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Semblanza de artista
Enrique Ciapara nace en la ciudad de Tijuana, B. C. en 1972. Desde temprana edad se acerca
a las artes, tomando perfil definitivo en el dibujo y la pintura. Se forma en talleres libres,
asiste al Colegio Soutwestern de Chula Vista, Ca. y a los estudios de diferentes pintores y
grabadores en Tijuana, como lo son Felipe Almada, Luís Moret, Fernando Delmar y la maestra
Marta Palau entre otros. Cuenta con varias exposiciones individuales tales como Ciapara, en
el Take it easy, San Diego Ca. (2010), Obra sobre Papel, en la Galería 256, Tijuana B.C. (2009),
Ciapara, en la Galería La Caja, Tijuana B.C. (2006), Detritus, en el Centro Cultural Tijuana
(2001), Enrique Ciapara, en la Galería 3art, Barcelona, España (1998), entre otras.
Colectivamente, expone en Obra Negra, una aproximación a la construcción visual de
Tijuana, en el Centro Cultural Tijuana (2011), 6ta. Edición de la Bienal Internacional de
Estandartes, en el Centro Cultural Tijuana (2010), Beyond The Border, Feria Internacional de
Arte Contemporáneo, San Diego Ca. (2010), Herma, en la Galería Vía Corporativo (2010),
Strange New World, Art and Design from Tijuana, en el Museo de Arte Contemporáneo, San
Diego Ca. (2006), y en varias bienales nacionales, tales como la III y IV edición de la Bienal del
Noroeste, Culiacán, Sinaloa (1991, 93), la VIII Bienal Plástica de Baja California, Mexicali B. C.
(1991), así como en varios certámenes como el Certamen Nacional de Dibujo Gregorio
Prieto, en Madrid, España. Obtiene el primer lugar en dibujo en la XV Bienal Plástica de Baja
California, Primer lugar en gráfica en la X Bienal Plástica de Baja California, selección de obra
y adquisición para el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego Ca. Mención honorifica
en el Concurso BID de pintura joven en México, y en pintura por parte de la IV Bienal del
Noroeste. Es acreedor a la Beca Creadores con Trayectoria y a la Beca Jóvenes Creadores que
emite el Fondo Estatal para la Cultura y las Artes. Selección de obra para la BWA Gallery en
Zielonga Goria, Polonia. Actualmente se prepara para su próxima residencia, en octubre del
presente año, en el estado de Oaxaca, vinculada al Museo Textil de Oaxaca.
MARTA PALAU BOSCH (Albesa, Lérida, 1934)
Título de obra: LOS QUE QUEDAN
Texto agregado: Cochimí – Cucapá – Kiliwa – Pai-pai. Teodora Cuero, Pascuala Saiz Domínguez,
Cruz Ochurte Espinosa, Onésimo González Saiz, Matías Portillo Saiz, Andrés Vega, Hipólita
Espinosa Higuera, Severiana Aldama Cuero, Teodoro Ochurte Espinosa, Paulina Vega,
Domingo Duarte, Clemente, Manuela Aguilar, Josefina Ochurte González, Eugenio Aldama
Cuero, Gloria Castañeda Silva.
Con la colaboración de Alberto Gassol, Enrique Ciapara, José Díaz, Hilario Hernández.
Fotografías de Alberto Gassol, Mario Castillo, Pablo Morales e Iraís Piñón.
Notas sobre la obra
Esta obra de formato mural se ubica en la salida del Museo de las Californias, y se
relaciona estrechamente con la temática histórica de la exposición.
Se compone por tres muros: los dos muros frontales se componen una serie de
retratos fotográficos transferidos por una técnica gráfica a los respectivos muros de
integrantes ancianos de las múltiples comunidades yumanas asentadas y distribuidas
en regiones de Baja California. El tercer muro al fondo asume un estilo compositivo
asociado al de una pintura rupestre: huellas de manos estarcidas en la superficie,
figuras antropomorfas distribuidas azarosamente.
La paleta de colores de la que echa mano la artista está asociada con los tonos cálidos
o calientes característicos de las regiones montañosas y desérticas de la península.
Entre otros elementos que se pueden distinguir son formas lineales verticales (que
sugieren figuras de escaleras) y formas irregulares azules (representación de agua).
El título de la obra hace referencia a la pérdida de identidades tradicionales yumanas
en las últimas décadas por diversos factores materiales (económicos, políticos,
sociales), que obligan a dinámicas de migración del terruño y procesos de
aculturación. Desde una perspectiva crítica, también nos remitiría a procesos
desiguales de resistencia cultural e identitaria.
Para estos grupos culturales, la vejez es sinónimo de sabiduría y conocimiento.
La tradición oral es un vehículo narrativo que tiene como objetivo reconstruir el
pasado común, cohesión comunitaria y construcción de identidad.
Otro de los vehículos que cohesiona a las comunidades originarias es la lengua
hablada. Actualmente las lenguas yumanas se encuentran vulnerables/vulneradas al
ser los hablantes, en su mayoría, adultos y adultos mayores.
Semblanza de artista
Hija de padres exiliados durante el franquismo comenzó a vivir en México desde 1940.
Realizó sus estudios de 1955 a 1965 en “La Esmeralda” escuela de pintura y escultura
del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) en la Ciudad de México. Viajó
a California y Barcelona para especializarse en la técnica del tapiz. Adicionalmente a la
tapicería, ha incursionado en la pintura, el grabado y la cerámica. Para realizar sus obras
utiliza elementos del land art, del arte povera, del expresionismo abstracto y del arte
popular. Algunas de sus obras reflejan su interés por la pintura rupestre de Baja California.
