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XXIII Temporada

de Grandes
Conciertos
de Primavera
2017
En recuerdo de
Pilar Lorengar

miércoles, 22 de marzo
20.00 horas

Amanda Forsythe, soprano


Philippe Jaroussky, contratenor
I Barocchisti
Diego Fasolis, director
Foto Amanda Forsythe ®Arielle Doneson

Donde
la música
te lleva.
Amanda Forsythe, soprano
La soprano americana Amanda Forsythe interpreta Eurídice en la
grabación de “La descente d’Orphée aux enfers” en el Boston Early
Music Festival que ganó el premio Grammy en el 2015 en la categoría
Mejor Grabación de Ópera. Ha sido alabada por Opera News por su
“ligereza y brillo”, “maravillosa agilidad y altas notas alcanzadas”. Fue
ganadora de George London Foundation Awards, recibiendo su cola-
boración para su debut en Nueva York. También recibió premios de la
Liederkranz Foundation y de la Walter W. Naumburg Foundation.

El debut operístico de Amanda Forsythe en Europa fue con el rol


de Corinna en “Il viaggio a Reims” en el Rossini Opera Festival en Pé-
saro, e inmediatamente después, fue invitada a debutar en el Gran Tea-
tro de Ginebra como Dalinda en “Ariodante” siendo proclamada como
“el descubrimiento de la noche” (Financial Times). Regresó al Rossini
Opera Festival para interpretar el rol de Rosalia en “L’equivoco stra-
vagante” y duetos de Bellini en el recital “Malibran”, con invitación de
Joyce DiDonato; y más recientemente Jemmy en la nueva producción
de “Guillaume Tell” por la cual recibió críticas favorables de la prensa.

Amanda Forsythe debutó en la Bayerische Staatsoper de Múnich como


Dalinda en “Ariodante” y como Barbarina en “Le nozze di Figaro” en la
Royal Opera House, Covent Garden y el Thèâtre des Champs-Elysées
en París. Regresó al Covent Garden para interpretar el rol de Monto en
“Niobe, regina di Tebe” de Steffani bajo la dirección de Thomas Hen-
gelbrock y Nannetta en “Falstaff” bajo la dirección de Daniele Gatti,
descrita por Gramophone Magazine como “increíblemente hermosa”.
También interpretó Nannetta para la Opéra d´Angers-Nantes.
Entre sus proyectos de concierto en Norte América se incluyen
su reciente debut en Tanglewood Festival y el Lincoln Centre en el
papel principal de “Teseo” con la Philharmonia Baroque y su debut
con Seattle Symphony en el Mesías de Handel. Otras actuaciones im-
portantes incluyen Dorinda en “Orlando e il trionfo del tempo” de Han-
del con Early Music Vancouver, Dafne en “Apolo y Dafne” con Pacific
Musicwork, y arias de Haydn y Mozart con Apollo’s Fire, arias de Han-
del con Portland Baroque Orchestra, la Misa en Do menor de Mozart
con la Handel and Haydn Society, y La Creación de Haydn y Messiah de
Handel con la Charlotte Symphony.

En concierto, Amanda Forsythe, recientemente debutó con la Accade-


mia Nazionale di Santa Cecilia en Roma con el Magnificat de Bach bajo
la dirección de Sir Antonio Pappano. En enero de 2016 debutó con la
Boston Symphony bajo la dirección de Andris Nelson en “Sueño de una
noche de Verano” de Mendelssohn, seguido de una gira del Réquiem
de Mozart y Misa en Do menor con el Monteverdi Choir and Orchestra
bajo la dirección de Sir John Eliot Gardiner. Otros compromisos futuros
incluyen el Mesías con la Philharmonia Baroque y Kansas City Sym-
phony, Bach Cantata 51 y el Gloria de Vivaldi con la Seattle Symphony,
arias de concierto de Handel y Vivaldi, así como actuaciones y graba-
ciones de la Pasión según San Juan de Bach con Apollo’s Fire.

