Está en la página 1de 6

-¿Qué es la música?

Por música se entiende el arte de organizar un conjunto de sonidos y silencios de una manera
lógica y sensible, conforme a los principios de la armonía, la melodía y el ritmo. Estos principios
han cambiado a lo largo del tiempo, lo que ha permitido diversas manifestaciones y
exploraciones artísticas, que tienen en común el deseo de conmover o producir un efecto
estético en quien escucha.

La música ha acompañado al hombre desde tiempos inmemoriales, tanto en sus ritos


religiosos como sociales y sirve de vehículo para diversos mensajes culturales, desde los
himnos nacionales hasta las liturgias eclesiásticas.

El término “música” proviene del griego mousikë, que significa “el arte de las musas”, ya que
en esta antigua cultura se la suponía fruto de la inspiración divina. En esta cultura, la musa
encargada de inspirar a los músicos era Euterpe.

Características de la música

Definición

La manera tradicional de entender la música es la técnica de emplear los sonidos y los silencios
con fines estéticos.

Esto significa que es una de las nueve (o siete, dependiendo de la versión) Bellas Artes, y se
produce a partir de la ejecución de diversos instrumentos, ya sea en conjunto ordenado o de
manera solitaria.

Principios musicales

Musica-ritmo-min

El ritmo es la capacidad de generar contrastes musicales.

Los principios o fundamentos musicales son:

Melodía. Se llama melodía al orden sucesivo o secuencial de los sonidos y silencios, cuya
combinación les otorga identidad propia y reconocible. Equivale a la sintaxis del lenguaje, es
decir, al arte de construir una frase bien hecha, y a una concepción horizontal de la música.

Armonía. La armonía es la capacidad de concordar dos o más sonidos conjuntamente, o de


integrarlos de manera agradable a los que sonarán a continuación. Representa una mirada
vertical de la música.

Métrica. Hace alusión a la repetición de intervalos iguales o semejantes de sonidos y silencios a


lo largo de una melodía.

Ritmo. Es la capacidad de generar contrastes musicales, empleando los elementos anteriores y


las diversas texturas sonoras, tonos, timbres y variaciones que introduzca el autor.

-Características y elementos de la danza.

Características:

*En la danza el bailari ́n no se ve obligado a imitar una acción o a contar una historia, su
trayectoria no se inscribe dentro de la lógica de un relato o narración.
*El bailari ́n es él mismo (contrariamente al actor que siempre es otro)

*El bailari ́n deja ver las formas y patrones de sus movimientos y revela su técnica.

*El espectador se siente atrai ́do por la intensidad energética del cuerpo.

*La danza es la transformación de funciones normales y expresiones comunes en movimientos


fuera de lo habitual para propósitos extraordinarios.

*Incluso una acción tan normal como el caminar se realiza en la danza de una forma
establecida, en ci ́rculos, en un ritmo concreto, o dentro de un contexto especial. Cada grupo
de movimientos en un tiempo musical es una frase.

*La danza puede incluir un vocabulario preestablecido de movimientos, como en el ballet y la


danza folclórica; o puede utilizar gestos simbólicos o mimo, como en las numerosas formas de
danza asiática, o bien, pueden buscar un movimiento y un lenguaje más dependiente de sus
creadores, como en el caso de la danza contemporánea.

*La danza busca el movimiento por si ́ mismo y como derivación de la música. En la danza se
disuelve el conflicto y el personaje.

Elementos de la danza:

El lenguaje de la danza implica elementos como la postura, el uso del peso del cuerpo y la
i ́ndole de los movimientos (sinuosos, angulosos), asi ́ como los movimientos especi ́ficos de la
cabeza, torso, manos, brazos, piernas y pies. La mayori ́a de los creadores de danza moderna
consideran esencial examinar el movimiento, y desarrollar teori ́as sobre sus ori ́genes y sobre la
dinámica que lo rige, como por ejemplo el papel que desempeñ a la ley de la gravedad, la
respiración o la columna vertebral.

¿Qué son las Artes visuales?

