Clasicismo es la denominación historiográfica de un movimiento cultural, estético e intelectual,

inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Antigüedad clásica (simplicidad, unidad,

sobriedad, racionalidad, armonía, equilibrio de las proporciones,"el hombre como medida de todas las
cosas"), que se desarrolló de forma simultánea a los distintos estilos artísticos y movimientos literarios
de la Edad Moderna.

Se expresó en todos los dominios del arte, desde la literatura y la música en sus distintas
manifestaciones hasta las artes visuales.

Con respecto a lo musical, es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente

entre 1750 y 1820 por compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van
Beethoven. Tuvo sus grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheim y, sobre todo, Viena. Se
caracteriza por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad
plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto, concierto).

Características musicales

Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el
orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que
permite al oyente una gran facilidad de comprensión. Estos son los tres ideales de la música del
Clasicismo, que quedan plasmados en una nueva forma de componer.

La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música de
estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:

MELODÍA: Las melodías de Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el

Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una frase bien
diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción, cada frase
puede dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los compositores buscan
concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces tienen un papel de
acompañamiento, de soporte armónico.

ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se siguen
desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco tardío. Las funciones
tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra.

Gusto y estilos musicales

Numerosos estilos musicales coexistieron en el siglo XVIII, cada uno apoyados por fieles partidarios y
criticado por sus detractores. Cada país poseía distintas tradiciones y desarrolló una forma nacional
de ópera.

A pesar de esta diversidad de estilos, los escritores más destacados de mediados y finales del siglo
XVIII formularon el parecer predominante sobre aquello que en la música era lo más importante. En
lugar de la complejidad contrapuntística y de la prolongada melodía instrumental de la música
barroca, el público prefería y los críticos elogiaban una musica que contuviese una melodía concebida
vocalmente y en pequeñas frases sobre un acompañamiento sobrio. Los escritores sostenían que el
lenguaje musical tenía que ser universal, en lugar de limitado a las fronteras nacionales, y que
debería atraer a todos los gustos a la vez, del entendido al no instruido. La mejor música debería ser
noble y entretenida; expresiva dentro de los límites del coro y natural, libre de complicaciones
técnicas y capaz de deleitar inmediatamente a todo oyente sensible.

Terminología del estilo clásico: Se usa en algunas ocasiones para la música culta de todos los
períodos y en otra de manera más específica para el estilo de la segunda mitad del siglo XVIII. Existe
una razón histórica para esta ambigüedad. En el siglo XIX las obras de J.S.Bach, Händel, Hayden,
Mozart y Beethoven se consideraron clásicos de la música, de modo semejante a los clásicos de la
literatura o del arte, y formaron el núcleo de lo que hoy se conoce como repertorio clásico.

La Música Instrumental: La sonata, a sinfonía, y el concierto a mediados del sigloXVIII

La música instrumental era una forma de entretenimiento para intérpretes y oyentes. Agradar a los
intérpretes y atraer a un amplio público se convirtió en algo primordial para los compositores. El piano
sustituyó al clave y al clavicordio como instrumento favorito de teclado, mientras que nuevos
conjuntos de cámara, el más notable el cuarteto de cuerda, se desarrollaron para la interpretación de
música en sociedad. La sonata se convirtió en el género más destacado de la música para
instrumento solista y de la música de cámara, mientras que el concierto y la sinfonía dominaban la
música para orquesta. Todos estos géneros tenían raíces profundas en la música barroca, aunque el
nuevo idioma centrado en la melodía aportó formas nuevas para los movimientos individuales,
incluida la forma sonata.

Instrumentos y conjuntos

La música vocal desempeñaba una pluralidad de papeles sociales a mediado del siglo XVIII. Buena
parte de la música incluída la música para teclado, arpa o guitarra que se tocaba a solo, y la música
para conjunto que se ejecutaba como una actividad social, se escribía, adquiría e interpretaba para el
disfrute de propios intérpretes. Entre las clases medias y alta en particular, los aficionados tocaban a
menudo para la familia y los amigos.

Aunque se tocaron y fabricaron claves y clavicordios hasta principios del siglo ambos fueron cediendo
poco a poco su popularidad al pianoforte (en italiano: suave-fuerte) inventado por Bartolomeo
Cristofori (1655-1732). El piano permitía al intérprete cambiar el grado de dinámica y la expresión
mediante un toque y producir crescendos y diminuendos, contrastes repentinos y otros efectos.

