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SUMARIO

ROCKAXIS 196
SEPTIEMBRE 2019

Mon
Laferte
Exclusiva con la reina de
la música pop nacional
Por César Tudela

14 38 60 66 100
Solar Slowkiss AIDF The Beatles Simón Soto
Entrevista con la La nueva vida del Las últimas Especial Entrevista al autor
banda que afirma proyecto de Elisa confesiones de #AbbeyRoad50 de la novela
su regreso con Montes en sus Emilio Fabar tras el Por Alfredo Lewin / Emilio “Matadero Franklin”
nuevo disco propias palabras fin de la banda Garrido / Pablo Cerda Por Felipe Godoy
Por Jean Parraguez Por Juan Pablo Andrews Por Andrés Panes / Bastián Fernández +
Fernanda Schell
Identidad Editorial

S
Dirección general: Alfredo Lewin e me ha hecho par-
Cote Hurtado ticularmente difícil
escribir esta editorial.
Editor: César Tudela Enfrentarse a la hoja
en blanco pensando
Comité editorial: Cote Hurtado en todas las cosas que
César Tudela
están pasando, que
Andrés Panes
fluyen e influyen directamente al medio
Staff: Claudio Torres y de las cuales podría reflexionar para
Héctor Aravena invitar al diálogo. Pienso también en
Francisco Reinoso nuestra portada y en usar este espacio
Jean Parraguez para una “defensa” de su elección, pero
no sería más que carne para los haters.
Colaboradores: Cristián Pavez Sin embargo, hay otro pensamiento más
Pablo Cerda fuerte en estos días. Una emoción per-
Juan Pablo Andrews sonal pero que, dado el sujeto en cues-
Felipe Kraljevich tión, rápidamente se vuelve colectiva. Por estos días, el recuerdo del querido
Rodrigo Bravo Hernán Angulo me ha acompañado, al conmemorarse un año de su partida. Y
Luciano González pienso en la última vez que nos vimos, justamente en la casa Rockaxis. No era-
Maximiliano Sánchez
mos particularmente amigos, nos veníamos conociendo hace algunos meses,
Carlos Navarro
Ilse Farías pero compartíamos una ideología similar. Era una relación más que entusiasta
Sebastián Chávez donde obviamente el pilar central era la música. Todas nuestras conversacio-
Alejandro Cisternas nes empezaban o terminaban con la recomendación de tal canción o tal disco.
Claudio Lara Siempre con una sonrisa en el rostro y con la convicción –y persuasión– que
Bárbara Sherman solo unos pocos tienen a la hora de sugerir una banda poco conocida sin que
Bastián Fernández venga adherida esa aura pedante de ciertos melómanos devenidos en profetas.
Felipe Godoy El Hernán distaba mucho de eso, por cierto.
Constanza Bustos Es más, al hablar de él con cualquiera que lo conoció, todos siempre llegába-
Amanda Muñoz mos al mismo principio fundamental que lo movía: su pasión por la música.
Emilio Garrido Y pasión más que amor porque a él la música lo emocionaba pero también le
Sebastián Allende dolía, de ahí su entrega sin límites. Entendiendo eso, uno comprende todas las
locuras y desafios que hizo por ella (y que muy pocos son capaces de hacer),
Estudiante en
práctica: Fernanda Schell desde las acciones personales como coleccionar vinilos, ir a festivales o pedir-
Christian Castro le playlist a los amigos, a crear fanzines, hacer radio y, tal vez, su legado más
grande: fundar Celadores, esa hermosa experiencia de crear comunidad en
Diseño: Claudio Torres torno a la música. Una iniciativa que partió como una aventura para promo-
cionar a bandas del under (como La Bestia de Gevaudan) y se transformó en
Fotografías: Peter Haupt una feria multicolor con puestos de vinilos, música en vivo y la edición de un
Juan Pablo Maralla disco (el “Dialéctica Negativa” de Asamblea).
Sergio Mella Hoy, en su perfil de Facebook reza un eslogán que dice “en memoria de” al lado
de su nombre. Ahí, aparece la última canción que compartió la noche que nos
Webmaster: Damián Illezca dejó: ‘La ciudad nunca duerme’, y pienso en qué habrá pensado cuando seguro
cantó “vivo como si la muerte no existiera”. Días antes, al compartir ‘Africa’ de
Casa-Estudio: Nacho Herrera Toto en Twitter, sentenciaba: “Cómo meter un coro que te dan ganas de con-
Av. Salvador 2549, Ñuñoa
quistar Angola y ganarle a Federer el mismo día”. La música le costó la vida al
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Hernán, pero también se la definió. Muchos aprendimos de él nuevos valores,
Diseño portada: Jean-Pierre Cabañas nuevos estándares; ayudó a pavimentar nuevos caminos, caminos de libertad,
Medu1a de respeto por la música en tiempos de odiosidad gratuita y al alcance de un
click. Pero el Hernán entendía el valor de su música mejor que cualquier otro
Todas las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva periodista o crítico que haya conocido. Y eso lo hará eterno.
responsabilidad de quienes las emiten y no representan,
necesariamente, el pensamiento de Rockaxis.
Todos los derechos reservados. César Tudela
-EDICIÓN MENSUAL-
Alfredo Lewin Cote Hurtado César Tudela Andrés Panes

“Revelations” (1982) “Family Jewels” (2005) “Fear Inoculum” (2019) “Gone Again” (1996) de
de Killing Joke de AC/DC de Tool Patti Smith
Aunque en retrospectiva no DVD compilatorio de vi- Dificil manejar las expectati- La muerte ronda por este es-
brille como lo más notable deoclips, material en vivo y vas luego de 13 años de espe- tupendo disco de la madrina
de los británicos, la falta de presentaciones en TV entre ra, pero lo nuevo de Tool fue del punk, inspirado por los
cohesión y dirección en este 1975 y 1991, donde vemos un golpe al mentón que deja fallecimientos de personas
disco le provee de un encan- la esencia única de Angus tambaleando antes de no- cercanas a su corazón, des-
to especial. Eran los locos 80 Young y compañía, con un quear. Quizás su disco más de su marido hasta Cobain.
con su movida gótica y Jaz Bon Scott en llamas en los dificil por lo híbrido de su Poco después de colaborar
Coleman tenía mucho que inicios y luego la masividad sonido. Una certeza: Danny en el álbum, Jeff Buckley
decir. junto a Brian Johnson. ¡Una Carey es de otro planeta. también dejó este mundo.
joya!

Jean Parraguez Héctor Aravena Claudio Torres Francisco Reinoso

“Sky at Night” (2010) “Árbol” (2019) de “Anthems to the Welkin “Diabulus In Musica”
de I Am Kloot Holman Trío at Dusk” (1997) de (1998) de Slayer
Lo inabarcable de la músi- Jazz, rock progresivo, folclor, Emperor Ninguneado a más no poder
ca británica da espacio para cueca y música mapuche se Celebrando su próxima vi- en la época, este disco de-
descubrir incluso bandas ya conjugan en el nuevo disco sita a Chile, este disco semi- muestra la importancia de
disueltas. Es el caso de I Am de Ernesto Holman, quien nal del black metal enarbola la visión de Kerry King y la
Kloot, que hace nueve años actualiza la tradición y la trae senderos verdes, húmedos banda a la hora de musicali-
lanzaron su último disco, a la altura de nuestros tiem- y oscuros, bajo una niebla zar el caos global sin perder el
una oda a la melancolía vía pos. El padre del bajo con- abrumadora; peor que una tiempo mirando al pasado.
dulces melodías, preponde- temporáneo se despachó un pesadilla, es una obra de arte.
rando lo acústico. álbum que ya hace historia. Las hordas llegan del norte.

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Pablo Cerda Juan Pablo Andrews Cristián Pavez Felipe Godoy

“Deliverance” (1994) “Days of the New” “9” (1999) de Mercyful “Persona” (2003) de
de Corrosion of (1997) de Days of the Fate Jirafa Ardiendo
Conformity New El último disco de los maes- El compromiso con la me-
Hace 25 años, el rock pesado Este debut fue una de las tros de la oscuridad, antes de lodía y la obsesión por
dominaba el medio gracias buenas caras que dejó el post su segunda separación, fue los detalles de cancio-
a una serie de lanzamien- grunge. Bonitas guitarras un gran regreso a sus raíces nes como ‘Mastodonte’ o
tos insuperables. COC no se acústicas, voces desgarradas malévolas. Esto abre el ape- ‘15.1.27.1.22.23.12.2012’, hacen
quedó atrás y lanzó esta se- y coros con pegada. ‘Touch, tito a su esperada vuelta el una gran relectura de Ra-
lección perfecta de riffs que peel and stand’ y The down 2020 y para el nuevo opus de diohead, y convierten a este
consolidó a su formación town’ merecen estar dentro King Diamond, “The Institu- álbum en una joya del pop-
clásica y que aún conserva de los infalibles compilados te”. Hail the King. rock nacional de inicio de
su magnetismo. noventeros. siglo.

Bastián Fernández Emilio Garrido Rodrigo Bravo Luciano González

“Impuesto de Fe” “A 18’ del Sol” (1977) “Hatebreeder” (1999) “Shout at the Devil”
(2016) de Babasónicos de Luis Alberto de Children of Bodom (1983) de Mötley Crüe
Para celebrar sus 25 años de Spinetta La segunda entrega de los Los chicos malos de Califor-
historia, la banda trasandi- Con foco en el jazz rock e in- fineses confirmó la sorpren- nia pavimentaron su camino
na decidió re-versionar sus fluencia de estandartes como dente mixtura entre black y al éxito con un disco agre-
clásicos y grabarlos en vivo. The Mahavishnu Orchestra, power metal. Un batatazo de sivo y oscuro, pero también
El resultado, un álbum irre- este es uno de sus discos más fines de los 90 que hasta hoy sencillo y atrapante. En esto
sistible que hace gozar de introspectivos e inspirados guarda clásicos inborrables último, influyó mucho el tra-
principio a fin. Los arreglos del Flaco en cuanto a letras en la trayectoria de una de bajo en guitarra del subvalo-
son sencillamente de otro y música, compuesto en uno las bandas más originales del rado Mick Mars y sus riffs.
planeta. de los momentos que más metal.
disfrutó.

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Ignacio Herrera Nicolás Saldivar Jean-Pierre Cabañas Ilse Farías

“Blood Divine” (2011) “Royal Blood” (2014) “Nattesferd” (2016) de “Sound & Colour”
de Recrucide de Royal Blood Kvelertak (2015) de Alabama
Un ya clásico del metal chile- Vintage pero actual. Sucio La juguera compositiva y só- Shakes
no que desborda brutalidad. pero elegante. Grandes cuo- nica de los noruegos es atra- Una joya de los tiempos ac-
Baterías galopantes, riffs ex- tas de rocanrol, groove, acti- pante, tanto en las escuelas tuales. Rock sureño, R&B,
tremos, bajo marcado y una tud y sabor por partes igua- previas a las cuales hechan soul y algo de funk, se mez-
voz directa como del mismo les. Un potente y necesario mano como en la honestidad clan junto a la potente voz
infierno hacen que sea un remezón de buen rock de de su propuesta. Se agrade- de Britanny Howard. Un dis-
álbum que no puede faltar guitarras que nos hacía falta. cen las transiciones de black, co de exquisito sonido, sin
en la discografía de quienes Gran debut de los ingleses. hard rock y punk, bajo elebo- grandes parafernalias, pero
amamos el death metal. radas melodías. totalmente visceral y de mu-
cha onda.

Bárbara Sherman Constanza Bustos Alejandro Cisternas Fernanda Schell

“Vulgar Display of “El Dilema del Origen” “Prender un Fuego” “Inevitablemente”


Power” (1992) de (2015) de Poseidótica (2018) de Marilina (2019) de Desvalijados
Pantera Un disco donde se muestra Bertoldi La banda chilena-argentina
Sin duda, uno de los discos un constante flujo musical Un álbum potente con un so- realiza un reencuentro con
emblemáticos dentro del de estructuras complejas con nido de lujo, un discurso ac- el hard rock clásico de los 80
groove metal, donde cada diferentes matices. Pasan tual, rabioso y con una carga con el blues más letras fres-
canción es una patada en de una atmósfera hipnótica erótico-musical tan palpable cas, directas y sencillas. En
el cráneo. Tremendo álbum submarina liviana a una os- que es imposible quedar in- cada tema entregan una re-
para recordar a los hermanos cura y pesada, desde lo pos- diferente. Radialmente fino flexión acerca de diferentes
Abbott: las leyendas Dime- tindustrial a una psicodelia y, a la vez, outsider, que lo situaciones.
bag Darrell y Vinnie Paul. atmosférica. odias o te maravilla.

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Dos décadas después, Solar vuelve a tener luz sobre sus
canciones. Tras celebrar los 20 años de “Play”, su alineación
original fue más allá y lanzó “El Tiempo”, álbum que surgió
por la necesidad de seguir juntándose los jueves en la
mañana a ensayar.
Jean Parraguez

«
La música hace lo suyo y puertas se abrieron. «Después de los cuatro
siempre hubo un espíri- shows, se acababa esa modalidad, pero na-
tu musical que animaba die quería abandonar. Decidimos en lo úni-
el trabajo nuestro, así que co que hacía sentido para poder continuar
imagino que eso se trans- preservando esto, era haciendo algo. Bajo el
mite de alguna manera y argumento que fuera, pero hacerlo», com-
con más perspectiva con el plementa, en medio de un alto en el ensayo
paso del tiempo», decía Alejandro Gómez general del lanzamiento en vivo de este tra-
hace poco más de dos años. El contexto era bajo, realizado a inicios de septiembre en el
el siguiente: tras veinte años, Solar reunía Teatro del Puente.
a su formación original, con el objetivo de
celebrar “Play”, uno de los títulos que los 90 ¿Fue muy difícil desempolvar la modalidad
nos entregó en materia nacional. Tan inte- “en el estudio”? Ya no se trataba solamente
resante e imaginativo como incomprendido de revivir viejas canciones, sino que ingre-
en su momento. Unas pocas y especiales ac- sar a un mundo nuevo.
tuaciones dejaron las cosas en su lugar, pero Alejandro Gómez: Fue un proceso largo, pero
activaron otras. El cantante y guitarrista no constante. Fue creciendo. Nos fuimos encon-
lo imaginaba entonces, pero la sed creativa trando con cosas y momentos que fuimos co-
de él y sus compañeros pedían otra oportu- leccionando, que no funcionaron de prime-
nidad, que se tradujo en “El Tiempo”, cuarta ras, porque surgieron ideas de una manera,
obra del conjunto y la segunda con el quin- pero terminaron de otra totalmente diferen-
teto fundacional. tes. Le dimos vuelta al asunto. Finalmente fue
«Básicamente fue la decisión consciente de como un hallazgo: cuando nos dimos cuenta
querer seguir juntándonos los jueves en la que teníamos algo, un sonido creado por las
mañana», asegura Gómez sobre cómo las mismas personas y los mismos integrantes

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originales que hicieron hace veintitantos ble era en sus mentes que algo así volviera
años el “Play”. Eso fue una motivación. a ocurrir?
Ricardo Contesse: Lo que quisimos fue vol- AG: Trasciende la línea del tiempo, porque
ver a encontrar ese momento en que uno es- (hacer el disco) era algo improbable que esto
taba componiendo. Porque nos encontramos fuera real y que pudiera ocurrir, incluso para
con las canciones, al sacarlas; pero también mí. Y ocurrió. Confirmo que no hay nada
debíamos encontrarnos con ese momento en mejor que este momento presente, de estar
que se hacían las canciones. No fue fácil. Nos haciendo un disco nuevo, de presentarlo en
tuvimos que encontrar. Las melodías llegaron vivo y tener la posibilidad de que sea con los
por sí solas. mismos de siempre, los miembros originales.
Es una experiencia en sí misma.
El tiempo no pasa en vano. Corría 1997 y
tras el concierto de Soda Stereo en el Es- La grabación de “El Tiempo” se realizó en va-
tadio Nacional –en que Solar fue escogida rios estudios, durante septiembre, octubre,
como banda de apertura–, la formación se diciembre y enero pasado. Para que el sentido
desmembró. Solo Gómez y José Domínguez de familia quedara más asentado, Barry Sage
siguieron, con formación inédita, entregando –productor inglés que siempre estuvo ligado
dos títulos más: “Sábado” (2001) y “Sentido al trabajo del grupo y que desde hace algunos
Común” (2003), para luego terminar el ca- años vive en Chile– trabajó como ingeniero
mino con un emotivo recital en Matucana y productor. «Él es nuestro Bielsa», aseguran
100. «Hubo algo de desazón para entonces, en la banda. «Creo que hay cierto espíritu
pero lo importante siempre fue la música, así detrás de las cosas, que haga sentido para los
que eso siempre sirvió como vía de escape y humanos que participan en ella. Esto es un
sanación. Sólo así pudimos grabar otros dos logro colectivo, porque por primera vez soy
discos más», aseguró el también líder de Ala- intérprete de letras de otros. Y eso ha sido
medas a Rockaxis hace un tiempo. Lo cierto para mí una gran experiencia, más de lo que
es que las bondades de “Play” fueron enten- yo imaginaba. Todo es una cápsula de un mo-
didas por varios mucho tiempo después. Vale mento, de un refugio. No es fácil prender esta
decir esto porque la banda que escuchamos llamita», reflexiona Gómez.
en “El Tiempo” no es la misma por motivos
obvios. Todos han crecido y por eso lo colec- Eso que dices se puede notar en ‘Arpegio’,
tivo fue un aliado primordial y la mecánica en la que tu labor de cantante pasa a Ri-
de seguir reuniéndose a ensayar los jueves cardo.
en la mañana selló la química. De hecho, la RC: Las sesiones se convirtieron en lugar de
composición de su contenido fue una tarea composición. Fue todo muy en grupo. De ahí
efectuada entre todos. «Cierto espíritu se for- salió una idea y nos envalentonamos para
mó, que tuvo que ver más con una conexión cantar esta canción. Fue saliendo y fue bacán
que con un “oye, tenemos algo”. Esto no es cómo nació. Personalmente fue también me-
un ejercicio de estilo, aquí se manifestaron terse más, fue algo nuevo esto de cantar y es-
personas», apunta el cantante. tar en ese rol. Salió una sesión súper bella.

Lucen tranquilos hoy, pero ¿qué tan proba- ¿Cuál era la apuesta para ustedes en “El

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Tiempo”? mente desde lo emocional, incluí en un mail
RC: La única forma de estar a la altura de los a Alejandro y Arturo, porque para mí siempre
tres discos anteriores era hacer este desde la fueron parte de Solar. Es como cuando los
completa honestidad y libertad, en una espe- Beatles llevaron a Billy Preston. Fue clave en
cie de atrincheramiento. Ser unos locos que el desarrollo.
se atrincheraron en las calles, pusieron unas
barricadas y dijeron “No, hasta aquí. Aquí lo ¿Cómo fue “delegar” tu rol de compositor,
vamos a hacer”. Eso de la trinchera tiene que Alejandro? Las letras eran tu territorio, pero
ver con trabajar de una manera que quizás en este disco fue un rol de todos los miem-
no es la manera que hoy es la que manda. bros de Solar.
Por otro lado, es del presente y no desde la AG: En este proceso, jamás me he arrojado el
nostalgia. Es bonita la idea de un álbum para derecho de decir que “estas canciones surgie-
nosotros, de coleccionar. Es como una obra ron porque...”, como si hubieran surgido des-
teatral, dramática. Tiene obertura, tensión. de un rincón personal. Lo que prima es solo
Sube y baja. Eso se hace con un grupo de can- el encuentro nuestro. Es como decirte que
ciones que constituyen un álbum en ninguna de las canciones de este álbum
AG: Tiene que ver con atesorar el presente, hay un solo autor. Hay un ente, un espíritu.
que no se vaya. Hacer el recorrido de cada El songwriter somos todos. Hay un proceso
canción. Es como cuando un amigo querido nuevo de conexión con la música donde las
tuyo te muestra una canción y la escuchas letras aparecieron en la segunda instancia.
desde el principio al final. Admiro las canciones de este disco porque
parecen hechas por un ente, como si hubie-
Las canciones de “El Tiempo” suenan a So- ra un songwriter detrás. Y resulta que somos
lar, pero a un nivel más intimista. La tradi- todos nosotros.
ción inglesa sigue ahí porque crecieron es-
cuchándola. Son como unos The Verve más “El Tiempo” se puede escuchar en formato di-
reposados, si se quiere, pero con el ADN de gital, aunque los músicos aseguran que habrá
la épica, desatado en instantes muy intere- una edición física. «Nunca he tenido un disco
santes como ‘Caso especial’ y ‘El final’. «Creo mío en vinilo», dice Gómez, entusiasmado
que el mid-tempo aparece como reflejo de con la posibilidad. El futuro de Solar está muy
nosotros, de nuestra edad, amigos que nos ceñido al disfrute. No existe la urgencia del
juntamos a hacer la música que nos gusta», triunfo mediático, tan solo el goce de poder
relata Contesse. componer, ir al estudio y de la convivencia
de músicos que son amigos antes que todo.
En realidad, Solar hoy es un septeto. Están Una actuación en La Batuta es todo lo que
ustedes cinco, además de Arturo Figueroa hay de aquí a fin de año, pero no se cierran a
y Alejandro Gatta, habitantes del universo la posibilidad de salir a regiones. El presente
del grupo hace bastante tiempo. ¿Cómo se se toma con suma naturalidad, al igual que
dio su inclusión en esta etapa? el futuro. Cuando se les pregunta por su plan
AG: Venía el tercer intento en el estudio. Y más inmediato, la única respuesta es «nos
por una razón que no recuerdo, pero segura- juntaremos el próximo jueves».

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Cristián Pavez

Desafiando a la mala suerte y dejando de lado cualquier


cábala supersticiosa, la banda californiana lanza a través
de Roadrunner/Elektra “The Nothing”, su disco número
13, el viernes 13 de septiembre, presentando 13 nuevas
canciones que ponen fin a tres años de silencio discográfico
y demostrando que, tras un cuarto de siglo de trayectoria,
siguen haciendo lo que se les da la gana sin mirar atrás.

