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Historia del Arte y

Diseño
Contemporáneo
(2323)
HISTORIA DEL ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO (2323)

ÍNDICE Página

Presentación 4

Red de contenido 5
1. UNIDAD 1: LA HISTORIA. EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA, EDAD MEDIA Y EDAD 6
MODERNA
1.1 Tema 1 : El Arte y el Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media 7
1.1.1 Arte Rupestre. Diseño Antiguo: Egipto y Mesopotamia 7
1.1.2 Arte Clásico: Grecia y Roma 10
1.1.3 Arte Bizantino. 39
1.1.4 Arte Románico y Gótico 47

1.2 Tema 2 : El Arte y el Diseño en la Edad Moderna 58


1.2.1 El Renacimiento. El apogeo del arte y diseño Renacentista dentro y fuera de Italia: 58
Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Miguel Angel Buonarroti, Alberto Durero.
1.2.2 El manierismo. La Imprenta en el Renacimiento. 67
1.2.3 Arte Barroco: Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Georges de La Tour, Vermeer, Rubens, 73
Rembrandt.
1.2.4 Arte Rococó: Watteau y Fragonard. 79

2. UNIDAD 2: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD CONTEMPORÁNEA 82


2.1 Tema 3 : El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Primera mitad del siglo XIX) 83
2.1.1 Cambio de siglo, la Revolución Industrial y el Arte Neoclásico 83
2.1.2 El Romanticismo: Goya, Delacroix, Blake y Turner. 89
2.1.3 El nacimiento de la fotografía: Un nuevo lenguaje en el Arte. 95
2.1.4 El nacimiento de la Ilustración: Thomas Nast, Charles Danna Gibson y Richard Outcault. 98

2.2 Tema 4 : El Arte y el Diseño en la Edad Contemporánea (Segunda mitad del siglo XIX y cambio 104
de siglo)
2.2.1 El Impresionismo: Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Dégas, Pierre-Auguste Renoir. 104
2.2.2 El Post Impresionismo: Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne y Toulouse Lautrec. 108
2.2.3 Arts and Crafts (Movimiento Artes y Oficios) y el cambio del siglo: William Morris, Phillip Webb y 114
Dante Gabriel Rosetti.
2.2.4 Modernismo: Art Nouveau en diferentes países de Europa. Los pintores, cartelistas e ilustradores y 115
arquitectos más destacados. Toulouse Lautrec, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Gustave Klimt, Charles
Rennie Mackintosh y Antonio Gaudí.
2.2.5 El nacimiento del Cine y la Historieta: Los hermanos Lumiére y George Melies. 122

3. UNIDAD 3: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LAS PRIMERAS VANGUARDIAS 129


3.1 Tema 5: El Arte y el Diseño en las Primeras Vanguardias 130
3.1.1 Fauvismo y Cubismo: El aporte de Henry Matisse y de Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. 130
El desarrollo de la litografía y el grabado.
3.1.2 El Expresionismo alemán. 141
3.1.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera Guerra Mundial: Futurismo y 146
Dadaísmo, manifestaciones dadaístas: caligramas, readymades y collages.
3.1.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la Revolución Rusa y las formas 155
geométricas fundamentales.

3.2 Tema 6: El Arte y el Diseño desde el Minimalismo al Surrealismo 162


3.2.1. De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg 162

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3.2.2. Bauhaus: Inicios del geometrismo en el diseño gráfico e industrial. 165


3.2.3. Art Decó (Un arte decorativo de vanguardia). 172
3.2.4. Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel. 187

4. UNIDAD 4: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LOS INICIOS DEL DISEÑO CORPORATIVO 199


4.1 Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño Corporativo 200
4.1.1 Nacimiento de la Identidad Corporativa. Movimiento Isotype. 200
4.1.2 El Auge del afichismo: Afichismo en la Edad de Oro del cine. Influencia del constructivismo para el 205
afichismo Entre – guerras.
Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.
4.1.3 Nacimiento y Proliferación de Disney 213
4.1.4 La Segunda Guerra Mundial : Afichismo y Publicidad en la Segunda Guerra Mundial 218
y propuestas plásticas de la Pos Guerra 1945 – 1950. Expresionismo abstracto: Jackson Pollock. William
de Kooning. Op Art. Geometría modular: Maurits Cornelis Escher.

4.2 Tema 8: Revalorización del Diseño Impreso y la Gestación de la Post Modernidad 236
4.2.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y Conceptualización de la Imagen. 236
Escuela de Nueva York. Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo y los isotipos Olímpicos.
4.2.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Pop Art: David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y 263
el nacimiento y apogeo del Anime japonés: Ozamu Tezuka , Hayao Miyasaki. Arte psicodélico: Influencia
del Art Nouveau y el misticismo Oriental,
4.2.3 Estética Punk en la Gráfica y el Grafitti de Basquiat y Banksy. 293
4.2.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de JanSvankmajer y los nuevos soportes para el 311
diseño y la revolución digital.

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PRESENTACIÓN

El curso de Historia del Arte y Diseño pertenece a la línea de Fundamentos de la Forma, volumen,
color, espacio y cultura visual y se dicta en la carrera de Diseño Gráfico. Brinda al alumno una
visión panorámica básica de la historia del Arte y Diseño desde la edad antigua (Egipto, Grecia y
Roma) pasando por todas las etapas y profundizando en las más importantes hasta llegar al siglo
XXI.

El curso se desarrolla virtualmente con alta participación y análisis de casos visuales. Está
compuesto por unidades que permiten explorar la relación entre las distintas disciplinas en las que
el diseño ha incursionado durante toda la historia de la humanidad.

Las actividades sugeridas en estas unidades de aprendizaje son realizadas en clase a modo de
trabajos personales dedicando cada sesión al análisis y a dinámicas del tema tratado.

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RED DE CONTENIDOS

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UNIDAD

1
LA HISTORIA. EL ARTE Y EL
DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA,
EDAD MEDIA Y EDAD MODERNA.

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,


reconociendo e identificando las obras pertenecientes a la Edad Antigua,
la Edad Media y la Edad Moderna, siendo además capaz de comprender
sus diferencias conceptuales.

