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LA IDENTIDAD ARTÍSTICA

EN EL MUNDO ANIMAL

Autor: José Quintín Bueno Izquierdo


(Lc. 6.43-44) “Por sus frutos los conoceréis”
ÍNDICE

1. LA IDENTIDAD ARTÍSTICA A LO LARGO DE LA HISTORIA……….1

2. LA IDENTIDAD ANIMAL A LO LARGO DE LA HISTORIA…………..3

3. OBRAS DE DIVERSOS ANIMALES Y SU INCLUSIÓN EN SU


CORRESPONDIENTE MOVIMIENTO ARTÍSTICO………………..……..5

3.1 EL LAND ART EN EL PEZ GLOBO…….……………..…….…..5


3.2 LAS INSTALACIONES EN EL PERGOLERO PARDO….…...…8

3.3 EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO EN EL CHIMPANCÉ...…11

3.4 HENRI MATISSE Y EL ELEFANTE.……………….………….. 14

3.5 JACKSON POLLOCK Y EL CERDO.…………………...……....16

3.6 EL FUTURISMO Y EL HAMSTER………………...…………....18

4. ¿TIENEN IDENTIDAD ARTÍSTICA LOS ANIMALES?........................20


1. LA IDENTIDAD ARTÍSTICA A LO LARGO DE LA HISTORIA.
A lo largo de la historia han existido diversas formas de expresión plástica y
arquitectónica que han definido las distintas corrientes artísticas, aunque en el momento
en el que se hicieron no existieran estas clasificaciones como tal. Por ejemplo, cuando
en el siglo XIII el maestro de obra Enrique aporta buena parte de la traza (diseño) y los
elementos escultóricos de las catedrales de León y Burgos él mismo no podía imaginar
en qué corriente artística se encuadraría su obra. Otro ejemplo que nos ilustra la
descatalogación del arte hasta tiempos más bien recientes lo tenemos en el hecho de que
para los Reyes Católicos el estilo que hoy en día conocemos como gótico era el que en
su época consideraban moderno.
Debemos esperar hasta el siglo XVI para que Giorgio Vasari, arquitecto, pintor y
escritor italiano, en su obra Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y
arquitectos realice los primeros estudios de la historia del arte y acuñe el término
Renacimiento en sus escritos. Asimismo desprecia el estilo gótico al considerarlo
inferior al arte clásico y se refiere a él como “maniera dei goti” (estilo de los godos).
Vasari no investigaba en archivos para encontrar las fechas exactas, como harían los
modernos historiadores del arte, y naturalmente sus biografías son más seguras para los
artistas de su propia generación y de la precedente. La crítica moderna, con todos los
nuevos materiales descubiertos por la investigación, ha corregido buena parte de sus
fechas y atribuciones tradicionales.
La identidad artística no siempre se corresponde con la identidad social. Un claro
ejemplo es el retrato de Gustavo Adolfo Bécquer que realizó su hermano Valeriano,
donde le refleja como un gran aventurero cuando en realidad Bécquer es lo contrario de
un rebelde, de la idealizada imagen que nos hemos hecho del héroe romántico. Su vida
se parece muy poco a la de un Byron o un Espronceda; Por ejemplo, aunque según él su
“musa irremediable” era Julia Espín, lo cierto es que la cortejó tanto a ella como a su
hermana Josefina para finalmente, al ser rechazado por ellas, casarse con otra dama y
llevar una vida tranquila.
En épocas como la Antigüedad o la Edad Media europea primaba el valor de la obra
frente al artista. Este hecho se reflejaba por ejemplo en la forma de firmar que
empleaban la mayoría de los artistas de la época precediendo su nombre con la frase
“Me fecit” (Me hizo), haciendo de este modo que la obra hablara por sí misma en
primera persona, quedando el artista relegado a un segundo plano. Sin embargo, a partir
del Renacimiento, aunque con mayor auge en las vanguardias, se comienza a dar valor a
la obra en base a la identidad del artista, tal y como reconoce Dalí en varios de sus
textos.
La vida y la identidad de los artistas se ha llegado a mitificar tanto que historiadores de
arte, influenciados por las corrientes románticas, llegaron a falsear la propia historia del
arte. Como ocurre con Carl Justi (1832-1912), el cual inventó un presunto diario de
Diego Velázquez para justificar sus propias teorías.
En el período comprendido entre el final del Romanticismo del siglo XIX y el origen de
las vanguardias artísticas a principios del siglo XX, se produce un hecho curioso. No
solo se crean distintos movimientos artísticos si no que también se les asignan nombre.
Por tanto, se empiezan a definir y clasificar las identidades artísticas.