Las Artes visuales hacen referencia a un conjunto de técnicas y disciplinas artísticas que van
desde las Artes plásticas tradicionales, hasta las tendencias más novedosas y poco
convencionales que aprovechan las nuevas tecnologías disponibles, como el arte digital, el arte
urbano y otras más surgidas durante el siglo XX y lo que va de XXI.

Estos términos se usan para insistir en la dimensión común que engloba tantas técnicas y
recursos diferentes, y que es lo visual, entendido como aquello que requiere de la atención del
espectador para percibir a través de la mirada los detalles que componen la obra.

Sin embargo, este término puede llegar a ser un poco arbitrario, si consideramos que en casos
como el videoarte se involucran también otros sentidos.

La lista de las artes visuales es grande, y abarca técnicas tradicionales y otras novedosas,
llegando incluso a incorporar ciertas artes escénicas como el performance, en las que priva la
percepción visual de los eventos artísticos.

En ese sentido, ha servido de objeto de estudio a disciplinas de la interpretación como la


psicología (gestalt), interesadas por la manera en que percibimos la realidad y la organizamos
mentalmente.
En ese sentido, el Arte visual presta mucha atención a la dinámica que hay en sus obras entre
el fondo y la figura representada, entre el contorno, las tendencias hacia la agrupación de los
elementos y la manera en que se generan efectos anímicos, estético e incluso éticos en torno a
lo percibido.

Historia de las artes visuales

Las artes plásticas tradicionales tienen su propia historia, dado que provienen de los tiempos
más antiguos de la humanidad, en especial la pintura y escultura. Sin embargo, luego del
cambio de paradigma tecnológico que significó la Revolución Industrial y las posteriores
revoluciones tecnológicas del siglo XX, hoy en día existen vertientes modernas como la
fotografía o el cine, y otras aún más recientes como el videoarte, el net.art (arte en Internet),
el Land Art o el happening o performance. La historia del arte visual es la de una innovación
cada vez más atrevida.

¿Para qué sirven las artes visuales?

Arte Visual

El Arte Visual puede abrir los ojos respecto a ciertos significados que no se consideran.

Convengamos en que el arte, como decía Oscar Wilde, no sirve para nada. Es decir, no tiene
una utilidad práctica, no es intercambiable económicamente ni sirve para reparar la estufa
cuando se daña en invierno.

Sin embargo, el arte visual tiene a menudo aplicaciones decorativas en hogares, edificaciones
o simplemente en la ciudad, como el arte urbano (street art) que pueden brindar al espectador
cierta sensación de armonía o por el contrario abrirle los ojos respecto a ciertos significados
que, normalmente, ni siquiera considera.

Clasificación de las artes visuales

Las artes visuales son numerosas y eso incluye al menos las siguientes categorías:

Artes plásticas tradicionales: pintura, escultura, arquitectura, dibujo, grabado.

Artes visuales del siglo XX: fotografía, cine, arte cinético, arte abstracto, Land art (arte con la
tierra o el suelo mismo), arte urbano, grafiti, performance.

Artes digitales o de la nueva era: videoarte (arte multimedia), net.art, arte digital, fanart y las
instalaciones (conjunción de escultura, pintura y diversos elementos plásticos en torno a un
espacio determinado).

Características del arte visual

Arte Visual

Las Artes Visuales puede echar mano a técnicas, formas o tradiciones y combinarlas con otras.

El arte visual, entendido como categoría global, presenta las siguientes características:

Transdisciplinariedad. Este término significa que las artes visuales se mueven entre diversas
disciplinas, en lugar de quedarse estancada en una sola o de respetar las “fronteras” entre
ellas. En principio se puede echar mano a cualquier técnica, forma o tradición y combinarla con
cualquier otra que resulte conveniente.
Tiende a la apropiación. Las artes visuales tienden a reciclar tendencias y exploraciones previas
o tradicionales, y a resignificarlas con capas nuevas de sentido mediante intervenciones y giros
irónicos.

Es un arte global. Se maneja muy bien en el imaginario heterogéneo y contaminado de la


globalización, donde pocas cosas se tienen por “puras” o “inamovibles” y se valora la mezcla y
el atrevimiento.