TEMA 1: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD ANTIGUA, EDAD


MEDIA

TEMARIO
1.1 Tema 1: El Arte y el Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media
1.1.1 Arte Rupestre. Diseño Antiguo: Egipto y Mesopotamia
1.1.2 Arte Clásico: Grecia y Roma
1.1.3 Arte Bizantino.
1.1.4 Arte Románico y Gótico

1.2 Tema 2: El Arte y el Diseño en la Edad Moderna


1.2.1 El Renacimiento. El apogeo del arte y diseño Renacentista dentro y fuera de Italia:
Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rafael Sanzio, Miguel Angel Buonarroti, Alberto Durero.
1.2.2 El manierismo.
1.2.3 Arte Barroco: Caravaggio, Gian Lorenzo Bernini, Georges de La Tour, Vermeer, Rubens,
Rembrandt.
1.2.4 Arte Rococó: Watteau y Fragonard.

ACTIVIDADES PROPUESTAS

• Analizamos la historia del Diseño a través recursos interactivos que nos


ayuden visualmente a analizar los temas a tratar.

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1.1 El Arte y Diseño en la Edad Antigua y la Edad Media


1.1.1 Arte Rupestre, Arte en el Antiguo Egipto y Mesopotamia

En términos generales se denomina Arte a la actividad o producto en los que el


ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a
través de diversos recursos; como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
Se considera que con la aparición del homo sapiens el arte tuvo en un principio
una función ritual, mágico-religiosa, pero esta función cambió a través del
tiempo.

La noción de Arte hoy está sujeta a profundas polémicas. Esto debido a que el
significado de la palabra "arte" varía según la cultura, la época, el movimiento,
o el grupo de personas para las cuales el término es productor de sentido.

Las pinturas de las cuevas de Altamira, cerca de Santander, son las primeras
que se descubrieron durante la época moderna, en 1868. El descubrimiento
tuvo tales implicaciones, fundamentales para la arqueología, que al principio se
creyó que se trataba de una falsificación. Este gran bisonte se halla en el techo
de un pasillo largo y estrecho que lleva a una cueva subterránea en Altamira.
No está solo, toda una manada surge majestuosamente del techo, un animal
tras otro -caballos, jabalíes y mamuts, entre otros, todos ellos presas deseadas
del cazador de la edad de piedra. A pesar de la confusión, imponen una fuerte
presencia animal.

Las cuevas son totalmente subterráneas y, por lo tanto, están en permanente


oscuridad. Los arqueólogos han descubierto que los artistas pintaban con la
ayuda de pequeñas lámparas de piedra llenas de grasa animal o tuétano. Los

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diseños iniciales se grababan en la roca blanda, o bien se soplaban en la pared


finas líneas de pintura con una caña hueca.

Caballo. Cueva de “Lascaux” (Francia)

Para conseguir pinturas coloreadas, los artistas utilizaban el ocre, un mineral


natural que machacaban hasta convertirlo en polvo y con el que podían
conseguir pigmentos rojos, marrones y amarillos; el negro probablemente lo
obtenían a partir de carbón machacado. Los pigmentos en polvo se
restregaban por la pared con las manos o se mezclaban con alguna sustancia
aglutinante, como por ejemplo la grasa animal; después se aplicaban con
cañas o con pinceles de cerda. Los medios eran simples; sin embargo, el
efecto es abrumador, especialmente en el sobrecogedor silencio de la cueva.

Se cree que estas pinturas tenían una profunda importancia para la sociedad
prehistórica. El bisonte casi parece vibrar con fuerza al mostrar su imponente
pecho, su compacta rabada y sus patas cortas y delgadas. Además, sacude un
agresivo par de cuernos. Es más que probable que nunca lleguemos a conocer
el verdadero significado de la pintura rupestre, pero casi seguro que tuvo una
función ritual, incluso mágica. En qué medida este arte se creó porque sí, y
esto no podemos descartarlo totalmente, seguirá siendo un misterio.
Al parecer, el extraordinario naturalismo y la exactitud anatómica del retrato de
animales en estas pinturas tienen relación con el propósito que servían. Los
artistas también eran cazadores, y sus vidas dependían de los animales cuyas
imágenes pintaban en las cuevas. ¿Es posible que estos cazadores-artistas
creyeran que al representar con exactitud la fuerza, el poderío y la velocidad de
los animales, adquirirían poderes mágicos? Así serían capaces de controlar su
espíritu y quitarles la fuerza antes de cazarlos. Muchas de estas pinturas
muestran a los animales heridos atravesados con flechas y lanzas.

En cuanto a su forma de vestir, imaginense a un Neandertal cubierto con


pieles. De acuerdo con los arqueólogos y antropólogos, los signos de
vestimenta más antiguos probablemente consistieron en pieles, cueros, hojas o
pasturas, envueltas o atadas alrededor del cuerpo como protección de los
elementos de la naturaleza. El conocimiento sobre estas ropas queda en la
deducción, ya que los materiales mencionados se deterioran rápidamente
comparados con piedras, huesos, caparazones y artefactos metálicos. Los
arqueólogos han identificado agujas de coser muy antiguas cerca de Kostenki,
Rusia en 1988, de aproximadamente 30.000 años de antigüedad, A.C.

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Familia de neandertales.

Hombre con piedras las cuales usará como herramientas.

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Diseño de herramientas

Arte y diseño antiguo: Egipto y Mesopotamia.

Arte Egipcio: Diseño e imagen

La mayoría de las pinturas murales egipcias se crearon con la técnica de


fresco. Según este método, la pintura al “temple” se aplicaba sobre yeso que
previamente se había dejado secar, a diferencia del “fresco”, en el que la
pintura se aplica sobre yeso húmedo. En la pintura, las típicas figuras de perfil
con los brazos y el cuerpo de frente de los murales egipcios, son producto de la
utilización de la perspectiva aspectiva. Los egipcios no representaron las partes
del cuerpo humano según su ubicación real sino teniendo en cuenta la posición
desde la que mejor se observara cada una de las partes: la nariz y el tocado de
perfil, que es como más resaltan; y ojos, brazos y tronco, de frente. Esta
práctica se mantuvo hasta mediados del Imperio Nuevo, luego se prefirió la
representación frontal.

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Escena de pesca

Los jeroglíficos se desarrollaron a patir del año 3.300 aC sobre papel fabricado
a base a la planta del papiro. Estrechamente ligada con la pintura, ya que los
murales y las pirámides estaban siempre acompañadas de textos y fórmulas
mágicas dirigidas a las divinidades y a los difuntos.