Las grabaciones de Amanda Forsythe incluyen el disco ganador del


Grammy de la “La descente d’Orphée aux enfers” de Charpentier,
así como Venus en “Venus and Adonis”, Aglaure en “Psyché” de Lully
y La Grande Pretresse en “Thésée” de Lully en el Boston Early Mu-
sic Festival (todos para CPO), Manto en “Niobe” de Stefani con BEMF
(Erato), el rol principal en “Teseo” de Handel con la Philharmonia Ba-
roque (PBO’s own label), “Lucio Silla” de Mozart, “In un istante ... Par-
to, m’affretto” y Mesías con Apollo’s Fire (Avie), Minerve Dorinda en
Orlando de Handel con Early Music Vancouver (ATMA) y la La Creación
de Haydn con Boston Baroque (Linn). También canta en la grabación
de “L’equivoco stravagante” y “Guillaume Tell” del DVD producciones
Pésaro, así como Manto en la producción de la Royal Opera de “Niobe”
de Stefani (Opus Arte).
Foto Jaroussky ®Simon Fowler. EratoWarnerClassics

Philippe Jaroussky, contratenor


Philippe Jaroussky es uno de los principales contratenores del pa-
norama internacional. Así lo confirman algunos de los prestigiosos
premios que ha recibido: Victoires de la Musique (Artista Lírico Re-
velación en 2004; Artista Lírico en 2007 y 2010); o Echo Klassik , entre
otros. Con una maestría técnica que le permite los más audaces matices
y espectaculares pirotecnias, Philippe Jaroussky abarca un reperto-
rio extremadamente amplio dentro del campo barroco, desde los refi-
namientos del XVII con compositores como Monteverdi, Sances o Ros-
si hasta el impresionante virtuosismo de Handel o Vivaldi. Este último
es uno de los compositores que más ha interpretado en su trayecto-
ria, junto con las obras de Johann Christian Bach. Recientemente, ha
abordado un repertorio muy diferente, centrado en melodías france-
sas junto al pianista Jèrôme Ducros. Incrementando su interés por
las obras contemporáneas, Jaroussky también interpreta un ciclo
de obras compuestas por Marc André Dalbavie sobre los sonetos de
Louise Labbé.

Colabora regularmente con algunas de las mejores formaciones ba-


rrocas: Orquesta Barroca de Friburgo, Ensemble Matheus, Les Arts
Florissants, Les Musiciens du Louvre-Grenoble, Orfeo 55, Le Concert
d’Astrée, Cercle de l’Harmonie, Europa Galante, I Barocchisti, Appolo’s
Fire, Anima Eterna o la Orquesta Barroca de Venecia.
También actúa en las salas y festivales más prestigiosos: Salle Pleyel,
Théâtre des Champs-Elysées, Barbican Center y Southbank Center
de Londres, Palais des Beaux Arts de Bruselas, Théâtre du Châte-
let, Grand Théâtre de Luxemburgo, Konzerthaus en Viena, Staatsoper
y Philharmonie de Berlín, Concertgebouw de Ámsterdam, Teatro Real
de Madrid, Disney Hall en Los Ángeles y el Carnegie Hall. En 2002 funda
el Ensemble Artaserse, con el que actúa regularmente por toda Europa.

