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ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
“El arte es vicio. No te casas con él legítimamente, lo raptas” Édgar Degas.
Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com Septiembre - Octubre 2010 . Año 6 . Número 25

Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.

‘La Revelación del Tiempo Películas y fotografías’

‘La Revelación del tiempo’ representa la ocasión de descubrir a una artista contemporánea, reconocida en el escenario artístico
internacional, que expone individualmente por primera vez en Bogotá. Esta exposición ofrece un panorama completo de la trayectoria
de Hannah Collins y también la oportunidad al público de participar en un debate alrededor de la exposición. Págs. 8 - 9.

Cortesía: María Isabel Rueda.

Bicentenario
y artistas, arte e independencia
No es casual que la palabra “bicentenario” se repi-
ta una y otra vez. Este año esa conjunción ha sido
el “ábrete sésamo” de la gestión cultural: cualquier
proyecto parece posible siempre y cuando se le
meta “bicentenario”, y además, si a esto se le suma
la palabra “artistas”, la gesta parece estar garantiza-
da. Por: Lucas Ospina. Págs. 10 - 11.

José Roca
“No me gusta el graba-
do, ni el video, ni la pin-
tura, ni el dibujo, ni la
escultura. Me interesa
el arte, y los medios son
sólo eso, medios que el
Fotografía: Oscar Monsalve.
artista tiene a su dispo-
sición”. Págs. 6 - 7.
Cortesía: Museo de Artes Visuales de la Tadeo. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín. Cortesía: Gustavo Villa.
Una Mirada al Museo de La Imagen y sus Efectos Primer encuentro Nacional
Artes Visuales de la Tadeo Reseña de dos exposiciones en Medellín. de Performance
Desde su fundación, el Museo de Artes ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’, Entre el 26 y el 28 de agosto la Fundación Calle
Visuales de la Universidad Jorge Tadeo en la universidad EAFIT, y la 7ª Bienal. Bohemia desarrolló este encuentro en la ciudad
Lozano, ha buscado marcar una pauta en 21 Salón Colombiano de Fotografía 2010, de Armenia. Evento que rindió un sentido ho-
la divulgación y promoción de la plástica en la Sala de Arte de Suramericana. Por: menaje a la memoria de la artista María Teresa
nacional e internacional. Págs. 18 - 19. Lucrecia Piedrahita. Pág. 22. Hincapié. Por: Gustavo Villa. Págs. 4 - 5.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
2
EDITORIAL
I niciado el sexto año de Arteria a través
de esta edición 25, presentamos a nuestros
lectores el nuevo formato y diseño del
Periódico Arteria, además de la posibilidad
de brindar mayor contenido con 4 páginas
adicionales, siendo ahora 24 en total, 12 de
ellas a color.
Luego de una celebración de quinto aniversario
muy especial y realizada el pasado 18 de
agosto, ARTERIA agradece a las directivas del
Gimnasio Moderno su iniciativa y confianza
al ser artífices de la celebración, también,
agradece la compañía y complicidad de
todos los amigos que estuvieron presentes
y que han sido testigos del crecimiento y
posicionamiento de este proyecto.
Anunciamos el inicio de los proyectos de
formación por parte de la Fundación a partir
del cuarto trimestre en las localidades de
Suba, Santa Fe, Usaquén y Chapinero y, para
ser ejecutados tras resultar ganadores de los
Apoyos Concertados 2010 de la Fundación
sus sugerencias y comentarios son importantes.
www.periodicoarteria.com
www.fundacionarteria.org
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
Directora
Nelly Peñaranda R.
nelly.penaranda@periodicoarteria.com
Coordinador Editorial
Andrés Cabrera Higuita.
andres.cabrera@periodicoarteria.com
Consejo Editorial
Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado, José
Roca, María Belén Sáez de Ibarra.
Colaboran en esta Edición
Carlos Barreiro, Óscar Leone, Ana María
Lozano, Lucas Ospina, Lucrecia Piedrahita,
María Cristina Pignalosa, Louise Poncet,
Luis Fernando Ramírez, Santiago Rueda,
Carlos Salas Silva, Elías Sevilla y Gustavo
Villa.
Asesor Financiero
Enrique Narváez Castillo.
kke@periodicoarteria.com
Asesor Comercial
Juan Danilo Zamora.
juandanilo.zamora@periodicoarteria.com
Concepto Editorial
Paulo Ramírez, Manuela Calle L.
ARTERIA cuida el medio ambiente.
El papel utilizado para la impresión de este periódico es
100 % reciclado.
Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts Ltda. y Fundación Arteria.
Por: Nelly Peñaranda
Gilberto Alzate Avendaño, y también, a través
de los convenios de asociación y alianza
realizados recientemente con la Cámara de
Comercio de Bogotá y el Gimnasio Moderno
respectivamente. Los proyectos han sido
diseñados para generar estrategias de
facilitación dentro del campo de actividades
artísticas a estudiantes y profesionales, así
como de acercamiento a nuevos públicos,
siendo los habitantes de localidades
vulnerables y de menos recursos el público
objetivo de las actividades de inclusión y
vinculación a través de talleres.
De forma anticipada, invitamos a nuestros
amigos, lectores y seguidores a reservar la
fecha del sábado 23 de octubre, día en el
cual y como es habitual, estaremos realizado
nuestro evento anual NUSKOOL, en el marco
de la Feria Internacional de Arte de Bogotá
ArtBo, organizada por la Cámara de Comercio
de Bogotá. Esta nueva versión, será realizada
en nuestras instalaciones ubicadas en el Barrio
La Candelaria.
Diseño Gráfico
Manuela Calle L.
manuela.calle@periodicoarteria.com
Fotografía
Óscar Monsalve.
oscarmonsalvepino@gmail.com
Suscripciones:
$22.000 Bogotá.
$34.000 resto del país.
1 año (5 ejemplares)
Contactos:
info@periodicoarteria.com
periodicoarter@periodicoarteria.com
periodicoarteria@gmail.com
periodicoarteria@yahoo.com
Las opiniones consignadas en los artículos
y correos en la presente edición son
responsabilidad de cada uno de los autores
y no necesariamente expresan el punto de
vista del Periódico Arteria.
Carrera 5 # 14 - 85
Edificio ARTERIA
Tel. 57 (1) 604 6485 / 71
Cel. (317) 638 6108
Bogotá - Colombia
Apreciada Nelly,
Quiero felicitarla muy especialmente por
la realización de este maravilloso proyecto
Arteria; continué con los éxitos!
Claudia Hakim
Nelly,
Esperamos que Arteria siga creciendo y
creando el tejido social que necesita Colombia.
Su esfuerzo construye país.
Jorge Enrique Amaya
Querida Nelly,
Felicitaciones por un trabajo impecable!
Carmen María Jaramillo
Felicidades Infinitas! Viva Arteria!
Carlos Garzón
¡¡¡Felicitaciones!!! Por e l gran emprendimiento
y gestión del arte en Colombia por medio de la
excelente publicación “Arteria”. Deseándoles
lo mejor siempre.
¡¡¡Éxitos, Éxitos, Éxitos!!!
 cinco, felicitaciones.
Maribel Rivera
Felicitaciones a Arteria, a su maravilloso
equipo/familia y a Nelly por su impecable
labor, dedicación y empeño! 

Les deseo lo
mejor siempre!
Margarita Castro
Felicitaciones en los cinco años de Arteria,
sin duda es el informativo del Arte para el
Arte, aunque suene reduntante. Es el medio
informátivo mas completo, con el espacio
preferente para los artistas para difundir su
obra, para mirar el avance y las posibilidades
del medio aplicado a las Artes. Muchas gracias
a Arteria, y por supuesto a Nelly Peñaranda
que ha hecho posible que el Artista trascienda,
por su gran compromiso con el Arte.
Enhorabuena.
Judith Otalora
La labor que ustedes vienen realizando es de
lo más urgente en este país, he sido publicado
por este medio, lo leo con mucho entusiasmo,
y hasta el momento el enfoque y la calidad de
los articulistas, lo hacen muy oportuno en el
proceso artistico - cultural que vive Colombia.
Ángel Almendrales
Libros
F:otoTK 4: Paul Beer
El libro de Paul Beer es el cuarto número de
F:otoTK, colección de trabajos de fotografía
realizados en Colombia. Este libro fue
realizado a partir de una investigación de
La Silueta Ediciones y presenta diferentes
imágenes de la historia de la fotografía en
Colombia.
CORREO
Arteria llegó a las manos del público en el
momento indicado. Llenó un gran vacío y ha
sabido guiar a los neófitos e impulsar el arte
en el país.
Un gran abrazo de felicitación, no sólo a su
directora sino a cada una de las personas que
ha contribuido a que este medio recorra los
rincones de Colombia.
María Margarita García
Felicitaciones... todo un reconocimento
merecido por el esfuerzo de 5 años!!!!!!
Sofía Cuestas Rojas
Los felicito y gracias por el trabajo que hacen.
Muchos exitos.
Laura Arango
Felicitaciones!! los mejores deseos para el
futuro y todo el amor y el orgullo!!!

María Antonia Uscategui
Ojalá sean los primeros cinco, de cinco a la
Mauricio Gómez Jaramillo
Muchas felicidades por un gran proyecto.
Éxitos.
Carlos A. Lopez D.
A un gran trabajo solo lo sigue el éxito. Mis
mejores deseos.
Francisco Trujillo
¡Larga vida a Arteria!
1
Carmen Elisa Chaves Soto
Me alegra que ese Bebé ya tenga cinco años,
muchas Felicitaciones!!
Darío Ortiz Robledo
Reciban una gran felicitación por la maravillosa
labor que vienen adelantando, la verdad, en
mucho tiempo no hubo en el país un espacio de
comunicacion que atendiera, las necesidades
del arte contemporáneo, daré mis votos
desde la distancia, para que esta celebración
este llena de alegría como se la merece el
periódico Arteria, con todos sus gestores y
colaboradores.
Clara Mónica Zapata J.
Gestora Cultural.
El trabajo del fotógrafo alemán Paul Beer,
se dio entre las décadas de 1930 y 1970, y
abarca dos espacios radicalmente distintos: el
primero, desconocido y publicado por primera
vez en F:otoTK, se centra en las imágenes
de los viajes realizados por el fotógrafo a la
Orinoquía y Amazonía colombianas, donde
convivió con indígenas guahíbos. Este
estudio resulta un registro etnográfico de
gran valor. El segundo, expone los cambios
que se dieron en Bogotá a partir de la década
de 1940, Beer se centró en la fotografía
arquitectónica, de ingeniería y publicidad,
su trabajo lo constituyó como un observador
de dos espacios drásticamente distintos pero
pertenecientes a un mismo país.
192 páginas. Edición limitada, formato de
22,5 x 24 cms. doble carátula, cosidos con
hilo y lomo entelado. Dos clases de papel:
satinado importado para las fotografías, y
bond canario de 60 grs. para los ensayos.

NOTICIAS
El pasado mes de mayo el Centro Colombo
Americano de Medellín invitó como ponente
y artista al también gestor cultural y curador
Carlos Uribe, a reflexionar en torno al
Bicentenario de la Independencia en un
proyecto académico y artístico denominado
‘200 centímetros de Bicentenario In Situ’, el cual,
se desarrolló entre los meses de julio y agosto,
teniendo a la galería del Colombo Americano,
corredores y el mural de la calle Maracaibo
como espacios de exhibición. Éste último se
le otorgó a Uribe. La muestra se inauguró el
9 de julio con los trabajos de 20 artistas de
la ciudad, incluido el mural ‘New Horizons’,
composición gráfico-digital que planteaba
recrear la pintura ´Horizontes´ (1913) del
Maestro Francisco Antonio Cano, e incluía
la figura de Pablo Escobar con indumentaria
informal sobre su jeep, en alusión a la figura
masculina del cuadro en mención, señalando
el horizonte con su mano.
El mural fue borrado sin explicación por
funcionarios del Colombo Americano el día
12 de julio, tres días después de ser abierta
al público. Sobre el tema Carlos Uribe dice
“Los motivos que justifican esta censura no
me interesan. Creo que como colombianos
y ciudadanos universales tenemos derecho
a conocer opiniones diversas y a encontrar
señalamientos como los que proporciona
el arte, donde no se estigmatiza a ningún
sujeto sino que se dejan abiertas las lecturas,
donde existen héroes y antihéroes, próceres y
mártires, y desde donde cada uno de nosotros
connotamos libremente en nuestro papel de
espectadores las implicaciones políticas, éticas
y estéticas de dichas apropiaciones”.
Uribe invitó a Luis Miguel Úsuga, Secretario
de Cultura Ciudadana de Medellín, a través de
una carta con copia a varias entidades y medios
de comunicación a que “como autoridad de la
ciudad en el campo de la cultura, (…) tome
una postura crítica, pero no pasiva, sobre
este acontecimiento. Pienso, con el respeto
que Usted me merece, que una amonestación
a esta entidad cultural se debe hacer como
acción justa y ejemplarizante”.
Subasta Conexión Colombia 2010
“Arte Por Una Causa”
El próximo 29 de septiembre, en la sede del
Centro de Convenciones AR en Bogotá, se
llevará a cabo la tercera edición de la Subasta
Conexión Colombia 2010 “Arte Por Una
Causa”, un evento que contará con obras de 73
artistas. Piezas de Miguel Ángel Rojas, Miguel
Bohmer, Johanna Calle, Nicolás Consuegra,
Gabriel de la Mora, Víctor Escobar; Marco
Mojica, Hugo Zapata, Alejandro Obregón,
Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Ana
Mercedes Hoyos, Carmen Herrera, Feliza
Bursztyn y Fernando Botero serán parte
de la subasta. En el 2010 las fundaciones
beneficiarias de la subasta serán: Notas de Paz
en Cali, Carla Cristina en Medellín, y Conexión
Colombia a nivel nacional.
Mayores informes:
www.conexioncolombia.com;
subastaconexioncolombia@yahoo.com.
La II Cátedra Franco-Colombiana de
Altos Estudios: Arte y Política es un
proyecto organizado por la Universidad
Nacional de Colombia y la Universidad
Distrital Francisco José de Caldas. Tiene
como principal objetivo generar intercambios
académicos con investigadores de alto nivel,
jóvenes investigadores en formación y las
instituciones participantes; además de reunir
una serie artistas que han reflexionado
y elaborado su obra a partir del cruce de
relaciones entre arte y política. Algunas de las
preguntas fundamentales para esta versión
serán: ¿Cuál es la relación existente entre Arte
y Política?, ¿cómo se articulan estas nociones
y cómo se afectan la una a la otra?, ¿la relación
existente entre Arte y Política, fundamental
en la modernidad, permanece hoy en la
contemporaneidad? Para poder develar estos
interrogantes, entre otros, se tratará de
abordar la noción de política y la noción de
arte a la luz de procesos y análisis artísticos y
culturales, que se desprenden de los discursos
teóricos, históricos y críticos de las diferentes
disciplinas que conforman las Ciencias del
Arte: la Antropología, la Psicología, la Filosofía,
la Estética, la Sociología, la Historia, la Teoría
y la Crítica.
Lugares y fechas de realización: Octubre 11 y
12, Auditorio Germán Arciniegas. Biblioteca
Nacional. Octubre 13, Auditorio Virginia
Gutiérrez, Edificio de Postgrado de Ciencias
Humanas, Universidad Nacional.
Octubre 14 y 15, en el marco del seminario
‘Arte en el Caribe’ en Cartagena.
Mayores informes e inscripciones:
gica_farbog@unal.edu.co, gica.un@gmail.
com. Responsable: Ricardo Arcos-Palma.
Coordinador académico de la Cátedra.
Carolina Mayorga en Washington
Manteniendo el interés en la multimedia,
y en el uso de su propia imagen para jugar
con esterotipos raciales y de género, Carolina
Mayorga presentó recientemente la obra
´Super-Tina´ durante la recepción ´Art after
Dark´ que se realizó en el Museo de Arte de las
Américas de la OEA en Washinton, DC.
´Super Tina´, es una heroína que utiliza sus
poderes para detectar la apariencia física de
los inmigrantes ilegales a los Estados Unidos
y ponerlos en manos de la justicia. Pero,
contrariamente a lo que se espera, Super-Tina
con la ayuda de su anillo mágico, elige como
objetivo a los miembros de la población con
características físicas no convencionalmente
atribuídas a los inmigrantes ilegales. Esta obra
intenta hacer una crítica a controversiales
leyes aprobadas en algunos estados de los
Estados Unidos para identificar, enjuiciar y
deportar inmigrantes ilegales. Super-Tina
da a la población americana sólo una prueba
de lo que puede sentirse al ser perseguido y
clasificado como “inmigrante ilegal”.
El Seminario Geoestéticas del Caribe
desarrollará su segunda versión en Santa
Marta los días 21, 22 y 23 de septiembre,
como antesala y parte del 42 Salón Nacional de
Artistas y que tendrá lugar en la región Caribe.
El seminario se centrará en las relaciones de
lo visual con el territorio Caribe a partir de
planteamientos alrededor del concepto de
“Geoestética”, conduciendo dicha noción al
campo de lo visual, abriendo un diálogo más
amplio entre la cultura del Caribe y otras
disciplinas y prácticas artísticas alrededor de
la relación de estética y territorio.
El 42 Salón Nacional recoge las curadurías
y creaciones producidas en las distintas
regiones del país a lo largo del 2009; y a final
del presente año, el Caribe operará como un
anfitrión que desplaza al visitante y se ve
desplazado por el accionar de este.
El crítico de arte colombiano José Roca
–miembro del consejo editorial del Periódico
ARTERIA- fue elegido como el nuevo
curador general de la octava Bienal del
Mercosur, muestra latinoamericana de arte
contemporáneo que se celebrará durante los
meses de septiembre y noviembre de 2011
en Porto Alegre (Brasil). Roca se formó en
Arquitectura en la Universidad Nacional de
ARTERIA. Ed 25
Colombia y se especializó en Estudios Críticos
en el Whitney Independent Study Program
de Nueva York. Creada en 1997, la Bienal
de Mercosur se celebra con el objetivo de
estrechar, a través del arte, las relaciones entre
los países que forman parte de la organización,
además de promover el arte latinoamericano
como un todo. Desde su creación, la Bienal ha
acogido un total de 44 exposiciones con casi
4.000 obras expuestas y ha recibido la visita
de casi cuatro millones de espectadores a lo
largo de sus siete ediciones.
La artista colombiana Clemencia Echeverri
participará en la 6ª Bienal de Liverpool,
Festival Internacional de Arte Contemporáneo
2010 con su video: ‘Voz’. Este video-proyecto
trabaja con los sonidos que existen dentro
de las cárceles. Echeverri, evoca la idea
de que las voces son el núcleo interno del
cuerpo, y sin embargo son separados de los
presos, eliminando cualquier sentimiento de
identidad y reforzando a la gente olvidada
dentro del edificio. La participación de
Clemencia Echeverri será desde el 18 de
septiembre hasta el 27 de noviembre día del
cierre de la Bienal. Otros artistas invitados son:
Juan Cruz, Diebes Joe, Jeck Phil, Lee Ray,
Nas & Mayke Snoei Wouter, Ted Riederer,
Miguel Ángel Ríos, Marina Rosenfeld y Jani
Ruscica.
La Nueva Galería.com es un espacio generado
en Medellín, dedicado a la comercialización de
arte por internet y dirigido principalmente a la
promoción de artistas jóvenes a nivel nacional
e internacional. Después de cumplir un año de
actividades renueva sus contenidos, artistas y
obras para ofrecer propuestas de vanguardia y
participar en exposiciones en galerías y ferias
de arte. Este proyecto es coordinado por José
David López Amar www.lanuevagaleria.com.
6.500 subsidios en salud para artistas
El pasado 19 de agosto, la Alcaldía Mayor de
Bogotá, a través de las Secretarías de Cultura,
Recreación y Deporte y de Salud, inició el
registro de artistas, creadores y gestores
culturales de la ciudad, con el fin de entregar
un subsidio en salud que les garantice por
primera vez una adecuada protección para
ellos y sus familias. Para acceder a estos
subsidios los artistas tendrán dos meses
para inscribirse a través de un formato de
registro que estará disponible en 11 puntos
de la ciudad en CADES y SUPERCADES,
en los Portales Interactivos de la ETB y en el
Portal www.culturarecreacionydeporte.gov.
co. En el caso específico de Bogotá, la Alcaldía
Mayor beneficiará a 6.500 personas, con
un presupuesto anual de $2.400 millones,
provenientes de recursos del Sistema General
de Seguridad Social en Salud, y del 10% de
los recursos recaudados por concepto de la
estampilla Procultura.
El Muzac de Montería, un Museo casi
Virtual
Por: Carlos Barreiro Ortiz
El logotipo del MUZAC, identifica al Museo
Zenú de Arte Contemporáneo que en sus
primeros cinco años de actividad, se ha
convertido en un caso singular en la escena
artística del país. Contra todo pronóstico,
el 28 de agosto del año 2005 se inauguró el
MUZAC con una muestra de Carlos Rojas en
el edificio del auditorio del parque Ronda del
Río Sinú, que se ha convertido desde entonces
en la sede visible de un proyecto que existe
de manera casi virtual. Se han organizado
20 exposiciones con cerca de 300 piezas de
Septiembre - Octubre 2010
3
artistas nacionales como: Fernando Botero,
Eduardo Ramírez Villamizar, Enrique Grau,
Débora Arango, Jaime Ávila, José Alejandro
Restrepo, Fernando Uhía, entre otros
nombres, además de algunas colectivas sobre
temas de paisaje, gráfica, retrato y fotografía.
El MUZAC está celebrando sus cinco primeros
años de actividad con una exposición antológica
de Alejandro Obregón a la cual seguirán obras
de Beatriz González y de Johanna Calle.
Cristo Hoyos habla con énfasis del significado
que tiene la educación en el proyecto.
Talleres, laboratorios, conferencias, colectivos
de creación y visitas guiadas han formado al
público de la ciudad y de los pueblos vecinos
que cuatro veces al año cumple la cita con una
nueva exposición.
Desde el 8 de septiembre y hasta el 9 de octubre
de 2010, la artista colombiana Adriana
Ramírez, presenta la intervención: ‘Sin línea,
sin superficie, sin objeto; venga y tómese un
café con nosotros’.Exposición diseñada para
el espacio del café de la Galería Lucía de la
Puente. El proyecto radica en exponer una
serie de obras aprovechando el sentido que
ya tiene el espacio y hacer de la utilidad del
lugar el eje que articula la muestra. Ramírez
plantea al público a través de la escultura tres
experiencias estéticas: una sobre la línea, otra
sobre la superficie y otra sobre el volumen.
Convocatorias
Hasta el 15 de octubre de 2010, estará abierta la
convocatoria para las Becas de Investigación
Curatorial de los 14 Salones Regionales
de Artistas. A partir de esta convocatoria
se seleccionarán los equipos de investigación
encargados de desarrollar los proyectos que
constituirán los próximos Salones.
Las propuestas deberán presentarse en grupos
o colectivos de investigación constituidos
por 2 o más personas. Por cada Región será
elegido un proyecto curatorial que recibirá
una beca de treinta y cuatro millones de pesos
($34´000.000) para su realización.
Los curadores deberán seleccionar a los
artistas a partir de obras en proceso, proyectos
u obras realizadas; asesorar a los Comités
en actividades encaminadas a dinamizar y
socializar el proyecto; e igualmente, acompañar
procesos de producción, circulación,
realización de programas de formación de
públicos y formulación de criterios que
faciliten las itinerancias de los salones.
Mayores informes: www.salonesdeartistas.
com; www.mincultura.gov.co
Dirección de Artes - Área de Artes Visuales,
Ministerio de Cultura: Carrera 8 # 8 – 42 Tels.
3424100 ext. 1521- 1506.
El VI Premio Uniandinos a las Artes se
genera desde la Asociación de Egresados de la
Universidad de los Andes –Uniandinos-, con
la colaboración del Capítulo Profesional de
Artes Plásticas y la Galería Espacio Alterno.
El tema, la técnica y los medios son libres. El
Premio Uniandinos a las Artes cuenta con una
bolsa de de cuatro y dos millones de pesos para
el primer y segundo puesto respectivamente.
Esta sexta versión busca generar una reflexión
a través del vasto panorama de posibilidades
creativas en el ámbito de las artes plásticas.
Fecha límite para la recepción de propuestas
es el 11 de octubre.
Mayores informes: www.uniandinos.org.co
Pbx:6162211. Ext.107 ò 135
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
4
Primer Encuentro Nacional de Performance - ENP