La escultura egipcia fue realizada en base en creencias en seres espirituales,


es decir, fue animista. Eternizaba al hombre después de la muerte. En el
Imperio Antiguo, se exagera el naturalismo por los escultores. La
representación de un noble o un faraón y su reemplazante física del muerto, su
doble, en caso de descomposición del cuerpo momificado.

Tutankamón y Nefertiti (Ambos del Imperio Nuevo)

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Los egipcios no sólo decoraban las tumbas, también pintaban las esculturas.
Se cree que el busto de Nefertiti (arriba), una preciosa escultura de piedra
caliza pintada de la esposa del faraón Akenatón, era una prueba porque fue
encontrada entre las ruinas del estudio del escultor Thutmosis. Es tan
espectacular como un rostro de Botticelli, con el mismo anhelo exquisito y
conmovedor. Muestra una relajación de las rígidas convenciones que
imperaron en el arte egipcio de la primera etapa (y de etapas posteriores), ya
que Akenatón rompió con el estilo tradicional. Durante su reinado, la pintura, la

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talla y la escultura fueron muy elegantes y originales.A diferencia del arte


mesopotámico que destacó en la pintura pero como decoración de exteriores
de sus inmensas estructuras.

Arriba, retazo de pared egipcia. Abajo: figura de Faraón y de pareja egipcia.

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Esfinge egipcia.

Arquitectura y Diseño de Interiores

Características generales:

• Empleo de la piedra labrada en sillares, perfectamente aparejados,


unidos sin argamasa.
• Muros extraordinariamente gruesos y en talud.
• Muros con pilastras adosadas como elemento decorativo ya que ofrecen
contrastes de luces y sombras.
• Arquitectura que establece una perfecta articulación entre los soportes
verticales y las cubiertas planas adinteladas.
• Predominio de los volúmenes geométricos.
• Edificios de gran tamaño, generalmente desproporcionados con su
función.
• Columna: además de ser elemento sustentante juega un importante
papel decorativo. Inspirada en la vegetación de la región, se distinguen
por la forma de su capitel.

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Monumento egipcio en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Piramides de Egipto.

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La Esfinge de Egipto, El Cairo.

Diseño textil e indumentaria

La Indumentaria en Egipto era una consecuencia directa del clima: cálido y


seco, y de la forma de vida, al aire libre.

Se usaban ropas exclusivamente de lino, aunque al principio se usaba el


algodón, se impuso el lino por la creencia de que era más puro, y se cultivaba
para fines textiles en exclusiva. El color preferido era el blanco, aunque podía
llevar algunos dibujos en los bordes. La lana era conocida, pero fue
considerada impura, ya que todas las fibras animales eran objeto de tabú. A
partir de la conquista de Alejandro Magno, comenzó a emplearse la lana en las
prendas de carácter cotidiano y continuando prohibidas en los templos y
santuarios, dónde los sacerdotes debían usar ropas de lino de color blanco. En
la vida cotidiana el hombre común iba descalzo y solo en alguna ocasión
especial usaba sandalias: cuando tenía que ir a algún sitio llevaba sus
sandalias en la mano o las ataba al extremo de un bastón para calzarse al
llegar al destino.
El uso de maquillaje siempre estuvo bien considerado, incluso tenían un mito
explicando esta costumbre: Cuando Horus peleó contra su tío Seth perdió un
ojo, por lo que inventó el maquillaje para restablecer la perfección de su
belleza: el uso de productos cosméticos para reparar los desperfectos del
tiempo o maquillar los accidentes de la vida son por lo tanto legítimos.

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Arte en Mesopotamia.

Estandarte de Ur, Arte Sumerio.

Mesopotamia fue una zona muy conflictiva política, social y artísticamente, sus
culturas florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Eufrates en el Oriente
Medio, y su historia es paralela a la del antiguo Egipto, comenzando en torno al
año 3000 a.C.

Mesopotamia es una tierra que ha dejado un gran legado histórico, casi tan
grande como el de Egipto, a diferencia que en ella se han sucedido diversas
civilizaciones. Geográficamente ocupaba lo que ahora es Siria, Palestina, Irán,
Iraq y Arabia Saudita. Al sur limitaba con el golfo pérsico y al norte con el
macizo de Armenia. Está rodeada por el desierto. Esta es conocida por ser una
zona de “paso”, lo que provocó su diversidad y también hizo que su cultura se
transmitiese al resto del mundo. La Biblia situa en esta zona el comienzo de la
historia, la palabra Paraiso es un vocablo persa.

Como se mencionó antes, Mesopotamia fue la cuna de varias culturas. Los


Sumerios la poblaron entre el 3000 y 2350 antes de Cristo. Se asentaron en la
parte baja, organizaron un sistema de canalizaciones y fundaron las primeras

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ciudades. Fue un pueblo pacifico que vivía de la agricultura, su capital fue Ur.
Fueron ellos los iniciadores del Arte Mesopotámico. Le siguieron los Acadios,
que sometieron a los anteriores, luego vendría el primer Imprerio Babilónico,
Los Hititas, el segundo imperio babilónico, imponente, invencibel que se
adueña de todo pero en constantes golpes de Estado.

Estatua orante de un sacerdote sumerio. Escritura cuneiforme, el primer tipo de escritura conocido.

Cacería de Asurnasirpal. Nínive. Periodo Asirio.

Estado. La religión en Mesopotamia domina todo y permanece más o menos


inalterable hasta la llegada de los musulmanes. Está basada en un principio de
fuerzas de la naturaleza que se identifican con los dioses. Estos dioses
adquieren forma humana. La magia y la astrología tuvieron gran importancia en
el mundo mesopotámico. Las ciudades están aglomeradas en ciudades estado
que son autónimas e independientes.
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A
Altos relieves y esculturas Babilonicos.

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Lilith. Babilonia.

León decorativo.
Otra de las piezas importantes de la cultura Babilónica es la estela de piedra
con las leyes de Hammurabi, en este inmenso monolito de piedra se puede
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apreciar como Shamash(Dios de la justicia)sentado en un tgrono que simula


ser una puerta, (la puerat que nos lleva a la verdad) entrega las leyes al rey
Hammurabi que se encuentra de pie.El Dios asi mismo tiene los pies apoyados
sobre una tarima con decoración de escamas superpuestas que representan a
las montañas, lo que simboliza que la justicia está por encima de todo.

Estela con las leyes de Hammurabi.