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T
rabajando nuevamente propia existencia. Hay un reino pequeño y
con el afamado y reco- milagroso dentro de este vórtice y es el único
nocido productor Nick lugar donde existe el equilibrio entre estas
Raskulinecz (Rush, fuerzas dinámicas y polarizantes, donde el
Ghost, Foo Fighters, alma encuentra su refugio. Bienvenidos a la
Mastodon), tal como lo nada».
hicieron en su anterior Sin duda, todos alguna vez hemos percibido
álbum “The Serenity of esas sensaciones alienantes que tan bien des-
Suffering” (2016), el quinteto liderado por el cribe Davis, donde sentimos que no tenemos
cantante Jonathan Davis y secundado por los el control de nada y que una fuerza mayor
guitarristas James “Munky” Shaffer y Brian nos tiene atrapados bajo sus designios, y can-
“Head” Welch, el bajista Reginald “Fieldy” ciones como ‘You’ll never find me’ y ‘Cold’,
Arvizu y el baterista Ray Luzier, pone sobre presentadas como singles de adelanto del
la mesa una ecléctica colección de cancio- disco, reflejan precisamente esa frialdad exis-
nes con una camaleónica gama cromática de tencial automatizada donde pareciera que el
colores, sonidos y texturas, donde se refle- mundo se reduce a defender con dientes y
jan todos los dolores y miedos internos en uñas ese metro cuadrado donde nos sentimos
el siempre atormentado discurso de Davis, a salvo de toda la violencia física y sicológica
pero también, haciendo un paralelo con los del mundo exterior.
convulsionados días en los que vivimos, rei- Musicalmente, “The Nothing” es un abanico
nados por la incertidumbre. cambiante que refleja todas las etapas mu-
Pero quien mejor que el propio Jonathan Da- sicales que ha atravesado la banda, por ello
vis para describir con precisión el sentimien- esas gaitas al comienzo de ‘The end begins’
to generalizado detrás de este disco: «En lo no están puestas al azar, mucho menos las
profundo, dentro de nuestra tierra vive una sofocantes guitarras y el bajo sincopado en
fuerza extraordinaria. Muy pocos son cons- la marchosa y agresiva ‘Cold’. Siempre se dice
cientes de la magnitud y el significado de este que cuando los artistas están encabronados,
lugar donde el bien y el mal, la oscuridad y la molestos o enojados es cuando crean su me-
luz, la dicha y el tormento, la pérdida y la ga- jor arte. Alguien alguna vez dijo eso de que
nancia, la esperanza y la desesperación, exis- «es mejor componer una canción, pintar un
ten como un testigo silente en cada momento cuadro o escribir una poesía, que disparar
de nuestras vidas. No es algo que podamos una pistola», y esa ira se plasma desde las
elegir, pero estamos conscientes de que esta entrañas de Davis en canciones como ‘The
“presencia” nos vigila en cada respiración, darkness is revealing’, ‘The ringmaster’ e
como si nos estuvieran observando en todo ‘Idiosyncracy’ (donde se percibe la esquizo-
momento. Es el lugar donde las energías en frénica influencia de Devin Townsend), que
blanco y negro se unen a nuestras almas y son parte del mejor material que Korn ha
dan forma a nuestras emociones, elecciones, creado en la última década.
perspectivas y, en última instancia, a nuestra Si la música ya es lo suficientemente des-

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criptiva de estas oscuras emociones, en el as- Estaba llena de vida y alegría y hacía lo que
pecto visual no se quedan atrás. A mediados fuera por compartir eso con los demás. In-
de julio estrenaron el impactante video de tenté esconder lo que ocurría para proteger-
‘You’ll never find me’, un clip épico que estu- la, pero dada esta tragedia que ha golpeado
vo a cargo del director experimental letonés a mi familia, siento que es el momento de
Andzej Gavriss, que nos muestra la amenaza compartir la verdad con todos ustedes. Ella
y beneficios de la bio-ciencia. No menor es es la razón por la que he luchado tanto por
el impacto del video de animación de ‘Cold’, aquellos que tienen problemas con la salud
que grafica de buena forma la opresiva y as- mental. Quiero que su historia inspire a la
fixiante sensación general que recorre todo
el álbum.

La maquinaria
de expiación de
Jonathan Davis
Quizás la catarsis que significó su primer
disco solista “Black Labyrinth” (2018) y su
respectiva gira solista no fue suficiente para
Jonathan Davis, aunque ya había experimen-
tado en terrenos fuera del quinteto cuando
dirigió la banda sonora de la película “Queen
of the Damned” (2002), donde compuso can-
ciones para otros vocalistas como David
Draiman (Disturbed), Chester Bennington
(Linkin Park), Wayne Static (Static-X), Jay
Gordon (Orgy) y Marilyn Manson, además
de su hobby como DJ (bajo el apelativo de
JDevil). Parece ser que solo cuando está bajo
la escafandra de Korn, el vocalista logra sacar
toda esa ira contenida. Recordar que en el
último año tuvo que afrontar la muerte de
su esposa Deven (de 39 años), debido a una
sobredosis accidental de remedios y que uti- gente para buscar ayuda y no tener miedo
lizaba para palear una enfermedad mental de su enfermedad».
combinada con drogas duras. Al respecto, el A mediados de septiembre de 2018, Davis re-
cantante quiso compartir su trágica expe- gresó a los escenarios con Korn para dar una
riencia buscando crear consciencia sobre la emotiva presentación en el teatro The Maso-
importancia de cuidar y tratar la salud mental nic en San Francisco como parte del 20º ani-
de las personas y también para que se modi- versario del exitoso “Follow the Leader”. En
fique la Ley 5150 de California para que dé varias ocasiones, Jonathan lloró por la muerte
más cobertura y protección a los ciudadanos de su esposa, y en la canción ‘4U’, le dijo a la
en esta materia. «Mi mujer estuvo muy, muy audiencia: «Esta era la canción favorita de mi
enferma durante la última década. Tenía una esposa. Lo siento». Toda esta tragedia tam-
enfermedad mental muy seria y sus adiccio- bién es una parte fundamental en el proceso
nes eran un síntoma más. Cuando podía ser creativo (dadas las circunstancias, más bien
ella misma, era una esposa increíble, una del proceso catártico y terapéutico) de Davis
madre increíble y una amiga increíble. De- en “The Nothing”. Quizás, por esa misma ra-
ven tenía un gran corazón y nunca hubiera zón es que hay mucho corazón y dolor puesto
hecho daño a propósito ni a sus hijos ni a en el disco, lo que decanta en que, sin dudas,
nadie a quien ella quisiera. Era una persona estamos en presencia del mejor y más hones-
cariñosa, desprendida, afectiva y divertida. to álbum de Korn en la última década.

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GRITO PRIMAL A LA CARGA
Lunes 10, 17 y 23 hrs. Martes 10, 17 y 23 hrs.
Repite sábado 16 hrs. Repite domingo 16 hrs.
Conduce: Cristian Pavez Conduce: Alfredo Lewin

4x4 REBELION SONICA


Martes 15 hrs. Repite Jueves a las 10 y 15 hrs. Miércoles 10, 17 y 23 hrs.
Y domingo a las 12 hrs. Repite sábado a las 12 hrs.
Conduce: Cote Hurtado Conduce: Héctor Aravena

NO NECESITAMOS BANDERAS BULLDOZER


Jueves 19 hrs. Jueves a las 23 hrs.
Repite domingo a las 20 hrs. Repite domingo a las 00 hrs.
Conduce: César Tudela Conduce: Rodrigo Bravo

RADIO CLASH Escúchanos en:


rockaxis.com/radio o rockaxis.fm
Viernes a las 10, 17 y 23 hrs. Desde mobile en la App de TuneIn.
Repite sábado a las 20 hrs. Podcast en Spotify, Itunes, Mixcloud y Subela Radio
Conduce: Alfredo Lewin
Juan Álvarez y una vida
dedicada al rocanrol
Luciano González Ante la inminente llegada de un nuevo trabajo para este 2019,
Fotos: Juan Pablo Maralla conversamos con el emblemático Juan Álvarez sobre su historia junto
a uno de los mayores emblemas del rock pesado nacional, Panzer (en
donde además comparte escenario con su hijo, Kano) y sobre el legado
de Semillero Rock, escuela de instrumentos y sala de ensayo que ha
mantenido por casi cuatro décadas, en donde se ha formado parte

C
importante de la escena local.
orría 1987. Tras salir ción, que su empuje no cesará ni ahora ni
de Feedback junto a nunca. Además, recientemente se lanzó una
la mayoría de la for- nueva edición de “Tierra de Metales” (1989),
mación, Juan Álvarez bajo el sello europeo Metal Warning, que llevó
decide formar su gran a vinilo aquel ya clásico casete debut, además
banda propia en un de volver a una mayor actividad en vivo, tras
100%, como lo define. periodos de shows intermitentes.
Dicha agrupación le Pero la historia tanto de Juan como la de su
daría no solo el apodo con que se le conoce banda comienza mucho antes. Previo a su
hasta el día de hoy –Juan Panzer–, sino que reconocimiento, Álvarez se ganó un nombre
lo llevará a recorrer escenarios de todo Chile, en la naciente escena nacional con la funda-
teniendo además el honor de abrir importan- ción de Semillero Rock, un lugar destinado a
tes shows internacionales como los recorda- la enseñanza de instrumentos a jóvenes de la
dos debuts en suelo patrio de Megadeth, Iron época motivados por el heavy. Funcionando
Maiden y AC/DC, junto con formar parte de desde 1980 y haciendo honor a su nombre, el
festivales como el Monsters of Rock 1998 y espacio ha sido cuna de un gran número de
representar a nuestro continente en el Le- agrupaciones locales, entre las que destacan
yendas del Rock en España. Dorso y Chronos. «Esos niños chicos habían
Al día de hoy, Panzer ya prepara su nuevo crecido como intérpretes, como talentos. Toda
material de estudio titulado “Anticorrosivo”, esa gente que vivió esa convivencia de tantos
que verá la luz durante este semestre y del años la tomaron como parte de su vida. Como
cual ya hay adelantos. De éstos, destaca ‘Fu- yo con Panzer. Eso empezó con los grandes
ria’, cuya letra ratifica una vez más la actitud nombres del metal que han trascendido en la
de la banda dentro del círculo y asegurando, historia no solo de Chile, sino que también
tanto con el título del álbum como de la can- han llegado afuera», declama Juan.

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27
Tras varios eventos en conjunto en el recor- tro de lo más pesado fue Judas Priest. Tengo
dado gimnasio Manuel Plaza, Panzer lideró mucha influencia de ellos en mi música, igual
el lanzamiento de “Infierno Rock”, el primer que de Black Sabbath. Tengo un tema que
álbum compilatorio de metal chileno. «Nunca se llama ‘Fuera de control’ al que le faltan
me refiero tanto a quienes estuvieron ahí y las puras campanas para ser el tema ‘Black
quienes no, porque la gente crece, y se han Sabbath’ (risas). Son composiciones que uno
ganado su lugar ellos solos, no porque hayan va adaptando, igual que los músicos de ahora
estado en este disco o no», cuenta. Pese a que adaptan música de otras épocas. Después
todo, sigue considerando que aquel compi- de eso, ya en los 90 Megadeth fueron una
lado ha sido una influencia para la escena fuerte influencia».
hasta el día de hoy, mostrando un apego a

De tal palo…
dicho trabajo que va más allá de lo musical.
«De repente lo escucho y me acuerdo de las
circunstancias, de cómo se hizo y de cómo
nací con Panzer. Escucho Feedback también, En 1992, el puesto de bajista de Panzer sería
que para mí todavía es parte de una pasión. ocupado nada menos que por el hijo del fun-
Lo antiguo también, Tumulto, Arena Movedi- dador, Alexander “Kano” Álvarez, debutando
za, Aguaturbia. De hecho, Carlos Corales fue en el lanzamiento del compilatorio “Latinos
mi profesor. Él era como Jimi Hendrix con y Metálicos” en el Estadio Obras de Buenos
su banda, en los tiempos que a mí me volvió Aires. Posteriormente, pasaría a la segunda
loco. Tomé clases con él, hasta el día de hoy guitarra por petición de su padre, siendo su
es mi maestro y un gran amigo». primera vez en las seis cuerdas y presentán-
dose en otro evento de gran magnitud: el
Dentro de lo internacional, ¿cuáles serían Monsters of Rock 1998, junto a Slayer, He-
tus influencias de mayor peso? lloween, Anthrax y Criminal.
Los Beatles fueron los que me hicieron ver «Las historias de Kano son tan importantes
una línea de vida. Andaba siempre con la como las mías», asegura Juan. «Nadie creía
guitarra acústica y me ponía a tocar en to- que tocaba bajo», agrega por su parte Kano,
dos lados, me sé todos sus temas. Después refiriéndose a su corta edad. Ya por entonces
estuvo Hendrix con su rock ácido y de ahí, se codeó con importantes nombres locales
el primer grupo que me impresionó ya den- y también con reconocidos exponentes del

28
heavy metal argentino, destacando entre ellos Aprendí con eso a respetar las canas de las
a Walter Giardino y el fallecido Pappo. «Kano personas, que es lo que no sucede con la gen-
es mi primogénito y desde chico tuve que an- te joven en este momento».
dar con él. Cuando fuimos al lanzamiento de
“Latinos y Metálicos” a Argentina en el 91,
nuestro bajista se bajó por otros asuntos y el
Kano se sabía todos los temas. Él tenía otra
Juan Semillero
banda, Overdrive. Ahí le pusieron “El Benja-
mín del rock”, porque tenía 15 años. Así que Más allá de lo logrado con su banda, Juan
tuve que sacarle el permiso en la embajada afirma que su mayor orgullo es la huella de-
para viajar y todas esas cosas». jada a través de Semillero Rock, ya que desde
ahí ha podido fortalecer la escena del heavy
Kano, tras tantos años juntos, más allá de nacional. En sus palabras, fueron los propios
la relación padre/hijo, ¿tienes alguna ex- alumnos de Panzer los que empezaron a or-
periencia que más destaques dentro de su ganizar sus conciertos, y siendo músicos que
unión musical? habían aprendido en el Semillero, pasaron
Uno de los orgullos más grandes que me dio sus conocimientos constantemente, forman-
mi viejo fue darme la difícil misión de tocar do a varios de la posterior nueva generación
las canciones de Lágrima Seca, que en esos del metal chileno en los 90. «Uno tiene que
años eran como Cream. Como tocaba hace aprender de lo que otros han hecho antes y
harto tiempo bajo me dije “esto es papa”. Y me seguir una línea que beneficia a la escena na-
enfrento a mi viejo y al resto de la banda en cional. Eso me ha hecho feliz. Incluso he sido
el primer ensayo, con los temas aprendidos más feliz con el Semillero que con Panzer,
igual a como los tocaba Jack Bruce, pero sin porque me ha dado más felicidad a nivel de
onda. El batero para el ensayo a los 40 segun- historia. Panzer es mi pasión, pero el Semi-
dos de haber empezado y me dice «no puedo llero me ha dado la vida».
tocar contigo así», y todos dijeron lo mismo.
«Está perfectamente ejecutado, pero no tenís ¿Cómo definirías lo que has logrado en todo
la onda de los 70», dijo mi viejo, y tuve que este tiempo, tanto con Panzer como con Se-
aprender eso en tres semanas. ¡Y fue espec- millero?
tacular! Tocar Cream, Blind Faith, me mandé Siempre he sido un gremialista de esta cul-
un solo de bajo inspirado en ese batero que tura. Si tengo ganas de hacer mi historia, la
paró el ensayo. Aprendí otra técnica, a tocar hago. Mi placer es tocar en los escenarios
de otra forma. Partí con el Black Sabbath de que soñé cuando chico. Nunca pensé que
los 80 con Dio y con el “Kill ‘em All” de Meta- tocaría con AC/DC, por ejemplo. El chileno
llica. Esas fueron mis inspiraciones, pero Juan no tiene la idiosincrasia del argentino, no
me mostró todo ese mundo de los 70 enton- se cree el cuento. Dentro de esta historia,
ces nuevo para mí. Aprender a tocar como el he logrado sobrevivir más allá del cuento
maestro Jack Bruce. Claro, lo imitaba la raja del chico, del guatón y todas esas cosas. He
en el momento, pero sin onda. Aprender eso, logrado sobrevivir solo con mi talento, ha-
cuando Juan me dio esa responsabilidad, fue ciendo música, haciendo discos y haciendo
muy difícil pero lo hice con mucho respeto. cultura».

29
Felipe Godoy

Es sabido que el clima autodestructivo bosquejado por Trent


Reznor en “The Downward Spiral” (1994) era más que una
mera metáfora. Mr. Self Destruct se encontraba realmente
metido en el ojo de esa espiral descendente, y las cosas no
mejoraron durante los dos años en que la banda estuvo
girando al nivel de un grupo que pasó a formar parte de la
realeza del rock alternativo, en pleno apogeo del estilo. “The
Fragile” fue el álbum que le entregó un balón de oxígeno
a Trent Reznor en su época más difícil, aunque no sería
suficiente. Estas son algunas notas sobre su proceso creativo.

32
33
do de búsqueda de inspiración en Big Sur,
I. Somewhat damaged

A
California –a sugerencia de su amigo Rick
Rubin–, el proceso compositivo de “The Fra-
l final de la gira de gile” comenzó realmente en Nothing Studios,
“ Th e D ow nwa rd el centro de operaciones de Reznor ubicado
Spiral”, su álbum en New Orleans, acondicionado en una ex
más exitoso a la fe- funeraria y cuya puerta de entrada era ni más
cha, Trent Reznor no ni menos que la de la casa donde la familia
quería nada con su Manson (Charles) mató a Sharon Tate, que
música, y para dis- Trent “recuperó” durante su estancia ahí para
tender esa presión, se grabar el disco anterior. Aparte de pelear con
abocaría a tareas como producir “Antichrist Manson, había perdido a su abuela hace poco
Superstar” (1996) –el álbum que catapultaría a –quien lo crió desde los seis años–, por lo que
la fama a Marilyn Manson, su amigo y prote- el disco vino a comenzar un largo proceso de
gido en ese entonces– , o el imperdible soun- sanación. «De a poco estaba comenzando a
dtrack de “Lost Highway” (1996), la película amar la música de nuevo, sentía que venía
de David Lynch. Meses más tarde, colabora- saliendo algo dañado del proceso de “The
ría con David Bowie en su single ‘I’m afraid Downward Spiral”, por eso no quería hacer
of americans’ (1997), una canción que, si bien un disco que fuera rudo, quería que fuera
no compuso, sí le generaría cierta conexión frágil en su naturaleza. Y así el título fue lo
con su estado emocional de entonces, cuando primero que surgió».
declaraba sentirse especialmente paranoico
y desconfiado de las personas. Poco después, II. Underneath it all:
la esencia de “The
de hecho, diría sin muchos tapujos a Rolling
Stone: «mis mejores amigos me dieron la es-
palda (…) Un grupo de gente con la que com-
partí un tiempo, con la que grabé un álbum, y
Fragile”
que su nombre tiene dos palabras y empieza
«Si se escuchaba en el orden incorrecto, el
con M». Difícil no captar la indirecta.
álbum podía perfectamente convertirse en un
Luego de pasar por un poco fructífero perío-
ají en el culo». “The Fragile” es un disco doble

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de 23 tracks, aproximadamente 104 minutos del impresionismo).Este cambio también re-
de duración y que aparte de las canciones quirió de músicos diferentes. Aparte de con-
agresivas y dinámicas de siempre, contaba tar nuevamente con la aparición estelar de
en su columna vertebral con un puñado de Adrian Belew y sumar a Page Hamilton en la
hermosas composiciones de vocación más guitarra de algunas canciones, quien se roba
ambiental, con extensos pasajes instrumen- la película y ayuda ostensiblemente a definir
tales (‘The day the world went away’, ‘La el “sello Fragile” es el pianista Mike Garson,
mer’). Claramente, esta vez las canciones es- colaborador histórico de David Bowie (su apa-
taban hechas para formar parte de un todo rición en ‘Just like you imagined’ es sublime).
que contaba una historia, pero el relato no La lista de colaboradores que aparece en los
estaba fácil de hilar y fue necesario llamar a créditos es tremenda, inflada principalmente
un experimentado como Bob Ezrin para esa por los integrantes de “The Buddha debutan-
tarea. «Lo más importante cuando construi- te choir” y “The Buddha boys choir”, quienes
mos experiencias de escucha continua es de- no son más que un montón de parroquianos
finir las cuatro esquinas del álbum primero del Buddha Belly Bar –ubicado justo al frente
–el inicio y el fin del primer y segundo acto– de Nothing Studios– invitados por el mismo
y al mismo tiempo lograr autenticidad en el Reznor cuando necesitó voces adicionales.
trayecto entre cada punto», contó el produc- Así que, sí: los majestuosos y solemnes co-
tor. Sobre el hilo conductor, Trent agregaba: ros de ‘The day the world went away’ fueron
«”Downward Spiral” era sobre ir quitando hechos por debutantes y entusiastas muje-
capas y llegar al horrible final sin nada, des- res con algunas copas demás, «algunas de las
nudo. Este álbum empieza por el final, luego mujeres más desafinadas que he escuchado
intenta crear un orden desde el caos, pero en mi vida», diría Trent. En ‘Starfuckers Inc.’
nunca logra el objetivo. Es seguramente un se repetiría la fórmula, pero esta vez con la
disco más desolador por eso». sección masculina.
El giro musical de “The Fragile” estuvo inspi- El álbum fue lanzado el 21 de septiembre de
rado en parte por el impresionismo del siglo 1999, y pese a ser doble y no gozar del mis-
XIX, el uso de atmósferas, timbres y sonidos mo éxito comercial de su predecesor, fue
que tratan de evocar imágenes y paisajes («’La doble platino y debutó en el primer lugar de
mer’ es mi “guiño” a Debussy», diría Reznor, los charts estadounidenses. El primer sin-
refiriéndose al compositor francés precursor gle fue ni más ni menos que la atmosférica

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‘The day the world went away’, y le siguie- los registros en vivo de esas presentaciones,
ron otras como ‘Starfuckers inc.’, un furioso es posible ver que la banda baja el tono para
himno dedicado a los rockstars de la época, que Reznor pueda cantarla, lo cual podría
e ‘Into the void’. «Creo, en retrospectiva, que ser una de las explicaciones de su ausencia
debería haber hecho dos discos simples con constante, incluso en la época de promoción
“The Fragile”, más como Radiohead hizo con del disco.
“Kid A” y “Amnesiac”, grabados al mismo
tiempo, pero divididos en dos partes más
digeribles. Bueno, es lo que es», le confesa-
IV. The way out is
ría el líder de NIN más adelante a The New through
York Times.
«Me tomó tiempo levantar la cabeza. Irónica-
III. We’re in this mente, fue hacer este disco lo que me sanó.
Porque esto es lo que siempre me salvó en
together el pasado y fui muy estúpido como para no
darme cuenta antes». Así Reznor se sinceraba
El segundo sencillo del disco fue ‘We’re in con la Rolling Stone. Después de este álbum,
this together’, probablemente, la canción más no todo sería color de rosa y los demonios
hermosa escrita por Trent Reznor después seguirían ahí por un tiempo más: «en 1999,
de “Hurt”. «Supe, cuando la escribí, que sería durante el proceso de “The Fragile”, seguía
bien obvio, esa canción tan simple es pro- mintiéndome a mí mismo acerca de lo que
bablemente el tema que más me ha costado estaba pasando realmente», le confesó en
escribir, arreglar y mezclar en toda mi vida», 2005 a Uncut, y agrega que: «en 2001, cuando
diría Reznor a MTV en 1999. Influenciada en terminó la gira, me dije “si no paras, te vas a
letra y épica por ‘Heroes’ de David Bowie, la morir”. Tu amigo recién acaba de morir y no
canción contiene una carga emotiva solo am- hay otra forma, o sientas cabeza o te mueres.
plificada por su videoclip, que grafica la huí- Es duro reconocer eso cuando te crees muy
da de Reznor en un luminoso y enigmático inteligente como para volverte adicto. Así que
clima de apocalipsis. me convertí en algo que nunca pensé ser».
Por esto mismo, es difícil entender por qué Con todo, “The Fragile” parece haber sido
esta canción ha sido absolutamente margi- el primer intento de escape de la espiral
nada de los shows de la banda. Según la base descendente en la que Trent Reznor llevaba
de datos setlist.fm, Nine Inch Nails solo ha años metido. Lo suficiente para mantenerlo
tocado cinco veces en su historia esta can- a flote por un rato más, y poder decir, min-
ción, uno de sus singles más exitosos. Las tiéndose a sí mismo o no: «Me quiero mucho
cinco fueron entre febrero y abril de 2007, más que antes después de haber hecho este
casi como un experimento exótico. En uno de disco».