“Entre Fabuladores…”
Por: Gustavo Villa

“Probar (goûter) un paisaje, (…) es en él penetrar, en él vagar (errer),

sentir lo vivo del aire o el ardor del sol sobre el rostro, escuchar el canto de
los pájaros, husmear los olores de la hierba, llegar a una comunión carnal
con todas las zonas erógenas de lo sensible”
Mikel

Dufrenne
Entre el 26 y el 28 de agosto la Fundación Calle Bohemia desarrolló el Primer Encuentro Nacional
de Performance en la ciudad de Armenia. Evento que rindió un sentido homenaje, por parte de sus
organizadores y artistas invitados, a la memoria de María Teresa Hincapié. Se podría decir que un
homenaje más, pero lo trascendente e importante de éste, radica en que una buena parte de sus
participantes compartimos un vínculo profesional y afectivo con la “Artista de la Vida”, además de
ser la primera vez que sus paisanos aúnan esfuerzos y voluntades políticas para mantener viva su Cortesía: Gustavo Villa.
memoria y “pensar” el problema del cuerpo desde el Performance y el contexto.
Laura Hernández (estudiante de Artes Plásticas de la U.N.) se involucró de la mejor manera con el
Esta fundación con sede en Armenia y a la cabeza del gestor y artista Vladimir Cortés, ha promovido público, al hacerle entrega de 951 rosarios. Llamaba la atención la actitud de devoción que tomaban
el trabajo de artistas plásticos de la región y ejecutado una labor de formación de públicos a través los espectadores al rodear a la joven artista en procura del objeto ofrecido; algo así como una partici-
de exposiciones periódicas, talleres, conversatorios y seminarios de libre acceso, que en esta ocasión, pación litúrgica que demandaba hacerse al cuerpo de la obra.
impulsó el primer evento de esta naturaleza en el departamento y en el Eje Cafetero.
Tzizi Barrantes (estudiante de artes plásticas de la U.N) invitaba a los transeúntes a lo largo del re-
En el ENP, participaron 11 artistas del performance de todo el país, dándose cita en el céntrico espa- corrido para que le “prestaran” sus dedos con el fin de introducirlos suavemente en una larga cuerda.
cio de la Calle Real la 14, Centro comercial de Cielos Abiertos, entre la plaza de Bolívar y el parque La imagen resultante de la participación colectiva y espontanea, era una línea de cuerpos dibujada
Sucre. Anexo al evento de performance en el espacio público, se expusieron imágenes en fotografías y sobre el eje peatonal.
videos de la artista María Teresa Hincapié en la sala Roberto Henao Buriticá de la Gobernación del
Quindío, la participación de importantes conferencistas como Ricardo Arcos-Palma (investigador y
Coordinador Académico de la Maestría en historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad de la “¿Mauricio que es performance?
Universidad Nacional de Colombia), Juan Alberto Gaviria (Director de la Galería de Arte Contempo- ...performance es el rendimiento de un deportista”
ráneo Paul Bardwell del Colombo Americano de Medellín) y Felipe González (Editor e investigador (extraido de una conversación entre comerciantes)
en historia del arte colombiano de la Editorial Laguna Libros), todos conocedores e investigadores de
la obra de la artista homenajeada, y un taller dirigido por el maestro Dioscórides Pérez.

El evento fue moldeado entre otras cosas por la calidez, el respeto y la receptividad de la gente. La
mayoría de las propuestas estuvieron constituidas como acciones de estructura abierta, con tem-
poralidades más bien indeterminadas, en las que no se precisaron comienzo ni fin; aportaron ele-
mentos sensibles a la definición de un performance que “mina” y cuestiona la cultura del espectáculo.
Estas acciones al irrumpir en el espacio público se constituyeron en enunciados de “sutil subversión”
dentro del universo cotidiano particular. Se convirtieron en pequeños “rayes” de afectación extraor-
dinaria, generadores de acontecimientos.
Vinculó de manera excepcional varias generaciones de performeros entre los que encontramos a: Luis
Fernando Arango de Manizales con su obra ‘El peso de los días’, quien presentó un impresionante
relato sobre las victimas -en su mayoría del Quindío y la zona cafetera- del violador y asesino Luis
Alfredo Garavito.
“Yo creo que a Garavito se le metió el demonio…aquí la gente ya se está
asustando al ver todas esas cosas que ustedes hacen”
(comentaba una vendedora de Bon Ice)
De Beuys a Cage
Jorge Iván Bermúdez, artista que jugaba de local, se apropió de la paradigmática obra de John Cage
para su propuesta, ‘El silencio 4 33’. Para esta ocasión Bermúdez invitó a una banda de músicos de
un colegio para rastrear el “silencio” en su nueva versión.
“Muy bien Fluxus , Muy bien Fluxus”
(gritaba apasionadamente un señor)
Álvaro Herrera con su obra ‘I Like Armenia, and Armenia likes me’, compartió con su perro el es-
pacio y el tiempo durante los tres días en que se desarrolló el evento, en un acto de rememorar el
famoso performance que Joseph Beuys ejecutó en la galería Block de Nueva York en 1974, ‘I like
America and America Likes me’, apropiándose de algunos elementos de la “versión original” para ser
contextualizados en Armenia. Según Álvaro, “el juego de palabras del título resulta muy cercano a la
traducción, con una pequeña y significativa variación que lo hace local”. El sustituir el coyote por un

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perro entrenado, subvierte la acción de Beuys en relación con el trauma del conflicto americano con
el indio y el acercamiento mágico con lo salvaje, al incluir en la acción su propia mascota en un ejerci-
cio de suma resistencia, mediado por la relación de afectos y cuidados mutuos. El crear vínculos con
los comerciantes del lugar y especialmente los niños, que se veían atraídos por su tierno cómplice,
contrasta visualmente con las implacables condiciones ambientales.
Cabe recordar la obra “Punto de Fuga” que María Teresa Hincapié desarrolló durante tres días en
jornadas de 12 horas continuas en el Museo de arte de la Universidad Nacional en 1989.
Actos y Catarsis
Alonso Zuluaga presentó su trabajo ‘Grito a cielo abierto’ que consistió en arrastrar una pequeña
“casa” hecha por el artista, sobre un carro con ruedas desde la antigua estación del ferrocarril hasta
la arteria peatonal donde se desarrolló el evento. En esta propuesta contrastaba el gran despliegue
físico empleado en el arrastre, con la delicadeza en el acto de llevar una pequeña jaula con pájaros en
su interior. El temple y el carácter que Zuluaga expresaba en su gestualidad, matizaban los recorridos
y nos invocaba la errancia de las familias en constante desplazamiento por lo largo y ancho del terri-
torio. El arrastrar y cargar, el grito, aquello reprimido, es simbólicamente abordado -en una suerte
de catarsis- al liberar los pájaros de la jaula, al gritar a “cielo abierto” y al despojarse de su ropa, en un
acto de sublime dignidad.
“No hay diferencia entre la carne y el mundo porque el mundo es carne”…
citaba Ricardo Arcos-Palma a Merleau-Ponty en su conferencia.
Fernando Pertuz presentó el proyecto ‘200 años de Independencia’. En su propuesta escribió con
tinta sobre una bandera de Colombia de 200mts de larga, invitando a los distintos transeúntes a
escribir los nombres de familiares y conocidos muertos en actos violentos, como un rito de evo-
cación y duelo que incidió en una suerte de catarsis colectiva. La bandera estaba dispuesta en rollo
sobre el suelo de la plaza de Bolívar y su extensión dependía de la cantidad de nombres que se iban
registrando. Por otro lado, el artista entregaba un pequeño volante en el que se nombraban distintos
acontecimientos que han marcado el devenir “violencia” en la historia del país. Pertuz, continúa fiel a
su compromiso de vincular el performance con el acto de resistencia política, en procura de despertar
el empoderamiento consiente y crítico de su público.
Cortesía: Gustavo Villa.
Yuri Forero con ‘Alumbramiento’ fue el artista que más involucró recursos audiovisuales en una
propuesta multimedíatica. Capturó la atención de un grueso número de espectadores en la noche del
sábado, con una proyección sobre la fachada del edificio de la Asamblea departamental del Quindío,
una instalación con televisores dispuestos en el espacio e incorporó algunos muebles deteriorados
componiendo una imagen limpia y atrayente en la que quería destacar la importancia de la simulta-
ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
5
Cortesía: Gustavo Villa.
neidad de tiempos, entre un pasado diferido y un presente configurado en la acción en tiempo real.
Su trabajo estuvo mediado por la idea del alumbramiento en un contrapunteo entre vida y muerte;
lo líquido que fluye -en la imagen proyectada- y el fuego que regenera y transforma.
Yorlady Ruiz con ‘Nido’, indagó sobre la pérdida del cuerpo a partir de la canción ‘Las voces de los
pájaros de Hiroshima’ un poema musicalizado de Eugene Jebeleanu.
Dioscórides Pérez con ‘Mujeres nómadas. Domesticación de un trasteo de nostalgia’ presentó una
acción colectiva derivada de un taller que dictó en la sede de la Fundación Calle Bohemia. Involucran-
do en el proceso pedagógico técnicas de Taichi-shicun, que se reflejaron en los movimientos lentos
y controlados de sus participantes. Este montaje se construyó a partir de la exploracion íntima y
sensible del universo simbólico particular de cada una de las mujeres que asistió al taller invitado por
el artista. Cabe destacar la considerable presencia de público en el parque Sucre, lugar de la presen-
tacion del performance.
Celebramos los artistas del performance -“Fabuladores” como nos identificó en su momento Con-
suelo Pabón- este tipo de iniciativas, que moviliza y promueve, de la mejor manera esta práctica en
las regiones y que buscan consolidarse como un importante referente para los interesados en este
medio artístico.
Ricardo Arcos-Palma investigador del tema, nos da sus impresiones.
¿Qué impresión le ha dejado el evento?
R.A: Varias. Entre ellas hay una que resulta bastante alentadora en el sentido que este evento logra
reunir a varios exponentes de lo que yo he llamado “La generación de los 90, con otras nuevas figu-
ras. El hecho de reunirlos nos da la posibilidad de entender que hay una consolidación desde el cam-
po performático después de varios años. Estos artistas han venido trabajando ininterrumpidamente
durante todos estos años, y sus trabajos han seguido insistiendo desde el cuerpo y en especial en
aquello que vincula el cuerpo y el contexto.
¿Cómo encuentra el panorama del performance en este momento: qué lo define, qué lo interconecta?
R.A: El performance ha venido cambiando bastante, digamos que lo performático podríamos decir
que ha irradiado varias prácticas artísticas contemporáneas, y en lo que consiste la performancia en si,
como práctica artística, cada vez más se vincula hacia ciertas problemas de interactividad. Digamos
que el corazón, el núcleo central sigue siendo el cuerpo, pero se vincula mucho con la acción al mismo
tiempo; es decir que así los antecedentes mismos del performance se remontan a la historia del arte,
hace ya varias décadas atrás, creo que sigue siendo de mucha actualidad. Por que precisamente el
cuerpo es algo activo y me parece que la performancia sigue diciendo algo.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
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ENTREVISTA
“Se existe gracias a los
Fotografía: Oscar Monsalve.
J
osé Roca (Barranquilla, Colombia, 1962). Curador colombiano, actualmente Director
Artístico de Philagrafika 2010, un evento trienal de gráfica contemporánea en Fila-
delfia, y Curador General de la 8a. Bienal de Arte de Mercosur en Porto Alegre, Brasil
(2011). Roca manejó por una década el programa de artes del Banco de la República
(BRC) en Bogotá. Fue co-curador de la I Trienal Poli/gráfica de San Juan, Puerto Rico (2004);
la 27 Bienal de São Paulo, Brasil (2006); el Encuentro de Medellín MDE07 (2007); el proyecto
de intervenciones artísticas Cart[ajena] en el marco del IV Congreso de la Lengua Española
en Cartagena de Indias, Colombia (2007), y de numerosas exposiciones en América latina,
Estados Unidos, Europa y Asia. Fue jurado de la 52 Bienal de Venecia (2007) y desde el 2005
esta vinculado con el Periódico ARTERIA siendo asesor en sus primeros años y miembro del
consejo editorial desde el 2009. Vive y trabaja entre Filadelfia y Bogotá.
No era fácil seguirle el paso a José Roca por los corredores de la Biblioteca Luis Ángel Arango
(BLAA). Literalmente, las personas que trabajábamos con él teníamos que correr a su lado para
discutir los montajes en curso. Roca gestionaba más de 20 exposiciones temporales al año, ma-
nejaba las colecciones de Arte, Numismática, Filatelia y de Instrumentos Musicales, el Museo
Botero, las exposiciones Bibliográficas de la BLAA, las exposiciones itinerantes para más de 28
ciudades del país y programas como ‘Imagen Regional’. Además, asesoraba a diferentes espacios
en Bogotá y otras ciudades, curaba exposiciones de la envergadura de la Bienal de São Paulo, la
Trienal Poli/gráfica de Puerto Rico o la retrospectiva de Miguel Ángel Rojas. A pesar de todo
ese ajetreo las puertas de su oficina estaban siempre abiertas para los artistas, conocidos o des-
conocidos, maestros o estudiantes.
A casi dos años de la renuncia a su cargo como director de la Unidad de Artes del BRC, ha sido
recientemente elegido como curador general de la Octava Bienal de Mercosur en Porto Alegre
Brasil, acabando de terminar una serie de proyectos en el primer semestre de 2010 entre ellos
Philagrafika 2010, festival de artes gráficas en Filadelfia.
Esta entrevista fue realizada exclusivamente para ARTERIA.
Luis Fernando Ramírez: Hace 18 o 20 años no era tan frecuente en nuestro medio oír pa-
labras como curaduría o museografía. Como actor y testigo de primera línea en estos últimos
no al r
años del arte en Colombia ¿cuáles cree que han sido los cambios más importantes dentro del
medio?
José Roca: Cuando entré al Banco en 1990, mi cargo era el de museógrafo. Hasta entonces la
jefe de Artes Plásticas, Carolina Ponce de León, se encargaba de pensar las exposiciones y un
montajista de realizarlas. Yo contribuí a la profesionalización de la labor museográfica, discipli-
na que había aprendido sobre la marcha, teniendo como base mi formación de arquitecto. Hasta
finales de los años ochenta un gran porcentaje del arte producido en Colombia era realizado
en el taller del artista, primordialmente pintura y escultura. A mi generación le correspondió
acompañar el trabajo de artistas que instalaban sus obras en el espacio, o que construían sus
propuestas a partir de este. En ese sentido, mi trabajo como museógrafo/montajista me dio
una perspectiva privilegiada de los procesos artísticos, y un acceso muy íntimo a los artistas de
ese momento. Aprendí de ellos, y muchos son hoy mis mejores amigos. Carolina, que fue muy
generosa con su saber y sus contactos, fue instrumental en mi manera de entender el arte. A ella
le debo mucho, especialmente al inicio de mi carrera.
LFR: Con su partida del BRC terminó un ciclo que sin duda marcó el medio artístico y museís-
tico en el país y que además consolidó a esta institución como uno de los espacios de arte más
importantes en Latinoamérica. ¿Dentro de este período de 18 años cuáles cree que fueron los
proyectos más significativos?
JR: Cuando regresé de Francia a asumir la jefatura de Artes de la BLAA tenía una idea en mente:
sacar el área de artes de la BLAA y consolidarla como un museo autónomo. Para ello me propuse
trabajar en cuatro frentes paralelos: la arquitectura, la planta de personal, la colección y el pro-
grama de exposiciones. En el primer frente fuimos adecuando los diferentes edificios para con-
vertirlos en salas de exposición: la Casa de Moneda, la antigua hemeroteca (hoy Museo Botero),
la planta de acuñación (hoy alberga la Colección de Arte) y finalmente en 2004 el edificio para
exposiciones temporales, diseñado por Enrique Triana. En el segundo frente fui definiendo
los perfiles de los cargos, trayendo personas de fuera o de otras áreas del BRC y definiendo los
procesos más adecuados. En el tercer frente se diseñó una política de adquisiciones y se montó
la colección de manera permanente por vez primera (ensayamos formas diferentes de contar
la historia, y desarrollamos programas como ‘Mirada Transversal’, en la cual artistas como Luis