Dentro de la arquitectura Mesopotámica se desarrollaron ciertos monumentos,


que fueron el templo, el palacio, la muralla y la tumba. Dentro de la escultura se
desarrollaron tanto las estatuas como el bajorelieve. Y dentro de la pintura y
relieve se puede decir que las obras eran cromáticamente pobres y la temática
se basaba en escenas de guerra y de sacrificios rituales con mucho realismo.

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Columnas de entrada Babilonica.

Arquitectura babilonica.

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Ciudad Sumeria.

Simulación de lo que pudo haber sido “los jardines colgantes de Babilonia” construídos por el rey Nabucodonosor II
como un regalo a su esposa y considerado como una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

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1.1.2 Arte Clásico: Grecia y Roma

Partenón, Atenas.

Diseño e imagen

Al igual que sus predecesores cretenses, los griegos no daban tanta


importancia a las tumbas como los egipcios. Nos han dejado una serie de
estatuillas de bronce, objetos muy apreciados. Pero su pintura -un arte para el
cual, según aseguran sus escritores, tenían gran habilidad- se ha perdido en
casi su totalidad. La razón es que, a diferencia de los egipcios, de los minoicos
y los micénicos, que sólo pintaban murales, los griegos pintaban sobre paneles
de madera, que con el tiempo han perecido.

Una de las escasas muestras de la belleza de la pintura griega de que


disponemos es el arte relativamente menor y especialmente utilitario de la
pintura de los vasos griegos. La palabra vaso, que en un principio se utilizó
como término amplio para denominar la cerámica griega en el siglo XVIII,
puede resultar confusa. Los griegos nunca hicieron vasos con el mero
propósito decorativo, como puede suceder en la actualidad, sino que siempre
tenían en mente un propósito concreto. Los ceramistas griegos creaban una
gran variedad de productos de diversas formas: jarras para almacenar, vasijas
para beber, botellas para perfumes y ungüentos y vasijas para los líquidos
utilizados en las ceremonias.

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Estilos de pintura de cerámica griega

En las pinturas de la cerámica griega podemos ver una preocupación por la


anatomía y por la figura humana que se convirtió en el motivo central del arte y
la filosofía griega. Se aprecia un alejamiento de lo que mostraba la pintura
funeraria egipcia, con sus fórmulas preconcebidas para representar el mundo, y
toda una nueva forma de ver el arte se abre Con respecto a lo que el ojo puede
ver ya lo que dicta la mente. Si la pintura de cerámica fue un arte menor, los
profesionales que la llevaron a cabo fueron importantes.

El artista ateniense Exequias, que vivió alrededor del año 535 a. C., firmó como
pintor al menos dos de sus jarras negras, y su estilo, con su poesía y su
perfección de equilibrio, son reconocibles al instante. Merece la pena destacar
que él mismo elaboraba la cerámica y la decoraba. Las obras de Exequias son
importantes porque revelan la dirección que el arte representacional iba a
tomar, y muestran el salto de la representación simbólica de los objetos del
mundo mediante jeroglíficos hacia una representación que intenta mostrar el
mundo tal y como es.

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Jarrón.

Rostros griegos, estudio de cabeza.

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Rostro de la diosa Atenea.

Esculturas en mármol, cuerpos griegos.

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Alto relieve en marmol.

Arquitectura y Diseño de Interiores

Mientras los pueblos anteriores desarrollaron sólo las arquitecturas militar,


religiosa y residencial, los griegos y romanos fueron responsables del
desarrollo de espacios propios a la manifestación ciudadana y de los
quehaceres cotidianos: el ágora griega se definía como un gran espacio libre
público destinado a la realización de asambleas, rodeado por templos,
mercados y edificios públicos. El espacio del ágora se convirtió en un símbolo
de la nueva visión de mundo, que incluía el respeto a los intereses comunes, e
incentivador del debate entre ciudadanos, en lugar del antiguo orden despótico.
La arquitectura griega clásica está representada, fundamentalmente, por
templos, pues se desarrolló en torno a los santuarios, siendo los principales los
de Olimpia, Delfos, Atenas, Eleusis, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso y Selinonte.
El formato estándar de los edificios públicos griegos se conoce a través de los
ejemplos supervivientes tales como el Partenón y el Hefestión de Atenas, el
grupo de Paestum, el complejo de templos de Selinunte (Selinus) y los
santuarios de Agrigento.

En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento


sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de
construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los
templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los
propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron
origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y
Corintio.

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Teatro griego.

Templo griego Erectelón.

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Columna Corintia.

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Estatua de Zeus en Olimpia. Inmensa escultura hecha por Fidias en el 493 a.C. Ubicada en el centro del templo de
Zeus en Olimpia, Grecia. Fue mandada a destruir por el emperador Teodosio el grande tras prohibir cultos paganos.
Considerada una de las 7 maravillas del mundo antiguo.

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Diseño y Arte Romano

Coliseo Romano.

1.2.1. Diseño e imagen

La escultura romana reprodujo en general las tendencias de los modelos


griegos, pero renunció a la desnudez y cubrió a sus personajes con el atavío
típico del civil o del militar. Se destacó especialmente en la elaboración de
bustos que no sólo reproducían los físicos del personaje sino, también, los
elementos predominantes de su carácter.

El arte romano, la pintura y los mosaicos sobre muros tuvieron mucha


aceptación en la Época Imperial. A pesar de que la mayor parte de su
producción se ha perdido, quedan muestras muy importantes de ella en
Pompeya, una ciudad próxima al Vesubio, que en el año 79 fue cubierta por
capas de ceniza y lava del volcán. Hoy en día se la ha desenterrado y se puede
recorrer sus calles, ver sus casas y mil objetos propios del arte romano del
siglo 1 después de Cristo. Las pinturas romanas se realizan al fresco y se
protegen mediante una capa de cera que acentúa los colores, entre ellos
destacan el negro, rojo, blanco y amarillo, utilizan tambien el azul, verde y
violeta. Esta gran cantidad de colores es gracias a la influencia griega y
egipcia. Tienen una finalidad práctica: decorar las casas y palacios.

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Venatio. Lucha en anfiteatro y circo romano. Fresco

Los Mosaicos romanos son construidos con pequeñas piezas llamadas teselas,
estas son de forma cúbica, hechas de rocas calcáreas o material de vidrio o
cerámica, muy cuidadas y elaboradas de distintos tamaños. El artista las
disponia sobre la superficie como un rompecabezas, distribuyendo el color y la
forma y aglomerandolas con una masa de cemento. Los mosaicos eran para
los romanos un elemento decorativo para los espacios arquitectónicos.

