LAS ÚLTIMAS TENDENCIAS PICTÓRICAS.

1.- EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO Y EL INFORMALISMO. LA ABSTRACCIÓN

POSTPICTÓRICA Y EL MINIMAL ART.
El Arte Abstracto es aquel en que no aparecen objetos reconocibles, sino una combinación de
colores y formas que expresan los sentimientos internos del artista. Se desarrolla a partir de la
época de entreguerras, llegando hasta nuestros días, si bien es el resultado de una larga evolución
de la Historia de la Pintura, en la que se había ido desvalorizando el tema del cuadro, convertido
finalmente en un simple "pretexto". De entre sus iniciadores podemos destacar a:
 WASSILY KANDINSKY (1866-1944).
Participa en la creación del grupo expresionista alemán El Jinete Azul (Der blaue Reiter).
A partir de él se inician las tendencias abstractas que llegan hasta la actualidad. Como ejemplo
tenemos su obra Arco negro (1912). En esta obra busca crear una armonía, en la que los colores y
las líneas sean como notas musicales, capaces de producir una emoción en el espectador, por lo que
su pintura puede ser considerada, además de abstracta, también como expresionista.
 PIET MONDRIAN (1872-1944).
Es el representante del Neoplasticismo, una derivación abstracta del cubismo que
considera que la pintura no puede ser una imitación de la naturaleza, sino una creación absoluta, a
base de armonías visuales, con una reducción a los elementos básicos. Como ejemplo tenemos su
obra Composición 4. En ella vemos cómo su pintura se caracteriza por rectángulos de distintos
tamaños de colores primarios (rojo, amarillo y azul) más el blanco, el negro y el gris: se elimina
cualquier referencia a un tema, a la profundidad, al modelado... Su objetivo es hacer un arte puro,
universal, por encima de cualquier circunstancia del espectador concreto.
1.1.- EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO Y EL INFORMALISMO.
La IIª Guerra Mundial supuso el mayor periodo de horror y destrucción hasta el
momento. Tras ella, el mundo queda dividido en dos bloques, capitalista y comunista, enfrentados
en la Guerra Fría y al borde de la destrucción. Este periodo coincide con el auge de la filosofía
existencialista, representada por Jean-Paul Sartre, quien nos presenta una humanidad alienada por
fuerzas que es incapaz de controlar, en un ambiente general de pesimismo. El mundo artístico
queda también dividido en dos formas de entender el arte: controlado por el Estado, como
instrumento de lucha, en el mundo comunista; sometido a las reglas del mercado, expresión del
individualismo, en el mundo capitalista.
En este contexto se desarrollan toda una serie de movimientos artísticos, que tienen en
común su inconformismo con el ambiente y en los que se valora más el proceso de elaboración
previo, más que el de pintar; incluso se aceptan obras inacabadas, valorándose su intencionalidad.
Son movimientos que se suceden con rapidez, por lo que su caracterización y delimitación son
difíciles, pues llegan hasta nuestros días, aunque su principal auge se dio entre los años 50 y 70.
Uno de los más importantes es el EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Se designa con
este término a la pintura abstracta realizada en EE.UU. en los años 40 y 50, que refleja el mundo
sombrío de la posguerra. Fue un estilo apoyado por los poderes públicos, que lo utilizaban en su
lucha contra el comunismo, contraponiendo la libertad individual del artista expresionista en el
mundo capitalista con el sometimiento del artista a la política del Estado en el mundo comunista.
Su principal representante es Jackson POLLOCK (1912-1956. En sus obras se enfrenta
al cuadro sin ideas previas y, en el momento de pintar, descarga todo lo instintivo y dramático del
inconsciente. A partir de 1947 desarrolla la técnica de la action-painting o dripping (chorreado),
consistente en derramar o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar, moviéndose en torno a ellos, con
gestos y movimientos instintivos. El resultado es una superficie totalmente cubierta en la que no
hay nada que interpretar: sólo importa el acto de pintar, no el resultado. Ni siquiera el propio pintor
sabe en un principio lo que está haciendo. Mediante este método Pollock realizó esquemas de
formas entrelazadas como se observa en su obra Lucifer (1947).

