Música Popular de Estados Unidos

Música popular de Estados Unidos
La Música popular estadounidenseha tenido un efecto profundo en

la música alrededor del mundo. El país ha visto el incremento de
estilos populares que han tenido influencia significativa en la cultura
global, incluyendo el ragtime, blues, jazz, swing, rock, bluegrass,
country, rythm and blues, doo wop, gospel, soul, funk, heavy metal,
punk, música disco, house, techno, salsa, grunge y hip hop. Además,
la industria musical americana es bastante diversa, apoyando a una
variedad de estilos regionales, tales como el zydeco, klezmer and
slack key.
Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron

a principios del siglo XIX y fue durante el siglo XX que la industria
musical estadounidense desarrolló una serie de nuevas formas de
música, utilizando elementos del blues y otros géneros de la música
folclórica de Estados Unidos. Estos estilos populares incluían al
country, R&B, jazz y rock. Los años 60 y 70 vivieron un importante
número de cambio dentro de la música popular estadounidense,
incluyendo varios estilos y/o géneros nuevos, tales como el heavy
metal, punk, soul e hip hop. Si bien éstos no eran populares, en el
sentido al cual se refiere la palabra mainstream (cultura de masas en
"Shoe Tickler Rag", portada de la partitura de una
español), éstos eran comercialmente grabados y se convirtieron en
canción de 1911 de Wilbur Campbell.
ejemplos de música popular, en contraposición con el folk o la
música clásica.
Índice
Principios de la música popular
Tin Pan Alley
Broadway
Ragtime
Primeras grabaciones de música popular
Jazz popular (1920–1935) y swing (1935–1947)
La diversificación y popularización del blues
años 50 y 60
Country: El sonido de Nashville
Soul
Rock de los 60
años 70 y 80
Funk y Soul de los 70
Pop de los años 80
Nacimiento del underground
Hip hop
Salsa
Punk y rock alternativo
Heavy metal
Años 90
Siglo XXI
Impacto social e internacional
Véase también
Notas
Referencias
Bibliografía
Enlaces externos
Principios de la música popular
Las primeras canciones que pueden ser consideradas como parte de la música popular estadounidense,
en contraposición con la música folclórica de una región o etnia particular, fueron las canciones sentimentales de parlor, escritas por
"Stephen Foster y sus compañeros", así como las canciones de los shows de minstrel, producciones teatrales con música vocal, danza
e interpretaciones de comedia. El minstrel incluye instrumentos africanos comunes y danza, así como intérpretes con caras pintadas
de color negro, técnica conocida como blackface.1 A mediados el siglo XIX, las compañías en gira habían llevado su música no
solamente a cada parte de los Estados Unidos, sino también al Reino Unido, Europa occidental, África e incluso Asia. Los shows de
minstrel eran generalmente anunciados como si la música de éstos perteneciera al estilo afroamericano, si bien esto casi nunca era
verdad.
Las personas de raza negra habían tomado parte en la cultura popular previa a la época de la
Guerra Civil Estadounidense, situada por lo menos en el auge del African Grove Theatre
ubicado en la Nueva York de 1820, durante la publicación de la primera música hecha por un
compositor negro, Francis Johnson, en 1818. Sin embargo, estos logros aún ocurrieron
completamente dentro de las convenciones de la música europea. La primera canción popular
de un minstrel fue "Jump Jim Crow" del compositor Thomas "Daddy" Rice, la cual fue
interpretada por primera vez en 1832, causando sensación en Londres cuando Rice la ejecutó
en 1836. Rice usó un baile que copió de un granjero, con una melodía adaptada de una danza
irlandesa. Los elementos africanos incluían el uso del banjo, el cual se cree que derivó de los
instrumentos de cuerda de África occidental, así como ritmos acentuados y aditivos.2
Muchas de las canciones de los shows de minstrel aún son recordadas al día de hoy, en
especial aquellas escritas por Daniel Emmett y Stephen Foster, siendo el último, de acuerdo
con David Ewen, "el primer gran compositor de Norteamérica, y uno de los autores más
Portada de partitura de sobresalientes del mundo".nota 1 Las canciones de Foster eran típicas de la era del minstrel
"Dandy Jim from Caroline" en cuanto a su sentimentalismo desvergonzado y su aceptación de la esclavitud. Sin embargo,
escrita por Dan Emmett,
Foster hizo más que otros compositores del periodo para humanizar a los negros sobre los
Londres, 1844.
cuales escribía, tal como se observa en "Nelly Was a Lady", una canción melancólica y
nota 2
dolida sobre un hombre negro lamentando la pérdida de su esposa.
El espectáculo del minstrel marcó un inicio a la larga tradición de la música afroamericana que fue apropiada por las audiencias
populares, además de ser la primera forma estadounidense de música en obtener aclamación internacional a mediados del siglo XIX.
Como Donald Clarke lo ha comentado, el minstrel muestra "esencialmente música negra, mientras que los actos más exitosos eran de
blancos, que por otro lado imitaban canciones y danzas de origen negro y a su vez, los intérpretes de esta raza adoptaban aquellas
imitaciones, quienes terminaban así imitándose a sí mismos". Clarke atribuye el uso del blackface como parte del deseo de los
americanos blancos de glorificar la existencia brutal de los negros (tanto los libres como los esclavos) a través de retratarlos como
individuos alegres y despreocupados, más apropiados para la vida de hacienda y la interpretación de canciones simples y jubilosas,
las cuales fácilmente atraían a la gente.2
Los shows del minstrel permanecieron populares hasta finales del siglo XX, desapareciendo gradualmente a principios del siglo XX.
En ese tiempo, una forma lujosa y elaborada de teatro llamada extravaganza surgió, comenzando por la obra The Black Crook de
Charles M. Barras.1 Las extravaganzas fueron criticadas por los periódicos y las iglesias de la época porque los shows eran
consideradas como sexualmente provocativas, ya que las mujeres cantaban piezas obscenas vestidas con ropa casi transparente.
David Ewen describió esto como el comienzo de la "lar
ga y activa carrera de la explotación sexual" del teatro musical estadounidense
y la música popular.nota 3 Tiempo después, las extravaganzas tomaron elementos de interpretaciones de burlesque, las cuales eran
1
producciones satíricas y paródicas muy populares a finales del siglo XIX.
De la misma manera que la extravaganza y el burlesque, el espectáculo de variedadesconsistía en una producción cómica y atrevida,
popular desde mediados hasta finales del siglo XIX, periodo para el cual ésta había evolucionado en el vodevil. Esta forma fue creada
por productores como Tony Pastor, el cual intentó motivar a mujeres y niños a asistir a sus shows; éstos dudaban a causa de la
multitud tosca y desordenada que había tomado el teatro como parte de su dominio por un largo tiempo.1 Para inicios del siglo XX,
el vodevil era ya una forma respetada de entretenimiento para mujeres y niños; por otro lado, compositores como Gus Edwards
escribían canciones que eran populares por todo el país.1 Los shows más populares del vodevil eran, al igual que el Ziegfeld Follies,
una serie de canciones y sketchs que tuvieron una profunda participación en el desarrollo subsecuente del teatro musical de
Broadway y las canciones populares deTin Pan Alley.
Tin Pan Alley