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A nivel social, el papel que desempeñan muchos artistas plásticos comienza a ser
similares al papel que jugaron personajes míticos como los santos del orbe católico,
debido a algunas características que los relacionan. Por ejemplo el hecho de que no hay
ningún santo canonizado en vida, al igual que los artistas son consagrados después de su
muerte. Otros ejemplos serían la admiración que suscitan todas y cada una de sus obras
independientemente de su valor estético o artístico, o la necesidad de aprobación
unánime de las autoridades canónicas (sean artísticas o religiosas) para este
reconocimiento.
Esta conexión entre el mundo artístico y religioso se refleja también en las llamadas
reliquias. Al igual que se veneraban objetos usados por los santos, se hace de igual
forma con los artistas. Un ejemplo es el gran interés que suscita la paleta de Goya que se
encuentra expuesta en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
En la actualidad a los artistas se les ha divinizado y cualquier crítica genera una enorme
polémica, como si un dogma de fe se tratase. Tal es el caso de las dudas que surgieron
en torno a la autoría de las Pinturas Negras de Goya, atribuyéndole la autoría a su hijo.
Con eso llegamos a la conclusión de que actualmente lo válido y lo que se tiene en
cuenta es la identidad del artista.

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2. LA IDENTIDAD ANIMAL A LO LARGO DE LA HISTORIA.
Remontándonos a la antigüedad o el mundo bíblico, los animales se encuentran en
diferente grado de consideración en comparación con el ser humano, que es la criatura
predilecta de la creación.
Aun así algunos animales son venerados y respetados debido a diferentes factores como
la religión (La vaca en India o el gato en Egipto) o la tradición (El gallo y la gallina de
la catedral de Santo Domingo de la Calzada, en La Rioja).
Hay animales que disfrutan de un trato excepcional, como las mascotas, los animales
exóticos o incluso los animales propiedad de los poderosos. Un claro ejemplo fue
Incitatus, el caballo predilecto del emperador Calígula que incluso llegó a formar parte
de la mesa en donde comía su dueño. Este caballo fue nombrado Senador por el mismo
Calígula, según cuenta Suetonio, historiador romano.
A partir del siglo XX se comienzan a establecer unas consideraciones especiales con
otro tipo de animales, como son los animales en peligro de extinción, las especies
invasivas o los animales científicamente interesantes como son el chimpancé o el ratón.
"Es muy importante reconocer que no somos la especie elegida". Eudald Carbonell,
director del Institut Català de Paleoecologia Humana i Evolució Social (Iphes) y
codirector del proyecto Atapuerca, hizo esta afirmación en 2014 al exponer los últimos
descubrimientos en estos yacimientos. La frase suena contundente, pero resume
perfectamente lo que muchos otros antropólogos, etólogos y biólogos llevan tiempo
constatando: que comportamientos que tradicionalmente se consideraban sólo humanos
son comunes a otras especies animales”.
Hace tiempo que Darwin (1859) y otros investigadores desmontaron la teoría de que
humanos y animales no tenían nada en común porque, el primero era un ser racional y
los segundos meros mecanismos automáticos. Y a finales del siglo XIX
los psicólogos de la corriente mentalista ya defendían que había animales inteligentes.
Pero ha sido en las últimas décadas del siglo XX y en lo que llevamos del XXI, con el
auge de la etología y de la investigación científica en general, cuando se han ido
acumulando evidencias de que la memoria, la comunicación, la capacidad de
aprendizaje, el uso de herramientas, el sentido de la justicia, la amistad, la envidia, los
celos, la solidaridad, la cooperación, la empatía o el cariño, por citar algunos, son rasgos
compartidos por muchos animales.
En ocasiones se niega que los animales puedan tener derechos porque no pueden
reclamarlos, pero la analogía con los bebés que tracé antes sirve también para este caso.
El que los bebés no tengan todavía la capacidad de reclamar sus derechos directamente,
que no puedan acudir a un tribunal a reclamarlos, ni iniciar por ellos mismos un
procedimiento legal ni defender sus derechos o darse cuenta cuando éstos han sido
violados, no quiere decir que no tengan derechos. Idéntico caso sucede don los bebés o
personas con discapacidades cognitivas severas cuya falta de capacidad para defenderse
no les impide gozar de los derechos que por su identidad merecen.
Ahora bien, ¿de qué derechos gozan los animales? Es obvio que no atribuimos el mismo
conjunto de derechos a todos los sujetos. No atribuimos el derecho a votar y ser votado
a bebés porque no tienen la capacidad para ejercerlo. Del mismo modo, resulta
incoherente atribuir derechos a los animales que de facto no puedan ejercer, pongamos
por caso la libertad de prensa. Llegado este punto el procedimiento más coherente
parece ser el propuesto por James Rachels para la atribución de derechos.

