledo, 1981)
studied History of Art (Complutense
University of Madrid) and Fine
Arts (Granada University). She was
awarded the Dkv-Makma draw-
ing prize, the Youth Prize from the
Complutense Foundation and was
selected for the Iniciarte production
grants programme. She has com-
pleted residencies in Slovenia (Bb-
Art Colony) and in Italy (Casa Falco-
nieri) and her work has been in solo
and group exhibitions in Madrid,
Valencia and Granada.
181
 OBJETO [IN]QUIETO
Erakusketa honen titulua, Objektu
Geldi[ezin], «mugitzen den mundu
batean bizi gara, esateko zerbait
duena» premisatik abiatzen da artis­
taren arabera. Artista bilbotarrak
hau entzuteaz eta aktibitate honen
ideiaz baliatzea erabaki zuen, Bilbo­
ko paisaia post-industrialaren efek­
tupean, estruktura modular des-
muntagarriak, gorputzera atxi­kitzen
diren pieza eramangarriak edo
funtzionatzeko aktibazioa eskatzen
duten objektuak sortzeko.
Erakustaldi honen sorreran fun­
tsezko materiala zeramika da, XX.
mendean medio artistikoan berra­
gertzen den tradizio eta artisautzari
lotutako arte bat. Asensik harago
eramaten du zeramika, eta zabaltzen
eta nahasten du beste materialekin,
pieza hibridoak sortuz. Donna Ha-
raway biologo eta filosofoaren El
Manifiesto Cyborg liburuaren makina
eta organismoaren arteko hibridoe-
tan iradokitzen da zeramista honek,
gizarte zientifiko honen etorkizuna
eta teknologia gorputzaren hedadu-
ra bezala gaiei buruz hausnartzeko
balio diona.
Urdin kobaltoa, beste belaunaldi
baten luxuzko baxeran eta zeramika
industrialean tradizionalki erabilita,
aretoaren kolore nagusia bihurtzen
da metaletan, zeramika-piezetan
eta landare lehorretan presente
egonez.
Raquel Asensi (Bilbo, 1989) artista
zeramikari cyborga da. Zeramika ar-
tean ikuspuntu feministen eragina
ikertzen du. Proiektu ezberdineta-
rako bekaka jaso ditu, hauen artean
aipagarrienak Abrazar el ornamento
como un lenguaje para la insu­rrección
(2017) edo Ideonella (2018). Bere
lana, besteak beste, Rekalde Are-
toa, Bizkaiko Batzar Nagusiak edo
Getxoarten erakutsia izan da. Bil-
baoArte (BLV-ART) edo Sareanen
bakarkako performanceak burutu
ditu, taldeka berriz Spoken Word Bil-
baorekin batera Azkuna Zentroan.
El título de la exposición, Objeto [In]
quieto, parte de la premisa de que
«vivimos en un mundo que se mue-
ve, que tiene algo que decir» indica
la protagonista. La artista bilbaína
se propuso escucharlo y valerse de
esa idea de actividad, bajo el efecto
del paisaje postindustrial de Bilbao,
para realizar estructuras modulares
desmontables, piezas adheribles al
cuerpo para su portabilidad u obje-
tos que exigen una activación para
funcionar.
El material fundamental en la crea-
ción de esta muestra es la cerámica,
un arte vinculado a la tradición y la
artesanía que resurge en el medio
artístico en el siglo XX. Asensi lleva
la cerámica más allá y la expande y
entremezcla con otros materiales,
generando piezas híbridas. La cera-
mista se inspira para ello en El Mani-
fiesto Cyborg de la bióloga y filósofa
Donna Haraway, cuyo híbrido entre
máquina y organismo le sirve para
reflexionar sobre el futuro de esta
sociedad científica y de la tecnología
como extensión corporal.
El azul cobalto, tradicionalmente
utilizado en la cerámica industrial y
presente en lujosas vajillas de otra
generación, está presente en me-
tales, cerámica y flores secas, domi-
nando la sala cromáticamente.
Raquel Asensi (Bilbao, 1989) es ar-
tista ceramista cyborg. Investiga so-
bre la influencia de las perspectivas
feministas en el arte en cerámica.
Ha recibido becas para proyectos
entre los que destacan Abrazar el
ornamento como un lenguaje para
la insurrección (2017) o Ideonella
(2018). Su obra ha sido expuesta en
espacios como Sala Rekalde, Juntas
Generales de Bizkaia, Getxoarte, en-
tre otros. Ha realizado performance
individuales en BilbaoArte (BLV-
ART) o Sarean, colectivamente junto
a Spoken Word Bilbao en Azkuna
Zentroa.
Raquel Asensi
2019.05.03 > 2019.05.31
The title of the exhibition, Objeto
[In]quieto ([Un]concerned Object),
starts from the premise that ‟we are
living in a world that moves, that
has something to say” explains the
main character. The artist from Bil-
bao decided to listen to and harness
this idea of activity, under the effect
of Bilbao’s post-industrial landsca-
pe, to produce removable modular
structures, parts that can be at-
tached to the body for portability or
objects that need to be activated to
function.
The fundamental material used to
create this exhibition is ceramics, an
art linked to tradition and crafts that
resurfaced in the artistic medium in
the 20th century. Asensi takes cera-
mics further and expands and mixes
it with other materials, creating hyb-
rid pieces. The ceramic artist has the-
refore been inspired by A Cyborg Ma-
nifesto, the essay by Donna Haraway,
the biologist and philosopher, whose
hybrid between machine and body is
used to reflect on the future of this
scientific and technology society as a
body extension.
Cobalt blue, traditionally used in in-
dustrial ceramics and found in the
fancy tableware of another genera-
tion, is present in metal, ceramics
and dry flowers, and dominates the
room in terms of colour.
Raquel Asensi (Bilbao, 1989) is a
cyborg ceramic artist. She inves-
tigates the influence of feminist
perspectives in art in ceramics.
Raquel has been awarded grants
for projects including Abrazar el or-
namento como un lenguaje para la
insurrección (2017) and Ideonella
(2018). Her work has been exhibited
at venues including Sala Rekalde,
Bizkaia General Assembly Room and
Getxoarte. She has put on solo per-
formances at BilbaoArte (BLV-ART)
and Sarean, and as part of a group
together with Spoken Word Bilbao
at Azkuna Zentroa.
183
 HABITAR LAS ROSAS Y OTRAS COSAS
Habitar las rosas y otras cosas-en mar-
golan, marrazki eta argazki analogi-
koen aukeraketa bat ikusi ahal izan
zen, Eztizen La Cruz-ek sinatutako
olerki-liburu batekin batera. Anaïs
Boudotek aurkezten dituen lanak
natur argazkilaritza arloan kokatzen
dira: itsasoko uhinen aparra, uraren
higaduraren aztarna, gainazal a­rro­
katsuak, zuhaitzen azalak... ana-
logikoan eta zuri-beltzen lantzen
dituen zenbait elementu dira. Borja
Gómezek begia eta eskuaren mu-
turrean lantzen ditu bere pintura eta
marrazkiak. Kolorea, keinua eta pin-
turaren materialtasunaren bitartez
bere margolanak osatzen duten itxu-
rak eta elementuak agertzen dira.
Anaïs Boudot (Metz, 1984). Arte
Ederrak ikasten ditu Metzen. Ar-
gazkilaritza Arlesgo École Nationale
Supérieure de la Photographien.
Argazkilaritza, bideoa eta teknolo-
gia berriak Le Fresnoy-Studion. Ma­
drilgo l’Academie de Franceren parte
izateko hautatua izan zen (ikertzaile
eta sortzaile frantsesen hispaniar
ikasketak), Casa Velázquezen. Bil-
baoArten bekaduna. 2016tik Parisko
Binome galeriak ordezkatzen dio.
Borja Gómez Diez (Sestao, 1993)
Arte Ederretan graduatua Euskal
Herriko Unibertsitatean, Gradu
Amaierako Sari Berezia jaso zuen
2015ean. 2017an Pintura Masterra
bukatu zuen unibertsitate berean
eta La Cour des Arts egoitza progra-
man parte hartu zuen, Saint-Rémy-
de-Provencen. Bere lana bakarka
erakutsi du Gernikako Elai-Alai are-
toan DU-DA erakusketan (2017). Tal-
de erakusketa aipagarrienen artean
aurkitzen dira: Iritziak eta Saiaketak
Xabier Sáenz de Gorbearen komisa-
riotzaz, Sanz Enea Kultur Etxean
(Zarautz, 2014) eta Windsor Kul-
turgintzan (Bilbo, 2014); eta Oculta
oculta dulce dulce ríe Naratan (Bilbo,
2018). Ertibil Bizkaia 2019ko biga-
rren saria.
Borja Gómez & Anaïs Boudot
Habitar las rosas y otras cosas recoge
una selección de pinturas, dibujos
y fotografía analógica acompañada
por un libro de poesías firmadas por
Eztizen La Cruz. La obra que presen-
ta Anaïs Boudot se encuentra en el
campo de la fotografía de naturale-
za: la espuma de mar, la huella de la
erosión del agua, las superficies ro-
cosas, la corteza de los árboles... son
algunos de los elementos que traba-
ja de manera analógica y en blanco y
negro. Borja Gómez trabaja sus pin-
turas y dibujos en los límites de lo
visual y lo táctil. A través del gesto, el
color y la materialidad de la propia
pintura van surgiendo las formas y
elementos que las componen.
Anaïs Boudot (Metz, 1984). Bellas
Artes en Metz. Fotografía en la École
Nationale Supérieure de la Photo-
graphie en Arles. Le Fresnoy-Studio,
fotografía, video y nuevas tecnolo-
gías. Seleccionada para formar parte
de l’Académie de France en Madrid,
Casa Velázquez (estudio hispanís-
tico de creadores e investigadores
franceses). Becada en BilbaoArte.
Desde 2016 es representada por la
galería Binome de Paris.
Borja Gómez Diez (Sestao, 1993)
graduado en Arte por la Universidad
del País Vasco, obtiene el Premio
Extraordinario de Fin de Carrera en
2015. En 2017 completa allí un Más-
ter en Pintura y participa en el pro-
grama de residencias de La Cour des
Arts en Saint-Rémy-de-Provence. Ha
expuesto su trabajo individualmen-
te en la sala Elai-Alai de Gernika con
DU-DA (2017). Ha participado en va-
rias exposiciones colectivas, entre
las que destacan: Iritziak y Saiake-
tak, comisariadas por Xabier Sáe-
nz de Gorbea en Sanz Enea Kultur
Etxea, (Zarautz, 2014), y en Windsor
Kulturgintza, (Bilbao, 2014); y Ocul-
ta oculta dulce dulce ríe en Narata
(2018). Segundo Premio de Ertibil
Bizkaia 2019.
2019.06.07 > 2019.07.05
Habitar las rosas y otras cosas is
a selection of paintings, drawings
and analogue photography
accompanied by a book of poetry
signed by Eztizen La Cruz. Anaïs
Boudot’s work here is in the field
of nature photography: seafoam,
the trace of water erosion, rocky
surface, the bark of trees… are some
of the elements that she works
analogically and in black & white.
Borja Gómez produces his paintings
and drawings at the edge of the
visual and the tactile. The forms and
elements making them up emerge
through the gesture, colour and
materiality of the painting itself.
Anaïs Boudot (Metz, 1984). Fine
Arts at Metz. Photography at
École Nationale Supérieure de la
Photographie in Arles. Le Fresnoy-
Studio, photography, video and new
technologies. Selected to be part of
the Académie de France in Madrid,
Casa Velázquez (Hispanic studio
for French artists and researchers).
Awarded a BilbaoArte grant. Since
2016, she has been represented by
the Binome gallery in Paris.
Borja Gómez Diez (Sestao, 1993)
graduated in Art from the University
of the Basque Country and was
awarded the Special Prize on
Graduation in 2015. In 2017, he
completed a Master’s Degree in
Painting there and took part in the La
Cour des Arts residency programme
in Saint-Rémy-de-Provence. He
had a solo exhibition of his work at
Sala Elai-Alai in Gernika with DU-DA
in 2017. Borja has also been part
in group exhibitions, including:
Iritziak and Saiaketak, curated by
Xabier Sáenz de Gorbea at Sanz
Enea Kultur Etxea, Zarautz and at
Windsor Kulturgintza, Bilbao (2014);
and Oculta oculta dulce dulce ríe at
Narata (2018). Ertibil Bizkaia 2019
second prize.
185
 BEGIRA
Begira erakundeko bilduma piktori-
koaren lehenengo atzera begirako
erakusketa da, non berreskuratu
eta balorean jarri dira Fundazioaren
ibilbidea, euskal pinturaren papera
tokiko eta atzerriko eremuetan, eus-
kal testuinguruaren estilo aldakor-
tasuna, edo sortzen ari diren artistei
laguntza ematea, besteak beste.
Aukeratutako artelanen dibertsitate
estilistikoak, pintura genero bezala
azkenengo bi hamarkadetan hartu
ahal izan dituen isurialdiak adieraz-
ten ditu. Jadanik ezin dugu abs­
trakzio edo figurazioz hitz egin modu
akademiko tradizionalean, baina
bai pinturaren limiteen gainditze
eta etengabeko eztabaidatzeaz, eta
beste ezagutza arloren metodolo-
gien inklusioaz, hala nola, zientzia,
teknologia, filosofia eta fisikakoena,
edo beste adierazpen artistikoena,
argazkigintza, zinema edo bitarteko
berriak era orokorrean.
Artelanek euskal inguruan oso sus­
traitutako gaiei buruz hasten dira,
baina tresnak, teknikak, eta diskur­
tsoak gaur egungo bilaketa eta ten-
dentziekin era orokorrean lotzen
dira ere. Beraz, Begira begiraden
aniztasunetatik apustu egiten duen
erakusketa bezala uler daiteke, ez
soilik euskal artista garaikideen
begiradetatik, baizik eta pintura
genero bezala daukan konplexu-
tasunagatik, eta bere biziraupena
antzinatik izandako heriotza-me-
hatxuaren aurre.
Erakusketa honetan parte hartzen
duten artistak hurrengoak dira:
Abigail Lazkoz, Alain Urrutia, Alber-
to Albor, Fermín Moreno, Fernando
Villena, Gala Knörr, Ianire Sagasti,
Ignacio Goitia, Ismael Iglesias, Jorge
Rubio, Juana García-Pozuelo, Judas
Arrieta, Kepa Garraza, Leticia Gas-
par, Lourdes de la Villa, Txaro Arra­
zola, Taxio Ardanaz, Aitor Lajarin,
Mikeldi Pérez eta Iker Serrano.
Bilduma - Colección - Collection
Begira constituye la primera retros-
pectiva de la colección pictórica de
la institución, recuperando y po-
niendo en valor cuestiones como la
trayectoria de la Fundación, el papel
de la pintura vasca en el ámbito lo-
cal e internacional, la versatilidad
estilística en el contexto vasco, o la
importancia del apoyo a los artistas
emergentes, entre otras.
La diversidad estilística de las obras
seleccionadas sugiere posibles ver-
tientes que ha tomado la pintura
como género en estas dos últimas
décadas. Ya no podemos hablar de
abstracción o figuración en términos
académicos tradicionales, sino de
una superación y un cuestionamien-
to constante de los límites de la pin-
tura y la inclusión de metodologías
de otros campos del conocimiento
como la ciencia, la tecnología, la filo-
sofía, u otros manifestaciones artís-
ticas como la fotografía, el cine o los
nuevos medios en general.
Las obras parten de cuestiones muy
enraizadas en el contexto vasco
pero las herramientas, técnicas y
discursos se conectan con las bús-
quedas y tendencias de actualidad
también a nivel global. Begira, pue-
de entenderse entonces como una
muestra que apuesta por la diversi-
dad de miradas no solo de los artis-
tas contemporáneos vascos sino por
la complejización de la pintura como
género, y su supervivencia ante la
vieja amenaza de su muerte.
Los artistas que participan en la
muestra son: Abigail Lazkoz, Alain
Urrutia, Alberto Albor, Fermín Mo-
reno, Fernando Villena, Gala Knörr,
Ianire Sagasti, Ignacio Goitia, Is-
mael Iglesias, Jorge Rubio, Juana
García Pozuelo, Judas Arrieta, Kepa
Garraza, Leticia Gaspar, Lourdes de
la Villa, Txaro Arrazola, Taxio Arda-
naz, Aitor Lajarin, Mikeldi Pérez e
Iker Serrano.
2019.07.12 > 2019.08.22
Begira is the first retrospective of
the institution’s collection of paint-
ings, recovering and highlighting
issues such as the Foundation’s
track record, the role of Basque
painting locally and internation-
ally, the stylistic versality in the
Basque context, or the importance
of supporting emerging artists.
The stylistic diversity of the se-
lected works suggests possible
strands that painting has taken as
a genre in these last two decades.
We can no longer talk about ab-
straction or figuration in tradition-
al academic terms, but rather of
overcoming and constantly ques-
tioning the limits of painting and
the inclusion of methodologies of
other fields of knowledge, such as
science, technology, philosophy or
other artistic expressions such as
photography, cinema or the new
media in general.
The works start from very
deep-rooted issues in the Basque
context, but the tools, techniques
and discourses connect with cur-
rent searches and trends global-
ly. Begira can thus be taken as an
exhibition that is committed to
the diversity of views not only of
Basque contemporary artists, but
rather to the increasing complexity
of painting as genre, and its surviv-
al in the face of the old threat of
its death.
The artists taking part in the exhibi-
tion are: Abigail Lazkoz, Alain Urru-
tia, Alberto Albor, Fermín Moreno,
Fernando Villena, Gala Knörr, Ian-
ire Sagasti, Ignacio Goitia, Ismael
Iglesias, Jorge Rubio, Juana García
Pozuelo, Judas Arrieta, Kepa Ga­
rraza, Leticia Gaspar, Lourdes de la
Villa, Txaro Arrazola, Taxio Ardanaz,
Aitor Lajarin, Mikeldi Pérez and Iker
Serrano.
187
 URAZURRUTIA 32
Urazurrutia 32-en azulejoa, material
hotz eta laidoztatua kontsideratua,
gerra eta sexua bezalako gai beroen
garraiatzaile bihurtzen da. Hegaz-
kinak, gerra tramankuluak, lentze-
ria edo elementu sexualak dira aldi
honetan konposizio finala osatu
dituztenak, irudi artean eta horme-
tan zehar doazen esaldi gatzdune-
kin batera. Artistak bere ardurak
azaltzeko modua aurkitzen du azu-
lejoaren gramatika honetan.
Zentroaren erakusketa aretoaren
helbide postala da lan honi izenbu-
rua ematen diona, bisitatzen duena-
ri artelan batean bertan sartzen ari
dela adieraztearen helburuarekin.
Espazioaren esku-hartze honekin
esperientzia inmertsiboa propo-
satzen da zeinean aretoa, murru eta
ibilbide barik, irekia azaltzen da irudi
eta xake-itxurekin guztiz eztalitako
hormekin inguratua.
Renesentzat azulejoen konposizioak
paperetik ateratzeko eta etxeko ma-
terial batera bueltatzeko bidea izan
dira azken lau urteetan. Gainera, lan
egiteko modu hau izaera eskultori-
koa ematen dio bere praktikari, bere
lanei beste dimentsio bat gehituz.
Bere sortzeko era entsegu eta erro-
rean oinarritzen da eta inprobisazioz
beteta dago, zerbait kontatzeko pre-
mia emozionalaz indartuta eta obse-
sio perfekzionista sahiestuz.
Fernando Renes (Burgos, 1970)
artista bisuala da. Bere praktika 90.
hamarkadan hasi zen, marrazkia eta
animazioa medio nagusiekin. Bes-
teak beste, La Casa Encendida (Ma-
dril), DA2 (Salamanca), CAM Raleigh
(Carolina del Norte), Mucsarnok
Kunsthalle (Budapest), Instituto Cul-
tural Cabañas (Guadalajara, México),
Centro de arte Caja de Burgos CAB
(Burgos), TRANS›area (New York),
CentroCentro (Madril) eta MAC Ge-
nalguacil (Málaga) erakusketa are-
toetan erakutsi du bere lana.
En Urazurrutia 32 el azulejo, conside-
rado un material frío y denostado,
se convierte en vehículo de temas
más candentes como la guerra o el
sexo. En esta ocasión son aviones,
artefactos de guerra, lencería o ele-
mentos sexuales los que configuran
la composición final, con ingeniosas
frases que cruzan entre los dibujos y
recorren las paredes. El artista con-
sidera esta gramática del azulejo la
forma de contar sus inquietudes.
Renes titula este trabajo a partir de
la dirección postal de la sala de expo-
siciones con el objetivo de advertir a
quien la visita que está entrando en
una obra en sí misma. Con esta in-
tervención del espacio se propone
una experiencia inmersiva en la que
la sala, desprovista de muros y reco-
rridos, se presenta diáfana pero con
sus paredes completamente cubier-
tas de dibujos y ajedrezados.
Las composiciones con azulejos son
desde hace cuatro años el medio de
Renes para salir del papel y volver a
un material más vernáculo. Además,
esta forma de trabajar confiere a su
práctica un carácter escultórico, do-
tando de otra dimensión a sus traba-
jos. Su práctica se basa en el ensayo
y error y tiene mucho de improvisa-
ción, impulsado por la urgencia emo-
cional de querer contar algo y huyen-
do de la obsesión perfeccionista.
Fernando Renes (Burgos, 1970) es
artista visual. Su práctica comen-
zó en los 90, con el dibujo y la ani-
mación como medios principales.
Ha expuesto en La Casa Encendida
(Madrid), DA2 (Salamanca), CAM Ra-
leigh (Carolina del Norte), Mucsar-
nok Kunsthalle (Budapest), Instituto
Cultural Cabañas (Guadalajara, Mé-
xico), Centro de arte Caja de Burgos
CAB (Burgos), TRANS›area (Nueva
York), CentroCentro (Madrid) y MAC
Genalguacil (Málaga), entre otros.
Fernando Renes
2019.08.30 > 2019.09.20
In Urazurrutia 32, the tile, considered
to be a cold and maligned material,
becomes a vehicle of hotter topics
such as war or sex. Planes, weapons
of war, lingerie and sexual aspects
here make up the final composition,
with clever phrases running
between the drawings and along
the walls. The artist considers tile
grammar to be the way to express
his concerns.
Renes uses the address of the
exhibition space as the title of this
work in order to warn the visitor
that they are entering in a work as
such. This intervention of the space
proposes an immersive experience
where the room, stripped of walls
and routes, is open-plan, but with
its walls completed covered with
drawings and checkerboards.
Four years ago, Renes started to
use work with tile compositions to
leave paper and return to a more
vernacular material. Furthermore,
this modus operandi provides
a sculpture trait to this work,
providing another dimension to
his pieces. His work is based on
trial and error and involves a great
deal of improvising, driven by the
emotional urgency of wanting to
relate something and fleeing from
the perfectionist obsession.
Fernando Renes (Burgos, 1970) is
a visual artist. He started out in the
1990s with drawing and animations
as the main media. His work has
been exhibited at La Casa Encendida
(Madrid), DA2 (Salamanca), CAM
Raleigh (North Carlonia), Mucsarnok
Kunsthalle (Budapest), Instituto
Cultural Cabañas (Guadalajara,
Mexico), Centro de arte Caja de
Burgos CAB (Burgos), TRANS›area
(New York), CentroCentro (Madrid)
and MAC Genalguacil (Malaga),
among others.
189
 SUEÑOS FOTOMONTADOS
Sueños Fotomontados-ek ametsen
eragina ikertzen du, bai gure irudi-
men sortzailean eta baita esna-al-
dian. Alde batetik, mugimendu sur-
realistan ikus daitekeen eragina, eta
bestetik, subkontziente ameslariak
mezu eran bidalitako egunerokota-
sunean. Revuelta material oniriko
hauen traszendentzia eta uniber­