Tin Pan Alley fue un establecimiento de laUnion Square en la ciudad de Nueva York, el cual se convirtió en el centro más importante
para la publicación de música a mediados 1890. Los compositores de esta era escribieron canciones formulaicas, muchas de las
cuales eran baladas sentimentales.nota 4 Durante esta época, un sentido de conciencia nacional se encontraba en desarrollo, dado que
los Estados Unidos se convirtieron en una potencia mundial tremenda, especialmente después de la guerra hispano-estadounidense.
La creciente disponibilidad y eficiencia de las vías férreas y del servicio postal contribuyeron a difundir las ideas, incluyendo a las
canciones populares.
Algunos de los más memorables editores de Tin Pan Alley incluyeron a Willis Woodward, M. Witmark & Sons, Charles K. Harris,
así como a Edward B. Marks and Joseph W. Stern. Stern y Marks se encontraban entre los compositores más conocidos de Tin Pan
Alley; éstos comenzaron escribiendo juntos como aficionados en 1894.1 Además de las populares baladas y otras canciones de buen
parecer, los escritores de Tin Pan Alley se concentraron en temas provocativos y escabrosos. Las coon songs (traducido como
"canciones negras") eran otra parte importante de Tin Pan Alley, derivadas de las "canciones aguadas" del espectáculo minstrel con
su "brío y electricidad" traído de la "asimilación del ragtime".nota 5 La primera canción negra popular fue "New Coon in town",
nota 6
introducida en 1883, seguida de una ola decoon shouter (intérpretes del género) como Ernest Hogan y May Irwin.
Broadway
El comienzo del siglo XX también fue testigo del desarrollo de Broadway, un grupo de teatros especializados en musicales.
Broadway se convirtió en una de las locaciones preeminentes del teatro musical en el mundo, y produjo un conjunto de canciones que
llevaron a Donald Clarke a llamar la época, la era dorada de la composición musical. La necesidad de adaptar canciones divertidas a
las restricciones del teatro y sus argumentos le permitieron y lo motivaron a crecer en el ámbito de la composición, así como al alza
de compositores tales como George Gershwin, Vincent Youmans, Irving Berlin and Jerome Kern.nota 7 Estos autores escribieron
canciones que aún son populares, conocidas al día de hoy comoThe Great American Songbook(el gran cancionero estadounidense).
Las óperas extranjeras eran populares entre la clase media-alta del siglo XIX, mientras que otros musicales de teatro musical incluían
a las operetas, óperas de baladas y la ópera bufa. Las operetas inglesas de Gilbert and Sullivan eran particularmente populares,
mientras que las composiciones americanas habían tenido problemas para encontrar una audiencia. George M. Cohan fue el primer
compositor americano notable del teatro musical y el primero en separarse de la opereta, también memorable en cuanto a su uso de la
lengua local en sus obras. A principios del siglo XX, sin embargo, los dramaturgos negros, compositores y músicos estaban siendo
parte del impacto del teatro musical, comenzando con los trabajos de Will Marion Cook, James Reese Europe y James P. Johnson; el
primer gran hit musical negro fueShuffle Along en 1921.2
Las operetas importadas y producciones domésticas hechas tanto por blancos, como Cohan, como por negros, como Cook, Europe y
Johnson todos tuvieron una influencia formativa en Broadway. Compositores como Gershwin, Porter y Kern hicieron del teatro
musical cómico un pasatiempo nacional, el cual contenía un sentimiento distinguidamente americano, el cual no era dependiente de
los modelos europeos. La mayoría de estos individuos era judíos, siendo Cole Porter la única gran excepción; todos ellos eran
descendientes de inmigrantes del siglo XIX que huían de la persecución del Imperio Ruso, asentados de manera influyente en
distintos barrios de Nueva York.2 Muchos de los primeros musicales fueron influenciados por la música negra, mostrando elementos
del primer Jazz, tal con en In Dahomey; los compositores judíos de estos trabajos pudieron haber visto conexiones entre las notas de
blues afroamericanas tradicionales y su propiamúsica judía folclórica.
Las canciones de Broadway fueron grabadas casi al principio del siglo, pero no se fue sino hasta mucho después que se hicieron
abiertamente populares fuera del contexto teatral. La canción "They Didn't Believe Me" de Jerome Kern's fue una de las primeras
canciones que se hizo famosa por todo el país. Las innovaciones posteriores de Kern incluyeron un argumento más creíble, más allá
de historias sin forma construidas alrededor de trabajos anteriores, comenzando con Show Boat en 1927. George Gershwin fue quizás
el compositor más influyente en Broadway, comenzando por "Swanee" en 1919 y continuando con trabajos futuros para jazz y
orquestas. Su composición más duradera podría ser la ópera Porgy and Bess, una historia acerca de dos personas de raza negra, las
cual fueron destinadas por Gershwin a ser una especie de "ópera folclórica", una creación del nuevo estilo del teatro musical
americano basado en modismos americanos.2
Ragtime
El Ragtime fue un estilo de música para bailar basada en el piano, el cual usa ritmos sincopados y cromatismo;nota 8 el ejecutante y
compositor más conocido del género fue indudablemente Scott Joplin. Donald Clarke considera que el ragtime es la culminación de
las coon songs, usadas al principio en los shows de minstrel y después en el vodevil, dando como resultado la filtración de estos
ritmos en la cultura popular; él también sugiere que el distintivo sonido del ragtime puede haber venido de un intento de imitar el
banjo afroestadounidense al usar el teclado.nota 9
Dada la naturaleza esencial afroestadounidense del ragtime, es comúnmente considerara como el primer estilo de la música popular
americana en ser realmente negra; el ragtime trajo la síncopa y sonido auténticamente negro a la música popular. Las canciones
populares de ragtime utilizaban notación y eran vendidas en partituras, pero el estilo en general era ejecutado informalmente en todo
el país; estos ejecutantes amateurs tocaban una forma más improvisada del ragtime, el cual, eventualmente, se convirtió en una gran
influencia formativa en eljazz.2
Primeras grabaciones de música popular

El invento de Thomas Edison del cilindro de fonógrafo marcó el nacimiento de la grabación de música. El primer cilindro en ser
lanzando fue "Semper Fidelis", interpretado por la Banda de la Marina de los Estados Unidos. Al principio, los cilindros eran
raramente lanzados al mercado, pero conforme aumentaron las ventas también lo hizo su distribución. Estas primeras canciones
grabadas eran una mezcla de vodevil, barbershop, marchas, ópera, canciones de novedad, entre otras melodías populares, Muchos de
los estándares populares, tales como "The Good Old Summertime", "Shine on Harvest Moon", así como "Over There" provienen de
esta época. También hubo algunos primeros hits de jazz, comenzando con las grabaciones en 1917 de la Original Dixieland Jazz
2
Band, seguidas por la banda de jazz deJoe King Oliver, el cual tocó un estilo de jazz auténtico de Nueva Orleans.
El Blues había aparecido bastante tiempo antes de que éste se volviera parte de la primera explosión de la música popular grabada en
la historia estadounidense. Esto sucedió en los años 20, cuando cantantes del blues clásico femenino como Ma Rainey, Bessie Smith
y Mamie Smith se hicieron muy populares; el primer hit de este género fue "Crazy Blues" de Mamie Smith. Los cantantes de este
blues urbano popular cambiaron la idea de música popular, pasando de ser canciones simples que podían ser fácilmente interpretadas
por cualquiera a obras principalmente asociadas con un cantante solista. Ejecutantes como Sophie Tucker, conocida por "Some of
2
These Days", fue asociada con sus hits, haciendo sus interpretaciones individuales tan importantes como la canción misma.
Al mismo tiempo, compañías discográficas como Paramount Records y OKeh Records lanzaron el género race music, el cual se
dirigía principalmente a las audiencias afroestadounidense oyentes de blues. Las bandas más famosas inspiraron mucho del desarrollo
posterior del blues y los géneros derivados del blues, incluyendo aCharley Patton, Lonnie Johnson y Robert Johnson.
Jazz popular (1920–1935) y swing (1935–1947)

El Jazz es un género musical caracterizado por las notas de blues, síncopas, swing, llamada y respuesta, polirritmias e improvisación.
Aunque originalmente una forma de música para bailar, el jazz ha sido ahora "ampliamente considerado un género de música típica o
popular (y también se ha) convertido una forma sofisticada de arte que ha interactuado en formas significantes con la música
clásica.nota 10 El desarrollo del jazz ocurrió al mismo tiempo que el ragtime, el blues, la música country, lo cual en conjunto puede
ser visto como parte de un continuo con ninguna demarcación clara entre ellos; el jazz fue el más cercanamente relacionado al
ragtime, con el cual se puede distinguir por el uso de una improvisación más complicada, a menudo colocando notas lejos del pulso
implícito. Las primeras bandas de jazz adoptaron mucho del vocabulario del blues, incluyendo el "bent", las notas de blues, los
"gruñidos" instrumentales y otras marcas.
Paul Whiteman fue el líder más popular de una banda en los años 20, además de reclamar él mismo el título de "El Rey del Jazz". A
pesar de que éste contrato a muchos de los mejores músicos blancos de jazz de la era, las generaciones posteriores de fanáticos del
género juzgaron frecuentemente a la música blanca de tener poco que ver con el jazz auténtico. Sin embargo, su noción de
combinación del jazz con orquestaciones elaboradas ha sido imitada en múltiples ocasiones por compositores y arreglistas de las
últimas décadas.
Whiteman encargó la pieza "Rhapsody in Blue" a George Gershwin, la cual fue estrenada por la orquesta de Whiteman. La banda de
Ted Lewis ocupó el segundo lugar en popularidad, solo por detrás de Paul Whiteman durante los años 20, si bien podría decirse que
éste tocó un jazz más real y menos pretencioso que el de Whiteman, especialmente en sus grabaciones de finales de la década.
Algunas de las otras bandas de "jazz" de la década incluyen a las de Harry Reser, Leo Reisman, Abe Lyman, Nat Shilkret, George
Olsen, Ben Bernie, Bob Haring, Ben Selvin, Earl Burtnett, Gus Arnheim, Rudy Vallee, Jean Goldkette, Isham Jones, Roger Wolfe
Kahn, Sam Lanin, Vincent López, Ben Pollack y Fred Waring.
En los años 20, la música ejecutada por estos artistas era extremadamente popular en su público, y fue calificada como jazz. Al día de
hoy, sin embargo, ésta música se encuentra desacreditada y etiquetada como "música dulce" por los puristas del jazz. La música que
la gente actual considera como jazz tendía a ser ejecutada por minorías. Durante los años 20 y a principios de los 30, sin embargo, la
mayoría de la gente escuchaba lo que hoy llamaríamos "música dulce" y jazz puro, categorizado como "música ardiente" o " música
racial".
La compañía discográfica más influyente de la época, The Victor Talking Machine (RCA Victor después de 1928) fue una influencia
restrictiva en el desarrollo del "jazz dulce", hasta el salida de Eddie King en octubre de 1926. King fue conocido por su autoritarismo,
el cual no permitía cosas como beber en el trabajo o el desapego severo a la música formalmente escrita, a menos que fueran solos
aceptables por los estándares populares de la época. Esto irritó a muchos de los artistas de jazz de Victor, incluyendo al trompetista
famoso Bix Beiderbecke. Suldhalter, en su obra Lost in Chords, cita un ejemplo de una grabación de 1927 hecha por las orquesta
Goldkette, en el cual se les permitía a los músicos libertades considerables, a la par que remarca que "lo que uno se pregunta es como
hubiera sido esta interpretación si Eddie King hubiera esta estado a cargo, en vez de Nat Shilkret, mucho más liberal". Dado que la
colección de Victor muestra que no hubo menos de cinco sesiones de grabación entre enero y febrero de 1926, cuando King conducía
a la orquesta de Goldkette, se han hecho varias comparaciones disponibles entre el acercamiento de Golkette y King.
En 1935, el swing se hizo popular por medio del público y rápidamente colocado jazz como el tipo de música más escuchado (si bien
hubo algo de resistencia a éste en un principio). La música swing es caracterizada por una predominante sección rítmica, usualmente
consistente de un contrabajo y de percusiones, ejecutándose en un tempo moderado o rápido, así como de técnicas rítmicas, tales
como la nota swing. El swing es principalmente una forma de jazz de la década de 1930, fusionada con elementos del blues y la
sensibilidad popular de Tin Pan Alley.3 El swing era ejecutado en bandas más grandes que aquellas comunes en otras corrientes del
jazz y era dirigido por líderes que arreglaban el material de manera estricta, rechazando la improvisación que hasta el momento había
sido una parte integral del jazz. David Clarke llamó al swing el primer "género de jazz (en estar) en el centro de la música popular...
opuestamente a la idea de que solo era una forma más de éste.nota 11 A finales de los años 30, los vocalistas se hicieron cada vez más
prominentes, llegando a tomar eventualmente el centro del escenario, seguido de la huelga de la Federación Americana de Músicos,
el cual hizo que grabar con una banda grande fuera excesivamente caro.3 El swing vino a ser acompañado por un estilo de baile
popular con homónimo, el cual fue muy popular en todos los Estados Unidos, tanto entre audiencias blancas como negras,
especialmente las jóvenes.
La diversificación y popularización del blues

