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Reseña:

Artista Franklin Rawson nació en San Juan un 29 de Marzo de 1820 , hijo de Aman
Rawson ( Medico Norteamericano) , y María Justina Rojo , matrimonio establecido
en la provincia gracias a la reciente autonomía provincial.

Su padre mando a sus hijos a la escuela del francés Dovet , para que aprendieran a
desarrollar su capacidad cognitiva , allí Franklin domino el arte , el dibujo lineal ,etc
.Luego en BS As , estudia pintura decimonónica en el taller de Fernando García del
Molino y intercambio ideas con Monvoisin . (Francés).

Las pinturas de Rawson representan relatan pasiones sentimientos del personaje,


teniendo en cuenta la verdad y la historia y con ella su imaginación a su máxima
contemplación por la vida.

Luego de una larga trayectoria en el arte y la política Benjamín muere en Flores


Localidad de Buenos Aires, víctima de la fiebre amarilla en 1871.

DENOTADO:

Obra: Retrato de Cirilo Sarmiento y su


familia. Oleo sobre tela, 102,9 x 109cm

Año: San Juan 1855

Composición: Cuatro figuras: Don Cirilo


Sarmiento, su esposa y sus dos niños.

Matrimonio sentado en sillas de la época


junto a sus dos hijos de pie.

Técnica: Pintura y dibujo (Poética del Espejo).

Código de semejanza pre- visuales (gestuales).

Género: Autodidacta.

Pinturas por encargo.

Romanticismo del Quattrocento.

Variación del Color: Fondo liso, predominan paleta de fríos.


Vestimenta: Mediados del siglo xix de familia apoderada Enlaces sociales: Domingo
F.Sarmiento y familia.

Tertulias Filosófica e ideológica. En chile permiten intercambiar ideas, practicas con


Monvoisin. (Artista Francés)

Otro: Esta obra pertenece a la acumulación provincial del Museo que lleva su nombre,
se puede disfrutar en la sala permanente del mismo.

CONNOTADO:

Desde una perspectiva visual connotada podemos analizar diferentes mensajes


codificados y dentro de estos otros no codificados, a continuación aremos el análisis.

Análisis Retorico y Connotado:

1)retrato Familiar ; Gestualidad corporal , típico de la pintura argentina del siglo xix , el
artista deja entre ver la influencia de Sarmiento en la época atreves de representación
retoricas de ironía , en este caso de ideología política , como la mazonería , Rawson
expresa cuestiones que van mas allá de los preceptos miméticos de su época , para un
retrato de familia de elite donde observamos un discurso visual complejo como las
manos posturas de cada integrante , la flor en la mano de la mujer , la vestimenta , el
instrumento musical , conforman una trama de sentidos retóricos .

2) Don Cirilo: En el podemos decodificar varios mensajes

a) Retoricas de Prestamos: Las manos una mano derecha sostiene, una pluma, eso en el
arte argentino el interés de Don Cirilo por la educación para sus hijos. También
abrazando a su hijo por los hombros muestra protección, autoridad cariño, mostrando
a sus hijos su ideología de que el mundo puede ser escrito o reescrito.

En la mano izquierda vemos , que reposa un libro abierto “El de los niños aplicados” ,
este está relacionado directamente con la postura ideológica de Domingo F. Sarmiento
en tener la noción de ilustración , educación y aplicación ( idea de la cual plasma por su
amistad , cuando coincidieron en un viaje a chile , para visitar el taller del francés
Monvoisin , este viaje tendrá máxima influencia en la formación del pintor Sanjuanino
).

b) Retorica metonimia : Don Cirilo y sus hijos vemos , en la misma mano la pequeña
mano del hijo sobre la de él , haciendo un gesto de tamborileo , esto es fascinante
porque indica la comunicación ( retorica de metonimia )con su hermano de manera
inmediata automática , un juego dentro de la pintura , uno tocando el tambor y el otro
el otro tamborileando el compas.

c) Retorico de Supresión : Elipsis : El niño pequeño el tambor , esta de perfil , a lo


preguntamos el ¿ Por qué ?; Pues En el Arte del siglos anteriores la perfección , con
esto desciframos , que el pequeño sufría una deformación , pues no , solo tenia
eslavismo en uno de sus ojos , por tanto Franklin lo retrato de perfil .
Luego vemos a su madre sujeta su mano, pues eso en el arte de esa época (siglo xix) son
signos visuales de afecto, que en nuestro siglo es común, claro ejemplo del amor de
madre a su hijo.