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Primero podríamos seleccionar un derecho que tengamos seguridad que los humanos
tienen. Entonces podemos preguntar si hay una diferencia relevante entre los humanos y
los animales que nos justificara a negárselo a los animales. En tal caso y considerando
que los animales (al igual que los bebes) pueden ser representados ante un tribunal en el
que se defienda ese derecho podríamos hablar de una serie de condiciones que por su
mera identidad merecen.
Esta situación, lógicamente ha suscitado no pocos debates jurídico-filosóficos incluso
en el parlamento español donde este mismo año se dialogó al respecto. Por otro lado,
filósofos como Michael Tooley han sostenido que la condición de persona puede
aplicarse a seres que tienen un serio derecho moral a la vida, formalmente justificado. Si
aceptamos que los animales tienen este derecho, entonces podríamos hablar de ellos
como personas.
Es por ello que en el siglo XXI los animales han logrado una mayor consideración a
nivel jurídico, en base al consecuente aumento de lo que entendemos como identidad de
estos seres vivos.
Paradójicamente la tradicional lentitud para el cambio dentro del mundo jurídico parece
haberse adelantado al pionero mundo del arte, donde la consideración de los animales
como artistas brilla por su ausencia.
Esta paradoja aumenta a raíz de las vanguardias donde la pericia manual, la precisión o
el detalle deja de ser una condición sinecuanon para las nuevas corrientes artísticas.
Algo que en justicia podría abrir la puerta a los animales en algunos estilos artísticos
concretos.
A su vez, muchas de estas corrientes fomentan el regreso a la naturaleza (como es el
caso de Gauguin) o incluso la inspiración del primitivismo y la vuelta a los orígenes
(buena parte del estilo de Picasso) rechazando por otro lado la formación académica
exigida en siglos anteriores.

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3. OBRAS REALIZADAS POR DIVERSOS ANIMALES Y SU
INCLUSIÓN EN SU CORRESPONDIENTE MOVIMIENTO
ARTÍSTICO.

3.1 EL LAND ART EN EL PEZ GLOBO


Resumir en unas líneas el estilo Land Art es complejo pero trataré de sintetizarlo en
líneas generales. Su nombre, propuesto por Robert Smithson quien también lo
denominó Earth art o earthwork engloba una corriente del arte contemporáneo en la
que el paisaje y la obra de arte están estrechamente enlazados.
Esta corriente artística utiliza
materiales directamente obtenidos de
la naturaleza (madera, tierra, piedras,
arena, viento, rocas, fuego, agua etc.)
para intervenir en sí misma. La obra
generada suele ser considerada una
instalación artística que podría
recordarnos a una mezcla de escultura,
paisaje y arquitectura, donde suele
tenerse muy en consideración los
espacios públicos. Obra de la artista polaca Anna Waszczuk
Por su localización en exteriores, las
obras son expuestas a los cambios y la erosión del entorno natural y, por ende, algunas
han desaparecido, quedando de ellas sólo el registro fotográfico o fílmico lo cual dota a
la obra de un carácter efímero que forma parte de su contenido. Esto ha hecho que surja
también el concepto site-specific, en aquellas obras diseñadas para una localización
exterior específica.
En 1995 cuando el Land Art gozaba ya de plena consideración en los ámbitos artísticos
una estructura circular de unos dos metros de diámetro apareció en el fondo del mar al
sur de la isla Amami-Oshima en la zona subtropical de Japón utilizando como elemento
la simple arena del mar pero con un diseño y una elaboración claramente intencionada.
Cada vez que los buceadores de la zona se sumergían encontraban estos extraños
dibujos en distintos lugares del fondo
marino. Sin embargo y a falta de las
primeras conclusiones científicas, los
submarinistas decidieron llamarlos "los
círculos misteriosos".
En 2011, investigadores de la revista
científica Nature identificaron un
pequeño pez globo, de unos 12
centímetros, construyendo una de estas
estructuras. Se trata de una nueva especie
del género Torquigener, es decir, no es el
típico pez globo venenoso famoso por los Otro ejemplo de land-art
accidentes en los restaurantes japonenes.

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Estos ejemplares tienen una estructura de espinas y unos colores que no se corresponden
con los de sus parientes. Además, estos peces, siempre en pequeños bancos, solo se han
encontrado por el momento en esta región japonesa, confirmó la publicación en un
artículo en 2013. El pasado noviembre la edición digital de la BBC recuperó su historia.
Hasta el momento, ha conseguido más de 18 millones de reproducciones y se ha
compartido por casi 600.000 personas.
El medio británico simplemente reproduce este sorprendente hallazgo sin dar más
detalles que los que los expertos de Nature certificaron: estos precisos dibujos acuáticos
son una forma de cortejo. A partir de la teoría de Darwin que plantea que las diferencias
de sexo relativas al color, el tamaño o el comportamiento determinan el éxito
reproductivos, los machos de
distintas especies entran en
distintos tipos de competiciones en
busca de la victoria sexual. En el
caso de estos peces, la batalla es
lenta, pueden pasarse más de una
semana batiendo sus pequeñas
aletas hasta crear el cebo amatorio
perfecto que en realidad es un nido
en el que la hembra, solo si está
satisfecha con el trabajo, pondrá
sus huevos. Pero antes de que se
produzca la gran elección final, el Pez globo en pleno proceso creativo
pequeño pez tiene una ardua tarea
por delante.