Alejandro Magno, mosaico romano.

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Marte y Zeus, fresco romano.

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Inscripción en Letras Capitales Romanas.

Columna Romana. Metropolitan Museum de Nueva York.

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Arquitectura y Diseño de Interiores.

Fue dentro del campo del arte romano, la más importante y muestra la
influencia etrusca en el empleo del arco y la bóveda; y griega, en la adopción
de las líneas rectas y de las columnas. Se caracteriza por su monumentalidad y
por ser de utilidad pública; además, se manifestó en todas las regiones del
Imperio.

Las principales construcciones romanas fueron los foros, los templos, las
basílicas, los teatros, los anfiteatros, las termas, los circos, los arcos de triunfo,
los acueductos y puentes. Los foros, como las ágoras griegas, eran plazas
públicas rodeadas por los principales edificios de la ciudad. Servían de lugar de
reunión, asamblea política y mercado. Los templos, parte importantísima del
arte romano, eran generalmente de planta rectangular y líneas rectas, como los
templos griegos, pero se empleó también la forma circular y la bóveda de
origen etrusco. El templo más conocido es el Panteón, en Roma, que posee
una rotonda y una cúpula de 43 metros de altura. La arquitectura romana
adoptó con frecuencia la superposición de un orden arquitectónico a otro
diferente en un mismo edificio, quedando el más sencillo y robusto debajo del
más elegante y delicado, según es de notar en el grandioso Coliseo romano.

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Arco de triunfo Romano.

Arco de triunfo Romano junto a coliseo en Roma.

Diseño textil e indumentaria

En los primeros tiempos, se reducían las prendas a la túnica, semejante al


quitón de los griegos y a la toga propia y exclusiva de los ciudadanos romanos
que por ello, se llamaban gens togata, mientras ellos decían de los griegos
gens paliata. A veces, llevaban otra túnica interior, denominada subúcula,

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equivalente a nuestra camisa, y la superior solía ceñirse con un cinturón


llamado cíngulum o cintus, cerrado con broche o fíbula. La toga era una amplia
vestidura de lana, de corte elíptico, cerrada por abajo y abierta por arriba hasta
la cintura. Al llevarla, se recogía por los pliegues del lado derecho y se echaban
terciados hacia el hombro izquierdo. Su color era generalmente blanco (alba,
cándida), sobre todo, en los que aspiraban a la magistratura; de donde se
derivó el nombre de candidatos que hoy está en uso en nuestra lengua.

El calzado más común entre los romanos era la sandalia (sólea) atada con
unas correas (corrigia) constituyendo el conjunto la cáliga. Pero se usaba
también el cálceus, especie de zapato con algunas variedades y que llevaban
los senadores y otros magistrados (éstos, de color rojo y aquéllos, negro) y el
campagnus o bota más grande, propia también de nobles. El coturno estaba de
uso entre los romanos, lo mismo que entre los griegos.

Vestuario femenino de la antigua Grecia.

Entre los antiguos romanos los gladiadores, eran por lo general, prisioneros,
esclavos o condenados a muerte que combatían entre si o contra animales
feroces en espectáculos que atraían a gran multitud en los anfiteatros. Esa
costumbre data del siglo II a.C., pero se hizo muy popular en época de los
emperadores. Los romanos distinguían a los gladiadores por sus armas y su
manera de combatir. Así estaban los mirmillones, que tenían un casco con una
pieza de metal que cubría totalmente la cara y podía levantarse; los reciarios,
que llevaban un tridente y una red con la que trataban de envolver la cabeza
del adversario; los traces armados con escudo redondo y puñal; los secutores,
con escudo y puñal, adversarios tradicionales de los reciarios. También había
gladiadores que combatían a caballo. Cuando un gladiador era vencido, solo
podía salvar la vida si así lo decidía el emperador o el pueblo.

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1.1.3 Arte Bizantino

El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido


obras maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en
cuatro, ya que fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de
arte; el primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las
catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los
muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y los temas eran
litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte
Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al dibujo y la pintura, adquiere
características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados
en la representación de acontecimientos bíblicos en las cuales se observa que
las figuras representadas poseen un hieratismo bastante acentuado que
siempre están colocadas de frente.

Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante


los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo,
durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros,
aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el
llamado arte bizantino.

Arquitectura y Diseño de interiores

Hasta el año 313, el arte escultórico de los cristianos se centró en la


excavación de las catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Éstas
eran cementerios romanos, excavados, en un principio, en los jardines de
algunas casas de patricias cristianos, como las de Domitila y Priscila en Roma.
Más tarde en el siglo V y ante el aumento de creyentes, estos cementerios se
hicieron insuficientes adquiriendo terrenos en las afueras de las urbes donde
surgen los cementerios públicos, en los que se excavan sucesivos pisos
formando las características catacumbas que ahora conocemos.

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La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en


Roma. El cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas
galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el
enterramiento de los cadáveres. En algunos enterramientos se destacaba la
notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco
semicircular (arcosolium).

Plano de la Basílica de San Pedro en Roma

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Fuente: Wendy Beckett . Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

“El buen pastor”, Mausoleo de Gala Plácida. Arte Paleocristiano.

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“Jesús joven y sin barba”. Pintura que decora las catacumbas. Arte Paleocristiano.

“Adán y Eva” Pintura que decora las catacumbas. Arte Paleocristiano.

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Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia
romana, asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande,
al rango de capital imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo
después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos
Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el
Imperio de Oriente, con centro en Bizancio.

Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica;


fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras pertenecen más al
mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.

Fresco Jesucristo.

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2.2.1 Diseño de vestuario


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Frescos y pintura bizantina.

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Arquitectura y Diseño de Interiores

Basílica de Santa Sofía. Obra maestra de la arquitectura bizantina.

Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más
en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por
eso en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos,
de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia
invención. Entre los más importantes tenemos: la cúpula, las trompas y
pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La
construcción más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia.

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Catedral de San Nicolás del Mar.

El Imperio Bizantino duró poco más de diez siglos y, naturalmente, en tan largo
periodo de debió defender muchas veces sus fronteras amenazadas por otros
pueblos. En el orden interno eran frecuentes las intrigas palaciegas y
rebeliones. De allí la necesidad de contar con un fuerte ejercito, y para formarlo
se recurrió casi siempre a tropas mercenarias. Cada escudaron tenía su
estandarte con diversas insignias, pero en la mayoría aparecían símbolos
cristianos.