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Juan Pablo Andrews El grupo liderado por Elisa Montes nos cuenta sobre su nueva etapa,
con cambio de alineación y la publicación de su primer LP, “Patio 29”.
Ante todos estos cambios, la sentencia del grupo es clara: «la banda

M
ha crecido más que nunca».
ás de un año ha Elisa: Sí, todo el rato, pero el batero que esta-
pasado del fuerte ba tocando con nosotros me insistió que no
remezón al inte- lo hiciera, que mantuviera la pega. Esta es la
rior de Slowkiss, banda a la que más le he puesto sangre. He
que los llevó a hecho todo a pulso. Soy una persona súper
casi desaparecer. humilde, siempre estoy pituteando. Las he
Un lío amoroso hecho todas con esta banda y me la jugué
que tuvo como brígido desde que comenzamos. Con todo el
protagonista a Elisa Montes, líder y funda- trabajo que habíamos hecho era una pena de-
dora del conjunto, derivó en que el grupo jar todo y aprendí que la vida son ciclos.
quedara casi sepultado. Totalmente quebra-
do. Canciones que se encontraban listas para ¿Qué sensación tienes del quiebre? ¿Lo ves
lo que iba a ser el nuevo disco se volvieron como una etapa superada?
parte de la disputa, luego que los otros tres E: Superada 100%. De mi parte por lo menos,
integrantes dejaran el grupo sin intención nunca he sabido nada de ellos. Estos cabros
de regresar. Ni de volver a comunicarse con (los actuales) son lo máximo. Estamos con-
Montes. Incluso el disco tuvo que cambiar tentos con todo lo que hemos hecho juntos.
de nombre. La banda ha crecido más que nunca, los te-
Pero el tiempo pasó y, pese a las dudas de mas están mejor que nunca.
qué hacer, Montes eligió seguir con Slowkiss.
Consiguió nuevos músicos, se sacudió el pol- ¿Por qué el disco se llama “Patio 29”?
vo y continuó con el trabajo del primer LP, E: Nos gusta tratar de decir cosas a través de
“Patio 29”, tras dos EPs con integrantes ante- la música y el Patio 29 del Cementerio Ge-
riores. Ahora, con Natalia Díaz (ex Adelaida) neral es un lugar donde grabamos nuestro
en el bajo, Andie Borie en guitarra y Ricardo último video, del tema ‘Time’. Fue un poco
Pozo en batería –y bajando de afinación de fortuito, pero después le encontramos sen-
MI a drop DO#– el conjunto proyecta esta tido. El Patio 29 es uno de los lugares más
segunda etapa del grupo. abandonados del cementerio y más antiguos,
que es donde antiguamente enterraban a los
¿Nunca pensaste, cuando se disolvió la an- NN, pacientes psiquiátricos que no son recu-
terior, hacer una banda nueva? perables, o sea, personas que están botadas.

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Y en la dictadura ocuparon ese espacio para violencia de género o situaciones que están
enterrar a los detenidos desaparecidos. ocurriendo. Por ejemplo, hay un tema que
trata de lo que ocurre en Venezuela. También
Entonces la historia de este lugar les pare- nuestra estética nos llama a lo que es como
ció potente y ustedes quisieron retratarla de antigüedades y cosas así. Todo coincidió
en el disco. demasiado. Fue casi como una iluminación.
E: Sí, nos parece potente. Nos gusta harto
decir cosas no tan explícitamente. También Para el nuevo disco grabaron tres canciones
en estos tiempos está súper dejada la historia en Argentina con el productor Alejandro Ta-
nacional, hace tiempo. Quizás el discurso es ranto (Los Fabulosos Cadillacs, A.N.I.M.A.L),
tomado solamente por bandas de folk o muy quien, según dicen, les dio el «primer empu-
metal o muy folclor que tienen algo como jón sonoro» en el álbum. «Empezamos a tocar
mapuche, como Weichafe. Nosotros somos en otra afinación, que es parte de la oscuridad
chilenos también, hacemos arte y encontra- de este disco», cuentan. Luego, siguieron el
mos súper interesante que justo se haya dado trabajo en Estudios del Sur con Tim Picchetti
que estábamos ahí. Luego investigamos un y Francisco Holzmann. «Creo que con este
poco y lo encontramos bacán y nos cerró el disco, que es nuestro primer LP, la gente va a
concepto. notar mucho la evolución de Slowkiss, desde
Natalia Díaz: Todos los temas tratan de que se inició la banda hasta ahora. Creo que

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el disco es la muestra final de esta evolución N: Lo que más coincide podría ser algo más
como del material discográfico con los inte- oscuro y denso. Hay canciones que son me-
grantes nuevos. Es todo con un sonido… no dias pop, pero aun así son dark.
sé si decir nuevo, pero reformulado», comen- A: Es como una dualidad en la que convive
ta Andie Borie. constantemente la banda. Una tormenta de
azúcar. Dulce, pero violento (carcajadas ge-
¿Y por qué quisieron bajar a esta afinación? nerales).
¿Por alguna referencia musical en particu-
lar? En otra entrevista dijiste que en la escena
E: Últimamente estuve escuchando más me- chilena se sentían un poco solos. ¿Sientes
tal y me influencié un poco por ese sonido. que hay poco compañerismo dentro de la
Siempre cuando compuse sentía que después escena?
del FA me faltaba otra nota, con la afinación R: Siento que Slowkiss es una banda que pes-
estándar. Luego, cuando descubrí las guita- can otras bandas. Siempre nos están invitan-
rras de siete cuerdas y el mundo del metal, do a tocatas. Banda con la que toco o que
ahí me aficioné con este tipo de afinación. conozco me dice “bacán Slowkiss”. Siempre
nos han tirado flores.
A: Si bien se nos da que siempre nos están
invitando a tocar, desde Rama a bandas que
están empezando recién y siempre hay un
buen feeling, siento que igual hay harto pre-
juicio sobre Elisa, quizás. Gente que nunca ha
escuchado Slowkiss, pero sabe que es el pro-
yecto de Elisa Montes que tiene su pasado,
quizás no le han dado una oportunidad a la
banda o quizás son amigos de ex integrantes
de Slowkiss.

Quizás puede ser un arma de doble filo.


Puede que una banda con un integrante
conocido pueda servir al comienzo, pero si
tiene relación con un género puede ser lo
contrario.
E: No me ha ayudado para nada mi pasado.

¿Alguna banda en particular como refe- ¿Sientes que te ha dificultado el camino?


rencia? E: Creo que sí.
E: Deftones. N: Cuando la Elisa tuvo su moda pop, para
los huevones que comentan huevadas… es
Aggro metal. súper fuerte igual y no se dan cuenta. Toda-
E: No, pero estamos hablando en general. vía están pegados con esta huevada. En los
Messhugah también. No soy muy buena para últimos dos videos que hemos lanzado hay
los subgéneros, porque si tú me preguntas un par de comentarios que dicen huevadas
a mí de qué se trata la banda, tampoco te súper ridículas, pero todos los demás dicen
puedo decir todos los subgéneros que tiene “oh, cabros, la huevada buena”.
metidos adentro. Me refiero a metal, que es
como un riffazo con afinaciones a veces más ¿Comentarios ridículos relacionados a
grave, dependiendo de la época. Pero sí, es- qué?
tuvimos más influenciados por el metal en E: A Supernova.
este disco. N: La gente es muy pegada, pero si ponemos
un equilibrio, al final la gente igual como que
Si tuvieran que definir la estética de Slow- tira harta buena onda.
kiss con una palabra, ¿cuál sería? E: Y la gente que me ha seguido, porque han
E: (Se toma un momento) Dark… algo dark, pasado 20 años de esa época, sabe que no he
pero no sé, una palabra… hecho nada más relacionado al pop.

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Recomendados del mes, por

Cielo de Dante Lya en Pánico


C L
ielo de Dante nace en la ciudad de Quilpué el año ya en Pánico es una banda oriunda de Valparaíso,
2015 de la mano de Ángel Galab en voz y com- formada por Lya Martínez en voz, Francisco e Ig-
posición, quien actualmente forma la banda de nacio Ahumada en guitarras, Rubén Fuenzalida en
rock pop junto a Miguel Ángel en bajo, Alejandro bajo y Franco Invernizzi en batería, quienes vienen
Vargas en batería y Fernando Tropa en guitarra. Sus letras trabajando juntos desde 2018, luego de compartir estudios en
hacen referencia a recuperar la esencia y no mecanizarse por la Escuela Moderna de Música de Viña del Mar. Su música,
el entorno, reflejando la luz y las sombras del ser humano. encausada en el rock, tiene claras influencias de metal, blues,
Cuentan con un EP titulado “Tuerca” (2015) y dos singles, pop y música latinoamericana, fusión que crea la identidad
‘Naranja’ (2018) e ‘Interacción’, este último lanzado en julio de la banda y está impresa en su primer álbum homónimo
de este año como un adelanto de su primer larga duración lanzado en junio de este año. Está compuesto por siete cortes
que será estrenado en 2020. Actualmente se encuentran en y fue grabado y producido por el sello Batiendo Records.
la promoción de su último material el cual también cuenta
con un lyric video y un micro documental del proceso de
producción.

cielo.de.dante Cielo de Dante Cielo de Dante lyaenpanico Lya en Pánico Lya en Pánico

Udara, es un colectivo de mujeres rockeras que se reúnen con el fin de generar espacios
para difusión de la música y las artes del rock creado por féminas. Anualmente, producen el
festival Udara: Encuentro de Mujeres y Rock, el cual se lleva a cabo en la ciudad de Quilpué
y programa a bandas con presencia femenina.

udara.mujeresyrock udaramujeresyrock

42
César Tudela

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45
Activa en redes sociales, tan fan de Janis
Joplin como de sus gatos, y dibujante
en sus tiempos libres, Mon Laferte es
un fenómeno inusual dentro de nuestra
música popular. Una artista camaleónica
que ha pasado de ser baladista pop a
formar filas en un grupo de metal; de
incursionar en el rock alternativo y luego
en las músicas caribeñas; y de tocar
en las calles al escenario principal de
Coachella. La viñamarina clase 83, hija
de una familia que a muy temprana edad
quedó sin la figura paterna, hoy se codea
con los grandes de la música y es una
de las mujeres más escuchadas en las
plataformas de streaming.

46
L
a biografía de Mon La- solo cantándole al desamor desde su inhe-
ferte es más o menos rente posición como mujer, sino que abraza
conocida. Creció en la causa feminista y no se cierra a volver a la
Viña del Mar, en una electricidad del rock con el que siempre ha
casa donde los bole- coqueteado.
ros sonaban coreados
por su abuela Norma y
donde había una guita- No te me quites
rra que se ganó en un concurso a los nueve
años. En su adolescencia, pudo haber estu-
diado becada en el conservatorio de músi-
de acá
ca de la ciudad jardín, pero prefirió cantar y Febrero de 2017. Se hace de madrugada cuan-
aprender de la experiencia de la rutina diaria, do llega el turno de Mon Laferte. Tiene la
en los más diversos escenarios. Estuvo en un difícil tarea de salir después de dos fuertes
concurso de talentos televisivo, donde gra- shows juveniles internacionales –J Balvin y
bó sus primeras canciones, para luego irse a Lali Espósito– en la última noche del Fes-
México a probar suerte y hacer lo que real- tival de Viña, el escenario más importante
mente le gustaba. Es acá cuando su arte y de Latinoamérica para un artista pop, sobre
su carisma, luego de diez años de incesante todo por la intensidad del público presente
trabajo –y ganándole la batalla a un cáncer de y la cantidad de otros tantos que miran por
por medio– la ubicaron como referente de la el televisor. Pese a la hora y los pronósticos
nueva música pop. Sus canciones sufridas y (para una audiencia considerable seguía sien-
palpitantes, sus shows intensos y su perfor- do Monserrat Bustamante, una de las chicas
mance dramática, la transformaron en una de Rojo), el público de la Quinta Vergara no
artista descollante y transversal. Hoy vive un se movió, sino que estaba esperando preci-
momento envidiable, de gira por el mundo samente ese show. Las tomas de las miles de
con su último disco “Norma” (2018). Y ya no personas coreando sus canciones dejan pe-

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trificado a cualquiera. En momentos, a penas no solo me gusta, sino que lo amo.
se puede escuchar la voz de Mon, que era
flanqueada por un coro masivo que parecía Pese a esto, no ha parado tu productividad
un estruendo. Ese día, la viñamarina se bajó y ya has grabado y compartido nuevas can-
triunfante de ese escenario y, más importante ciones.
aún, se convirtió en la nueva diva de nuestra Siempre quiero estar haciendo cosas nuevas,
música popular, a ojos de todo un país de soy muy inquieta, entonces ya estoy creando
manera transversal. Nacía “Queen Monse”. música nueva. De hecho, como dices, ya he
«Volví a casa» fue lo último que dijo en esa publicado tres canciones inéditas en lo que
presentación antes de la aparición de los va de este año (‘Chilango blues’, ‘Canción de
animadores y luego de cantar su hasta hoy mierda’, ‘Paisaje japonés’), pero eso no quiere
máximo hit, ‘Tu falta de querer’, casi como decir que de vuelta la página de “Norma”, sigo
sacándose los demonios internos con cierto tocando el álbum en la gira e incorporando
imaginario épico. Qué momento. Para la esce- estas canciones nuevas.
na que representa, sería el equivalente de ver
consagrarse en su tierra a Cecilia a mediados “Norma” salió en noviembre de 2018 y rápi-
de los 60 o La Ley en los 90. Fue el big bang damente comenzó a posicionarse en radios,
de algo grande y que no ha cesado de crecer. playlists y rankings. Incluso, según ella mis-
La eclosión de una de las artistas femeninas ma mostró con emoción y orgullo en su Ins-
más importantes que ha dado Chile. tagram, la promoción incluyó una gigantogra-
Hoy, a horas de realizada esta entrevista, es fía con el arte del disco en pleno Nueva York.
confirmada nuevamente como número prin- Así, llegó al no. 1 de los álbumes latinos más
cipal para que lleve su show al Festival de vendidos según Billboard y solo en México
Viña. Un retorno para reclamar su reinado. vendió más de cien mil copias, logrando un
Pero desde esa primera presentación a esta doble platino en épocas donde las medicio-
parte ha pasado mucha agua bajo el puente: nes más bien se hacen en las plataformas de
dos discos de estudio (el último producido por streaming. Ahí, la chilena también es imba-
Omar Rodríguez-López), colaboraciones con tible: más de tres millones de reproducciones
Juanes y Enrique Bunbury, giras por Estados mensuales. El disco sucesor de “La Trenza”
Unidos y Europa –en festivales y fechas pro- (2017), fue grabado en los emblemáticos Ca-
pias–, donde se dio hasta el lujo de cantar un pitol Studios, producido nada menos que por
cover de Dua Lipa en Coachella. Hace solo Omar Rodríguez-López, el inquieto guitarris-
días brindó en solitario un hermoso show ta puertorriqueño-estadounidense con pasa-
en un repleto Movistar Arena –cerrando las do en los rutilantes proyectos At The Drive-
cinco fechas de la gira de “Norma” en nues- In y The Mars Volta, por nombrar los más
tro país–, donde una vez más confirmó que conocidos. Sobre cómo fue el trabajo con él
está en a un nivel superlativo y en su mejor y lo aprendido en el proceso de grabación, la
momento. viñamarina no escatima en elogios: «Omar es
Es justamente sobre este disco con el que increíble, súper creativo. Le confié mucho del
partieron las preguntas. trabajo. Creo que una de las cosas que apren-
dí fue a soltar. Me acuerdo que le entregué
Con el tiempo que ha pasado desde su pu- las canciones solo con guitarra y voz, y le di
blicación y con decenas de shows en el una idea general de cómo me gustaría que
cuerpo, ¿cómo percibes hoy “Norma”? fuese el álbum: que tuviera la idea de collage,
Creo que uno pasa por temporadas con los que sonara a viejo pero que también le me-
discos. Por ejemplo, cuando recién lo grabé tiéramos algunas canciones, si él quería, con
me encantó, pero después, cuando pasaron bases electrónicas. En realidad, le dije: “haz
los meses, le empecé a encontrar un montón lo que quieras” (risas). Me encantó el desligar
de defectos que podría haber mejorado. Aho- la idea y que luego llegaran las canciones y
ra ya de nuevo me encanta, es lo que hice y ver cómo las percibía él, porque yo hubiese
siento que fue una valentía muy grande ha- hecho otros arreglos como productora, por mi
ber grabado un álbum en el 2018, en cinta, experiencia, pero Omar las llevó a otro sitio.
en vivo y en una sola toma (sin editar nada), Me parece que es un gran artista, un gran
totalmente a contracorriente por la necesidad productor que sabe escuchar –eso es muy lin-
de experimentar nomás. Entonces, “Norma” do de él–, que entiende muy bien cuál es su

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rol, pero sabiendo también que es el trabajo muy niña en casa– con una inquietud bien
de alguien más. Entonces hizo lo posible para melómana de ir escuchando viejos vinilos
que los dos quedáramos contentos». de música caribeña –el eje medular que per-
En base a esa experiencia, no titubea al decir mea todo el disco–, de donde fue sacando
que le encantaría trabajar de nuevo con él, in- las ideas que finalmente plasmó en su último
cluso explorando en un terreno más rockero. trabajo. «Quería que fuera un álbum muy ca-
«Le encanta estar en varias cosas a la vez y ya ribeño pero que no perdiera mi identidad de
tenemos un proyecto juntos más alternativo cantautora ya que, finalmente, lo que más me
que sigue ahí esperando su momento. Pero gusta es escribir canciones y contar historias.
estaría interesante hacer otro disco, a lo mejor Entonces, inspirándome en la música del pa-
retomando las guitarras con distorsión. Sería sado fue como trabajé “Norma”. Le iba man-
increíble». Por lo demás, Mon ya ha demos- dando referencias a Omar de canciones que
trado sus dotes en el campo del rock alterna- estaba escuchando de artistas como Fania All
tivo, con un disco que hoy parece de culto, Star, Yma Sumac, La Lupe –que fue una gran
“Tornasol” (2013), donde la guitarra tiene un inspiración–, Carmen Miranda, José Antonio
protagonismo sorprendente, que se acerca Méndez… en fin, mucha orquesta».
a la sonoridad poderosa y bailable de Franz El resultado fue una fusión de elementos de
Ferdinand, Gossip y The White Stripes. música latina incorporando cosas del caribe
Sin embargo, para “Norma” la artista desarro- y de Sudamérica, donde resalta el espíritu de
lló una colorida mezcla entre lo que ya venía la canción cebolla que ya tiene incorporado,
haciendo con el bolero –que aprendió desde con letras pasionales que, según nos cuenta,

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le salen todas “de la guata” e interpretadas Dentro de su itinerario, algo que no fue bro-
con sus característicos fraseos vocales de in- ma fue su inclusión en el cartel de la edición
equívoca escuela: a lo Cecilia, La Incompara- 2019 del gigantesco Coachella, festival que se
ble. «Para mí, ella es una maestra. La amo», realiza en los pastos californianos y que tam-
se confiesa. bién tuvo en su line-up a las chilenas Javiera
Mena y Tomasa del Real, con la diferencia

Amor completo que Mon lo hizo en el escenario principal,


mismo lugar donde aquella noche del viernes
12 de abril se presentaron artistas de la talla de
La gira de “Norma” lleva decenas de fechas Kacey Musgraves, Anderson .Paak, The 1975,
acumuladas tanto en Latinoamérica como Janelle Monáe y Gildish Gambino, entre otros
EE.UU. y Europa, con una rutina de shows nombres que también tuvo el festival como
ya cada vez más constantes y masivos. Una Rosalía, J Balvin, Weezer, Aphex Twin, Tame
forma de trabajo muy cercana a las grandes Impala y Ariana Grande. En esa liga está ju-
estrellas del pop mundial, algo que la can- gando nuestra Queen Monse. «Fue muy loco
tante admite siempre deseó, pero que recalca porque además fueron dos fines de semana.
en el punto que lo conseguido ha sido fruto Durante el primero, no andaba con el mejor
de un trabajo arduo y constante, que no se ánimo, estaba nerviosa y no me había dado
dio de la noche a la mañana. «A lo mejor no cuenta que estaba en Coachella, a pesar de
hacía conciertos por el mundo, pero toda mi que todos se encargaban de decirlo y recor-
vida he perseguido mi sueño de tocar, desde dármelo, pero no había reaccionado. Ya para
que empecé a cantar absolutamente todos los el segundo finde, mientras hacía mi show,
fines de semana en algún bar o donde sea. me di cuenta que estaba tocando en uno de
Siempre he estado tocando, nunca he parado, los festivales más importantes del mundo,
pero claro, estar de gira en EE.UU. es como… además de estar haciéndolo en el escenario
si me hubiesen dicho esto a los 15 años hu- principal, y que ahí mismo al otro día tocó
biese dicho que era un chiste». Tame Impala, una banda que me encanta. La

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verdad es que es alucinante y creo que aho- tendiera el concepto general de la canción y
ra, viéndolo con el tiempo, es increíble darse no fuera solo intérprete. Entonces siempre la
cuenta que la música en español o la música estaba invitando, pero no la podía conven-
latina –más allá de la mía– pueda darse a cer, hasta que lo logré y aceptó irse a vivir a
conocer en esos espacios. Es sorprendente lo México. Al Rulo lo conocí por Seba, ya que
que ha cambiado el mundo y que ya el idioma toca en su proyecto solista y estuvimos co-
no es un impedimento, eso me emociona un nociéndonos mucho por amistades comunes,
montón… es fascinante recién darme cuenta carretes, tocando en algunas bohemias por
que toqué en Coachella…». ahí y me volví muy fan de su trabajo, además
Aquel ritmo frenético que ahora tiene su ca- que también es compositor. Y nada, sentí que
rrera, aunque dice que ha sido increíble, la cada uno iba aportar un montón a la banda y
ha tenido agotada física y emocionalmente, así ha sido. Junto a ellos, ha sido bellísima la
ya que ha hecho en los últimos meses, en experiencia de “Norma” en la gira».
promedio, casi un concierto cada dos días.
«A veces, hasta uno tiene síndrome de absti- ¿Cuáles son las canciones que más te gusta
nencia porque si haces cuatro shows seguidos tocar en vivo?
y luego tienes dos días libres, se genera un ‘El mambo’ siento que es una de mis cancio-
vacío y en la interna uno dice “quiero seguir nes más divertidas y lo más experimental que
tocando”», nos relata, se ríe y agrega: «es raro, he hecho. Es como progre esa canción. Y me
es cansador, pero en el fondo se lleva bien gusta mucho como suena en vivo, cuando
por las personas. Para mí es fundamental está toda la orquesta tocando y luego baja a
que seamos afín todos, que nos queramos, la parte del rap, algo que es nuevo para mí y
que nos cuidemos como hermanitos». Es que salió improvisando en el estudio cuando
acá cuando le da un rol importante en este la grabamos. Hay una canción lenta –la única
proceso a los músicos que la acompañan: «la balada del álbum– que se llama ‘Quédate esta
banda que tengo ahora es un lujo, artistas y noche’, que últimamente la estoy disfrutando
compositores que son todos súper virtuosos. mucho. En la banda tengo un pianista que es
A veces, cuando estoy tocando sobre el es- brutal, que cuando estoy cantando y escucho
cenario y los escucho, me pregunto “¿esa es su piano me emociono muchísimo. También
mi banda? ¡No puedo creerlo!” (risas). Suenan disfruto mucho, mucho la salsa ‘Por qué me
demasiado hermoso y cada vez estamos más fui a enamorar de ti’, que creo tiene uno de los
amarrados y haciéndonos amigos» arreglos más increíbles de todo el álbum.
Una de las cosas llamativas de su banda ha
sido la inclusión –por propia decisión de La- Justo nombraste ‘El mambo’ que es, como
ferte– de tres músicos chilenos: Rulo (David dices, donde realizaste un acercamiento al
Eidelstein), bajista histórico de Los Tetas y rap. ¿Es parte de tu inquietud musical ex-
que ha encausado una carrera solista en el plorar en la música urbana, muy de moda
último tiempo; Cancamusa, el alter ego del hoy?
proyecto solista de Natalia Pérez, incansable La verdad es que quería hacer un mambo que
compositora de gran proyección en la escena hablara acerca de los celos y no podía decir
pop y excelsa baterista de Amanitas; y Sebas- todo lo quería, porque los mambos son más
tián Aracena, habilidoso guitarrista ex Sil- musicales que otra cosa y no tienen mucha
vestre, que incluso grabó en el álbum. Sobre letra (el mambo clásico, al menos). Pensé mu-
qué fue lo que vio en cada uno de ellos para cho en cómo hacer para poder decir todo lo
tomar la decisión de hacerles el llamado e que quería. Entonces, me pareció que esa era
invitarlos a ser parte de su staff, nos responde la excusa perfecta para introducir un toque
que: «Sebastián es uno de los músicos más más actual en el álbum (hay otras canciones
virtuosos que he conocido en mi vida. A la que tienen bases electrónicas) y cuando es-
Nati la conocía desde antes, tocó desde los cuché la combinación de mambo más rap me
primeros discos en el 2012 y siempre le estuve encantó, pero no tengo mayores inquietudes
diciendo que se fuera conmigo a México por- de estar en el género urbano, porque se me
que siento que tiene mucho lenguaje musi- hace burdo en este momento. Es como decir
cal, no solo es una muy buena baterista, sino “ahora que todos están haciendo urbano yo
que ella también es compositora, algo que yo también lo voy hacer”. No sé, aparte no es un
buscaba para mi banda: un músico que en- tipo de música que ahora sienta en la guata y,

