Está en la página 1de 9

FRIDA KAHLO

Frida Kahlo fue una pintora mexicana, nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México. En realidad
se llamaba Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, fue la tercera hija de un fotógrafo alemán llamado
Guillermo Kahlo y de su esposa, Matilde Calderón.

Durante su infancia, Frida contrajo muchas enfermedades y tuvo varios accidentes. La primera
enfermedad que tuvo fue una poliomielitis, que le dejó una pierna más delgada que la otra y además la
obligó a quedarse en cama durante nueve meses y a hacerse muchas operaciones. Su padre intentó por
aquella época animarla a hacer deportes como el fútbol y el boxeo, pero después de todas las
operaciones y la rehabilitación, a Frida le costaba demasiado practicar esas actividades o juntarse con los demás niños de su edad
para jugar. Frida estaba sentía muchísimo aprecio hacia su padre, que la acompañaba en todo momento en el hospital y durante la
rehabilitación, y con su hermana menor Cristina, con quien estuvo siempre muy unida y tenía un lazo de cariño muy fuerte. En 1922
asistió a la Escuela Nacional Preparatoria, donde habían comenzado a admitir mujeres. Allí se unió a un grupo llamado “Los
Cachuchas”, alumnos de la misma escuela que querían cambiar el sistema escolar y político de México con sus nuevas ideas y su
pensamiento. Comenzó a trabajar en un taller de grabado de un amigo de su padre como aprendiz, pero no se había interesado
mucho por la pintura, y sólo se dedicaba a copiar los grabados que su maestro le indicaba.

En 1925 Frida tuvo un accidente, y el bus donde viajaba fue atropellado por un tranvía. Tuvo tantas lesiones que tuvo que
someterse a un total de 32 operaciones que la dejaron años postrada en la cama de un hospital para asegurarse de que sus huesos
sanaban del todo. Durante ese período fue cuando comenzó a pintar cuadros para expresar el dolor que sentía y que estaba sola.

En 1929 se casó con Diego Rivera, otro artista que pintaba murales. Diego admiraba los cuadros de Frida y la animaba a seguir
pintando, mientras que ella también admiraba sus murales y daba su opinión al respecto. Ambos estuvieron cuatro años viviendo en
el extranjero y haciendo varias exposiciones de sus cuadros.

En 1953, Frida decidió hacer una exposición en México, en la Galería de Arte Contemporáneo. Por entonces, Frida estaba muy
débil y tenía muy mala salud, así que los médicos le prohibieron asistir, pero ella asistió de todas maneras entrando a la galería en
ambulancia, contando chistes y divirtiéndose. Su salud fue decayendo cada vez más, hasta que en 1954 Frida murió en Coyoacán.

Sus obras:

Su estilo era realista y a la vez simbólico. De un total de 143 obras, 55 de sus cuadros son autorretratos. Los cuadros que pintaba
Frida expresaban su dolor, sus sentimientos y su ideología. Pintaba sobre pasajes y situaciones de su vida, intentando dibujarlos en
el lienzo. Sus obras de arte eran en realidad como su autobiografía, y se basaban sobre todo en las costumbres típicas mexicanas.

Aunque fue muy famosa en vida, se la reconoció mundialmente después de su muerte y su fama ha ido aumentando desde
entonces.

Aquí algunas:

1. Las dos Fridas, 1939, óleo sobre lienzo, 173,5 X 173 cm.

2. Autorretrato con traje de terciopelo,1926, óleo sobre lienzo, 79,7 X 60 cm

3. Retrato de Miguel N. Lira, 1927, óleo sobre lienzo, 99,2 X 67,5 cm

4. Retrato de Cristina, mi hermana, 1928, óleo sobre madera 99 X81,5 cm

5. El tiempo vuela (autorretrato),1929, óleo sobre fibra dura, 86 X 68 cm

6. Frida y Diego Rivera o Frida Kahlo y Diego Rivera, 1931, óleo sobre lienzo, 100 X 79 cm

7. Henry Ford Hospital o La cama volando, 1932, óleo sobre metal, 30,5 X 38 cm

8. Autorretrato en la frontera entre México y los Estados Unidos, 1932, óleo sobre metal, 31 X 35 cm

9. Mi nacimiento o Nacimiento, 1932, óleo sobre metal, 30,5 X 35 cm

10. Allá cuelga mi vestido o New York, 1933, óleo y collage sobre fibra dura, 46 X 50 cm

11. Autorretrato con collar, 1933

12. Mis abuelos, mis padres y yo, 1936, óleo y témpera sobre metal, 30,7 X 34,5 cm

13. Recuerdo o El corazón, 1937, óleo sobre metal, 40 X 28 cm

ACTIVIDAD
Anota las respuestas en tu cuaderno:

1. ¿Que nacionalidad tuvo Frida Kahlo?

2. ¿Cuál es la enfermedad que tuvo desde la infancia?

3. ¿A realizar qué actividades intentó animarla su padre por aquella época?

4. ¿Qué le impedía realizar deportes durante su infancia?

5. ¿En que año comenzó asistir a la preparatoria?

6. ¿Quiénes fueron “Los Cachuchas” y porque se unió Frida Kahlo a este grupo?

7. Que le ocurrió a Frida Kahlo en 1925.

8. ¿A cuantas operaciones tuvo que someterse tras el accidente?

9. ¿Cuando comenzó a pintar y que expresaba en sus cuadros?

10. ¿En qué año contrajo matrimonio y con quién?

11. ¿A que actividad se dedicaba Diego Rivera?

12. ¿que actividades desarrollaron durante los 4 años en el extranjero?

13. ¿En que año Frida decidió hacer una exposición de arte en su país y como se sentía físicamente?

14. Los médicos le prohibieron asistir, pero ella asistió de todas maneras ¿como se expresaba estando dentro de la exposición?

15. ¿Cuándo y dónde falleció la pintora mexicana Frida Kahlo?

16. ¿Cuál era su estilo y de un total de 143 cuántos son auto retratos?

17. Sus obras de arte eran en realidad como su autobiografía, y se basaban sobre todo en las...........................

18. Pegar 5 imágenes de pinturas de la autora.

SALVADOR DALÍ
Nació un 11 de mayo de 1904 en Gerona; España.

Se adentraría en el mundo de la pintura con tan solo 12 años de la mano de unos amigos de sus
padres, los Pichot. Gracias a esta familia de artistas y especialmente a la figura de Ramón Pichot, Dalí
descubrió el impresionismo.

A los 18 se trasladó a la Residencia de Estudiantes de Madrid para estudiar en la Real Academia de


Bellas Artes de San Fernando. Allí conoció y estableció fuertes lazos con algunas futuras celebridades del
arte español como Federico García Lorca o Luis Buñuel. Uno de los hechos más curiosos y que más se
recuerdan de esta época fue su segunda y definitiva expulsión de la Academia en 1926. El propio artista
contó en una entrevista que, un día de examen, en una prueba oral de historia del arte para ser más exactos, se negó a hablar del
artista Rafael en frente del tribunal que lo examinaba, alegando que los evaluadores presentes no estaban capacitados para
examinarle, puesto que él había leído y sabía mucho más que ellos tres juntos sobre el famoso renacentista italiano.

Un año más tarde, en 1927, viajó a París, donde conocería a uno de las pocas personas que llegó idolatrar en su vida: Pablo
Picasso. Esa ciudad, además, vería florecer el surrealismo de Dalí así como ese característico bigote inspirado en Velázquez que le
acompañaría el resto de su vida.

En 1929 conoció a la que sería su gran amor y musa, una inmigrante rusa 11 años mayor que él conocida con el nombre de Gala.