os artistas y para ellos,
revés”
Luna, Mauricio Cruz, José Alejandro Restrepo o Rafael Ortiz realizaban lecturas temáticas de
la colección). Finalmente, el programa de exposiciones se consolidó en varias líneas de acción,
que incluían grandes exposiciones internacionales, exposiciones de artistas latinoamericanos,
retrospectivas de artistas colombianos, muestras de artistas emergentes, muestras de artistas
regionales, y exposiciones de diseño. Se diseñaba el programa de exposiciones temporales con
varios años de anticipación para que quedara balanceado, y se estaba mirando constantemente
lo que se hacía en otros museos del mundo y de América Latina para tratar de conseguir mues-
tras relevantes para nuestro medio, como fue el caso de Gego o Julio le Parc, por citar dos expo-
siciones recientes. Para responder su pregunta, creo que lo más significativo fue haber logrado
crear el Museo de Arte del Banco de la República, y haber consolidado su programa localmente
y su prestigio internacionalmente. Los proyectos específicos son todos importantes, aunque
los que recuerdo con más satisfacción personal fueron las retrospectivas de Carlos Garaicoa,
José Alejandro Restrepo y Miguel Ángel Rojas, por las posibilidades que les brindaron a estos
artistas de producir obra nueva, y al público de ver cuerpos de trabajo consolidados.
LFR: Desde 1998 hasta el 2005 publicó Columna de Arena, espacio que sigue siendo referencia
para muchos en el medio artístico. ¿Por qué dejó de publicarla?
JR: Creé Columna de Arena porque todo el mundo se quejaba de que nadie escribía sobre las
exposiciones, pero nadie hacía nada. Comencé enviando textos por fax, hasta que alguien me
hizo caer en cuenta que era más fácil por e-mail. Decidí que no iba a mandar correos de manera
indiscriminada, sólo se la enviaría a quienes me hubieran escrito solicitando expresamente que
querían recibirla, pues no quería ser una intrusión abusiva. Enviaba mis artículos cada quince
días y en ocasiones había quien respondía; yo reenviaba sus respuestas haciendo una breve pre-
sentación como contexto. En muchas ocasiones hubo discusiones muy intensas e interesantes,
posibilitadas por la organización horizontal de la Internet. Columna de Arena, una columna sin
el soporte institucional de un periódico o revista (de allí el nombre, pues es una columna frágil
que se sostiene sólo por el poder de la palabra) fue un blog avant la lettre; demandaba mucho
esfuerzo personal pues yo tenía un trabajo de tiempo completo y muchas otras actividades,
incluyendo una familia. Escribía los artículos en las noches y moderaba las discusiones hasta la
madrugada. Luego de algunos años surgió Esfera Pública, que es propiamente un foro público
de discusión. En ese momento consideré que la labor de Columna, que era incentivar la escri-
tura sobre arte y la consecuente discusión, ya estaba hecha, y que Esfera Pública lo podía hacer
mejor que yo, y no volví a escribir. Nunca la cerré oficialmente, sigue colgada en la red.
LFR: Philagrafika es uno de sus proyectos más recientes. Ya antes había trabajado con el tema
de las artes gráficas contemporáneas en la Trienal Poli/gráfica en Puerto Rico y en el BRC. ¿Se
considera un especialista en artes gráficas en un sentido contemporáneo del término? ¿Es posi-
ble definir un área de especialización dentro del arte contemporáneo?
JR: No me considero un experto en artes gráficas ni en ningún medio o técnica, aunque luego
de todos estos proyectos me he familiarizado con las técnicas del grabado. Pero para mí el gra-
bado es una circunstancia, no un saber precioso que hay que defender a capa y espada. Lo que
me ha interesado de la gráfica son las posibilidades que brinda: accesibilidad, multiplicación,
diseminación de la información, democratización de la obra de arte, énfasis en el proceso, po-
sibilidad de crear un ambiente inmersivo a partir de la repetición. Como lo dije recientemente
en el Congreso del Southern Graphics Council -el foro más importante en el mundo para los
practicantes de las artes gráficas-, frente a un auditorio de más de mil grabadores: “antes que
nada, debo confesar públicamente que no me gusta el grabado... No me gusta el video tampoco,
ni la pintura, ni el dibujo, ni la escultura, si vamos a ello. Me interesa el arte, y los medios son
sólo eso, medios que el artista tiene a su disposición”. Luego de este choque inicial, desarrollé
el argumento en contra de una especificidad de medio cerrada y excluyente. Pero luego desa-
rrollé el argumento contrario: porqué una Bienal, porqué de grabado, y porqué en Filadelfia. Es
una cuestión de establecer marcos de referencia, y luego ejercer la práctica experimental de la
libertad dentro de estos parámetros. El texto se puede leer en la página de Philagrafika (www.
philagrafika.org), en un programa de textos sobre la gráfica que llamamos Working States.
LFR: ¿Podría explicar brevemente el tema central de Philagrafika y los tres componentes en
que se dividió?
JR: El tema central de Philagrafika es mostrar cómo la gráfica y los conceptos asociados a ella,
que evoqué en la pregunta anterior, se manifiestan en la práctica artística contemporánea de
ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
7
Por: Luis Fernando Ramírez
manera inconsciente, sin que sean consideradas formas de “grabado”. Tuve tres componentes:
una exposición central de 35 artistas divididos en cinco sedes principales, titulada ‘The Graphic
Unconscious’ (el inconsciente de la gráfica); un programa destinado a poner en valor las colecciones
históricas de Filadelfia, titulado ‘Out of Print’ -un juego de palabras que se puede traducir como
“fuera de impresión” o “a partir del grabado”-, en el cual vinculamos cinco artistas cada uno con
una colección histórica diferente. Y un tercer componente, los ‘Proyectos Independientes’, en el
cual más de 80 instituciones curaron y organizaron sus propias exposiciones en relación con los
postulados centrales de Philagrafika. El modelo fue muy exitoso, y es viable y sostenible.
LFR: ‘Muntadas: información, espacio, control’ es una de sus próximas curadurías a inaugurar-
se en el 2011 en São Paulo ¿Cómo va a ser esta nueva exposición?
JR: La exposición reúne tres grandes obras y dos obras “bisagra” que las articulan. Cada obra
es paradigmática de una gran familia de trabajos de Muntadas, y de una década diferente: ‘On
Subjectivity’ de los años setenta, ‘Stadium’ de los años ochenta, y una obra nueva, ‘Alphaville
e outros’, que trata sobre la arquitectura del miedo y la seguridad en los conjuntos cerrados en
Brasil. Esa obra viene siendo preparada desde hace un año, y debutará en Brasil, aunque es la
condensación de muchas obras anteriores, como es característico en el trabajo de Muntadas.
LFR: Recientemente fue nombrado como curador general de la Octava Bienal Mercosur en
Porto Alegre, Brasil. Sería ya su quinto proyecto curatorial en ese país. ¿Qué significa Brasil en
su carrera?
JR: Los proyectos van llegando, no fui trabajando de manera intencional para lograr “penetrar”
Brasil. Claro que un proyecto, si es exitoso, sienta las bases para que llegue otro, y esto es lo que
ha sucedido para mí en Brasil. Habiendo dicho lo anterior, debo afirmar que adoro trabajar en
Brasil: es un medio muy profesional y sofisticado, pero que tal vez por ser una cultura de inmi-
grantes, valoran lo que les llega de afuera. En Brasil no tienen lo que en Colombia, algo que des-
graciadamente, nos define culturalmente: mala leche. En Colombia se sufre cuando al otro le va
bien. Por el contrario, en Brasil los artistas se alegran cuando a otro lo invitan a una exposición,
se ayudan, son extremadamente solidarios. Es un placer trabajar allí.
LFR: Cuál es la propuesta curatorial en esta ocasión para Mercosur?
JR: Siempre me intrigó que una bienal llevara el nombre de un tratado de libre comercio. La
realidad es que la Bienal y el Mercosur son completamente independientes, no hay financiación
ni ningún otro vínculo entre ambos. Lo irónico es que la Bienal ha sido más efectiva en garanti-
zar la circulación de artistas, obras y discursos que el Mercosur en lograr la libre circulación de
bienes de capital, a pesar de normativas, liberación de aranceles y zonas francas. Mi proyecto
mira el territorio desde la perspectiva de lo geográfico, lo político y lo cultural, analiza las cons-
trucciones de país, estado y nación, y las construcciones supranacionales de región. Como en
proyectos anteriores, más que un tema, se trata de una estrategia de acción curatorial. Mercosur
tiene un gran prestigio en su dimensión educativa, y este será uno de los componentes princi-
pales de mi propuesta.
LFR: ¿Cuál sería su proyecto de exposición soñado, ideal?
JR: Mi proyecto ideal sería formar, desde cero, un espacio de producción de arte contempo-
ráneo que tenga un programa de residencias, una sala de lectura abierta, y un café. Sería un
espacio de carácter internacional pero dirigido a un público local. Esto es algo en lo que he
venido pensando hace rato, y he utilizado el modelo bienal como una instancia para la creación
de infraestructura. Ya intenté hacerlo con mi propuesta para la Casa del Encuentro en Medellín,
El Parqueadero en Bogotá, y lo estoy planteando en Porto Alegre como parte de mi proyecto
para la Bienal de Mercosur. Pero el problema es que para que esto funcione bien, o por lo me-
nos como yo me imagino que debe funcionar, requiere una persona de tiempo completo que
active este espacio como su actividad profesional principal. No puede ser algo accesorio a una
institución, ya me he dado cuenta que así no funciona, o funciona a medias. Algún día habrá la
oportunidad de realizar este proyecto. No hay afán, en juego largo hay desquite.
* Lea la entrevista completa en www.periodicoarteria.com
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8

Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.

‘La Revelació
Películas y f
Hannah Collins en el Museo de Arte de
N
acida en Londres en es mejor hacer que el espectador
1956, Hannah Collins trabaje y participe en el proceso de
estudia artes plásticas descifrar las imágenes”3, manifiesta
en la Slade School of la artista.
Fine Arts. Obtiene la Beca Fullbrig-
th-Hays en los Estados Unidos en La obra de Hannah Collins está pre-
1978-79. Empieza como pintora y sente en importantes colecciones
en los años ochenta se acerca a la de arte como las de la Tate Gallery
fotografía, trabajando en particular y de la Victoria and Albert Museum
el gran formato en blanco y negro. de Londres, de la Casa europea de
Las naturalezas muertas y los es- Fotografía de París, de la fundación
pacios físicos son recurrentes en su La Caixa y del Museo de Arte Rei-
trabajo. En 1991, obtiene el Premio na Sofía de Madrid, del Macba de
europeo de la fotografía y en 1993 Barcelona y del Albright Knox Mu-
es nominada para el Premio Turner seum de Buffalo, entre otras.
de la Tate Britain. En sus primeras
series como ‘The Hunter’s space’, Hannah Collins presentó en el
‘In the Course of Time’ y ‘Signs Museo de Arte de la Universidad
of life’, Hannah Collins explora la Nacional de Colombia la película
situación de Polonia después de la ‘Historia en curso’ en la exposición
caída del Muro de Berlín y se enfo- colectiva ‘La Memoria del Otro’
Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.
ca en las migraciones del Este hacia (2009) -apoyada por la Fundación
el Oeste. Expone en Europa y en ARTERIA-, obra que narra la vida
Estados Unidos, en galerías y museos como el Walker Art Center de Minneapolis, el Koldo de los habitantes de un pueblo ruso, Beshencevo, que parece ser congelado en su pasado
Mitxelena Kulturunea de San Sebastián y las galerías Joan Prats (Barcelona), Leo Castelli comunista, en contraste con la ciudad cercana de Nižnij Novgorod. Actualmente, la Universi-
(Nueva York) y Arlogos (París). dad Nacional organiza su exposición individual titulada ‘La Revelación del Tiempo - Películas
y fotografías’. La muestra es producida por la Fundación La Caixa, en colaboración con el
En 1998, Hannah Collins se muda a Barcelona, conociendo la experiencia de la migración Museo de Arte y la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la UN.
y de la integración a un nuevo país. Los temas de la memoria, del desarraigo y del paso del
tiempo son una constante en su obra. Collins define su obra como “un intento por describir María Belén Sáez de Ibarra, curadora, crítica de arte y directora de la Dirección Nacional de
el futuro desde el pasado”1. Divulgación Cultural y David Campany, escritor, fotógrafo y docente de la Universidad de
Westminster están a cargo de la curaduría de la exposición.
Siempre se ha interesado por el cine, y sus fotografías gigantes pueden aludir a una pantalla,
pero no realiza su primera película antes de los años 2000. Se trata de ‘La Mina’, nombre del En ‘La Revelación del Tiempo’, fotografías de grande y mediano formatos conviven con video
barrio donde vive la comunidad gitana de Barcelona. ‘La Mina’ marca un giro en su trabajo instalaciones. Según María Belén Sáez de Ibarra, la cámara fotográfica y la cámara de video
dado que “hasta entonces estaba más implicada con sitios que con personas”2. Su trabajo “tienen el saber de capturar el tiempo” y las imágenes de Collins transmiten un sentimiento
4
cinematográfico se centra en particular en las personas que son a menudo invisibles –o que de melancolía, porque nos recuerdan que “nosotros mismos estamos hechos de tiempo” .
no queremos ver- en la sociedad.
En la muestra, el público podrá conocer el universo sensible y nostálgico de Hannah Collins
Sin embargo, no deja de lado la fotografía, sigue trabajando a escala monumental, estable- con las video instalaciones ‘La Mina’ y ‘Parallelo’, y la película ‘Soledad y Compañía’. Las
ciendo a través de los formatos gigantes de sus obras una relación de intimidad con el espec- películas de Hannah Collins exploran universos muy distintos -la comunidad gitana de
tador. Sus películas, a menudo presentadas en pantallas múltiples, ofrecen una diversidad de Barcelona, las ciudades europeas vistas desde el cotidiano de migrantes africanos o una
puntos de vista, poniendo al visitante en posición de elegir lo que quiere ver y construir su fábrica abandonada- siempre están organizadas “alrededor de las frágiles conexiones entre
propio entendimiento de la obra: “Una cosa que aprendí sobre mis propias películas es que los individuos y los grupos sociales”5.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
9

ón del Tiempo
fotografías’
la Universidad Nacional de Colombia*
‘La Mina’, instalación en cinco pantallas -que también incluye fotografías-, es resultado de
una colaboración a largo plazo con los gitanos de Barcelona que participaron en la escritura
del guión al sentir la necesidad de ser representados más allá de los clichés habituales. La
obra fue filmada entre 2001 y 2004, en la época en que Barcelona disfrutaba de un desarrollo
urbano, en parte gracias a las repercusiones de los juegos olímpicos de 1992, pero ‘La Mina’
quedaba al margen, y los gitanos permanecían en una comunidad aislada de su organización
social con varios aspectos su cultura tradicional como la justicia, el duelo, el matrimonio y
la música. Ciertas escenas han sido preparadas y actuadas mientras otras son espontáneas,
lo que hace decir al curador David Campany que la obra se sitúa “a medio camino entre el
documental de observación y un enfoque más basado en la actuación y la colaboración”. Con
‘La Mina’, Hannah Collins también quiere abrir una reflexión “sobre nuestra propia sociedad
cambiante, en confrontación con una cultura centenaria en la que los cambios resultan mu-
cho menos aparentes”6. En tanto que las fotografías relacionadas a esta obra materializan los
espacios de vida y el cotidiano de los gitanos.

‘Parallelo’, rodado en 2007, aborda la temática del movimiento migratorio en Europa. En