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por lo general, me muevo en las músicas que queras sean iguales, pero en mi caso toma-
me apasionan. Igual, hay unos proyectos de mos las decisiones en conjunto… o me siguen
trap que sí me parecen interesantes, por las la corriente, la verdad (risas). Me apoyan en
letras, pero no es algo que me emocione a tal todas mis decisiones y eso es bueno.». Sin
punto de hacer un álbum completamente de embargo, hace hincapié en algo que le inco-
música urbana, pero no digo que no. Pienso moda de la burocracia interna de la compañía
que uno no puede tener una mentalidad ce- discográfica: «lo único que sí me ha llegado
rrada y creo que soy una persona que siempre a molestar, para ser muy sincera, es cuando
está con ganas de experimentar, de crecer, llega una amistad y me dice que quiere cantar
de aprender, porque finalmente la música es conmigo. A mí me encanta colaborar, no le
arte y diversión, o como lo quieras ver. Lo veo la complejidad de hacer canciones, can-
mío, al menos, intento que provoque cosas tar junto a otros en sus discos, pero hay que
en la gente, que sea pasármela bien haciendo pasar un montón de permisos, firmar papeles,
sentir emociones a los demás. preguntarles a distintos ejecutivos, entonces
a veces no se concretan y la decisión no de-
Siguiendo un poco con esto, el urbano ha pende de mí. Eso sí me da como lata».
cambiado las reglas de la industria y su ma- Otra cosa interesante de su carrera es que ha
sividad ha ido en aumento. Hoy, teniendo tenido que enfrentar los cambios en las for-
solo una canción puedes generar millones mas de difusión. Hoy, en nuestra era de híper
de reproducciones y lograr reconocimien- conexión, todo es más inmediato, muy distin-
to (como lo hicieron Bad Bunny o Paloma to a lo que conocíamos hasta no hace mucho.
Mami). ¿Qué opinas de todo este fenóme- «Encuentro que todo eso es bacán. Creo que
no? permite que uno esté más en el momento.
Creo que está bien y, por ejemplo, hablar res- Igual, todo ahora es inmediato, la música que
pecto a artistas como Paulo Londra o J Bal- se publica un día a la otra semana ya está
vin responde a una necesidad de la gente de vieja, pero eso te permite estar en contacto
querer tener ese tipo de artistas y ese tipo de más con la gente o estar en la tendencia mu-
música, que no necesitan un álbum. Hoy hay sical mundial, no sé… por ahí es divertido,
espacios y público para esa escena, que va pero sí hay algo que se ha perdido: tomarse
mucho a festivales y está bien que exista todo el tiempo para dejar reposar una canción y
este universo, así como también hay gente luego retomarla para ver si, efectivamente,
que aún va más por el disco. Ahora estoy ex- es la que querías.
perimentando con canciones sueltas –una
por mes–, nunca antes lo había hecho y está ¿Cómo funcionas con tus redes sociales?
bien, es todo como mucho más al instante ¿Puedes establecer diferencias entre com-
y me ha gustado hasta ahora la experiencia partir tu vida artística y tu vida personal o
de ir soltando singles que no sean necesaria- las entiendes como una sola?
mente parte de un proyecto/disco. Siendo honesta, es difícil hacer la separación.
Por ejemplo, de pronto llego a casa después

Nada cambiará de una gira y me da tanto gusto ver a mis ga-


tos que quiero que la gente los vea, porque los
amo y siento que le hago un regalo al mundo
Pareciese como si siempre Mon Laferte haya (risas), entonces es complicado. Ahora, ¿cuál
pertenecido a las luces estridentes del mains- es la diferencia entre la vida personal y lo
tream, amparada por un label multinacional. laboral, cuando compartes videos o fotogra-
Pero no. Luego de muchos años tocando en fías de momentos en el camarín, pruebas de
las calles y bares, donde incluso regalaba sus sonido, ensayos, salidas a comer, mirando el
primeras grabaciones, se formó bajo la ética atardecer…? Siento que es muy difícil hacer
de una artista independiente. Conociendo la separación, todavía no sé cuando termina
los pros y contra de cada forma de trabajo y una y empieza la otra. Además, somos una
conversando al respecto de eso, nos cuenta generación que aún está en una transición,
que para ella «sigue siendo prácticamente lo entendiendo internet y las redes sociales.
mismo, no ha cambiado mucho», y agradece
a su sello, Universal Music, que así sea. «No Desde la perspectiva de la privacidad, el
sé si todos los equipos de trabajo de las dis- morbo, los haters, las noticias falsas y to-

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das estas cosas que han surgido en nuestro de “censura” por una cláusula en los términos
tiempo por la sobreexposición, ¿cómo ha y condiciones de uso de YouTube: no podía
sido lidiar con la fama y la popularidad? hacer promoción pagada, ya que se muestra
No sé… dejo que suceda día a día. He ido contenido explícito: fluido rojo en alusión a
aprendiendo en el camino que no me tengo la sangre menstrual (parte de la propuesta
que tomar tan en serio ni tan personal todos visual y artística del clip). Al respecto, nos
los comentarios. Al principio no entendía señala que no solo basta con revisar los tér-
mucho y como que si me decían algo mala minos de la plataforma de streaming, sino
onda en Twitter decía “pero cómo”. Ahora que cree que, en general, «internet, con sus
me doy cuenta que no, que no es personal, algoritmos, debiera poder revisar caso por
que son comentarios que cualquiera puede caso, porque también está el tema de los
hacer en redes, entonces intento llevarlo de pezones de la mujer, por ejemplo. Un ami-
la mejor manera. Y también los comentarios go hizo un experimento y subió una foto de
positivos: tampoco necesariamente todo lo su pezón en primerísimo primer plano, pero
bueno que dicen me lo tomo tan en serio y se notaba que era de hombre porque tenía
creer si te dicen que todo está bien creértelo. más vello, y después subió un pezón de una
Hay que tener algo de objetividad y sentido mujer, exactamente igual, pero sin pelo y le
común, supongo, pero insisto, como te decía bajaron este último. Entonces, sí creo que las
antes, somos personas que estamos apren- plataformas tienen que ir solucionando esto,
diendo a llevarnos en el nuevo sistema so- que la sangre menstrual no puede estar con-
cial-virtual. siderado como una muestra de violencia».
Sin embargo, es optimista: «creo que son las

Tú qué vas a saber primeras veces que estas cosas se están deba-
tiendo o apareciendo en videos, porque antes
era un tema muy tabú. A mi toda la vida me
En medio de toda la vorágine de la gira de enseñaron que me tenía que dar vergüenza
“Norma”, Mon ha sorprendido con la pu- cuando estaba con la regla, algunos días no
blicación de nuevas canciones. La segunda quería salir de la casa porque en teoría era
de ellas, ‘Canción de mierda’, pone al frente algo “feo, malo y asqueroso”, y creo que eso
un tema muy común entre las mujeres, que ahora ha cambiado un montón y nos estamos
refiere a su ciclo menstrual, algo que quiso dando cuenta que no es así, que es algo normal
reflejar en su video. Pero sufrió una suerte que nos pasa a las mujeres. Entonces no dudo

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que las plataformas importantes ya están re- machistas por costumbre. Entonces, creo que
visando sus políticas a raíz que han estado estamos aprendiendo. Me ha tocado vivir co-
apareciendo este tipo de contenidos diaria- sas incómodas, muchísimas durante toda la
mente. Hay que mirar hacia delante porque vida, por supuesto, y que siguen pasando en
el mundo está cambiando». el día a día, pero me quedo con que estamos
Adentrándonos en temas sobre feminismo, evolucionando. Me da gusto ver cada día a
en donde nos confiesa que, por ejemplo, está más mujeres en la música. Yo misma trato de
a favor del aborto libre –«la gente debería hacer conciencia, porque en mi banda somos
hacer lo que quiera con su cuerpo»– o que le solo dos mujeres, entonces me hago un tirón
parece vergonzoso aún estar lidiando con el de oreja y me digo “a ver, busquemos empa-
acoso callejero o la brecha salarial entre hom- rejar un poco esta situación”. Ahora estamos
bres y mujeres, también dice el cómo se lle- todos siendo un poco más consientes sobre
na de energías positivas con las mujeres que la paridad de género, por ejemplo. En los fes-
la rodean: «todas me inspiran algo porque tivales a los que he asistido hay un esfuerzo
puedo ver en ellas fortaleza y, sobre todo, me en incorporar proyectos femeninos, así que
puedo ver a mí misma en cada una de las mu- está súper bien que el movimiento fluya en
jeres con las que me voy encontrando». Ade- todas direcciones».
más, tiene un diagnóstico claro al respecto de Para cerrar, le pregunto si nos puede reco-
cómo se ha ido conversando del tema a nivel mendar alguna artista nueva. Por supuesto,
social y de la industria de la música. «Siento su selección es algo que nos interesa por todo
que estamos todos aprendiendo y entendien- el bagaje musical que ha acumulado. Preci-
do diariamente lo que es el feminismo. Hay sa y concisa nos dijo: «hay una chica de Los
cosas que uno se da cuenta que son acciones Ángeles, Clairo, que me gusta mucho y he
feministas y ahora recién estamos hacien- estado oyendo harto su disco; y claro, me
do conciencia de eso. Y me incluyo. Hasta gusta mucho también el proyecto de Nati,
el día de hoy me veo diciendo comentarios Cancamusa». Palabra de la queen.

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Emilio Fabar
En conversación con Andrés Panes
Fotos: Gary Go

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En primera persona, el fundador de la mitológica
banda explica los motivos de su despedida tras 18 años
de carrera y comenta las sensaciones que le produce el
adiós.

¿ Por qué es el final? No tengo una


sola respuesta, pero sí sé que es
sano. Lo he pensado y está bien
que pase. Al principio me costaba
entender la idea porque había mu-
cha energía depositada y habíamos
hecho muchas cosas buenas, cosas que está-
por música.
La decisión de terminar se debe a que no
queremos vivir en el letargo, echados en los
laureles, porque Asamblea siempre se trató
de entregar cosas nuevas. Nosotros siempre
entendimos Asamblea como un método de
trabajo para hacer canciones (creo que hasta
bamos conscientes de que tenían un espacio lo pasábamos mejor componiendo que tocan-
en el imaginario. do en vivo), pero no sé si hubiésemos tenido la
Todo el mundo cree que las bandas son como capacidad de seguir apostando por ese modo
bloques, unidades, y eso es cierto solamente de producción.
al comienzo. Nosotros al principio éramos Por mi lado, no sé si contemplo volver a tocar
un relojito, ensayábamos todos los días de la o no, no lo sé. Hoy por hoy, a mí me gusta es-
semana porque nadie tenía trabajo, así que cribir. Con eso estoy conforme. Hay muchas
pasábamos metidos en la sala. Cuando ter- cosas que uno puede hacer escribiendo, no
minamos el Disco Amarillo (“La Marcha de la sólo música. Quizás veo más para allá ahora.
Creo que hay mucha sensatez en despedirnos.
Me pareció súper bonito leer los comentarios
cuando publicamos que no seguiríamos, eran

«Asamblea siempre todos muy lindos. Fue bacán que ni siquiera


los que tiran la pelá por deporte lo hicieran
esta vez. Eran puros comentarios hermosos

se trató de entregar de gente que se tomó el tiempo de escribir y


decirnos lo mucho que les importaba Asam-

cosas nuevas»
blea. Ahí yo dije «oye, no lo hemos hecho tan
mal».
En una semana vendimos 400 entradas para
la despedida. Es harto para un grupo sin difu-
sión en radio, sin logística. Nosotros siempre
bateamos con nuestras propias fuerzas, nun-
Desesperanza”), ni siquiera lo habíamos mos- ca nos regalaron nada y sabís qué: hicimos la
trado y ya estábamos haciendo el Disco Rojo pega. Lo que no sabemos es si tenemos lo que
(“Columnas”), que tenía muchas canciones al se necesita para volver a hacerla de nuevo, así
contrario del Amarillo, y sobre la misma vino que esto queda acá y me voy con la sensación
el Disco Blanco (“Lo que Hablaron las Áni- del deber cumplido, eso me pone contento.
mas en el Camino”). En ese tiempo era cosa de Pero tengo tristeza igual.
decir upa para que te respondieran chalupa. Cuando uno toma esta decisión, al principio
¿Vámonos de gira? ¡Vámonos de gira! Eso es queda el sinsabor y cuesta mucho. Es algo que
difícil que pase incluso cuando eres joven, y nunca te planteas hasta que pasa, debe ser
después se vuelve más difícil todavía. Con el como lo que les pasa a los futbolistas al reti-
paso del tiempo, todo se volvió más compli- rarse. Por eso el 14, cuando salgamos a tocar
cado. Nuestras vidas estaban más reposadas nuestras canciones por última vez, vamos a
y al mismo tiempo mucho más conflictuadas. hacer un show largo y brutal. La primera vez
Grabar “Dialéctica Negativa” fue un trauma, que tocamos también fue un 14 de septiembre,
nos costó mucho más, aunque a mí me parece el 2001 en calle Tarapacá, tres días después de
que es lejos nuestro mejor disco, por letras y la caída de las Torres Gemelas, con Marcel

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Duchamp, Entrefuegos, Redención 911 y Tom nó hasta convertirse en otro funeral. Cuando
Joad. Ahora que estamos en la carrera final, fuimos a enterrar a Hernán, íbamos en un
pienso en esa tocata y nunca hubiese podido auto con gente muy cercana a él y a veces
imaginar dónde me llevaría todo esto 18 años había llantos y a veces nos reíamos, era una
después. cosa muy esquizofrénica. Ahí un amigo me
Me doy por pagado porque conocí un montón dijo: «sabís, cuando la palpitación de la muer-
de gente, viajé por un montón de partes, edité te se instala en un escenario, cuesta mucho
disco, sacamos canciones. Hicimos algo que que se vaya», y he pensado mucho en eso. La
ocupó y ocupará un espacio. El tiempo juzgará muerte siempre está ahí, pero cuando se lleva
la magnitud del trabajo, pero creo que enveje- a un cercano deja de ser esta cosa a la que uno
cerá bien y que las canciones serán libres para le teme para volverse una realidad, algo posi-
que alguien las tome. Ya no nos pertenece- ble. El año que murió Hernán vi la muerte de
rán, pero serán parte del imaginario colectivo
porque dejamos algo y eso siempre es bueno.
Dejar algo que trascienda es más difícil que
nunca por culpa de la dinámica del capital y
yo tengo la sensación de que nosotros pudi-
mos hacerlo porque siempre se acerca gente
«Siempre bateamos con
a decir «oye, me marcó lo que hiciste», y eso
me alegra mucho.
nuestras propias fuerzas, nunca
Pero esta despedida no es con elástico. No
vuelvo en este tipo de decisiones, de eso ten-
nos regalaron nada y sabís qué:
go la certeza y por eso mismo fue tan difícil
acordar que esto termina.
hicimos la pega […] y me voy con
El show del 14 originalmente no iba a ser un
adiós, sino un tributo a nuestro amigo Hernán
la sensación del deber cumplido»
Angulo a un año de su partida, pero evolucio-

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paso al lado. Sé que Asamblea vivirá mejor
en el recuerdo.
«Hay mucha sensatez en Hacer esta banda a mí me costó caleta. Creo
en el esfuerzo, tengo mentalidad de pobre por-
despedirnos. Me pareció súper que estoy supeditado a mi historia de vida, el

bonito leer los comentarios


haber nacido en una población, entonces me
jugué el todo por el todo por Asamblea. Cuan-

cuando publicamos que no


do comprendí que no tenía talento musical,
supe que tenía que suplir eso escribiendo, que

seguiríamos […] de gente que era lo que tenía a mano, entonces había que
leer, había que escribir y había que escribir

se tomó el tiempo de escribir bien, hasta alcanzar una fórmula. A mí eso


es lo que me gusta de Asamblea: que genera-

y decirnos lo mucho que les mos una estética, desde los carteles hasta las
letras, la construcción nunca fue casual. Me
importaba Asamblea» enfermaba que nos relacionaran con el emo
porque era la antítesis del lenguaje propio que
nosotros queríamos desarrollar.
Estoy contento de no haber agachado el
dos chicos más, después enterré a mi papá y moño. De no haber vivido de que nos invita-
ahora voy a enterrar a mi grupo. Es el final de ran a tocar, de que nuestros shows fuesen de
muchas cosas que amé profundamente. nosotros, sin necesidad de juntarse con ocho
Vamos a enterrar a Asamblea y no se va a pa- bandas más para hacer que llegue la gente que
rar nuevamente, va a quedar en el recuerdo y va a ver “el hardcore”. Nosotros no pertene-
hay que asumirlo así, por eso no le doy tanta cíamos a eso, nosotros inventamos nuestra
pelea a esta decisión. Prefiero atesorar lo que propia escena.
puedo y dejar que se acabe antes de conver- ¿Quedaron cosas sin hacer? Sí, montones,
tirse en una caricatura de lo que fue. A ve- pero me siento satisfecho con lo que hicimos.
ces está bien que las cosas terminen porque, A veces también hay que conformarse con lo
cuando no tienen buen vivir, es mejor que que a uno le tocó o tener la humildad suficien-
se acaben. Hay que tener grandeza, hay que te para decir «hasta aquí llego». Nosotros nos
tener hidalguía y no sentir miedo de dar un vamos con la frente en alto.

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Este mes se celebran los 50 años de la publicación del “Abbey Road” de The Beatles, el disco que significó el final de la
banda más influyente de la música popular del pasado siglo y hasta nuestros días. Pero también, un disco que definió
nuevos parámetros para el rock y una influencia sin igual en la cultura pop en todo lo que rodea al álbum. Por aquella
razón, revisamos el contexto de aquel 1969, relatamos en detalle la trastienda del disco, lo analizamos canción por
canción, hicimos una radiografía en retrospectiva al alcance e influencia de su carátula y le preguntamos a distintos
fanáticos y críticos sobre su influencia y legado.

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Alfredo Lewin 1969 fue un año paradójico. Mientras EE.UU. ganaba la gran batalla
espacial a los rusos aterrizando en la Luna, casi en paralelo a la
visualización definitiva de los jóvenes como activos sujetos sociales
gracias a la eclosión de la generación Woodstock, en los Abbey Road
Studios se cocinaba la obra definitiva de la banda más importante de
la música pop del siglo XX. Acá, la historia en detalle de aquella mítica
gesta a 50 años de ocurrida. El capitulo final en la caleidoscópica historia

C
discográfica de The Beatles.
uando Paul McCart- “Let It Be”, el grupo había tratado de producir
ney llamó a George un álbum en vivo, una grabación honesta,
Martin su tono debe pero solo lograron darse cuenta de la poca
haber sido imperati- magia que fluía en esas fechas de principios
vo. Quería contar con de 1969. Tan hastiados terminaron del magro
él nuevamente en las resultado, que archivaron el proyecto hasta
perillas y así poder que la película que lo acompañaría estuviera
trabajar en el que se- terminada. Sobre todo por ese antecedente,
ría el último álbum de the Beatles. Entre su- parecería que habían dado vuelta la página.
plicante e imperativo, a la manera tan usual Las fallidas jams del frustrante “Get Back Ses-
que Paul tenía de ordenar a su antojo, lo exi- sions” dieron paso, con una singular fluidez,
gía pero al mismo tiempo lo hacia sonar como a las sesiones de lo que habría de ser “Abbey
si pidiese un favor especial de parte del expe- Road”. Parecía, pero no tanto.
rimentado productor y arreglador histórico y “Abbey Road” ofrecía una panorámica equí-
su ingeniero asistente, Geoff Emerick. voca. Un disco que si era comparado con el
Paul los necesitaba a ambos de vuelta porque “White Album” del 68 (que se considera una
así había sido en el pasado y esa, en defini- obra de Beatles como individualidades), ge-
tiva, era la piedra angular del sonido beatle. neraba la idea de una unidad que ahora en-
Sus motivaciones no eran del todo económi- tendemos como engañosa, quizá sugerida por
cas, bien sabemos que el bajista amaba la idea el plan de McCartney de plantear todo el lado
de The Beatles como una identidad, eran su B en la forma de una larga canción. “Abbey
vida y obra y, por lo tanto, ansiaba que todo Road” venía a probar también que el grupo
volviera a ser como antes. Antes de haber era aún tan prolífico como para sacrificar pe-
iniciado aquella autodestructiva aventura queños pedazos de potenciales canciones y
empresarial llamada Apple Corps y de aquel combinarlas en fragmentos de temas para un
malogrado proyecto artístico llamado “Get impecable popurrí de música beatle. Y no es
Back (Sessions)”, que tanto daño le causó a un detalle menor que el contenido de algunos
la banda. resaltaba la presencia del sol, dando la idea de
En esas sesiones que luego decantarían en un sentimiento general positivo y optimista.