Es importante la firma del artista en el tambor del pequeño, pues se encuentra en el


borde del tambor, casi en el centro inferior de la obra este mensaje perceptible indica el
espacio sonoro y la importancia del lugar que da el artista, esto es Retorica
Acumulación : Dimensión Sonora, comunicación entre los niños atreves de gestos,
importancia del autor de destacar esta escena con su firma.

Esposa con flor en la mano: Su significado en el arte indica símbolo o alegoría. Pero el
artista quiso llevar ese mensaje a otro plano de representación de una existencia
virtuosa, sensación olfativa del perfume, la vida sencilla a pesar de la riqueza, el
complemento de su postura frente al mundo al igual que su esposo pero expresada de
otra forma .Podemos, decir que esta escena es Retorica por similitud (en ideología) y
también de acumulación.

Acumulación: Porque en la flor si bien es el respeto a la vida , al cuidado pero también


de riqueza ya que ese tipo de flor en una época de guerra civil (1855) y en una zona
desértica era difícil de cultivar y solo era posible en la intimidad del hogar.
Tamara Wassaf.

Reseña: Artista nacida en San Juan, Argentina

 A los años 16 años comienza su interés por la fotografía fue estudiante de la


UNSJ y a los 18 años gana su primer premio en fotografía , obtiene una beca con
el fotógrafo Marcos López , quien la impulsa a nivel nacional y luego expone en
Madrid , 2015 ciudad en la que reside y tiene su estudio a “Pedal” .

DENOTADO

Obra: “Del Sentimiento de no estar del todo”.

Año: 2014

Género: Autodidacta – Body Art.

Técnica: Retratos Memento morí (Recuerda que morirás del latín)

Composición: Fotografía, Instalaciones, Performance.

Materiales: Visuales, instalaciones modifica espacio de manera temporal objetos


utilizados (vaso y flor, natural)

Variación del color: Colores Armoniosos, paleta de fríos y cálidos.

Registro: Imágenes de mujeres y flores- revelado digital


Tratamiento digital - Registro visual.

Obtención de texturas y Nitidez.

Enfoque: Luz Solar

Sombras.

Tendencia: Arte conceptual si no como poesía individual

Body Art.

Instalaciones: silla con tela: sentido estético, decorada con tela, volumétricamente

Vaso con flor natural real, ambos ilusión del momento, LCD visual cámara video lenta
secuencial.

Contexto:

Otro: Pertenece a la exposición “Del Festival de las Luces”

Curador: Alberto Sánchez Maratta: Enlace social

CONNOTADO.

Fotografía: Sin título- Antebrazo con flor encintada.

Distinguimos una técnica en la que el objeto toma vida con solo dar luz, sensación de
volúmenes delicados en ciertos sectores, interactúa como receptor, dando posibilidad de
diferentes interpretaciones. Las fotos se dan en serie, utiliza la desmaterialización de su
idea central. Por esto mismo no hay títulos.

Podemos ver el fondo es color bordo muy parecido al color de la sangre.

Podemos ver que el color de piel es claro y contrasta con el fondo. Y en el brazo tiene
encintada un ramillete de flore (parecida a la del árbol a la del damasco o el limonero),
la rama para algunos representa las venas. La mano parece caída, como si estuviese
posando en la nada misma.

Las flores y el brazo se complementan de cuanto al color.