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En cuanto al INFORMALISMO, es un término acuñado por el crítico Michael Tapié en

1951 para referirse a la pintura europea posterior a la IIª Guerra Mundial. El informalismo es
paralelo cronológicamente al expresionismo abstracto norteamericano y, como él, refleja un
ambiente de pesimismo y desconfianza hacia la cultura occidental. Comparten ambos también el
interés por el azar y la improvisación en la elaboración de la obra, así como el rechazo de cualquier
idea de Orden, Armonía o Belleza tradicional; pero se diferencia en una mayor libertad en el uso de
materiales, combinando la pintura con arenas, harapos, madera, serrín, barro… En este sentido, hay
una especie de vuelta a un arte primitivo, resultado de su rechazo de la cultura occidental.
Aunque el informalismo es resultado de unas determinadas circunstancias históricas, en
él son perceptibles influencias de movimientos anteriores. Así, del Dadaísmo toman el interés por el
azar y la improvisación; del Surrealismo, el uso del automatismo psíquico; del Cubismo la mezcla
de diferentes elementos, a modo de collage; y del Expresionismo, la expresión de la interioridad
angustiada del artista.
Dentro del informalismo se incluyen numerosas tendencias, algunas muy efímeras. Y en
cuanto a sus principales representantes destacan, a nivel internacional, Jean Dubuffet, Joseph Beuys
o Lucio Fontana. En España el informalismo alcanzará un gran desarrollo en los años 50,
enmarcado en el contexto de las consecuencias de la Guerra Civil española y la Dictadura de
Franco. Destacan sobre todo dos focos: Barcelona, donde aparece en 1948 el grupo Dau al Set, en
el que destaca el pintor Antoni Tapies; y Madrid, donde en 1957 se funda el grupo El Paso, con
pintores como Manuel Millares, Rafael Canogar y Antonio Saura.
Antoni TAPIES (1923-2012) desarrollará el Informalismo entre los años 50 y 60. Una
de sus obras representativa es Marró y ocre (1959). En ella vemos cómo, en este periodo, utiliza
arena y polvo de mármol mezclado con pigmentos y aglutinantes aplicados sobre el soporte, lo que
da como resultado unas superficies muy complejas que parecen relieves. No aparecen elementos
figurativos, sino marcas o incisiones, además de manchas de pintura que crean centros de atención
en la superficie. El colorido es muy sobrio, predominando los colores terrosos o los grises.
1.2.- LA ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA Y EL MINIMAL ART.
A partir de los 60 se produce en EE.UU. una reacción contra las formas y contenidos del
expresionismo abstracto y el informalismo dominantes. La pintura se centrará ahora sólo en los
elementos básicos: el soporte, las dos dimensiones y las propiedades del material utilizado. El
resultado es la ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA, una pintura abstracta, pero que renuncia a
trasmitir un mensaje, un estado de ánimo o una visión del mundo. Por ello ha sido también llamada
“abstracción fría”. En ella el protagonista no es la imagen en el cuadro, sino el propio soporte, que
acaba por convertirse en objeto artístico, acercándose al concepto de escultura.
Ad Reinhardt, uno de sus principales teóricos, explicaba en 1957 que “La primera regla
(…) de la pintura es su pureza (…). Cuanto más cosas encierra, cuanto más ocupada esté la obra
de arte, peor será. Más es menos (…). Menos es más”.
Entre sus representantes, además de Reinhardt, están Frank Stella y Morris Louis.
En cuanto al MINIMAL ART es una tendencia surgida a mediados de los años 60, que
se desarrollará en los campos de la pintura y la escultura. Se caracteriza por la reducción radical del
lenguaje artístico a formas puras y geométricas, sin tema y sin carácter expresivo. Los materiales
son también elementales, generalmente de carácter industrial: planchas de acero, plástico, luces de
neón… Son, por otra parte, obras en las que se pretende ir más allá de la superficie de la propia
obra, buscando invadir el espacio real en el que se encuentra el espectador.
En estas obras se llega a separar la idea de la obra de la ejecución práctica de la misma,
pues el uso de esos materiales permite su reproducción por personal ajeno al artista en cualquier
lugar. Como ejemplo podemos citar las obras de Sol Lewitt, Donald Judd o Bruce Naumann.