La música para conjunto se escribía para numerosas combinaciones. Las más populares eran las
obras para uno más instrumentos melódicos, como el violín, la viola, el violonchelo o la flauta,
además de los instrumentos de teclado, el arpa o la guitarra. Cuando alguno de los segundos tocaba
el bajo contínuo, éste hacia de acompañamiento del instrumento melódico.

También era usual la música de cámara para dos o cinco instrumentos únicamente de cuerda,
especialemente el cuarteto de cuerda, para dos violines, viola y violinchelo. En estas obras, el primer
violín exponía con frecuencia la mayor parte del material melódico, mientras que el violonchelo
suministra el bajo y las voces intermedias rellenaban la textura. No obstante, sabiendo que a los
intérpretes le gustaba escucharse a sí mismos en extensos solos de varios compases, los
compositores escribieron también cuartetos concertantes en los que todas las voces tenían la misma
importancia, así como cuartetos en los que los intérpretes intercambiaban breves motivos como en
una conversación musical.
Géneros y formas

LA SONATA: Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo en el

principal modelo de composición para la música instrumental de la época. Se trata de una obra
musical compuesta para un teclado o para otro instrumento acompañado normalmente por un
instrumento de teclado. La sonata consta de cuatro partes denominadas movimientos. Cada uno de
esos movimientos se distingue por su tempo y por su estructura, distinta de los demás.

Rápido (Allegro) En la tonalidad principal

Lento (Andante o largo) En una tonalidad vecina.

Ligero (suele ser un Minueto) Tonalidad libre.

Rápido (Allegro o presto) Tono principal.

LA SINFONÍA: Podemos decir que es una sonata construida para una orquesta completa aunque de
manera más compleja. Tenía, en principio, tres partes o movimientos que luego se convertirán en
cuatro. Se considera a Haydn como el compositor que dio la forma definitiva a este género, aunque
los músicos de la Escuela de Manheim también desarrollaron este género en gran medida.

Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas para interpretar
sinfonías. Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por eso
hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas también tienen un
sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce como la heroica y la 101 de Haydn se
conoce como la sinfonía del reloj. Entre los mejores sinfonistas destacamos a: Haydn (con más de
100 sinfonías), Mozart (con 41 sinfonías) y Beethoven (con 9 sinfonías)

CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA: Es una forma musical basada en la

alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta. Generalmente, la forma del concierto es la
misma que la de la sinfonía pero prescinde del tercer movimiento.

Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va
a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la
Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de solista
era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos
(violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).

Compositores importantes Beethoven Ludwing Van (1770-1827 Alemania). Nació en Bonn, tuvo
una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y
violento, que al descubrir el talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de
piano. Más tarde sufriría la pérdida de su madre. En Viena conoce a Mozart, que no se entusiasma
mucho con el joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar
con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente.

Pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones de creación
musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen. En 1801 comienzan los
primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta
el conocido como Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio. De espíritu perfeccionista,
hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante
como cabría esperar. Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de compositores y se
proyecta hasta bien entrado el siglo XX.

Haydn Franz Joseph (1732-1809 Austria). Compositor austríaco. Junto a Mozart y Beethoven, es
una de las figuras claves del Clasicismo, considerado padre de la sinfonía, la sonata y el cuarteto de
cuerdas (aunque estas formas ya existían antes, fue él quien las desarrolló con éxito). De origen
humilde, estudia música con un pariente de apellido Frank y luego en Viena. Más tarde, recibirá
clases de Porpora, a través del cual conoce la obra de Gluck. Sin embargo, su mejor amigo fue el
joven prodigio Mozart, veinticuatro años menor que él. Fue profesor de Beethoven, pero no llegaron a
congeniar. Su talento maduró lentamente y fue modelo de la evolución del lenguaje artístico. Su
música se caracteriza por su buen humor y picardía, aunque también ha creado pasajes de gran
profundidad. Su amplio catálogo abarca 108 sinfonías, 68 cuartetos de cuerda, 47 sonatas para
piano, 26 óperas, algunas misas y un Stabat Mater.
Mozart Wolfgang Amadeus (1756-1791 Austria). Compositor austríaco considerado el más grande
genio de la música de todos los tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con
excelencia todos los géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y
la música de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo musical.
Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de composición y violín,
dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su hijo. Siendo niño, exhibió sus
habilidades interpretativas y creativas en Francia, Inglaterra, Holanda, así como en las principales
ciudades austríacas y alemanas. Su enorme catálogo alberga más de 600 obras, que empezó a
componer a los 7 años de edad. Otros músicos que ejercieron influencia en Mozart fueron Johann
Christian Bach, el padre Martini de Bolonia y Joseph Haydn.