En esta imagen podemos aplicar diferentes retoricas:

Retoricas de similitud de forma: Sinonimia: El brazo y las flores son elementos


diferentes, pero así vez son naturales poseen vidas en contextos diferentes, desde raíces
diferentes.

También se puede aplicar retorica de oposición, la antítesis porque si bien los elementos
son de vida, esta refiriéndose o haciendo referencia amemento morí, al momento que
queda plasmado en una fotografía y solo allí seguirá con vida. Pero luego ese cuerpo y
esa flor morirán pero en la imagen permanecerán.
Así mismo se aplica la retorica de doble sentido y paradoja, en este caso de la vida, del
secreto de la vida del carpe diem.

Tamara en este campo fotográfico y de instalación usa la retorica de alegoría,


comparando la fotografía con un vaso real y un ramillete de flor .Como explicamos
antes el ramillete (instalación) morirá con el tiempo pero la foto permanecerá utiliza la
metáfora para relacionar el significado o el secreto de la vida
La Madre.

DENOTADO

Titulo de la Obra: La Madre

Autor: Forner Raquel

Pintora Argentina nació en BS As en 1902 y


falleció en 1988, egresada de la academia
nacional en 1923. Expuso en el salón nación
en 1924, conquistando el tercer premio .Viajo
por Europa (1929 y 1931) y asistió en parís a
los cursos de Otón Friesz. Fue la artista
argentina de su generación con más renombre
internacional. Realizo exposiciones en
distintos países y vario museos poseen obras
suyas, entre ellos el de Arte Moderno de
Nueva York. En 1932 junto con Guttero,
Dominguez Neira y Bigatti fundo los cursos
libre de arte plástico, contajo matrimonio con
Bigatti en 1936. Obtuvo numerosos premios en
el Salón Nacional, fue segundo premio en
1934 primer premio en 1942 y gran premio de
honor en 1956; Medalla de oro, exposición
internacional Paris 1937; Premio Palanza, academia Nacional 1947; Primer premio
bienal amaricana de arte, 1962. Recibió numerosos homenajes en vida y en mismo año
de su muerte el Museo de ARTE Moderno en BS As realizo una gran exposición de sus
obras. Fue galardonada por la fundación Konex. Serie pictóricas: Mujeres en el mundo;
serie de las rocas; del espacio; de las banderías; de los astronautas; del astro seres.

Podemos afirmar que sus cuadros presentan una visión apocalíptica del mundo
moderno.

Parecen representar una pesadilla, pues están invadidos por fragmentos de cuerpos,
sangre, dolor y muerte. En ellos se condensan los momentos desesperados de la
humanidad enfrentada dolorosamente con la catástrofe al mismo tiempo que denuncia la
injusticia y la atrocidad de la guerra. Suponen una síntesis del dolor que entrañan el fin
de la modernidad, desencadenada a partir de los grandes conflictos bélicos.

En este sentido, resulta necesario aclarar que ese compromiso del artista con la realidad
constituye una nueva modalidad en cosmopolitismo vanguardista de los años 30. En
Argentina, los fenómenos de vanguardia acogen las tendencias europeas, adaptándolas
de acuerdo a sus necesidades.
Técnica: Oleo sobre tela. Pintura

Medidas: 190,5 x 90,3 cm

Año: 1938

Género: Surrealismo

Variación de color: colores tenues

Composición: desproporción de la mujer. Representa una madre

Contexto: Guerra civil española, desencadeno en España tras el fracaso parcial del golpe
de estado del 17 y 18 de julio de 1936, llevado a cabo por una parte del ejército contra el
gobierno de la segunda republica.

Tras el bloqueo del estrecho y el posterior puente aéreo que gracias a la rápida
colaboración de la Alemania naci y la Italia fascista.

Sala Permanente del museo F. Rawson.

SINTAGMA:

Esta madre representa todas las mujeres que han perdido sus hijos en la guerra.