tsaltasunaz baliatzen da.
Erakusketa azaltzeko egin den libu-
ruan narrazio eran batzen da bilbo-
tarrak umezaroan izandako amets
errepikakor baten intimitatea, bai-
ta horrek bere ekintza artistikoan
izan dituen ondorioak ere. Helena
González Sáez artistak idatzitako tes-
tu honek bi atal ditu: gaueko atala
(ume-ametsaren narrazioa) eta es-
na-aldia (amets honetan enkripta-
tuako ezaugarrien analisi zuhurra, La
vigilia consciente izena duena).
Cerrar Mis Ojos, Prender El Bosque
(2019) bideoa artistaren ametsaren
fotomuntai literario bezala funtzio-
natzen du, zeinean abiapuntua He-
lenaren testua da.
31 collageko saila, 2018an zehar Bil-
baoArteko egoiliar bezala garatuta-
koak, ematen dio erakusketari izena.
Talka hau Helenaren testuan oso
presente dago, zeinean bere irudi
literarioak ere collagearen bitartez
lotu dituen. Era oso ludiko eta zuze-
nean sorturiko piezak dira, zeintzue-
tan umore eta izua konbinatzen dira.
Mabi Revuelta (Bilbo, 1967). Gure
Artea 2016 Sariaren Irabazle, bere
sorkuntza jarduna aintzat hartze
gisa, ospe handiko erakundeetan
egin ditu erakusketak, hala nola,
Guggenheim Museoa (Bilbo); ISCP
(New York); Pekingo eta Tokioko
Cervantes Institutuak (Txina eta Ja-
ponia), Museo Erotikoa (New York);
ARTIUM Museoa (Gasteiz); TEA Mu-
seoa (Tenerife); Casa Encendida
(Madril); BilbaoArte Fundazioa edo
Vanguardia (Bilbo) eta Raquel Ponce
(Madril) galeriak.
Sueños Fotomontados aborda la in-
fluencia de los sueños, tanto en
nuestra imaginación creadora como
en la vigilia. Un influjo que se ve, por
un lado, en el movimiento surrealis-
ta y, por otro, en la vida cotidiana en
forma de mensajes enviados por el
subconsciente al soñador. Revuelta
indaga en la trascendencia y univer-
salidad de estos materiales oníricos.
El libro realizado para acompañar la
muestra recoge en forma de narra-
ción la intimidad residual de un sue-
ño recurrente que la bilbaína tiene
en su infancia, y las consecuencias
del mismo en su hacer artístico. Es-
crito por la artista Helena Gonzá-
lez Sáeaz, la lectura consta de dos
partes: la parte de la noche (la na-
rración del sueño infantil) y la parte
de la vigilia (un análisis lúcido de los
aspectos encriptados de este sueño,
titulado La vigilia consciente).
El vídeo Cerrar Mis Ojos, Prender El
Bosque (2019) funciona como foto-
montaje literario del sueño infantil
de la artista, que toma como punto
de partida el texto de Helena.
Una serie de 31 collages, desarro-
llados a lo largo de 2018 durante la
residencia en BilbaoArte, dan título a
la exposición. Este colapso está tam-
bién presente en el texto de Helena,
que compone sus imágenes literarias
utilizando igualmente el recurso del
collage. Son piezas creadas de una
manera muy lúdica y directa y en ellas
se combinan el humor y el horror.
Mabi Revuelta (Bilbao, 1967). Ga-
nadora del Premio Gure Artea 2016
como reconocimiento a su actividad
creativa, ha realizado exposiciones
en instituciones de prestigio como
el Museo Guggenheim (Bilbao); ISCP
(Nueva York); Instituto Cervantes de
Pekín (China) y Tokio (Japón); Museo
Erótico (Nueva York); Museo AR-
TIUM (Vitoria); Museo TEA (Tenerife);
Casa Encendida (Madrid); Fundación
BilbaoArte o las galerías Vanguardia
(Bilbao) y Raquel Ponce (Madrid).
Mabi Revuelta
2019.09.27 > 2019.10.18
Sueños Fotomontados addresses
the influence of dreams, both on
our creative imagination and on
waking. An influence that is seen,
on the one hand, in the surrealist
movement and, on the other hand,
on everyday life in the form of
messages sent by the subconscious
to the dreamer. Revuelta delves into
the transcendence and universality
of those dreamlike materials.
The book produced for the exhibition
narrates the residual intimacy of a
recurring dream that this woman
from Bilbao had in her childhood
and its consequences in her artistic
endeavour. Written by the artist
Helena González Sáez, it is divided
into two parts: that of the night (the
narrative of the childhood dream)
and the waking part (a lucid analysis
of the encrypted aspects of this
dream, entitled La vigilia consciente).
The Cerrar Mis Ojos, Prender El
Bosque (2019) video acts as a literary
photomontage of the artist’s
childhood and whose starting point
is Helena’s text.
The exhibition’s name is down to
a series of 31 collages, produced
during the residency at BilbaoArte in
2018. This meltdown is also present
in Helena’s text, which composes
its literary images also using the
resource of the collage. They are
pieces created in a very direct and
playful way where humour and
horror are combined there.
Mabi Revuelta (Bilbao, 1967).
Winner of the Gure Artea Prize 2016
in recognition of her creative activity,
Mabi has had her work exhibited at
prestigious institutions including
the Guggenheim Museum, Bilbao;
ISCP, New York; Instituto Cervantes
in Beijing (China) and Tokyo (Japan);
Erotic Museum, New York; ARTIUM
Museum, Vitoria-Gasteiz; TEA
Museum, Tenerife; Casa Encendida,
Madrid; BilbaoArte Foundation and
the Vanguardia (Bilbao) and Raquel
Ponce (Madrid) galleries.
191
 TOT I QUE
Reykjavikek ikus-entzunezko sorme-
nan garatzen du bere lan egiteko
modua, baina bere lanak instalazio
performagarrian gauzatzen dira
eszenaratzean, narrazioari garrantzi
handia emanez. Azken urteetan ja­
rraitu duen norabideak gorputzetan
eta hauen aktibatzeko gaitasunan
interesan dauka jatorria, batzuetan
fisikoki eta beste batzuetan hitzez.
Tot i quen artistak ikuslea, beste gor-
putz bat, barneratzen du bere pieze-
tan honen ikuspuntu eta mugikorta-
suna erabiliz elkarri eragiteko.
Aurkeztu diren lau lanek gorputzen
inguruan dihardute, gorputzaren-
ganako begirada zehatz bat propo-
satuz honek irudi bilakatzeko posi-
bilitateari dagokionez. Videoensayo
entseatzen duen gorputz baten in-
guruan; Body as a brick (el escritorio)
tradiziotik tendentziara biratutako
gorputz baten inguruan, WAAITT,
BilbaoArten egoile bezala garatuta,
sinboloak sortzen dituen gorputz
baten inguruan; eta El Verí trikimailu
bat, antzerki bat, egiten duen gor-
putz baten inguruan. Artistak, lau
lan hauek ulertzen saiatzeko, elka­
rrekin kontaktuan jartzen ditu, en­
tsegu bakoitzean irudiekin lan egi-
ten duen bezala.
Mar Reykjavik (Sagunt, Valentzia,
1995). Arte Ederretan lizentziatua
da Balentziako Unibertsitate Politek-
nikoan eta Madrilgo MasterLaven
Ikus-entzunezko Sorkuntza Garaiki-
dea masterra burutu zuen. Bere lana
estatu mailan La Gallera, Fundación
La Posta, Valentziako Octubre CCC,
Muvim edo Pols, CA2M, CasaBanchel,
Espacio Oculto, Storm And Drunk,
Madrilen, Bartzelonako Zumzeig
Cinema, Salamancako Da2 Artium,
Tenerifeko COAC, edo Getxoko El
Respiraderon erakutsi izan da, eta
nazioarte mailan Berlingo NGBK ga-
leria, Stockholmgo SupermarketArt-
Fair edo Buenos Airesgo El Recole-
tan. Valentziako Boxes taldearen
sortzaileetako bat. %50 Cinépoème.
%33 Guardar Imagen Como.
La forma de trabajar de Reykjavik
procede del mundo de la creación
audiovisual pero se expande en
forma de instalación performable
en su puesta en escena y otorga a
la narración gran protagonismo. De
su interés en los cuerpos y su poder
de activación, en ocasiones física y
en otras verbalmente, nace la línea
de trabajo que sigue durante los
últimos años. En Tot i que la artista
incluye al espectador, otro cuerpo,
utilizando su punto de vista y capa-
cidad de desplazamiento para inte-
ractuar con él.
Las cuatro piezas presentadas giran
en torno a cuerpos, proponiendo
una mirada concreta al cuerpo en
relación a su posibilidad de devenir
imagen. En Videoensayo es sobre un
cuerpo que ensaya; en Body As A Brick
(el escritorio) es sobre un cuerpo que
vira de la tradición a la tendencia; en
WAAITT, desarrollada durante su re-
sidencia en BilbaoArte, es sobre un
cuerpo que genera símbolos; y final-
mente en El Verí es sobre un cuerpo
que realiza un truco, un teatro. La
artista pone en comunicación estas
piezas en un intento de comprender-
las, como lo hace con las imágenes
en cada uno de sus ensayos.
Mar Reykjavik (Sagunt, Valencia,
1995) es licenciada en Bellas Artes
por la UPV, Valencia y máster en
Laboratorio de Creación Audiovi-
sual Contemporánea, MasterLav,
Madrid. Su trabajo se ha puesto en
espacios a nivel nacional como La
Gallera, Fundación La Posta, Octu-
bre CCC,el Muvim y Pols en Valen-
cia, CA2M, CasaBanchel, Espacio
Oculto y Storm And Drunk, Madrid,
Zumzeig Cinema en Barcelona, Da2
Artium en Salamanca, COAC en Te-
nerife, El Respiradero en Getxo e
internacionales como Galeria NGBK,
Berlín, SupermarketArtFair, Esto-
colmo o El Recoleta, Buenos Aires.
Co-fundadora del colectivo Boxes,
Valencia. 50% Cinépoème. 33% de
Guardar Imagen Como.
Mar Reykjavik
2019.10.28 > 2019.11.22
Reykjavik’s way of working comes
from the world of audio-visual
creation, but has been expanded
as a performable installation in
its staging and putting narration
centre stage. Her line of work
in recent years emerged from
her interest in bodies and their
power of activation, sometimes
physically and other times verbally.
In Tot i que, the artist includes the
viewer, another body, using their
perspective and displacement
ability for interaction.
The four pieces here revolve
around bodies, proposing a specific
focus on the body in relation to its
possibility of becoming an image.
In Videoensayo, it is about a body
being tested; in Body As A Brick (el
escritorio), it is about a body shif-
ting from tradition to trend; in WAA-
ITT, produced during her residency
at BilbaoArte, it is about a body ge-
nerating symbols; and, finally, in El
Verí, it is about a body performing
a trick, theatre. The artist connects
these pieces in an attempt to un-
derstand them, as she does with
the images in each of her essays.
Mar Reykjavik (Sagunt, Valencia,
1995) graduated in Fine Arts from
the University of Valencia and has
a Master’s Degree in Contemporary
Audiovisual Creation Laboratory,
MasterLav, Madrid. Her work has
been exhibited national at spaces
including La Gallera, Fundación La
Posta, Octubre CCC, El Muvim and
Pols in Valencia, CA2M, CasaBanchel,
Espacio Oculto and Storm &
Drunk, Madrid, Zumzeig Cinema in
Barcelona, Da2 Artium in Salamanca,
COAC in Tenerife, El Respiradero in
Getxo, and at international venues
such as the NGBK Gallery, Berlin,
SupermarketArtFair, Stockholm,
and El Recoleta, Buenos Aires.
Cofounder of the Boxes Collective,
Valencia. 50% Cinépoème. 33% of
Guardar Imagen Como.
193
 EL MEJOR DELOS MUNDOS WIRE 154
Rut Briones & Artista ugari /
Raquel Durán Varios artistas
2019.03.06 Elssie Ansareo, Alberto Albor,
Oier Ituarte, Iga, Andrew Gangoiti,
Isma Iglesias, Travis Flint,
Juana García-Pozuelo, Jorge Rubio,
Carlos García, Daniel Oppenheimer,
David Cívico & Ramon Zabalegi
2019.05.09 > 2019.05.23