En 1931 pintaría uno de sus cuadros más famosos: «la persistencia de la memoria» (también conocido como «los relojes
blandos«) inspirado, según el propio autor, en trozos de queso Cambembert derritiéndose al sol. En 1941 él y Gala se mudaron a
Estados Unidos. Allí pasaron 8 años hasta que en 1949 decidieran volver a Cataluña, tierra donde permanecieron hasta sus últimos
días. Este último período de su vida y su trabajo artístico estuvo especialmente relacionado con la ciencia , la religión y otras
actividades creativas (creó el logo actual de la compañía Chupa Chups, realizó un anuncio televisivo para la marca de chocolate
Lanvin y participó en la campaña publicitaria de Eurovisión, … entre otras). Finalmente fallecería el 23 de enero de 1989 por una
parada cardiorrespiratoria a los 84 años de edad.

Aquí algunos de sus cuadros:


1. La persistencia de la memoria (su obra más conocida, también llamada Los relojes blandos), La vejez de Guillermo Tell, y
Guillermo Tell y Gradiva (1931)

2. Paisaje cerca de Figueras (1910)

3. Vilabertran (1913)

4. Fiesta en Figueras (1916)

5. Vista de Cadaqués con la sombra del monte Pani (1917)

6. Viejo crepuscular (1918)

7. Puerto de Cadaqués (Noche) y Autorretrato en el estudio (1919)

8. El padre del artista en la playa de Llaner y Vista de Portdogué (Port Aluger) (1920)

9. Jardín de Llaner (Cadaqués) y Autorretrato (1921)

10. Escena de cabaret y Sueños noctámbulos (1922)

11. Autorretrato con humanidad y Autorretrato cubista con La Publicitat (1923)

12. Bodegón con botella de ron y Retrato de Luis Buñuel (1924)

13. Gran arlequín y pequeña botella de ron y una serie de retratos realistas para su hermana Ana María, especialmente Muchacha
en la ventana (1925)

14. Retrato de mi padre (1925)

15. El cesto de pan y Joven de Figueres (1926)

16. Composición con tres figuras (Academia neo-cubista) y La miel es más dulce que la sangre (su primera obra surrealista de
importancia) (1927)

17. La edad de oro, película en colaboración con Luis Buñuel (1930)

ACTIVIDAD

1. ¿Que nacionalidad tuvo Salvador Dalí?

2. ¿Cómo y a partir de que edad se interesó por la pintura?

3. ¿Donde estudió formalmente la carrera de Arte y porque lo expulsaron de este centro de estudios?

4. ¿Cuándo y donde conoció a su “ídolo” Pablo Picasso?

5. ¿Dónde y a partir de qué circunstancia se vió florecer la pintura surrealismo de Dalí?

6. ¿En que personaje se inspiró su característico bigote que le acompañaría el resto de su vida?

7. ¿Quién fue el gran amor de su vida, en que año la conoció y que representó ella para Dalí?

8. ¿Cuál es su pintura mas famosa, en qué año lo pintó y en qué se inspiró?

9. ¿En qué trabajó o que actividades realizó en los últimos años de su vida?

10. ¿Cuándo a que edad y a consecuencia de que falleció Salvador Dalí?

11. Pegar 5 imágenes de pinturas del autor.


ESTILOS O MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS
Si por algo se caracterizó el siglo XX, en lo que a arte se refiere, es por la cantidad ingente de movimientos artísticos que nacieron a
lo largo de sus años, movimientos, tendencias, que además, cambiaron por completo el concepto de arte que se tenía hasta el
momento.

Y es que el arte del siglo XX es variado, activo y participativo. Sólo una única cosa tiene en común, y es que, por primera vez en la
historia, se abandona la exclusividad de las élites a las que estaban principalmente dirigido, para empezar a representar los
convulsos escenarios políticos y sociales que se estaban viviendo por aquellos tiempos.