Así esa mujer campesina, madre sin descendencia se lamenta confundidamnete.

Su aflicción mantiene un tono interrogante, que se evidencia en la mirada hacia el cielo.

La vestimenta que se observa en esta mujer es un manto blanco de pureza, reflejando la


clase baja del proletariado.

Entre sus brazos aparece una figura retorica de su presión la ausencia de su bebe,
dejando solo un indicio de un pie pequeño y mano.

La raíces, entre sus pies refleja lo que vendrá el renacer, un futuro nuevo.

En el fondo se observan fallecidos y el desastre que dejo la guerra, un cielo en el que se


ve un espíritu elevándose.
DENOTADO.

Obra: Objeto Sensible – sala 3

Autor: Rodríguez Sandra.

Reseña: Artista nacido en Argentina en la provincia de San Juan sobre la adolescencia


comienza a interesarse en las artes visuales empezó a asistir al taller “Mili” yacante
quien le da los impulsos para ingresar a la facultad.

Se recibió en la licenciatura de artes visuales.

Trabajo en varios colegios como profesora. Realizo más de tres muestras.

Técnica: Fotografía

Año: 2018

Genero Autodidacto.

Composición fondo metálico – cuerpo – sin cabeza con vestimenta de épocas anteriores
(abuelo) Flor Rosa.

Variaciones: Colores armoniosos paleta fría

Registro- imagen de rosa y cuerpo de mujer

Tratamiento de sombras y luces.


Enfoque: luz solar – sombras

Tendencia

Otro: pertenece a la exposición “Celebrando San Juan”.

Curador: Alberto Sánchez.

CONNOTADO.

Fotográfico: Objeto sensible 1

Podemos observar una imagen fotográfica la cual no contiene retoque digitales que sus
sombras y luces fueron producidas si edición .Vemos el fondo de tintes grises los cuales
componente un sartén antiguo de la mama de la autora; encontramos en la parte inferior
izquierda mitad del cuerpo de una persona mayor en la cual encontraremos en la zona
de la cabeza una flor, específicamente una rosa que perdía unos pétalos sobre la zona
superior de la imagen.

El cuerpo de la persona mayor representa a una abuela quien tiene ese lazo con la autora
y la rosa situada en su cabeza es cortada del jardín de sus abuela ; es una rosa ya que
hace referencia a los pensamientos de sus abuela como frescos , intensos como el color
de la flor .

El fondo gris (metálico) que la autora pretende dar la sensación de hogar (de antiguo).

En esta imagen podemos aplicar diferentes retoricas como la de “adjunción Paréntesis”


inserta elementos sin conexión como la rosa sobre el cuerpo de una señora que al tener
lo explicación encontramos la relación que a simple vista no se encuentra.

También la figura de substitución metáfora se produce en la institución d la cabeza de


la abuela por una rosa radiante e intensa, la figura de substitución absoluto se da en el
fondo que es un sartén y el cambio de la cabeza por una rosa.
Marinero.

Reseña: Nació en Bs As en 1897 y falleció en 1967.

Se traslado a España de niño, realizando sus estudios en Madrid con los maestros
Alejandro Ferrant y Julio Romero Torres. En 1913 trabajo en México con Roberto
Montenegro, regresando en 1916. Desde 1918 a 1951 se desempeño como profesor en
las Escuelas Nacionales de Bellas Artes. Expuso en el salón nacional y en el de
Acuarelistas, obteniendo diversas recompensas. Otros premios: dos medallas.
Exposición Internacional. Paris, 1937 Medalla de Oro, Salón de Viña del Mar, Chile,
1938.

DENOTADO:

Obra: Marinero 69,6x 50,3 cm.

Año: 1939

Género: Retrato

Técnica: Acuarela sobre tela papel –


expresión en el gesto

Composición: Hombre CON


VESTIMENTA DE MARINERO
POSANDO

Variación de color paleta de fríos


mayormente y partes de colores
tierra.