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Ahí apreciamos al astro rey en ‘Here comes blemente, movidos por la curiosidad de ver
the sun’ de George Harrison y ‘Sun king’ de qué era lo que la banda tramaba, dejaron todo
John Lennon. programado para que a partir de julio de 1969
Al contrario de “Let It Be”, que fue registra- el grupo tuviera disponibilidad para poder
do juntos en un frío estudio de cine y tele- trabajar a sus anchas.
visión, con el proceso de creación siempre La sesión inaugural para este disco, que efec-
teniendo lugar incómodamente juntos, para tivamente se llamaría “Abbey Road” –los es-
“Abbey Road” The Beatles trabajaron en la tudios EMI recién en 1970 tomaron el nombre
misma dinámica que habían establecido en de la calle–, se realizó solo con Paul McCart-
el “White Album”. Otra semejanza con éste ney acompañado de Martin y Emerick, y tan
fue la constante presencia de Yoko Ono, aún solo sirvió para que el equipo volviera a sin-
más evidente ya que con John habían sufri- tonizar, porque ya hace un año que estos tres
do un accidente en Escocia y los médicos le (quienes habían revolucionado la manera de
recomendaron reposo total. Por lo tanto, a grabar música rock en los 60, especialmente
los estudios EMI, localizados en calle Abbey a la altura de “Revolver”) no coincidían en el
Road, llegó una enorme cama de dos plazas mismo estudio para producir algo nuevo. Ahí
donde fue instalada de forma permanente, mismo, sentado frente al piano, McCartney
ahí muy cerca del estudio y hasta con un mi- tocó una muy sentida toma de ‘You never
crófono por si acaso la japonesa tenía algún give me your money’, cargada de una singu-
comentario que hacer. Los Beatles supieron lar melancolía. Ya con Harrison y Ringo Starr
que tenían que lidiar con esa presión en esta presentes, aunque no con Lennon –quien se
ocasión, sí o sí. De lo contrario, se arriesgaban demoró un par de días en llegar–, empezaron
a perder a Lennon. a concentrarse en las nuevas canciones.
Para seguir limando asperezas, sobre todo

Here comes the con George –un tipo tan irritable y descon-
fiado como el propio Lennon–, McCartney

sun… it’s all right pretendió que en primer lugar trabajaran en


una de sus canciones y no las de él: llegaba la
calidez de ‘Here comes the sun’. Lo hicieron
Para EMI, como sello, volver a grabar un ál- entonces como trío y algo de poesía hay en
bum con The Beatles era un desafío y, proba- aquello, considerando que, quizás, desde su

70
título esta canción significaría una tregua en se con estilo. Pero sus personalidades no lo
lo que podría llamarse la “guerra fría” de The habían hecho tanto, ni menos sus dinámicas
Beatles. En esas mismas fechas de principios en el espacio físico de grabación. Aún así, las
de julio, también se esbozaba lo que sería sesiones de estos primeros días de julio se
‘Golden slumbers’ de Paul, aún inconclusa desarrollaron con normalidad y durante la
porque no la consideraban parte de un todo primera semana y media, estos nuevos Beat-
que sería la suite final. les produjeron un buen número de cancio-
El grupo estaba recuperando una energía vi- nes cuya calidad era similar, sino superior a
tal, dejando atrás las sesiones de enero. Se trabajos anteriores. Eso, hasta que John Len-
sentía como estar de vuelta en casa, con esa non y por extensión Yoko, se presentaron en
sensación de familiaridad con el espacio fí- Abbey Road.
sico de siempre, con canciones que fueron
abordadas con fluidez y, no menor, con un
John Lennon ausente. Eso ayudó a que no se And in the end…
produjeran las discusiones habituales que, en
varias ocasiones, resultaban de la incomodi- En las dependencias de la consola de gra-
dad frente a la figura de Yoko Ono y la acti- bación, John se enteró del plan de Paul de
tud displicente que Lennon tomaba cuando registrar un lado A de modo convencional y
estaba con ella. El que Lennon no estuviese un lado B que fuera una especie de suite, de
presente los primeros días fue muy impor- concepto o cadena de varias canciones que
tante para que ciertas heridas, producto de la ni siquiera se parecieran pero que generaran
fricción de George, Ringo y Paul, cicatrizaran. una “linealidad”. De primeras, Lennon lo en-
No obstante, la manera de actuar de Paul Mc- tendió como si fuera un álbum conceptual –a
Cartney igual generaba roces, porque sin el la manera de “Sgt. Pepper”– y por supuesto
factor Lennon, su liderazgo se convertía en se opuso. Pero luego Mccartney se apuró en
algo totalitario, dando órdenes y provocando explicarle que se trataba de llevar a un ni-
la inmediata queja de Harrison y Starr. vel superior la estructura que habían desa-
Es cierto, The Beatles habían cambiado. Mal rrollado para su homónimo álbum doble en
que mal, concedían que podía ser la posibi- la canción ‘Happiness is a warm gun’. Muy
lidad de grabar un “último” disco. Despedir- probablemente John estuvo de acuerdo en

71
colaborar solamente cuando se le dio a en- descrito románticamente el productor George
tender que en este medley/suite se incluirían Martin. Esa no era la atmósfera que se respi-
algunas de sus canciones. raba en el estudio. Todo lo contrario. Lennon,
Resultaba evidente que The Beatles estaban por ejemplo, se mostraba particularmente
poniendo todo de su parte para sacar a flote interesado cuando se trataba de trabajar al-
el disco, pero con los cuatro de vuelta en un guna de sus canciones, de las otras trató de
mismo espacio físico surgieron nuevamente desligarse todo lo que pudo. Había decidido
las discusiones. Una de ellas fue generada que trabajaría lo justo –cosa que no era tan
por el tema ‘Maxwell’s silver hammer’, en el novedosa en él– y, en ese sentido, le cedió el
que Lennon se negó a participar. Se trataba protagonismo a McCartney. Esto significaba
de una composición cuasi infantil, pero con que Paul podría hacer lo que quisiera con su
una letra muy siniestra que ya había agotado idea de suite en el lado B, mientras hiciera
la paciencia de Harrison y Starr, y que Mc- encajar en las melodías las composiciones de
Cartney insistía en retomar –tal como había Lennon (que le habían sobrado del año an-
pasado antes obstinándose con ‘Ob-La-Di terior). La verdad sea dicha: John estaba más
Ob-La-Da’ en 1968. concentrado en la idea de una trilogía que
La verdad, es que cuando el cuarteto dejaba sin duda lo definiría: ‘Come together’, la que
de grabar o tocar procedían a encerrarse en abre el disco; ‘I want you (She’s so heavy)’, que
un cuarto para discutir los aspectos econó- cierra el lado A; y ‘Because’, está pieza vocal
micos de la empresa Apple Corps. Ahí mismo y guitarra psicodélica que se encontraría en-
recaían en las descalificaciones, sospechas samblada en el medley maccartniano.
y hasta los insultos. Resulta bien increíble Si sucedieron momentos mágicos, estos
el hecho de que en estas circunstancias The pueden haber sido con Paul involucrándose
Beatles hayan podido ser capaces de producir de lleno en ‘Come together’ con su famosa
música de calidad, porque efectivamente las línea de bajo o el mismo John alabando ‘So-
canciones de “Abbey Road” son más valiosas mething’, la creación de George. La fluidez
y mejor terminadas que cualquiera del “Let de esos pasajes se deben al trabajo de George
It Be”. ¿Sería que eran conscientes de que Martin junto a Geoff Emerick, quienes apor-
estaban a punto de separarse o que estaban taron orquestaciones, partituras, arreglos y
grabando su último disco? asumiendo la actitud del profesor jefe –en
Más bien podríamos especular que los cuatro especial Martin– que pone orden en una sala.
sabían que estaban al final de un ciclo, pero Su contribución, que había sido tan cuestio-
no ad-portas de una separación que resultaría nada el año anteror, ahora volvió a ser fun-
definitiva. Quizá, lo asumían como el trabajo damental: la tecnología recién adquirida por
previo a una larga temporada sin actividades EMI, con nueva mesa de sonido y nuevos
grupales, esto porque habían negociaciones micrófonos, y también la inventiva de su
en curso que se estaban desarrollando en asistente Geoff a la hora de conseguir efectos,
esos mismos meses entre los sellos disqueros fueron determinantes para que se plasmase
en Inglaterra y Estados Unidos. Y más enci- el sonido novedoso que el “Abbey Road” irra-
ma, estaba este “nuevo” manager Alan Klein, dia, para muchos conformándose como una
quien terminó siendo una de las razones por versión mejorada del “Sgt. Pepper”.
las cuales los Beatles consideraron que sus

Come together,
diferencias, en tanto al plan económico de
la banda, eran insalvables.

right now
You know I believe
and how
Para principios de agosto, las sesiones del
disco estaban bien avanzadas, el presiden-
te de EMI estaba encantado y presentía que
Con la mirada esclarecedora que dan los 50 la banda, tal vez, tendría hasta un segundo
años que han pasado, es fácil percibir que no aire en su carrera, considerando también la
todos los miembros del grupo estaban por el calidad de la música que estaban grabando.
“generoso trabajo” de llevar a cabo este últi- No era tema si es que estaban discutiendo
mo gran esfuerzo a toda costa, tal como lo ha más de la cuenta, porque los Beatles lo ve-

72
73
nían haciendo desde 1966. Las sesiones de Una de ellas fue el último verso de ‘You never
grabación eran lo usual, oscilaban entre el give me your money’: “All Good Children Go
trabajo duro y un cierto aburrimiento, y esta to Heaven”. También se pensó en “Four in
última instancia era el terreno fértil para las the Bar”. Y como en otras tantas ocasiones,
peleas, sin considerar lo inestable del asun- siempre es la casualidad la que da la clave
to del emprendimiento Apple o lo de la re- sobre el potencial título del álbum: en la mesa
sistencia de Paul hacia el recién aparecido de grabación había una cajetilla de cigarri-
Alan Klein. Frente a esto, la omnipresencia llos de Emerick, de marca Everest. “Everest”
de Yoko Ono más allá de ser algo incómodo, contenía la idea de la montaña más alta del
suponía más una excusa para una pelea, que mundo, lo que se podría entender como el
un problema real. logro discográfico más grande de The Beatles.
El tema era concentrarse en la idea de traba- Claro que sonaba pretencioso, pero fue pro-
jar juntos en la misma habitación y eso que visionalmente acordado que así se llamaría
parece tan habitual, no lo es tanto porque y para la carátula, se pensó en una foto de
muchas veces en el estudio de grabación las los cuatro en Nepal, cerca del monte Everest
sesiones se hacían por separado. La obliga- (no en la cumbre, tan solo la banda con el
ción de estar los cuatro presentes era lo que imponente macizo detrás de ellos).
iba minando a The Beatles, porque las cosas Era, a todas luces, una idea poco práctica
se pintaban tan tensas que se podía encender y más encima era de Paul. Y como el disco
en ocasiones una mecha por cuestiones tan había sido programado para finales de sep-
mínimas como la comida que el roadie Mal tiembre, la impresión de la carátula debería
Evans iba a buscar a un restaurante cercano: estar lista a principios de ese mes, por lo que
los cuatro eran muy quisquillosos cuando se ir a sacar la foto tan lejos era un tanto com-
trataba de su colación y, más encima, si es plejo. Así fue como Ringo, que siempre era el
que tenían que compartirla. Cuando trabaja- que tenía ideas de última hora que generaban
ban individualmente o cuando estaban solo iluminaciones proverbiales para los títulos,
dos o tres, nunca pasaba nada parecido. decantó por la opción más sencilla casi sin
En aquellos días, la banda ni siquiera se había quererlo: «hagamos unas foto afuera, en el
puesto de acuerdo en el nombre que llevaría paso de cebra de aquí mismo en la calle y
el álbum. Recién empezaron a barajar algu- llamémosle al disco “Abbey Road”». Como
nas alternativas estando ya casi terminado. sucede en los grandes momentos del rock,

74
uno no sabe si fue verdad que la banda in- con Billy Preston y Jack Bruce; Starr prepara-
mediatamente aprobó la sugerencia, no en- ba lo que sería su álbum debut. Aún así, todo
tendiendo que se trataba, tal vez, de otra de aquello no era tan demandante comparado
las bromas del baterista. a lo que Lennon y Ono estaban planeando:
Y así fue como la mañana del ocho de agosto ya habían compuesto ‘Give peace a chance’
de 1969, The Beatles salieron a hacer la tan y querían reforzar la reputación de pareja
icónica fotografía. No quería decir que ha- antisistémica, y qué mejor que haciéndolo
bían terminado de grabar el disco, ni mucho arriba de un escenario. Eso fue lo que sucedió
menos (quedaban dos semanas aún), solo que en el Toronto Rock and Roll Revival Festival
fue la fecha de la sesión realizada con el fotó- de 1969, que los tuvo tocando en vivo. John
grafo Iain Macmillan para inmortalizar a los ya parecía estar desmarcándose de la banda
cuatro cruzando la calle. con la que acababa de grabar “Abbey Road”.
Un hecho que habla más que las mil palabras

It’s driving me mad que Lennon rumiaba en su boca pero que no


decía.
Aunque en la interna se percibía que John es-
El último tema de “Abbey Road” en comple- taba harto y que claramente no quería seguir
tarse fue ‘I want you’ de Lennon, terminada en el grupo, fue el mismo Klein el que decidió
el 20 de agosto de 1969. Era la última vez –en que la mejor estrategia para lanzar “Abbey
efecto– en que The Beatles se encontrarían Road” consistía en no filtrar nada de lo que en
juntos en un estudio. Dos días después, en realidad estaba sucediendo: la agenda propia
la casa de campo de John, la banda realizará de Lennon como solista o McCartney incu-
su última foto grupal. Para el momento en bando su propia familia (su hija Mary nació
que el disco quedó terminado, Alan Klein, un par de semanas después de haber termi-
como manager encargado, había reducido a nado de grabar) y, más importante, su propia
la compañía Apple Corps a una oficina ad- vida fuera de la banda.
ministrativa como cualquier otra, y con ello, “Abbey Road” se lanzó en septiembre de 1969
toda la época de las buenas intenciones y fa- y se promocionó sin que se tuviera el menor
bulosas ideas había quedado atrás: la utopía indicio de la ruptura. John no dijo nada. Inclu-
de los idealistas que formaban parte de esta so, varios meses después –enero de 1970– en
corporación acababa. En su gran mayoría ha- una entrevista para la revista Rolling Stone,
bían sido despedidos. Lennon (que en general era el más honesto y
Mientras tanto, se daba por entendido que el menos estratégico de The Beatles) se prestó
grupo empezaba a disgregarse porque se mul- para continuar con la ficción de que la banda
tiplicaban las actividades individuales. Mc- aún existía cuando, en efecto, él mismo ya la
Cartney componía para Badfinger y producía había abandonado definitivamente.
para Mary Hopkin; Harrison hacía lo propio El fin de una era.

75
Emilio Garrido

El 26 de septiembre de 1969 salió a la venta “Abbey Road”, el on-


ceavo álbum de The Beatles. Producido por George Martin, este
trabajo constituye el final del viaje de los Fab Four como banda y
el inicio de una leyenda babilónica. Reflexionamos y analizamos,
canción por canción, este hito de la música pop universal.

76
P
ara fines de los 60, los eventual regreso a la colaboración, unidad
conflictos internos en- y compañerismo de antaño (luego del indi-
tre los Beatles eran cada vidualismo –crónico– del “White Album”),
vez más insostenibles. sino a uno de los momentos más inspirados
El proyecto original- en la historia de la banda, con algunas de sus
mente titulado “Get mejores canciones. Y, aunque muchos de los
Back” (luego, “Let It participantes lo sospecharan, nadie sabía con
Be”) resultó ser un de- certeza que sería la última vez en que Len-
sastre que quebró las relaciones e instaló un non, McCartney, Harrison y Starr estarían
inquietante suspenso sobre su futuro como juntos dando vida a una nueva obra, lo que
banda. Todo duró hasta el verano de 1969, constituye otro elemento a favor: todo fue
cuando Geoff Emerick recibió un llamado hecho sin mayores presiones, pretensiones
telefónico de Paul McCartney: «volveremos ni plazos impuestos.
a EMI próximamente para grabar un nuevo “Abbey Road”, en sí, es una apuesta por la
disco y queremos que tú seas el ingeniero». simplicidad –no musical, claro está– y por
Naturalmente, Emerick estaba preocupado la belleza, donde cada uno, dependiendo
por el estado anímico del grupo, pero Mc- del grado de participación, dio lo mejor de
Cartney lo tranquilizó asegurándole que la sí para lograr una obra imperecedera, única
dinámica sería «como en los viejos tiempos», e irrepetible. Diecisiete canciones, algunos
además que también contarían con George de los mayores clásicos del grupo, un lado
Martin como productor. Pero no todo sería B que definiría los parámetros para siempre
tan simple: «era como caminar sobre cáscaras (demostrando que su contenido es tan im-
de huevo, tratando de no ofender a nadie», portante como el lado A), una portada llena
recuerda Emerick. de simbolismos que alimentó los mitos ab-
A pesar de todo, la promesa inicial de Mc- surdos (como la muerte de Paul). Qué duda
Cartney se cumplió: efectivamente el contex- cabe: The Beatles se despidieron oficialmente
to en el estudio significó un paréntesis dentro con broche de oro.
de los conflictos, dando lugar no sólo a un “Abbey Road” es el mejor epitafio y testimo-

77
nio de lo que fueron los de Liverpool y lo que Something:
significó a nivel cultural en todo el mundo. Si bien George Harrison había creado y logra-
Fue una despedida en la cima, cuando –como do incluir grandes canciones en discos ante-
banda– ya estaba todo dicho. A 50 años, es riores, aún faltaba la prueba de fuego. Y eso
evidente que, citando una de las frases céle- llegó con ‘Something’, probablemente, una de
bres del álbum, «todo el amor que entrega- las mejores obras de su autoría en el catálogo
ron» en esta obra fue y sigue siendo retribui- beatle. Inspirada en Pattie Boyd (su esposa en
do de igual manera. ese momento), fue grabada en diversas se-
siones, siempre buscando la perfección. Sus

LADO A
principales atributos son la voz de Harrison,
los arreglos de cuerdas de Martin y, por cier-
to, la línea de bajo de McCartney, con la que
Come together: George no estaba de acuerdo inicialmente
«Hagamos algo de rock and roll», mencionó porque quería algo más simple. Una canción
John Lennon al unirse algunas semanas des- inmortal, que además fue el primer n°1 de
pués del inicio de las sesiones y presentar a la banda no escrito por el tándem Lennon-
los demás su nueva creación. La versión ori- McCartney y que figuraba en el lado A de un
ginal de ‘Come together’ era más rápida y, por single. Frank Sinatra dijo alguna vez que era
sugerencia de McCartney, quedó en el ritmo la mejor canción de amor creada. Tenía razón
que conocemos. Lennon hizo todas las voces el hombre.
y fue grabada el mismo día del alunizaje del
Apolo 11 (20 de julio, 1969). La idea fuerza sur- Maxwell’s silver hammer:
gió a partir de la intención de John de escribir Una amable composición de McCartney, o
una canción para la campaña política de Ti- como dijo Lennon en una oportunidad, «otra
mothy Leary que pretendía ser gobernador de canción de Paul para abuelas». En el tema,
California. Finalmente, quedó casi como un destaca uno de los juguetes nuevos del grupo:
himno contracultural de la época y alcanzó el sintetizador Moog y un martillo interpre-
el n°1 en las listas de EE.UU. tado por el roadie Mal Evans. Sin embargo,

78
el perfeccionismo de su autor fue tal, que la I want you (She’s so heavy):
cantidad de tomas y arreglos terminaron por El afán de experimentación de Lennon está
irritar a toda la banda, especialmente a John, presente nuevamente en una de las mejores
que la odiaba. ¿El resultado? Mejor queda a canciones de “Abbey Road”. El rock y la psi-
criterio de cada auditor. codelia se funden en una extensa pero nunca
tediosa performance, que fue grabada en solo
Oh! Darling: una toma con Lennon cantando con poten-
Un ejemplo de lo que lograba McCartney cia e inspiración (hasta el último “She’s so”
cuando, como mencionó el crítico Ian Mac- de la letra), lo que también se traduce en su
Donald, «buscaba sonar como Little Richard». ejecución de la guitarra solista. Dos de los ele-
Una canción potente, con una apropiada lí- mentos centrales son la excepcional línea de
nea de bajo que no opaca al conjunto en su bajo de McCartney (una de las más complejas
interpretación. en la carrera de la banda) y toda la parte fi-
nal: Lennon estaba obsesionado con el ruido
Octopus’s garden: blanco y pidió a Geoff Emerick que este efec-
El buen Ringo también tuvo la oportunidad to terminara por cubrir totalmente la pista de
de contribuir con una de sus composiciones, la música. Similar también fue la instrucción
la segunda oficial en un disco de The Beatles. que le dio al ingeniero para terminar el tema:
‘Octopus’s garden’ fue calificada por Harrison «asumí que el fin sería con un fade out, pero
como «una canción adorable» y, en general, John tenía otra idea –más radical–, de repen-
el consenso con esta afirmación es unánime. te me dijo “corta la cinta ahora”. ¿Ahora?, le
Entretenida, sin mayores pretensiones, crea- dije. “Sí, ya me escuchaste Geoff”». ¿Mejor
da durante una estadía con Peter Sellers y con final para el Lado A? Imposible. Rupturista
el inconfundible sentido del humor del inglés y una influencia para múltiples casos en el
que fue determinante en su concepción. futuro.

79
LADO B
ducción en piano como ha sido su sello en
todos estos años, Paul presenta una serie de
quejas y mensajes implícitos, principalmente
Here comes the sun: por los conflictos financieros en Apple Corps,
«Estábamos en el jardín, con nuestras guita- que dan cuenta de lo inevitable: el fin de The
rras. Era una mañana hermosa, el sol brilla- Beatles estaba cerca.
ba…y de repente vi cómo nació ‘Here comes
the sun’. El testimonio de Eric Clapton –gran Sun king / Mean Mr.
amigo de George– nos remite nuevamente
a la simplicidad. La canción no sólo se con- Mustard/ Polytheme Pam:
vertiría en una de las más importantes del Lennon nunca estuvo del todo de acuerdo
catálogo beatle, sino de toda la obra de George con la suite propuesta por McCartney del lado
Harrison, que más allá de lo sencilla que pa- B («¿Para qué necesitamos otro álbum con-
rece, cuenta con una métrica compleja (en 7 ceptual?», habría mencionado según recuerda
½) y elementos como el Mini Moog, también Geoff Emerick) hasta que pudo incluir algu-
ejecutado por él. Un nuevo ejemplo del ta- nas de sus nuevas composiciones, eviden-
lento creativo de George, que algunos meses temente como respuesta musical a la visión
después explotaría en su triple álbum debut de McCartney, que controlaba esta sección.
en solitario “All Things Must Pass”. Así surge ‘Sun king’, una singular creación,
muy similar musicalmente a ‘Albatross’ de
Fleetwood Mac, con una parte que contem-
Because: pla palabras inconexas en español (no traten
Fue la última canción en ser grabada para el de buscar algún significado oculto, no tiene
disco y constituye un momento especial: Len- ninguno) y un nuevo ejemplo de las grandes
non, McCartney y Harrison registrando sus armonías vocales de los Fab Four. En tanto,
voces en tres tonalidades distintas, logrando ‘Mean Mr. Mustard’ fue registrada en la mis-
un efecto coral que no deja de impactar. Lo ma sesión que la anterior y, según Lennon, es
anterior, secundado por los sintetizadores (in- «otra de las basuras que escribí en la India»,
cluyendo una suerte de clavicordio), con John mismo criterio que aplicó para ‘Polythene
ejecutando en la guitarra un arpegio constan- Pam’. Pues, si él lo dijo, ¿qué podemos opinar
te (inspirado en la sonata ‘Claro de luna’ de el resto de los mortales?
Beethoven) y un arreglo fenomenal cortesía
de George Martin.
She came in through the
You never give me your bathroom window:
Para cerrar el medley, esta composición de
money: McCartney focalizada en el rock, inspirada
Aquí se consolida la concepción del lado B según su testimonio en un par de “Apple
como un todo. Según Ian MacDonald, «la Scruffs” (admiradoras que esperaban a la
canción marca el inicio psicológico de la ca- banda en las afueras de Apple Corps) que
rrera solista de McCartney», una afirmación ingresaron en algún momento a su casa en
que tiene mucho sentido. Con un sonido si- St. John’s Wood. Dinámica y entretenida, sin
milar al que explotaría en Wings y una intro- mayor ambición.