una instalación de tres pantallas gigantes se siguen los itinerarios de vida de tres migrantes
africanos que han llegado a Madrid, Londres y Roma, tres de las ciudades que representan
la fortaleza europea, obligándolos a adaptarse a un nuevo entorno. Aunque cada uno está en
una situación social diferente, todos tienen que aprender a vivir con el bagaje cultural de su
país de origen (Costa de Marfil, Camerún, Uganda). La obra ‘Parallelo’ permite humanizar el
concepto de inmigración, mostrando con las historias de los protagonistas Dewa, Pamela y
Constantine, dificultades a las que se enfrentan quienes deciden migrar. En esta obra, Han-
nah Collins rinde homenaje a los desplazados, enfocándose en los encuentros fortuitos y en
los pequeños actos que conforman su cotidianidad.
La película ‘Soledad y compañía’ fue grabada en 2008 en una fábrica abandonada de Roubaix,
ciudad industrial del norte de Francia. Este lugar desolado, hoy en declive, es lo que queda
de una actividad industrial que involucraba miles de obreros en la región. La luz va cambian-
do a medida que pasa el tiempo y escuchamos en banda sonora residentes de Roubaix que
cuentan sus sueños. Muchos de los soñadores se relacionan de alguna manera con Argelia,
que tiene una fuerte comunidad en Francia, y se proyectan lejos de la realidad, sobrevolando
su casa en Argelia o encargándose de la Presidencia de Francia. Con una cámara casi inmóvil,
la acción principal de la película es el sonido, mientras que los cambios de luminosidad nos
indican el paso del tiempo en la fábrica. Hannah Collins explica que la obra es una “reflexión
sobre los espacios prohibidos y su significado para diferentes grupos sociales” dado que la
comunidad argelina vive rodeada de estos espacios donde no puede entrar. Los sueños no
tienen una relación directa con el sitio de la fábrica pero la artista lo eligió porque “se trataba
de un espacio infranqueable, situado en la zona en que vivía esa gente”7.
Entre las fotografías que se presentan en la muestra está la serie ‘The Road to Mvezo’ que sur-
gió de un viaje realizado por la artista a Suráfrica, lugar de nacimiento de Nelson Mandela.
Trata de fotografías de gran formato en blanco y negro impresas en papel de algodón usando
pigmentos y colgadas directamente en la pared.
Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.
En 2009, Hannah Collins viajó a Colombia y realizó fotografías del lulo en el marco de un
proyecto con el chef español Ferran Adrià, sobre el origen de varios ingredientes de su coci-
na. La serie ‘Lulos’, que incluye obras de mediano formato, indaga el itinerario de esta fruta,
desde la cosecha, el acondicionamiento para la exportación y hasta el consumo por el hom-
bre. A partir del descubrimiento del campo colombiano, nace el proyecto ‘Transmigración’,
que consiste en resaltar la influencia rural en la ciudad. De hecho, la mayoría de los bogotanos
tienen padres o abuelos que vienen del campo. En colaboración con el artista Lesivo, se reali-
zarán murales en el Museo que hablan de esta realidad.
‘La Revelación del tiempo’ representa la ocasión de descubrir a una artista contemporánea
ya reconocida en el escenario artístico internacional, que expone individualmente por
primera vez en Bogotá. Esta exposición ofrece un panorama completo de la trayectoria de
Hannah Collins y también la oportunidad al público de participar en un debate alrededor
de la exposición: Hannah Collins y María Belén Sáez de Ibarra presentarán la exposición
en el Museo de Arte de la Universidad Nacional el viernes 17 de Septiembre a las 3 pm.
David Campany, curador, dará una conferencia el 21 de Octubre. El catálogo de la exposición
incluye textos inéditos sobre la obra de Hannah Collins, entrevistas y numerosas imágenes
de su trabajo.
1. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009.
2. Experiencia contenida. Las películas de Hannah Collins. Carles Guerra, 2008.
3. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009.
4. Saetosus rures miscere chirographi María Belen Sáez de Ibarra, 2010.
5. Soledad y compañía. Las películas y fotografías de Hannah Collins. David Campany. 2008.
6. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009.
7. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009.
* Septiembre 17 - Noviembre 27 de 2010
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Bicentenario
y artistas, arte e independencia
Por: Lucas Ospina
1. “¡Usted no sabe quién soy yo!”
“¿Quiéres hacer plata conmigo malparido?”, le dice José David, un niño-hombre que flota en
medio del río Magdalena al camarógrafo que lo filma a corta distancia; luego, el niño-hombre
toma una de esas botellas que recicla entre la basura del río, las mismas que usa para flotar, y se
la arroja a la cámara, ahí termina el video.
Al comienzo de la filmación, antes de meterse al agua, se oye un diálogo en que el niño y otro
compañero hablan de su pueblo ribereño y de cómo ahí todos los visitantes que llegan son “mal-
paridos blancos hijueputas”. El camarógrafo no les filma la cara al par de impúberes, apenas los
conoce, escoge filmar el suelo como señal no invasiva de respeto, un humilde gesto de reflexión
del que filma. Se meten al agua, la cámara registra por momentos el fondo turbio, los tres perso-
najes flotan con las botellas recicladas y el paseo finaliza antes de llegar al punto donde se vierte
la mierda del pueblo al cause del río, es ahí donde el viaje termina y el niño-hombre suelta su
rabiosa y aguda proposición.
Esto fue ‘José David’, uno de los videos breves que presentó el artista Elkin Calderón el pasado
13 de agosto en la Feria del Libro en el Pabellón del Bicentenario, en una de las tertulias pro-
gramadas en el ‘Café Bicentenario’ en medio de ese parque temático organizado por la Alcaldía
Mayor de Bogotá para estar a tono con el “invitado de honor” de la Cámara del Libro para este
año: el ‘Bicentenario de la Independencia’.
No es casual que la palabra “bicentenario” se repita una y otra vez. Este año esa conjunción ha
sido el “ábrete sésamo” de la gestión cultural: cualquier proyecto parece posible siempre y cuan-
do se le meta “bicentenario”, y además, si a esto se le suma la palabra “artistas”, la gesta parece
estar garantizada y ante tan oportuna alegría discursiva la boca de la cueva presupuestal queda
jetiabierta, se descubre el tesoro y todo está listo para la ejecución presupuestal.
El año pasado ya hubo un abrebocas de esta situación cuando el 20 de julio la Alcaldía Mayor de
Bogotá, para celebrar la independencia, se puso a echar globos en la ciudad y el poeta William
Ospina, miembro del comité asesor, justificó el acto diciendo que “los globos son suficiente
símbolo de fiesta, de lo que pueden el ingenio humano, y su capacidad de superar las limitacio-
nes y de soñar con libertad.” Pero no eran “suficiente símbolo” y tocó invitar a “24 de los más
importantes artistas plásticos de hoy” para que fuera suficiente. El resultado fue un fotogénico
ballet de globos por algunas zonas de la ciudad, sobre todo del norte y hacia el norte, y unas
insuficientes “curitas” donde iban estampadas las imágenes hechas por los artistas: en cinco
millones de pesos valoró la Alcaldía la reflexión invisible de cada artista y el costo por los glo-
bos, financiados por la empresa pública y privada, fue de 3.500 millones de pesos. Para este
año el poeta Ospina había prometido que iban a hacer entrar la Bogotá “al ejército libertador,
esculpido en barro”, una emulación de los guerreros de Xian hechos en barro de Ráquira, pero
la posible embarrada artesanal se quedó en arte conceptual.
Tal vez a la Alcaldía le quedó sonando esto de asesorarse de poetas y por eso la Secretaría de
Cultura, Recreación y Deporte (SCRD) contrató, vía la Fundación Gilberto Alzate Avendaño
(FGAA), a otra musa, a la poeta Ana Mercedes Vivas y a su empresa Comunicaciones Vivas
para que se cranearan algo. Ella salió con una expedición “multimodal” por el Río Magdalena, a
bordo de un “barco creativo” cargado de “artistas, seleccionados por convocatoria pública, que
desarrollarán un proyecto artístico alrededor el río y la celebración del Bicentenario”. La nave
también iría cargada de “historiadores” y “representantes de algunas áreas artísticas que han
desarrollado proyectos sobre los procesos de independencia”.
A la poeta Vivas se le hizo un contrato inicial de 50 millones que se modificó hasta llegar a 74
millones de pesos para que se encargara de ofrecer los “servicios para realizar el desarrollo del
documento de venta, promoción, consecución de asociados, consecución de patrocinadores y
proceso de acompañamiento en comunicaciones antes y durante la realización de la Expedición
artística del Bicentenario -unir los dos gritos de independencia de Mompox a Bogotá-”. La poeta
Vivas fue quien también moderó la tertulia con Elkin Calderón en el Café Bicentenario. Los
acompañaba el historiador Giovanni Di Filippo que hizo una larga y atractiva digresión sobre el
río Magdalena, el correo oral de los bogas y algunos movimientos de independencia, como el de
Cartagena, que actuaron con independencia de la independencia centralista de Santa Fe.
La poeta Vivas dijo en su introducción a la tertulia que la expedición era “un símbolo de reflexión
multicultural que nos permite trazar la relectura de lo que fue la independencia”, y no dudó en
autocalificar su gesta cultural de empresa “titánica”, afirmó que había pasado nueve meses junto
al historiador Carlos José Reyes empapándose de historia.
Elkin Calderón mostró ese día otro video llamado ‘Perrita Criolla’. Contó que lo había filmado
en Barrancabermeja, al atardecer, a solas mientras el resto de la comitiva cultural pasaba la tarde
con el Gobernador Horacio Serpa que según la agenda iba a conversar sobre “los gritos sociales
y movimientos comuneros”. Calderón, menos gregario, prefirió ir al río y ahí se encontró con
otro tipo de gritos y movimientos: en la orilla filmó un grupo de perros, dos de ellos pegados por
la cola, que se contoneaban, luego, en la edición, sumó al video un audio escogido para amenizar
ese perreo: la canción “Río Magdalena”, interpretada en inglés por Lyda Zamora, una alusión
cáustica pero guapachosa a la sodoma imperialista y al vasallaje nacional, una tonada bastante
apropiada para una tierra de fálos petroleros y bases militares colombianas y extranjeras.
Calderón condimentó sus proyecciones con breves reflexiones sobre el viaje, destacó el orden, la
logística, los cronogramas, la organización, pero manifestó dudas sobre la comitiva acompañan-
te donde no solo había artistas junto al historiador Di Filippo sino una serie de personas que
daban cuenta de la realidad “multimodal” de la expedición: la directora de la FGAA, su secre-
taria, el Gerente de Artes Plásticas, el Gerente de Audiovisuales, el encargado de exposiciones,
el encargado de literatura, la jefe de prensa, el fotógrafo oficial, dos representantes de la filar-
mónica, un jurado de selección, una curadora alemana, una documentalista, un recreacionista
cultural, un periodista de Canal Capital y su camarógrafo, un costeño que nadie supo quién era
o que representaba -tal vez a la costa- y, finalmente, dos asistentes de Comunicaciones Vivas
junto a su jefa, la poeta Vivas.
Calderón destacó la iniciativa de viajar por el río, la experiencia, la convocatoria abierta para
participar, pero señaló que la andanada de eventos sociales y el paracaidismo cultural al que
fueron sometidos durante los siete días de la expedición mostraba un escaso conocimiento de
las condiciones para crear y hacer pública su producción -además de verle los bigotes a Serpa,
asistieron a un homenaje a la fuerza Aérea en la base militar de Palenquero y a un ágape con
la alcaldesa de Cartagena-. En vez de cócteles y salpicones culturales con la oficialidad de cada
puerto un artista necesita de tiempo para vagar, mirar y comprender; en vez de asistir a eventos
coreográficos donde las comunidades hacen gala solemne de su autoexotismo ante los ilustres
visitantes, la expedición necesitaba de muestras itinerantes que le mostraran a los habitantes
de esos lugares lo que los artistas habían hecho luego de la visita, un contacto posterior, a pesar
de nueve meses de planeación y preproducción, se pensó en el rodaje pero poca cabeza se le
echó a la posproducción.
“¿Quiéres hacer plata conmigo malparido?”, el eco de la pregunta de José David, resaltada por
Calderón, molestó a la poeta Vivas, que recurrió al sentimentalismo lírico para menguar la crí-
tica. Ella afirmó que cada comunidad habló, que “las ciudades dijeron”, que por ejemplo todos
habían podido ver como Barrancabermeja era “la tierra de la pollera colorá” y concluyó que ellos,
todos los miembros de la expedición, habían “pagado la deuda” y que en términos de cumpli-
miento no había nada más que objetar. Además, ante algunas inquietudes de Jaime Leonardo
Comba, uno de los artistas que participó, que estaba entre el público, que dijo haber disfrutado
del viaje pero que le faltaron recursos para terminar su proyecto ‘Tras las ondas del Mohán’, la
poeta Vivas le pidió que por respeto al público asistente no discutieran esos pormenores del
asunto y le dijo: “espero que hayas encontrado al Mohán”.
Al final del boletín de prensa de la ‘Expedición del Bicentenario: Gritos que cambiaron la histo-
ria’ se afirmaba que el “resultado de esta exploración histórica dará como resultado un conjunto
de obras que se expondrán en Bogotá el marco de la celebración del Bicentenario de la Indepen-
dencia en el 2010. Un regalo de los artistas de Bogotá a esta celebración nacional.” El “regalo”
fue una decepción. Calderón y Comba dijeron que el montaje de la exposición era bastante pre-
cario y que a pesar que durante la expedición si había recursos para llevar a los acompañantes,
al momento de pedir ayudas para terminar sus obras, los artistas recibieron un magro apoyo,
apenas un dinero para unas impresiones, el préstamo de unos videoproyectores y unos televi-
sores. Esto hizo que muchos de los participantes se resignaran a mostrar un boceto de lo que
pudo haber sido, otros no exhibieron, aparte de la experiencia, no tenían nada que mostrar. Tal
vez por eso mostrar el “regalo” que prometía el boletín de prensa o las “obligaciones” que exigía

Cortesía: Tangrama Cortesía: Tangrama
el contrato firmado por los artistas, se volvió opcional, bajo estas condiciones no era mucho lo
que la institución podía exigir. La exhibición del “regalo” quedó para más tarde, por cuenta y
riesgo de cada uno.
En ese momento hizo su intervención en la tertulia un funcionario de la FGAA, el encargado
de exposiciones que había estado en la travesía; aceptó que había problemas de coordinación en
el montaje pero intentó justificar la abortada exposición, el reguero de propuestas inconclusas
en un maltrecho corredor, con el sofisma de que “la indignidad” de las “condiciones museales”
hace “que las obras buenas se defiendan solas”, además afirmó que ellos habían cumplido con
alquilar los videoproyectores. Alguien entre el público afirmó que eso era lo mínimo, pero la
poeta Vivas, micrófono en mano, moderó y repitió que “por respeto al público” dejaran de lado
esas discusiones y que lo importante era que la expedición “había pagado la deuda” con todos,
con las comunidades y con los artistas convocados.
Una vez terminó la charla, alguien del público se acercó a la poeta Vivas y la felicitó comedida-
mente pero no sin ironía por “haber pagado la deuda”, en ese momento, la contratista del erario
público, la que firmó el contrato por los 74 millones de pesos, perdió la compostura y decidió
lanzar su grito de independencia. La poeta Vivas salió con una frase que merecía otro video
de Elkin Calderón, una expresión que muestra como a pesar del bicentenario y de mucha “re-
flexión” y “relectura”, es poco lo que ha cambiado en la mentalidad de muchos criollos ilustrados
que hace 200 años dependían de la corona real y que ahora son vasallos del clientelismo cultural
de la administración de turno. La poeta Vivas le gritó amenazante al miembro del público: “¡Us-
ted no sabe quién soy yo!”, y muy “independiente” se fue.
2. Palabras en juego
En el Pabellón de Bicentenario había otras dos exposiciones que merecen ser contrastadas. ‘Pa-
labras que nos cambiaron: lenguaje y poder en la independencia’ organizada por la Biblioteca
Luis Ángel Arango (BLAA) y ‘Bandos y proclamas’ organizada por la Biblioteca Nacional. Ambas
partían de una plataforma semejante, mirar a conciencia el uso público de las palabras y su
influencia política en el periodo de la independencia, además de dar un mirada a los medios
de difusión y publicación por donde circularon estos mensajes. A pesar que en el Pabellón del
Bicentenario las exposiciones contaron con un montaje de combate bastante apocado, en sus
respectivas sedes de origen, ambas exposiciones lucieron una propuesta gráfica como espacial
bastante acertada, con varias capas de lectura que iban desde la profundidad conceptual hasta el
goce meramente visual, desde la frase contundente hasta un uso cautivador de la anécdota. En
ambas se convocó artistas para que inspirados por la plataforma de las exposiciones sopesaran
los contenidos a la luz de la actualidad.
En ‘Bandos y proclamas’ el artista Hernando Barragán instaló un par de mesas y un sistema
digital de navegación que permitía recorrer los contenidos de los documentos de la exposición
a partir de palabras clave y dejaba ver gráficamente los términos que motivaron o no motiva-
ron la causa independentista: “sangre”, “patria”, “dios”, “lealtad” o “raza” mostraban resultados
luminosos, mientras que “amistad”, “lucro” o “soledad” permanecían en la sombra. Estas dos
máquinas discretas pero efectivas de Barragán complementaban muy bien el impecable trabajo
de diseño gráfico hecho por Camilo Umaña, un paroxismo visual basado en la tipografía origi-
nal de los documentos y que fue muy bien aprovechado e integrado al espacio por el museógrafo
Carlos Betancourt -los dos ya habían trabajado juntos en la acertada ‘La Vorágine’, expuesta en
la misma modesta pero bien aprovechada sala de la Biblioteca Nacional-.
El uso de los artistas en ‘Palabras que nos cambiaron’ no resultó tan acertado, y no porque los
artistas no hicieran un buen trabajo sino por la forma en que este fue exhibido. Se contrató una
imprenta de tipo tradicional, una máquina ya anacrónica atrapada entre ser pieza de museo o
bulto de chatarra, para que los artistas hicieran ahí carteles. Uno de los carteles expuestos evi-
denció la misma dinámica de su producción para hacer su proclama: “La BLAA invita a un grupo
de artistas a producir carteles conmemorativos del Bicentenario de la Independencia en los que,
se busca darle relevancia a la idea de LIBERTAD DE PRENSA. Sin embargo, los carteles produ-
cidos sólo circulan en entornos cerrados, vinculados a distintas instancias de control, promo-
ción y construcción de prestigio institucional. Prohibido fijar carteles aquí. Multa.” El mensaje
resultó profético: los carteles no se integraron a la exposición sino que fueron expuestos en una
pared a la entrada, una especie de muro de la infamia que emulaba una calle pero donde el ma-
sacote los anulaba, no lograban conectar con el resto de la exposición y mostrar con eficacia el
siempre en el ahora: “Las palabras: escritas, leídas, dichas o impresas, siguen siendo hoy armas
para las nuevas batallas”, rezaba un texto de la curaduría de esta exposición.
ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
11
Cortesía: Tangrama
Fue tanta la aprensión con estas obras que, como lo decía el cartel citado, la circulación se limitó
a esa área y no salió a la calle, como si pasó con una edición de carteles hechos para la exposición
de la Biblioteca Nacional para los que se contrató un pegotero que puso los bandos y proclamas
en varios puntos del centro de la ciudad. Incluso los afiches de los artistas convocados por la
“BLAA” no fueron meritorios para ser incluidos en el catálogo impreso, una decisión editorial
que afeó el jovial y acertado trabajo de diseño gráfico que hizo la compañía Tangrama para toda
la exposición. Donde sí se pueden ver los carteles es en la página de Internet de la exposición,
un portal impecable que le dará una vida larga a esta muestra (http://www.lablaa.org/palabras-
que-nos-cambiaron/carteles.html).
Como un eco al cartel profético, otro de los carteles no llegó siquiera a ser exhibido, mostraba
la imagen de un mandatario actual mirando una muestra de excrementos enmarcados, la ca-
ricatura iba acompañada de un texto irónico sobre las taras atávicas y burocráticas del sector
cultural. La curaduría de la exposición prefirió abstenerse de mostrar este cartel a pesar de que
todas las obras de los “artistas colombianos jóvenes” estaban enmarcadas bajo la cláusula pre-
cautelativa de que “sus contenidos no comprometen al Banco de la República.”
3. Efectos y afectos
Otras dos exposiciones se quedan casi al margen de este ejercicio de escritura hecho a partir del
uso del arte y los artistas en la bacanal cultural de la independencia. Se trata de ‘Video-Exposi-
ción del Bicentenario: Artes Visuales en Colombia desde 1810’ en el Museo de Arte Moderno de
Bogotá y de ‘Las historias de un grito: 200 años de ser colombianos’ en el Museo Nacional.
La primera promete “seis salas” y “más de mil artistas” en seis videos encargados a diferentes
realizadores bajo la batuta y supervisión de Eduardo Serrano. El día siguiente a la inauguración,
en tres de las salas no había proyección y en un museo desértico, vacío, con unos tímidos pego-
tes de prensa y documentos pegados como maltrechas muletillas museográficas, el espectador
podía ver tal vez la mitad de los artistas prometidos. La buena iniciativa de encargar y dar liber-
tad a diferentes realizadores para hacer los videos se veía contrastada con unos guiones apenas
sumarios, llenos de clichés y generalidades, un vademécum de tendencias, géneros y artistas
allanado por su propia inmensidad; tal vez es por la poca inspiración que sugieren los textos que
los videos solo logran dar cuenta de un manejo técnico impecable, sirven para conocer todos los
trucos hechos y por hacer en un programa de edición, incapaces de generar afectos, se limitan y
resignan a descrestar y narrar mediante efectos.
El contenido en Internet de esta exposición es nulo, es una imagen estática y pixelada. Todo
lo contrario a la exposición del Museo Nacional que cuenta con una campaña autónoma de
Internet donde a un creativo de la publicidad de origen argentino “le clavan la campaña” pro-
mocional, y le toca hacer uso de su “humildad” y “ausencia de esnobismo” para dar cuenta de la
independencia, este ejercicio delirante se limitó a la promoción, a lo virtual y puede ser disfru-
tado en http://chebicentenario.com/.
En cuanto a la exposición física el ejercicio resulta imposible de resumir pero a diferencia de la
ampulosa autopromoción del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBo) aquí, en el Mu-
seo Nacional, la cantidad (tres estaciones, 200 piezas, 130 imágenes de apoyo, 14 videos y 10
audios) se transforma en calidad y a pesar de lo abigarrado del montaje es posible seguir la
exposición por muchos caminos diferentes, un libre albedrío que pierde a propósito al espec-
tador y que más que un lector pasivo le pide ser un editor, escoger que trama privilegiar, por
ejemplo, decidir si debe encontrar la Patria entre los retratos tradicionales de hidalguía o seguir
las tramas menores y corajudas de personajes anónimos que desvirtúan el canon heróico de
la imagen de los próceres; escoger entre ver a todas las clases populares sublevadas como una
gleba peligrosa y sin control, o encontrar en ellos ejemplos dignos de mención que han sido
excluidos porque desvirtúan las memofichas con que los profesores jerárquicos dictan sus clases
de historia o lo académicos antediluvianos dictan sus ponencias para ser reconocidos por sus
pares criollos ilustrados.
El Museo Nacional no escatimó estrategias museográficas y aunque unas de ellas resultan car-
navalescas como la de ponerle un afro hirsuto a todos los bustos marmóreos de los próceres, la
experiencia demanda más de una visita y promete diferentes exposiciones para los más diversos
estados de ánimo. A la vez da gusto ver un Museo habitado, lleno de visitantes, con entrada gra-
tuita; ojala la norma de gratuidad se extienda más allá del 31 de diciembre de 2010, fecha hasta
la que dura el encanto, exposiciones como esta son para ver una y otra vez, por moda, de forma
instruida y cultural si se quiere pero también con independencia: por ocio, anarquía y azar.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
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Circular
BOGOTÁ
Alianza Francesa, Sede
Angélica Teuta: ‘Nuestro
Hasta septiembre 18

PROYECTOS Y EXHIBICIONES INSTITUCIONALES Durante los últimos años Angé

Cortesía: CCBogotá.
blema fotográfico, sin estar, es
gías: proyectores de acetato, cám
BOGOTÁ cosas encontradas. En esta opor
Sala Artecámara mente significativo para el luga
Cámara de Comercio de Bogotá El cielo, el horizonte y el agua, u
Centro Empresarial Chapinero cotidiana, configuran más que u
Cortesía: Alianza Francesa.
Jennifer Cano y Jaime Gamboa: ‘Trazos de juego’
Septiembre 8 - Octubre 6
CALI
‘Trazos de juego’, es una muestra compuesta por dos obras individuales de Jennifer Cano y Jai- Proartes
me Gamboa, resultado de una reflexión de los artistas ante las vivencias, experiencias y hábitos Gisela Savdie: ‘Carnaval’
del ser humano actual. Cano afirma que su obra, realizada en lápiz y óleo, “propone dibujos que Desde Septiembre 22
hacen alusión a la infancia y a los sentimientos que se generan una vez se piensa en ella desde
Para su primera muestra individual en Cali, Savdie ha elegido un
la madurez”. Por otro lado, y para Gamboa “los dibujos se componen por un comentario crítico su formación artística inicial. Partiendo de la tradicional fiesta an
al hábito y la irreflexión que a su vez absorben muchas de las acciones de la época actual, trans- captura de imágenes de los protagonistas anónimos de ese even
mitiendo cada pieza por medio de arte contemporáneo”. través del color, los contrastes de luz y el movimiento.