Maneja estrategias de exposición. No se contenta con los museos y espacios controlados, sino
que invade lo urbano, sale en búsqueda del espectador y a menudo exige de él cierta
colaboración o cierta complicidad para formar la obra.

Elementos del género dramático

Las obras dramáticas tienen elementos constitutivos fundamentales: Protagonista, antagonista


y conflicto.

Los dos primeros desarrollan verbalmente la acción, ya que no hay un narrador o un hablante
que entregue, mediante marcadores discursivos o indicadores, alguna noción de los
acontecimientos que suceden

a- Protagonista:

Es el personaje principal de una obra dramática. En torno a él se desarrollan los


acontecimientos. Presenta un conflicto, de carácter universal la mayoría de las veces, que será
desarrollado en su obra. Sufre una transformación por su relación de tensión con el
antagonista.

b- Antagonista:

Es el segundo personaje más importante de la obra, pues es quien se opone directamente al


protagonista para impedir que éste alcance su objetivo. Representa los valores contrarios al
protagonista y, por lo general, se le atribuyen las características que son consideradas
negativas en la sociedad en que se genera la obra.

c- Conflicto:

Es el motivo principal que se desarrolla en una obra dramática. Pone en tensión, en oposición,
al protagonista y al antagonista. Es la parte fundamental de la trama, que permitirá que se
presenten y desarrollen otros acontecimientos de menor importancia.

Su solución, superación o término corresponde al fin último de la obra. Es decir, su


presentación frente al público requiere una acción que lo enfrente. Tiene un valor universal,
por lo que afecta a todos los personajes de una u otra forma; por ejemplo: la guerra, el amor,
el papel de la mujer en la sociedad, la injusticia, etc.

En gran cantidad de obras dramáticas está representado por dos fuerzas (protagonista y
antagonista) que luchan entre sí; sin embargo, en otras obras no existen dos polos opuestos
tan claramente definidos.
Los lenguajes artísticos

La plástica, la música, el teatro, la danza, el cine, la fotografía, son algunos de los lenguajes
artísticos más importantes.

Entendemos por lenguaje artístico aquél que utiliza un medio específico para expresar y
representar ideas y sentimientos estéticos.

La música emplea, como elemento mediador, ciertas cualidades del mundo sonoro; la plástica
emplea la imagen; las artes de la representación, el movimiento y la dramatización.

Vamos a detenernos en esta entrada, dadas las características y alcances de nuestros cursos,
en los diferentes lenguajes propios del mundo de las artes plásticas.

Las artes plásticas utilizan un lenguaje esencialmente visual. El arte se expresa por medio de la
armoniosa combinación de los elementos que representan a la imagen: formas, colores y
espacios, en el caso del dibujo y la pintura; el volumen, en la escultura y arquitectura.

Las imágenes tienen múltiples posibilidades en la comunicación. Según Gombrich, la lectura


correcta de la imagen se rige por tres variables: el código, el texto y el contexto. El código
facilita y permite la interpretación; el texto es el relato, se refiere al contenido mismo de la
obra; y el contexto es la historia, el entorno y las características que complementan el lenguaje
a través de las imágenes.

En el lenguaje del arte hay tres niveles de percepción: uno en que se capta la atención, se
puede describir e informar sobre la obra. Otro en el que hay una observación reflexiva: se
establecen analogías. El tercer nivel es en el que hay una contemplación de la obra: el
observador logra entablar un diálogo con el artista. En la contemplación se ve la obra con los
ojos pero se la entiende con la mente. Se la reconoce y analiza y se establece una relación
directa y profunda entre el artista y quien la observa.

El arte es producido por la inteligencia humana. Mediante el lenguaje del arte el hombre
expresa ideas, creencias, vivencias, interpreta el ámbito que lo rodea y crea un lenguaje
artístico universal. Las imágenes, como signos icónicos, la plástica, pueden ser interpretadas en
todo el mundo, lo importante son los fundamentos de esta interpretación.

Hacíamos referencia más arriba a los niveles de percepción de la obra de arte. El primero, que
permite informar sobre la obra, describirla, requiere de elementos informativos mínimos sobre
los componentes de cada lenguaje artístico.