Además del jazz y el swing que escuchaban las audiencias populares en Norteamérica, hubo una variedad de otros géneros que eran
populares entre ciertos grupos de personas, por ejemplo, entre audiencias rurales. Comenzando en la década de los 20 y acelerándose
en gran medida en los años 40, el blues comenzó a diversificarse rápidamente en un amplio abanico de nuevos géneros. Estos
incluyen al rápido y energético estilo llamado rhythm and blues (R&B), a la fusión de blues y de música anglo-celta llamada country,
así como a la fusión de himnos y espirituales con estructuras de blues llamadas música gospel. Después de estos otros estilos, en
1940, una fusión de blues, R&B y country eventualmente llamada rock and roll se desarrolló, eventualmente viniendo a dominar la
cultura popular americana a principios de los años 60.
La música country consiste principalmente en una fusión del blues afroamericano y los espirituales con la música folclórica de los
apalaches, adaptada para las audiencias populares, siendo ésta popularizada a principios de los años 20. Las melodías, la música para
bailar, las baladas y los estilos vocales escoceses e irlandeses fueron particularmente importantes,4 así como la música nativa
americana, la música española, la música alemana, la música francesa y la música mexicana. La instrumentación del primer country
fluctuaba entre el violín europeo y el banjo afroamericano, añadiendo más tarde a la guitarra. La instrumentación de la música
country utilizaba elementos de la música africana tales como el formato de llamado y respuesta, la improvisación musical y los
ritmos sincopados. Aún después, los instrumentos de cuerda como el ukelele y la steel guitar se hicieron comunes debido a la
popularidad de la música hawaiana la principios del siglo XX, así como a la influencia de los músicos como Sol Hoopii and Lani
McIntyre.nota 12 El origen de la música country moderna es generalmente encontrado en 1927, cuando el cazatalentos y productor
Ralph Peer grabó a Jimmie Rodgers y a The Carter Family. Sus grabaciones son consideradas como la fundación de la música
country moderna. Ha habido música popular previa a 1927 que puede ser considerada como country, pero tomando en cuenta lo que
Ace Collins señala, estas grabaciones tenían "solamente efectos marginales y muy inconsistentes" en el mercado musical nacional, y
eran solo superficialmente similares a lo que en ese entonces se conocía como hillbilly music.nota 13 Además de Rodgers y the
Cartes, un músico de nombre Bob Wills fue uno de los primeros intérpretes influyentes conocido por un estilo llamado western
swing, el cual era muy popular en los años 20 y 30, y fue el responsable de traer una influencia prominente del jazz a la música
country.
El Rhythm and Blues (R&B) es un género que surgió entre los años 30 y 40, el cual consiste en una forma rápida del blues con una
instrumentación más compleja. El autor Amirir Baraka describe el R&B como "unidades grandes de ritmo chocando detrás de los
estridentes cantantes de blues (los cuales) tenían que gritar para ser escuchados por encima del estruendo y rasgueo de varios
instrumentos eléctricos y secciones rítmicas agitadas.5 El R&B fue grabado durante este periodo, aunque no extensivamente, por lo
cual no fue ampliamente promovido por las compañías discográficas, las cuales sintieron que no gustaba a la mayorías de las
audiencias, especialmente a gente de raza blanca de clase media, gracias a las provocativas letras y los inquietantes ritmos.3 Algunos
líderes como Louis Jordan innovaron en el sonido del naciente R&B. La banda de Jordan destacaba por su pequeña sección de
metales, así como por sus canciones comunes que contenían temas líricos clásicos del blues. A finales de 1940, éste había producido
19 grandes hits, además de haber ayudado a abrir el camino para artistas contemporáneos, Wynonie Harris, John Lee Hooker y Roy
Milton.
Los espirituales cristianos y la música blues rural fueron el origen de lo que es conocido ahora como música gospel. Comenzando por
los años 20, las iglesias afroamericanas presentaron el primer gospel en forma de cantos de adoración proclamando su devoción
religiosa (testificando) por medio de un estilo musical frecuentemente improvisado. El gospel moderno comenzó con el trabajo de
distintos compositores, entre los cuales destaca Thomas A. Dorsey, el cual "escribió canciones basadas en espirituales familiares e
himnos, fusionados con ritmos de blues y jazz" nota 14 A partir de estas iglesias de principio del siglo XX, la música gospel se
expandió a través del país. Esta permaneció asociada casi completamente con las iglesias afroamericanas, en las cuales usualmente se
presentaba un coro con uno de los más virtuosos solistas.
El Rock and roll es un género de música popular, derivada principalmente del country, el blues y el R&B. Es, sin lugar a dudas, el
género más popular de música en el mundo; los orígenes precisos y primeros pasos del rock han sido intensamente debatidos. El
historiador de música Robert Palmente ha notado que las influencias del género son bastante diversas e incluyen al "ritmo Bo
Diddley" afroamericano, elementos del "big band swing" y la música latinoamericana, como en el caso del son cubano y algunos
"ritmos mexicanos ".6 Georoge Lipsitz declara que el rock surgió en áreas urbanas de Norteamérica, donde se formó una "cultura
poliglota de la clase trabajadora (donde) los significados sociales se comunicaron por separado por el blues, el country, la polca, el
7
zydeco y la música latina que encontraron una nueva forma de expresión mientras se mezclaban en un ambiente urbano".
años 50 y 60
La mitad de los años 20 presenció un número importante de cambios en la música popular americana. El género pop se desarrolló
tremendamente durante este periodo, mientras el precio increíblemente bajo de la música grabada estimulaba la demanda y las
grandes ganancias de la industria discográfica. Como resultado, el marketing musical se hizo cada vez más y más prominente,
resultando en una variedad de estrellas pop, cuya fama no existía antes. Muchas de las primeras celebridades eran crooners (término
similar a trovador en español) de origen italiano-americano como Dean Martin, Rudy Vallee, Tony Bennett, Perry Como, Frankie
Laine y, el más famoso de todos, el "primer vocalista en generar histeria entre sus fans", Frank Sinatra.nota 15 La era de la estrella
pop adolescente, sin embargo, comenzó en los años 60. Los grupos de Bubblegum pop como The Monkees fueron escogidos a partir
de su apariencia y habilidad para vender discos, sin importare su habilidad musical. El mismo periodo, sin embargo, también
presenció nuevas formas de música pop que lograron una presencia más permanente en el campo de la música popular americana,
incluyendo al rock, el soul y el pop-folk. A finales de los 60, dos eventos habían cambiado a la música pop completamente: el
nacimiento de la contracultura, la cual se oponía explícitamente a la música del mainstream, a veces mezclándose con activismo
político y social, así como el cambio de compositores profesionales a ejecutantes, los cuales eran lo que se conoce como
cantautor.
El rock and roll entró a la música popular mainstream a través del género llamado rockabilly, el cual fusionó con sonido del rock
naciente con elementos de la música country. El rock and roll tocado por afroamericanos había tenido éxito limitado, y algunos de los
espectadores del tiempo creyeron que un ejecutante blanco que pudiera cantar en un estilo de R&B y country sería un éxito. Sam
Phillips, de Sun Records en Memphis, Tennessee, encontró a un músico llamado Elvis Presley, el cual se convirtió en uno de los
músicos más vendidos de la historia de la música, y trajo al rock and roll a las audiencias de todo el mundo.3 El éxito de Presley fue
precedido por el de Bill Haley, un intérprete blanco cuyo "Rock Around the Clock" es a veces señalado como el comienzo de la era
del rock. Sin embargo, la música de Haley era más "arreglada" y más "calculada" que los "ritmos más sueltos" del rockabilly, el cual
también, a diferencia de Haley, no utilizaba saxofones o cantantes en coro.8
El R&B permaneció extremadamente popular durante la década de los 50 entre las audiencias afroamericanas, pero el género aún no
era considerado apropiado para los blancos, o incluso para negros de clase media respetables, dada su naturaleza sugestiva. Muchas
canciones populares del R&B fueron interpretadas por músicos blancos como Pat Boone, con un estilo más digerible, el cual se
resultó en varios hits de pop.nota 16 A finales de los años 50, sin embargo, hubo una ola de blues-rock popular y R&B influenciado
por el country en la cual sus ejecutantes ganaron fama si precedentes entre los oyentes blancos; estos incluyeron a Bo Diddley y a
Chuck Berry. Con el paso del tiempo, los productores en el género se inclinaron gradualmente hacia los músicos del rock como Little
Richard y Fats Domino.9
El doo wop es una clase de música vocal armónica interpretada por grupos que se hicieron populares en al década de los 50.10
Aunque a veces es considerada como una especie rock, el doo wop es más precisamente una fusión del R&B vocal, el gospel y el jazz
con el blues y las estructuras de pop,3 si bien fue en los años 60 cuando las líneas que separan al rock del doo wop, al R&B y otros
estilos relacionados ya eran muy borrosas. EL Doo wop se convirtió en el primer género de música derivado del R&B en "tomar
formar, para definirse a sí mismo como algo que la gente reconocía como nuevo, diferente, extraño, suyo".11 Mientras el doo wop se
hacía más popular, más innovaciones eran añadidas, incluyendo el uso del cantante bajo como líder, una práctica que comenzó con
Jimmy Ricks de The Ravens.3 Los ejecutantes del doo wop eran originalmente afroamericanos en su mayoría, aunque unos cuantos
grupos de blancos pronto se hicieron populares. Estos incluían a varios grupos con miembros italoamericanos como Dion & the
Belmonts, mientas que en otros agregaron a mujeres e incluso se llegaron a formar grupos femeninos en el casi universal estilo
masculino; estos incluyen a The Queens yThe Chantels.3
Los años 50 presenciaron varias novedades musicales breves que terminaron impactando en los futuros géneros populares. Intérpretes
como Pete Seeger y The Weavers popularizaron una forma de renacimiento de la old time music de la música angloamerica.12 Esta
corriente se asoció eventualmente con el ala izquierda de la política y el comunismo, llevando a un declive en la aceptación mientras
los artistas eran puestos cada vez más en la lista negra y criticados. Sin embargo, esta forma de pop-folk ejerció una gran influencia
en la formación del folk-rockade los años 50 y otros géneros relacionados. Junto con el éxito esporádico de la música "anglo folk"
vino una serie de novedades en la música para bailar latinoamericana, incluyendo al mambo, rumba, chachachá y el boogaloo.
Aunque su éxito fue de nuevo esporádico y breve, la música latina continuó ejerciendo influencia en el rock, el soul y otros estilos,
así como en la más recientemúsica salsa en los años 70.
Country: El sonido de Nashville