En la temporada 2015/16, Jaroussky ha sido artista residente en el


Koncerthaus de Berlín, presentando más de 10 proyectos. En julio de
2015, debutó en el Festival d’Aix en Provence (Alcina). También desta-
ca Theodora con William Christie y Les Arts Florissants en el Theatre
des Champs Elysées (París), en el Lincoln Center (Nueva York) y en
el Concertgebouw (Ámsterdam). En 2016, estrenó la ópera “Only the
Sound Remains” de Kaija Saariaho en el Nationale Opera and Ballet
(Ámsterdam), ópera que presentará en el Teatro Real de Madrid, en la
Ópera de París y en el Lincoln Center Nueva York.
Artista exclusivo de Erato-Warner Classics, entre su amplia discogra-
fía destaca “Heroes” con arias de las óperas de Vivaldi, “Tributo a Ca-
restini”, “Opium” y “Green” de melodías francesas, “Pieta”, “La Dolce
Fiamma”, “Caldara in Vienna” y su última grabación “Cantatas Sacras”
de Bach y Telemann, que salió al mercado en Octubre 2016. Su último
trabajo discográfico es “La Storia di Orfeo”, lanzado en marzo del 2017.
En España trabaja regularmente en el Teatro Real de Madrid, Gran
Teatre del Liceu de Barcelona, Auditorio Nacional de Música de Ma-
drid, L’Auditori de Barcelona, Palau de la Música de Valencia, Auditori
de Girona, Teatro de la Maestranza de Sevilla, etc… Entre sus proyectos
más recientes destacan los tres recitales líricos “Green” en el Teatro
de la Zarzuela, el Teatro de la Maestranza y el Gran Teatre del Liceu,
con Jérôme Ducros (2015). Durante 2016 hemos podido verle en el
Festival Internacional de Música y Danza de Granada y en el Festival
Internacional de Música de Santander con el Ensemble Artaserse. Fue
invitado a realizar tres conciertos en el Auditorio Nacional de Música
de Madrid junto a la Orquesta Nacional de España (octubre); y en no-
viembre actuó, con su último proyecto sobre Bach y Telemann, junto
a la Orquesta Barroca de Friburgo en el Auditorio Nacional de Madrid
y Palau de la Música de Barcelona. En el 2017 presenta su Orfeo en
el Auditorio de Zaragoza y Arias de Handel en Pamplona (Baluarte),
Valencia (Palau de Valencia) y San Sebastián (Centro Kursaal). En 2018
estará en el Palau  de la Música Catalana con I Barocchisti.

Diego Fasolis, director


Considerado como uno los más brillantes intérpretes de su genera-
ción, Diego Fasolis añade versatilidad y virtuosismo a un estilo rigu-
roso que ha sido bien recibido tanto por el público, como por la crítica
internacional, quienes lo siguen a través de las principales tempora-
das de conciertos en Europa y Estados Unidos, o en sus numerosas
grabaciones de radio, televisión y CD; en sus más de 100 producciones
para Decca, EMI-Virgin, Sony-BMG, Naïve, Arts, Naxos, Chandos, BBC,
Amadeus, Claves, Divox, ha obtenido los más prestigiosos premios de
la prensa especializada.

Desde 1986 ha trabajado en Swiss Radio como músico y director. Des-


de 1983 trabaja como director permanente del conjunto vocal de Swiss
Radio Télévision. En 1998 comenzó dirigiendo la orquesta barroca lla-
mada “I Barocchisti”, con instrumentos históricos. Diego Fasolis tam-
bién coopera como director invitado junto con numerosas orquestas
internacionales, como Concerto Köln, RIAS Choir de Berlín, Real Or-
questa Sinfónica y Orquesta Barroca de Sevilla, Sonatori de la Gioiosa
Marca, Concerto Palatino, así como con orquestas y coros de La Scala
de Milán, Teatro de la Ópera de Roma, Carlo Felice en Génova, Arena
en Verona, Comunale en Boloña y diversas orquestas suizas.