SANTA MARTA MONTERÍA

Galería Espacio Abierto Museo Zenú de Arte Contemporáneo - MUZAC
Muestra Colectiva: ‘Horizontes’ Beatriz González: Beatriz González / Anteimagen
Hasta octubre 10 Hasta septiembre 12

Una visión del paisaje y la Nación en el Bicentenario de la Independencia es la que pretende El Museo Zenú de Arte Contemporáneo MUZAC conmemora
mostrar la exposición ‘Horizontes’, un espacio para reflexionar sobre los colombianos y sus años con la exposición ‘Beatriz González / Anteimagen’, confor
logros como nación. Esta exhibición, incluye el trabajo de un numeroso grupo de artistas representativas de los diferentes momentos por los que ha pasad
nacionales. Los artistas participantes en esta exhibición son: Alberto Urdaneta, Carmelo décadas se preguntaba “¿Qué cree usted que es un artista? ¿Un im
Fernandez, Henry Price, Manuel María Paz, Andrés Buitrago, Andrés García La Rota, Car- ojos si es pintor, orejas si es músico o una lira en todos los pisos d
los Uribe, Cristo Hoyos, Edwin Jimeno, Eulália de Valdenebro, Guadalupe Ruiz, Juan Fer- ta, o incluso, si es un boxeador, únicamente músculos? Muy al co
nando Herrán, Mario Opazo, Marta Combariza, Miguel Ángel Rojas, Nadín Ospina, Óscar tiempo un ser político, constantemente alerta ante los desgarrad
Leone, Rafael Ortiz, Sergio Trujillo Magnenat y Stephen Ferry. ces acontecimientos del mundo, y amoldándose por completo a
Cortesía: Galería Espacio Abierto.

CARTAGENA
CALI
Sala de Exposiciones del Centro de Formación de
Sala de exposiciones de Lugar a Dudas
Muestra Colectiva: ‘Ripping, toma, mezcla, quema
Proyecto Editorial: ‘Point D’ironie, Publicación de Distribución Gratuita’
Hasta septiembre 25
Hasta septiembre 24
El anglicismo Ripping hace referencia a distintas estrategias de
‘Point d’ironie’ (punto de ironía) es un proyecto editorial que se basa en la idea de la “dispersión”. Fue concebido por la diseña- traer/duplicar información de manera forzada de un medio cod
dora francesa Agnès B en colaboración con el comisario suizo Hans Ulrich Obrist y el artista francés Christian Boltanski en cado, asi mismo señala emergencias y tensiones que se dan entre
1997. Su nombre se basa en un particular signo de puntuación, inventado a finales del siglo XIX por el escritor francés Alcanter regulación que ejercer el mercado sobre procesos y productos cul
de Brahm, que debería usarse al final de las frases para indicar los pasajes irónicos y sarcásticos de un texto. rales, y el ingenio que de esta situación se deriva. ‘Ripping’ reun
Cada número de Point D’ironie, ofrece al artista invitado un espacio en papel tamaño tabloide de 8 páginas para que lo inter- proyectos que asumen la accion de ripear como estrategia creati
venga. Esta intervención o comisión original, tiene un tiraje de 100.000 a 300.000 copias que se distribuyen de manera gratuita al dar uso a datos, equipos, formas y productos artísticos y/o c
en diversos lugares del mundo como almacenes de diseño, museos, galerías, cafés, salas de cine y otras instituciones culturales. turales preexistentes, recombinándolos para producir algo nue
siguiendo la sentencia del filósofo Wittgenstein “No busquen
MEDELLÍN significado, busquen el uso”.
Cámara de Comercio de Medellín para Antioquia
Luis Fernando Escobar: ‘Interior – Exterior’ SANTA FE DE ANTIOQUIA
Septiembre 9 - Octubre 8 La Casa, Residencias Artíst
Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. Muestra Colectiva: ‘Herenc
En la producción reciente que nos ofrece Luis Fernando Escobar se encuentra una tensión Hasta octubre 3
entre horizontalidades y verticalidades sometidas a un ejercicio compositivo a través de las
gradaciones de una paleta densa construye bloques aislados en medio de las avenidas y los La propuesta de arte contemporán
muros ciegos de ciudad para otorgar una fluidez espacial de alta estética. Una pintura que Patrimonio de Colombia en Santa
establece elementos para dialogar con el paisaje que ella misma contiene, una experien- herencias en un sentido amplio. D
cia que teatraliza las sombras para “añadir a la sombra una dimensión en el sentido de la incluyen obra anterior. Los artista
profundidad”1, unas visualidades que dan cuenta de las frecuencias sonoras y sensoriales, temas indígenas, señalando la imp
una superficie que recoge la luz y, es precisamente en ese juego de luz y sombra y en esas bajado ampliamente sobre el tema
tensiones visuales de una geometría propia en donde se reconfigura el espacio rigurosamente Cortesía: CC Medellín. Antioquia, ha realizado una reside
vacío de las -pinturas negras- de Escobar. Cortesía: Banasta. su residencia realizó fotografías ex
1. Tanizaki, Junichiro. El elogio de la sombra , Ed. Siruela (trad. Julia Escobar).
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13
BOGOTÁ
centro Casa de Moneda- Banco de la República
o Lugar Favorito’ Muestra Colectiva:
´Re(cámaras): Espacios para la fotografia extendida´
Por: Santiago Rueda Hasta octubre 27
Con la curaduría de María Wills, la muestra pretende
élica Teuta ha realizado una serie de instalaciones donde el pro-
revisar la Colección de Arte del Banco de la República a
el motivo y la motivación. Para ello se vale de las bajas tecnolo-
partir de una reflexión sobre los desplazamientos que se
maras oscuras, películas, papel, celofán, balso, resortes, cintas y
han visto en el territorio de la fotografía contemporánea.
rtunidad, Teuta quiere otorgar un espacio de descanso, esencial-
Las obras presentadas intentan poner en evidencia cómo
ar de esta sala de exposiciones, situada en el centro de la ciudad.
la experiencia artística le permite a lo fotográfico mani-
una referencia a Seurat y Viola y sus observaciones sobre la vida
festarse con un lenguaje que oscila entre lo documental
una situación, un espacio y un estado perceptual.
y lo artificial, lo bidimensional y lo tridimensional, lo ins-
tantáneo y lo lento, borrando conceptos antagónicos y ca-
tegorizaciones tradicionales del medio. ´Re(cámaras)´, in-
cluye las obras de Fernell Franco, Rosario López, Liliana
Angulo, Juan Fernando Herrán, María Elvira Escallón,
Miguel Angel Rojas, Óscar Muñoz, Fernando Arias, Vic-
Cortesía: Casa de la Moneda, Banco de la República. tor Robledo, Angélica Teuta y Gloria Posada entre otros.
na serie sobre el Carnaval de Barranquilla, ciudad donde recibió
nual anterior a la Cuaresma, Gisela Savdie realiza su obra tras la
nto, intentando comunicar la energía y potenciar las imágenes a CALI
Museo La Tertulia
‘Museo La Tertulia 54 años de historia’
Hasta octubre 24
n La muestra es un homenaje a la edificación que con el
tiempo se ha convertido en un hito arquitectónico de la
región. El recorrido histórico que presenta la exposición
a sus primeros cinco
´Museo La Tertulia, 54 años de historia´, enmarca un
rmada por 16 piezas
proceso de crecimiento, adquisición y adecuaciones
do la artista que hace
físicas desde una casa en el barrio San Antonio,
mbécil que sólo tiene
pasando por la construcción de la actual sede sobre
del corazón si es poe-
la Avenida Colombia, hasta el más reciente proyecto Cortesía: Museo La Tertulia.
ontrario, es al mismo
de remodelación y modernización que contempla el
dores, ardientes o dul-
montaje de su Colección de manera permanente. La sala
su imagen”. Cortesía: Museo Zenú.
didáctica que acompaña la exposición se presenta como un espacio complementario y formativo ofreciendo al publico neófito
la oportunidad de enfrentarse a imágenes, obras de arte e historias frente a las cuales no había tanto interés anteriormente.

e la Cooperación Española
BOGOTÁ
a’
Museo de Arte y Cultura de Colsubsidio
Carlos Kravetz: ´Efímero y Permanente´
ex- Desde Septiembre 2
difi-
e la La dualidad entre lo que se mantiene tras el paso del tiempo, y lo que
ltu- se construye para desaparecer constituye la esencia de la muestra
ne 3 ´Efímero y Permanente´del artista argentino Carlos Kravetz. Tras el
iva, uso de técnicas como la pintura y la fotografía –asociadas con la per-
cul- manencia- y el dibujo y la instalación –en relación con lo efímero-,
evo, Kravetz busca narrar diferentes maneras en las que se asume la vida
n el actual. La muestra está conformada por siete series de obras, tres de
Cortesía: Sala Expos. Centro de Formación, Cooperación Española ellas desarrolladas en pintura: ‘Espacios imaginarios’, ‘Cartografías’ y Cortesía: Museo Colsubsidio.
‘Ensueños urbanos’; una a través del trabajo gráfico digital: ‘El dibujo
trotamundo’; dos en fotografía: ‘Suelos y paredes’ y ‘Abstracto y real’ y
por último, ‘Permanencia inestable’ como instalación con dibujos de mesa que invita a la participación del público visitante.
ticas Banasta
cias’.
CALI
Centro Cultural Comfandi
neo puesta en escena durante el Congreso de la Red de Pueblos
César García – Coco: ´Los días que nos quedan´
Fe de Antioquia, incluye artistas que trabajan o responden a las
Desde Septiembre 16
De los cuatro artistas invitados, dos realizaron residencia y dos
as invitados son: Antonio Caro, quien ha trabajado alrededor de
‘Los días que nos quedan’, es una muestra individual en la que García presenta las obras
portancia del maíz y del achiote. Liliana Angulo, quien ha tra-
resultado de su proyecto artístico realizado en los últimos años. A través de pinturas, ela-
a afro en Colombia. Julián Urrego, descendiente de Santa Fe de
boradas en técnicas mixtas, el artista intenta plasmar sus diferentes intereses creativos,
encia donde explora relaciones familiares y Jorge Ortiz, durante
proponiendo al espectador la posibilidad de descubrirlos tras su recorrido.
xperimentales que hablan del patrimonio natural y del territorio. Cortesía: Centro Cultural Comfandi.

Artes visuales,
música, danza
y cine.

16 EXPERTOS, ENTRE ELLOS

Ibis Hernández - Curadora de la Bienal de la Habana, Gustavo INSCRIPCIONES GRATUITAS:
Del 21 al 23 de septiembre Chirolla - Filósofo, Roberto Burgos - Escritor, Ciro Guerra - Cineasta eventos@museobolivariano.org.co - Teléfono: (095)4332994
Santa Marta
Museo Bolivariano Consulte la programación en Organizan:
42 Salón
Nacional
www.mincultura.gov.co
De Artistas
de Arte Contemporáneo independientemente
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
14
Desde la antropología del arte
Experiencia Esté
Epatismo y Revu
“El alma de las cosas”, Interior de tumba prehispánica tallada en piedra, Alto de El Duende, Tierradentro, Cauca, Colombia.
Imagen de: Serie Sevilla - Varona 2009.
A
nte la gentil invitación de escribir una nota desde
la antropología del arte, comparto un punto de la
conferencia con que participé recientemente en la
serie de ganadores del Premio Nacional de Crítica.
Es posible que lo que aquí propongo aparezca como distante y
problemático para los lectores de ARTERIA, porque no compar-
timos necesariamente paradigmas. Los antropólogos pensamos
el arte en modo algo diferente a como piensa, por ejemplo, un
curador o artista de los que escriben en este mismo medio. Sin
embargo, como de exponer ideas se trata, aquí van unas cuantas
para iniciar el diálogo.
Coincido plenamente con Nelson Goodman en que es iluso-
rio definir qué es arte. El filósofo sugirió razonablemente que
es mejor preguntarse cuándo hay arte. Para tal fin propuso una
serie de indicios formales derivados de su teoría de la creación
de versiones de mundos, entre ellos los que por convención
denominamos estéticos o artísticos. Los indicios de que en un
determinado momento o sitio del planeta puede haber arte
son: (1) densidad sintáctica, (2) densidad semántica, (3) com-
ALIANZA
Uniendo esfuerzos y compartiéndo objetivos de generar espacios para la introducción
a las artes plásticas y visuales, la Agenda Cultural del Gimnasio Moderno y
la Fundación Arteria, estarán desarrollando actividades de vinculación a nuevos públicos
y de forma gratuita, al interior de la Biblioteca y el Ático del Cocodrilo del
Gimnasio Moderno bajo la coordinación de Arteria.
www.fundacionarteria.org
pletud relativa, (4) ejemplificación, y (5) referencia compleja y
múltiple. No me detengo en explicar estas categorías de indi-
cios por limitaciones de espacio. Se trata de indicios formales,
que apuntan a la manera como los productores construyen con
símbolos de base material las versiones de mundos en cuestión.
Con qué se representa es menos importante. En otras palabras,
Goodman no da pie a definiciones esencialistas de lo que es el
arte: cualquier cosa, en cualquier momento, puede generar ex-
periencias estéticas si en la obra u ocasión hay alguno o algunos
de esos elementos indiciales. No se necesitan por tanto salones
y escenarios especializados para que aparezca el arte, pues los
indicios pueden darse en todos los puntos del planeta, en todos
los tiempos y en todas las culturas. Vista así, la expresión y re-
cepción estética es una manifestación de la condición humana
como tal. Se trata entonces de una condición antropológica. Los
escenarios (Art-worlds) occidentales con su autonomización e
institucionalización, y a pesar de su globalización hegemónica y
del enorme poder de su entramado, constituyen apenas uno de
los caminos que ha tomado, en la historia de la humanidad, la
representación artística y el ejercicio o disfrute de la sensibilidad
www.gimnasiomoderno.edu.co
o estética. Ahora bien, agrega Goodman, la presencia de algunos
de esos indicios no necesariamente indica que se trata de “buen
arte” porque hay de todo en este mundo ancho y ajeno. También
arte mediocre y arte que apenas si merece el nombre. Este, en
términos de la poética hablada se llamaría balbuceo.
Otra manera de establecer la universalidad antropológica de las
manifestaciones estéticas es usar el retruécano que nos propone
Alfred Gell, -un antropólogo británico que murió en plena ju-
ventud-. Habló que la experiencia estética, generadora de arte,
ocurre cuando en una obra o momento determinados confluyen
la tecnología del encantamiento y el encantamiento de la tecno-
logía. El ejemplo que trajo fue la respuesta altamente conmocio-
nada de ciertos pueblos de Nueva Guinea ante los elaborados
mascarones de proa de ciertas medianas y pequeñas naves que
se mueven en circuitos rituales de intercambio denominados
kula. Observen que habla de encantar, un proceso que no pocos
estudiosos de la cultura, entre los que sobresalen Pierre Bour-
dieu, relacionan con la creencia, más aún con la creencia tauma-
túrgica, aquella que está detrás de los milagros.
Obsérvese también que tecnología viene del griego tecné que
en latín se dice ars, de donde viene arte, en referencia al virtuo-
sismo, a la habilidad de hacer. Hay ciertas personas que con su
virtuosismo en trabajar la materia, sea la física o la social/simbó-
lica, o ambas, hacen obras -incluyendo en ellas las performances
varias con el cuerpo, el espacio, la escena…lo que quieran- que
causan el milagro de trasladar a las audiencias a otra dimensión.
La tecnología del encantamiento, que opera por efecto de creen-
cia, hace que la respuesta sea un encantamiento con el producto
de esa tecnología. Se trata de un estado especial en que la sensi-
bilidad humana se pone a flor de piel y con ella uno se adentra
en versiones de mundos que están en otra dimensión. Hablo de
taumaturgia para referirme a la dupla mágica del productor/re-
ceptor, individual o colectivo, anónimo o con nombre, que hace
el milagro que ocurran esas experiencias estéticas.
Estética viene de aisthesis, sensibilidad, y su antónimo es aneste-
sia, no la neurológica sino la simbólica, la que nos impide hacer
el mencionado ejercicio de suspensión de la descreencia. Aque-
lla, por ejemplo, que impide apreciar una obra de teatro calleje-
ro porque el interés y atención están en la cartera o en la novia
del vecino. Es la anestesia que, con el nombre de hemiplejia o
parálisis espiritual, fue una obsesión maldita de James Joyce,
quien decía que ocupaba todos los resquicios de la vida ordinaria
y turbia de los dublineses de su tiempo. Estética en occidente, a
partir de Diderot, Baumgarten, Kant y otros europeos conti-