Como registró un estudio de la revista, la primera fase consiste en crear un gran círculo.
A partir de esta figura empiezan a cavar pequeños valles o surcos de manera lineal
usando sus aletas pectorales, anales y las caudales (o laterales, las que usan para
moverse). Nadan en diversos ángulos siempre siguiendo una dirección radial para no
perder la geometría. Del exterior al interior y al revés, creando círculos dentro de otros.
La parte central del nido es la más delicada porque será el lugar donde las conquistadas
depositen los huevos. Esta zona
está destinada para la arena más
fina, el factor que de verdad atrae a
una hembra. Así que durante esta
etapa inicial se dedicará a alisarla.
Terminado el círculo, los surcos y
algunos recovecos más elaborados,
comienza el segundo paso: afinar
los exteriores y definir los valles.
Este trabajo no solo pule
estéticamente la obra maestra,
contribuye a aplanar la zona
central arrastrando toda la arena
fina posible. Para que al llegar a la Nido de pez globo

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última etapa solo tengan que preocuparse de la decoración. Los pececillos recogen
trozos de conchas y de coral y los colocan siguiendo esa lógica radial a lo largo de los
pequeños montículos y las partes más bajas.

Llega el momento definitivo. Ella se acerca al círculo central y él agita las finas
partículas que ha ido acumulando. En cuanto está en el lugar clave, el macho se acercará
a la hembra en movimientos relampagueantes. Ella estará un minuto. Se irá. Volverá. Y
entonces decidirá. Si finalmente deja ahí sus huevos, desaparecerá para siempre y el
macho volverá al trabajo. En esta ocasión, cuidarlos durante seis días. Tiempo suficiente
para que el mar y sus corrientes acaben con su pieza de arte. No intentará arreglarla, ni
la reconstruirá en el mismo terreno. Se irá a otra zona, no muy lejana y el ritual volverá
a comenzar.
A decir verdad, la intencionalidad y dedicación de este pez para con su obra es evidente,
nunca sabremos si goza de una consciencia artística pero es palpable su total esfuerzo
para brindar originalidad y belleza a la hembra que desea cortejar. El uso de materiales
naturales, la ubicación concreta en un entorno específico del paisaje así como su
carácter efímero clasifica estas obras en la corriente Land Art sin lugar a dudas
cumpliendo todos y cada uno de los parámetros que expuso Thomas W. Leavitt en la
emblemática exposición llevada a cabo en 1969:
“Earth art es una faceta dentro de una tendencia general entre los artistas
contemporáneos más jóvenes los cuales han renunciado a la construcción de objetos
artísticos en pos de la creación de experiencias artísticas relacionadas con un espacio
amplio. Si esta tendencia prevalece, podría transformar completamente la estructura del
mundo del arte. Los museos que desean apoyar los esfuerzos de los artistas tendrán que
pensar en incrementar el respaldo de proyectos en lugar de adquirir objetos artísticos o
programar exhibiciones convencionales."

Como última curiosidad cabría destacar


que el arte de este pequeño pez podría
estar incluido perfectamente, dado sus
características, en el museo submarino
de Lanzarote llamado “Museo
Atlántico”. Este museo contiene obras
que recuerdan claramente a la
construcción de nuestro pequeño artista.

Una de las obras del Museo Atlántico

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3.2 LAS INSTALACIONES EN EL PERGOLERO PARDO

No todas las instalaciones se enclavan


específicamente en el Land Art.
Una instalación artística es en sí mismo
un género de arte contemporáneo que,
aunque con antecedentes, tomó un fuerte
impulso en la década de 1960.

Las instalaciones pueden emplear un


soporte vertical, horizontal o incluso
sostenerse en base a techos, sin necesidad

de el empleo de materiales Instalación artística de James Roper


tradicionalmente entendidos como
artísticos (madera, bronce, barro…) abriendo la puerta a nuevos y variados elementos
con los que reflexionar sobre los espacios y la tridimensionalidad. A este respecto el
empleo de materiales cotidianos como fue el caso de Marcel Duchamp permiten que las
instalaciones creen resignificaciones de los objetos.
El espacio es otra de las claves en este tipo de creaciones artísticas, en las que incluso el
espectador puede transitar por los espacios generados haciéndole más partícipe de la
misma.
Aunque es un género en
continua expansión cabría
mencionar algunos artistas
representativos de esta
modalidad como: Helio
Oiticica, Bruce Nauman, Joseph
Beuys, Daniel Buren, Wolf
Vostell, Nam June Paik, Marcel
Broodthaers o Antoni Muntadas.