Diego Fasolis estudió órgano con Eric Vollenwyder en el conservato-


rio y en “Musikhochschule” de Zúrich, piano con Jürg von Vintschger,
canto con Carol Smith y dirección coral con Klaus Knall, obteniendo
cuatro diplomas de excelencia. Además de numerosas master clases
recibidas por artistas internacionales, estudió órgano e improvisación
con el solista Gaston Litaize en París, y técnica de interpretación de
música antigua con el solista Michael Radulescu en Cremona. Ha ob-
tenido varios premios de nivel internacional, como el Primer Premio
en Stresa, Primer Premio de “Migros-Göhner Foundation” y el “Hegar-
Prize”. Como organista, Diego Fasolis ha ejecutado las obras comple-
tas de Bach, Buxtehude, Mozart, Mendelssohn, Franck y Liszt. Gracias
a su sobresaliente conocimiento vocal e instrumental, es invitado re-
gularmente por numerosas organizaciones musicales como director,
maestro y miembro de jurados internacionales.

Ha actuado con algunos de los más grandes artistas, entre los que se
pueden mencionar varios conciertos con Martha Argerich y una larga
y fructífera colaboración con la mezzosoprano Cecilia Bartoli junto a
quien recientemente grabó varios álbumes para el sello Decca.

En 2011, el Papa Benedicto XVI le confirió un doctorado honorario en


música sacra.

I BAROCCHISTI
I Barocchisti es internacionalmente reconocido como un conjunto de
referencia para la interpretación de la música antigua con instrumen-
tos de época. El grupo puede variar el tamaño de su formación desde
cuatro hasta cuarenta músicos; sus miembros son reconocidos espe-
cialistas en la práctica de la interpretación histórica que proceden de
lugares como Suiza, Italia y otros países europeos. En los últimos años
I Barocchisti ha unido fuerzas con el Coro della Radio Svizzera y Diego
Fasolis en una serie de conciertos y grabaciones de música de Bach,
Cavalli, Galuppi, Gossec, Handel, Mozart, Scarlatti, Paisiello, Pergo-
lesi, Piccini, Purcell y Vivaldi. Su grabación del trabajo instrumental
de Bach (Suites Orquestales, “Conciertos de Brandemburgo”) tiene el
reconocimiento internacional como versión de referencia.
La orquesta también ha recibido críticas entusiastas por sus discos
con solistas como Cecilia Bartoli, Philippe Jaroussky, Maurice Sterger,
Julia Lezhneva y Max Emanuel Cencic.
Ha actuado en varios programas televisivos producidos por la Radiote-
levisione Svizzera, Euroarts y Arte.
Con Fiorenza de Donatis y Duilio M. Galfetti, I Barocchisti es invitado
regularmente a los principales festivales en Europa y Estados Unidos.

Intérpretes

Violines I Contrabajo Trompas


F. De Donatis Rognoni Pasquale Massaro Dileno Baldin
Luca Giardini Dimer Maccaferri
Giovanni Della Vecchia Tiorba
Ana Liz Ojeda Josias Rodriquez Cornetas
Adrien Mabire
Violines II Órgano y Clave Marie Garnier Marzullo
Mauro Massa Andrea Marchiol
Alberto Stevanin Fagot y Traverso
Elisa Imbalzano Flautas dulce Giulia Genini
Andrea Vassalle y Traverso
Stefano Bet Viola da gamba
Violas Anne Parisot Cristiano Contadin
Gianni Maraldi
Emanuele Marcante Oboes Arpa
Pier Luigi Fabretti Masako Art
Violonchelos Guido Campana
Martin Zeller
Sebastiano Severi
Notas al programa
EL CANTOR DE TRACIA