En la técnica de los tapices utiliza fibras vegetales mexicanas, y papel amate para algunas de
sus pinturas.
En 1968 fue miembro fundador del Salón Independiente, un proyecto artístico organizado
colectivamente como contestación en contra de la convocatoria del INBA a la "Exposición
Solar", que mostraría las tendencias del arte actual en México como evento paralelo a los
juegos olímpicos, en el contexto de la represión del movimiento estudiantil mexicano de ese
año.5 Algunos de los artistas involucrados fueron Helen Escobedo, Lilia Carrillo, Gilberto
Aceves Navarro, Kazuya Sakai, Manuel Felguérez, Vicente Rojo, Fernando García
Ponce, Brian Nissen y Arnaldo Coen, entre otros.
En 1995 publicó un libro infantil titulado Cueva Pintada, editado por el Consejo Nacional para
la Cultura y las Artes, en conjunto con el Centro Cultural Tijuana y Teléfonos del Noroeste.
En él narra una leyenda alrededor de los registros pictográficos rupestres de Baja California,
mismos que son objeto de las ilustraciones que la acompañan.
En 1996 organizó el primer Salón Internacional de Estandartes, que en sus palabras “surge
para introducir en circuitos internacionales a los artistas de Baja California, representantes
del vigoroso movimiento cultural que se ha manifestado en nuestra frontera durante los
últimos diez años."7 El Salón ha tenido tres ediciones: ES 96, ES 97, ES 98; posteriormente se
convirtió en Bienal: ES 2000, ES 2002, ES 2004 y ES 2006. Palau fue quien impulsó esta
recuperación del estandarte como técnica para abordar las problemáticas específicas de la
frontera. Además, el formato del estandarte con la peculiar museografía requerida para el
Centro Cultural Tijuana impuso a los artistas nuevas posibilidades y retos técnicos. Emilio
Carballido comenta: “A la inventora de todo, Marta Palau, al Centro Cultural Tijuana, les ha
tocado hacer algo nuevo. Eso les debe ahora el arte del mundo. Y por supuesto el arte de
México."
JOEL GONZÁLEZ NAVARRO (Ciudad de México, 1934)
Título de obra: SIN TÍTULO (ALEGORÍA HISTÓRICA)
Joel González Navarro es un artista plástico cuya obra empezó a exhibirse por primera vez
en la década de los años cincuenta, entre sus primeras exposiciones individuales resultan
significativas la realizada en el Club Campestre en 1961, en la Escuela Nacional de Artes
Gráficas en el D.F. En 1975 en las Primeras Jornadas Culturales en La Paz, Baja California Sur,
y en el Centro Cultural Tijuana en 1984, lo cual significa que es uno de los primeros pintores
que pudieron contar con una exposición individual "Retrospectiva" en el Cecut.
Texto agregado: “Hace algunos años, digamos tres, tuve una conversación con un viejo serrano, de los pocos
descendientes de los Kumiai; creo que se llamaba Juan. Dentro de todo lo que hablamos, me sumí en uno de
sus relatos, el que se refiere al inicio de la creación, un mito muy sencillo y lleno de magia heredado de
generación en generación.
Juan me dijo: “mira tú, los dioses dialogaron para que la tierra se poblara y se fueron creando las
cosas”. Se refería a los animales y a los hombres. Primero dijo: “los dioses formaron al coyote y lo pusieron
sobre la tierra como guardia de la creación; después se formó el borrego, el gato montés, el león y el pez. Todo
fue creándose y se creó la luna. Los dioses decidieron que, con la mezcla de estos animales, unido a la fuerza y
la luz del astro, se podía gestar un nuevo ser, parecido a mí -dijo y sonrió-, y se creó el hombre. El coyote es
guardián de la creación, acompaña al hombre, en su nacimiento y anuncia su muerte con un aullido”.
Juan preguntó: “¿tú no eres paisano verdad? Ya casi nadie lo es. Estoy triste porque antes, todo lo que
estas viendo era de nosotros”.
El mito no termina aquí. Sino la mujer pariendo al hombre solar, el nuevo hombre expresado por una
representación alegórica, que significa la fuerza del hombre actual.
Álvaro Blancarte
Esta obra se estructura de varios paneles a lo largo de la parte exterior del balcón del
vestíbulo de la Sala de Espectáculos.
La técnica de producción utilizada por Blancarte es similar al fresco, técnica a su vez
que nos remite al Quattrocento italiano o Renacimiento. La técnica del fresco
consiste en pintar “sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal, la
primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda
(intonaco) más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que
se van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por
jornadas (giornate, al plural; giornata al singular), de ahí su nombre. El fresco se
ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas
comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos
acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa
técnica se la conoce como fresco seco.” (Wikipedia)
Las semejanzas entre este procedimiento tradicional y la obra de Blancarte son: 1) la
cobertura de capas de mortero de cal y la aplicación del acrílico en su etapa húmeda;
2) su elaboración en jornadas de trabajo.
Las capas de mortero ofrecen relieve y textura a la obra, lo cual posibilita la ilusión
de roca o abrigo rocoso. En conjunto con las representaciones figurativas y
abstractas, fácilmente se realiza la relación con las pinturas rupestres encontradas en
la región de la península.
Respecto al título de la obra, éste alude a los mitos de creación de los grupos
originarios yumanos, en particular Kumiai.
Semblanza de artista
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