Instalación artística de John Grade

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En Nueva Guinea (Indonesia) encontramos unas fascinantes obras que bien podrían
considerarse puras instalaciones artísticas, en este caso nos las brinda el macho del
pergolero pardo (amblyornis inornatade).
Durante semanas, se esfuerza con ahínco en crear su famosa pérgola, una estructura
destinada únicamente, al cortejo de la hembra. Ramita a ramita, el pergolero, carente de
canto melodioso o plumaje atractivo, construye una pérgola que decora con con
conchas, latas, flores e incluso con basura humana con el objetivo de impresionar a las
hembras.
Son aves de 25 cm de
longitud, con las hembras
ligeramente más pequeñas de
color marrón oliva sin
plumaje ornamental. Los
machos construyen pérgolas
de un metro de alto y 1,6 m de
diámetro. La entrada del
“picadero” es decorada para
atraer a las hembras con
diferentes objetos tales como
flores de colores o frutas, latas, Nido de pergolero pardo
escarabajos y otros insectos que
son delicadamente ordenados crómaticamente.
Sólo los machos que construyen la guarida más espectacular, logran transmitir sus
genes.
Si un objeto es movido mientras el ave no está, él vuelve a ponerlo en su lugar
demostrando con ello la intencionalidad clara del diseño en el que no hay nada al azar.
Los machos hacen todo lo posible para asegurarse de que sus nidos se encuentren en
óptimas condiciones, sustituyendo antiguos elementos y si es necesario superar las
creaciones de sus vecinos creando “decorados” más espectaculares. El pájaro recorre
cientos de kilómetros en busca de los mejores elementos constructivos o de objetos
inusuales y llamativos, que a veces roba de otras chozas. No hay dos pérgolas iguales, y
la colección de objetos refleja el
gusto personal de cada ave y la
habilidad que tenga para
procurarse cosas inusuales y
raras.
En tiempo de apareamiento, la
hembra irá de pérgola en pérgola,
mirando como el macho
propietario desarrolla un ritual de
apareamiento e inspeccionando la
calidad del emparrado. Muchas
hembras terminan seleccionando
el mismo macho y muchos Nido elaborado con materiales de origen humano
machos con malas demostraciones
se quedan sin parejas.

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Estas habilidades artísticas no son exclusivas del pergolero pardo. Mas bien es una
característica de los miembros de la familia de los pergoleros, Ptilonorhynchidae.
Dependiendo de la especie, el emparrado puede ser desde un círculo de tierra limpia con
una pequeña pila de ramitas en el centro hasta una estructura compleja y altamente
decorada de palos y hojas.
Este complejo
comportamiento de
apareamiento, con
decoraciones que muchas
especies varían en tipo y
colorido de año en año,
como las tendencias de la
moda, han llevado a
algunos investigadores a
considerar las aves de
emparrado como el grupo
de especies más
avanzadas que ningún
otro de aves. El pergolero en plena ejecución de su obra

Nuevamente el caso del pergolero, y toda la familia de los ptilonorhynchidae permite


elaborar un evidente paralelismo con el mundo de la instalación en el que se resignifican
objetos como son los plásticos humanos, donde se crean espacios en los que los
espectadores no solo transitan si no como es el caso de la hembra copulan en el caso de
tener éxito, haciendo que parte de la intención de la obra sea la experiencia que en ella
vive el espectador. Por otro lado la minuciosidad de este ave con respecto al diseño es
evidente, sustituye piezas y recorre infinidad de kilómetros en busca del material
preciso, dotándole de una intencionalidad evidente y que muchos ornitólogos han
llegado a considerar artística.

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3.3 EL EXPRESIONISMO ABSTRACTO EN EL CHIMPANCÉ

Vayamos ahora a otra corriente artística, el expresionismo abstracto es un movimiento


pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias
informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años
1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se
considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto,
y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos
después de la Segunda Guerra Mundial.
Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su
preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.
Generalmente son abstractos en
el sentido de que eliminan la
figuración. No obstante, hay
excepciones y algunos emplean
trazos figurativos, apareciendo
figuras reconocibles, como
ocurre con
las Mujeres de Willem de
Kooning. Las telas presentan un
aspecto geométrico que las hace
diferentes de movimientos
precedentes, como
el surrealismo. "Fable II" (1957) de Philip Guston
Una de las características
principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la
pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin
límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay
jerarquía entre las distintas partes de la tela.
El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores
primarios: magenta, amarillo y c
ian. Los pintores expresionistas
que redujeron la obra a
prácticamente un solo color,
estaban ya anticipando el arte
minimal.
Este tipo de cuadros, con
violentos trazos de color en
grandes formatos, presenta como
rasgos distintivos la angustia y
el conflicto, lo que actualmente
se considera que refleja la
sociedad en la que surgieron
estas obras.
En cuanto a los artistas más
representativos habría que "Afterglow" (1938) de Hans Hofmann
buscarlos en los años cuarenta
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del pasado siglo XX en la galería de Peggy Guggenheim, donde triunfaron algunos
como Pollock o Willem de Kooning, aunque no menos importante en esta corriente es
el papel de los críticos de arte como Harold Rosenberg o Clement Greenber que
acotaron las características de este estilo en las siguientes pautas:

Ausencia de toda relación con lo objetivo.