La relación entre música y mitología es larga y fructífera y son infinidad de


óperas, canciones, poemas sinfónicos etc. que tienen como base los relatos de
las mitología clásica, todo ese inmenso corpus clave en la historia del mundo
occidental, pero en pocos casos la relación entre la música y un mito ha sido
tan estrecho como con la historia de Orfeo y la razón es clara y evidente:
Orfeo es el gran músico entre los personajes de la mitología. Antes de hablar
de la importancia de Orfeo en la música y de los distintos Orfeos que oiremos
en este concierto convenga repasar de modo básico la historia que sustenta
todas las óperas, es decir, el mito de Orfeo en sí.
Orfeo, es un pastor de estirpe divina, hijo de Apolo (y nieto del propio
Zeus) y de Calíope, musa de la elocuencia, poseía el don de la música y de la
poesía (según otras fuentes sería hijo de Clío, la musa de la música). Orfeo,
en su episodio vital mas famoso, se nos presenta enamorado de Eurídice, una
ninfa de los valles de Tracia, a la que convierte en su esposa. Un nefasto día,
tratando ella de huir de Aristeo que pretendía poseerla, pisó una serpiente
venenosa y, mordida por ésta, murió.
Como es lógico la pena invadió a Orfeo, y llorando desconsoladamente, en-
tonó canciones tan tristes que decidió descender al inframundo, donde, con
la ayuda de su música, conseguiría sortear mil y un peligros, conmoviendo
a demonios y tormentos y volver a la vida a Eurídice. Una vez hubo llegado
ante Hades y Perséfone, dioses del Inframundo, utilizó de nuevo su música
consiguiendo convencerlos de dar a Eurídice la oportunidad de regresar al
mundo de los vivos. Pero pusieron una condición: Orfeo debía caminar siem-
pre delante de ella y no mirarla hasta que ambos hubieran llegado arriba,
y los rayos del sol hubieran bañado por completo a Eurídice.
El camino de regreso fue largo. Orfeo se mantenía con sus ojos al frente
a pesar de las enormes ansias que le invadían de admirar a su amada. No
se volvió ni aún cuando los peligros del Inframundo los acechaban. Ya en
la superficie, Orfeo, giró la cabeza creyendo que todo había pasado, pero
Eurídice aún tenía un pie a la sombra y, en ese preciso instante, se desvaneció
en el aire, ya sin posibilidad de volver de nuevo.
DE MONTEVERDI A GLUCK