Fue una época en la que el arte se puso al servicio de la protesta tanto individual como colectiva, convirtiéndose en un medio de
expresión más, para escenificar las fuertes emociones que impregnaban el ánimo social de una etapa, que cómo bien sabrán, estuvo
marcada por los diferentes cambios.

Modernismo (1900)

En torno al cambio del siglo (1890 -1910), surge en Europa una nueva corriente artística de carácter renovador, conocida como el
Modernismo, aunque también llamada Estilo 1900 o Art Nouveau, ya que recibió diferentes nombres en cada país de Europa. Si bien,
en todos ellos se dio una característica común: romper definitivamente con los estilos academicistas imperantes hasta la fecha, y
aprovechar las ventajas que ofrecían la tecnología y la industria.

En arquitectura, el Modernismo, estuvo a favor de unas tipologías decorativistas que buscaban sus fuentes de inspiración en la
naturaleza. En Barcelona podrán encontrar los mejores ejemplos del modernismo español, con la obra de los arquitectos Antoni
Gaudí, Lluís Doménech i Muntaner y Josep Puig i Cadafalch.

Ya en pintura, el Modernismo español, mostró una gran diversidad tanto temática como estilística, al encontrarse características
impresionistas (interés por la luz y la atmósfera), simbolistas (imitación de la naturaleza y representaciones oníricas), y de la misma
tradición plástica del siglo XIX, el interés por el retrato y el paisaje. Los artistas más representativos fueron Santiago Rusiñol, Ramón
Casas e Isidre Nonell.

Fauvismo (1905)

Nacido en 1905, el Fauvismo, fue un movimiento artístico francés, exclusivamente pictórico, ya que el uso del color en su estado
más puro es su característica principal.

Su denominación viene de la palabra francesa fauve, que en español significa “fiera”, y que viene a definir, esa aplicación
exacerbada, violenta y estridente de los colores sobre las telas, rompiendo por completo la tradicional asociación con el objeto
representado.
Y es que, para los fauvistas, la perspectiva o el modelado de las figuras pierden todo su sentido, expresando sus emociones y
percepciones a través del color y las líneas desfiguradas, es decir, que por encima de la copia mimética de la realidad prevalece el
color.

Los representantes más destacados del Fauvismo, son Henri Mattisse, André Derain, Maurice Vlaminck y Raoul Dufy.

Cubismo (1907)

Es un movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, y cuyo objetivo principal era, el de alejarse de la representación
naturalista, y conseguir plasmar de un modo simultáneo sobre la superficie de un cuadro, un objeto visto desde múltiples ángulos.

La aparición del Cubismo, se vincula directamente a la realización de la obra Las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso, hacia 1907,
alcanzando su máximo apogeo alrededor de 1914, aunque continuó evolucionado durante la década de 1920.

Al rechazar la representación realista seguida desde el renacimiento, el Cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte,
convirtiéndose en el precursor de la abstracción y subjetividad artística.

En definitiva, el Cubismo, fue una revolución contra la pintura tradicional, al rechazar la perspectiva y el movimiento, dándole
primacía a la línea, a la forma, y a la utilización de unas tonalidades apagadas y frías.

Futurismo (1909)

Fundado en París por Filippo Tommaso Marinetti, en 1909, su principal propósito ideológico, fue romper con el pasado y exaltar el
poder de la tecnología, la máquina y la modernidad.

Hay quienes identifican el Futurismo, como una variante del cubismo, en él, los artistas buscaron reproducir de manera obsesiva la
sensación de movimiento, cambio y transformación, conceptos todos ellos, muy vinculados a la idea del progreso. La máquina, fue
la máxima inspiración para los artistas de esta corriente artística, buscando mostrar al mundo acción y frenetismo.

Su principal representante fue Humberto Boccioni.

Expresionismo (1914)

El Expresionismo es una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del artista, podríamos por
lo tanto decir que más que un movimiento como tal, fue un modo de entender el arte.