80
Golden slumbers / Carry uno de sus mejores trabajos y que demuestra
su precisión y exactitud como instrumentista.
that weight: Geoff Emerick tenía una opinión que refleja-
La parte final del disco –y de la carrera en es- ba perfectamente el significado de esta obra
tudio de The Beatles– comienza con McCart- y su gestación: «esa sesión fue la más im-
ney cantando junto al piano, impregnando sus portante del verano de 1969 y escuchar esos
palabras de melancolía (en este sentido, es una solos siempre me genera una sonrisa». Por
especie de canción de cuna), para luego crecer último, destacar la frase que corona la obra
con sólidos arreglos de cuerdas y vientos hasta y que, definitivamente, es un epitafio: “And
llegar a ‘Carry that weight’, que recupera el mo- in the end / The love you take / Is equal to
tivo central de ‘You never give me your money’. the love you make”.
La potencia que logran es tal en este segmento
que no deja de impactar al escucharlo y es el
paso ideal para lo que se viene. Her majesty:
Inaugurando la tendencia de los “fantasmas”
al final de determinados discos, aún queda
The end: una sorpresa en “Abbey Road”: ‘Her majes-
Quizás todos intuían que era algo más que un ty’, una balada folk de McCartney que había
simple título, por ello esta canción (casi) final sido grabada al comienzo de las sesiones del
tiene muchos elementos especiales: Lennon, álbum y que, quizás, representa una metáfora
McCartney y Harrison nunca lograron lle- de cómo se dieron las cosas posteriormen-
gar a un acuerdo sobre quién haría el solo de te. Aparece 20 minutos después del término
guitarra, por lo que optaron por alternar di- oficial, lo que se podría interpretar como la
ferentes solos entre los tres. Además, Paul pi- continuidad de las carreras solistas de los
dió a Ringo un solo de batería, que junto con Fab Four post ruptura. Sólo ese sueño había
representar un factor distintivo del tema, es terminado.

81
Pablo Cerda En el ámbito musical, muchos eventos espontáneos pasan a ser hitos que
marcan a generaciones. Ciertamente, la carrera de The Beatles no está exenta
de aquello. Con las ganas de crear algo grande, la idea de que la entonces
nueva placa del cuarteto llevara por nombre “Everest”, inspirado en los
cigarros del ingeniero en sonido Geoff Emerick, rondaba sigilosamente en la
cabeza de Paul McCartney. Incluso se pensó en viajar al monte para ilustrar
la portada, pero eso fue descartado por una ocurrencia mucho más simple
que pasaría a la posteridad como una de las imágenes más recordadas y

T
replicadas de la historia de la cultura pop.
ras el tumultuoso proceso en un artículo de Rolling Stone: «Teníamos un
del proyecto “Get Back”, plazo que cumplir. El álbum ya estaba retra-
las nuevas canciones de sado y tenía que imprimirse, así que tuvimos
“Abbey Road” parecían ser que resolverlo rápido». En una determinación
el golpe de energía que ne- artística que probaría ser un acierto, reconoce
cesitaba The Beatles. Por que la decisión de que el disco no llevara im-
esos días, el director de preso el nombre de la banda fue totalmente
arte creativo de Apple Corp. era John Kosh, suya. «Si no conoces a The Beatles, ¿dónde
quien ya había diseñado las carátulas para los has estado?», sentenció.
discos y los singles de otros artistas del sello, El diseñador echó mano a la sesión que el
incluyendo la de “Unfinished Music No. 2: fotógrafo escocés Iain Macmillan le había
Life with the Lions” (1969), el segundo álbum tomado a la banda a las afueras de los estu-
experimental de John Lennon y Yoko Ono. dios ubicados en el barrio residencial de Saint
Luego de reunirse con el director de publi- John’s Wood. La sesión se realizó en un calu-
cidad Derek Taylor y Lennon para escuchar roso día de agosto y Paul McCartney usaba
una muestra del nuevo trabajo en el sótano unas sandalias que decidió quitarse debido
del estudio, Kosh se puso manos a la obra para a las altas temperaturas, así lo recuerda en el
trabajar en la portada, según lo que recuerda libro de entrevistas “The Beatles Anthology”:

82
83
«Hacía tanto calor que me quité las sanda- es lo que estaba sucediendo en la interna».
lias y caminé descalzo durante unas cuantas
tomas. Resultó ser que en la fotografía que
se utilizó yo no llevo zapatos, al estilo Sandie Un viaje a la
nostalgia
Shaw. Hay mucha gente que va descalza, así
que no me parecía nada excepcional».
Lo que en ese entonces Paul se tomaba de
manera tan natural, a John le parecía solo otra La sesión fotográfica duró diez minutos y se
manera de figurar, según lo que cuenta en la tomaron seis capturas, de las cuales se utilizó
misma publicación: «Paul cruzó el paso de la quinta que muestra al grupo cruzando en
peatones descalzo porque la idea que tiene de fila. A excepción de George, quién aparece
ser distinto es ir de modo convencional y lue- con camisa y jeans de mezclilla, Paul, Ringo
go pintarse la oreja de azul o alguna sutileza y John visten los trajes del diseñador Tommy
similar». El momento de la foto no tuvo mayor Nutter en medio de un potente paisaje ur-
mística para Lennon, de hecho, quería que la bano adornado por el frondoso verde de los
sesión no tardara mucho para seguir con el árboles, el misterioso turista estadounidense
disco. «Se supone que estábamos grabando, Paul Cole mirando la escena desde el fondo
no posando para las fotos de The Beatles». En y el característico Volkswagen escarabajo de
cierto sentido, la frase es un manifiesto de su patente LMW 281F estacionado justo detrás.
estado de ánimo durante el proceso, ya que El auto solía estar frecuentemente en ese sitio
deseaba buscar nuevas fórmulas de expresión e intentaron quitarlo, pero su dueño no estaba
lejos de su banda madre. En entrevista con en ese momento. Nadie calculó que su apari-
NBC News, el editor adjunto de Rolling Stone, ción lo convertiría en un objeto de culto que
Joe Levy, hace hincapié en una fractura evi- se llegó a subastar por £2530 en 1986.
dente que contrasta con la imagen de unidad Para el arquitecto Iván Poduje, la foto retrata
que se ve en la carátula: “En ese punto, The la esencia de lo cotidiano: «creo que simbo-
Beatles ya casi no era The Beatles. John quería liza la vida corriente de los Beatles, repre-
estar con Yoko y explorar otras facetas mu- sentados como peatones o ciudadanos de a
sicales o artísticas. Cada miembro apuntaba pie. Abbey Road es una calle en pleno centro
en distintas direcciones. En la carátula todos chic de Londres, con buena arborización y
parecen ir en la misma dirección, pero eso no casas victorianas muy bien mantenidas. Hoy

84
en día se deben generar atascos vehiculares Como era de esperarse, los festejos por las
ahí, ya que es difícil pasar en auto por el paso cinco décadas del hito movilizaron a miles
peatonal con tanta gente cruzando. Pero hay de fanáticos que llenaron más que nunca las
colegios y varias oficinas, así que tampoco es calles del apacible barrio inglés. Si la ruta ya es
un suburbio residencial calmado. Está muy difícil en un día normal, el ocho de agosto del
cerca del Regents Park en una zona con alta 2019 fue toda una prueba de paciencia para
afluencia de turistas». los automovilistas, ya que los fanáticos se to-
Como pasa con muchos lugares inmortaliza- maron el entorno no solo para perpetuar el
dos en portadas, es normal que estos puntos ritual, sino que tomándose la calle para vivir
cambien su fisionomía, suban los precios in- a concho la fiebre beatle. De hecho, el mismo
mobiliarios y el comercio se dispare, pero la Paul McCartney generó noticia un año antes
magia de Abbey Road es que no cede ante el cuando miles de cámaras lo registraron cru-
implacable paso del tiempo. «El entorno es zando la esquina de Abbey Road y Garden
básicamente el mismo que cuando se tomó
la foto hace 50 años. Los edificios victorianos
color ladrillo, los árboles y las veredas están
ahí. Entonces, puedes recrear la foto como
fan, pero también apreciar el entorno que The
Beatles vió cuando se la tomó. Es como viajar
en el tiempo y eso no es usual en landmark
urbanos tan famosos», recalca Poduje.
El profesional también alude a la conserva-
ción como un agente decisivo que facilita su
permanencia en la retina patrimonial de la
gente: «En el caso de Abbey Road siempre se
protegió el entorno arquitectónico. Estos luga-
res se transforman en atracciones turísticas y
recorridos sugeridos para Londres. Algo simi-
lar a las torres de la planta de carbón Battersea
retratadas en “Animals” de Pink Floyd o la
ruta de Jack, el destripador, pero con mucho
más afluencia, ya que The Beatles es inmen-
samente popular y el cruce peatonal está en
un lugar muy bonito de la ciudad».
La cotidianidad es un factor de gran peso a la
hora de reverenciar la foto, al punto en que
aparece constantemente representada hasta
en series de televisión y portadas de revistas
en todo el mundo. Plaza Sésamo tuvo su mo-
mento beatle en noviembre de 1993 cuando
lanzó “Sesame Road”. Los Simpsons hicieron Road antes de dar un concierto en el edificio
lo propio para la portada de Rolling Stone en que hoy lleva el nombre del disco para la pro-
noviembre de 2002. Hasta el ilustre Condo- moción de “Egypt Station”. «Volver a Abbey
rito se atrevió a cruzar el paso de cebra con Road es un viaje a la nostalgia», sentenció
sus amigos de Pelotillehue. En la música, ni el músico cuatro años antes en el programa
hablar. Artistas de todos los estilos han tri- de conversación The Jonathan Ross Show y
butado la caminata de los Fab Four, desde sus palabras reflejan el apego emocional que
la influyente agrupación de R&B y funk Bo- aún siente cada vez que regresa al lugar donde
oker T. & The M.G.’s en “McLemore Avenue” pertenece y que nunca dejará de ser un punto
(1970), pasando por Red Hot Chili Peppers y de peregrinaje. Y es que cada vez que alguien
su osada versión en la que caminan desnudos atraviesa esa intersección de calles para co-
cubriéndose los genitales con un calcetín en nectarse con uno de los momento clave de la
“The Abbey Road EP” (1988), hasta el enorme cultura popular, es una muestra de que todo
referente del black metal Abbath en una se- el amor que entregó The Beatles es igual al
sión para el medio Louder en 2015. que siguen generando.

85
Bastián Fernández y
Fernanda Schell

Distintos son los análisis y conjeturas que se pueden hacer sobre


“Abbey Road”, una obra que carga con un misticismo y simbolismo
sin igual por el gran relato que contiene, musical, discursiva y artís-
ticamente. A medio siglo de su lanzamiento, algunos reconocidos
fanáticos y entendidos (periodistas, críticos, músicos) nos comen-
tan cuál es la relevancia que le entregan de esta obra a la cultura
rock, nos hablan de sus canciones favoritas y comentan qué opinión
tienen sobre este álbum que cerró el telón de la historia beatle.

86

Abbey Road” es un álbum que orgánica y compacta, con un cuerpo sólido
pasó a la historia de la música y uniforme, de donde podemos extraer toda
pop por distintos factores, todos una corriente de grupos que harían camino
válidos y rodeados de mitos. Un en la primera mitad de los 70.
disco que es materia obligada Este fue un disco que tuvo la ventaja de gra-
para cualquier melómano que barse en el mejor momento de la banda y con
se jacte de tal, para cualquier los elementos técnicos que se asomaban ha-
profesional que se dedique al cia inicios de la década del 70. Eso permitió
noble oficio de escribir de música y, en gene- que, como varios otros discos de su época,
ral, para todos quienes le destinan una parte hoy suenen frescos. Canciones como ‘Here
de su vida a la música. Los cuatro ingleses comes the sun’ y ‘Something’ son inmortales,
que cambiaron la música para siempre desde cuyo impacto seguimos viendo en la historia
su aparición, sellaron su historia como banda del pop, y ‘Come Together’ ha envejecido con
con una coda digna de su grueso relato que, a toda dignidad. Vale mencionar el trabajo de
50 años de su publicación, tiene distintos en- George Martin que actúo como unificador
foques y puntos de vista. Acá algunos de ellos de las diversas personalidades de una ban-
en palabras de fanáticos y críticos locales. da que se puso al servicio de las canciones y
abrió paso a interesantes apuestas, como las
Cristofer Rodríguez composiciones de Harrison, el solo de batería
de Ringo y el medley del lado B donde Len-
Profesor de historia y crítico musical non y McCartney vuelven a parecer un solo
compositor.
Es difícil evaluar a Los Beatles por uno o dos
hitos definitivos, pero el hecho de que este
sea su último disco agrega un valor poético en
visión retrospectiva de la despedida del gru-
po que cerraba la década como el más grande
fenómeno surgido al alero de la industria de
la música popular, a lo que se le debe sumar
el impacto cultural de la carátula que da para
una tesis aparte.

Marisol García
Periodista y escritora
“Abbey Road” es un disco que representa una
suerte de madurez para una generación que
tres años antes exploró todo lo que les fue
disponible y luego deciden grabar un disco
con un sonido más consolidado. La forma de
componer de Lennon en esos años –‘Come
together’, ‘I want you’) fraseando con la gui-
tarra y la voz a la vez (como también hizo
en Plastic Ono band) es una escuela para
cualquier músico que quiera componer can-
ciones de rock. es evidente. Así como existió
un sonido “A Hard Days Night”, un sonido
“Revolver” y un sonido “Sgt. Pepper”, que
fundaron y definieron caminos desde don-
de surgieron bandas y estilos respectivos de “Abbey Road” es la comprobación de una ma-
ahí en adelante, “Abbey Road” entrega el úl- durez, la constancia de que el trabajo rockero
timo sonido patentado por la banda. En este tiene una evolución y una consolidación. Es
caso es el sonido rockero, no en el sentido un disco imposible de imaginar en una ban-
estridente y distorsionado necesariamente, da debutante, pues está lleno de decisiones
sino en términos de una identidad sonora tomadas desde el oficio, la experiencia y el

87
afiatamiento de los músicos entre sí (es cu- McCartney le da el sello, hasta la gran obra
rioso que tenga composiciones de los cuatro visual que es su portada, una foto cualquiera
Beatles) y con su productor. se transformó en un lugar de peregrinación.
En la buena música hay una condición de Como todas las grandes obras, cada día está
atemporalidad dada por la solidez de su com- más joven este disco. La obra se cuida y se
posición e interpretación. Este es un disco preserva a si misma por su calidad.
que me suena cercano y a la vez desafian-
te, aún. Sacó lecciones sobre la música y no
sólo pistas de época o de la biografía de una María de los
banda. Por lo mismo, no sé cómo se mide su
importancia. Sí, para mí, es muy relevante Ángeles Cerda
que, de los dos añadidos autorales de Geor- Traductora, editora y crítica musical
ge Harrison, ‘Something’ haya crecido hasta
convertirse en lo que es hoy.

Rainiero Guerrero
Periodista y director radial

Creo que su importancia apunta a que la ca-


lidad de las canciones supera la tensión y el
resentimiento que existía en la banda. Es un
reflejo del trabajo colectivo de The Beatles, a
pesar de que se encontraban en un mal mo-
mento en su relación personal, donde logra-
“Abbey Road” fue volver a una zona segura, ron manufacturar un álbum trascendente y
como cuando uno tiene mucho ruido dando que destaca por su simplicidad. Se sacaron de
vueltas y vuelves a escuchar un pedazo de encima las expectativas del público, trataron
pieza musical que es fundamental. Ese dato de volver a su forma más pura junto a George
influye en querer saber más de su historia, Martin y no necesitaban mostrar que estaban
saber qué hubo detrás de esa grabación. So- a la vanguardia en la música pop. Fueron fie-
bre todo, porque este es el último disco que les a sí mismos.
grabaron juntos y eso va a ser simbólico para Es de aquellos discos que no envejecen y que
todo aquel que es fan de los Beatles. Es como están presentes en forma permanente en el
“la última cena”. En términos musicales, se inconsciente colectivo, con grandes cancio-
volvieron a juntar piezas inconclusas de nes como ‘Something’, que no solamente re-
otros discos y lograron hacer una obra que vela la brillantez de George Harrison, sino
trascendió. El lado uno es maravilloso, con porque también es una de las mejores cancio-
‘Something’ que es la canción final de Harri- nes de toda la carrera de The Beatles.
son, y el lado dos que se escucha como algo No creo que sea su obra máxima, pero sí re-
conceptual sin serlo, con el medley completo presenta todas las influencias de The Beatles
que le da sentido. en un solo álbum y con increíbles instrumen-
Todo lo que rodea a esta obra es un aporte taciones de cada uno de los miembros. La
fundamental a la cultura pop, desde el apor- parte de batería de Ringo en ‘Come toge-
te musical de sus canciones donde destacan ther’ ha sido imitada y replicada por años,
‘Here comes the sun’, ‘Something’, ‘Come to- y el estilo de Harrison también ha marcado
gether’ y el final que es toda una gran com- e inspirado a generaciones de guitarristas.
posición de canciones bien cantadas donde Acá también se definieron claramente las

88
personalidades de McCartney y Lennon, y
el camino que siguieron desde entonces en
sus carreras en solitario.

Ángelo Pierattini
Músico, compositor y productor musical

conscientes de que hasta ahí llegaba su viaje


juntos. Fue un disco de acuerdos. Sin egos de
arranque, sin desvaríos, guiados por George
Martin, como en los viejos tiempos. Con las
ideas musicales muy claras y con la perso-
nalidad de cada compositor en evidencia. La
dupla Lennon/McCartney daba paso a un
Harrison parándose como un igual y se roba
El “Abbey Road” es un disco que siempre los grandes momentos del disco.
ha estado en mis oídos, desde que era muy Algo bonito de “Abbey Road” son sus medleys.
niño o antes de eso. Los Beatles son la ban- Esa idea de agrupar pedazos de canciones
da sonora de mi casa desde que nací. Por lo en una obra mayor que tenga un sentido, no
mismo, toda su música me ha influenciado conceptual, sino que emocional. La varian-
enormemente, al punto que ‘Come together’ te de estilos, pasar del rock casi plagiado de
fue el primer cover que grabé con Weichafe Chuck Berry a una balada intensa y luego a
cuando tenía 19 años. La música de ellos es un vaudeville, a gritos desgarrados, una can-
mi base musical, es la piedra fundacional en ción infantil y encantadora, una volada que
mi gusto por tocar y hacer música. para en seco, la luz del sol al amanecer, las
Como pasa en general con su discografía, armonías a tres voces marca registrada. Es un
“Abbey Road” tiene composiciones que aún mundo del cual elegir el que te ofrece el disco,
suenan como si fuesen hechas hoy, hasta además de enseñarnos cómo se cierra un dis-
el último acorde grabado. No ha envejecido co y un relato épico de menos de una década.
nada, y de hecho aún está muy vigente. Es Canto de cisne en su máxima expresión.
una unidad perfecta donde me gustan todos El tiempo le ha hecho bien a Abbey Road.
sus temas, aunque si creo que tiene la can- No suena para nada añejo porque los códi-
ción más bella jamás escrita como banda: gos para fabricar canciones, hilar melodías y
‘Something’. secciones, y especialmente tocar la fibra más
Este álbum nos enseña algo que poco ha profunda de tu corazón son elementos atem-
aprendido la industria: que la música es una porales. Esto podría haber sido lanzado hoy
sola, indiferente su estilo. Contiene un mon- y tendría exactamente el mismo impacto y,
tón de formas distintas y que conviven muy quizás, tiene toda esta magia porque el pro-
bien entre sí. Nadie podría catalogarlo solo ceso fue el opuesto al de “Let It Be”: sin cá-
con una etiqueta. Es un disco que nos enseña maras, sin registro de ningún tipo, salvo unas
lo importante de la diversidad en el arte. pocas fotos de las sesiones. Todo en control
hermético, como funcionan las mejores cosas.
Héctor Muñoz Hubo mucho de enigmático en su realización,
por lo que hay que abrir la imaginación para
Periodista y músico escuchar los descartes, y ojalá la edición del
50º aniversario nos traiga muchas más pistas
“Abbey Road” es fundamental por la madurez que lo mantengan tan fresco como siempre.
de los Beatles a esas alturas. Tiene que haber ‘Something’ es, sin dudas, la canción más re-
influido mucho el cómo lo trabajaron, el estar levante. El florecer de George Harrison como

89
cantautor, superando a sus hermanos ma-
yores en el lugar del single destacado. Es la
mejor carta de presentación que pudo haber
tenido “Abbey Road”, aunque no es capaz de
comerse al disco entero. No hay que olvidarse
de ‘Oh! Darling’, ‘I want you’, ‘Because’, ‘Here
comes the sun’, que son de mis favoritas, con
un lugar especial para el medley final que es
perfecto cuando McCartney lo toca cerrando
cada uno de sus shows.
Puede ser que la obra máxima de The Beatles
no sea “Abbey Road”, pero es el broche de oro
que contiene algo de todos los anteriores. Si
eso no es poesía materializada en la realidad,
pacifista, siguen con ‘Something’ la que debe
no sé qué es.
ser la canción de amor más hermosa del pla-

Miguel Reyes neta, sin ninguna duda, y Lennon cierra con


‘I want you (She so heavy)’. Lo que te gol-
Periodista pea en “Abbey Road” es el medley completo,
son los Beatles maduros, con la complejidad
“Abbey Road” es perfecto. La mayoría de los y simpleza que siempre los caracterizó. Es
discos de The Beatles tienen esta gracia que una joya.
estaban dentro de un torbellino de compo- “Abbey Road”, tiene todo este britpop lisérgi-
siciones, en el que quedaba mucho material co, tiene baladas románticas, rock pesado…
afuera. Precisamente en este disco, para los son canciones vanguardia. Sin temor a equi-
que coleccionamos bootlegs uno comprende vocarme, en 100 años más escuchar ‘Come
que hay más afuera de lo que quedó final- together’ será una demostración básica del
mente. Los Beatles tenían ese trabajo precio- ser humano. Ha envejecido muy bien y se lee
so de descartar tomas que para otras bandas perfectamente. Es atemporal, y nos muestra
podrían haber sido discos completos de ca- un cierre perfecto, el cierre de un ejercicio
lidad. Abren con ‘Come together’, un himno cósmico brutal.

90
Cristofer Rodríguez La última película de Danny Boyle recurre a un viejo recurso: tomar
las canciones de The Beatles y llevarlas al cine. Pero hacerlo en 2019 y
refrescar su catálogo para entregarlo a las nuevas generaciones es una
apuesta que agradecemos.