NO SOMOS IGUALES PUERTAS ENTREABIERTAS

Marta Pérez Elosua Lehen seihilabeteko
2019.03.08 > 2019.03.15 artistak Artistas del primer
semestre
Adrián Mena, Saioa Olmo Alonso,
Alejandría Cinque, Sergio D. Loeda,
Helena Goñi, Damaris Pan,
Cachorro Lozano, Antonio Menchen,
Esther Camacho & Irati Urrestarazu
2019.06.27 > 2019.06.28

LA CRIATURA DE MARY SHELLEY WELCOME TO THE BORDER

Bilduma pribatua / Amaia Vicente
Colección privada 2019.07.03
2019.03.21 > 2019.04.17

194 195
 ILUSTRANDO LA MALA SUERTE
Roger Olmos
2019.10.04 > 2019.10.18

DE PASO
Colectivo Invisible
2019.11.11 > 2019.11.15

EXPERIMENTOBIO 2019
Sofía Bertomeu, Benna
Gaean & Irune Orbea
2019.11.18 > 2019.11.22

196 197
 ZENTROA
EL CENTRO
THE CENTRE
BilbaoArte ekoizpen artistikorako
zentro bat da eta Bilboko Udal Go-
renaren Kultur Sailari lotuta dago.
Sortzaile gazteen eskura jartzen
ditu beha­rrezkoak diren baliobide
eta azpiegiturak euren egitasmo
artistikoak garatzeko. 1998an sortu
zenetik, ondoko ekintzen garape-
nean zentratu da: proiektu artisti-
koak garatzeko bekak; ikastaroak,
mintegiak eta hitzaldiak; hauetan,
nazio eta nazioartean ospea du-
ten sortzaileek parte hartzen dute;
sortzaile gazteen erakusketak eta
ateak zabalitako jardunaldiak; ar-
tistak beste nazioarteko (Cité des
Arts de París, SeMA Nanji Residen-
cy Seul, Moving Artists) eta nazioko
(Viana Fundazioa-Cajasur, Córdoba)
arte-zentroekin mugikortasun pro­
gramak eta aholkularitza artistikoa
erakundeen proiektuak garatzeko.
BilbaoArteren helburu behinena,
sortzaile gazteen profesionalizazioa
erraztea da eta, era berean, arte-
aren praktikarako beha­rrezko azpie-
gitura modernoak komunitate artis-
tikoaren eskura jartzea. Honetarako,
BilbaoArtek 3.500m2 inguruko azale-
ra erabilgarria dauka, lau solairutan
banatuta, zamaketarako kaia, eta
gainera: erakusketa gela, edozein
jarduera artistikorako egokituta;
hamabi lagapen-gune, egitasmo
artistikoak garatzeko; argazkigintza,
eskultura, grabatu, serigrafia tekno-
logia berriak eta MediaLab tailerrak,
filmazio-aretoaz gain, arte jardue-
rarako beharrezko makineria eta
bitarteko guztiez hornitutak; eta Art
House Zinema: proiekzio eta hitzal-
dietarako areto polibalentea. Ha-
laber, langile adituak ere badaude.
Hauek erabiltzaileei aholkuak eman
eta azpiegituren funtzionamendu
zuzena bermatzen dute.
BilbaoArte es un centro de produc-
ción artística, dependiente del Área
de Cultura del Excmo. Ayuntamiento
de Bilbao, que pone a disposición de
los artistas residentes los medios e
infraestructuras necesarias para el
desarrollo de sus propuestas. Des-
de su inauguración en 1998, centra
su labor en las siguientes activi-
dades: becas para el desarrollo de
proyectos artísticos; cursos, semina-
rios y conferencias en las que par-
ticipan creadores de consolidado
prestigio nacional e internacional;
exposiciones de jóvenes creadores
y jornadas de puertas abiertas; pro-
gramas de movilidad con otros cen-
tros artísticos, nacionales (Fundación
Viana-Cajasur, Córdoba) e internacio-
nales (Cité des Arts de París, SeMA
Nanji Residency Seul, Moving Artists)
y asesoramiento artístico para el de-
sarrollo de proyectos institucionales.
El objetivo fundamental de BilbaoAr-
te es proporcionar una destacada
profesionalización de los artistas y
poner a disposición de la comunidad
artística modernas infraestructuras
para la práctica artística. Para ello,
BilbaoArte cuenta con una superfi-
cie aproximada de 3.500m2 útiles,
divididos en cuatro plantas, un mue-
lle de carga y descarga, además de:
sala de exposiciones, acondicionada
para cualquier intervención artísti-
ca; doce espacios de cesión para el
desarrollo de proyectos artísticos;
talleres de fotografía, escultura, gra-
bado, serigrafía, nuevas tecnologías
y MediaLab así como un plató de
filmación, equipados con todo tipo
de maquinaria y de útiles para la
práctica artística; y el Art House Zi-
nema, una sala polivalente para pro-
yecciones y conferencias. Asimismo,
disponen de personal especializado
encargado de asesorar a los usua-
rios y de garantizar el correcto fun-
cionamiento de las infraestructuras.
BilbaoArte is an artistic production
centre belonging - the Culture De-
partment of the Bilbao City Coun-
cil. It provides young creators with
the means and infrastructures re-
quired - develop their artistic ideas.
Since it opened in 1998, it has been
focused on the development of the
following programmes and activi-
ties: grants for the development of
artistic projects; courses, seminars
and conferences involving consoli-
dated and prestigious international
creators; exhibitions by young cre-
ators and open days, artist mobility
programmes with other national
(Fundación Viana-Cajasur, Córdoba)
and international (Cité des Arts de
París, SeMA Nanji Residency Seul,
Moving Artists) artistic centres and
artistic advice for the development
of institutional projects.
The main aim of BilbaoArte is - pro-
vide outstanding professionalisa-
tion of young creators, and making
available modern infrastructures
for artistic practices within the art
community. For this purpose, Bil-
baoArte has a usable surface area of
approximately 3.500m2, divided into
four floors, as well as a loading and
unloading area and the following
facilities: exhibition room equipped
for any artistic intervention; twelve
studio spaces that are lent out for
the development of artistic projects;
photography, sculpture, engraving,
silkscreening, new technologies and
MediaLab workshops, as well as a
film set, provided with all the equip-
ment and facilities needed for artis-
tic practice; and Art House Zinema:
screening and conference room.
They also have specialised person-
nel in charge of providing informa-
tion for users and guaranteeing the
correct use of the infrastructures.
201
202 203
 JARDUERAK
ACTIVIDADES
ACTIVITIES

