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Artistas y sociólogos con cámara

Teóricos y artistas reivindican la fotografía como arte de los asuntos públicos y de construcción de
identidad
ÁNGELA MOLINA

29 ENE 2019 - 10:35 CET

La ficción es la condición para que lo NEWSLETTERS

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real pueda ser pensado”, sentenció el
filósofo Jacques Rancière a propósito
de la escritura y de cómo el poema
pone en escena un cuerpo en una
determinado contexto histórico. Al igual
que las palabras, la fotografía puede
cambiar nuestra percepción de la
realidad y transformar el mundo. La
imagen —analógica o digital— captura
cuerpos ficticios —el otro fotográfico—
y desvía a los cuerpos reales de las
identidades y funciones que les han
sido asignadas. Las fotografías de los

'White Angel Breadline' (1933), de Dorothea obreros marginados de los circuitos de

Lange.
producción de Lewis Hine, la madre
emigrante (Migrant Mother, 1936) de
Dorothea Lange, los pobladores de los astringentes pueblos del Viejo Oeste de
Paul Strand o los combatientes de Vietnam que se cuelan en los hogares felices
de Martha Rosler (Bringing the War Home, 2004) fueron desplazando
paulatinamente la función del arte como objeto autónomo al arte como medio
revolucionario, consumando el giro del artista como genio al “artista como
productor” (Walter Benjamin).

Pero como parecía inevitable, la condición dialéctica de la fotografía acabó

succionada por la norma. Las advertencias del filósofo alemán estaban en su
ensayo de 1934, donde anuncia el nacimiento de lo fotográfico a partir de la
alianza de lo literario y lo político, y alertaba del poder de la tecnología fotográfica
como medio de control y crítica: “Mientras el escritor experimenta su solidaridad
con el proletariado, solo como sujeto ideológico y no como productor, la
tendencia política de su obra, por más revolucionaria que pueda parecer,
cumplirá una función contrarrevolucionaria”.

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La idea de la obra como modelo de “un

arte que se enseña” estalló como una
supernova en los debates sobre la
posmodernidad (Sontag, Owens,
Foster), dando salida al aún más
influyente ensayo sobre la unicidad
publicado en 1935, traducido casi
contemporáneamente al francés y muy
tardíamente al inglés, en 1969, justo
hace ahora medio siglo. En La obra de arte en la época de su reproductibilidad
técnica, Benjamin habla de “un arte político que permite que el receptor se
transforme en productor”. La palabra debía salvar la imagen. Nadie había llegado
tan lejos.

Ejemplos de aquellas sospechas benjaminianas aparecen en las fotografías que

conforman la imagen universal de la América de los años treinta y que sirvieron
para representar el atractivo emocional, la eficacia y la naturaleza de
cauterización de la memoria. Las misiones fotográficas del new deal inauguraron
la cultura comercial urbana, el sueño americano de la rubia que deja volar
escandalosamente su vestido sobre una rejilla del metro. Se siente la brisa, ¿no
es delicioso?

El storyboard de 100.000 fotografías

impulsado por la Farm Security La fotografía puede
Administration (FSA) de Roy Stryker cambiar nuestra
se publicitó en exposiciones (The percepción de la realidad
Family of Man; MOMA, 1955) y y transformar el mundo
semanarios ilustrados (Life, Look) a la
manera de una superproducción
hollywoodiense, versión country de la
propaganda soviética. Dorothea Lange ayudó al comisario de la muestra del
MOMA, Edward Steichen, a reclutar fotógrafos para el proyecto. Firmemente
comprometida con los movimientos de emancipación social, Lange consideraba
sus fotografías documentos sociales, herramientas para otorgar el poder a las
clases populares. La exposición que ahora le dedica el Jeu de Paume hace
hincapié en su activismo y pone el foco en cómo construyó su fotografía más
conocida, la madre inmigrante como una virgen flanqueada por dos ángeles sin
rostro. La posición de Lange contrasta con Walker Evans y su predilección por las
fachadas de los edificios y las calles vacías de su contenido humano, como
escenas de un crimen (Eugène Atget). “Lo que usted tiene no son fotógrafos, sino
un grupo de sociólogos con cámara. El arte no es nunca un documento, aunque
puede adoptar ese estilo”, le recriminó a Stryker.

El valioso libro de ensayos y entrevistas de Jorge Ribalta, que titula

nostálgicamente El espacio público de la fotografía, actualiza aquellos
argumentos y reivindica la función de la fotografía como un arte de los asuntos

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públicos, construcción de identidad y de conciencia. “El potencial de objetividad

de un tipo de representación que permite comprender la complejidad social debe
ser defendido como instrumento de emancipación frente a la obsolescencia
programada de la posfotografía”, explica. Siguiendo a la teórica israelí Ariella
Azoulay, el fotógrafo y teórico barcelonés (1963) insiste en la condición rea​lista
de la fotografía como “un contrato social que, como tal, debe ser
permanentemente renovado”, y resalta la importancia del espacio expositivo
como “experiencia corporal que concede una visión expandida a la fotografía”, lo
que hoy llamaríamos “instalación”, un formato casi centenario que ya aparece en
los diseños de El Lissitzky para sus tres pabellones soviéticos en Alemania (1928-
1930) y que el propio Ribalta puso en práctica como comisario en la muestra
sobre Marc Pataut y el colectivo Ne Pas Plier (Primeras tentativas. Reina Sofía,
2018).

Esta renovada gramática de la fotografía basada en una concepción inmersiva y

dinámica le sirve al artista Pedro G. Romero para recrear en el MNAC las celdas
psicotécnicas de Alfonso Laurencic como parte de su Archivo F.X. Originalmente
diseñadas dentro de espacios sagrados por un excéntrico decorador, director de
orquesta y buscavidas, aquellas “chekas” eran habitáculos decorados con
diseños constructivistas y de la Bauhaus, donde los rojos torturaban
refinadamente a sus enemigos. Romero las acompaña de copias digitales y hojas
de libre circulación con fotografías y textos relacionados con la historiografía
artística del siglo XX. El décor dentro del museo ficticio del poeta-artista belga
Marcel Broodthaers, cuya obra significó un regreso a la intuición histórica de
Benjamin, cuando se preguntaba por qué el receptor se negó a ser lector para
convertirse en consumidor.

El espacio público de la fotografía. Jorge Ribalta. Editorial Arcadia-La Virreina. Barcelona, 2018.
324 páginas.

Habitación. El Archivo F.X. Las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte. MNAC.
Barcelona. Hasta el 28 de abril.

Politiques du visible. Dorothea Lange. Jeu de Paume. París. Hasta el 27 de enero.

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