tica, Esteticismo,
ulsivos
“La petridad de la piedra”, en arquitectura/escultura inca prehispanica.
imagen de: http://www.piotarantino.it/peru/Dett_mura.jpg.
nentales, tomó una significación hegemónica que poco a poco,
con el ascenso de la burguesía, fue cerrándose sobre sí misma
hasta llegar al esteticismo de los salones refinados, fríos museos,
salas de concierto, exposiciones y curadurías. Llevó a imponer
la creencia de que sólo en esos templos cerrados, se podía tener
experiencias estéticas, concebidas como fruición de lo bello. Sa-
bemos también que, en reacción, desde comienzos del siglo XX
hubo desplantes y cargas de fondo contra esta involución esteti-
cista de la estética. Curiosamente, esos desplantes procedían y,
por lo general siguen procediendo, de la misma institucionalidad
y apuntan a ella como lo hacen las vanguardias que ella genera.
Finalmente son absorbidas porque la institucionalidad las coop-
ta, consagrándolas, haciéndolas parte de su sistema. Se amplía
así el rango de la involución estética hasta incluir lo feo, lo espe-
luznante y lo desagradable y lo que linda con los fundamentos
éticos que rigen la civilidad, como cuando se utilizan cadáveres
como espectáculo o se estetiza la violencia con el pretexto de
acusarla. Estos proponentes obran siempre con miras a la ins-
titucionalidad en un proceso curioso en que domina, y se con-
sidera suficiente, la acción impune de épater les bourgeois, epatar
la institucionalidad, como se diría en castellano. Como los niños
maleducados que escupen pero sólo cuando la mamá los mira.
Epatar y sólo epatar es entonces el otro polo de la involución
de esta tradición euro-newyork-centrada: es suficiente epatar,
escandalizar, hacer lo inverosímil, lo chocante, lo que hoy lla-
man, utilizando resignificaciones caché de términos antiguos, lo
abyecto y lo obsceno. Ejemplos: comerse los propios excremen-
tos -literalmente volverse comemierdas-, o empacarlos, dejar
-aparentemente- morir un perro de hambre, exponer cadáveres
plastinados, restregar en una pared la suciedad de un mendigo
-con o sin permiso autónomo del “desechable social”-, dibujar
o tallar vaginas devoradoras en los muros, teñirlas con sangre
menstrual, empacar en una caja acrílica de orines un crucifijo,
ARTERIA. Ed 25
y tantas otras originalidades -aunque algunas no tanto porque
son copiadas del internet y traídas al contexto provinciano para
“descrestar a calentanos”-. Como los proponentes piensan en
la reacción negativa neo-burguesa, actúan como sucedáneos
pobres de la genuina generación de experiencias estéticas. No
apuntan, o apuntan mal, al alma de las cosas de la que hablaré
enseguida aunque para algunos, tal vez, ésta sea la única manera
de llegar a esa alma. En resumen picante: el esteticismo es un
extremo de la involución de la tradición euro-newyork-centrada.
El otro, por reacción, es el epatismo. Y perdonen el neologismo.
James Joyce y la hemiplejia espiritual según el National Post de Dublín.
Imagen de: http://arts.nationalpost.com/2010/06/16/
re-joyce-you-could-also-call-it-st-james-day/
Algo distinto tengo en mente cuando desde la antropología hablo
de arte y de experiencia estética a través de las culturas. Stephen
Dedalus, -el protagonista de la temprana novela de Joyce-, tuvo
una experiencia estética a la orilla de un sucio río, y fue tan
maravillosa que Joyce, el autor de la novela, no tuvo otra opción
que llamarla epifanía. Epifanía es para los que, como Joyce,
conocen bien el ritual católico, la manifestación esplendorosa,
apabullante, del Jesús ante los Reyes Magos: un bebé de una
pobre mujer judía nacido en un establo sucio de boñiga, y tal vez
de otras cosas, es tratado como rey. Todo visto a otra luz, en este
caso por creencia religiosa, no estética. Epifanía, según Joyce, era
la manifestación esplendorosa, en contextos aun vulgares, “del
alma de las cosas”, aun de las cosas más prosáicas y feas. Varios
pensadores, entre ellos Barthes y Borges, han dicho que el arte
genuino nos acerca a la significación genuina de las cosas por sí
mismas, a su alma simbólica. Nos saca de lo ordinario y literal
para mostrarlas a otra luz. Aunque el término no es original de
Joyce en su aplicación al arte, desde su tiempo se hizo común en
los medios críticos decir que el arte genera epifanías. Entonces,
sin la referencia necesaria al eje del esteticismo y epatismo euro-
newyork-centrado que he criticado, se dan epifanías individuales
y colectivas a lo largo y ancho del planeta, incluso donde y cuando
menos lo piensan los dependientes de salones hegemónicos.
Septiembre - Octubre 2010
15
Por: Elías Sevilla*
Detalle de la proa de una canoa del ritual Kula en Nueva Guinea actual.
Imagen de: http://www.opticalillusion.net/optical-illusions/aesthetics-
and-preception-kula-trade-canoes/
Porque fuera de la institucionalidad hay puntos y momentos en
que expertos o virtuosos en la tecnología del arte así entendido,
encantan con sus obras y performances a otros -y a sí mismos-.
Esos medios culturales rara vez necesitan de epatismos porque
no están disminuidos por la hemiplejia espiritual joycena, como
sí lo está nuestra sociedad mediatizada, la que tal vez sí necesita
-al parecer, por lo visto- de revulsivos, es decir de epatismos cada
vez más extremos. La operación estética, al decir de Borges,
es como la acción maravillosa de los cuentos de las Mil y Una
Noches a los que él quiso emular: distraen y conmueven. Una
manera bella y simple de hablar de epifanías.
*Hizo estudios posgraduados en Italia y Chicago. En esta ciudad
obtuvo su título doctoral (PhD) en antropología. Es Profesor Titular
de la Universidad del Valle en Cali, de donde se jubiló en 2006. Allí
abrió cursos de sociología y antropología del arte para estudiantes
de la universidad y artistas de la ciudad. Sigue vinculado a Univalle
como asesor e investigador en la Facultad de Artes Integradas. Ha
trabajado por décadas con los indígenas nasa de Tierradentro y ahora
centra su atención en el arte prehispánico del Parque Arqueológico. En
1994 ganó el Premio Nacional de Antropología (Colcultura), en 1997
el Premio Nacional de Arte-Comunicación (Universidad del Valle), y
en 2008 el Premio Nacional de Crítica (Mincultura, Universidad de los
Andes). Email: eliasevilla@gmail.com
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
16

BOGOTÁ
Galerías Cortesía: Galería El Museo

Cortesía: LA Galería
Adriana Salazar: ‘Ejercicios
de Desaparición’
LA Galería
Septiembre 16 - Octubre 14
Cortesía: Estuario Galería
En esta muestra se trazan tres lí-
neas problemáticas. La primera es BOGOTÁ BOGOTÁ
la sustancia material inestable del María Cristina Cortés: ‘Quebrantos’ Scott Betz: ‘New Experiments’
objeto, que es confundida y com- Galería El Museo Estuario Galería
parada con la fisicalidad del sujeto; Septiembre 18 - Octubre 9 Septiembre 16 -
un ejemplo de esta confusión es la Octubre 13
Sombrilla Rota: un objeto inútil y ‘Quebrantos’, cuenta con 28 piezas elaboradas en una técni-
abandonado puede adquirir la ex- ca mixta. Esta mezcla de imágenes recortadas, impresas, o Las múltiples instalaciones que Betz ha creado pretenden ex-
presividad de un cuerpo que sufre. pintadas, produce como resultado una obra que intenta mo- plorar la relación entre el dibujo estático y la referencia de la
La segunda, es la desaparición del sujeto como una presencia verse entre la abstracción y la figuración, de tal forma que elaboración del video dinámico. El proceso transitorio entre
corporal diferenciada y única. Mediante esta línea, Salazar la obra final es el resultado de su propia interpretación del lo virtual y lo real con un trazo y un planteamiento concep-
intenta acercarse a la falta de conciencia que se tiene sobre la paisaje. Como ella misma lo afirma, su trabajo se ha basado tual crítico, son las directrices que definen toda su obra, utili-
subjetividad propia, debido a la estandardización. La tercera en “una permanente búsqueda e interés en la naturaleza, que zando metáforas de la narrativa del miedo humano en el de-
línea está basada en cómo el sujeto y el objeto son conside- moviéndose entre los delgados límites que hay entre la figu- safío y la supervivencia de nuestro mundo contemporáneo.
rados iguales bajo la perspectiva del valor del intercambio ración y la abstracción, ha creado un lenguaje personal y con- Cortesía: Galería El Nogal.
comercial del capitalismo: en Monedas Borradas y Cincuenta temporáneo de representación de los diferentes elementos y
Mil, el dinero se convierte en una metáfora de cómo su pro- símbolos que hacen parte del paisaje”.
pia devaluación determina la naturaleza del sujeto.

Cortesía: atGallery. Cortesía: Galería Christopher Paschall s. XX

BOGOTÁ
Juan Cárdenas: ‘La Tradición, Fuente
Contemporánea’
Galería El Nogal
BOGOTÁ Hasta septiembre 16
BOGOTÁ Lorena Espitia y Sair García: ‘Arte Político Por: Ana María Lozano
Juan Andrés Guillot y Felipe González: Decorativo y Lógica Matemática’
‘Exploraciones 2010’ Galeria Christopher Paschall s. XX Juan Cárdenas explora un espacio en el cual, tensiona dos
atGallery y el Taller de Obra Gráfica Hasta septiembre 17 posibilidades de la representación. Por una parte, el receptor
González-Cerón puede percibir una ejecución minuciosamente ilusionista,
Hasta septiembre 24 La muestra de Sair García se concentra en el error de la ope- con datos de profundidad de campo, de distancias, de volú-
ración que desencadenó los falsos positivos en Colombia, menes, de convincentes descripciones de luces y de sombras;
El proyecto ‘Exploraciones’ es un evento que intenta des- enfocando su investigación en torno a la lógica matemáti- pero, al tiempo, de manera paradójica, debe reconocer la geo-
tacar el trabajo realizado por dos de los artistas residentes ca, siempre al servicio de la guerra, haciendo analogías entre metría, las líneas estructurales y así, hacerse consciente del
del taller durante el último año. En esta ocasión los artistas las operaciones matemáticas y las operaciones militares. En artificio de lo pictórico, ante la evidencia de la planitud del
invitados; reúnen 22 piezas litográficas, trabajo en el cual contraposición, Espitia se pregunta por la posibilidad real de lienzo mismo, de su superficie. (...) En sus paisajes y tapias,
pretenden considerar en varios aspectos: su desarrollo en el transformación política que una pieza artística puede pro- por ejemplo, la mirada del observador se extiende hacia el
lenguaje gráfico de una técnica, de por sí exigente, y de esa vocar en la actualidad, cuando el mercado del arte es capaz horizonte, recorriendo primeros planos, segundos planos, en
búsqueda por nuevas rutas que abran senderos viables para de dar cabida y asimilar cualquier tipo de enunciado político, la expectativa de perderse en un horizonte infinito, impreci-
una propuesta plástica enmarcada dentro de las exigencias transformándolo en un producto sin aristas ni conflictos, lis- sable (...). Territorios en los cuales los límites entre espacio
contemporáneas, siempre llenas de innovación y sorpresa. to para el consumo del público. rural y espacio urbano han ido desapareciendo.
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 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
17
BOGOTÁ BOGOTÁ Cortesía: The Warehouse Art BOGOTÁ
Carlos Salas: ‘Cartografía de la nada’ Muestra colectiva: Nohemí Pérez: ‘Babilonia’
Galería Mundo ‘Outsiders – exposición Alonso Garcés Galería
Hasta Noviembre de arte urbano’ Hasta septiembre 30
The Warehouse Art Por: Ma. Cristina Pignalosa
Septiembre 23 -

Cortesía: Alonso Garcés Galería.

Esta exposición es el cierre del ciclo diez por 10 + uno, en el
que once artistas realizaron una muestra individual de sus Octubre 17 En su trabajo, dice la artista Nohemí
obras y revelaron el panorama actual del arte en Colombia, Pérez, “empecé a sentir una necesidad
además de la diversidad de propuestas temáticas y técnicas Una propuesta de arte urbano de vuelco hacia afuera, a aproximarme
que existen en el campo del arte. A través de su obra, Salas, que reúne la experiencia ca- a lo tridimensional”. Decidió entonces
pretende dejar sus Marcas del Sentimiento, materializadas llejera de once artistas, que trabajan con la intervención del experimentar con el grafito, un mate-
en la técnica de construcción de sus pinturas, por capas, por espacio, la instalación, y la memoria de ciudad. Este proyecto, rial que se usa igual para dibujar, una
sobre posiciones, en las que en cada uno de los fragmentos que cuenta con la participación de un colectivo de artistas de las técnicas que más ha utilizado.
de sus lienzos se descubren las huellas de su ser, porque re- urbanos bajo la conceptualización y diseño de Orfanato Co- La muestra titulada ‘Babilonia’ se
crean intrínsecamente las inquietudes, las respuestas, las lectivo, le apuesta a la creación de nuevos lenguajes y expre- compone de 15 esculturas para pared
vivencias y los recuerdos del artista. Con Cartografía de la siones de arte con el fin de crear nexos en el medio artístico en pequeño formato y una pieza de grandes dimensiones que
Nada el artista demuestra que nunca ha estado ausente, sino global. incluye formas de 12 edificios ó una docena de nuevas ciu-
más presente que nunca. dades, con un nuevo orden, que incitan a pensar según dice
CIUDAD DE MÉXICO ella “en el poder inclinado, cansado o hasta pidiendo perdón”.
Carlos Bonil: ‘Restos’ Adicionalmente muestra tres esculturas talladas en carbón y
El 52 una docena de dibujos sobre edificios emblemáticos del po-
Hasta septiembre 26 der en el mundo.
Cortesía: Arte Consultores
Las esculturas de Bonil son en-
samblajes fabricados con partes
de tarros de plástico, ganchos,
motores, cubiertos desechables
y otros objetos de uso cotidiano
que en el proceso adquieren una BOGOTÁ
nueva dimensión y significa- Daniela Mejía: ‘Naturalmente’
ción. Las esculturas resultantes Arte Consultores
de este proceso de reciclaje y de Cortesía: El 52. Septiembre 23 - Octubre 14
adaptación son representacio-
nes figurativas y personajes del Como si desafiaran el paso del tiempo, estas obras intentan
paisaje personal que él alimenta. Algunas piezas son máqui- capturar silenciosamente un momento de paz y tranquilidad
nas artificiosas que generan por sí mismas movimiento y que en la naturaleza de la tierra. Los paisajes de Mejía pretenden
Cortesía: Galería Mundo. utilizan principios de mecánica, física, química aproximando inspirar serenidad, hacer que el espectador se detenga en el
el ambiente de taller al de un laboratorio. tiempo y simplemente, observe. Con 16 nuevas obras de pe-
BOGOTÁ queño y mediano formato hechas en óleo sobre lienzo, Mejía
Ana Mercedes quiere percibir los elementos más fundamentales de la natu-
Hoyos, Catalina raleza y traducirlos con una técnica pausada sobre el lienzo,
Ortiz, Lucas Ospina, haciendo que la realidad de estos paisajes se encuentre con
Adriana Ramírez: ‘En todas sus complejidades.
la línea’
Galería Espacio MADRID - ESPAÑA
Cortesía: Galería Espacio Alterno.

Alterno de Germán Gómez:

Uniandinos ‘De Padres e Hijos’
Hasta octubre 8 Galería Fernando

Cortesía: Galería Fernando Pradilla

Cortesía: Galería Nueveochenta.
Pradilla
´En la línea´, se presenta BOGOTÁ Septiembre 15 -
como momento de reunión Nicolás Consuegra: ‘Pasado tiempo futuro’ Octubre 23
de cuatro artistas que la Galería Nueveochenta
abordan desde dos áreas: Hasta septiembre 30 ‘De padres y de hijos’
I. En una relación cotidia- quiere reflexionar sobre
na, la línea se familiariza Interesado por ciertos aspectos visuales y arquitectónicos de lo que fuimos, somos y
con el dibujo como técnica, las décadas de los 60s y 70s en Bogotá, Consuegra desarrolla seremos, sobre la vulne-
sirviendo como su elemento gráfico y por ende, protagónico. su proyecto ‘Pasado tiempo futuro’. A partir de una fotografía rabilidad e indefensión
Al describir, es ella quien concreta, define y da cuerpo a una de un interior doméstico tomada en Bogotá por el fotógrafo ante el paso del tiempo;
idea. de origen alemán Paul Beer. Consuegra desarrolla un mode- señales sutiles de una transformación inexorable que va
II. En su naturaleza delimitadora la línea se refiere a todo; y lo tridimensional con el que pretende “construir” de nuevo la acumulando arrugas físicas y emocionales. La constatación
de manera inconsciente es ella quien posibilita la representa- imagen. En este acto, el artista desarrolla un ambiente donde de la experiencia, a veces desapercibida, del arribo lento e
ción. Las adhesiones espaciales, superficiales y volumétricas todos los elementos se perciben en blanco y negro. Vincu- irremediable del declive. Con este nuevo proyecto Gómez
se hacen posibles en la sugerencia del contorno que da la lí- lando la fotografía con la arquitectura, Consuegra manipula presenta una serie de retratos, con los que pretende indagar
nea, pero en sí, su existencia es irreal. La contradicción entre una serie de fotografías de interiores arquitectónicos toma- en los resortes de la identidad a través de las relaciones filia-
la representación de realidad y la irrealidad del elemento que das por el fotógrafo colombiano Manuel H. Rodríguez y las les padre e hijo, intentando recomponer esa mirada siempre
la representa es un juego mental hacia la síntesis y la ilustra- modifica sutilmente para generar una serie de juegos visuales fragmentada y subjetiva de la compleja imagen fotografiada,
ción de lo intangible. conocidos como “encuentre la diferencia”. remachada, perforada, dibujada, herida, suturada.

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 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
18
Museo de Arte Visuales - MAV
Una mirada
Artes Visuales
Contribución efectiva para el
Por: Ma. Cristina Pignalosa
D
esde su fundación en noviembre de 2007, el Museo de Artes Visuales (MAV)
de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, ha buscado marcar una pauta en la
divulgación y promoción de la plástica nacional e internacional, manteniendo
como objetivo la proyección de jóvenes talentos, el acompañamiento a nuevas
propuestas, el apoyo a reconocidos artistas y propiciar reflexiones en torno al arte y sus
creadores.
Realiza en promedio seis exposiciones temporales anualmente, inauguradas bimenstral-
mente, con una duración aproximada de 40 días y con espacios especiales reservados de-
nominados ‘Franjas Estudiantiles’, dedicados a los profesores y alumnos de arte y diseño
de dicho centro universitario. Cada exposición se acompaña de un catálogo ilustrado o
un plegable; en algunas ocasiones se complementa con visitas guiadas y conferencias
sobre el artista expositor del momento.
Las exhibiciones se programan con dos años de anticipación, de acuerdo con el comité
curatorial y evaluador, conformado por la crítica e investigadora de arte Ana María Es-
callón, quien además ejerce funciones como curadora, la nueva y recién nombrada direc-
tora del programa de arte, critica e historiadora de arte Carmen María Jaramillo, el di-
señador Dicken Castro, el arquitecto Decano de diseño Alberto Saldarriaga, la directora
del programa de diseño gráfico Pastora Correa y el abogado Juan Francisco Hernández.
Anteriormente, desde sus inicios, estuvo vinculado al comité el historiador y crítico de
arte Germán Rubiano Caballero, ahora retirado.
Este comite es quien decide que proyectos y exhibiciones se muestran y marcan su rum-
bo, que según dice la directora del Museo Isabel Vernaza, está enfocado a ser “un centro
de atención del arte, especializado en educación, formación y promoción de las artes,
que impulsa el desarrollo artístico”. Hace parte del complejo cultural de la universidad
que incluye el Auditorio Fabio Lozano; ambos bajo la dirección de Vernaza, quien dice
“promueve la discusión sobre la cultura y las artes, de la misma manera que lo hace el
auditorio con su programación musical”.
Las bases
El anterior director del programa de arte, miembro del comité y artista Víctor Laignelet,
quien antes de su retiro de la Universidad dejó sentadas las bases del mencionado comité
así: “El proyecto curatorial demanda de quien lo formula la producción de soportes: teó-
ricos, conceptuales, reflexivos y visuales que se convierten en aportes pedagógicos a la
academia. La figura de curaduría permite que los proyectos de exposición sean plurales,
que no se manejen desde la noción de nombres sino de proyectos que formulados por un
curador resultan importantes para los fines de la curaduría, la academia, el ámbito cultu-
ral y social. Las curadurías establecen compromisos con el arte contemporáneo o revisio-
nes del orden histórico que son actualizadas a través del pensamiento contemporáneo”.
Cualquier artista puede solicitar un espacio para la exhibición de su obra, pero por nor-
mas se les dará prioridad a alumnos, ex alumnos y profesores de la universidad. La soli-
citud debe cumplir con los siguientes criterios. Debe hacer una descripción técnica de su
obra y señalar la técnica empleada, si es pintura, escultura, dibujo, fotografía, instalación
u otro. Debe así mismo hacer una presentación conceptual de lo que quiere transmitir
con su obra y describir brevemente el marco teórico de su trabajo, mencionando si es arte
tridimensional, video, instalación, video-arte o performancias.
Se requiere que incluya su propuesta para el montaje de la obra a exhibir, sus dimensio-
nes y número de piezas. Deberá además mencionar que aporte académico hará, conferen-
cias, talleres o visitas guiada y anexar un soporte visual de lo que va a exponer y su hoja
de vida. Con los requisitos entregados debe esperar a que el comité evalúe su propuesta
y responda.
Espacio Físico
El museo fue diseñado por el arquitecto Daniel Bermúdez, quien a su vez proyectó el
edificio de postgrados y el auditorio de música de dicho centro académico. Está ubicado
en la plaza principal de la universidad y tiene una dimensión de 36 metros de largo por
8 metros. de ancho y una altura de 4 metros, con un sistema especial de iluminación
modular. Su interior es adaptable para muestras de pequeño, mediano y gran formato
de pinturas, dibujos, fotografías, así como para esculturas y medios audiovisuales y la
correcta exhibición de cartas, videos, documentos y objetos testimoniales.
Tiene un depósito donde se guarda la colección con los cuidados necesarios y aunque no
está climatizado, si tiene la temperatura requerida para almacenar debidamente obras de
arte de todo tipo.
Exposiciones realizadas
El MAV abrió sus puertas con la exhibición de la donación hecha por el artista Manuel
Hernández, compuesta por 160 dibujos y 80 libretas de apuntes y bocetos. Es una im-
portante colección que resume su línea estética, pues cubre desde 1952, cuando incur-
sionó en la figuración cubista, hasta su interés más reciente por la abstracción. “Hice esta
donación porque me interesa la búsqueda del entendimiento del arte -dijo Hernández-
en su momento. Es un proceso acertado el que persigue esta universidad, con diálogos
abiertos y una escuela de arte que siempre va a la búsqueda de nuevos argumentos y
posibilidades para el arte”.
Las exhibiciones realizadas hasta la fecha han abarcado distintos temas y diversos inte-
reses de reconocidos artistas como Gustavo Zalamea, Luis Luna, Ana Patricia Palacios,
Dicken Castro, Pablo Solano, Claudia Hakim y Jaime Franco, entre otros, así como
colectivas de arte y diseño de egresados y docentes de la carrera de Diseño gráfico y tec-
nología con una realización de audiovisuales y multimedia. Otras muestras destacables
fueron la exposición de afiches del diseñador gráfico finlandés Pekka Loiri y la exhibi-
ción de la serie completa sobre la violencia del artista Fernando Botero.
Un promedio entre 50 a 100 personas lo visitan diariamente y la asistencia sigue cre-
ciendo. La programación del MAV para los próximos años incluye exhibiciones de obras
recientes de Nadín Ospina, la diseñadora Marta Granados, Santiago Cárdenas, Teresa
Sánchez y Fotomuseo, entre otras propuestas aún en estudio.
Prioridades y logros
La prioridad del Museo no es comercial. Su directora dice “El MAV es un espacio para
el arte que fortalece el proyecto institucional, los programas académicos, los proyectos
extracurriculares y también se extiende a la ciudad para contribuir en la formación en
el campo del arte y fomento de las sensibilidades”. Se ha propuesto ser un estímulo a la