204 205
Erakusketak
Otsailak 15 - Martxoak 15
Pablo Marte
Es el cristal. Ella
Martxoak 6
Rut Briones & Raquel Durán
El mejor de los mundos
Martxoak 7 - Martxoak 15
Marta Pérez Elosua
No somos iguales
Martxoak 21 - Apirilak 21
Bilduma pribatua
La criatura de Mary Shelley
Martxoak 25 - Apirilak 17
Cristina Ramírez &
Alvaro Albaladejo
El pozo y la pirámide
Apirilak 12
Dorothy M Yoon
Open Studios
Maiatzak 3 - Maiatzak 31
Raquel Asensi
Objeto [In]quieto
Maiatzak 9 - Maiatzak 23
Elssie Ansareo, Alberto Albor,
Oier Ituarte, Iga, Andrew
Gangoiti, Isma Iglesias, Travis
Flint, Juana García-Pozuelo,
Jorge Rubio, Carlos García,
Daniel Oppenheimer, David Cívi-
co & Ramon Zabalegi
Wire 154
Ekainak 7 - Uztailak 5
Borja Gómez & Anaïs Boudot
Habitar las rosas y otras cosas
Ekainak 27 - Ekainak 28
Lehen seihilabeteko artistak
Ate erdi-irekiak
Uztailak 3
Amaia Vicente
Welcome to the border
Uztailak 12 - Abuztuak 22
Talde erakusketa
Begira. BilbaoArte bildumako
margolanen erakusketa
206
15 de febrero - 15 de marzo
Pablo Marte
Es el cristal. Ella
6 de marzo
Rut Briones & Raquel Durán
El mejor de los mundos
7 de marzo - 15 de marzo
Marta Pérez Elosua
No somos iguales
21 de marzo - 21 de abril
Colección privada
La criatura de Mary Shelley
25 de marzo - 17 de abril
Cristina Ramírez &
Álvaro Albaladejo
El pozo y la pirámide
12 de abril
Dorothy M Yoon
Open Studios
3 de mayo - 31 de mayo
Raquel Asensi
Objeto [In]quieto
9 de mayo - 23 de mayo
Elssie Ansareo, Alberto Albor,
Oier Ituarte, Iga, Andrew
Gangoiti, Isma Iglesias, Travis
Flint, Juana García-Pozuelo,
Jorge Rubio, Carlos García,
Daniel Oppenheimer, David Cívi-
co & Ramon Zabalegi
Wire 154
7 de junio - 5 de julio
Borja Gómez & Anaïs Boudot
Habitar las rosas y otras cosas
27 de junio - 28 de junio
Artistas del primer semestre
Puertas entreabiertas
3 de julio
Amaia Vicente
Welcome to the border
12 de julio - 22 de agosto
Exposición colectiva
Begira. Exposición de pintura de la
colección de BilbaoArte
Exposiciones
Exhibitions
15 February - 15 March Abuztuak 30 - Irailak 20 30 de agosto - 20 de septiembre 30 August - 20 September
Pablo Marte Fernando Renes Fernando Renes Fernando Renes
Es el cristal. Ella Urazurrutia 32 Urazurrutia 32 Urazurrutia 32
6 March Irailak 5 5 de septiembre 5 September
Rut Briones & Raquel Durán Julia Martos Julia Martos Julia Martos
El mejor de los mundos Open Studios Open Studios Open Studios
7 March - 15 March Irailak 27 - Urriak 18 27 de septiembre - 18 de octubre 27 September - 18 October
Marta Pérez Elosua Mabi Revuelta Mabi Revuelta Mabi Revuelta
No somos iguales Sueños fotomontados Sueños fotomontados Sueños fotomontados
21 March - 21 April Urriak 4 - Urriak 18 4 de octubre - 18 de octubre 4 October - 18 October
Private collection Roger Olmos Roger Olmos Roger Olmos
La criatura de Mary Shelley Ilustrando la mala suerte Ilustrando la mala suerte Ilustrando la mala suerte
25 March - 17 April Urriak 26 - Azaroak 22 26 de octubre - 22 de noviembre 26 October - 22 November
Cristina Ramírez & Mar Reykjavik Mar Reykjavik Mar Reykjavik
Álvaro Albaladejo tot i que tot i que tot i que
El pozo y la pirámide
Azaroak 11 - Azaroak 15 11 de noviembre - 15 de noviembre 11 November - 15 November
12 April Colectivo Invisible Colectivo Invisible Colectivo Invisible
Dorothy M Yoon De paso De paso De paso
Open Studios
Azaroak 18 - Azaroak 22 18 de noviembre - 22 de noviembre 18 November - 22 November
3 May - 31 May Sofía Bertomeu Hojberg, Benna Sofía Bertomeu Hojberg, Benna Sofía Bertomeu Hojberg, Benna
Raquel Asensi Gaean Maris, Irune Orbea Gaean Maris, Irune Orbea Gaean Maris, Irune Orbea
Objeto [In]quieto ExperimentoBio 2019 ExperimentoBio 2019 ExperimentoBio 2019
9 May - 23 May Abenduak 5 - Abenduak 17 5 de diciembre - 17 de diciembre 5 December - 17 December
Elssie Ansareo, Alberto Albor, BilbaoArteko artistak Artistas de BilbaoArte BilbaoArte artists
Oier Ituarte, Iga, Andrew Ateak zabalik 2019 Puertas Abiertas 2019 Open Doors 2019
Gangoiti, Isma Iglesias, Travis
Flint, Juana García-Pozuelo,
Jorge Rubio, Carlos García,
Daniel Oppenheimer, David Cívi-
co & Ramon Zabalegi
Wire 154
7 June - 5 July
Borja Gómez & Anaïs Boudot
Habitar las rosas y otras cosas
27 June - 28 June
First semester artists
Half-closed doors
3 July
Amaia Vicente
Welcome to the border
12 July - 22 August
Collective exhibition
Begira. Painting exhibition of
BilbaoArte collection
207
208 209
Mintegiak, hitzaldiak eta ikuskizunak
Urtarrilak 9
Cristina Morales Saro,
Miriam Rodríguez Morán,
Diana Garbedeira, Ion Macareno
& Saray Pérez Castilla
Mintzaldia: ¿En qué piensan l@s
artistas? Diálogos Sur / Sur-Norte
para darle la vuelta al mundo
Urtarrilak 10
Miguel Pedroza
Hitzaldiak: Impregnatio
Urtarrilak 16
Miguel Pedroza
Tailerra: Impregnatio
Urtarrilak 27 - Urtarrilak 31
Jon Bilbao
Tailerra: Fabrikazio digitalerako
tailerra XII Bilbaoarteko MediaLab
Otsailak 11
Pilar Valdivieso
Tailerra: Serigrafiaren hastapenei
buruzko ikastaroa
Martxoak 6 - Martxoak 21
Francisco Javier San Martín
Mintegia: Cuerpos
Martxoak 12
Pablo Marte
Pablo Marterekin topaketa
Martxoak 21
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Boxeo literarioko gau-ekitaldia:
Percy vs. Mary o Shelley contra
Shelley
Martxoak 22
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Liburu aurkezpenak: “Eroguro”
(Satori Ediciones) & “TerrorVisión”
(Editorial Valdemar)
Martxoak 28
Alejandro Díaz Castaño, Vanesa
Fernández, Víctor Lamadrid,
Agustín Atxa
Jardunaldia: TAN CERCA 2019: El
sector audiovisual ante los retos del
futuro
Apirilak 11
Raquel Meyers
Katalogo aurkezpena erakusketa
itxiera: El pozo y la pirámide
210
9 de enero
Cristina Morales Saro,
Miriam Rodríguez Morán,
Diana Garbedeira, Ion Macareno
& Saray Pérez Castilla
Conversatorio: ¿En qué piensan l@s
artistas? Diálogos Sur / Sur-Norte
para darle la vuelta al mundo
10 de enero
Miguel Pedroza
Conferencia: Impregnatio
16 de enero
Miguel Pedroza
Taller: Impregnatio
27 de enero - 31 de enero
Jon Bilbao
Taller: Talleres de fabricación digital
XII MediaLab Bilbaoarte
11 de febrero
Pilar Valdivieso
Taller: Curso de iniciación a la
serigrafía
6 de marzo - 21 de marzo
Francisco Javier San Martín
Seminario: Cuerpos
12 de marzo
Pablo Marte
Encuentro con Pablo Marte
21 de marzo
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Velada de boxeo literario: Percy vs.
Mary o Shelley contra Shelley
22 de marzo
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Presentaciones de libros: “Ero–
guro” (Satori Ediciones) & “TerrorVi-
sión” (Editorial Valdemar)
28 de marzo
Alejandro Díaz Castaño, Vanesa
Fernández, Víctor Lamadrid,
Agustín Atxa
Jornada: TAN CERCA 2019: El sector
audiovisual ante los retos del futuro
11 de abril
Raquel Meyers
Presentación de catálogo y clausu-
ra exposición: El pozo y la pirámide
9 January
Cristina Morales Saro,
Miriam Rodríguez Morán,
Diana Garbedeira, Ion Macareno
& Saray Pérez Castilla
Talk: ¿En qué piensan l@s artistas?
Diálogos Sur / Sur-Norte para darle
la vuelta al mundo
10 January
Miguel Pedroza
Talk: Impregnatio
16 January
Miguel Pedroza
Workshop: Impregnatio
27 January - 31 January
Jon Bilbao
Workshop: Digital making
workshop XII MediaLab Bilbaoarte
11 February
Pilar Valdivieso
Workshop: Silk-screen printing
introduction workshop
6 March - 21 March
Francisco Javier San Martín
Seminar: Cuerpos
12 March
Pablo Marte
Encuentro con Pablo Marte
21 March
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Literary boxing evening: Percy vs.
Mary o Shelley contra Shelley
22 March
Iria Barro Vale & Jesús Palacios
Book presentation: “Eroguro”
(Satori Ediciones) & “TerrorVisión”
(Editorial Valdemar)
28 March
Alejandro Díaz Castaño, Vanesa
Fernández, Víctor Lamadrid,
Agustín Atxa
Conference: TAN CERCA 2019: El
sector audiovisual ante los retos del
futuro
11 April
Raquel Meyers
Catalogue presentation and closing
of the exhibition: El pozo y la pirámide
Seminarios, conferencias y espectáculos
Seminars, talks and performances
Apirilak 23 - Apirilak 26
Mayumi Icinori & Pablo Amargo
Bonito Editorial
Tailerra: Ikastaro Politak
Apirilak 24
Mikel Feijoo, Naiara Usubiaga,
Adriana Uribesalgo, Eduardo
Iracheta
Fashion Revolution Bilbao
Hitzaldia: ¿Cómo será el futuro de
la moda en Euskadi?
Apirilak 25
Pablo Amargo
Ilustrazio mintzaldia
Apirilak 26
Raphael Unwiller &
Mayumi Otero
Ilustrazio mintzaldia:
Atelier ICINORI
Apirilak 30
Santos Zunzunegui
Hitzaldia: Viento del este
Maiatzak 3
Blanca Ortiga
Hitzaldia: Desplazar el centro.
Operaciones artísticas desde una
perspectiva feminista
Maiatzak 6 - Maiatzak 7
Blanca de la Torre, Fernando
Gómez de la Cuesta, Aimar
Arriola, Leónidas Spinelli, Marta
Mantecón, Colectivo Haria (Laura
Díez, Irati Irulegi e Iker Fidalgo)
Bilbao Art District
Komisario eta artisten arteko
topaketak
Maiatzak 9
Adolfo Serra
Euskal Irudigileak
Hitzaldia: Cómo ser ilustrador y no
morir en el intento
Maiatzak 20 - Maiatzak 24
Verónica Domingo Alonso
Ikastaro-tailerra: Mokurito:
Litografía sobre madera
Maiatzak 21
Chongyul YI
Centro Cultural Coreano
Mintzaldia: Corea más cerca
23 de abril - 26 de abril 23 April - 26 April
Mayumi Icinori & Pablo Amargo Mayumi Icinori & Pablo Amargo
Bonito Editorial Bonito Editorial
Taller: Cursos Bonitos 2019 Workshop: Pretty Courses 2019
24 de abril 24 April
Mikel Feijoo, Naiara Usubiaga, Mikel Feijoo, Naiara Usubiaga,
Adriana Uribesalgo, Eduardo Adriana Uribesalgo, Eduardo
Iracheta Iracheta
Fashion Revolution Bilbao Fashion Revolution Bilbao
Conferencia: ¿Cómo será el futuro Talk: ¿Cómo será el futuro de la
de la moda en Euskadi? moda en Euskadi?
25 de abril 25 April
Pablo Amargo Pablo Amargo
Conferencia de ilustración Illustration conference
26 de abril 26 April
Raphael Unwiller & Raphael Unwiller &
Mayumi Otero Mayumi Otero
Conferencia de ilustración: Illustration conference:
Atelier ICINORI Atelier ICINORI
30 de abril 30 April
Santos Zunzunegui Santos Zunzunegui
Conferencia: Viento del este Talk: Viento del este
3 de mayo 3 May
Blanca Ortiga Blanca Ortiga
Conferencia: Desplazar el centro. Talk: Desplazar el centro. Operacio-
Operaciones artísticas desde una nes artísticas desde una perspectiva
perspectiva feminista feminista
6 de mayo - 7 de mayo 6 May - 7 May
Blanca de la Torre, Fernando Blanca de la Torre, Fernando
Gómez de la Cuesta, Aimar Gómez de la Cuesta, Aimar
Arriola, Leónidas Spinelli, Marta Arriola, Leónidas Spinelli, Marta
Mantecón, Colectivo Haria (Laura Mantecón, Colectivo Haria (Laura
Díez, Irati Irulegi e Iker Fidalgo) Díez, Irati Irulegi e Iker Fidalgo)
Bilbao Art District Bilbao Art District
Encuentros entre comisarios/as y Encounters between curators and
artistas artists
9 de mayo 9 May
Adolfo Serra Adolfo Serra
Euskal Irudigileak Euskal Irudigileak
Conferencia: Cómo ser ilustrador y Talk: Cómo ser ilustrador y no morir
no morir en el intento en el intento
20 de mayo - 24 de mayo 20 May - 24 May
Verónica Domingo Alonso Verónica Domingo Alonso
Curso-taller: Mokurito: Course-workshop: Mokurito:
Litografía sobre madera Litografía sobre madera
21 de mayo 21 May
Chongyul YI Chongyul YI
Centro Cultural Coreano Centro Cultural Coreano
Charla: Corea más cerca Talk: Corea más cerca
211
Maiatzak 23
Raquel Asensi
Liburu aurkezpena:
Una imagen táctil
Maiatzak 30
Carla Berrocal
Euskal Irudigileak
Hitzaldia: Cómo crear un cómic
de autora (sin que te de un
apechusque)
Maiatzak 31
Raquel Asensi, Dani Hernández,
Amaia Miranda
Objeto [In]quieto erakusketaren
itxiera performancea: Obsolete
traper
Ekainak 5 - Ekainak 7
Estibaliz Alonso Ruiz de Eren­tzun,
Aintzane Pagadigorria Ruiz,
Vanesa Fernández Guerra,
Andrés Duque, Elena López Riera,
Alaitz Arenzana, Maria Ibarretxe,
Virginia García del Pino,
Elías León Siminiani,
Josetxo Cerdán, Rubén Corral,
Maite Arroitajauregi
Ikastaroa: Territorios y fronteras
2019: Diez años en la órbita del
documental contemporáneo
Ekainak 10
Ana Santonja Querol
Hitzaldiak: Pattern design: el
mercado de los originales hoy + Pro-
ject paras: la revolución de adobe
para el diseño de estampación textil
Ekainak 12
Roberto Aguirrezabala
Liburu aurkezpena: War edition
Ekainak 13
Francisco Javier San Martín
Liburu aurkezpena: Guía Para El
Arte Del Siglo XXI
Ekainak 21
Marta Cárdenas
Mintzaldia: Ejercicios experimenta-
les para la creación plástica
Ekainak 25
Marta Cárdenas
Hitzaldia: Descubrir y disfrutar lo
impensable
212
23 de mayo
Raquel Asensi
Presentación de libro:
Una imagen táctil
30 de mayo
Carla Berrocal
Euskal Irudigileak
Conferencia: Cómo crear un cómic
de autora (sin que te de un
apechusque)
31 de mayo
Raquel Asensi, Dani Hernández,
Amaia Miranda
Performance de clausura de la