Los LENGUAJES o DISCIPLINAS artísticas son distintos códigos que se manifiestan


artísticamente, para transmitir y comunicar. Éstos se basan en elementos de composición y
estructura para configurarse. Entre las diferentes disciplinas se encuentran: música, danza,
poesía, literatura, escultura, teatro, pintura, instalación, ópera, videoarte, entre otros.

Los elementos constitutivos de los lenguajes artísticos, como las palabras en el lenguaje escrito
servirán para darles forma. Compartiéndose entre las disciplinas tendrán sus especificidades.

• El ESPACIO es el lugar donde existe la obra artística. Según la disciplina será uno “real” o
“virtual”. Espacio escenográfico, pictórico, dramático, de representación, positivo, negativo,
etc.

• El TIEMPO es la duración que hace posible que la obra exista en el espacio. Se da a la vez
como partículas estructurales como en la música, la poesía y el ballet. El tiempo en las artes
visuales lo dará el espectador al realizar el recorrido perceptivo de la obra. En las artes
narrativas está inscrito en la historia.

• El RITMO se da con el ordenamiento y la repetición de elementos como el movimiento, la


velocidad, la duración en el espacio-tiempo de los lenguajes artísticos.

• El MOVIMIENTO puede ser real o perceptual. Por un lado los desplazamientos o acciones
de individuos en el espacio. Por el otro, el dinamismo dado en una obra plástica o musical.

• El COLOR es una percepción psíquica que vemos de la luz que reflejan los objetos como
radiaciones luminosas. Dependiendo de la cantidad de luz que absorba y refleje cada uno de
ellos; será el color que el ojo humano perciba como tal. En el Arte cuando se habla de color se
definen tres aspectos: tonalidad, luminosidad y saturación. La tonalidad se refiere al color en sí
y se le conoce también como tono o matiz. La luminosidad se establece según el grado de luz
u oscuridad que presenta un color. Y, finalmente la saturación es que tan puro es un color. Se
conocen como colores primarios al rojo, azul y amarillo o también llamados magenta, cian y
amarillo; su combinación produce colores secundarios como el morado, anaranjado y verde.

• El color tiene a la vez connotaciones simbólicas y emocionales o psicológicas. Así, en


disciplinas como la música y la poesía, existirá como elemento no visible.

• Cuando se habla de TONO se entiende cada uno de los sonidos de la escala musical.

• La ARMONÍA implica la organización y confluencia de los elementos que conforman la


obra, ya sea plástica, musical o escénica. En la música se entiende como el encadenamiento
de acordes. En las artes plásticas del color, línea, volumen composición, etc. En las artes
escénicas también existe la armonía como la sucesión de movimiento, diálogo, música,
escenografía, etc.

• El EQUILIBRIO tendrá relación con la armonía. Se relaciona más específicamente con el


orden de los elementos en el espacio de representación o estructura de los lenguajes.
Mediante el peso, el volumen, la dirección se logra que la obra de arte tenga una buena
composición.

• El GÉNERO en la artes será dado por ciertas características formales, temáticas o emotivas
comunes, englobadas en la estructura de las obras. Existen diferentes géneros como el Paisaje
y el Retrato. En la música están el jazz y el Bolero. En la literatura la novela y el cuento. La
comedia, la tragedia, el drama se consideran también géneros. Existen además subgéneros, los
cuales serán más específicos, como la novela de ciencia y ficción. Actualmente han nacido
fusiones como el Latin jazz o el Regetton.

• El ESTILO será marcado también por elementos formales y temáticos. Por lo regular
pertenecen a una época determinada espacial y temporalmente. Sin embargo, se puede
abordar un estilo antiguo nuevamente. También se entiende como la forma particular de cada
artista de producir una obra.

• La CONCORDANCIA en las artes se relaciona a la armonía, en que los elementos que


conforman los lenguajes sean concordantes entre si y no rompan con la composición. En
épocas actuales la concordacia no es un elemento estricto.

• La DISONANCIA por el contrario, es cuando la realidad del entorno se ve alterada


mediante el arte. Pudiendo causar extrañeza, desequilibrio y tensión.