A mediados de los años 20, un género distintivo llamado primero música "old-timey" o "hillibilly" comenzó a ser transmitido y
grabado en el Sur rural y el Medio oeste; los primeros artistas incluían a la familia Carter, Charlie Poole y sus Ramblers de Carolina
del Norte, así como a Jimmie Rodgers. La interpretación y divulgación de ésta música fue a nivel regional en un principio, pero las
variaciones de la población causadas por la Segunda Guerra Mundial la difundieron más. Después de la guerra, hubo un aumento en
el interés por los géneros de especialidad, incluyendo lo que había sido conocido como race e hillibilly music; estos géneros fueron
renombrados a Rythm and Blues y Country and Western, respectivamente.3 Las grandes disqueras habían tenido algo de éxito en
promover dos clases de artistas de country: los intérpretes de canciones novedad como Tex Williams y a cantantes como Frankie
Laine, el cual mezcló pop y country por medio de un estilo convencionalmente sentimental.13 Este periodo también fue testigo del
ascenso de Hank Williams,14 un cantante blanco de country que había aprendido blues de músico afroamericano callejero llamado
Tee-Tot, en el noroeste de Alabama.15 Antes de su muerte en 1953, Hank Williams grabó once sencillos que vendieron por lo menos
un millón de copias cada uno, y también fueron pioneros delSonido Nashville.
El Sonido Nashville fue una forma popular de la música country que surgió en los años 50, la cual consiste en una fusión de la
popular big band de jazz y swing con el honky tonk country.16 E éxito comercial de los discos de Hank Williams había convencido a
las disqueras de que la música country podía encontrar audiencias en el mainstream. Las compañías intentaron entonces elimininar
los elementos ásperos del honky tonk de la música country, removiendo el sonido rural que hizo a Williams famoso. La industria de
Nashville reaccionó al ascenso del músico de rockabilly, Elvis Presley, por medio de intérpretes con marketing que cruzaron la
barrera entre el country y el pop.17 Chet Atkins,18 el director de la división de música country de RCA, hizo lo mejor que pudo para
innovar el Sonido de Nashville por medio del abandono de los elementos más rudos del country, mientras Owen Bradley uso técnicas
de producción sofisticada e instrumentación que eventualmente se convirtió en el estándar del Sonido de Nashville, el cual también
creció para incorporar cuerdas y coros.19 Durante los primeros años de la década de los 60, el Sonido Nashville era percibido como
una versión diluida de muchos intérpretes tradicionales y fans, de lo cual resultaron varias escenas locales como el Sonido Lubbock y
el aún más influyente Sonido Bakersfield.
A lo largo de los años 50, el estilo más popular de la música country fue el Sonido Nashville, el cual era un estilo hábil y orientado al
pop. Muchos músicos prefirieron un sonido más crudo, lo cual llevó al desarrollo del Sonido Lubbock y el Sonido Bakersfield. El
sonido Bakersfield fue creado en Bakersfield, California entre mediados y finales de los años 50 por intérpretes como Wynn Stewart,
el cual usaba elementos del Western swing y el rock, tales como el breakbeat, junto con la técnica vocal del honky.20 Él fue imitado
por intérpretes como Buck Owens y Merle Haggard, los cuales popularizaron el estilo.
Soul
La música Soul es una combinación del R&B y el gospel que comenzó a finales de los años 50 en los Estados Unidos. La música
Soul es caracterizadas por el uso de técnicas del gospel con un gran énfasis en los cantantes, así como el uso de temas seculares. Los
discos de Sam Cooke, Ray Charles de los años 5021 junto con los de James Brown son comúnmente considerados como el
comienzos de la música soul. Los primeros discos de Solomon Burke para Atlantic Records marcaron las pautas para el estilo y, tal
como Peter Guralnick señala, "solo fue a través de la unión de Burke y Atlantic Records que uno pudo ver algo parecido a un
movimiento".22
La disquera Motown Record Corporation establecida en Detroit, Michigan se convirtió en exitosa con una cadena de grabaciones de
soul fuertemente influenciado por el pop, las cuales eran suficientemente digeribles para los oyentes blancos como para permitir la
fusión el R&B y soul dirigida a ésta s audiencias populares.23 Un centro importante de grabación de la música soul fue Florence,
Alabama, en donde los FAME Studios operaban. Jimmy Hughes, Percy Sledge y Arthur Alexander grabaron ahí; tiempo después, en
los años 60, Aretha Franklin también grabaría en esa área. Los Fame Studios, a menudo también llamados con el nombre de Muscle
Shoals, en referencia a un pueblo vecino de Florence, disfrutaron de una relación cercana con Stax, y muchos otros de los músicos y
productores que trabajaron en Memphis también contribuyeron a las grabaciones hechas en Alabama.
En Memphis, la compañíaStax Records produjo discos de los pioneros del soul Otis Redding, Wilson Pickett,24 y Don Covay. Otros
artistas de Stax tales como Eddie Floyd y Johnnie Taylor también hicieron contribuciones significativas a la música soul also made
significant contributions to soul music. En 1968, el movimiento de la música soul había comenzado a dividirse, mientras James
Brown y Sly & the Family Stonecomenzaban a expandir y transformar tanto el soul y el rythm and blues en otros géneros. Guralnick
escribió que "más que nada... lo que a mi me parece que llevo a la era del soul a una inquietante y absoluta paralización fue la muerte
de Martin Luther King en abril de 1968".22
Rock de los 60
El primero de los géneros más grandes del nuevo rock fue el surf, en el cual fue pionero el californiano Dick Dale. El surf fue
ampliamente instrumental, con la guitarra como base para el rock con sonido distorsionado agudo, además de que fue asociado con la
cultura juvenil basada en el surf del Sur de California. Dale había trabajado conLeo Fender, desarrollando el amplificador "Showman
nota 17
y... una unidad de reverberación que daría a la música surf su sonido distintivamente confuso".
Inspirados por el enfoque lírico del surf, si no es que por la base musical, The Beach Boys comenzaron su carrera en 1961 con una
cadena de éxitos como"Surfin' U.S.A.". Su sonido no era ni instrumental ni basado en la guitarra, pero estaba lleno de "ricas, densas e
incuestionablemente especiales" "voces flotantes (con) armonías al estilo de The Four Freshmen que se viajan sobre un estribillo
propulsivo".nota 18 El compositor de los Beach Boys Brian Wilson se volvió cada vez más excéntrico, experimentando con nuevas
técnicas de estudio mientras se asociaba con la florecientecontracultura.25
La contracultura fue un movimiento juvenil que incluyó al activismo político, especialmente aquél en oposición a la Guerra de
Vietnam, así como a la promoción de varios ideales hippie. Los hippies fueron asociados principalmente con dos clases de música: el
folk rock y el country rock de artistas como Bob Dylan y Gram Parsons, y por otro lado el rock psicodélico de bandas como Jefferson
Airplane y The Doors.26 Este movimiento estuvo íntimamente conectado a la British Invasion, una ola de bandas del Reino Unido
que se hicieron populares a lo largo de los años 60. La invasión británica incluyó inicialmente a bandas como The Beatles, The
Rolling Stones,27 y The Zombies , a los cuales se unirían después bandas como Moody Blues y The Who.28 El sonido de estas
bandas fue un rock bien definido, en el cual The Beatles eran originalmente conocidos por canciones que se parecían a las del rock
afroamericano de Little Richard, Chuck Berry, Smokey Robinson, The Shirelles y The Isley Brothers.nota 19 Tiempo después,
mientras la contracultura se desarrollaba, The Beatles comenzó a usar técnicas más avanzadas e instrumentos inusuales, tales como el
sitar, así como letras más originales.29
El folk-rock se benefició del éxito esporádico del mainstream con grupos como Kingston Trio y Almanac Singers, mientras que
Woody Guthrie y Pete Seeger ayudaron a radicalizar políticamente la música folk rural blanca.3 El popular músico Bob Dylan se
convirtió en prominencia a mediados de los 60, fusionando el folk con rock y haciendo que la naciente escena estuviera íntimamente
conectada con el Movimiento por los derechos civiles. Después de éste aparecieron varias bandas de country rock como The Byrds y
The Flying Burrito Brothers, así como otros cantautores de folk comoJoan Baez y la canadiense Joni Mitchell. Sin embargo, a finales
de la década, hubo poca conciencia social o política evidente en las letras de cantautores
de pop como James Taylor yCarole King, cuyas canciones eran profundamente
personales y emocionales.
El rock psicodélico fue duro, manejando una especie de rock basado en guitarra,
íntimamente asociado con la ciudad de San Francisco, California. Aunque Jefferson
Airplane fue la única banda psicodélica de San Francisco en tener grandes hits
nacionales, con "Somebody to Love" y "White Rabbit" de 1967, The Grateful Dead, una
jam band de folk, country y bluegrass, "incorporó todos los elementos de la escena de Joan Baez y Bob Dylan
San Francisco y vino... a representar a la contracultura en el resto del país"; The Grateful
Dead también fue conocida por introducir a la contracultura y al resto del país a las ideas
de personas como Timothy Leary, especialmente en el uso de alucinógenos como el LSD para propósitos espirituales y
filosóficos.nota 20
años 70 y 80
En los años posteriores a los cambios sociales y políticos turbulentos de los años 60 y principios de los 70, la música rock se
diversificó. Lo que en un principio se conoció como rock and roll, un género de música razonablemente discreto, había evolucionado
en una categoría general llamada simplemente rock music, un término que eventualmente incluiría a diversos estilos como el heavy
metal, el punk rock y a veces incluso al hip hop. Durante los 70, sin embargo, la mayoría de estos estilos no eran parte de la música
mainstream, y fueron evolucionando en la escena musical under
ground.
Los primeros años de la década de los 70 fueron protagonistas de una ola de cantautores que recurrieron a las introspectivas,
personales y profundamente emocionales letras del folk-rock de los 60. Estos incluyeron a James Taylor, Carole King y otros, todos
conocidos tanto por sus habilidades líricas como por sus interpretaciones. En el mismo periodo ocurrió el ascenso del Southern rock
(similar al blues) y de grupos de country rock como Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd.30 El soft rock se desarrolló en los
años 70, el cual era una estilo con forma simple, discreta y melodiosa de pop-rock, representada por bandas como America and
Bread, la mayoría de las cuales son apenas recordadas al día de hoy; muchas fueron one-hit wonders.3 Además, las bandas de el más
duro arena rock como Chicago and Styx también tuvieron gran éxito.
Los primeros años de la década de los 70 presenciaron el nacimiento de un nuevo estilo de música
country áspero y con una forma bien definida, el cual se hizo rápidamente la forma más popular
de country. Se le conoció como outlaw country, un estilo que incluyó a estrellas como Willie
Nelson y Waylon Jennings.2 El outlaw country estaba muy orientado hacia el rock, que además
tenía letras que se enfocaban en lo criminalmente grotesco, especialmente aquello relacionado con
drogas y alcohol de sus intérpretes, los cuales dejaban crecer su cabello, vestían de cuero y
mezclilla y lucían como hippies, en contraposición a los cantantes bien parecidos de country que
pertenecían al Sonido Nashville.3
A mediados de los año 70, la música disco, una estilo orientado al baile, se hizo popular al
evolucionar desde los clubs de baile underground para llegar a la cultura popular de América. La
música disco alcanzó su apogeo después del lanzamiento de Saturday Night Fever y el fenómeno
Willie Nelson
que rodeaba a las películas y soundtracks de The Bee Gees. El tiempo de la música disco fue, no
obstante, corto, y en los años 80 fue pronto reemplazada por varios géneros que evolucionaron de
la escena del punk rock, con en el caso de la new wave. Bruce Springsteen se convirtió en una gran estrella, primero desde mediados
de los 70, y después a lo largo de los 80, con letras densas y misteriosas y también canciones conmovedoras que resonaban en las
clases medias y bajas.3
Funk y Soul de los 70