Rechazo de todo convencionalismo estético.
Expresión libre y subjetiva del inconsciente.
Ejecución totalmente espontánea.
Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.
Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el
contenido.
Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.
Empleo de manchas y líneas con ritmo.

Congo en pleno proceso creativo junto con una de sus obras

Paralelamente a la creación de esta nueva corriente artística, en 1957, el etólogo inglés


Desmond Morris indagaba a cerca de la sensibilidad artística de los primates. Esto hizo
que dispusiese de medios artísticos a
uno de sus chimpancés, Congo, que
por aquel entonces contaba con dos
años de edad.
En el caso de los chimpancés la
complejidad artística fue en aumento
con respecto a los animales que
hemos visto anteriormente, su pulgar
prensil de permitía pintar al óleo y
no solo eso, reproducir patrones
pautados en los que pese a lo
espontaneo de su trazo no parecía
que fuese totalmente casual. La Otra obra de Congo
concentración y dedicación a su obra
hacía que Congo se incomodase si interrumpían su ejecución y desde luego era

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imposible convencerle para que trazase nuevas pinceladas en una obra que él ya había
dado por terminada.
En este caso la conciencia artística parece más que evidente, más aún cuando está
aislada de la finalidad reproductiva o de cortejo.
Las obras de Congo fueron expuestas en el Instituto de Arte Contemporáneo de
Londres fomentando incluso libros como La biología del arte, del propio Desmond
Morris o el escrito por Ben Amí Scharfstein, Pájaros, elefantes y otros artistas.
Lógicamente la plena coincidencia del estilo de Congo y otros chimpancés con el del
expresionismo abstracto nos hace suponer que no debería haber ningún problema en
enclavar estas obras en dicha corriente artística por pleno derecho.

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3.4 HENRI MATISSE Y EL ELEFANTE
Numerosos artistas han
generado su propio e
inimitable estilo uno de ellos
es sin duda Henri Émile
Benoît Matisse (31 de
diciembre de 1869-3 de
noviembre de 1954) la gran
trayectoria de Matisse le
permitió investigar en el
dibujo, el grabado o la
escultura ganando a pulso el
reconocimiento mundial
como uno de los grandes
artistas del siglo XX. Su
estilo partió el fovismo de
los años 20 aunque fue
evolucionando influido por
otros artistas como Van
Gogh o Gauguin, amén de
otras obras artísticas de Henri Matisse pintando en su cama
singular originalidad como
las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas.
También su propia salud condicionó su arte desarrollando
técnicas y herramientas muy originales que necesariamente
dotaban a su estilo de un gusto igualmente original. La falta de
fuerzas y el insomnio que le acarreó un cáncer le postró durante
largo tiempo en la cama gracias a lo cual creó un instrumento de
dibujo que consistía en un largo palo de bambú al que ataba un
carboncillo en el extremo. Tumbado en la cama, convaleciente
Henri Matisse hacía rápidos dibujos en el techo, en su
apartame
nto
"Nadia with smooth hair" de
(1948) de Henri Matisse
París o
en su
casa de la Costa Azul. Algo que
pronto comenzó a generar unas
obras de trazo muy fluido y una
espontaneidad imposibles de
conseguir por ningún otro
medio.
Décadas más tarde en el Parque
Mae Sai Elephant de Tailandia
se llevaron a cabo tareas de
recuperación de elefantes que Elefante pintando

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durante años habían sido empleados para tareas agrícolas o como meros animales de
carga. Lógicamente estos animales demostraron desde su ingreso en este parque de
acogida una evidente inteligencia.
Para ello se desarrollaron actividades en las que fomentar dichas habilidades resultando
ser un genial laboratorio artístico.
Una de estas actividades fue la de enseñar a pintar a los paquidermos lo cual resultó de
notable agrado para los animales que rápidamente comenzaron a trazar sus primeras
pinceladas con el pincel sostenido por sus trompas.
Hong, Suda y otra serie de elefantes crearon toda una escuela pictórica en la que poco a
poco los trazos comenzaron a formar figuras reconocibles, vagos trazos asemejaban
paisajes y otra serie de formas figurativas.
Actualmente en esas formas se aprecian elefantes perfectamente reconocibles, tanto es
así que el debate que se ha generado ya no solo reside en si es o no arte, si no que
verdaderamente parece que los artistas tuviesen consciencia de lo que hacían.
A este respecto los detractores de los elefantes como artistas afirmaban que los trazos
ejecutados por estos animales obedecían a meros movimientos pendulares que a modo
de baile sus cuidadores les habían enseñado coincidiendo azarosamente en las sencillas
formas de un elefante.