De las ópera sobre Orfeo que visitaremos en el programa de este concierto


hay dos que probablemente son las más populares escritas sobre este tema
y que forman parte de la programación de cualquier teatro de ópera, de ellas
empezaremos por la que compuso el genial Claudio Monteverdi. De L’Orfeo
de Monteverdi de 1607 se suele decir que es la primera ópera de la historia
aunque esto no deja de ser una convención; para ser precisos podemos decir
que es la primera obra maestra de este género que se sigue interpretando en
la actualidad. El origen de todo esto, como de tantas cosas más, pudo estar
en la corte florentina. En la capital toscana en el año 1600 se celebra la boda
entre María de Médicis y Enrique IV de Francia. A esta boda asisten Vincenzo
Gonzaga, duque de Mantua, y su corte. Allí asistieron a la representación de
Euridice de Jacopo Peri. Supuestamente, entre los asistentes se encontraba
Claudio Monteverdi, miembro de la corte de Gonzaga. Debido al éxito de la
obra de Peri, Gonzaga pidió a Monteverdi componer una ópera basada en el
mismo mito y siguiendo el estilo musical de la escuela florentina.
El nombre que recibió la obra de Monteverdi no es baladí, ya que se llamó
Favola in musica. Fue compuesta por Claudio Monteverdi sobre un poema de
Alessandro Striggio para los carnavales en Mantua y fue estrenada en la Acca-
demia degl’Invaghiti en Mantua en febrero de 1607. El Orfeo monteverdiano
destaca por su poder dramático y su animada orquestación. Monteverdi junta
la monodia acompañada con coros, conjuntos vocales renacentistas y con una
orquesta de cuarenta instrumentos. Por tanto, esta obra, comparada con las
de Peri y Caccini, es mucho más destacable tanto por su variedad como por
su continuidad y por su interés musical.
Hay que destacar que la música de Monteverdi, al igual que la del círculo
florentino nace en buena medida como una reacción a la música vocal desa-
rrollada hasta entonces, una polifonía medievalista, exacerbada y complica-
da, que quiere ser sustituida, en gran medida, por la “monodía acompañada”.
El cantante recibe el apoyo de una serie de acordes y adornos efectuados
por un indeterminado conjunto instrumental. De esa forma, el texto y, por
tanto, la acción argumental y dramática adquieren el debido protagonismo,
huyendo de la complicación a la que llegó en cierto momento el arte de la
polifonía, de una increíble belleza, pero trasmisor de un mensaje poco inin-
teligible. Aunque el propio Monteverdi no renunció a determinados giros y
usos de fondo multivocal, sus composiciones suponen un paso decisivo hacia
el futuro de lo que hoy entendemos por música, sobre todo en sus conceptos
más académicos y teóricos, pues sería en este naciente Barroco cuando vi-
nieran a asentarse la armonía, las tonalidades, etc., elementos ya expresados
y utilizados conscientemente desde el siglo XVI.
Y si Monteverdi fue el primer gran operista, el Orfeo de Rossi llevó la ópera
a Francia, un lugar que supo adaptarla a su gusto y hacerla propia. El 2 de
marzo de 1647, Mazarino representa en París en el Palais Royal, ante Ana de
Austria y sus niños, incluyendo a un Louis XIV de 9 años, la primera ópera
representada en el reino galo: Orfeo, compuesta por Luigi Rossi en una rea-
lización escénica impresionante. Todo fue nuevo en estas representaciones:
el descubrimiento al público francés de los grandes castrati italianos, la mez-
cla entre “les violons du Roy” que comparten el foso con muchos músicos
italianos, una forma de tragicomedia que puso las primeras piedras de la
tragedia lírica francesa inventada por Lully, o incluso una maquinaria que
permitía cambios de escenario y proporciona una ilusión escénica hasta aho-
ra desconocido. Pero, sobre todo, una partitura de una riqueza sensacional,
alternando algunos de los más emotivos “lamenti” del siglo XVII, un gran uso
de conjuntos, y un recitativo increíblemente vivo.
El de Antonio Sartorio es un caso diferente y nos lleva a una plenitud del
barroco que estaba ya lejos de las intenciones de Monteverdi. Sartorio era
veneciano, ocupó el cargo de maestro de capilla en Hannover aunque eso no
le impidió viajes anuales a su ciudad donde por ejemplo estrenó este Orfeo
durante el carnaval de 1673. Su obra busca algo muy diferente de los orfeos
anteriores y va claramente buscando el éxito popular incluyendo unas 50
arias (breves, gracias a Dios) buscando entretener al público con su forma
favorita más que contar de nuevo la historia del pastor de Tracia. De hecho
aquí se incluyen muchos más personajes que en las óperas anteriores y se
busca un final feliz ajeno al protagonista. Las intenciones de que la música
sirviera al texto que inspiraron a Monteverdi estaban ya lejos y estamos ante
un espectáculo estereotipado en las formas del barroco de modo que hubo
alguien poco después que decició intentar volver esa servidumbre de la músi-
ca al texto; esa gran reforma la emprendió el autor que copa la segunda parte
del programa, Christoph Willibald Ritter von Gluck.
No es casual que Gluck en su interés por recuperar la sobriedad para la
ópera y librarla de los excesos del barroco volviera al tema de Orfeo. Gluck
demuestra por primera vez en esta ópera su intención de reformar la ópera,
tratando de que la poesía, el lenguaje y la acción dramática reflejaran la sen-
cillez y el poder de la tragedia griega. Orfeo y Eurídice es pues considerada la
primera ópera “de reforma” de Gluck, en la que intentó reemplazar la trama
abstrusa y la música de gran complejidad de la ópera seria por una “noble
simpleza” en la música y el drama. Vemos como de alguna manera hay un
movimiento de péndulo y los momentos en los que se intenta la vuelta a un
cierto “clasicismo sobrio” que ponga la música al servicio del texto es cuando
aparece nuestro Orfeo. Al final ¿qué más lógico en una ópera para que sea
verosímil que el hecho de que el protagonista sea un cantor? El libreto origi-
nal de la ópera de Gluck, sobre episodios de Ovidio y Virgilio, asombra por su
sencillez, claridad y extrema sobriedad. Se adapta a los pentagramas salidos
de la pluma de Gluck como un guante a su mano. Narra una breve parte de la
historia de amor entre Orfeo y Eurídice, la más hermosa y a la vez dramática:
de cómo al morir ella, Orfeo, trata de recuperarla, eso sí, con su final feliz
de nuevo y así nos encontramos melodías de una inmensa sencillez y belleza
donde la historia de Orfeo recibe un tratamiento musical tremendamente
coherente con el texto.
Tenemos, en resumen, en este concierto, un recorrido por un mito que
marca al final una buena parte de la historia de la ópera en su primer siglo
y medio de vida aproximadamente y en este recorrido no podemos por me-
nos que destacar a su principal protagonista, la figura del contratenor Philip-
pe Jaroussky, uno mas de los protagonistas de que la música antigua supere
las barreras de los públicos habituales en las salas de concierto y se convierta
en plato de gusto para un público mucho mas amplio.