I. El cine
les. La misma carrera de los de Liverpool sería
diametralmente opuesta de no ser por el cine.

D
Su supervivencia a través de los años hasta
esde temprano el siglo XX, la actualidad, en cierta medida, se debe a su
el cine ha sido un eficaz presencia en las pantallas. Yesterday, la últi-
vehículo movilizador de ma película de Danny Boyle (Trainspotting,
la música pop. En Chile, Slumdog Millionaire) no es la excepción.
la fama de ídolos como
Jorge Negrete, Sandro
o Raphael no hubiese sido la misma sin el II. La música
impulso que significó su carrera cinemato-
gráfica. Más adelante, fenómenos como Wo- ¿Cómo sería un mundo donde The Beatles
odstock, Easy Rider y, en menor medida, El no hubiesen existido? A medio andar entre
Graduado (pasando por el antecedente de Se- el drama romántico y la comedia, Yesterday
milla de Maldad con Bill Haley), fueron una no pretende dar una respuesta “seria” a esta
puerta de entrada para los jóvenes chilenos y pregunta. Sin embargo, es enormemente gra-
su acercamiento al rock, en una época donde tificante que a partir de la historia del dulce
conseguir discos era bastante más caro que pero fracasado cantautor Jack Malik, poda-
ir al cine. mos cuestionarnos aquello. En la película la
Si en los 80 comienza a hablarse de la audio- respuesta no es tan aterradora, pero nosotros
visualización de la cultura (gracias a fenó- en nuestros asientos nos preguntamos ¿esta-
menos como MTV y la expansión del VHS), mos tan seguros de ello?
en la actualidad esto ha llegado a niveles de Uno de los gags que mejor funciona en la pe-
mayor profundidad con el acceso transversal lícula es que mientras Jack va asimilando que
de las audiencias a las plataformas de video The Beatles han desaparecido de la memoria
en streaming en los hogares y teléfonos ce- del mundo, googlea para confirmar sus con-
lulares. Por otro lado, considerando la crisis jeturas. Al buscar The Beatles no hay resulta-
identitaria de la música pop actual (con las dos de la banda; al buscar The Rolling Stones,
50 canciones más escuchadas de Spotify so- aparecen fotografías y links sobre el grupo de
nando prácticamente una igual a la otra), el Jagger y Richards; finalmente, al buscar Oa-
cine ha vuelto a instalarse como un efectivo sis, otra vez no hay nada de la banda. Malik
dispositivo de divulgación y actualización asiente: «eso tiene sentido». Sin Beatles, no
musical. Fenómenos como Mamma Mía! con hay Oasis.
la música de Abba y las recientes Bohemian Pero conforme avanza la película es posible
Rhapsody y Rocketman, sobre Queen y Elton ver discos de Bowie, menciones a Coldplay,
John, respectivamente, se matriculan en esta Pulp y a Jack utilizar una polera de Franz Fer-
tesis. dinand, lo que abre el debate sobre si existi-
En el epicentro de este fenómeno que une rían todos ellos sin The Beatles o solamente
cine y música siempre han estado The Beat- Oasis hubiese desaparecido. Con manga an-

92
93
cha, tal vez el mismo Ed Sheeran (personaje y proyectarse desde ahí. Son Beatles, pero del
secundario que actúa de sí mismo) no debería siglo XXI. Que Coldplay sea entendida como
existir en el universo de Yesterday. Si lees esto una banda clásica dentro de la historia (la
y no estás de acuerdo, es justo lo entretenido comparación de ‘Yesterday’ con ‘Fix you’ es
que deja la historia. ¿Qué grupos existirían o más que esclarecedora) nos habla justamente
no sin The Beatles? O, más aventurado aún: de aquello. Y este es uno de los valores más
¿qué fenómeno sociológico, histórico, social preciados de la cinta: Yesterday actualiza a
o estético existiría o dejaría de existir sin el los de Liverpool y los presenta a las nuevas
impacto global que dieron los Fab4? generaciones.
La película también aborda sensibilidades Si bien nunca han dejado de estar en primera
íntimas de sujetos y lugares reales que, de fila de la contingencia musical, hace muchos
no existir The Beatles, hoy no serían los años que no tenemos noticias de los Fab4 con
mismos. Como beatlemaniático, es posible novedades que puedan refrescar su catálogo.
incluso preguntarse si nuestra vida sería la Solo reediciones de aniversarios y algunos
misma hoy. estrenos en YouTube, lo que además ha sido
Más allá del juego, los debates y la imagina- eclipsado por la sorprendente actividad me-
ción, la película nos pone frente a la posibi- diática de Paul McCartney. Pero canciones
lidad de que The Beatles no hayan existido nuevas y versiones frescas como en “Let It
y, tal como el método de los historiadores de Be… Naked”, proyectos innovadores como
imaginar situaciones ficticias para dimensio- “Love” de Cirque Du Soleil y la película basa-
nar los impactos reales de los sucesos, Danny da en sus canciones Across The Universe, son
Boyle desarrolla un ejercicio de ucronía que, todas producciones de la década pasada.
aunque inocente, advierte sobre el impac- Yesterday es la aventura que pone en valor
to de la obra del cuarteto más popular de su la música de The Beatles, apostando por un
generación. público juvenil, mediante la actualización
sonora y estética de sus obras (incluso na-
rrativamente, es una película concordante
con el ritmo ligero y efectivo de un film mo-
derno). Que jóvenes hayan llegado a conocer
o reencantarse con la música de The Beatles
a través de la historia de Jack Malik y su do-
ble drama profesional y amoroso, o con la
participación de Ed Sheeran en un cameo
divertido y muy bien posicionado, y con las
reversiones de un catálogo que ya cumplió
50 años (todas interpretadas por el mismo
Himesh Patel, actor que encarna a nuestro
protagonista), es algo que no puede sino po-
nernos felices.
Pero, ¿qué motivaría a las nuevas generacio-
nes a asistir al cine a ver esta película? En
muchos casos, sus padres. Yesterday podría
ser un bello puente afectivo entre padres y
madres que buscan un panorama con sus hi-
jos adolescentes. Una película que funciona

III. El amor para ambos. Los mayores, porque se diverti-


rán mientras tararean mentalmente algunas
de las piezas más importantes del siglo XX
¿Por qué Jack Malik, gracias a las canciones y, posiblemente, de su vida íntima. Los más
de The Beatles, encuentra un alter ego ar- jóvenes, se encontrarán con una película li-
tístico en la figura de Ed Sheeran y no, por viana, muy bien actuada, divertida y con una
ejemplo, en Dave Grohl o Chris Martin? Pese banda sonora compuesta por el mejor grupo
a incorporar como banda sonora canciones de la historia. Si el cine y la música pueden
muy rockeras del catálogo Beatle, la película lograr algo así, pues queremos más películas
es clara en definir la dimensión pop del grupo como Yesterday lo más pronto posible.

94
Andrés Panes Dos series y un documental sobre un conflicto similar. Los superhéroes de
“The Boys”, los delincuentes digitales de “The Great Hack” y las víctimas
del neofascismo de “Years and Years” tienen algo en común: todos
forman parte del ciclo de corrupción que genera el poder.

The Boys
dora: el poder los terminaría corrompiendo.
Los superhéroes de “The Boys” son contro-

U
lados por una gran corporación, con todos
na hiperstición es un ele- los intereses económicos y políticos que eso
mento ficticio que se abre conlleva. Cada uno de ellos es una egocén-
paso a la realidad, y esta trica máquina de hacer dinero, a través de
serie de Amazon Prime ba- merchandising e incluso películas, sin una
sada en una novela gráfica pizca de vocación por el servicio público. Al
lo ejemplifica con maestría. contrario, la mayoría son unos sociópatas. Si
Si lo más interesante de “Captain America: suena muy terrible, cabe preguntarse: ¿no es
Civil War” era ver a los Avengers lidiando con eso lo que ocurriría en una sociedad como la
las consecuencias de sus (ficticias) acciones nuestra? En términos menos literales, “The
en el mundo (la realidad), “The Boys” lleva la Boys” es una exploración de la naturaleza hu-
premisa al extremo y muestra lo que pasaría mana y su tendencia a la pequeñez más que
si los superhéroes aterrizaran en el 2019 que a la grandeza. Sus protagonistas, salvo por la
todos conocemos. La respuesta, nada alenta- novata que llega al equipo a revolver el galli-

96
97
nero, ni siquiera defienden su propia casta, Donald Trump en la Casa Blanca valiéndose
sino que están dispuestos a traicionarse sin de antiéticas maniobras como manipular la
miramientos según la conveniencia del mo- percepción del público. La moraleja: cuidado
mento. Un asco, pero también un escenario con lo que compartes.
muy verosímil. Después de todo, ¿quién no

Years and Years


conoce a personas así?

The Great Hack Inspirada por el avance del neofascismo en el


mundo, esta serie inglesa imagina los próxi-
Al igual que otros documentales recientes mos 15 años planteando los peores escenarios
sobre la política gringa y sus chanchullos, posibles como parte de una distopía que, en
como “Get me Roger Stone” (2017) y su es- varios aspectos, es de una preocupante facti-
calofriante retrato de la mente de un asesor bilidad. Con apariciones de Emma Thompson
de Trump, o el aún más inquietante acerca- en el rol de una carismática empresaria que
miento a Steve Bannon de “The Brink” (2019), funciona como la versión femenina y britá-
nica de Donald Trump, es decir, la clase de
líder que condena a su pueblo con su brutal
incompetencia y una feroz apatía, sus escasos
y contundentes episodios siguen los pasos
de una familia que sufre las consecuencias
de todas las decisiones tomadas desde las
cúpulas de poder.
En cierto aspecto, “Years and Years” recuer-
da a “Los 80“, porque la familia protagonista
es un vehículo para narrar los cambios en
un país. Ninguna penuria le pasa de largo a
los Lyons. Los sacude el manejo perverso del
flujo de inmigrantes, los futuros desbarrancos
económicos, el enfriamiento de una huma-
nidad que prefiere interactuar mediante dis-
“The Great Hack” (renombrada como “Nada positivos digitales. Estremecedora, esta serie
es Privado” para el público latino) de Netflix debiese verla cualquiera que se sienta a salvo
es prácticamente una película de terror o, al de la coyuntura: los primeros en sentir los
menos, provoca lo mismo. Una mezcla de efectos de las crisis que se están incubando
miedo, incomodidad, agitación e impacto se alrededor del mundo vamos a ser nosotros,
desatan al ver esta clase magistral acerca del los comunes y mortales, esos que la derecha
derecho humano a la privacidad. Con suma acá trata de “patipelados”.
elocuencia, el docu revela el turbio estudio de
mercado que son al final del día las redes so-
ciales, donde la gran mayoría de los usuarios
aportan gratuitamente información sobre sus
hábitos de consumo de manera incauta, sin
saber que esos datos alimentan de algoritmos
que luego son usados en nuestra contra.
Un dato importante: los macrodatos o big
data son, en este momento, la mercancía más
preciosa del mundo, por sobre el petróleo, in-
clusive. De ahí la gran fortuna que amasa, por
ejemplo, Mark Zuckerberg de Facebook, par-
te del inescrupuloso negocio de Cambridge
Analytica, un titán de la propaganda política
que se hacía pasar por empresa de análisis
científico de datos. Si el nombre te suena es
porque ellos son los que ayudaron a poner a

98
«Hay una suerte de pulsión del
que quiere hacerla, que no quiere
ser asalariado. Esta historia tiene
un poco ese afán»

Felipe Godoy “Matadero Franklin” (Planeta, 2018) es una trepidante historia sobre
el mundo delictual del Santiago antiguo y su transición hacia los
modos más familiarizados con el capitalismo salvaje que adquirirá,
posteriormente, de la mano del narcotráfico. Simón Soto, su autor, nos
cuenta cómo fue hilando el relato, valiéndose de los primeros hitos
delictuales de la vida de Mario Silva Leiva, más conocido como el “Cabro

L
Carrera”.
as calles del Barrio do por sus acciones más que por extensas
Franklin, Club Hípico descripciones.
y Cal y Canto fueron
el escenario escogido El libro es bien cinematográfico, bien vi-
por Simón Soto para sual. ¿Lo pensaste de esa forma?
contar una historia Te diría que más que la visualidad, a mí me
que se construye en importa mucho la estructura, además del len-
base a sus personajes, guaje, y eso creo que está muy influenciado
arquetipos que representan dos visiones de por mi oficio de guionista. En el guión eso es
mundo opuestas, pero que pueden perfec- importantísimo, ya que no tiene otras herra-
tamente convivir al interior de cada uno de mientas donde sostener la prosa, donde más
nosotros, los chilenos de carne y hueso que esconderse. Si un guión está escrito débil-
no estamos en las novelas. Soto, actualmente mente en términos de estructura, de cons-
está en receso de su oficio como guionista trucción de escena, de complejidad de perso-
de teleseries, «es muy agotador y desgas- najes, no hay lenguaje que encubra eso.
tante emocionalmente, es una moledora de
carne muy brutal», cuenta. Sacar este dato En ese sentido, el texto no dedica dema-
a colación no es azaroso: uno de los rasgos siado espacio a explicar los personajes, los
centrales de “Matadero Franklin” es su es- personajes se explican más por sus acciones
tructura, privilegiando relatos breves que se que por otra cosa.
van entrelazando poco a poco entre sí, con Sí, exactamente. La estructura de éstos pedía
personajes cuya complejidad se va explican- que sus construcciones humanas y su ma-

100
101
nera interna se expresara a través de lo que Silva Leiva. El Cabro Carrera fue un famoso
les sucedía, de las acciones que emprendían, narcotraficante chileno, presente en el ima-
tiene que ver también con el diseño drama- ginario popular de gran parte de los chilenos
túrgico de la novela. A los personajes había mayores de 35 años por su permanente pre-
que comprenderlos en el tren de la historia. sencia en la crónica roja nacional. Capturado
en la Operación Ana Frank en 1997, el Cabro

Los primeros años pasó dos años en la cárcel antes de morir de


un infarto al corazón por el que, años más

del Cabro Carrera tarde, se culparía al médico de turno de la


cárcel por no darle la asistencia oportuna.

La novela ha sido publicitada como la histo- Cuando uno empieza a leer se da cuenta
ria de los primeros años delictuales de Mario inmediatamente que la historia del Cabro
Carrera es como un corolario de la historia
central. ¿Por qué hacer una novela sobre él
sin darle el rol central?
El origen de esta novela es muy pretérito y
tiene que ver con el Cabro Carrera. Tengo 38
años y la gente de nuestra generación alcanzó
a escuchar sobre él, cuando le cayó encima
la Operación Ana Frank. Después, cuando
falleció en la cárcel, era un hampón que apa-
recía en la crónica roja, entonces era alguien
que estaba vivo en el imaginario popular. Me
interesaba, pero cuando sentí que la vida de
él o de su clan tenía algo como arquetípico,
algo mítico, es cuando varios años después,
como el 2005 o 2006, aparece una noticia so-
bre Mario Chico, que es el nieto, una noticia
muy decadente, muy de bajo perfil. Básica-
mente, el hueón dejó la cagada ahí en el edifi-
cio Imago Mundi, que está en Las Condes, un
lugar como muy Miami, unas construcciones
medias rococó con unas torres, pero muy feo,
además, una especie de lujo medio falso. Y
claro, este hueón vivía ahí, y lo que pasó es
que le pegó a su mujer y tiró por la ventana
de un sexto o séptimo piso unos muebles,
una huevá muy jugosa. Llegaron los pacos,
el hueón estaba bajo la influencia de la coca
y tenía, no sé, un ladrillo, un poco menos, un
poco de plata, joyas, todo chico, ¿cachai? En-
tonces vi un eco ahí, todo lo que había con-
seguido el abuelo, por un lado, y toda esta
huevá charcha como un escenario perfecto
para que ocurriera lo que ocurrió. Eso me dio
la idea de escribir sobre esto.

Entiendo
Primero barajaba que iba a escribir una nove-
la sobre su vida, sobre todas sus etapas. Pero
empecé a investigar y empezaron a aparecer
materiales diversos, y el más atractivo y que
me hizo dar un vuelco en lo que estaba ha-
ciendo era una biografía de él donde habla-

102
ban de su nacimiento y crianza en el barrio las tradiciones, y a otro más implacable, ger-
Franklin, en esta época antigua. Y hablaban men del narcotráfico más despiadado, pero a
un poco como de la sociabilidad que había, la vez, de la ética neoliberal individualista que
del tipo de individuo. Todo eso me sedujo se instauraría con fuerza décadas más tarde
mucho y dialogaba con cosas que a mí me con fuerza en nuestra estructura social.
gustaban, como los relatos y el cine de mafio-
sos, sentía que ese mundo tenía una vocación En la novela son muy importantes los ma-
arquetípica muy natural y muy chilena. Ahí tarifes, que son todo un mundo, incluso hay
decidí: quiero narrar bien esto, y para repre- una estructura social entre los del vacuno
sentar también ese mundo, pedía que hubiera y los del chancho.
más personajes, no solamente el Cabro. Había cierta orgánica de la vida del barrio y,
sobre todo, de la vida de los matarifes, que

Tradición y era un oficio muy anhelado y respetado, me-


dio temido también. Eran gallos de mucha

capitalismo salvaje fortaleza física porque faenaban animales a


fuerza, no industrialmente. En un libro que

en el Matadero se llama “Por la Güella del Matadero” (2011),


entrevistaron a matarifes muy viejos que es-
taban aún vivos y contaban que había una
La historia central del libro la constituye la especie de jerarquía como tácita, era algo que
disputa entre Torcuato Cisternas, un delin- se respiraba en el ambiente, y efectivamente
cuente de baja monta que vuelve al barrio la faena del cerdo era más penca, porque era
a buscar venganza contra quienes lo habían un animal más fácil de faenar y una carne
obligado a irse años antes, arruinado; y el “más charcha”. El matadero se cierra como el
Lobo Mardones, un matarife que representa año 72-73, durante la UP, y ya en dictadura
“el faro moral” de la novela. Ambos repre- funciona en Lo Valledor y en otra parte que
sentan éticas muy distintas, en los que no es no recuerdo. Y funciona con otra dinámica,
difícil reconocer, de forma arquetípica, a un porque lo que hacía a ese oficio tan atractivo
Santiago antiguo, idealizado y respetuoso de y bien remunerado era que no había refrige-

103
ración industrial, por lo tanto, la carne tenía que entren otros. Se pueden hacer los hueo-
que venderse fresca, y quienes compraban nes, te pueden invitar a comer, pero no van
las carnes eran, sobre todo, gente de mejor a permitir que entres. Entonces, esta historia
poder adquisitivo. tiene un poco ese afán y por eso no es algo de
bien o mal, es una pulsión humana que está
Da la impresión de que esta dicotomía en- en mayor o menor medida en todos nosotros,
tre Torcuato, por un lado, y Lobo por otro, que la encauzamos de distintas maneras, esa
no es tanto una cosa entre el bien versus el suerte de validación está presente. Y claro, me
mal, más bien es un proto-capitalismo re- interesaba construir un faro moral en toda
presentado en este gallo que llega “a hacer- esa historia, como un contrapeso, este tipo de
la”, versus el Lobo que representa todo este hombre en extinción.
ethos más tradicionalista. ¿Eso fue pensado
de esa forma? Esta disputa entre ambos tiene una especie
Sí, efectivamente esos personajes representan de correlato geográfico. El Lobo Mardones
dos pulsiones que tienen que ver mucho con vivía en el Barrio Huemul, conocido por ser
la transición de la época. El mundo delictual este barrio bonito de gente trabajadora. ¿Esa
que representa Torcuato tiene que ver con ese referencia fue a propósito?
proto-capitalismo, no solo en lo que hace sino Sí, claro. O sea, ese lugar nace como una po-
también en lo que aspira. Por eso vuelve, hay blación para trabajadores, modelo, tiene un
teatro, una caja de ahorro, una plaza, y es de
alguna manera también un lugar que es más
familiar. Sentía que si el Lobo Mardones vi-
vía ahí, eso quería decir que era un hueón
ordenado, que había ahorrado. Huemul es
una especie de oasis versus la ferocidad que
se ve en otros sectores.

En la novela también hay otros escenarios


importantes, como el Club Hípico y los clu-
bes de boxeo.
El box era un deporte muy importante en la
época, era como el fútbol. La gente se juntaba
a escucharlo en la radio, se seguía, pero a la
una herida ahí, eso es como muy de nuestros vez se practicaba. Era un elemento impor-
tiempos. La figura del emprendedor. Puta, el tante que también quise usar. Y la hípica era
reflejo perfecto de esto es lo que pasó en Penta. importantísima, y a mí me interesaba ocu-
Si uno investiga medianamente, los Carlos, el parla también porque, efectivamente, quería
“Choclo” Délano y el otro hueón, nunca acep- terminar el relato con el Cabro dando ese pri-
taron a Hugo Bravo porque no era un aris- mer paso. El mundo de la hípica fue impor-
tócrata, lo encontraban “cuma”. Y era un tipo tante para él, las cartillas fue su primer hito
muy capaz que les hizo ganar mucho, cons- importante, las apuestas ilegales paralelas a
truyó todo lo que construyó. Entonces es algo las oficiales de los recintos hípicos.
muy nuestro, esa suerte de validación no era
una cuestión de plata, sino de clase. Eso no El final del relato queda súper abierto. ¿Tie-
aplica exactamente a la historia que cuento yo, nes pensado algo para el futuro?
pero sí tiene algo que ver, es alguien que fue Sí, por el momento estoy trabajando en una
vapuleado y que quiere venir a decir “oye, ya segunda parte, aún pensándola. Sé más me-
no soy esa hueá, soy otro hueón, soy cototo”. nos qué voy a contar, ese tipo de cosas, pero
Esa es una pulsión muy propia, es algo que lo que sí es que estoy trabajando en un libro
Mark Fisher denomina “emprendedorismo”, de cuentos que saldría antes de la segun-
que es como esta suerte de pulsión del que da novela, y que sería como una especie de
quiere hacerla, que no quiere ser asalariado, puente en torno a este mundo, con persona-
que es autónomo, y que a la vez quiere tener jes que aparecen en la primera novela, pero
un poco de sangre azul, algo que no va a te- narrados de mucho antes, y un par de perso-
ner nunca porque la aristocracia no permite najes que van a aparecer en la segunda.