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2.- LA NUEVA FIGURACIÓN. EL POP-ART. EL HIPERREALISMO. ÚLTIMAS

TENDENCIAS.
Entre el final de la IIª Guerra Mundial y los años 70, los estilos abstractos son los
predominantes en el panorama de la pintura mundial. No obstante, se siguen manteniendo vigentes
estilos de tipo figurativo. Sobre ellos se produce, a partir de los años 60, una reacción figurativa
más importante, en contra del dominio de la abstracción en sus diferentes formas (expresionismo
abstracto, informalismo, abstracción postpictórica…) y del predominio de la expresión de la
subjetividad. Dentro de esta reacción figurativa podemos diferenciar varios movimientos:
2.1.- LA NUEVA FIGURACIÓN.
El término Nueva Figuración fue utilizado por primera vez en dos exposiciones
realizadas en París en 1961 y 1962. Significa una reacción contra la pintura abstracta. Las obras
recuperar la imagen figurativa y reflejan la realidad que rodea al pintor, pero de una forma cruda y
dramática, aún bajo los efectos de las consecuencias de la IIª Guerra Mundial y la Guerra Fría.
Uno de sus principales representantes es Francis BACON (1909-1992). Su pintura se
desarrolla a partir de la influencia del surrealismo, con su interés por reflejar la interioridad del ser
humano, y del expresionismo, por su voluntad expresiva. A partir de ahí, elabora una pintura muy
personal, centrada en el estudio de la figura humana, sometida a deformaciones monstruosas, en
espacios monocromáticos e indefinidos, que crean unas escenas de horror, incomunicación y
claustrofobia, propias de un mundo absurdo en el que nada tiene sentido. Se inspiró a veces en
imágenes de Velázquez, pintor por el que tenía un gran interés. Así, una de sus obras más
conocidas es la de Inocencio X, de la que hizo unas 40 versiones.
2.2.- EL POP-ART.
La denominación POP-ART es una abreviatura a partir de POPULAR ART, término
utilizado por el crítico británico Lawrence Alloway. El Pop-art se inicia en Inglaterra en los años
50, con Richard Hamilton (1922-2011), quien empezó a utilizar en sus cuadros elementos visuales
de la cultura de masas (imágenes de anuncios, revistas ilustradas, cómics, carteles de cine...) como
vemos en su obra ¿Qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?
(1956). Posteriormente, en los años 60, este estilo se difunde en EE.UU., donde alcanza una gran
repercusión, al encontrarse con una sociedad en la que los medios de comunicación y la cultura de
masas estaban más desarrolladas. A partir de ahí se extiende por otros países, incluido España,
aunque en este último caso tiene unas intenciones diferentes.
El Pop-art supone una reacción contra todo el arte abstracto en general, un arte que
las masas populares no entienden. Pero dentro del Pop-art pueden apreciarse al menos dos
tendencias distintas y simultáneas:
 Una más comprometida, crítica y provocadora socialmente, continuadora de los
planteamientos del Dadaísmo. En ella podemos situar a su iniciador, Richard Hamilton, y a otros
artistas posteriores como Robert Rauschenberg, Arman o Piero Manzoni.
 Otra, más lúdica y acrítica, que utiliza tanto la iconografía como las técnicas de
los medios de comunicación de masas. Imágenes de la sociedad de consumo, fácilmente
reconocibles, hasta entonces despreciados por la alta cultura: objetos de consumo diario, personajes
populares del cine o de los medios de comunicación 1... Por otra parte, utilizan técnicas industriales,
como la serigrafía, con lo que las obras dejan de ser consideradas como objeto único, para ser
consideradas como productos en serie, algo que enlaza con la lógica del sistema capitalista. Dentro
de ella podemos citar a artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol.
Roy LICHTENSTEIN (1923-1997) utiliza en sus obras imágenes del mundo
del cómic, con una técnica de puntos (denominada benday), combinada con colores acrílicos
planos, muy particular y fácilmente reconocible, como podemos ver en su obra Mujer en el baño
1
Paralelamente la música difunde canciones fácilmente entendibles y consumibles. Es la época de los Beatles.
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(1963), en la que recoge la imagen de la mujer moderna norteamericana, feliz y despreocupada,