Juan Carlos Galtier


Programa
EL MITO DE ORFEO
Extractos de:
Antonio SARTORIO 1630-1680 Luigi ROSSI c.1597-1653
L’Orfeo (Venice, 1672). Libretto: Orfeo (Paris, 1647). Libretto:
Aurelio Aureli Francesco Buti
Claudio MONTEVERDI 1567-1643 Christoph Willibald GLUCK 
L’Orfeo (Mantua, 1607) Libretto: Orfeo ed Euridice (Viena, 1762). Libretto:
Alessandro Striggio Raniero di Calzabigi

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PRIMERA PARTE Duración aproximada: 50 min
•••••••••••••••••••••••••
A. SARTORIO Obertura y dúo “cara e amabile catena” de la ópera “Orfeo”
C. MONTEVERDI  Aria de Orfeo “Rosa del Ciel”
“Io non dirò” recitativo de Euridice de la ópera “L’Orfeo” SV 318
L. ROSSI Aria de Eurídice “mio ben » de la ópera “Orfeo”
Dúo “che dolcezza” de la ópera “Orfeo”
Sinfonía de la ópera “Orfeo”
C. MONTEVERDI Aria de Orfeo “Vi ricorda o boschi ombrosi” de la ópera “L’Orfeo” SV 318
L. ROSSI  Gran escena y duo “m’ami tu?” de la ópera “Orfeo”
Aria de Eurídice y chacona “A l’imperio d’Amore”
A. SARTORIO Escena de Eurídice “Ohime Numi son morta!” 
Orfeo “è morta Euridice”
Escena “sombra de Eurídice y Orfeo”  
C. MONTEVERDI Sinfonía de la ópera “Orfeo”
“Possente spirto” Canción de Orfeo antes de Caronte, de “L’Orfeo”
Sinfonía de la ópera “Orfeo”
A. SARTORIO Escena Orfeo-Euridice 
•••••••••••••••••••••••••
SEGUNDA PARTE Duración aproximada: 40 min
•••••••••••••••••••••••••
C.W. GLUCK Extractos de “Orfeo y Eurídice”
Sinfonía
Duetto. “Vieni: appaga il tuo consorte”
Duetto. “Qual vita è questa?”
Aria de Euridice. “Tu sospiri!”
Duetto. “Ecco un nuovo tormento!”
Aria de Orfeo . “Che farò senza Euridice!”

Eurídice AMANDA FORSYTHE, soprano


Orfeo PHILIPPE JAROUSSKY, contratenor
I BAROCCHISTI
DIEGO FASOLIS, director

Clave “Alain Gotto” cedido por la Institución “Fernando el Católico”


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