Tendencia: Acuarelista – ilustrador-


decorador.

Otro: Pertenece a la exposición permanente del Museo F.Rawson

Contexto: Década infame.

Enlaces Sociales: Profesores de arte – comunidad lésbica y homosexual.

CONNOTADO.

Retrato: Podemos ver un marinero con vestimenta típica nacional Argentina apoyado
sobre la entrada de una casilla del puerto.
En su vestimenta podemos ver juego de sombras y luces muy bien hecho con acuarelas.

Lo interesante de esta obra es la gestualidad que posee el marinero, un gesto un poco


sensual y seductor.

Es así como el autor podía percibir a tal personaje Destacando que Lorco se tomaba un
tiempo, en el puerto, donde observaba detenidamente a los marineros y cabe destacar
que el autor era homosexual por lo cual tal interés y forma de expresar en su obra.

En esta obra podemos destacar lo Retorico ya que un marinero no representa a un


hombre y no de ningún elemento que lo demuestre (teniendo en cuenta el contexto de
esa época)

También es una zurana ya que con el gesto que produce con su cuerpo queda al
descubierto sabiendo la historia del pintor.
DENOTADO:

Artista: Guadalupe Irati.

Actualmente es alumna de la
U.N.S.J. en la carrera de
licenciatura de artes Visuales
y además es pasante en el
Museo F.Rawson .

Ganadora de convocatoria
“Celebrando la vida” en el
año 2017.Este año participo
del “Festival de las luces “con
su exposición fotográfica en
sala 5.

Obra: Vuelo a hacer(a ser) cada día.

Año: 2017.

Registro: Fotografía.

Género: Visual.

Tendencia: Arte vivo

Body Art.

Contexto Social: Globalización xxi

Enlace Social: Pasante Universitaria

Ámbito Artístico y Redes Sociales.

Enfoque: Luz solar.

Variación de color: Blancos, Negros, Paleta de cálidos y quebrados.

CONNOTADO.

En la sesión fotográfica podemos analizar que hace una repetición en la pose de la


artista, al vestirse, pero sweter es diferente, la artista esta vestida con pantalón negro y
sostén negro, que contrasta con el blanco de la pared y la obra está representada en
cinco cuadros.
La luz que entra por la ventana es solar, si bien cuando interrogamos a la fotógrafa nos
dijo que eran las 19: 00 hs. pero los días eran diferentes , por lo tanto la luz no es la
misma si no varía pero proyecta la misma sombra .

La fotógrafa imita el gesto de vestirse y se cuestiona la rutina diaria, se centra en lo


repetitivo.

En cuanto al color es necesario en la fotografía contesto Guadalupe.

Analizamos detenidamente las retorica que se pueden distinguir.

En primer lugar vemos en la sesión una retorica de reduplicación en el gesto en cuanto a


su postura , esto sería dentro de figura de adjunción , podemos entonces verlo en la
postura así como también en la sombra y en la luz que entra por la ventana.

En segundo lugar distinguimos una retorica de paralelismo, en el horario de la captura


de la imágenes, en este caso 19:00 hs (diecinueve)

Tercer lugar similitud por la retorica de para nomaxia en la vestimenta y en el titulo


de la obra “vuelvo a hacer (a ser) cada día” pero también el titulo es metafórico.

La sesión fotográfica está ubicada en sala 5 apartada de las obras ganadoras, por su
efecto visual impacta de mejor y aislada que estando en conjunto a lado de otras, ya que
se da segmentada en casilleros. Así destacamos el titulo como integrante de que no
todos los días son rutinarios
Trabajo Práctico Grupal N°1.

Alumnos: Rivero Héctor.


Bordón Abel.
Jurado Eliana
Leguiza Milagros.

Materia: Semiología y Retorica Visual.


Trabajo Práctico Grupal N°1.

Alumnos: Jofre Mayra.


Endy.
Céspedes José.
Antúnez Yamila.

Materia: Semiología y Retorica Visual.

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