Sorprendentemente esta teoría


se vino abajo cuando entre los
dibujos de un elefante
adolescente macho apareció
una representación de un coito
que desde luego no había sido
enseñada por los cuidadores.

No menos interesante resulta


el hecho de que al ser obras
ejecutadas con las limitaciones
de la trompa ofrezcan unas
características muy concretas Obras de elefantes
tales como la ligereza del trazo
o el predominio de la línea, dotan de mayor protagonismo a los colores sencillos y a la
fuerza de la silueta nos hace rememorar el estilo de Matisse y en concreto las últimas
obras en las que por su salud utilizaba aquella singular herramienta que proporcionó
trazos tan interesantes como los de los propios elefantes.

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3.5 JACKSON POLLOCK Y EL CERDO

Hay quien no entienda la extrema


abstracción que encontramos en la
obra de Paul Jackson Pollock, pero
el pintor americano sigue siendo un
icono cuando hablamos
de expresionismo abstracto –
primero movimiento americano a
atingir influencia mundial y que
unia la emoción del expresionismo
alemán con estética anti figurativa
europea, como el Futurismo,
Bauhaus y el Cubismo Sintético.
El artista utiliza una técnica de
pintura, desarrollada por el
alemán Max Ernst, llamada
“dripping”, que consistía
básicamente en respingar gotas de
tinta en sus telas de proporciones
exageradamente grandes colocadas
en el suelo, formando así trazos y
formas harmoniosas que parecen Jackson Pollock pintando
bailar juntas y entrelazadas. Para
hacerlas, Pollock se basa en el primero pingo de tinta que se deja caer y no utiliza
pinceles.
¿Sabían Uds. que los cerdos pueden hasta crear arte? Pinto, un cerdo miniatura de
Yucatán del Zoológico de Brookfield cerca de Chicago, EUA, es conocido por su fuerza
y capacidad para aprender rápido. También es una estrella local, quien atrae a mucha
gente a sus
espectáculos diarios
de trucos, parecidos a
los que podría hacer
un perro. ¡Pinto es
además, un artista
profesional!, para
poder recaudar dinero
para los animales del
Zoológico de
Brookfield y su
programa de
conservación, las
obras de Pinto, han
sido subastadas por E-
bay.
El cerdo Pinto pintando

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El método de pintar de Pinto es muy curioso. Se le da pinturas no tóxicas de colores
primarios, y luego las mezcla usando su hocico y sus pezuñas. A veces, se aprovecha de
los objetos raros que hay por allí, o incluso de su propia comida para crear sus obras de
arte. Esto es para demostrarles que nuestros amigos animales, tienen potencial creativo
y son capaces de expresarlo si le dan herramientas sencillas. Los cuadros de Pinto
sobastante modernos.

Obra de Pinto "Ocean greyness" (1953) de Jackson Pollock

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3.6 EL FUTURISMO Y EL HÁMSTER
El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este
movimiento buscaba romper con la tradición, su objetivo por tanto era la exaltación de
lo sensual, lo nacional y guerrero pero en especial la adoración de la máquina.
En este sentido dos parámetros fueron claros en este nuevo estilo artístico, la máquina y
el movimiento, algo que lógicamente influyó en el concepto en sí mismo del arte, dado
que el futurismo planteaba un
nuevo orden del mundo en el
que la función expresiva del
arte desaparecía a favor de la
acción.
En esta como otras
vanguardias se crearon
manifiestos que como
declaración de intenciones se
exponían estas razones, en el
caso del futurismo fue el
poeta italiano Marinetti quien
lo expuso en el manifiesto de
1909 que firmaron los
icónicos artistas "Motociclista, sólido con velocidad" (1927) de Fortunato Depero
futuristas, Giacomo
Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini.
En base a dicho texto podríamos exponer las siguientes características del futurismo:

Exaltación de la originalidad.
Estructuras del movimiento: tiempo, velocidad, energía, fuerza, etc.
Contenido relacionado con
el mundo moderno, las
ciudades y los
automóviles, su bullicio y
dinamismo. Así como
máquinas, deportes,
guerra, etc.
Utilización de formas y
colores para generar
ritmos.
Colores resplandecientes.
Transparencias.
Multiplicación de líneas y
detalles, semejantes a la
sucesión de imágenes de
un caleidoscopio o una "La nueva Babel, escenario plástico móvil” (1930) de Fortunato Depero
película.
Recientemente el ingeniero gráfico Neil Mendoza ha desarrollado una serie de inventos
mecánicos cuya clave se centra en la combinación de elementos tanto biológicos como