El artista expresionista trató de representar las emociones en su forma más plena, sin preocuparse de la realidad externa, sino de su
naturaleza interna, y de las emociones que despierta en el observador, intentando reflejar, de forma vehemente y crítica, y en
ocasiones cruel, la atmósfera socio – política, que presagió el advenimiento de la Primera Guerra Mundial y sus terribles
consecuencias. Para lograrlo, los temas se exageran, se distorsionan, con el fin de intensificar la comunicación artística.

Algunos de los representantes más destacados del expresionismo son Edvard Munch, Vasili Kandinski, Emil Nolde, Ernst Ludwig
Kirchner, Franz Marc, Marc Chagall, entre otros.

Constructivismo ruso (1914)

El Constructivismo fue un movimiento artístico que surgió en Rusia en 1914 y que representa muy bien el poder de la influencia
artística al servicio de los intereses políticos.
Para ello, los artistas realizaban obras (carteles, fotografías, ilustraciones), que posteriormente ponían a disposición del gobierno
revolucionario bolchevique, como un medio difusor propagandístico.

Los colores planos, la utilización de formas geométricas y lineales, fueron dos de los rasgos fuertemente empleados por el arte ruso
y sus artistas. Entre ellos destacar a Aleksandr Ródchenko, Vladímir Tatlin y Liubov Popova.

Dadaismo (1916)

Hacia 1916 se reúnen en Zúrich (Suiza), una serie de artistas para fundar un nuevo movimiento artístico que rechazaba lo racional, el
Dadaísmo, una corriente concebida como el anti – arte, dejando una gran libertad al artista, sin explicación ni razonamientos.

Su figura principal, es Marcel Duchamp, con sus famosos “ready made”, que consiste en coger un objeto cotidiano, y convertirlo en
una obra de arte por la mágica voluntad del artista, es decir, es un objeto de uso común, al que una mínima intervención del artista,
ya sea una firma, una fecha, una presentación a una exposición, pero, sobre todo, una descontextualización y recontextualización, lo
convierten en una obra de arte.

Bauhaus (1919)

La Bauhaus, realmente es una escuela de arquitectura alemana, fundada en 1919, por Walter Gropius, que influyó tan
notablemente en el arte moderno que, en la actualidad, se le considera una corriente más.

Sus representaciones arquitectónicas, también conocidas como Racionalismo o Funcionalismo, seguían un patrón común
promoviendo el trabajo conjunto de técnicos y artistas, pero sobre todo teniendo muy en cuenta, que la estética debía de estar al
servicio de la funcionalidad, de ahí, que carecieron de ornamentaciones.

Entre sus principales representantes destacan Mies van der Rohe y Le Corbusier.

Abstracción geometrica (1920)

La abstracción está considerada por antonomasia, el movimiento rupturista más grande del siglo XX. Su iniciador fue Wassily
Kandisky, quien alrededor de 1910, abandona conscientemente la figuración, para influir en el alma del espectador a través de la
armonía de la forma y el color.

En esa misma línea espiritual, se encuentra la abstracción geométrica, liderada por Piet Mondrian, un movimiento que trató de
simplificar las formas al máximo, hasta llegar a sus componentes fundamentales, líneas, cubos, planos y colores primarios (rojo, azul
y amarillo) y neutros (blanco y negro). De ese modo, se logró eliminar todo aquello que se pudiera considerar superfluo (las figuras),
para prevalecer lo elemental (la estructura).

Art Decó (1920)

El Art Decó, fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939, (aunque su origen se encuentra en la Exposición
Universal de 1900 en París), que influyó decisivamente en todas las artes decorativas.

El Art Decó emplea líneas toscas y secas, no sinuosas. Y tiene una clara preferencia por materiales de origen industrial como el acero
o el aluminio. La simetría era un elemento importante en la representación, así como la geometrización de elementos,
especialmente visible en elementos arquitectónicos.