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1.1.4 Arte Románico y Gótico

Descendimiento de la cruz. Cataluña

Diseño e imagen

Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja
Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de
Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que
es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas
constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza
con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de
pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura
era un arte subordinada a la construcción. La falta de perspectiva, los colores
planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de
los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una
indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada
es la del Fresco, notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de
fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias
italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en
copiar la naturaleza con fidelidad.

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Tabla frontal del apostolado. Cataluña

Arquitectura y diseño de interiores

Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los


monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia.
Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde
el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda,
por ser estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta

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y pesada. El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra


peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos
nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la
estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares,
cúpulas

Iglesia Románica.

Castillo Románico.

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Arcos románicos, escultura Virgen y niño.

Alto relieve en Iglesia. Figura de santo.

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Arte y Diseño Gótico


Diseño e imagen

Entre los siglos XII y XVI, florece en Europa un arte poderosamente original,
que fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro,
por suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que
ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre
de Godos. También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en
ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos
curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la
región llamada Isla de Francia.

En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura


mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo
XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles y
retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con gran
finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores se
esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con
exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas
tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Se destacan:
Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.

La resurrección de Lázaro. Giotto

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El beso de Judas. Giotto

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Madona con ángeles y San Francisco de Asís Cimabue hacia 1280

Arquitectura y diseño de interiores

El arte gótico inicia en París a partir de la construcción de la catedral de Saint


Denis. Desde allí y durante los siglos XII al XVI se extendió pro toda Francia y
el resto de Europa en sustitución del estilo Románico. Se construyeron casas
particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e iglesias.
Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral, arquitectura
extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla. Los
elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de
crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de
equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una
impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los
arcos y la abundancia de elementos puntiagudos.

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Bóveda gótica. San Juan (Świętej Janów), Toruń

Interior gótico.

En un principio, el término Gótico fue considerado peyorativo, ya que provenía


de la palabra “godos”, que se asociaba a un concepto inferior del Arte
Grecoromano. Fueron los románicos y los movimientos nacionalistas quienes lo
consideraron a partir del siglo XIX uno de los momentos artísticos más
brillantes de la cultura occidental.

El rígido equilibrio simétrico, la regularidad y el geometrismo Románico fueron


desplazados en el arte y la arquitectura y el empirismo que lo sustituyó permitió
inventar soluciones para que los edificios ganaran en altura y luminosidad.

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La arquitectura gótica presenta tres elementos innovadores con respecto a la


románica: el arco apuntado u ojival, la bóveda de crucería y los elementos
de soporte o arbotantes. Además existen otros ornamentos destacados: las
gárgolas, figuras de monstruos cuyas bocas servían de desagüe del agua de
lluvia al tiempo que ahuyentaban a los malos espíritus.

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Catedral y gárgola.

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Al igual que el período Románico Con la invasión árabe en España y el


suroeste de Francia, llegaron a Europa abundantes y diversos materiales
orientales. Pero el gran cataclismo de la moda se produjo en el siglo XII con las
Cruzadas. Los cruzados, hombres y mujeres, trajeron a su vuelta no solo
nuevos tejidos como sedas, damascos y terciopelos de brillantes colores y
complicadas tramas, sino también nuevos estilos. Las calzas sustituyeron a los
pantalones y las prendas se adornaron con joyas, bordados y pieles.
El gótico supuso una ruptura estilística radical con todo lo establecido, pues
implicaba un cambio de mentalidad sobre el conocimiento y la verdad existente.

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1.2 Tema 2: EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD MODERNA


1.2.1 El Renacimiento. El apogeo del Arte y Diseño en el Renacimiento
dentro y fuera de Italia: Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio,
Miguel Angel Buonarotti, Alberto Durero

El apogeo del Arte y diseño del Renacimiento, dentro y fuera de Italia.

Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce


en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su
admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de
Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a
nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por
artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer
de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y
estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano.

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Leonardo Da Vinci. “El hombre Vitruviano.”

Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia,


sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y
se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia.
Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia gótica, pero
gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo,
los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se procura
destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes conflictos
del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que Masaccio le
dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso.

Estudio anatómico de Leonardo Da Vinci.

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En el siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les


gusta retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas
cuyos rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre
la profusión de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la
mundana sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por
ejemplo, las referentes a mártires y pecadores.
Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la carne pecadora se
situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde el artista tenía
más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere interpretar estos
temas por medio del desnudo femenino.

“El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli.

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“La Gioconda” de Leonardo Da Vinci

Entre los representantes más significativos del Renacimiento, podemos


destacar por sus majestuosas obras pictóricas y escultóricas a Sandro
Botticelli, Alberto Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel
Buonarroti, y Rafael Sanzio; de ellos, sobresale la figura de Leonardo Da Vinci,
destacó tanto en el arte como en el dibujo y diseño de maquinarias, inventos,
estudio anatómico, a través del dibujo realiza sus famosos estudios
anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos finos pero firmes, destacando
las expresiones humanas y también se puede apreciar que están envueltos en
una sutil y fina aureola de luz difusa.

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Alberto Durero. Autorretrato.

El Renacimiento se difunde por toda Europa principalmente Alemania y


península Ibérica.

Las principales causas del Renacimiento fueron:


- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos
manuscritos de autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras
clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en
los curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales
monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los
poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el
progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan a la acción.

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Las características generales del arte renacentista fueron:


- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón
universal, les dan una validez permanente.

Rafael Sanzio. “La escuela de Athenas.”

Etapas del Renacimiento:

- Prerenacimiento o Trecento: siglos XIII y XIV. Coincide con el período


gótico europeo.
- Quattrocento: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la
ciudad.
- Cinquecento: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.

Arquitectura y diseño de interiores


La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y
como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva
y originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo
"colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la
arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un
aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una
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cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían
grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
parques.

Fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina (1541). Miguel Ángel.

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El David. Miguel Ángel

La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la


basílica cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el
empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos
Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos
constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia
robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de
claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas
suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio
punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de
tabernáculo.

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Cúpula de la iglesia de San Pedro.