exposición Objeto [In]quieto: Obso-
lete traper
5 de junio - 7 de junio
Estibaliz Alonso Ruiz de Eren­tzun,
Aintzane Pagadigorria Ruiz,
Vanesa Fernández Guerra,
Andrés Duque, Elena López Riera,
Alaitz Arenzana, Maria Ibarretxe,
Virginia García del Pino,
Elías León Siminiani,
Josetxo Cerdán, Rubén Corral,
Maite Arroitajauregi
Curso: Territorios y fronteras 2019:
Diez años en la órbita del documen-
tal contemporáneo
10 de junio
Ana Santonja Querol
Conferencias: Pattern design: el
mercado de los originales hoy + Pro-
ject paras: la revolución de adobe
para el diseño de estampación textil
12 de junio
Roberto Aguirrezabala
Presentación de libro: War edition
13 de junio
Francisco Javier San Martín
Presentación del libro: Guía Para El
Arte Del Siglo XXI
21 de junio
Marta Cárdenas
Charla: Ejercicios experimentales
para la creación plástica
25 de junio
Marta Cárdenas
Conferencia: Descubrir y disfrutar
lo impensable
23 May
Raquel Asensi
Book presentation:
Una imagen táctil
30 May
Carla Berrocal
Euskal Irudigileak
Talk: Cómo crear un cómic
de autora (sin que te de un
apechusque)
31 May
Raquel Asensi, Dani Hernández,
Amaia Miranda
Closing performance of the exhi-
bition Objeto [In]quieto: Obsolete
traper
5 June - 7 June
Estibaliz Alonso Ruiz de Eren­tzun,
Aintzane Pagadigorria Ruiz,
Vanesa Fernández Guerra,
Andrés Duque, Elena López Riera,
Alaitz Arenzana, Maria Ibarretxe,
Virginia García del Pino,
Elías León Siminiani,
Josetxo Cerdán, Rubén Corral,
Maite Arroitajauregi
Course: Territorios y fronteras
2019: Diez años en la órbita del
documental contemporáneo
10 June
Ana Santonja Querol
Talks: Pattern design: el mercado de
los originales hoy + Project paras: la
revolución de adobe para el diseño
de estampación textil
12 June
Roberto Aguirrezabala
Book presentation: War edition
13 June
Francisco Javier San Martín
Book presentation: Guía Para El
Arte Del Siglo XXI
21 June
Marta Cárdenas
Talk: Ejercicios experimentales para
la creación plástica
25 June
Marta Cárdenas
Talk: Descubrir y disfrutar lo impen-
sable
Ekainak 25
Izaskun Aralucea, Iñaki Peña,
Andere Molinuevo Martín
VIII. Ikerketarekin topaketak
Ekainak 26
Cristina Fuentes, Andrea Davila,
Miriam Inza, Alfonso Berroya
VIII. Ikerketarekin topaketak
Uztailak 4 - Uztailak 9
Jon Bilbao
Fabrikazio digitalerako tailerrak
Uztailak 8 - Uztailak 12
Pilar Valdivieso
Serigrafiaren hastapenei buruzko
ikastaroa
Uztailak 22 - Abuztuak 19
Abigail Lazkoz, Fermín Moreno,
Fernando Villena, Gala Knörr,
Ignacio Goitia, Ismael Iglesias,
Jorge Rubio, Judas Arrieta,
Kepa Garraza, Leticia Gaspar,
Lourdes de la Villa,
Txaro Arrazola, Iker Serrano
'Begira' erakusketaren artisten
pinturarekin topaketak
Irailak 6 - Irailak 7
Ana Isabel Morales, Iban Zaldua,
Laura S. Maquilón, Garazi Albizua,
Layla Martínez, Irati Jiménez,
Virginia Buedo Rodero,
Andrea Penalva Martínez,
Maielis González, Andrés Bigorra,
Mónica López del Consuelo,
Marta Trivi, Elisa McCausland,
Itxaro Borda, Ibon Rodriguez,
Felicidad Martínez, Emma Ríos,
Sole Otero, Rocío Vega,
Blanca Rego, Natalia Piñuel
Zientzia-fikzio feministaren jaial-
dia: AnsibleFest
Irailak 9 - Irailak 12
Jorge Isla
Tailerra: Documentación y repro-
ducción de obra
Irailak 11 - Irailak 12
Aintzane Aranguena,
Al Karpenter, Asier Barredo,
Garazi Gorostiaga,
Itziar Markiegi, Koldo Ansoleaga,
Lorea Oar‑Arteta, María Seco,
Myriam Rzm, Natalia Fernández
Kontzertuak
25 de junio
Izaskun Aralucea, Iñaki Peña,
Andere Molinuevo Martín
VIII. Encuentros con la investigación
26 de junio
Cristina Fuentes, Andrea Davila,
Miriam Inza, Alfonso Berroya
VIII. Encuentros con la investigación
4 de julio - 9 de julio
Jon Bilbao
Talleres de fabricación digital
8 de julio - 12 de julio
Pilar Valdivieso
Curso de iniciación a la serigrafía
22 de julio - 19 de agosto
Abigail Lazkoz, Fermín Moreno,
Fernando Villena, Gala Knörr,
Ignacio Goitia, Ismael Iglesias,
Jorge Rubio, Judas Arrieta,
Kepa Garraza, Leticia Gaspar,
Lourdes de la Villa,
Txaro Arrazola, Iker Serrano
Encuentros con la pintura de los
artistas de la exposición ‘Begira’
6 de septiembre - 7 de septiembre
Ana Isabel Morales, Iban Zaldua,
Laura S. Maquilón, Garazi Albizua,
Layla Martínez, Irati Jiménez,
Virginia Buedo Rodero,
Andrea Penalva Martínez,
Maielis González, Andrés Bigorra,
Mónica López del Consuelo,
Marta Trivi, Elisa McCausland,
Itxaro Borda, Ibon Rodriguez,
Felicidad Martínez, Emma Ríos,
Sole Otero, Rocío Vega,
Blanca Rego, Natalia Piñuel
Festival de ciencia ficción feminis-
ta: AnsibleFest
9 de septiembre - 12 de septiembre
Jorge Isla
Taller: Documentación y repro-
ducción de obra
11 de septiembre - 12 de septiembre
Aintzane Aranguena,
Al Karpenter, Asier Barredo,
Garazi Gorostiaga,
Itziar Markiegi, Koldo Ansoleaga,
Lorea Oar‑Arteta, María Seco,
Myriam Rzm, Natalia Fernández
Conciertos
25 June
Izaskun Aralucea, Iñaki Peña,
Andere Molinuevo Martín
VIII. Encounters with investigation
26 June
Cristina Fuentes, Andrea Davila,
Miriam Inza, Alfonso Berroya
VIII. Encounters with investigation
4 July - 9 July
Jon Bilbao
Digital making workshops
8 July - 12 July
Pilar Valdivieso
Introduction course to silk-screen
printing
22 July - 19 August
Abigail Lazkoz, Fermín Moreno,
Fernando Villena, Gala Knörr,
Ignacio Goitia, Ismael Iglesias,
Jorge Rubio, Judas Arrieta,
Kepa Garraza, Leticia Gaspar,
Lourdes de la Villa,
Txaro Arrazola, Iker Serrano
Encounters with the painting of the
artists on the exhibition 'Begira'
6 September - 7 September
Ana Isabel Morales, Iban Zaldua,
Laura S. Maquilón, Garazi Albizua,
Layla Martínez, Irati Jiménez,
Virginia Buedo Rodero,
Andrea Penalva Martínez,
Maielis González, Andrés Bigorra,
Mónica López del Consuelo,
Marta Trivi, Elisa McCausland,
Itxaro Borda, Ibon Rodriguez,
Felicidad Martínez, Emma Ríos,
Sole Otero, Rocío Vega,
Blanca Rego, Natalia Piñuel
Feminist science-fiction festival:
AnsibleFest
9 September - 12 September
Jorge Isla
Workshop: Documentación y repro-
ducción de obra
11 September - 12 September
Aintzane Aranguena,
Al Karpenter, Asier Barredo,
Garazi Gorostiaga,
Itziar Markiegi, Koldo Ansoleaga,
Lorea Oar-Arteta, María Seco,
Myriam Rzm, Natalia Fernández
Concerts
213
Irailak 30 - Urriak 4
Blanca Ortiga
Ikastaroa: Micromapping. El ensayo
con el objeto
Urriak 3 - Urriak 4
Roger Olmos
Bonito Editorial
Ikastaro eta hitzaldia: Ilustrando la
mala suerte
Urriak 17
Marian Fernández Pascal,
Gari Otamendi
Zinetika Videodance Festival
Ekoizpen Masterclass:
Dantza, de la plaza a la gran
pantalla
Urriak 17 - Urriak 18
Fosi Vegue
Tailerra: Mil imágenes y una
palabra
Urriak 28 - Urriak 31
Antonio Altarriba, Jon Spinaro,
Edu López, Martín López
Mintegia: Tintín Abierto
Azaroak 6
Diego Aldasoro
Fanzine aurkezpena: A vueltas con
la fotografía
Azaroak 7 - Azaroak 8
Pilar Bustinduy, Zaloa Ipiña,
Haizea Barcenilla, Karla Tobar,
Rakel Meyers, BADA, UKA,
Jon Ander Cortabarria,
Ignacio Goitia, José Ángel Lasa,
Esther Ferrer, Itziar Okariz,
Raquel Asensi
Jardunaldiak: Contigo no bitxo
Azaroak 11 - Azaroak 14
Juan Lara
Ogami Press
Ikastaroa: Fotograbado sobre polí-
mero. Fotografía estampada
Azaroak 12
Diego Aldasoro
Mintzaldia: In medias res: Parte de
un proyecto
214
30 de septiembre - 4 de octubre
Blanca Ortiga
Curso: Micromapping. El ensayo
con el objeto
3 de octubre - 4 de octubre
Roger Olmos
Bonito Editorial
Curso y conferencia: Ilustrando la
mala suerte
17 de octubre
Marian Fernández Pascal,
Gari Otamendi
Zinetika Videodance Festival
Masterclass de producción:
Dantza, de la plaza a la gran
pantalla
17 de octubre - 18 de octubre
Fosi Vegue
Taller: Mil imágenes y una palabra
28 de octubre - 31 de octubre
Antonio Altarriba, Jon Spinaro,
Edu López, Martín López
Seminario: Tintín Abierto
6 de noviembre
Diego Aldasoro
Presentación de fanzine: A vueltas
con la fotografía
7 de noviembre - 8 de noviembre
Pilar Bustinduy, Zaloa Ipiña,
Haizea Barcenilla, Karla Tobar,
Rakel Meyers, BADA, UKA,
Jon Ander Cortabarria,
Ignacio Goitia, José Ángel Lasa,
Esther Ferrer, Itziar Okariz,
Raquel Asensi
Jornadas: Contigo no bitxo
11 de noviembre - 14 de noviembre
Juan Lara
Ogami Press
Curso: Fotograbado sobre políme-
ro. Fotografía estampada
12 de noviembre
Diego Aldasoro
Charla: In medias res: Parte de un
proyecto
30 September - 4 October
Blanca Ortiga
Course: Micromapping. El ensayo
con el objeto
3 October - 4 October
Roger Olmos
Bonito Editorial
Course and talk: Ilustrando la mala
suerte
17 October
Marian Fernández Pascal,
Gari Otamendi
Zinetika Videodance Festival
Production Masterclass:
Dantza, de la plaza a la gran
pantalla
17 October - 18 October
Fosi Vegue
Workshop: Mil imágenes y una
palabra
28 October - 31 October
Antonio Altarriba, Jon Spinaro,
Edu López, Martín López
Seminar: Tintín Abierto
6 November
Diego Aldasoro
Fanzine presentation: A vueltas con
la fotografía
7 November - 8 November
Pilar Bustinduy, Zaloa Ipiña,
Haizea Barcenilla, Karla Tobar,
Rakel Meyers, BADA, UKA,
Jon Ander Cortabarria,
Ignacio Goitia, José Ángel Lasa,
Esther Ferrer, Itziar Okariz,
Raquel Asensi
Conference: Contigo no bitxo
11 November - 14 November
Juan Lara
Ogami Press
Course: Fotograbado sobre políme-
ro. Fotografía estampada
12 November
Diego Aldasoro
Talk: In medias res: Parte de un
proyecto
Azaroak 13
Fernando Renes, Beatriz Cavia,
Jon Bilbao
Katalogo aurkezpena:
Urazu­rrutia 32
Azaroak 13
Juan Lara
Ogami Press
Hitzaldia: La obra gráfica en Ogami
Press
Azaroak 19 - Azaroak 21
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (BALA Azoka)
Tailerra: Edición gráfica en se-
rigrafía
Azaroak 20 - Azaroak 21
Haritz Goñi, Liben Svaart,
Merry Crisis, Myriam Rzm
MEM Festival internacional de
arte experimental
Kontzertu esperimentalak
Azaroak 22
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (BALA Azoka)
Hitzaldi irekia
Azaroak 22
Mar Reykjavik, Quiela Nuc
Katalogo aurkezpena:
Tot i que
Abenduak 9 - Abenduak 13
Javier Arbizu, Esther Camacho
Cerezo, Alejandría Cinque,
Moriah De Zen, Lucía Díaz,
Sergio D Loeda, Helena Goñi,
Heather Kapplow, Liane Lang,
Miguel Leiro, Daniel Llaría,
Cachorro Lozano,
Gerónimo Manzueta,
Miguel Marina Cobo,
Adrián Mena Paredes,
Antonio Menchen,
Saioa Olmo Alonso, Damaris Pan,
Los Picoletos, Milena Rossignoli,
Aristide Stornelli,
Marina Suárez Ortiz De Zárate,
Irati Urrestarazu,
Marta Van Tartwijk
Ateak Zabalik 2019 artistekin
topaketak
13 de noviembre
Fernando Renes, Beatriz Cavia,
Jon Bilbao
Presentación de catálogo:
Urazu­rrutia 32
13 de noviembre
Juan Lara
Ogami Press
Conferencia: La obra gráfica en
Ogami Press
19 de noviembre - 21 de noviembre
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (Feria BALA)
Taller: Edición gráfica en serigrafía
20 de noviembre - 21 de noviembre
Haritz Goñi, Liben Svaart,
Merry Crisis, Myriam Rzm
MEM Festival internacional de
arte experimental
Conciertos experimentales
22 de noviembre
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (Feria BALA)
Conferencia abierta
22 de noviembre
Mar Reykjavik, Quiela Nuc
Presentación de catálogo:
Tot i que
9 de diciembre - 13 de diciembre
Javier Arbizu, Esther Camacho
Cerezo, Alejandría Cinque,
Moriah De Zen, Lucía Díaz,
Sergio D Loeda, Helena Goñi,
Heather Kapplow, Liane Lang,
Miguel Leiro, Daniel Llaría,
Cachorro Lozano,
Gerónimo Manzueta,
Miguel Marina Cobo,
Adrián Mena Paredes,
Antonio Menchen,
Saioa Olmo Alonso, Damaris Pan,
Los Picoletos, Milena Rossignoli,
Aristide Stornelli,
Marina Suárez Ortiz De Zárate,
Irati Urrestarazu,
Marta Van Tartwijk
Encuentros con los artistas de
Puertas Abiertas 2019
13 November
Fernando Renes, Beatriz Cavia,
Jon Bilbao
Catalogue presentation:
Urazu­rrutia 32
13 November
Juan Lara
Ogami Press
Talk: La obra gráfica en Ogami
Press
19 November - 21 November
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (BALA Fair)
Workshop: Edición gráfica en
serigrafía
20 November - 21 November
Haritz Goñi, Liben Svaart,
Merry Crisis, Myriam Rzm
MEM Festival internacional de
arte experimental
Experimental concerts
22 November
Pakito Bolino (Le Dernier Cri)
Banizu Nizuke (BALA Fair)
Conferencia abierta
22 November
Mar Reykjavik, Quiela Nuc
Catalogue presentation:
Tot i que
9 de diciembre - 13 de diciembre
Javier Arbizu, Esther Camacho
Cerezo, Alejandría Cinque,
Moriah De Zen, Lucía Díaz,
Sergio D Loeda, Helena Goñi,
Heather Kapplow, Liane Lang,
Miguel Leiro, Daniel Llaría,
Cachorro Lozano,
Gerónimo Manzueta,
Miguel Marina Cobo,
Adrián Mena Paredes,
Antonio Menchen,
Saioa Olmo Alonso, Damaris Pan,
Los Picoletos, Milena Rossignoli,
Aristide Stornelli,
Marina Suárez Ortiz De Zárate,
Irati Urrestarazu,
Marta Van Tartwijk
Encounters with the artists of
Open Doors 2019
215
 PROIEKZIOAK
PROYECCIONES
SCREENINGS