En España es posible encontrar muchas muestras del estilo art déco, entre ellas destacar las proyectadas por el arquitecto
valenciano Francisco Javier Goerlich Lleó, como el edificio Martí Cortina, el Colegio Mayor Luis Vives o el edificio Roig Vives.
Surrealismo (1924)

El Surrealismo surge hacia 1924 con el manifiesto teórico de André Breton. Los artistas de este movimiento, afirmaban que debía de
existir una realidad independiente de lo visible, donde se anulaban totalmente los controles racionales, dando lugar a que la
mayoría de las imágenes sean psíquicas, subjetivas y oníricas.

Dentro del surrealismo se distinguen dos líneas bien diferenciadas:

Corriente Surrealista abstracta; en la que el artista reproduce un universo de símbolos, a veces abstractos, surgidos del inconsciente
y el azar, siendo Joan Miró, uno de sus principales representantes.

Corriente Surrealista figurativa; en la que el artista recrea asociaciones extrañas e inquietantes, propias de mundo de los sueños,
atendiendo a las normas tradicionales de representación figurativa, siendo Salvador Dalí y René Magritte sus principales valedores.

Realismo Socialista (1924)

El Realismo socialista, fue una corriente artística cuyo propósito principal estuvo en expandir la conciencia de clase, el conocimiento
de los problemas sociales y las vivencias personales de la clase trabajadora agrícola o industrializada.

Fue un movimiento que se desarrolló especialmente en la Unión Soviética, tras la revolución, particularmente durante el gobierno
de Iósif Stalin, aunque también formó parte importante del arte chino y, en general, en la mayoría de los países socialistas.

A través del Realismo socialista, se consiguió ensalzar los valores del trabajo proletario, convirtiéndolo en algo admirable, antes
despreciable.

Expresionismo abstracto (1947)

El Expresionismo abstracto, fue un movimiento artístico que surgió hacia 1947, en Estados Unidos, y cuya máxima expresión fue la
pintura, realizada habitualmente en formatos de gran tamaño.

Aquí, desaparece de nuevo la figuración, aunque no radicalmente pues, en ocasiones, pueden encontrarse figuras reconocibles,
pero por lo general, si que se rechaza la forma, para hablar de manchas, texturas, arenas, goteos…No existen jerarquías entre
elementos representados, por lo que se entiende el espacio pictórico como un todo. La gama cromática se limita al uso del blanco y
negro, y la combinación de colores primarios.

Al igual que en movimientos anteriores, el expresionismo abstracto también se desarrolló conforme a dos tendencias:

Action Painting; enérgico y gestual. Sus representantes son Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning.

Colour Field Painting; más puramente abstracta, reposada y mística, y cuyo principal representante es Mark Rothko.

Pop Art (1950)

El nombre de Popular Art (Arte Popular), fue acuñado por el crítico ingles Lawrence, quién lo utilizó para designar un movimiento
que, desde mediados de la década de 1950, hasta comienzos de la de 1970, se desarrolló de manera simultánea en Londres y Nueva
York.

Las obras de Pop Art, tiene un marcado carácter figurativo, apoyado en la imaginería del mundo del consumo y la cultura popular:
anuncios, revistas, comics, periódicos, personajes famosos y objetos cotidianos de consumo.
Entre sus máximos representantes destaca, por encima de todos, Andy Warhol, con sus famosas series de latas de sopas Campbell,
o de botellas de Coca Cola, así como los retratos serigrafiados de personajes famosos, como los de Marilyn Monroe o Elvis Presley.

Op Art (1955)

El Op Art, abreviatura de Optical – Art, es un arte óptico que se basa en la creación de juegos visuales e ilusiones ópticas, que dan
sensación de movimiento y que engañan al observador según se les mira.

En este sentido, los elementos emocionales sí están completamente fuera del deseo del artista, que se enfoca en aspectos
puramente estéticos. La combinación y repetición de líneas y figuras geométricas, junto con colores extravagantes, dan lugar a
representaciones poco corrientes.