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tecnológicos. En su proyecto Eggsistential Angst, Mendoza combinó un péndulo con un
huevo. En su obra más reciente, La máquina dibuja hámsters impulsada por hamsters,
Mendoza crea, pues, exactamente lo que indica el titulo del proyecto: una máquina que
dibuja hámsters impulsada por hámsters.
Como cualquier buen
aparato tradicional para
hámster, el roedor entra en
una rueda y empieza a
correr, proveyendo así la
energía mecánica necesaria
para activar la máquina de
dibujo. A través de un
sistema de levas, un brazo
mecánico y un lápiz dibujan
un hámster dentro de una
rueda. Mendoza comenta a "Máquina dibuja hámster impulsada por hámsters" (2016) de Neil Medonza
The Creators Project que su
trabajo empezó a causa de una fascinación por las maquinas de dibujo a base de levas.
Aunque La máquina dibuja hámsters impulsada por hámsters no es un autómata del
mismo tipo, sigue siendo totalmente hábil y
divertida de ver. Quizás porque el hámster no tiene
absolutamente ninguna idea de que está creando
arte en su perpetua devoción a correr en la rueda
hasta el cansancio.
La máquina dibuja hámsters impulsada por
hámsters no dejó de tener su repercusión artística;
De hecho estuvo en expuesta en la Young Projects
Gallery de Los Angeles. Ahora bien, esta obra
plantea una duda muy interesante dado que Detalle del dibujo
indudablemente Neil Mendoza es el autor de la
maquina pero el hámster es el autor del movimiento, tiempo, velocidad, energía, o la
fuerza, es cuanto menos razonable plantear al propio hámster si no como autor al menos
si como imprescindible coautor de la obra.
Por otro lado el parámetro de romper con
todo el arte anterior del futurismo encaja a
la perfección en este proyecto dado que el
hámster no había estado presente, al
menos que se conozca, en ninguna
corriente precedente, más aún cuando la
característica de carecer de expresión se
hace aún más latente en el caso del
roedor.
El “pequeño artista” en su cubículo

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4. ¿TIENEN IDENTIDAD ARTÍSTICA LOS ANIMALES?
A la vista de los ejemplos anteriores y su relación más que evidente con los
movimientos artísticos, mediante una observación lo más objetiva posible, ¿Podemos
considerar un animal como artista? Si uno de los mayores hándicaps es la conciencia de
artista, entonces ¿un niño tiene conciencia de que es un artista? ¿Lo tenían los hombres
de Altamira? ¿Tienen esta conciencia las personas discapacitadas mentalmente?
En el caso de que los animales no tengan conciencia de su labor artística, ¿es lícito
excluirlos de la consideración de artistas? ¿Qué sucede en casos como el futurismo
donde la expresividad es completamente prescindible?
El animal realiza estas obras sin que sea obligado a ello; Incluso para los elefantes es
terapéutico ya que algunos comienzan a pintar en centros de acogida, al ingresar tras ser
maltratados.
¿Cómo es posible que en el mundo artístico actual donde los parámetros son cada vez
más amplios, haya esta reticencia hacia la inclusión de los animales? Es más ¿cómo
sabemos que las obras de los animales no conllevan implicaciones, profundas o
sentimentales?
Curiosamente si nos retrotraemos en la historia cuando algunos seres humanos como
eran los esclavos tenían un estatus semejante a los animales, sus obras artísticas eran
respetadas como las de cualquier otro ser humano libre, lo vemos en el caso de Juan de
Pareja, un pintor cuya esclavitud esta tan probada como su reconocimiento artístico.
Otra de las razones para aislar a los animales del mundo artístico podría ser su
diferencia mental con respecto a los humanos, de hecho también podríamos suponer que
la condición sin equanum a la hora de considerar una obra artística fuese la capacidad
cognitiva del autor, en tal caso deberíamos poner en tela de juicio aquellas obras
artísticas realizadas por artistas con evidentes problemas psiquiátricos desde Van Gogh
a Giuseppe Leonardo, por citar solo dos ejemplos.
Si fuera una cuestión de sensibilidad, también deberíamos rechazar de pleno las obras
realizadas por asesinos como Caravaggio o reconocidos maltratadores como Francisco
Herrera el viejo cuya agresividad se plasmaba en sus alumnos.

Estos ejemplos animales plantean un interesante debate en los cimientos mismos del
arte, planteándonos ¿qué es el arte realmente? Las vanguardias rechazaron de pleno el
academicismo y con él, quedó al margen la pericia, la precisión o el detalle, dando pie a
toda una serie de corrientes igualmente respetables y que en coherencia deberían admitir
a aquellos animales que cumplan los requisitos artísticos que sus manifiestos plantean.
Siendo tan injusto como incoherente que los críticos o artistas desprecien la labor de los
animales con las mismas razones con las que se rechazó a los vanguardistas desde el
mundo académico, no es por tanto una visión destructiva la que este trabajo plantea si
no una clara intención de encumbrar a los animales al estatus de artista para investigar
en ellos facetas que artísticamente aún están por explorar en el mundo humano.

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