216 217
Proiekzioak Proyecciones
Screenings

Urtarrilak 8 - Otsailak 14 8 de enero - 14 de febrero 8 January - 14 February Martxoak 1 - Apirilak 29 1 de marzo - 29 de abril 1 March - 29 Abril
Soinua ikusi, pentsamendua entzun III Ver el sonido, oír el pensamiento III Ver el sonido, oír el pensamiento III Ozu: izkutuko errukiaren miste- Ozu: el misterio de la compasión Ozu: el misterio de la compasión
rioa escondida escondida
Urtarrilak 8 eta Otsailak 14 8 de enero y 14 de febrero 8 January and 14 February
La Flauta Mágica, Ingmar Bergman La Flauta Mágica, Ingmar Bergman The Magic Flute, Ingmar Bergman Martxoak 1 eta 4 1 y 4 de marzo 1 and 4 March
Urtarrilak 10 eta 29 10 y 29 de enero 10 and 29 January Primavera Tardía Primavera Tardía Late Spring
Don Giovanni, Joseph Losey Don Giovanni, Joseph Losey Don Giovanni, Joseph Losey Martxoak 8 eta 11 8 y 11 de marzo 9 and 11 March
Urtarrilak 15 eta 31 15 y 31 de enero 15 and 31 January El Comienzo Del Verano El Comienzo Del Verano Early Summer
Los Cuentos De Hoffmann, Los Cuentos De Hoffmann, The Tales of Hoffmann, Martxoak 15 eta 18 15 y 18 de marzo 15 and 18 March
Michael Powell, Emeric Pressburger Michael Powell, Emeric Pressburger Michael Powell, Emeric Pressburger Cuentos De Tokio Cuentos De Tokio Tokyo Story
Urtarrilak 17 eta Otsailak 5 17 de enero y 5 de febrero 17 January and 5 February Martxoak 22 eta 25 22 y 25 de marzo 22 and 25 March
Orfeo, Claude Goretta Orfeo, Claude Goretta Orfeo, Claude Goretta Crepúsculo En Tokio Crepúsculo En Tokio Tokyo Twilight
Urtarrilak 22 eta Otsailak 7 22 de enero y 7 de febrero 22 January and 7 February Martxoak 29 y Apirilak 1 29 de marzo y 1 de abril 29 March and 1 April
The Beatles: Eight Days A Week, The Beatles: Eight Days A Week, The Beatles: Eight Days A Week, Flores De Equinoccio Flores De Equinoccio Equinox Flower
Ron Howard Ron Howard Ron Howard Apirilak 5 eta 8 5 y 8 de abril 8 and 8 April
Urtarrilak 24 eta Otsailak 12 Urtarrilak 24 y Otsailak 12 Urtarrilak 24 and Otsailak 12 Buenos Días Buenos Días Good Morning
A 20 Pasos De La Fama, A 20 Pasos De La Fama, 20 Feet from Stardom, Apirilak 12 eta 15 12 y 15 de abril 12 and 15 April
Morgan Neville Morgan Neville Morgan Neville Otoño Tardío Otoño Tardío Late Autumn
Apirilak 26 eta 29 26 y 29 de abril 26 and 29 April
Urtarrilak 9 9 de enero January 9 El Sabor del Sake El Sabor del Sake An Autumn Afternoon
Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema
zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque Martxoak 6 6 de marzo 6 March
Nola?, Fermin Muguruza Nola?, Fermin Muguruza Nola?, Fermin Muguruza Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema
zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque
Urtarrilak 11 - Otsailak 11 11 de enero - 11 de febrero 11 January - 11 February Shock Doktrina, Shock Doktrina, The Shock Doctrine,
Claire Denis eta desesperazioa Claire Denis y la desesperación Claire Denis y la desesperación Michael Winterbottom & Michael Winterbottom & Michael Winterbottom &
Mat Whitecross Mat Whitecross Mat Whitecross
Urtarrilak 11 eta Otsailak 14 11 y 14 de enero 11 and 14 January
35 Rhums 35 Rhums 35 Rhums Martxoak 27 27 de marzo 27 March
Urtarrilak 18 eta 21 18 y 21 de enero 18 and 21 January Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with
Beau Travail Beau Travail Beau Travail zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Urtarrilak 25 eta 28 25 y 28 de enero 25 and 28 January Baden Baden, Rachel Lang Baden Baden, Rachel Lang Baden Baden, Rachel Lang
Trouble Every Day Trouble Every Day Trouble Every Day
Otsailak 1 eta 4 1 y 4 de febrero 1 and 4 February Martxoak 28 - Apirilak 16 28 de marzo - 16 de abril 28 March - 16 April
S’en Fout La Mort S’en Fout La Mort S’en Fout La Mort Mary Shelley: munstroaren hondo- Mary Shelley: viaje al fondo del Mary Shelley: viaje al fondo del
Otsailak 8 eta 11 8 y 11 de febrero 8 and 11 February ra bidaia monstruo monstruo
J’ai Pas Sommeil J’ai Pas Sommeil J’ai Pas Sommeil
Martxoak 28 28 de marzo 28 March
Urtarrilak 30 30 de enero 30 January La Novia de Frankenstein, La Novia de Frankenstein, Bride of Frankenstein,
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with James Whale James Whale James Whale
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Apirilak 2 2 de abril 2 April
Les Lendemains, Bénédicte Pagnot Les Lendemains, Bénédicte Pagnot Les Lendemains, Bénédicte Pagnot La Maldición de Frankenstein, La Maldición de Frankenstein, The Curse of Frankenstein,
Terence Fisher Terence Fisher Terence Fisher
Otsailak 6 6 de febrero February 6 Apirilak 4 4 de abril 4 April
Lehen astearteko hitzordua: zinea La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema El Jovencito Frankenstein, Mel Brooks El Jovencito Frankenstein, Mel Brooks Young Frankenstein, Mel Brooks
euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque Apirilak 9 9 de abril 9 April
Gimme Danger, Jim Jarmusch Gimme Danger, Jim Jarmusch Gimme Danger, Jim Jarmusch Remando al Viento, Gonzalo Suárez Remando al Viento, Gonzalo Suárez Remando al Viento, Gonzalo Suárez
Apirilak 11 11 de abril 11 April
Otsailak 15 15 de febrero February 15 Frankenstein de Mary Shelley, Frankenstein de Mary Shelley, Mary Shelley’s Frankenstein,
Caras y lugares, Agnès Varda & JR Caras y lugares, Agnès Varda & JR Faces Places, Agnès Varda & JR Kenneth Branagh Kenneth Branagh Kenneth Branagh
Apirilak 16 16 de abril 16 April
Otsailak 19 - Otsailak 26 19 de febrero - 26 de febrero 19 February - 26 February The Empire of Corpses The Empire of Corpses The Empire of Corpses
Zinegoak LGTB Film Festival Zinegoak LGTB Film Festival Zinegoak LGTB Film Festival Ryoutarou Makihara Ryoutarou Makihara Ryoutarou Makihara

Otsailak 27 27 de febrero 27 February Apirilak 3 3 de abril 3 April

Azken asteazkeneko hitzordua
zine frantziarrarekin
Patients,
Grand Corps Malade & Mehdi Idir
218
La cita último miércoles con el
cine francés
Patients
Grand Corps Malade & Mehdi Idir
Last Wednesdays' date with Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema
French cinema zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque
Patients Happy End, Michael Haneke Happy End, Michael Haneke Happy End, Michael Haneke
Grand Corps Malade & Mehdi Idir
219
Apirilak 24 24 de abril 4 April - 12 April Ekainak 5 5 de junio 5 June
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema
zine frantziarrarekin cine francés French cinema zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque
Los ojos sin rostro, Georges Franju Los ojos sin rostro, Georges Franju Les yeux sans visage, Georges Franju Arazo Pertsonalak, Maha Haj Arazo Pertsonalak, Maha Haj Personal Affairs, Maha Haj

Maiatzak 8 8 de mayo 8 May Ekainak 18 - Ekainak 27 18 de junio - 27 de junio 18 June - 27 June

Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema Novocine itinerante Novocine itinerante Novocine itinerante
zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque
Idazketa Tailerra, Laurent Cantet Idazketa Tailerra, Laurent Cantet The Workshop, Laurent Cantet Ekainak 18 eta 27 18 y 27 de junio 18 and 27 June
Malasartes, Paulo Morelli Malasartes, Paulo Morelli Malasartes, Paulo Morelli
Maiatzak 6 - Uztailak 9 6 de Mayo - 9 de julio 6 May - 9 July Ekainak 18 eta 19 18 y 19 de junio 18 and 19 June June
Chaplin: perfekzioaren artea Chaplin: el arte de la perfección Chaplin: el arte de la perfección Antes que eu me esqueça, Antes que eu me esqueça, Antes que eu me esqueça,
Tiago Arakilian Tiago Arakilian Tiago Arakilian
Maiatzak 6 eta 10 6 y 10 mayo 6 and 10 May Ekainak 19 eta 20 19 y 20 de junio 19 and 20 June
El Chico El Chico The Kid O Filme da minha Vida, Selton Mello O Filme da minha Vida, Selton Mello O Filme da minha Vida, Selton Mello
Maiatzak 13 eta 17 13 y 17 mayo 13 and 17 May Ekainak 20 eta 25 20 y 25 de junio 20 and 25 June
La Quimera del Oro La Quimera del Oro The Gold Rush Alguma Coisa Assim, Alguma Coisa Assim, Alguma Coisa Assim,
Maiatzak 20 eta 24 20 y 24 mayo 20 and 24 May Emir Filho y Mariana Bastos Emir Filho y Mariana Bastos Emir Filho y Mariana Bastos
El Circo El Circo The Circus Ekainak 25 eta 27 25 y 27 de junio 25 and 27 June
Maiatzak 27 eta 31 27 y 31 mayo 27 and 31 May Bingo, Daniel Rezende Bingo, Daniel Rezende Bingo, Daniel Rezende
Luces de la Ciudad Luces de la Ciudad City Lights
Ekainak 3 eta 7 3 y 7 de junio 3 and 7 June Ekainak 26 26 de junio 26 June
Tiempos Modernos Tiempos Modernos Modern Times Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with
Ekainak 10 eta 14 10 y 14 de junio 10 and 14 June zine frantziarrarekin cine francés French cinema
El Gran Dictador El Gran Dictador The Great Dictator Crache Coeur, Julia Kowalski Crache Coeur, Julia Kowalski Crache Coeur, Julia Kowalski
Ekainak 17 eta 21 17 y 21 de junio 17 and 21 June
Monsieur Verdoux Monsieur Verdoux Monsieur Verdoux Uztailak 3 3 de julio 3 July
Ekainak 24 eta 28 28 y 28 de junio 24 and 28 June Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema
Candilejas Candilejas Limelight zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque
Uztailak 8 8 de julio 8 July Ma vie de Courgette, Claude Barras Ma vie de Courgette, Claude Barras Ma vie de Courgette, Claude Barras
Un día de juerga Un día de juerga Un día de juerga
Al sol Al sol Al sol Uztailak 4 - Urriak 3 4 de julio - 3 de octubre 4 July - 3 October
Vacaciones Vacaciones Vacaciones Begirada heterodoxoak, kontaki- Miradas heterodoxas, relatos Miradas heterodoxas, relatos
Día de paga Día de paga Día de paga zun apartak extraordinarios extraordinarios
Uztailak 9 9 de julio 9 July
Vida de perro Vida de perro Vida de perro Uztailak 4 4 de julio 4 July
¡Armas al hombro! ¡Armas al hombro! ¡Armas al hombro! An Elephant Sitting Still, Hu Bo An Elephant Sitting Still, Hu Bo An Elephant Sitting Still, Hu Bo
Peregrino Peregrino Peregrino Uztailak 10 eta 11 10 y 11 de julio 10 and 11 July
National Gallery, Frederick Wiseman National Gallery, Frederick Wiseman National Gallery, Frederick Wiseman
Maiatzak 21 - Maiatzak 23 21 de mayo - 23 de mayo 21May - 23 May Uztailak 17 eta 18 17 y 18 de julio 17 and 18 July
Lee Chang-Dong: idealista engai- Lee Chang-Dong: el dolor de un Lee Chang-Dong: el dolor de un El molino y la cruz, El molino y la cruz, The Mill and the Cross,
natu baten mina idealista engañado idealista engañado Lech Majewski Lech Majewski Lech Majewski
Abuztuak 1 1 de agosto 1 August
Maiatzak 21 21 de mayo 21 May Sayat Nova, Sergei Parajanov Sayat Nova, Sergei Parajanov Sayat Nova, Sergei Parajanov
Peppermint Candy Peppermint Candy Peppermint Candy Abuztuak 8 8 de agosto 8 August
Maiatzak 22 22 de mayo 22 May Mysterious object at noon, Mysterious object at noon, Mysterious object at noon,
Oasis Oasis Oasis Apichatpong Weerasethakul Apichatpong Weerasethakul Apichatpong Weerasethakul
Maiatzak 23 23 de mayo 23 May Abuztuak 21 eta 22 21 y 22 de agosto 21 and 22 August
Poesía Poesía Poetry Black Coal, Diao Yinan Black Coal, Diao Yinan Black Coal, Diao Yinan
Abuztuak 29 29 de agosto 29 August
Maiatzak 29 29 de mayo 29 May Qué difícil es ser un dios, Qué difícil es ser un dios, Trudno byt’ bogom,
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with Aleksei German Aleksei German Aleksei German
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Irailak 5 5 de septiembre 5 September
Compte Tes Blessures, Compte Tes Blessures, Compte Tes Blessures, Grandeza y decadencia de un Grandeza y decadencia de un Grandeur et décadence d’un petit
Morgan Simon Morgan Simon Morgan Simon pequeño comercio de cine, pequeño comercio de cine, commerce de cinema,
Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard
Irailak 11 eta 12 11 y 12 de septiembre 11 and 12 September
Érase una vez en Anatolia, Érase una vez en Anatolia, Once Upon a Time in Anatolia,
Nuri Bilge Ceylan Nuri Bilge Ceylan Nuri Bilge Ceylan
220 221
Irailak 26 26 de septiembre 26 September Irailak 25 25 de septiembre 25 September
The Neon Demon, The Neon Demon, The Neon Demon, Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with
Nicolas Winding Refn Nicolas Winding Refn Nicolas Winding Refn zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Urriak 3 3 de octubre 3 October Paris la blanche, Lidia Terki Paris la blanche, Lidia Terki Paris la blanche, Lidia Terki
Ikarie XB 1, Jindřich Polák Ikarie XB 1, Jindřich Polák Ikarie XB 1, Jindřich Polák
Urriak 2 2 de octubre 2 October
Uztailak 19 - Abuztuak 16 19 de julio - 16 de agosto 19 July - 16 August Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine Last Wednesdays' date with
Arte plastikoei eskainitako Producciones dedicadas a las artes Productions dedicated to the zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera French cinema
ekoizpenak plásticas plastic arts The swell season, Nick August-Perna, The swell season, Nick August-Perna, The swell season, Nick August-Perna,
Maestà, la Passion du Christ, Maestà, la Passion du Christ, Maestà, la Passion du Christ, Chris Dapkins, Carlo Mirabella-Davis Chris Dapkins, Carlo Mirabella-Davis Chris Dapkins, Carlo Mirabella-Davis
Andy Guerif Andy Guerif Andy Guerif
Urriak 7 - Urriak 10 7 de octubre - 10 de octubre 7 October - 10 October
Uztailak 24 24 de julio 24 July Portugaleko zinema berriena El novísimo cine portugués El novísimo cine portugués
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Urriak 7 7 de octubre 7 October
Les Malheurs de Sophie, Les Malheurs de Sophie, Les Malheurs de Sophie, Semente Exterminadora Semente Exterminadora Semente Exterminadora
Christophe Honoré Christophe Honoré Christophe Honoré Madness Madness Madness
Coelho Mau Coelho Mau Coelho Mau
Abuztuak 7 7 de agosto 7 August Urriak 8 8 de octubre 8 October
Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema Thursday Night Thursday Night Thursday Night
zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque Rio Entre as Montanhas Rio Entre as Montanhas Rio Entre as Montanhas
Fatima, Philippe Faucon Fatima, Philippe Faucon Fatima, Philippe Faucon Água Mole Água Mole Água Mole
Agouro Agouro Agouro
Abuztuak 28 28 de agosto 28 August Tudo o que Imagino Tudo o que Imagino Tudo o que Imagino
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with Urriak 9 9 de octubre 9 October
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Altas Cidades de Ossadas Altas Cidades de Ossadas Altas Cidades de Ossadas
Les amants de Montparnasse, Les amants de Montparnasse, Les amants de Montparnasse, Coup de Grace Coup de Grace Coup de Grace
Jacques Becker Jacques Becker Jacques Becker Como Fernando Pessoa Salvou Portugal Como Fernando Pessoa Salvou Portugal Como Fernando Pessoa Salvou Portugal
Urriak 10 10 de octubre 10 October
Irailak 4 4 de septiembre 4 September Russa Russa Russa
Lehen asteazkeneko hitzordua: La cita primer miércoles: cine First Wednesdays' date: cinema Ride Ride Ride
zinea euskarazko azpitituluekin subtitulado en euskera subtitled in Basque Entre Sombras Entre Sombras Entre Sombras
Udako amodio bat, Catherine Corsini Udako amodio bat, Catherine Corsini Udako amodio bat, Catherine Corsini Equinócio Equinócio Equinócio