A principios de los 70, la música soul fue influenciada por el rock psicodélico y por otros géneros. La agitación social y política de la
época inspiró a artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield para hacer declaraciones en álbumes completos en las cuales había
comentarios sociales muy directos. Artistas como James Brown llevaron al soul hacia un estilo más orientado al baile, el cual
eventualmente evolucionó en elfunk. El funk fue representado por bandas de los años 70 como Parliament-Funkadelic,
The Meters, y
el mismo James Brown, mientras que algunos grupos más versátiles como War, The Commodores y Earth, Wind and Fire también se
volvieron populares. Durante los 70, algunas hábiles bandas comerciales del blue-eyed soul como Hall & Oates (provenientes de
Philadelphia) lograron un éxito en la cultura popular, del mismo modo que la nueva generación de grupos vocales armónicos urbanos
de soulccomo The Delfonics y los Unifics (de la Universidad de Howard).
A finales los 70, el philly soul, el funk, el rock y la mayoría de los demás géneros fueron dominados por canciones con inflecciones
de la música disco. Durante este periodo, las bandas de funk como The O'Jays y The Spinners continuaron lanzando éxitos. Después
de la muerte de la música disco en los 80, el soul sobrevivió por un corto tiempo antes de pasar por otra transformación. Con la
introducción de influencia de la música electro y el funk, el soul se hizo menos tosco y más producido, resultando en un género de
música que fue llamado de nuevo R&B, usualmente distinguido del primer rhythm and blues identificándose como R&B
contemporáneo.
Pop de los años 80

En los años 60 el término rhythm and blues ya no se usa extensamente; en vez de ello, términos como soul music eran usados para
describir a la música popular de los artistas afroamericanos. En los años 80, sin embargo, rhythm and blues de nuevo fue usado, casi
siempre en la forma de R&B, un uso que ha continuado hasta el presente. El R&B contemporÁneo surgió cuanto los cantantes del
apasionado funk como Prince se hicieron populares, a la par que lo hacían estrellas de dance pop como Michael Jackson y
Madonna.3
A finales de los años 80, el pop rock consistía ampliamente de bandas de glam metal transmitidas en la radio, las cuales usaban
imágenes derivadas del movimiento glam británico con letras y actitudes de macho, acompañadas de solos virtuosos del heavy metal
y hard rock. Bandas de esta época incluyen a Def Leppard, así como a bandas americanas influenciadas por el heavy metal Mötley
Crüe, Guns N' Roses, Bon Jovi y Van Halen.3
A la mitad de la década también se vio el auge de la popularidad de la música gospel. Una nueva forma de gospel había
evolucionado, llamada Música Cristiana Contemporánea (CCM).TLa CCM había existido desde finales de los 60, y consistía de un
sonido pop/rock con letras ligeramente religiosas. La CCM se había convertido en la forma más popular del gospel de mediados de
los 80, especialmente con artistas comoAmy Grant, Michael W. Smith, y Kathy Troccoli. Amy Grant fue la cantantes más popular de
CCM y gospel de los años 80, y después de experimentar un éxito sin precedentes en la CCM, fusionó su música con el pop
mainstream de los años 80 y 90. Michael W. Smith también había tenido éxito considerable en la CCM antes de pasar a una carrera
exitosa en la música pop de la misma manera. Grant produciría después el primer éxito popular de CCC número uno ("Baby Baby"),
y el muy bien vendido álbum de CCM (Heart in Motion).
En los años 80, las listas principales de la música country eran dominadas por cantantes de pop con influencias apenas notables de la
música country, una tendencia que ha permanecido desde entonces. En los años 80 se vio un resurgimiento del honky tonk country a
través de la aparición de personas como Dwight Yoakam y los músicos de country neotradiconal, Emmylou Harris and Ricky
Skaggs,3 así como el desarrollo de intérpretes de alternative country como Uncle Tupelo. Intérpretes de alternative country
posteriores como Ryan Adams(miembro de la banda Whiskeytown)Wilco, ganaron algo de fama en el mainstream.
Nacimiento del underground

Durante los años 70, varios estilos diversos aparecieron en completo contraste con la música popular americana. Aunque estos
géneros no eran en gran parte populares en el sentido de vender muchos discos a las audiencias mainstream, eran ejemplos de la
música popular , en contraposición on el folk o la música clásica.TA principios de los años 70, los afroamericanos y puertorriqueños
de Nueva York desarrollaron la cultura hip hop, el cual produjo un estilo de música con el mismo nombre. Casi al mismo tiempo, los
latinos, en especial los cubanos y puertorriqueños en Nueva York también crearon la música salsa, la cual combinó muchas formas de
música latina con R&B y rock. Los géneros punk rock y heavy metal fueron ampliamente asociados con el Reino Unido durante los
70, mientras que otras variantes americanas evolucionaron después en la misma década y también en los años 80. Mientras tanto, en
Detroit evolucionaban lentamente una serie de géneros de música electrónica como el house y el techno, los cuales se convertirían en
una parte importante de la música alrededor del mundo.
Hip hop
El Hip hop es un movimiento cultural, del cual la música es una parte importante, junto con el
graffiti y el breakdance. La música está
compuesta de dos partes, el rapping, el cual consiste en la liberación de voces rápidas, rítmicas y líricas, y por otro lado el DJing, el
cual consiste en la producción de instrumentación por medio de sampling, instrumentación, turntablism o beatboxing.3 El Hip hop
surgió a principios de los años 70 en The Bronx, Nueva York. EL inmigrante jamaicano DJ Kool Herc es ampliamente reconocido
como el progenitor del hip hop; el trajo consigo la práctica del "toasting" (término equivalente a rapear en español) sobre ritmos de
canciones populares. En Nueva York, DJs como Kool Herc reproducían canciones populares de funk, música disco y rock. La
aparición de los emcees introdujo originalmente las canciones y mantuvo a la multitud emocionada y balando; con el tiempo, los DJs
comenzaron a aislar las interrupciones de las percusiones (el clímax rítmico de las canciones), produciendo así un ritmo repetido
sobre los cuales los emcees rapeaban.
El Rapping incluía saludos a los amigos y enemigos, invitaciones a bailar y alardes coloridos y a veces humorísticos. A principios de
los años 80, habían aparecido canciones populares de hip hop como "Rappers Delight" de Sugarhill Gang y unas cuantas grandes
celebridades de la escena, como LL Cool J y Kurtis Blow. Otros ejecutantes experimentaron con letras politizadas y conciencia
social, mientras que otros ejecutaban fusiones con jazz, heavy metal, techno, funk y soul. El Hip hop comenzó a diversificarse en los
últimos años de la década de los 80. Aparecieron nuevos géneros, tales como el hip hop alternativo su pariente más próximo, el jazz
rap, en el cual los raperos De La Soul y Guru sentaron las bases. Los grupos Public Enemy y N.W.A contribuyeron en gran parte
durante esta época para llevar el hip hop a la atención nacional; el primer lo hizo con letras cargadas de política,, mientras que el
último se convertiría después en el ejemplo prominente delgangsta rap.
Salsa
La música salsa consiste en ritmos diversos, predominantemente caribeños, la cual es popular en muchos países de America Latina.
La salsa incorpora variaciones y estilos múltiples; el término puede ser usado para describir a la mayoría de las formas de los géneros
musicales originarios de Cuba (como el chachachá y el mambo). De manera más específica, la salsa se refiere a un estilo particular
que fue desarrollado a mediados de los 70 por grupos de inmigrantes cubanos y puertorriqueños de Nueva York en Estados Unidos, y
sus descendientes estilísticos como lasalsa romantica de los años 80.31
La música salsa siempre tiene un compás de 4/4. La música tiene frases que abarcan grupos de dos compases, usando patrones
rítmicos recurrentes, así como el inicio de las frases la letra y los instrumentos. Típicamente, los patrones rítmicos ejecutados en la
percusiones son bastante complicados, ya que a menudo se tocan más de uno a la vez. El ritmo clave es un elemento importante que
forma la base de la salsa. Aparte de las percusiones, existen una variedad de instrumentos melódicos que son comúnmente usados
como acompañamiento, tales como la guitar, trompetas, trombones, el piano y muchos otros, todos dependiendo de los intérpretes.
Las bandas se encuentran típicamente divididas en secciones de ritmo y de metales, lideradas por uno o más cantantes (soneros or
salseros) .32
Punk y rock alternativo