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Cúpula de la Capilla Sixtina. Miguel Angel. “La creación de Adán”

En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa


que se emplearon varios elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil
manto, en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el
conjunto arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta
envolviendo por completo el conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales
naturales, los cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por
ejemplo, combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los
muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados
con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la
construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre
puertas y ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden
ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las
pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura romana.

Arquitectos Renacentistas:
- Italia: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel
Ángel Buonaroti.
- España: Diego de Siloé, Juan Herrera. Francia: Salomón de Brosse.

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1.2.2. EL MANIERISMO. LA IMPRENTA EN EL RENACIMIENTO.

Parmigianino. Virgen del cuello largo.

Se le llama Manierismo al período y estilo artístico que se sitúa


convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI
(Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un
Bajo Renacimiento).

Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como


la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por
ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear
como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal
de belleza clasicista y una complicación laberíntica tanto en lo formal (línea
serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, las
texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos
arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y equilibrio alto-
renacentistas, una "violación de la figura"), que prefigura el "exceso"
característico del Barroco. Por otro lado, también se identifica el Manierismo
con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte
sensorial y popular. Considerado como una mera prolongación del genio

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creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel
Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los leonardeschi), el Manierismo fue
generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte como un
estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una
"afectación artificiosa" cuya elegancia y grazia no fue apreciada plenamente
hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva
incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.

EL Greco ”El entierro del Conde de Orgaz”.

El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados


tanto en el contenido (alegorías y simbolismos) como en la forma. El cuerpo
humano, tanto vestido como desnudo se representa en toda clase de
complicadas posturas, difíciles y artificiosas, de una extraña gracia y elegancia.
Las extremidades son raramente alargadas, las cabezas aparecen pequeñas y
el semblante estilizado. Los colores29 no remiten a la naturaleza, sino que son
extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de
apoyarse en gamas. El propio Miguel Ángel o el académico Rafael
experimentaron en sus últimas obras el placer de la transgresión, desdibujando

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sus figuras o dejando inacabadas sus obras. La escultura manierista busca "la
multiplicidad de las vistas", superando no sólo las concepciones
altorenacentistas.

El disegno ("dibujo") se estableció como algo más que una mera función
subsidiaria para las obras pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. A mediados
del siglo XVI ya era considerado un arte con categoría autónoma y los dibujos
obras de arte con valor propio, resultado acabado de la tarea de artistas como
Pontormo, Parmigianino o Tintoretto. Su importancia en el mercado de arte fue
creciendo, aunque todavía no llegaba a la cotización que alcanzó al siglo
siguiente.31 El grabado tuvo una evolución semejante. Incluso sin genios como
habían sido años atrás Durero o Mantegna, o posteriormente Ribera o
Rembrandt, el oficio se asentó a través de la actividad de figuras menores, que
se dedicaban más bien a la copia y reproducción de pinturas que a la creación.
Se desarrolló una técnica impecable y una gran sensibilidad en la resolución de
las serias dificultades inherentes al género de la copia. Éste fue un periodo de
extraordinaria actividad grabadora, solamente comparable a los siglos de la
Edad Contemporánea. En Italia y los Países Bajos había talleres que eran
verdaderas empresas industriales de reproducción de grabados a gran escala,
que desarrollaron innovaciones técnicas.

Ugo Da Carpi. “Diógenes”

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La Imprenta en el Renacimiento
Johann Gutenberg, natural de Maguncia (Alemania), está considerado
tradicionalmente como el inventor de la imprenta en Occidente. La fecha de
dicho invento es el año 1450. Ciertos historiadores holandeses y franceses han
atribuido este invento a paisanos suyos, aduciendo abundantes pruebas. Sin
embargo, los libros del primer impresor de Maguncia, y en concreto el ejemplar
conocido como la Biblia de Gutenberg, sobrepasa con mucho en belleza y
maestría a todos los libros que supuestamente le sucedieron. El gran logro de
Gutenberg contribuyó sin duda de forma decisiva a la aceptación inmediata del
libro impreso como sustituto del libro manuscrito. Los libros impresos antes de
1501 se dice que pertenecen a la era de los incunables.
En el periodo comprendido entre 1450 y 1500 se imprimieron más de 6.000
obras diferentes. El número de imprentas aumentó rápidamente durante esos
años. En Italia, por ejemplo, la primera imprenta se fundó en Venecia en 1469,
y hacia 1500 la ciudad contaba ya con 417 imprentas.
Los impresores del norte de Europa fabricaban sobre todo libros religiosos,
como biblias, salterios y misales. Los impresores italianos, en cambio,
componían sobre todo libros profanos, por ejemplo, los autores clásicos griegos
y romanos redescubiertos recientemente, las historias de los escritores laicos
italianos y las obras científicas de los eruditos renacentistas. Una de las
primeras aplicaciones importantes de la imprenta fue la publicación de
panfletos: en las luchas religiosas y políticas de los siglos XVI y XVII, los
panfletos circularon de manera profusa. La producción de estos materiales
ocupaba en gran medida a los impresores de la época. Los panfletos tuvieron
también una gran difusión en las colonias españolas de América en la segunda
mitad del siglo XVIII.

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La máquina que se utiliza para transferir la tinta desde la plancha de impresión


a la página impresa se denomina prensa. Las primeras prensas de imprimir,
como las del siglo XVI e incluso anteriores, eran de tornillo, pensadas para
transmitir una cierta presión al elemento impresor o molde, que se colocaba
hacia arriba sobre una superficie plana. El papel, por lo general humedecido, se
presionaba contra los tipos con ayuda de la superficie móvil o platina.
Las partes superiores de la imprenta frecuentemente iban sujetas al techo y
una vez que el molde se había entintado, la platina se iba atornillando hacia
abajo contra el mismo. La prensa iba equipada con raíles que permitían
expulsar el molde, volviendo a su posición original, de modo que no fuera
necesario levantar mucho la platina. Sin embargo, la operación resultaba lenta
y trabajosa; estas prensas sólo producían unas 250 impresiones a la hora, y
sólo imprimían una cara cada vez.
En el siglo XVII se añadieron muelles a la prensa para ayudar a levantar
rápidamente la platina. Hacia 1800 hicieron su aparición las prensas de hierro,
y por aquellas mismas fechas se sustituyeron los tornillos por palancas para
hacer descender la platina. Las palancas eran bastante complicadas; primero
tenían que hacer bajar la platina lo máximo posible, y al final tenían que
conseguir el contacto aplicando una presión considerable. Aunque las mejores
prensas manuales de la época sólo producían unas 300 impresiones a la hora,
las prensas de hierro permitían utilizar moldes mucho más grandes que los de
madera, por lo que de cada impresión se podía obtener un número mucho
mayor de páginas. La impresión de libros utilizaba cuatro, ocho, dieciséis y más
páginas por pliego.