104
DISCO DEL MES

TOOL
Fear Inoculum
TOOL DISSECTIONAL/VOLCANO

P
artamos señalando que “Fear inoculum” es sorprendentemente retorno al viejo Tool, que revisita sus raíces
un disco que la gran mayoría de los fans va a en el rock duro cultivado en “Undertow”, pero ya con todo el
disfrutar a concho. Es más, podríamos decir despliegue técnico aprendido en 25 años de carrera. Entre medio
que el quinto álbum de los californianos es una de ambas, la novedosa ‘Chocolate chip trip’ funciona como un
sobredosis de Tool. Los 13 años que pasaron interludio donde Danny Carey –nuevamente, Danny– aparece
desde “10.000 Days” cristalizaron en una so- luchando con su batería contra las máquinas de Lustmord, el
breabundancia de ideas, algunas nuevas, otras compositor galés de música electrónica que debuta en un disco
tantas ya parte del repertorio histórico del grupo. Las siete can- de Tool, pese a que ya había trabajado en re-mezclas con la banda,
ciones, casi todas de más de 10 minutos, son un concentrado del y con Keenan en Puscifer.
amplio repertorio musical de la banda, que no escatima en incluir ¿Logra “Fear Inoculum” contar una historia como todos sus pre-
varios movimientos en cada track, una especie de patchwork decesores? Sí, a ratos, especialmente al principio y al final, es un
que si bien no siempre pega ni progresa de la forma más natural, álbum muy bien demarcado por el inicio enigmático y esotéri-
siempre se las arregla para dejarse disfrutar. co del track homónimo, y el final enérgico y épico de ‘7empest’.
Lo primero que salta a los oídos en “Fear Inoculum” tiene nombre No obstante, entre medio, si nos descuidamos, podemos perder
y apellido: Danny Carey. La performance del baterista en el disco con facilidad la orientación en ciertos pasajes. En ese sentido,
es simplemente descomunal. Para los fans del percusionista, y de “Fear Inoculum” requiere escucha atenta y la dedicación exclu-
la batería en general, este disco es una clase magistral de polirrit- siva de casi 90 minutos, siendo un álbum más “demandante”
mos, doble bombo y tiempos atípicos de compleja y matemática que cualquiera de los trabajos anteriores de Tool, que siempre se
precisión. Permanentemente y sin descanso (ni para él ni para el encargaron de demarcar mejor entre canción y canción. Los tres
oyente), podemos escuchar cómo Carey se mete unos microse- interludios –que solamente aparecen en la versión del disco en
gundos antes o después de lo esperado, y tanto él como la banda plataformas de streaming– no contribuyen tanto como uno hu-
en su conjunto hacen gala de una capacidad impresionante para biese esperado a unificar la historia, y el disco puede prescindir de
lograr una sincronía perfecta. De hecho, para los más apegados al ellas, por suerte. De no haber sido así, hubiera sido difícil entender
formato canción del rock más clásico, la frecuencia de las acroba- el por qué Tool, una banda siempre tan preocupada de entregar
cias del baterista podría llegar a ser un poco empalagosa. álbumes entendidos como una pieza artística total, donde cada
Las percusiones en ‘Fear inoculum’, el track homónimo de la detalle es relevante, castigara de esa forma a su formato físico.
partida, evocan inequívocamente a ‘Reflection’ (2001), siendo Adam Jones, Justin Chancellor, Maynard James Keenan y Danny
casi como su evolución natural, y en ‘Pneuma’ es imposible no Carey han hecho un disco con cariño por los fans. Después de
recordar ‘Right in two’, y en especial, ‘Schism’. Varias de las can- tanto tiempo para pensarlo, “Fear Inoculum” podría haber sido
ciones del disco guardan en sí mismas al menos dos o tres ideas cualquier cosa, incluyendo un álbum que propusiera un giro en
distintas que podrían desarrollarse de forma casi independiente. 180° respecto de sus predecesores, solo por joder a sus seguidores
A diferencia de sus discos anteriores, donde las canciones largas o por estar aburridos de tocar lo mismo. Pero, en cambio, optaron
respondían a una idea musical que iba creciendo y sacando cuer- por esta sobredosis de metal progresivo de su marca registrada,
po, manejando las intensidades en el camino, acá canciones como superándose a sí mismos también en lo que refiere al formato
‘Invincible’ o ‘Descending’ tienen algunas partes que no es fácil físico del álbum, que nuevamente cuenta con Alex Grey en el
relacionar entre sí. Y eso puede ser fascinante o desorientador, diseño, y que esta vez incorpora elementos audiovisuales en el
dependiendo del oyente. Hacia el final, las ideas adquieren más arte, incluyendo una pantalla en la misma carátula. Da lo mis-
nitidez y las canciones se distinguen unas de otras con mayor mo si este álbum es mejor que alguno de sus registros anteriores
facilidad. Si Tool es un híbrido de metal moderno a medio camino o no, su estilo es lo suficientemente único y adictivo para que
entre Black Sabbath y King Crimson, la hermosa y progresiva ‘Cu- eso importe bien poco a los fanáticos. Tool ha vuelto, y hay que
lling voices’ responde más a lo segundo, y la furibunda ‘7empest’ disfrutarlo.
es claramente más cercano a lo primero, cerrando el disco con un Felipe Godoy

108
109
RIDE
This Is Not a Safe Place
WICHITA RECORDINGS

T
oda banda que decide retomar su carre- extraña pero entretenida manera de dar la bienvenida. De ahí
ra discográfica después de un largo hia- en más, solo queda disfrutar la travesía por las rememoran-
to tiene el desafío de hacerle justicia a zas al Ride noventero en ‘Future love’, las conexiones con la
su legado y mantener una cierta calidad pista de baile de The Haçienda en la bohemia ‘Repetition’ y la
que le permita navegar de forma segura subida vertiginosa de volúmen en la agresiva ‘Kill switch’. La
en las turbulentas aguas de la industria. encantadora ‘Clouds of Saint Marine’ fascina con su colorida
De hecho, cuando el peso de la influencia belleza y su amable melodía. El abanico se vuelve a abrir en
remece aún más esos mares, el trayecto hacia el puerto puede ‘Eternal recurrence’, encausada por la batería de Colbert en
ser aún más complejo. Entre las agrupaciones que se pueden un lisérgico torrente floydiano que choca de frente con la
jactar de pasar esta prueba con talento está Ride, combo bri- manchesteriana ‘Fifteen minutes’ y los estribillos gigantes
tánico que volvió a la carga el 2014 tras una separación de de ‘Jump set’, mientras ‘Dial Up’ se contrapone con un ánimo
dos décadas y se puso en la misma sintonía que My Bloody reposado para abrigarse en un cálido piano. Por su parte, la
Valentine y Slowdive, otros pilares de la generación shoegaze guitarra de Andy Bell exhibe su artillería derrochando drama-
que retomaron brillantemente sus carreras en el siglo XXI. tismo en ‘End game’ y generando una envolvente progresión
Lo interesante es que Ride no está aquí para pararse en el de acordes en ‘Shadows behind the sun’, suplemento perfecto
podio de banda legendaria, sino que es un ente activo en la para que sobresalga la impecable voz de Gardener.
recolección de sonoridades y eso los hace crecer. Los ojos del En los tiempos de la cultura global, es difícil etiquetar nues-
mundo fueron testigos de ello en 2017 con “Weather Diaries”, tra época, porque pareciera que todo pasa al mismo tiempo.
un sólido trabajo que los vió renacer y sentó un precedente Pero si forzamos un poco la vista, observamos un período
para esperar el siguiente álbum con el mejor de los ánimos. de gran efervescencia para el post-rock y una revitalización
Comandada nuevamente por Erol Alkan en la producción, del shoegaze acuñado a bandas que abrazan con más fuerza
esta segunda parte del trayecto cumple la tarea, le da conti- las texturas ambientales, independientemente de si juegan
nuidad a su presente y se erige como otro testimonio de que en la cancha del indie o del metal, porque esas barreras se
la magia entre Laurence Colbert, Steve Queralt, Andy Bell cayeron hace rato. En este panorama, los protagonistas de
y Mark Gardener sigue intacta. “This is Not a Safe Place” una movida que desmembró la música de guitarras y la hizo
es una aventura sónica que nos lleva a explorar distintas estallar a punta de efectos estelares aún tiene mucho que
facetas de su paleta cromática, entregando una experiencia decir y ciertamente Ride es uno de esos íconos influyentes
muy placentera y relajada, un poco menos frenética que su que no puede faltar en la ecuación. No cabe duda de que los
antecesor, pero con una riqueza creativa que pueden ostentar de Oxford están viviendo una segunda juventud y que su
con orgullo. marca flota en el aire como una estela de vapor.
La introducción ‘R.I.D.E’ es toda una declaración de principios
en la los ingleses se lanzan de cabeza al dance rock en una Pablo Cerda

110
DESTRUCTION
Born to Perish
NUCLEAR BLAST

E
l regreso discográfico de Destruction trae el lado más visceral del vocalista. Esta canción, posiblemente
dos importantes cambios. Junto con ser sea la que más se diferencia del resto, aportando una cier-
el primero con el baterista Randy Black ta diversidad sonora. Mismo es el caso con ‘We breed evil’,
(Annihilator, Primal Fear) –reemplazando que aporta con secciones melódicas durante el estribillo, que
a Vaaver tras ocho años en su puesto–, no son precisamente frecuentes durante los 50 minutos del
también se trata del primero con el gui- disco.
tarrista Damir Eskić, volviendo a ser un El aporte de Black en batería es sólido y efectivo, pero no
cuarteto como hace más de 20 años. Estos factores elevaron difiere de sus antecesores. Sin embargo, no se trata de algo
las expectativas del nuevo trabajo de los alemanes. Por otro que juegue en contra. Como el álbum mantiene la esencia
lado, también existía cierta duda acerca de una guitarra adi- clásica de la banda, no debería espantar a quienes los siguen
cional tras tanto tiempo siendo un trío, pues podía decantar desde hace años y solo esperan un thrash incesante sin come-
en algo totalmente diferente a la línea que nos han entregado suras. En esa línea están, por ejemplo, las efectivas ‘Tyrants
desde que “All Hell Breaks Loose” (2000) sentó las bases de lo of the netherworld’ y ‘Ratcatcher’, que alcanzan altas cuotas
que sería la tónica de los futuros lanzamientos. de intensidad. Ahora, para quienes esperaban algo distinto
Inserto en este contexto, desde el primer track homónimo de Destruction desde el regreso de Schmier, se verán decep-
“Born to Perish” nos indica que la esencia de la banda sigue cionados ante este nuevo material, ya que sigue la misma
intacta, con un inicio que recuerda a la clásica ‘Curse the ruta –musical y temática– que en todos estos últimos años,
Gods’, gracias a un riff de menor velocidad antes de desatarse entregando cuotas de agresividad y tecnicismo que siempre
de manera intensa y agresiva, variando en una breve sección aportan, pero no con una continuidad sólida durante todo el
intermedia. Incluso, más directas resultan ser ‘Inspired by disco, advirtiendo que la primera mitad resulta superior en
death’ y ‘Betrayal’, disipando cualquier temor de un sonido calidad de composiciones en comparación a los temas que
distinto. En ese sentido, quizás Eskić se pudo diferenciar van cerrando.
mejor del veterano Mike Sifringer, pero no se queda atrás Sin embargo, “Born to Perish”, más allá de cualquier falencia,
en técnica, estando presente su aporte desde este primer es uno de los lanzamientos más destacables de una de las
momento. mayores leyendas del thrash alemán, aunque es de esperar
‘Rotten’ es la primera baja en la velocidad que inaugura este que ante el cambio de formación se logre algo distinto –e
actual trabajo con un ligero groove, aunque sin perder lo pe- incluso superior– a futuro, manteniendo la fuerza y la furia
sado del bajo y la voz de Schmier. Con pasajes más calmos que tanto los ha caracterizado.
entra ‘Butchered for life’, una semi balada donde escuchamos Luciano González

111
presenta:

SLEATER-KINNEY
The Center Won’t Hold
MOM + POP


La banda se está moviendo hacia una nueva di- La fuerza de Sleater-Kinney siempre fue conjugar energía
rección”. Así justificó Janet Weiss su salida oficial sonora –lo más directo posible– con una fuerte impronta
de Sleater-Kinney poco antes del lanzamiento personal. Las letras contienen una identidad que sigue en
de “The Center Won’t Hold”. Su título en espa- transformación. Corin Tucker, Carrie Brownstein y Janet
ñol significa “El centro no aguantará” y sirve de Weiss no son las mismas de “Dig Me Out” (1997) o “One Beat”
prefacio –visto lo que pasó– a la decisión del gru- (2002). Las tres pasaron hace un rato los 40 y han sumado ex-
po de llamar a St. Vincent para cumplir labores periencias. El miedo, la sensualidad, el cuerpo, el feminismo
de producción. Una movida que derivó en la separación del y las crisis personales son tópicos presentes en estos casi 40
núcleo histórico. Los lazos pueden durar toda la vida, pero minutos. “Ella nos defendió / Cuando testificó”, canta Tucker
también pueden aflojar o ser interrumpidos. Y este trabajo en la desgarradora ‘Broken’, una referencia a Christine Blasey
es un buen ejemplo. Ford, símbolo de la llegada del movimiento #MeToo al poder
Que Annie Clark sea parte de este proyecto va por una nece- político de Estados Unidos, al denunciar a un magistrado
sidad sonora. Y también retórica. El track titular arranca con (Brett Kavanaugh) por abuso sexual. “Mi cuerpo es mío otra
un atrevimiento que hare recordar a Nine Inch Nails, cortesía vez” se puede escuchar en ‘Reach out’, mientras que en ‘Love’
de una capa atmosférica tenebrosa. ‘Bad dance’ es una total se lanza un categórico “No hay nada más aterrador y nada
rayada de cancha, con la conducción de los sintetizadores y más obsceno / Que un cuerpo bien gastado exigiendo ser
drum machines. Adiós a la etiqueta grunge o riot grrrl que visto / ¡Mierda!”, en medio de un ritmo frenético.
ha perseguido a la banda desde los 90, porque ahora abrazan El momento de Sleater-Kinney puede ser el de transición.
el postpunk y derechamente la pista de baile, como en ‘Can “The Center Won’t Hold” abrió un pasaje nuevo de expresión,
I go on’, que roza al Arcade Fire de la era “Reflektor” (2013), catalizado por la mente inquieta de St. Vincent, por lo que
mismo camino sonoro que toma ‘Reach out’. De todas for- entregar un diagnóstico negativo al compararlo con anteriores
mas, el ADN rockero reclama su lugar y lo hace excelente en entregas es muy apresurado. Todo parece indicar que es algo
‘Restless’, pero nunca alcanza el ribete protagónico de otros a largo plazo. La salida de Weiss dejó claro que el centro no
momentos de su discografía. La mano de Clark se hace sentir aguantó, pero entregó otra oportunidad.
como si fuera un salto de fe: ‘The future is here’ tiene un coro
inevitablemente efectivo. Jean Parraguez

114
presenta disco chileno del mes:

SOLAR
El Tiempo
MAPA RECORDS


Presentí que al final nos íbamos a encontrar. Mira pasado el tiempo”, en una clara referencia al comienzo de la
la casualidad”, canta Alejandro Gómez en los pri- banda y el single ‘Por costumbre’. ‘Viaje al sur’ es un coqueteo
meros versos de ‘Casualidad’, como si se tratara con el rock latino más elegante de los 80 (herencia del gusto
de una poética descripción de cómo Solar y su por Charly García). Uno de los puntos altos es la hermosa
formación histórica de 1997, la misma que regis- balada ‘Fantasmas’, que el fan podrá emparentarla con ‘Lo
tró “Play” junto al productor inglés Barry Sage, se que eres’, en donde Gómez canta casi susurrando para luego
volvía a encontrar en un estudio de grabación. ofrecer una distorsionada guitarra como respuesta. Y sorpresa
Alguna vez, Gómez declaró en una entrevista que reunir al es ‘Coda’, donde pasan a otro clima de forma radical, cercano
Solar original era más difícil que juntar a The Smiths. El mis- al seminal Tame Impala.
mo compositor reconoce que «debió tragarse sus palabras», Este no es un disco con pretensiones mercantiles con la ob-
ya que este nuevo disco es consecuencia de una amistosa y sesión de lograr un hit. Mientras sus contemporáneos del
nostálgica reunión ocurrida en 2017 para celebrar, en vivo, “brit pop chileno” –como Canal Magdalena– optaron por
los 20 años de su debut. No fueron pocas las formaciones de las baladas italianas, Solar siempre fue en una búsqueda
Solar en el período 1996-2003, pero hoy ha ganado la amis- más fiel a sus principios. “El Tiempo” da fe de aquello. Lo
tad. Los primeros cortes de “El Tiempo”, como el dream pop que en su momento fue una crítica, su “empaquetada” ele-
de ‘Sirenas’ –con una hipnótica guitarra de la mejor escue- gancia en las composiciones, hoy parece ser justamente el
la de Cocteau Twins–, muestran que el talento del conjun- mérito. Las odiosas comparaciones con Lucybell o Soda Ste-
to por facturar canciones elegantes permanece intacta. Y es reo quedan hoy obsoletas. Gómez y compañía tiene a ratos
que Gómez junto a Javier Panella (teclados), Ricardo Contes- un alto lenguaje citando a XTC, Spiritualized, Ride, entre
se (guitarra, voz), Claudio Olguin (batería), José Domínguez otras bandas de cabecera. El santo y seña Beatles aparece
(bajo) más Alejandro Gatta, el histórico baterista de “Sábado” en ‘Caso especial’, con unos hermosos arreglos de cuerdas
(2001), muestran en sus nuevas canciones a una banda ma- a cargo de Angela Acuña, para luego viajar a uno de los pa-
dura, que mira su pasado con respeto, pero que también se sajes más melancólicos del disco: ‘Arpegios’, cantada por Ri-
adentra a nuevas sonoridades más cercana al blues (‘Sinfonía’). cardo Contesse y con Elisa Montes (Slowkiss) en los coros.
Grabado por Barry Sage, “El Tiempo” está lleno de referencias Un verdadero regalo para los nostálgico de “Play” es el
sónicas británicas pero miradas desde Santiago, con problemá- cierre con ‘El final’, con resabios a la misteriosa ‘Armo-
ticas donde se mezcla el corazón con la urbe. “Continúa viendo nía’. Es una buena despedida para una banda que preci-
esa novela, que nada perturbe disfrutar”, o “Puede ser diurno, samente no busca ganar, si no mostrarse fieles a sus orí-
doble turno, nocturno”, cantan Gómez y compañía. Incluso, genes, en una constante búsqueda de buenas canciones.
se animan a una autocita en ‘Problemas del futuro’: “1996 y
ya estás a punto de caer sin sospechar de que en verdad ha Jaime González

115
CHARLES HAYWARD
Begin Anywhere
GOD UNKNOWN RECORDS


Begin Anywhere” es una rareza en el contexto cuyo dramatismo se ve acrecentado por una flauta de sonido
de la obra de un creador tan relevante de la místico y arcaico; la trágica y teatral ‘Slow train’ que se com-
música experimental contemporánea como lo plementa con percusiones y otras sonoridades y vocalizacio-
es el baterista y compositor inglés Charles Ha- nes delirantes. ‘The camera, the actor’ sigue exteriorizando
yward, pues se trata de una colección de emo- la sensibilidad personal de un Hayward que se emociona
tivas canciones escritas para piano y voz, que hasta las lágrimas con el cine, mientras que ‘Out of it’ es
se alejan de su trabajo más conocido en bandas cruda es su delicadeza al borde de una honda nostalgia. La
cruciales del postpunk británico más subversivo como This batería recién aparece en la impávida ‘Alphabetical order’,
Heat y Camberwell Now, o de sus aportes como percusio- que se hace más sentimental con el sonido de la melódica,
nista de una banda de improvisación iracunda como Mas- para dar paso a los dos temas de espeluznante belleza que
sacre o de punk anárquico como Crass. Sin embargo, su rol cierran el álbum: ‘Unknown unknowns’ y ‘Perfect storm’.
como cantante se puede apreciar en los mismos This Heat Aunque el talento melódico de Hayward sorprende por su
–aunque en otro concepto– y, por ejemplo, en el tema de potente afectividad, en muchos pasajes su voz se destempla
su autoría ‘Rongwrong’ del esencial álbum “Mainstream” y el piano, pese a su belleza cruel, está en todo momento en
(1975) de la banda de Phil Manzanera, Quiet Sun; o el for- una tensión casi insostenible, al borde de lo tétrico y omi-
mato relativo de canción en el súper grupo About Group, noso. “Begin Anywhere” es un disco de canciones con todas
en el que Hayward participó con miembros de Hot Chip y las de la ley, pero, no obstante, está lejos de ser un trabajo
Spiritualized. perfectito, mesurado o complaciente con los cánones de una
Desde un principio, la desnudez del piano y la voz de ‘Wat- industria chata y que poco y nada tiene que entregar al arte.
ching you’ delimitan el tono melancólico y, por momentos, Hayward se ubica en un paradigma totalmente distinto, que
lúgubre que definen “Begin Anywhere” y que exhiben de se entrelaza con las grandes corrientes artísticas de la con-
manera directa e impactante, la sensibilidad más íntima de temporaneidad, mostrando la paradoja de un ser humano
un músico que, por lo general, se ha definido por creaciones que ha perdido sus certezas y que es pura posibilidad abierta
que, para romper los estereotipos de una sociedad conser- hacia el futuro. La música y el arte en general son, sin duda,
vadora y violenta, irrumpen desde lo marginal, desde lo no las armas más efectivas para el inmutable y circular proceso
establecido como un lugar cómodo y aceptado como “nor- cultural de destruir, deconstruir y construir.
mal”. Las melodías adoloridas y el piano severo se sienten
con cercanía en piezas como ‘Safe a houses’; ‘Rattlesnake’, Héctor Aravena

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PANCHO ROJAS
Glorias y Victorias de 1969
INDEPENDIENTE

V
olver al rocanrol. Así podría definirse armónica. La letra es un poema del escritor chileno Guiller-
“Glorias y Victorias de 1969”, el nuevo mo Blest Gana, de nombre ‘Mirada retrospectiva’. Le sigue ‘Al
disco solista de Pancho Rojas (La Banda diablo el diablo’, otro arrojo rockero que parte con un diálogo
del Capitán Corneta, Mandrácula), don- al revés y que porta una letra de un conjunto de Guatemala
de el cantante regresa a los riffs de alto llamado Alux Nahual, país donde, por cierto, Rojas vivió
octanaje y a las canciones más duras, parte de su infancia. ‘El mago’ es un breve y divertido diálo-
luego que en 2017 se aventurara con un go, casi como un descanso puesto al azar para la diversión.
disco de tenor íntimo y acústico como lo es “Desvelo”, y al “Zas pilurín guau guau, cuchi cuchi miau miau”, dice parte
año siguiente se despachara “Los Muertos”, disco instru- de él y sirve como preludio a ‘Pastelitos y jugosas’, una de las
mental que fue la banda sonora de la webserie Los Muertos canciones más pesadas del disco, que se mueve en torno al
También Hablan, de Mega. metal, con voces rabiosas y un alocado solo de guitarra, estilo
El registro, que fue grabado casi completamente por Rojas, Tom Morello. ‘Échale la culpa a Dios’ sigue en esa línea, con
fue registrado en sus estudios, salvo las baterías que fueron un riff metalizado, como sacado de los primeros discos de
confeccionadas con Cristóbal Orozco. Entre los músicos que Metallica. Estos dos cortes muestran la fuerza y capacidad
acompañaron al cantante están Sebastián Arriagada (gui- de Rojas para mover el interruptor hacia su veta más dura.
tarras en ‘Cicatriz’), Claudio Cordero (solo en ‘Pastelitos y Lo hacen impredecible, sin duda. No obstante, se sienten
jugosas), y Nelson Arriagada (bajo en ‘La página postrera’). como extraviados entre los cortes anteriores y se escuchan
El álbum parte con ‘Cicatriz’, un corte ondero, rockero, que como si hubiesen sido sacados de otro disco.
trata del desamor y que encamina por donde vendrán los El álbum termina con ‘Mi vieja herida’, que regresa a las
embates posteriores. ‘1969’ hace referencia a la historia de voces limpias y guitarras en esa sintonía, lo que acentúa la
sus padres, con un fondo de rock en tempo medio. «Todos emoción del tema, dejando un cierre nostálgico. Un corte en
los temas son pedacitos de lo vivido o un pequeño álbum sintonía a lo que fue “Desvelo”.
fotográfico», comentó Rojas a Rockaxis sobre este álbum. Y Como solista, Rojas ha despachado un disco por año desde
claro, ya el nombre hace referencia a su historia: su madre que en 2017 partió su periplo solitario, lo que a claras luces le
se llama Gloria, su padre Víctor y 1969 es el año de su na- acomoda. Acá retoma los riffs, sin dejar de hacer guiños hacia
cimiento. el lado más acústico. “Glorias y Victorias de 1969” es un buen
Si bien puede que la columna vertebral de Rojas sea el blues regreso al hábitat natural de un músico que ha demostrado
rock, cuando baja decibeles y aborda una música más acús- que puede defenderse con volumen alto o sin él.
tica cae de pie. Como en ‘La página postrera’, una bonita
canción con un estribillo ganchero y una certera melodía de Juan Pablo Andrews

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