El punk fue una estilo de música rock rebelde, el cual comenzó en los año 70 como una reacción en contra de la música popular del
día (en especial la música disco, la cual era vista como insípida y sin mayor inspiración). El punk se inspiró en bandas americanas
que incluían a The Velvet Underground, The Stooges y The New York Dolls.3 El era fuerte, agresivo y usualmente muy simples,
requiriendo poco entrenamiento musical para ejecutarse. Más tarde durante la década, bandas británicas como The Sex Pistols y The
Clash obtuvieron fama durante un tiempo corto en su país de origen y, en un grado menor, en los Estados Unidos. Bandas americanas
del área incluyeron a los muy famosos The Ramones, así como grupos del estilo de ahe lking Heads, los cuales tocaban de una forma
más pretenciosa que se encontraba asociada con el punk hasta antes de evolucionar en pop-new wave.3 Otras bandas grandes
incluyeron a Blondie, Patti Smith and Television. La mayoría de estas bandas
tuvieron sus inicios en lo que hoy se conoce como el "ground zero" 33 del punk
rock, un club llamado CBGB. El pequeño club en Nueva York llevó a cabo un
festival en 1975 para exhibir el "top 40 de las bandas de rock sin discos". Dentro de
estas bandas estaban las mencionadas con anterioridad The Ramones, Sex Pistols,
blondie y similares.
El Hardcore punk fue la respuesta de la juventud americana a la explosión del punk

rock en los años 70. EL hardcore despojó al punk rock y la new wave de sus a veces
Joey y Dee Dee Ramone en
elitistas y pretenciosas tendencias, lo cual resultó en canciones cortas, rápidas e concierto, 1983.
intensa que apelaban a los jóvenes insatisfechos. El hardcore explotó en las
metrópilis americanas de Los Angeles, Washington, DC, New York y Boston,
34
además de que la mayoría de las ciudades de país tenían ya sus propias escenas locales a finales de los 80.
El rock alternativo es un conjunto de bandas de rock que se desarrollaron ampliamente en América a partir de la escena hardcore en
los años 80, en clara oposición a la escena musical mainstream. Los subgéneros del rock alternativo que se crearon durante la década
incluyen al indie rock, el Gothic rock, el noise rock, el grunge, y el college rock. La mayoría de las bandas estaban unificadas por su
deuda colectiva al punk, el cual abrió el camino para la música underground y alternativa en los años 70. Aunque el género es
considerado como rock, algunos estilos fueron influenciados por el folk americano, el reggae y el jazz. Como en el caso del punk y el
hardcore, el rock alternativo tenía poco éxito en la cultura popular de los años 80, pero el establecimiento de las bases de la escena
indie por medio de giras, radio universitario, revistas y publicidad de boca en boca, las bandas alternativas abrieron el camino para la
penetración del género en la conciencia pública americana de la década siguiente.
Heavy metal
El heavy metal es una forma de música caracterizada por sus ritmos agresivos e impulsores, así como por sus guitarras eléctricas
distorsionadas, generalmente con letras ambiciosas e instrumentación virtuosa. El heavy metal es producto del desarrollo del blues, el
blues rock, el rock y el rock progresivo. Sus orígenes yacen en las bandas de hard rock británico las cuales entre 1967 y 1974
tomaron el blues y el rock y crearon un híbrido con sonido pesado y centrado en guitarras y baterías. La mayoría de los pioneros en el
género como Black Sabbath eran ingleses, aunque muchos fueron inspirados por intérpretes americanos como Blue Cheer y Jimi
Hendrix.
A principios de los 70, las primeras grandes bandas americanas hicieron su aparición,
como en el caso de Blue Öyster Cult y Aerosmith, entre otros músicos como Eddie Van
Halen que comenzaban su carrera. El heavy metal permaneció, sin embargo, como un
gran fenómeno underground. Durante los años 80, una forma de hard rock basada en el
pop con un espíritu de fiesta e influenciado por la estética visual glam (a veces referido Bon Jovi
como "hair metal") dominó las listas de popularidad, liderado por estrellas como Poison,
Bon Jovi, Mötley Crüe, y Ratt. En 1987 el debut de Guns N' Roses, una banda de hard
rock cuya imagen reflejó el rasposo núcleo de Sunset Strip, fue por lo menos en parte una reacción en contra de la imagen pulida del
hair metal, aunque el gran éxito de la banda fue de muchas maneras el último aliento del hard rock y la escena metalera. A mediados
de los 80, mientras el término "heavy metal" se convertía en el objeto de mucha disputa, el estilo se había divido en tantas direcciones
diferentes que los fans, compañías discográficas y revistas crearon nuevas clasificaciones, aunque a veces la diferencia entre varios
subgéneros era poco clara, incluso para los artistas que pertenecían a propósito dentro de un estilo dado. El subgénero más notables
de los años 80 en Estados Unidos fue el rápido y agresivo thrash metal, iniciado por bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica, y
Slayer.
Años 90
Quizás el cambio más importante en la década en cuanto a la música popular fue el ascenso del rock alternativo, a través de la
popularidad del grunge. Este fue previamente un conjunto de géneros anti-mainstream que alcanzaron gran fama a principios de los
90. El género fue situado en su mayoría en Sub Pop Records durante sus primeras etapas, una compañía fundada por Bruce Pavitt y
John Poneman. Un número significativo de bandas de grunge firmaron con el sello discográfico en donde Green River (la mitad de
los miembros de esta banda se convertirían después en los miembros fundadores de Pearl Jam), Sonic Youth (aunque no era una
banda de grunge, ésta fue influyente para aquellas y, de hecho, fue por la insistencia de Kim Gordon que David Geffen Company le
firmó a Nirvana) y Nirvana. El grunge es un subgénero del rock alternativo con un sonido "oscuro, lodoso y basado en la guitarra"
,nota 21 el cual retomó elementos del heavy metal, punk y de otras bandas como Sonic Youth y su uso de "melodías poco
convencionales para transformar canciones que de otro modo serían pop estándar en formas irregulares".nota 22 Con la adición de un
"elemento melódico influenciado por The Beatles" al sonido de bandas como Nirvana, el grunge se hizo ampliamente popular por
todos los Estaos Unidos.nota 23 El grunge se hizo comercialmente exitoso durante los primeros años de la década, alcanzando la cima
entre 1991 y 1994. Las bandas de ciudades delnoroeste del pacífico, especialmente Seattle, Washington, fueron responsables de crear
el grunge y después hacerlo popular con las audiencias mainstream. La supuesta generation x, la cual apenas había alcanzado la edad
adulta mientras la popularidad del grunge crecía, estaba íntimamente asociada con el mismo, cuyo sonido ayudó a "definir la
desesperación de (esa) generación".nota 24 Las bandas de post grunge como Foo Fighters and Creed se convirtieron en una forma
popular del rock alternativo porque aún era digerible, a diferencia del primer grunge, de los cuales solo fueron influenciados. las
bandas de Pop punk como Green Day y Blink 182 también ganaron popularidad. En la segunda mitad de los 90 el nu metal surgió
con bandas como Linkin Park, Korn, Limp Bizkit and Slipknot. La cultura indie permaneció aislada en la escena underground con
nuevos géneros comolo-fi (Beck, Sparklehorse, Guided By Voices), math rock (Slint, Shellac) y el post-rock (Mogwai, Explosions in
the Sky). El Emocore y el Post-hardcore se hicieron más conocidos con bandas tales comoAt the Drive-In y Fugazi.
El Gangsta rap es una corriente del hip hop, caracterizado por su enfoque lírico en la sexualidad machista y la imagen criminal física
y del peligro. Aunque los orígenes del gangsta rap pueden ser encontrados a mediados de los años 80 en los raps de Schoolly D (de
Philadelphia) y de Ice-T (de West Coast), se tiene el conocimiento de que inició en Los Angeles y en el área de Los Angeles y
Oakland, donde Too Short, NWA y otros encontraron fama. Este escena de West Coast rap pengendró el sonido G-funk de los 90, los
cuales se equiparan a la letra del gangsta rap con un tono denso y confuso, usualmente utilizando samples del P-funk de los 70; los
autores más conocidos del género fueron los raperosDr. Dre and Snoop Doggy Dogg.
Siglo XXI
A finales de los 90 y a principios de los años 2000 la música pop consistía en su mayor parte en una combinación de pop, hip hop y
pop teñido con R&B, incluyendo a varias boy bands. Las cantantes femeninas más notables también cimentaron su estatus en la
música popular americana y de todo el mundo, tales como Britney Spears, Christina Aguilera, Katy Perry, Lady Gaga y Taylor Swift.
También fue notable la influencia de los productores de hip hop en la música popular de la mitad y final de la década, incluyendo a
Neptunes y a Timbaland, los cuales hicieron que los sonidos escuchados al principio en los álbumes FutureSex/LoveSounds de Justin
Timberlake y Loose de Nelly Furtado fueran imitados por toda la radio con artistas como Madonna, Akon y Lady Gaga. A finales de
los años 2000 y a principios de la década de los 2010, la música pop comenzó a moverse hacía la influencia de la escena de la música
electrónica para bailar, sentándose las bases en el gremio con productores comoDavid Guetta, Calvin Harris, Swedish House Mafia y
Skrillex.
La combinación de Hip hop y pop también comenzó a dominar los años 2000 y los primeros de la década de los 2010. Al principio de
esta última, artistas prominentes como Drake, Lil Wayne, 2 Chainz, Kendrick Lamar, Machine Gun Kelly, y Macklemore
comenzaron a dominar la escena mainstream.
El sonido predominante de los años 90 en la música country fue el pop, con elementos muy limitados del primer country. Esto
incluye a muchos de los artistas más vendidos de los años 90, como Clint Black, Shania Twain, Faith Hill y el primero de estas
estrellas de fusiones, Garth Brooks.3
Por otro lado, un resurgimiento de la guitarra apareció y levanto a una nueva generación de bandas alternativas, a menudo descritas
como post-punk revival o garage rock revival. Las bandas prominentes de EUA en esta generación son White Stripes, The Strokes,
yThe Killers. El New Weird America o, a veces también llamado Freak Folk, es un nuevo movimiento que enfatiza la individualidad
artística de artistas que fusionan géneros, tales comoAntony and the Johnsons, Joanna Newsom, The Dodos, Animal Collective y Cat
Power.
Impacto social e internacional