al Museo de
smejor
deentendimiento
la Tadeo del arte
creatividad y el talento y ha logrado, a pesar de su corto tiempo de vida, crear un público
fiel. Adicionalmente ha logrado despertar curiosidad y entusiasmo entre la comunidad
universitaria, que se ha irradiado fuera de los muros de la universidad, recuperando espa-
cios del sector. Ha creado alianzas con museos nacionales y se propone continuar crean-
do vínculos con museos del exterior para exhibiciones conjuntas.
Opiniones de expertos
El historiador, investigador y crítico de arte Eduardo Serrano dice: “Los Museos son el
complemento por excelencia de los campus universitarios puesto que su principal pro-
pósito es didáctico. Los museos universitarios son de diversa índole, pero un Museo
como el de la Universidad Jorge Tadeo Lozano está dedicado primordialmente al es-
tudio y deleite de obras de arte y complementa las funciones universitarias en cuanto
se dedica a la transmisión, valorización y transferencia de conocimiento al servicio de
la cultura.
La Directora del MAMBo Gloria Zea dice: “Desde su apertura en Noviembre de 2007, el
MAV ha realizado una serie de exposiciones que se han caracterizado por una profunda
seriedad y una alta calidad artística, permitiendo que todo el público tenga acceso al
trabajo de los excelentes artistas y diseñadores que han pasado por sus salas. Entre
ellos están, Dicken Castro, Pablo Solano, Claudia Hakim, Luis Luna, Jaime Franco,
Fernando Botero, Gustavo Zalamea, todos artistas del más alto nivel cuyos nombres
hacen parte de la Historia del Arte Colombiano”.
El escritor, comentarista cultural y editorialista Fernando Toledo dice: “Creo que es
una de las mejores salas de exposiciones de la ciudad. Un espacio en realidad signifi-
cativo y acogedor que se adapta de manera extraordinaria a grandes formatos o que
permite exponer pequeños formatos con el aire que a veces necesita el arte. El edificio,
además, a pesar del espacio limitado, fue diseñado como parte de un centro cultural ex-
cepcional que incluye una gran biblioteca, una librería, un café, un auditorio con todos
sus anexos y la sala de exposiciones propiamente dicha. Un lugar que honra a Bogotá y
que contribuye a mejorar el centro de la ciudad.”
El semiólogo e investigador sobre cuidades, creador del proyecto ‘Ciudades Imagina-
das’ y profesor de la Universidad Externado de Colombia Armando Silva dice: “Las
instalaciones del MAV, son muy buenas; creo que puede mejorar en luces y en am-
bientación. Su funcionamiento y exhibiciones son cumplidas, pero podría estimular
más participación de jóvenes artistas como programa, no ocasional y que se perfile
como galería de arte por venir. Es muy importante para el medio universitario y para
la ciudad, pero podría ser más impactante para la ciudad dada su ubicación central y de
ser centro universitario. Pueden programarse eventos mas populares como cine, hacer
debates teóricos de arte actual y atraer otros públicos distintos a los del arte, incluso
eventos paralelos atractivos como graffiti o performances a medio día. Necesitaría que
las exhibiciones que se han realizado logren sorprender un tanto más y que se convier-
ta en un laboratorio de nuevas propuestas de arte público”
La Directora del Museo Nacional de Colombia María Victoria de Robayo dice: “Creo
que el MAV es un aporte importante a la vida cultural de la ciudad, ya que no hay
suficientes espacios institucionales donde se pueda apreciar la vastísima producción
de nuestros artistas. Desde su inicio ha ofrecido una programación de excelente cali-
dad. Junto con la sala de música se configura en ese sector de la ciudad, un espacio
de encuentro que permite a estudiantes y ciudadanos integrarse en torno a la oferta
cultural.”
ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
19
Actualidad de los Museos
Cortesía: Museo de Artes Visuales de la Tadeo.
Algunos expositores
El artista y Director del Instituto- Taller de Creación, Facultad de Artes, Universidad
Nacional Gustavo Zalamea dice: “El MAV es un excelente espacio – cubo blanco mo-
derno – para exponer obras y proyectos de los artistas. Su neutralidad permite al es-
pectador un recorrido tranquilo y una contemplación centrada. Sus programas tienen
interés y relevancia, y la curaduría de Ana María Escallón ha sido acertada, lo mismo
que el apoyo en la producción del catálogo y del montaje de las exposiciones”.
La artista Ana Patricia Palacios dice: ”Haber exhibido en el MAV para mi tuvo una gran
significación, no sólo por el valor afectivo que la Universidad representa pues soy egre-
sada en Artes, sino también por la importancia de este espacio, que permite desarrollar
proyectos personales de envergadura. En mi exposición ‘La dulce e irremediable locura
de la fatalidad’, teniendo en cuenta que era proyecto sobrio e intenso, fue un lugar
perfecto por sus espacios neutrales, de gran altura y una excelente atmósfera; pues era
un tema sensible en nuestra sociedad. Además pude mostrar las diferentes facetas que
el proyecto requería en instalación, video, pintura y dibujo. El MAV a mi modo de ver,
está perfectamente inscrito dentro de los parámetros establecidos de lo que es un buen
lugar para exhibiciones y proyectos de arte contemporáneo, que llena cabalmente las
expectativas, además es uno de los muy escasos lugares en Bogotá, donde se puede ver
retrospectivas o las obras recientes de artistas de trayectoria”.
El pintor Luis Luna dice: “Me parece que el Museo de la Tadeo cumple y muy bien la
labor de enriquecer el medio plástico, cultural no solo del centro de la ciudad como
del país. Las exposiciones que han habido se han caracterizado por una alta calidad
no solo en la curaduría sino en el montaje y logística. Personalmente quedé muy sa-
tisfecho con mi exposición ‘Ciudades de la Noche Roja’, en agosto del 2008. El trabajo
hombro a hombro con Ana María Escallón no solo iluminó aspectos de mi carrera que
no había visto antes, como creó un ambiente mejor para reconocer las obras en un
contexto rico, dinámico, ecléctico. El espacio que armó Daniel Bermúdez es excelente,
la iluminación y las proporciones están pensadas en mostrar obras y destacarlas. La
labor de difusión, reflexión, descubrimiento de obras importantes que no han tenido
la suficiente difusión, así como las muestras de consagrados, hacen una programación
ágil e inteligente”.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
20
Actualidad de los Museos
Un Sueño
en desarrollo
Por: Carlos Salas
H
ará dos años que emprendimos
viaje en carro con Álvaro Medi-
na y su esposa Doris a Ibagué.
Fueron cuatro horas de ameno
viaje plagado de anécdotas, historias y diá-
logos en una carretera que nos sumergía en
un paisaje variable. Era pasar del frío bogota-
no a las cálidas regiones del Tolima. Nuestra
meta era llegar a la inauguración de la expo-
sición dedicada a Fernando Botero y su obra
de la violencia. Estábamos invitados a dicho
evento por el Museo del Tolima (MAT). Ya en
2006 había hecho ese mismo recorrido para
montar una exposición de mi obra que tenía
por título ‘El retorno’.
Muy pocas veces he hecho este tipo de pe-
regrinación. Admiro a John Berger quien
aún ahora con más de ochenta años, recorre
muchos kilómetros en su moto para ir a ver
una obra que le interesa en cualquier lugar
de Europa. Pero no es mi caso. Puede influir
que no contamos en Colombia o en los paí-
ses vecinos con obras o exposiciones que nos
puedan atraer con la suficiente fuerza para
hacer un largo viaje, como si ocurre en Euro-
pa. O tal vez que no he adquirido esa pasión
tan característica en Berger o que no hemos
entendido en Colombia que como él dice: “El
arte sale de apuros mucho más rápido que la
política”.
Ver a Botero y especialmente sus obras dedi-
cadas al tema de la violencia en Colombia en
un marco diferente al que estamos acostum-
brados con las salas de la Luis Ángel Arango
o del Museo Nacional, tenía un atractivo es-
pecial. Por una parte recordé que la violencia
de los últimos años en Colombia tuvo sus
inicios en el Tolima. Por otra, poder contem-
plar las pinturas de Botero con otra mirada
en compañía de un público diferente, menos
radicalizado, más abierto y sin tantos prejui-
cios, me llenaba de entusiasmo. Vale la pena
hacer aquí un paréntesis y recordar que las
FARC nacieron en el Tolima y que el último
pueblo en pacificarse en Colombia fue el de
los Pijaos. Dicen que las mujeres Pijaos co-
mían una hierba que no permitía que queda-
ran embarazadas de los españoles. Este ague-
rrido pueblo fue diezmado y no quedaron de
ellos sino vestigios arqueológicos.
Al llegar al Museo después de haber descan-
sado una hora en el hotel quedé estupefacto
ante el espectáculo de cientos de personas an-
siosas por entrar a ver las pinturas expuestas.
Como es de suponer antes de abrir el Museo
al público se tenía preparado en la plaza de
entrada un acto protocolario con políticos y
personalidades de la región. A veces me pre-
gunto si no hace falta introducir en Bogotá un
poco de formalidad a las inauguraciones que
dignifiquen este tipo de acontecimientos. O,
darles un carácter especial donde se incluya
una preparación del público antes de enfren-
tarse a lo exhibido. En algunos museos im-
portantes del mundo se están proponiendo
inauguraciones donde se separa el acto social
y se hace otro tipo de inauguración donde se
introducen elementos para una mejor lectura
y asimilación de la obra exhibida. Se sabe que
el acto social es para rendir homenaje no sólo
al artista si no también a los patrocinadores,
pero ¿qué pasa con el público que debería te-
ner un papel protagónico al ser quien abre el
diálogo con la obra?
La gestión del Museo con la exposición Bo-
tero logró obtener muy buenos recursos con
los organismos municipales y departamen-
tales y también con distintas empresas. Eso
permitió hacer un muy buen catálogo, contar
con todos los seguros, pagar el costo de la
exposición y junto con la venta de entradas,
67.000 visitantes en los dos meses de la ex-
posición, obtener utilidades que ayudaron a
financiar posteriores proyectos.
Recientemente un proyecto que se desarrolló
durante meses en la Galería Mundo, ‘Diez por
10 + uno’, culminó con una gran exposición
en el MAT. Para su inauguración viajaron
Tamara Zukierbraum y Paola González
-colaboradoras de la galería-. Me llamó mucho
la atención el entusiasmo lleno de asombro
de ellas cuando me relataron su experiencia
del evento de inauguración. Me hablaron de
una gran cantidad de público en la entrada
del Museo esperando para la apertura de la
muestra, mostrándome así que no era sólo
Botero quien atraía multitudes, si no el
Museo mismo.
Cuando escucho hablar del MAT inmediata-
mente lo asocio con el artista Darío Ortiz.
No podría escribir sobre el Museo sin refres-
car mi memoria con tantas cosas que él me
ha contado, por lo tanto decidí pasar por su
taller. En varias ocasiones he visitado el taller
de Ortiz. Está ubicado en una casa de un piso
sin nada en particular en un barrio al norte
de Bogotá. En su interior, en lo que vendría
a ser el salón, se encuentra un lugar en don-
de habitan muchas historias. Un cuadro en
preparación lo muestra a él semidesnudo
con vestimentas de obispo y acompañado de
jóvenes. “Es sobre la pedofilia” me dice con
sarcasmo. Recuerdo una vez que encontré al
Doctor Patarroyo con una sábana encima y
un bastón posando como si fuese Hipócra-
tes. Darío hace muchos años después de una
Museo de Arte del Tolima - MAT
Cortesía: Museo de Artes del Tolima.
corta incursión en la abstracción descubrió
un talento particular para la figuración que
ha encontrado en el público admiradores y
detractores. En el momento de mi visita se
encontraba pintando con afán una serie de
cuadros que llevará en pocos meses a China.
Le comenté que me invitaron a escribir en
ARTERIA acerca del Museo del Tolima. Da-
río es el alma del Museo y su memoria viva.
Comenzó por relatarme cómo hace unos
años alrededor de las siete de la noche vaga-
bundeando por Ibagué se encontró frente a
la Casa Mutis, pequeño centro cultural en el
Barrio Belén, y sintió una especie de inspira-
ción. Con paso veloz hizo el camino hasta la
gobernación y de una manera mágica encon-
tró todas las puertas abiertas hasta la oficina
del gobernador. Sin titubear le propuso que
se hiciera un museo de arte. “Estoy en junta
decidiendo sobre la quiebra del departamen-
to. ¿Cómo se le ocurre?” fue la respuesta del
gobernador.
Era abril de 2001 y no sólo el departamento
del Tolima sino todo el país se hallaban su-
midos en una crisis sin precedentes. Hablar
de construir museos era inaudito. A pesar de
la respuesta del gobernador, Darío expuso su
idea con tranquilidad y siguiendo el hilo de
esa curiosa noche llena de cosas inesperadas,
el gobernador cambió de actitud. Inmediata-
mente pidió a sus asesores ponerse encima
del tema. Así se dio inicio a uno de los pro-
yectos más exitosos que se hayan realizado
en Colombia en el campo de la cultura. Es-
cuchando a Darío entendí que no es raro que
los dos museos regionales más importantes
de Colombia hayan surgido de la imaginación
creativa de dos artistas. Esta pequeña histo-
ria me trajo el recuerdo de cómo mi ilusión
de que un centro cultural diseñado por Ro-
gelio Salmona se construyera en Pitalito, mi
pueblo natal. Contando ya con el visto bueno
de este genio de la arquitectura el proyecto se
estrelló con la poca visión del alcalde del mo-
mento que no tuvo la iluminación que vivió
esa noche de abril el gobernador del Tolima.
El diseño arquitectónico del MAT se decidió
por concurso público organizado por la So-
ciedad Colombiana de Arquitectos, seccional
Tolima. Ya que se decidió que un arquitecto
de la región fuese el designado. José Rober-
to Buenaventura ganó el concurso de lo que
originalmente era un proyecto ambicioso
cuyo programa en el transcurso del diseño
se fue reduciendo hasta hacerse factible. Se
siguieron las recomendaciones de la Unesco
en cuestiones como alturas de los espacios,
iluminación, bodegaje y seguridad, no solo
para lograr un Museo con todas las condicio-
nes técnicas si no con la intención de recibir
exposiciones internacionales.
Muchas veces las buenas decisiones se dan
súbitamente, como por inspiración y no por el
resultado de largos y costosos estudios. Hace
unos días hablando con personas cercanas al
tema del metro, me comentaron que el arqui-
tecto español encargado de trazar el metro,
en cuestión de minutos decidió el trazado de
la primera línea del metro para Bogotá y que
éste es considerado el más acertado de los que
se han hecho hasta este momento. Algo simi-
lar le ocurrió a Darío al encontrarse frente a
la Casa Mutis ya que la ubicación del Museo
decidida en ese momento es claramente estra-
tégica, tanto así que desde ahí se ha proyec-
tado un plan urbanístico que estructurará la
ciudad. Un eje cultural que unirá la Catedral,
el Conservatorio, el Panóptico y el Museo a
través de un sendero peatonal y un parque de
esculturas.
Desde la aparición del Museo Guggenhaim en
Bilbao se considera a los museos generadores
de desarrollo y de riqueza en las ciudades. Lo
que ha ocurrido con el MAT es de otra natu-
raleza. A quien está dirigido el Museo origi-
nalmente es a los habitantes de Ibagué y a los
tolimenses que habitan en Bogotá pero por
la cercanía entre estas dos ciudades tienen la
oportunidad de ir a Ibagué los fines de semana.
A partir de ahí su interés está en ser un Museo
regional que abarque lo que antes se llamaba
el “Tolima Grande” y luego con la consecución
de importantes exposiciones de las cuales está
en proyecto una de dibujos de Francis Bacon,
sea un Museo de atracción Nacional.
No es coincidencia que el MAT se conozca por
su sigla MAT y nos haga recordar el MET (Mu-
seo Metropolitano de Nueva York). En peque-
ña escala se ha querido que el MAT cuente
con las mismas áreas de servicio que el MET.
Margaret Bonilla dirige un entusiasta equipo
en el cual cada área de trabajo cuenta con una
persona encargada de tal forma que a la ma-
nera del MET no hay aspecto museístico que
no se tenga en cuenta.
Para finalizar esta breve reseña quiero resaltar
que de su colección de más de 400 obras, la
mitad fueron donadas por Darío Ortiz en un
gesto de generosidad que me llena de asom-
bro. Gracias a esto el MAT cuenta con una in-
teresante colección de arte de comienzos del
siglo XX. Al preguntarle a Darío sobre qué lo
motivó, respondió: “Es una manera de impul-
sar a que surjan más artistas del Tolima, ya
que considero que el arte es la mejor vacuna
contra la violencia.”

Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo - MBAC
…Un Recorrido
Cortesía: Juan Bonilla.
C
onstruir una reflexión en torno
al Museo Bolivariano de Arte
Contemporáneo (MBAC), implica
hablar del proyecto histórico,
cultural y ambiental Quinta de San Pedro
Alejandrino.
Emplazada en lo que otrora fuera en tiempos
de la colonia un ingenio azucarero, la Quinta
de San Pedro Alejandrino privilegia la convi-
vencia de tres proyectos museales en un solo
espacio: la Antigua Hacienda, morada de Si-
món Bolívar durante sus últimos días, el Mu-
seo Bolivariano de Arte Contemporáneo y el
Jardín Botánico.
A la Colección Histórica no me referiré por
dos razones, una porque en términos identi-
tarios es muy conocida y no exige presenta-
ción alguna y la otra porque guarda relación
estrecha con la visión tradicional del concep-
to de Museo, de la cual no he venido a hablar-
les. Prefiero en cambio dar un salto hacia el
Jardín Botánico.
Fundado desde hace apenas unos cinco años,
el Jardín alberga una colección que ha queri-
do favorecer la presencia de algunos ecosis-
temas propios del Caribe colombiano, para
promover su conservación entre el público
que anualmente lo visita. Como artista in-
merso en la temática ambiental, pienso que
a este capítulo de la Quinta le augura un gran
porvenir no sólo como atractivo para el públi-
co que queda fascinado ante su exuberancia,
sino también porque constituye un pequeño
y rico escenario que catapulta la oferta soste-
nible de la región norte de Colombia en el ám-
bito internacional. En los próximos años, el
Jardín Botánico Quinta de San Pedro Alejan-
drino, aspira consolidar su colección, proceso
que ha comenzado a articularse con algunas
instituciones de carácter científico, además
de la empresa privada y el sector público,
pero que depende de una gestión eficiente y
estratégica que sea capaz de garantizarle real
sostenibilidad, así como el desarrollo de una
mirada que trascienda lo temático y sea acor-
de a las realidades y los imaginarios del paisa-
je cultural donde está inmerso.
Una de esas miradas es precisamente la pues-
ta en marcha de una estrategia curatorial des-
de el MBAC en cabeza de su Directora Zarita
Abelló y de su curador Javier Mejía, quienes
le han apostado a la idea de integrar arte, eco-
logía y sociedad a través de algunos proyectos
realizados durante los últimos años. ‘Hábitat’
(2006) es una de las primeras grandes apues-
tas que ratifica esta intensión, donde se comi-
siona a Piedad Casas para curar una muestra
in situ que contó con la participación de los
artistas Germán Botero, Teresa Sánchez,
José Antonio Suárez, Marta Combariza,
Olga Lucia Jordán y Carlos Chacín.
En la misma ruta, durante el 2007 tendría lu-
gar la exposición ‘Itinerarios’, que contó entre
sus nombres con la participación especial del
artista internacional Kcho, con dos obras de
la serie ‘Archipiélago’, traídas especialmente
a Colombia para la muestra. En el 2008, en
el Altar de la Patria se gesta el proyecto ‘Casa
Tomada’ de Rafael Gómezbarros y durante
el 2009, el artista Miguel Ángel Rojas es co-
misionado por la institución, para desarrollar
su proyecto ‘Pueblito 09’ que tendría como
lugar de producción la zona arqueológica del
mismo nombre, ubicada dentro del Parque
Nacional Natural Tayrona.
Cabe mencionar también el proyecto ‘Mito
y Realidad’, curado por Alicia Crivé y Javier
Mejía, quienes reunieron a un grupo de ar-
tistas de Colombia y Cuba, en una muestra
que sería inaugurada en la Casa de Bolívar (la
ARTERIA. Ed 25
Actualidad de los Museos
Habana, Cuba) en octubre de 2008 y luego
seguiría su itinerancia al Museo Bolivariano
en Santa Marta durante el 2009.
Actualmente en el marco de las celebraciones
del Bicentenario, las salas del MBAC acogen
la exposición ‘Horizontes’ curada por Ana
María Lozano, quien intenta generar una
reflexión en torno al concepto de Nación
desde la mirada del paisaje, que no alude
ya a una visión espontánea del territorio,
sino a un proyecto político, social y cultural
generado por toda una serie de tensiones,
alimentadas desde su gestación en el siglo
XIX. Esta visión de paisaje es develada cuando
entran en diálogo obras disímiles tanto en sus
contextos como en sus abordajes, como es el
caso de una muestra de las ilustraciones de la
Comisión Corográfica y tres fotografías de la
serie ‘Campo Santo’ del artista bogotano Juan
Fernando Herrán. Además de estos trabajos,
la exposición contó con la participación de
Miguel Ángel Rojas, Nadin Ospina, Edwin
Jimeno, Eulalia de Valdenebro, Mario
Opazo, Stephen Ferry, Rafael Ortiz, entre
otros.
Ahora bien, quise enunciar algunas de estos
proyectos curatoriales, para hablar del cami-
no que ha emprendido la Fundación Museo
Bolivariano en los últimos años -con los retos
que esto implica- hacia la consolidación de un
escenario que alimente desde las artes visua-
les un cruce de miradas.
Uno de estos retos es la internacionalización.
La Trienal Internacional de Acuarela, liderada
por la directora del museo Zarita Abelló y que
en su 3ª Edición (2009) contó con la partici-
pación de 18 países, constituye hasta ahora la
más esmerada iniciativa en ese sentido. Por
otro lado, en el campo de las nuevas prácticas
artísticas, el MBAC ha comisionado durante
Óscar Monsalve
FOTOGRAFÍA
Arte y Retrato
Tel. 2712970 / Cel. 315 3386952. Bogotá, Colombia. oscarmonsalvepino@gmail.com
Septiembre - Octubre 2010
21
Por: Oscar Leone
el 2009 a las artistas norteamericanas Lyn-
ne Hull y Andrea Sutton, para desarrollar
algunos experiencias de tipo relacional, den-
tro del marco de dos proyectos curatoriales,
ambos en proceso de ejecución. La venida de
estas artistas, además de tener por objeto la
producción de obra site specific, busca ayudar
a fortalecer las prácticas artísticas locales, en
especial la experiencia que se gestó con los
‘Laboratorios de Creación e Investigación’ del
Ministerio de Cultura desde el 2005 a través
del Colectivo Espacios Alternativos.
No obstante, el reto de la internacionalización
de cara a un proyecto de arte contemporáneo
realmente ambicioso, implica hacer unos ajus-
tes como mejorar los equipamientos y la in-
fraestructura instalada, así como un mayor di-
reccionamiento en los procesos de formación
de públicos. En el caso de la infraestructura,
al ser construido por etapas, siguiendo una
lógica tal vez más espontánea que planificada,
el Museo adolece de problemas en el diseño
de sus espacios expositivos, así como de una
estructura arquitectónica más bien laberínti-
ca, que dificulta la conexión del guión museo-
gráfico, a través de las salas que albergan sus
colecciones. En el caso de la colección, de ca-
rácter más moderno que contemporáneo, se
evidencia un proyecto de adquisición acorde a
los tiempos en los que fue fundado el Museo,
más no al espíritu de estos tiempos que aco-
ge la posibilidad de construir un gran archivo
con proyectos efímeros y de proceso, así como
documentos diversos, maquetas y video-re-
gistros. En ese sentido hay que resaltar que se
han dado los primeros pasos, en especial con
la adquisición de una donación de video arte
del Banco Interamericano de Desarrollo (BID)
y del acopio de documentación digital, a tra-
vés de la plataforma web www.espaciosalter-
nativos.org, la cual este año lanzó el Sistema
de Información de Arte del Caribe.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
22
La Imagen y
sus Efectos
Geoimaginación
El arte conlleva una categoría experiencial. La obra de
Ethel Gilmour expuesta en el Museo de Arte Moderno de
Medellín (MAMM) permite reconstruir un diario íntimo
en donde la artista ofrece la iconografía de lo privado re-
suelto en sus objetos domésticos cargados de recuerdos,
en la observación precisa sobre sus emociones, en la per-
sistencia por las imágenes irrevocables de la política y en la
singularidad poética con que vivió y comunicó la realidad.
La obra de esta artista constituye un manifiesto sobre la
invención de lo cotidiano1. Es Michel de Certeau quien
contribuye a construir una teoría del consumo y una teo-
ría de la vida cotidiana y, es en la pintura y en los objetos
desarrollados por Ethel Gilmour en donde se evidencian
las dimensiones de la cotidianidad: la dimensión pública,
la dimensión doméstica, la dimensión familiar y la dimen-
sión tecnológica… “todas ellas atravesadas por procesos
de rutinización y de memoria sin los cuales la cotidianidad
no tendría existencia”2.
Imagen: Ethel Gilmour. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’3,
que se realiza como parte del proyecto de investigación
del Grupo Estudios Culturales de la Universidad EAFIT
titulado ‘La obra de Ethel Gilmour y sus públicos’ permite
levantar un mapa de visualidades éticas. La producción de
la artista está constituida de duelos por el dolor del –otro-,
de irrupciones estéticas encontradas en los gestos míni-
mos de una señora de pueblo y su vida en medio de los
paisajes rurales, en la poética inscrita en el objeto encon-
trado o recuperado, en sus recuerdos escritos en pintura
para definir así la imagen como un escenario de reflexión,
para hacer pensar visualmente al espectador y llevarlo a
un ejercicio de opinión pública porque por entre su obra,
Ethel Gilmour nos hace andar sobre imágenes acústicas,
planimétricas, profundas, rotundas, enclavadas en la me-
moria colectiva y política de la historia reciente del país y
así nunca pasar inadvertidos.
Ethel Gilmour afirmó: “Matisse no puede pintar en nin-
guna parte de la tierra” y ella, la mujer que sólo pintó en
el cielo, fue una investigadora minuciosa de las prácticas
cotidianas. Parafraseando a Jesús Galindo, “El reto básico
de la investigación es la creatividad, la capacidad de con-
figurar posibilidades a partir de posibilidades… El inves-
tigador es un creador altamente reflexivo, un observador
que nunca pierde detalle de lo que le sucede a su interior y
de lo que acontece en su exterior”4.
Su obra propone desde las subjetividades y este es pre-
cisamente el espacio de las micropolíticas cuyo lema es:
lo personal es lo político. Relaciones familiares, identi-
dades locales, consciencia sobre su propia cotidianidad,
son características presentes en la producción plástica de
esta artista que levantó sus cartografías para identificar
territorios en donde tuviera cabida un contramapa de
la geopolítica a partir de las micropolíticas para llegar al
tránsito de la imaginación, entendida esta última, en tér-
minos de Hannah Arendt, como la facultad de hacer pre-
sente aquello que está ausente. Tanto Arendt como Kant
plantean una interpretación de la imaginación como fa-
cultad política, es decir, la imaginación es el puente entre
la estética y la ética. (…) “la imaginación es la facultad de
tener intuiciones sin la presencia del objeto”. Es “la con-
dición de la memoria”. De ahí el concepto que acuño de la
geoimaginación al referenciarla temporal y espacialmente
para otorgarle sus múltiples sentidos y de materializarla
como facultad que tiene de dar cuerpo a lo que está au-
sente. Por ello la geoimaginación es un aporte definitivo
a la imagen en el arte de Ethel Gilmour cuya obra es una
mirada al mundo mismo, un ensayo visual que recoge las
locaciones de su intimidad.
Taxonomía visual
En la Sala de Arte de Suramericana se expone la 7ª Bienal.
21 Salón Colombiano de Fotografía 20105. En esta
muestra, las obras de Camilo Restrepo, Andrés Sierra,
Lina María Vélez y Nora Elena Múnera constituyen un
ejercicio de taxonomía visual. En sus fotografías la obra
de arte aparece como un pensamiento actual desde el
proceso creativo del artista, desde el análisis formal de la
obra y desde “las alternativas de atención”6, modos que
involucran lo reflexivo, lo interpretativo, lo analítico y lo
meramente visual.
Camilo Restrepo con su obra ‘Esto es una pipa’ se instala
en la producción de significados para reabrir fronteras a la
imagen que es en sí misma verosimilitud, engaño, ficción,
modelo de maquetación y a su vez realidad objetivable
escenificada en un fondo vacío para otorgarle validez
documental y subrayar una mirada aguda a sus objetos-
retratos.
Imagen: Lina Ma. Vélez. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
‘Dos Duelos’, de Lina María Vélez plantea una relación
binaria entre maquetas y juegos de escala a través del ma-
nejo de la fotografía en segundo plano que remite a la me-
moria, a la temporalidad y a la ubicación en primer plano
de maquetas para buscar soluciones visuales en la repre-
sentación de los tiempos, en la simultaneidad que ofrece
la cámara cinematográfica, en la mirada que se desplaza.
En Medellín
Por: Lucrecia Piedrahita
Imagen: Nora Múnera. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
Nora Elena Múnera nos ofrece la arquitectura como pai-
saje al fotografiar lugares amplios y desolados que adquie-
ren espesor sensorial y perceptivo a través de la mirada.
La casa se instala en un plano central y retorna de manera
fantasmal para reconvertirse –visualmente- en una ma-
queta proyectual de lo real.
Imagen: Andrés Sierra. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
Andrés Sierra Siegert presenta dos series. Un tríptico de
narración polivalente en donde el retrato doble está pre-
sente en los fragmentos de un cuerpo que aparece en pla-
nos secuenciales y la presencia constante del retrato que
se asocia al documento de identidad adherido a la pared
que observa con desdén su propio cuerpo mutilado. El re-
sultado es una –naturaleza muerta- cuya emergencia es-
tética está cargada de potencia conceptual y formal. Así
mismo presenta una orgía de retratos colectivos dibujados
y desdibujados por la luz en donde ésta no redime la mi-
seria contenida en la mirada de quienes son protagonistas
de folios precarios que determinan su existencia.
1. Parafraseando la obra de Michel de Certeau. Michel de Certeau, Luce Gi-
rad y Pierre Mayol, La invención de lo cotidiano. En Relecturas de Michel de
Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordinación e introducción. En La puesta
en relato de lo cotidiano, Por Mónica Maronna – Rosario Sánchez Vilela.
Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay, Pontificia
Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y Culturales PEN-
SAR. Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126
2. La puesta en relato de lo cotidiano, Mónica Maronna – Rosario Sánchez
Vilela. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay. In-
vestigación, aún en curso, se desarrolla en el Programa de Investigación Me-
dios y Vida Cotidiana, en la Universidad Católica de Uruguay. 2006 Págs.
9-126. En Relecturas de Michel de Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordi-
nación e introducción. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de
Uruguay, Pontificia Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y
Culturales PENSAR. Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126
3. La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’. 18 de agosto - 31 de
octubre de 2010. Lugar: MAMM
4. [2]. Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y co-
municación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logma.
México, 1998. Pág. 11.
5. 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía. Exposición del 3 al 28 de
agosto. Sala Suramericana. Medellín
6. Ver Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y co-
municación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logman.
México, 1998.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
23

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BOGOTÁ GALERÍA ESPACIO ALTERNO, MUSEO DE ARTE MODERNO DE MEDELLÍN
UNIANDINOS BOGOTÁ - MAMBO
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Fax. (1) 2852627 www.uniandinos.org.co Hasta octubre 10. ‘Sonare. Arte Sonoro’. gallery@colomboworld.com
artsguerrero@yahoo.com -Hasta octubre 8. ‘En la línea’: Ana Sebastian Bejarano, Ricardo Arias, Pilar comunicacolombo@colomboworld.com
www.artesguerrero.edu.co Mercedes Hoyos, Catalina Ortiz, Lucas Torres, Mauricio Bejarano, Leonel www.colomboworld.com
Ospina, Adriana Ramírez. Vásquez, Juan Suanca, Juan Reyes, Jaicy - Hasta septiembre 30. ‘Meridiano
ALONSO GARCÉS GALERÍA A. Díaz B, Héctor Rojas, Hamilton (Long Oeste 66° 50´54´´)’: Alejandro
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- Hasta septiembre 30. ‘Babilonia’: galerialacometa@gmail.com SALA DE EXPOSICIONES ASAB
Nohemí Pérez. www.galerialacometa.com Carrera 13 # 14 – 69 piso dos MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE
- Desde septiembre 24. ‘Lux Feminae’: Tel. (1) 2821645 CONTEMPORÁNEO
CENTRO COLOMBO AMERICANO Luis Luna. Pinturas: Juan Jaramillo. saladexposiciones.asab@gmail.com Galería Espacio Abierto-Sala Hernando
Sede centro. Avenida 19 # 2 - 49 - Septiembre 9 - 30. ‘Salón Del Villar y Sala Alejandro Obregón
Tel. (1) 3447640 ext. 235 LA PARED GALERÍA Interuniversitario ASAB 2010’: Decxy Tels. (5) 4332994 - 4331021
cblanco@colombobogota.edu.co Carrera 13 # 93 - 40 piso 3 Nº 311 Yurany Andrade, Alejandra Castañeda, Fax. (5) 4332994
www.colombobogota.edu.co Tels. 2185382 / 6233208 / 6233241 Andrés Balamba y Camilo Colmenares, curaduría@museobolivariano.org.co
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Kamel Llián. Hasta noviembre 13. ‘Arte para colec- Copieyreproduzca, Milton Figueredo, www.museobolivariano.org.co
cionistas’. Pinturas: Santiago Cárdenas, Luisa López, Diana Quintana, Jairo Ruiz, Hasta octubre 10. ‘Horizontes, una visión
CU4RTO NIVEL ARTE David Manzur, Édgar Correal, Carlos Marcela Varela, Esteban Ocampo. del paisaje y la nación en el Bicentena-
CONTEMPORÁNEO Rojas, Ana Mercedes Hoyos. Dibujos: rio de la Independencia’: Colectivo de
Calle 93B # 11A - 44 Of. 402 Manuel Hernández y Darío Morales. GALERÍA SEXTANTE artistas integrado por: Alberto Urdaneta,
Tel. (1) 6355153 Esculturas: Nadín Ospina, Hugo Zapata, Carrera 14 # 75 - 29 Carmelo Fernandez, Henry Price y Ma-
Fax. (1) 6355235 Edgar Negret y Beatriz Echeverri. Tel. (1) 2494755 nuel María Paz, Andrés Buitrago, Andrés
cu4rtonivel@cu4rtonivel.com sextante@artedos.com, García La Rota, Carlos Uribe, Cristo
ccultural@cu4rtonivel.com MONTEALEGRE GALERÍA DE luisangelparra@artedos.com Hoyos, Edwin Jimeno, Eulália de Valde-
www.cu4rtonivel.com ARTE E.U Desde septiembre 2. ‘Pinturas o Paisajes’: nebro, Guadalupe Ruiz, Juan Fernando
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temporáneo en nuestro website. Adquiera Tel. (1) 6917007 za, Miguel Ángel Rojas, Nadín Ospina,
el libro: ‘Cu4rto Nivel Arte Contemporá- Fax. (1) 6917006 Óscar Leone, Rafael Ortiz, Sergio Trujillo
neo 2003–2007’ que contiene las imáge- montealegregaleriadearte@yahoo.com CALI Magnenat y Stephen Ferry.
nes y textos curatoriales de nuestras expo- www.montealegregaleriadearte.com.co Curaduría: Ana María Lozano
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www.galeriaelmuseo.com Tel. (1) 2322408 - 2322467 ‘Los días que nos quedan’: César García GALERÍA FERNANDO PRADILLA
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www.galeria-mundo.com LUGAR A DUDAS Tel. 34 (91) 5754804
LA GALERÍA Septiembre 20 – Octubre 19. ‘Diez por Calle 15 N # 8 N - 41 Fax. 34 (91) 5776907
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de Desaparición’: Adriana Salazar. Carlos Salas. Galán. Germán Gómez.

Colección de Arte ARTERIA - Entrega # 14

Humberto Junca Casas
‘Escribir es dibujar’, 2010
Cuando comencé a escribir de niño, mis letras eran puros garabatos. No tenían cara de letra. No se podían leer. Pero eran dibujos. Trazos hechos a mano. Líneas que indicaban un recorrido con
un principio y un fin. Huellas de mi presencia, de una acción y de una intención.

Algunas letras del alfabeto que empleamos provienen de Sumeria y tienen su origen en dibujos simplificados de elementos básicos dentro de aquella antigua cultura. La letra “A”, por ejemplo,
representa la cabeza de un buey. Si usted le da la vuelta a la letra “A”, si la pone “patas arriba”, comprueba fácilmente que parece una cabeza con cuernos. Aunque en occidente lo hemos olvidado,
el origen de la letra es el dibujo.

Teniendo o no en cuenta ese brinco que llevó a la letra del ícono al símbolo, lo que está claro es que cuando uno escribe dibuja. Dibuja ideas, sensaciones, épocas, ilusiones, objetos, personas,
ciudades, acciones, pensamientos concatenados con otros pensamientos, rutas, caminos, posibilidades para ver, para percibir el mundo: lo que somos y lo que hacemos. Sí. Escribir es dibujar.

La obra que ofrece hoy el periódico ARTERIA a sus lectores será firmada y numerada por el artista a todo aquel que la envíe a las oficinas de Arteria (Carrera 5 # 14 - 85, Bogotá - Colombia) no
más tarde del 30 de Octubre. El impreso deberá estar debidamente empacado en un sobre con el nombre, teléfono y dirección del interesado. Las obras se regresarán seis semanas después por
correo y el importe deberá ser pagado por el destinatario contra entrega.
 ARTERIA. Ed 25 Septiembre - Octubre 2010
24

Sábado Octubre 23. 8:30pm

CJH@DAE6GIN
3%
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6%En el marco de la feria de Arte de Bogotá ArtBo 2010

2%

Cuarto trimestre de 2010

Formación Artística en Dos Dimensiones:

Talleres y Seminarios para Bogotá
Proyecto Ganador de los Apoyos Concertados 2010
Fundación Gilberto Alzate Avendaño, entidad adscrita a la Secretaría de Cultura de Bogotá