El húngaro Víctor Vasarely, fue una de las figuras más destacadas de esta tendencia artística.

Arte en acción (1960)

A principios de la década de 1960, una serie de artistas hicieron desaparecer el objeto artístico tradicional, es de decir, el caballete o
la escultura, para sustituirlo por la creación de un acontecimiento (happening) en formato de espectáculo, a medio camino entre el
teatro y las artes.

El Arte acción, es precisamente eso mismo, el nombre con el que se designa a un conjunto de técnicas y estilos que se enfocan en el
acto creador, es decir, en la acción que realiza el artista para dar lugar a una obra de arte, un hecho que le confiere además un
carácter extremadamente efímero.

El happening, el Body Art o la perfomance son formas de expresión del arte de acción. En este tipo de representaciones el artista es
parte del resultado de la obra.

Fluxus (1962)

Fluxus, es un movimiento propio de las artes visuales, que tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y setenta del
siglo XX. Este se movilizó para luchar contra la concepción artística como objeto de consumo o mercancía, haciéndolo de él mismo,
un movimiento artístico de gran valor sociológico y muy cotizado en las subastas de arte en España.

Este, lo que hace, es aunar en sus obras diferentes elementos y materiales procedentes de diversos entornos, confiriéndoles un
significado holístico al conjugarlos en la representación artística.

En definitiva, el fluxus, es una tendencia que busca incorporar el arte en la cotidianeidad de la sociedad. De sus acciones, efímeras
en el tiempo, tan solo queda constancia a través de los vídeos o fotografías que se realizan durante el acto.

Minimalismo (1965)

El arte minimalista, es una corriente del arte contemporáneo, que surge durante la década de los años sesenta, en Estados Unidos, y
cuyo objetivo se enfoca en la necesidad de reducir el contenido a la más pura esencia, deshaciéndose así, de todo elemento
restante que no aporte valor a la obra.
Y es que el minimalismo, busca la mayor expresividad con los mínimos recursos, haciendo una especie de crítica a la desmesura y el
recargamiento de ciertas manifestaciones artísticas del momento, particularmente la del pop art.

Es un movimiento cargado de simbolismo y de un alto valor intelectual, aunque a nivel producción o manufactura no requiera
grandes dotes.

Arte Povera (1967)

El término Arte Povera, fue acuñado en 1967, por el crítico italiano Germano Celant, para referirse a todas aquellas obras de arte,
caracterizadas por haber sido realizadas con materiales pobres, como arena, paja, piedras, ramas, hojarasca, fragmentos de metal o
vidrio, entre otros.

En su concepción, la idea principal de este tipo de obras fue enfrentarse a la comercialización del arte, representando a través de
sus obras la caducidad y el valor real de los objetos tras la intervención del artista, haciendo pública la cuestión dónde se hallaba la
valía artística, si bien en la obra en sí, o en el artista que la realizaba.

Entre sus máximas figuras, sobresalen los italianos Mario Merz, Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, y el griego Jannis Kounellis.

Hiperrealismo (1968)

Como respuesta a la excesiva frialdad y distanciamiento de las últimas manifestaciones artísticas que se venían dando estos últimos
años, surge el Hiperrealismo, buscando de nuevo, la representación de la realidad, de un modo absolutamente fiel y objetivo,
partiendo, a menudo, de la copia de modelos fotográficos, procurando que la copia y el original se asemejen al máximo.

Para magnificar el resultado final de las obras, los artistas hiperrealistas incorporaron elementos reflectantes, de colores sinuosos o
brillantes a sus imágenes.

Chuck Close, Robert Nottingham y Richard Estes, son tres de los artistas más destacados en el apartado del hiperrealismo pictórico,
mientras que Duane Hanson y John de Andrea, crearon esculturas hiperrealistas en las que se reproduce la figura humana en
diversas actitudes cotidianas.