La música popular americana se ha hecho extremadamente popular internacionalmente hablando. El Rock, el hip hop, el jazz, el
country y otros estilos tienen fans alrededor de todo el mundo. El presentador de la BBC Radio y DJ, Andy Kershaw, por ejemplo, ha
notado que la música country es popular a través de prácticamente todo el mundo.nota 25 De hecho, fuera de "todas las
contribuciones hechas por los americanos a la cultura global... (la música popular americana) ha sido tomada (en su mayoría) con
amor por todo el mundo".nota 26 Otros estilos de música popular americana también han tenido un efecto formativo internacional,
incluyendo el funk (la base para el Afrobeat de África Oriental), el R&B (una gran fuente de inspiración para el reggae jamaiquino, y
el rock, el cual ha influido profundamente en la mayor parte de los géneros de música popular alrededor del mundo. El rock, el
country, el jazz y el hip hop se han convertido en una parte atrincherada de muchos países, lo cual ha llevado al auge de variedades
locales como la música country australiana,Bongo Flava de Tanzania y el rock ruso.
El rock ha tenido un impacto en la formación de la música popular, el cual ha tenido el efecto de transformar "el mismo concepto de
lo que la música popular" es.nota 27 Mientras Charlie Gillett ha discutido sobre como el rock and roll "fue el primer género popular
nota 28
en incorporar el pulso implacable y verdadero volumen de la vida urbana en la música misma".
El impacto social de la música popular americana ha sido sentido tanto en los Estados Unidos como en los países extranjeros.
Comenzando tan pronto como el siglo XIX con las extravaganzas de finales del mimo, la música popular americana ha sido criticada
por ser demasiado provocativa en lo sexual y por motivar a la violencia, el uso de las drogas y el comportamiento inmoral en general.
Véase también
Blackface
Rockabilly
American Idol
Cultura pop
Invasión británica
Notas
1. Ewen, pg. 69, Ewen declara que Dan Emmett fue un "compositor de canciones populares", después de lo cual
señala que otro, e incluso más significante, fue su contemporáneo Stephen Foster, el primer gran compositor de
Estado Unidos, y uno de los más sobresalientes autores de canciones a nivel mundial.
2. Clarke, pgs. 28–29. Clarke nota que la canción "Massa's in the Cold Ground" fue un claro intento de sentimentalizar
la esclavitud, aunque también señala que muchos de los esclavos deben habeer amado a sus amos, de los cuales
ellos dependían para todo. Clarke también dice que las canciones como "Nelly Was a Lady" describen la experiencia
negra como sentimientos humanos ordinarios; ellos son personas reales como los personajes de Shakespeare.
3. Ewen, pg. 81.Cuando Millie Cavendish se paró al frente de las luces, movió un dedo provocativo hacia los hombres
de la audienia, y cantó con su voz aguda de bebé “You Naughty, Naughty Men”(by T. Kennick and G. Bicknell); tanto
el treatro musical estadounidense como la canción popular estadounidense emepezaron sus largas y activas
carreras en la explotación sexual.
4. Ewen, pg. 94 Ewen claims New York was the music publishing center of the country by the 1890s, and says the
‘’publishers devised formulas by which songs could be produced with speed and dispatch... Songs were now to be
produced from a serviceable matrix, and issued in large quantities: stereotypes for foreign songs, Negro songs,
humorous ditties, and, most important of all, sentimental ballads.
5. Ewen, pg. 101. Ewen es la fuente tanto del "Drill Y
e Tarriers" como de la naturaleza de lascoon songs
6. Ewen, pg. 101 and Clarke, pg. 62Ewen attributes "New Coon in Town" to Paul Allen, though Clarke attributes it to J.
S. Putnam – both agree on the year, 1883
7. Clarke, pg. 95. Clarke señala la fecha de la era dorada comoc. 1914–50
8. Garofalo. Es un ejemplo del comienzo de T in Pan Alley, en un capítulo que también contiene el reportaje del ragtime
9. Clarke, pgs. 56–57 Coon songs came out of minstrelsy, and were already established in vaudeville, when all this
culminted in ragtime... ragtime may have begun with attempts to imitate the banjo on the keyboard.
10. Ferris, pg. 228.Considerado como música para bailar, y por mucho tiempo considerado como una forma popular de
la músia, el jazz se ha convertido en un sofisticado arte que ha interactuado de forma significativa con la música
clásica.
11. Clarke, pgs. 200–201. Desde 1935 hasta después de la Segunda Guerra Mundial, un esilo orientado al jazz estuvo
en el centro de la música popular por primera vez (y la última, hasta el momento), completamiente diferente a
solamente darle un apoyo.
12. Garofalo, pg. 45. El ukelele y la steel guitar fueron introducidas a este país por los grupos hawaianos de cuerdas
que realizaron giras por el país después de que Hawai se convirtiera en territorio de EUA en 1900 .
13. Collins, pg. 11. Además, Collins nota que los primeros músicos de pseudo country Como Vernon Dalhart, el cual
hizo fama grabando 'country music songs', no pertenecía a las colinas y depresiones o a las planicies y valles. Estas
estrellas de compañías discográfica cantaban tanto música rural como música urbana, y la mayoría sabía más sobre
Broadway que sobre hillbillies. Su imagen rural era a veces manufacturada para el momento y por el dinero. En
contraste, como Collins explica más adelante, tanto la Carter Family como la Rodgers tenían credibilidad rural, lo
cual ayudó a que las sesiones de grabación de Peer fuera un éxito influyente; la Carter Family fue el lazo de Ralk
Peer a las colinas y depresiones, a los amores perdidos y la fé encontrada, pero éste tomó a Jimmie Rodgers para
conectar al autor con algo de los trenes y salones amados en la música country , la carcel y el blues.
14. Broughton, Viv and James Attlee. "Devil Stole the Beat" en laRough Guide to World Music, Volume 2, pg. 569. Su
figura seminal fue un pianista y ex-músico de blues llamado Thomas A. Dorsey (1899–1993), el cual comenzó a
componer canciones basadas en espirituales familiares e himnos fusionados con el blues y los ritmos del jazz.
emphasis on the original
15. Garofalo, pg. 72 El primer vocalista de pop en engendrar histeria entre sus fans (antes que simple admiración o
adoración) fue un italoamericano que se rehusaba a anglificar su nomnbre: Frank Sinatra, el "Sultan of Swoon" .
16. Rolling Stone, pgs. 99–100 Ward. Stokes y Tucker llaman a las versiones cover como las hormigas del suntuoso
picnic de rhythm-and-blues.
17. Szatmary, pgs. 69–70. También como guitarrista entusiasta que había lanzado un par indistintivo de sencillos en su
propio sello en 1960, Dale trabajó cercanamente con Leo Fenderm, el manufacturero de la primera guitarra eléctrica
de cuerpo sólido producida en masa y también presidente de Fender Instruments, para mejorar el amplificador
Showman y desarrollar la unidad de reverberación que daría a la músic surf su sonido distintivamente borroso.
18. Rolling Stone, pg. 251.Aunque el 'sonido instrumental de the Beach Boys fue usualmente dolorosamente delgado,
las voces flotante, con las armonías al estilo de The Four Freshmen viajando sobre un estribillo propulsivo ("inside
outside, U.S.A." en "Surfin' U.S.A."; "rah, rah, rah, rah, sis boom bah" en "Be True to Your School") fueron ricas,
densas e incuestionablemente especiales.
19. Garofalo, pg. 201 Garofalo specifically lists "Roll Over Beethoven" byChuck Berry, "Long Tall Sally" by Little Richard,
"Twist and Shout" by the Isley Brothers, "Money" by Barrett Strong, "Boys" and Baby It's You" by The Shirelles,
"You've Really Got a Hold on Me" by Smokey Robinson and the Miraclesand "Chains" by The Cookies.
20. Garofalo, pg. 218. The Grateful Dead combinó las tendencias anticomerciales de la juventu de clase media con las
propiedades de alteración mental de la dietilamida de ácido lisérgico(LSD).
21. Garofalo, pg. 448. Garofalo describe un sampler llamadoSub Pop 200 como una primera antología del lodo oscuro y
basado en la guitarra que vino a ser conocido como grunge.
22. Garofalo, pg. 451. Del grupo de(Glenn Branca)aprendieron a usar melodías poco convencionales para transformar
canciones que de otro modo serían pop estándar en formas irregulares, un marca de Sonic Youth que, en Seattle,
resonó tanto como el lado oscuro de su visión musical.
23. Szatmary, pg. 285 Recording the songs that would become Nevermind, Nirvana added a melodic, Beatlesque
element, which had shaped Cobain, Novoselic, and new drummer Dave Grohl.
24. Szatmary, pg. 284.El Grunge, desarrollándose en las oficinas de Seattle de la independiente Sub Pop Records,
combinó el hardcore y el metal en las listas de popularidad y ayudó a definir la desesperación de la juventud.; en