como su fuese una Venus clásica.
ANDY WARHOL (1928-1987) realiza series de cuadros sobre un mismo
tema, cambiando sólo los colores y sobre temas populares: el bote de sopa de la marca Campbell, el
estropajo marca Brillo, Marylin Monroe, Elvis Presley...
2.3.- EL HIPERREALISMO.
Surge en EE.UU. a finales de los años 60 y desde ahí se difunde por el resto del mundo,
alcanzando gran resonancia en los años 70. Supone un rechazo tanto de las tendencias abstractas
como del Pop-art, y defiende una concepción más tradicional de la pintura, como un arte de
imitación de la realidad. Pero el hiperrealismo no copia directamente de la realidad, sino que utiliza
como base imágenes fotográficas, posteriormente modificadas con toques de color o traspasadas al
lienzo mediante un medio mecánico, de un modo minucioso y detallista. Supone la constatación de
que, a pesar de todos los medios técnicos que poseemos en el mundo actual, nuestro conocimiento
del mundo es siempre indirecto, muchas veces manipulado (como se puede manipular una
fotografía). Los temas son semejantes a los del Pop-art: temáticas cotidianas, entornos urbanos,
primeros planos de personas, automóviles…
Algunos de sus representantes son RICHARD ESTES (1932), DON EDDY (1944). En
España, el pintor ANTONIO LÓPEZ (1936) ha llegado a resultados semejantes, si bien sus
planteamientos son diferentes. Así, éste no utiliza fotografías como fuente de inspiración, sino la
propia realidad, que pinta minuciosamente, intentando captar la esencia de las cosas, no sólo su
apariencia externa. Su proceso de pintar es muy lento, a lo largo de varios años, e incluso muchas
de sus obras quedan inacabadas, al darse cuenta de que es imposible captar siempre el momento de
inicio de la obra. Como ejemplo representativo podemos citar su cuadro Gran Vía, pintado entre
1974 y 1981, y que abandonó finalmente sin incluir figuras humanas.
2.4.- LAS ÚLTIMAS TENDENCIAS.
A partir de los planteamientos del Minimal-art, que pretendía invadir el espacio real en el
que se encuentra el espectador, el arte de los años 70 y 80 derivó hacia lo que se denominó ARTE
CONCEPTUAL, un conjunto de movimientos que tienen en común su carácter anticomercial,
rechazando la obra de arte tradicional y la relación entre artista y cliente: su finalidad no es siempre
vender las obras y en ocasiones sólo quedará de ellas la fotografía, pues son obras "perecederas",
de las que importa más la idea que su materialización.
 ARTE POVERA.
El Arte povera o arte pobre surge en Italia, a finales de los 60. Combina el concepto
de performance con la utilización de materiales encontrados, con un escaso o nulo grado de
transformación: trapos, cuerdas, tierra, hojas o ramas secas… sin tratar, por lo que con el paso del
tiempo se degradan y autodestruyen, con lo que la obra desaparece. Introduce por primera vez el
tema de la ecología en el mundo del arte y la crítica al consumismo. Algunos de sus representantes
son Mario Merz o Michelangelo Pistoletto.
 LAND ART.
Vinculado con el anterior, y paralelo cronológicamente, surge el “arte con la
Naturaleza” o Land art, un intento de arte ecológico, que usa materiales naturales y sobre los que la
Naturaleza sigue actuando. Son obras efímeras, que requieren ser documentadas gráficamente
(fotografía, vídeo) para dejar constancia. Uno de sus representantes es Robert SMITHSON (1938-
1973) y de él tenemos su Spiral Jetty (1970): un camino de tierra y piedras de basalto negro de
500 m. de longitud, construido con maquinaria pesada, que se adentra en espiral en las aguas poco
profundas del lago Salado (EE.UU):. Desde lejos parece una gran escultura, pero era posible
recorrerlo a pie y adentrarse en el lago. Al estar expuesta a la Naturaleza, ésta la va modificando
lentamente, con lo que el artista alude a la superioridad de la Naturaleza sobre el ser humano.

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