Irailak 13 - Azaroak 8 13 de septiembre - 8 de noviembre 13 September - 8 November Urriak 14 - Urriak 15 14 de octubre - 15 de octubre 14 October - 15 October
90. hamarkadako Allen El Allen de los 90 El Allen de los 90 Doctubre IB: Mexikoko Zinema Doctubre IB: Cine Documental Doctubre IB: Mexican
Dokumentala Mexicano Documentary Films
Irailak 13 13 de septiembre 13 September
Balas sobre Broadway Balas sobre Broadway Bullets over Broadway Urriak 14 14 de octubre 14 October
Irailak 20 20 de septiembre 20 September América armada, América armada, América armada,
Poderosa Afrodita Poderosa Afrodita Mighty Aphrodite Alice Lanari & Pedro Asbeg Alice Lanari & Pedro Asbeg Alice Lanari & Pedro Asbeg
Irailak 27 27 de septiembre 27 September El creador de universos, El creador de universos, El creador de universos,
Todos dicen I love you Todos dicen I love you Everyone says I love you Mercedes Dominioni Mercedes Dominioni Mercedes Dominioni
Urriak 4 4 de octubre 4 October Urriak 15 15 de octubre 15 October
Desmontando a Harry Desmontando a Harry Desconstructing Harry Shootball, Fèlix Colomer Shootball, Fèlix Colomer Shootball, Fèlix Colomer
Urriak 11 11 de octubre 11 October No se mata la verdad, No se mata la verdad, No se mata la verdad,
Celebrity Celebrity Celebrity Coizta Grecko Berumen Coizta Grecko Berumen Coizta Grecko Berumen
Urriak 18 18 de octubre 18 October
Acordes y desacuerdos Acordes y desacuerdos Sweet and Lowdown Urriak 16 - Urriak 17 16 de octubre - 17 de octubre 16 October - 17 October
Urriak 25 25 de octubre 25 October Zinetika Videodance Festival Zinetika Videodance Festival Zinetika Videodance Festival
Granujas de medio pelo Granujas de medio pelo Small time Crooks
Azaroak 8 8 de noviembre 8 November Urriak 16 16 de octubre 16 October
La maldición del escorpión de Jade La maldición del escorpión de Jade The Curse of the Jade Scorpion DANTZA, Telmo Esnal DANTZA, Telmo Esnal DANTZA, Telmo Esnal
Urriak 17 17 de octubre 17 October
Irailak 16 - Irailak 24 16 de septiembre - 24 de septiembre 16 September - 24 September Gotan, Lórand János Gotan, Lórand János Gotan, Lórand János
Bideodromo 2019: Nazioarteko Bideodromo 2019: Festival Inter- Bideodromo 2019: International Nine Rooms, Nine Rooms, Nine Rooms,
Zine eta Bideo Esperimentalen nacional de Cine y Vídeo Experi- Experimental Film and Video Laia Santanach & Ignasi Castañé Laia Santanach & Ignasi Castañé Laia Santanach & Ignasi Castañé
Jaialdia mental Festival Carriage Return, Carriage Return, Carriage Return,
Fenia Kotsopoulou & Daz Disley Fenia Kotsopoulou & Daz Disley Fenia Kotsopoulou & Daz Disley
222 223
Where ever I am, let me be; the sky is
mine, Mahta Hosseini
wild-er-ness,
Ana Baer & Heike Salzer
Waves, Vojtech Domlatil
El infierno de los amantes crueles,
Alejo Levis
Salt Water, Abe Abraham
Cultes, (LA)HORDE, Marine Brutti,
Jonathan Debrouwer, Arthur Harel
Monsters, Silja Julie Chabilan,
Marine Lemoine, Tiffanie Pierrot &
Alejandra Vaughan
Sisters, Daphne Lucker
Urriak 21
BAD Bilbao
Angélica [una tragedia],
Manuel Fernández Valdés
Urriak 22 - Urriak 29
Lau zita zinema alemaniarrarekin
Urriak 22
Eltern, Robert Thalheim
Urriak 23
Hin und weg, Christian Zübert
Urriak 24
Grüße aus Fukushima, Doris Dörrie
Urriak 29
Sommerhäuser, Sonja Maria Kröner
Urriak 30
La cita último miércoles con el
cine francés
Juegos prohibidos, René Clément
Azaroak 4
FESTIVAL BENDITA TÚ
La mala fe, Elena Pauné,
Marina Pauné, Eva Pauné
Romance de ternura tardía,
Ana Bugni
Trabalenguas, Gretel Suarez
Por la voz, Violeta Percia
Lursaguak (Escenas de vida),
Izibene Oñederra
Ama, Júlia de Paz
Roseline, Elvira Barboza
En esas tierras, Nayra Sanz Fuentes
Azaroak 6
Lehen asteazkeneko hitzordua:
zinea euskarazko azpitituluekin
Pink Saris, Kim Longinotto
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Where ever I am, let me be; the sky is Where ever I am, let me be; the sky is Azaroak 11 - Azaroak 25 11 de noviembre - 25 de noviembre 11 November - 25 November
mine, Mahta Hosseini mine, Mahta Hosseini Max Ophülsen dantza etengabea El baile incesante de Max Ophüls El baile incesante de Max Ophüls
wild-er-ness, wild-er-ness,
Ana Baer & Heike Salzer Ana Baer & Heike Salzer Azaroak 11 eta 29 11 y 29 de noviembre 11 and 29 November
Waves, Vojtech Domlatil Waves, Vojtech Domlatil La ronda La ronda Le ronde
El infierno de los amantes crueles, El infierno de los amantes crueles, Azaroak 15 eta 18 15 y 18 de noviembre 15 and 18 November
Alejo Levis Alejo Levis El placer El placer Le plaisir
Salt Water, Abe Abraham Salt Water, Abe Abraham Azaroak 22 eta 25 22 y 25 de noviembre 22 and 25 November
Cultes, (LA)HORDE, Marine Brutti, Cultes, (LA)HORDE, Marine Brutti, Madame de... Madame de... Madame de...
Jonathan Debrouwer, Arthur Harel Jonathan Debrouwer, Arthur Harel
Monsters, Silja Julie Chabilan, Monsters, Silja Julie Chabilan, Azaroak 12 12 de noviembre 12 November
Marine Lemoine, Tiffanie Pierrot & Marine Lemoine, Tiffanie Pierrot & Del viento y sus cenizas, Del viento y sus cenizas, Del viento y sus cenizas,
Alejandra Vaughan Alejandra Vaughan Diego Aldasoro Diego Aldasoro Diego Aldasoro
Sisters, Daphne Lucker Sisters, Daphne Lucker
Azaroak 27 27 de noviembre 27 November
21 de octubre 21 October Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays' date with
BAD Bilbao BAD Bilbao zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Angélica [una tragedia], Angélica [una tragedia], Vincent n’a pas d’écailles, Vincent n’a pas d’écailles, Vincent n’a pas d’écailles,
Manuel Fernández Valdés Manuel Fernández Valdés Thomas Salvador Thomas Salvador Thomas Salvador
22 de octubre - 29 de octubre 22 October - 29 October Azaroak 28 28 de noviembre 28 November
Cuatro citas con el cine alemán Cuatro citas con el cine alemán El sendero de la anaconda, El sendero de la anaconda, El sendero de la anaconda,
Alessandro Angulo Alessandro Angulo Alessandro Angulo
22 de octubre 22 October
Eltern, Robert Thalheim Eltern, Robert Thalheim Abenduak 16 eta 20 16 y 20 de diciembre 16 and 20 December
23 de octubre 23 October Orfeo negro, Marcel Camus Orfeo negro, Marcel Camus Orfeu negro, Marcel Camus
Hin und weg, Christian Zübert Hin und weg, Christian Zübert
24 de octubre 24 October
Grüße aus Fukushima, Doris Dörrie Grüße aus Fukushima, Doris Dörrie
29 de octubre 29 October
Sommerhäuser, Sonja Maria Kröner Sommerhäuser, Sonja Maria Kröner
30 de octubre 30 October
La cita último miércoles con el La cita último miércoles con el
cine francés cine francés
Juegos prohibidos, René Clément Jeux interdits, René Clément
4 de noviembre 4 November
FESTIVAL BENDITA TÚ FESTIVAL BENDITA TÚ
La mala fe, Elena Pauné, La mala fe, Elena Pauné,
Marina Pauné, Eva Pauné Marina Pauné, Eva Pauné
Romance de ternura tardía, Romance de ternura tardía,
Ana Bugni Ana Bugni
Trabalenguas, Gretel Suarez Trabalenguas, Gretel Suarez
Por la voz, Violeta Percia Por la voz, Violeta Percia
Lursaguak (Escenas de vida), Lursaguak (Escenas de vida),
Izibene Oñederra Izibene Oñederra
Ama, Júlia de Paz Ama, Júlia de Paz
Roseline, Elvira Barboza Roseline, Elvira Barboza
En esas tierras, Nayra Sanz Fuentes En esas tierras, Nayra Sanz Fuentes
6 de noviembre 6 November Esker onak | Agradecimientos | Acknowledgments: Institut Français, Filmazpit, Ayuntamiento de Pamplona
La cita primer miércoles: cine La cita primer miércoles: cine - Iruñako Udala, Zinegoak, FANT25, Centro Cultural Coreano, Selecta Visión, Embajada de Brasil, Novocine, Emba-
subtitulado en euskera subtitulado en euskera jada cultural Hispano-Brasileña, Camões Instituto da cooperaçao e da lingua, Embajada de Portugal, Zinebi, BAD
Pink Saris, Kim Longinotto Pink Saris, Kim Longinotto Bilbao, Bideodromo, UPV/EHU, Zinetika Videodance Festival, LAN Festival Audiovisual Obrero
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 UDALA
AYUNTAMIENTO
KULTURA ETA HEZKUNTZA SAILA
ÁREA DE CULTURA Y EDUCACIÓN

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FUNDACIÓN Juan Zapater López
Zuzendaria
FUNDACIÓN BILBAOARTE
FUNDAZIOA
BILBAOARTE Director Edizioa

FUNDAZIOA Director Edición

Editing
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Coordinación Diseño portada
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Kultura Zinegotzia Maquetación
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Ekoizpen exekutiboa Lizar Begoña
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Patronatuaren kideak Communications and diffusion Inprenta
Miembros del Patronato de la Imprenta
Fundación BilbaoArte BI-02513-2019 Printing
BilbaoArte Foundation’s Legezko gordailua
board’s members Depósito legal Lizar Begoña
Legal deposit Alba Mielgo
Dailey Fernández
978-84-09-16618-3 Izar Aranbarri
EAN Sara Gimeno
ISBN Arturo Garzón
ISBN Luis Alzueta
Rocío Agudo
Kolaboratzaileak
Colaboradores
Collaborators

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Javier Arbizu
19
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