contexto, esto es presumiblemente se refiere a laGeneration X, aunque ese término no es particularmente usado.
25. Kershaw, pg. 167, de laRough Guide to World Music, Part Two y "Our Life Is Precisely a Song", pg. 167. Kershaw
nota específicamente que Corea del Norte fue el único país en el cual nunca oyó hablar de música country
26. Ewen, pg. 3.Todas las contribuciones hechas por americanos a la automatización de la cultura global y la linea de
ensamblaje, publicidad, innumerables aparatos y dispositivos, rascacielos, super hombres de negocios, baseball,
ketchup, mostaza, hot dogs y hamburguesas, innegablemente nativas, han sido tomadas con amor por el mundo
entero. Es la música popular.
27. Garofalo, pg. 94. Es suficiente decir, a menos que nos perdamos en la historia, que la música que vino a ser llamada
rock and roll comenzó en los años 50 como segmentos diveros y raramente escuchados de la población que lograba
una voz dominante en la cultura popular y transformaba el mismo concepto de lo que la música popular es.
28. Gillett, pg. i, quote from Garofalo, pg. 4 Garofalo quotes Gillett as Rock and Roll (sic) was perhaps the first form of
popular culture to celebrate without reservation characteristics of city life that had been among the most criticized.
Referencias
1. Ewen, David (1957). Panorama of American Popular Music. Prentice Hall. ISBN 0-13-648360-7.
2. Clarke, Donald (1995).The Rise and Fall of Popular Music. St. Martin's Press. ISBN 0-312-11573-3.
3. Garofalo, Reebee (1997).Rockin' Out: Popular Music in the USA. Allyn & Bacon. ISBN 0-205-13703-2.
4. Sawyers, June Skinner (2000).Celtic Music: A Complete Guide. Da Capo Press. ISBN 0-306-81007-7.
5. Baraka, Amiri (Leroi Jones) (1963). Blues People: Negro Music in White America. William Morrow. ISBN 0-688-18474-
X., cited in Garofalo, pg. 76}}
6. Palmer, Robert (19 de abril de 1990). «The Fifties». Rolling Stone: 48.; cited in Garofalo, pg. 95 }}
7. Lipsitz, George (1982).Class and Culture in Cold War America. J. F. Bergin. ISBN 0-03-059207-0., cited in Garofalo, pg.
95}}
8. Gillett, Charlie (1970). The Sound of the City: The Rise of Rock and Roll. Outerbridge and Dienstfrey. ISBN 0-285-
62619-1.
9. Gilliland , 1969, show 6.
10. Gilliland , 1969, show 11, track 5.
11. Marcus, Greil (24 de junio de 1993). «Is This the Woman Who Invented Rock and Roll?: The Deborah Chessler
Story». Rolling Stone: 41.; cited in Garofalo }}
12. Gilliland, John (1969). "Play A Simple Melody: American pop music in the early fifties" (audio). Pop Chronicles.
Digital.library.unt.edu.
13. Gillett, "pg. 9, cited", in Garofalo, 1997, p. 74.
14. Gilliland, 1969, show 9.
15. Werner, Craig (1998). A Change Is Gonna Come: Music, Race and the Soul of America . Plume. ISBN 0-452-28065-6.
16. «Nashville Sound» (https://web.archive.org/web/20050403172705/http://roughstock.com/history/nashsound.html) .
Roughstock's History of Country Music. Archivado desde el original (http://www.roughstock.com/history/nashsound.ht
ml) el 3 de abril de 2005. Consultado el 6 de junio de 2005.
17. «Hank Williams» (http://www.pbs.org/wnet/americanmasters/database/williams_h.html). PBS' American Masters.
Archivado (https://web.archive.org/web/20050526080359/http://www .pbs.org/wnet/americanmasters/database/william
s_h.html) desde el original el 26 de mayo de 2005. Consultado el 6 de junio de 2005.
19. «Nashville sound/Countrypolitan» (https://web.archive.org/20110301034806/http://www .allmusic.com:80/explore/styl
e/d2676). Allmusic. Archivado desde el original (http://www.allmusic.com/explore/style/d2676) el 1 de marzo de
2011. Consultado el 6 de junio de 2005.
20. Collins, Ace (1996). The Stories Behind Country Music's All-Time Greatest 100 Songs. Boulevard Books. ISBN 1-
57297-072-3.
21. Gilliland, 1969, shows 15-17.
22. Miller, Jim (editor) (1976). The Rolling Stone Illustrated History of Rock & Roll. Rolling Stone Press/Random House.
ISBN 0-394-73238-3. (chapter on "Soul", by Guralnick, Peter , pgs. 194–197)}}
29. Gilliland, 1969, shows 35, 39.
30. David Szatmary (2000). Rockin' in Time: A Social History of Rock-And-Roll. Prentice Hall. ISBN 0-13-188790-4.
31. Morales, Ed (2003). The Latin Beat. Da Capo Press. ISBN 0-306-81018-2.
32. Broughton, Simon and Ellingham, Mark with McConnachie, James and Duane, Orla (Ed.) (2000). Rough Guide to
World Music. Rough Guides Ltd, Penguin Books.ISBN 1-85828-636-0.
33. «CAS – Central Authentication Service» (http://search.proquest.com/iimp/docview/1194587/DA4FEAFB43574205P
Q/3?accountid=8360). Search.proquest.com. Consultado el 8 de agosto de 2014.Uso incorrecto de la plantilla enlace
roto (enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial (https://web.archive.org/web/*/{{{1}}})y la última versión (https://web.arc
hive.org/web/2/{{{1}}})).
34. Blush, Steven (2001). American Hardcore: A Tribal History. Feral House. ISBN 0-922915-71-7.
Bibliografía
Bayles, Martha (1994). Hole in Our Soul: The Loss of Beauty and Meaning in American Popular Music. Free Press.
ISBN 0-02-901962-1.
Booth, Mark W. (1983). American Popular Music: A Reference Guide. Greenwood Press. ISBN 0-313-21305-4.
Ennis, Phillip H. (1992). The Seventh Stream: The Emergence of Rocknroll in American Popular Music. Wesleyan
University Press. ISBN 0-8195-6257-2.
Hamm, Charles (1979).Yesterdays: Popular Song in America. W.W. Norton & Company. ISBN 0-393-01257-3.
Joseph, Mark (2003). Faith, God, and Rock + Roll: From Bono to Jars of Clay: How People of Faith Are
Transforming American Popular Music. Baker Books. ISBN 0-8010-6500-3.
Joyner, David Lee (2002). American Popular Music. McGraw-Hill. ISBN 0-07-241424-3.
Kenney, William Howland (2003). Recorded Music in American Life: The Phonograph and Popular Memory, 1890–
1945. Oxford University Press. ISBN 0-19-517177-2.
Mahar, William J. (1998). Behind the Burnt Cork Mask: Early Blackface Minstrelsy and Antebellum American Popular
Culture. University of Illinois Press.ISBN 0-252-06696-0.
Pratt, Ray (1994). Rhythm and Resistance: The Political Uses of American Popular Music. Smithsonian Books.
ISBN 1-56098-351-5.
Rubin, Rachel and Jeffrey Melnick(eds.) (2001). American Popular Music: New Approaches to the Twentieth
Century. University of Massachusetts Press.ISBN 1-55849-268-2.
Sanjek, Russell (1988). American Popular Music and Its Business: The First Four Hundred Years: Volume III, from
1900 to 1984. Oxford University Press.ISBN 0-19-504311-1.
Scheurer, Timothy E. (ed) (1990). American Popular Music: Readings from the Popular Press: The Nineteenth
Century and Tin Pan Alley. Bowling Green State University Popular Press.ISBN 0-87972-465-X.
Scheurer, Timothy E. (ed) (1990). American Popular Music Vol 2: The Age of Rock. Bowling Green University
Popular Press. ISBN 0-87972-468-4.
Starr, Larry; Christopher Alan Waterman (2002). American Popular Music: From Minstrelsy to MTV. Oxford
University Press. ISBN 0-19-510854-X.
Vautier, Dominic (2000). Sex, Music & Bloomers: A Social History of American Popular Music. Abelard Press. ISBN 0-
9677046-3-4.
Wilder, Alec (1990). American Popular Song: The Great Innovators, 1900–1950. Oxford University Press. ISBN 0-19-
501445-6.
Enlaces externos
Center for Popular MusicMiddle Tennessee State University
Database of popular songs in American history
Center for American Musicat the University of Pittsburgh
Popular Songs from the Civil War to the Cold War
Obtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Música_popular_de_Estados_Unidos&oldid=112057068
»
Esta página se editó por última vez el 16 nov 2018 a las 15:20.
El texto está disponible bajo laLicencia Creative Commons Atribución Compartir Igual 3.0 ; pueden aplicarse cláusulas
adicionales. Al usar este sitio, usted acepta nuestrostérminos de uso y nuestra política de privacidad.
Wikipedia® es una marca registrada de laFundación Wikimedia, Inc., una organización sin ánimo de lucro.

Música Popular de Estados Unidos

Cargado por

Información del documento

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Música Popular de Estados Unidos

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

Música popular de Estados Unidos

La Música popular estadounidenseha tenido un efecto profundo en

Los estilos distintivos de la música popular estadounidense surgieron

Principios de la música popular

Tin Pan Alley

Primeras grabaciones de música popular

Jazz popular (1920–1935) y swing (1935–1947)

La diversificación y popularización del blues

Country: El sonido de Nashville

Funk y Soul de los 70

Pop de los años 80

Nacimiento del underground

Punk y rock alternativo

El Hardcore punk fue la respuesta de la juventud americana a la explosión del punk

Impacto social e internacional

También podría gustarte