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1.2.3 ARTE BARROCO: CARAVAGGIO, GIAN LORENZO BERNINI, GEORGES DE LA TOUR,


VERMEER, RUBENS, REMBRANDT

Diseño e Imagen

El Estilo Barroco se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del
siglo XVIII, se extendió por todos los países europeos, desarrollando
características propias en cada país. En este arte hay una marcada
predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen
composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y
de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las
representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus
vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más
adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros,
etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de
las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el
Clasicista, en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de
Caravaggio; en Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y
Claude Gelée Lorrain; en España el barroco se torna serio y formal,
representado magistralmente por Diego Rodríguez de Silva y Velásquez,
Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo. En los países
bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el
siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van
Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un nuevo estilo y contó
con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van
der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de
partida fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos
en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso
a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza
su momento culminante en el siglo XVIII.

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Jóven mendigo. Esteban Murillo

Niño con cesto de frutas. Michelangelo Merisi Da Caravaggio

Baco. Michelangelo Merisi Da Caravaggio

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“El triunfo de Baco”. Diego Velasquez.

Los síndicos del gremio de pañeros. Rembrandt Harmenszoon van Rijn

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Diego Velásquez. “Las Meninas.”

Diego Velásquez, pintor de la corte española destacó por la expresividad en los


rostros de sus retratos pictóricos, el capturar una escena de tal modo con
bellas composiciones, pinceladas pequeñas y contundentes como un antecesor
al impresionismo, los colores se unen en al retina del espectador.

Por el lado de la escultura, el italiano Gian Lorenzo Bernini llegó a lo más alto
del realismo escultórico del alto barroco gracias a su fascinante precisión en las
formas y por captar el momento álgido de una acción, con el mármol lograba
infinidad de texturas e ilusiones tales como tela, piel, madera. Sin duda el más
destacado escultor de la historia occidental.

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Gian Lorenzo Bernini. “Apolo y Daphne”

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Gian Lorenzo Bernini. “EL éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni.”

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1.2.4 ARTE ROCOCÓ: WATTEAU Y FRAGONARD

El Rococó consistía en que los adornos representaban falsas rocas, adheridas


a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas. Estas
características fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el
rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor
y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en
adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas,
conchas, etc.

Salvi. “Fontana Di Trevi”. Palacio Poli.

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Diseño interno habitación Rococó.

Es un estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al barroco y


precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que designaba
en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a base de
conchas. Floreció principalmente en Francia, en un principio junto con el
barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por toda
Europa.

Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico, los elementos


decorativos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las construcciones,
pero fue sobretodo en los interiores donde la decoración rococó consiguió los
mayores logros.

El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad, favoreció en


pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo. Este hubiese
carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la pintura
holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el Rey,
con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla entre
los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las
composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen
todavía en hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.

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Jean Honoré Fragonard. “EL columpio”

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UNIDAD

2
EL ARTE Y EL DISEÑO EN LA EDAD
CONTEMPORÁNEA

LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,


reconociendo e identificando los estilos pertenecientes a las diversas etapas
del Arte que se dieron lugar en el siglo XIX.

TEMARIO
2.1 Tema 3: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Primera mitad del siglo XIX)
2.1.1 Cambio de siglo, la Revolución Industrial y el Arte Neoclásico
2.1.2 El Romanticismo: Goya, Delacroix, Blake y Turner.
2.1.3 El nacimiento de la fotografía: Un nuevo lenguaje en el Arte.
2.1.4 El nacimiento de la Ilustración: Thomas Nast, Charles Danna Gibson y Richard Outcault.

2.2 Tema 4: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea (Segunda mitad del siglo XIX y
cambio de siglo)
2.2.1 El Impresionismo: Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Dégas, Pierre-Auguste Renoir.
2.2.2 El Post Impresionismo: Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne y Toulouse
Lautrec.
2.2.3 Arts and Crafts: William Morris, Phillip Webb y Dante Gabriel Rosetti.
2.2.4 Modernismo: Art Nouveau en diferentes países de Europa. Los pintores, cartelistas e
ilustradores y arquitectos más destacados. Toulouse Lautrec, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley,
Gustave Klimt, Charles Rennie Mackintosh y Antoni Gaudí. El nacimiento del Cine: Los
hermanos Lumiere y George Melies.

ACTIVIDADES PROPUESTAS

• Analizamos la historia del Diseño a través de recursos interactivos que nos


ayuden visualmente a analizar los temas a tratar.

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2.1 Tema 3: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea


(Primera mitad del siglo XIX)

2.1.1 Cambio de siglo, la Revolución Industrial y el Arte Neoclásico

Diseño Industrial

El cambio que se produce en la Historia Moderna de Europa por el cual se


desencadena el paso desde una economía agraria y artesana a otra dominada
por la industria y la mecanización es lo que denominamos Revolución
Industrial.

En la segunda mitad del siglo XVIII, en Inglaterra, se detecta una


transformación profunda en los sistemas de trabajo y de la estructura de la
sociedad. Es el resultado de un crecimiento y de unos cambios que se han
venido produciendo durante los últimos cien años; no es una revolución
repentina, sino lenta e imparable. Se pasa del viejo mundo rural al de las
ciudades, del trabajo manual al de la máquina. Los campesinos abandonan los
campos y se trasladan a las ciudades; surge una nueva clase de profesionales.
Algunos de los rasgos que han considerado definitorios de la revolución
industrial se encuentra en el montaje de factorías, el uso de la fuerza motriz
además de los cambios que trajo: se pasa de un taller con varios operarios a
grandes fábricas, de la pequeña villa de varias docenas de vecinos a la
metrópoli de centenas de miles de habitantes.

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Esta revolución viene a ser un proceso de cambio constante y crecimiento


continuo donde intervienen varios factores: las invenciones técnicas
(tecnología) y descubrimientos teóricos, capitales y transformaciones sociales
(economía), revolución de la agricultura y al ascenso de la demografía. Estos
factores se combinan y potencian entre sí, no se puede decir que exista uno
que sea desencadenante.

Las enormes transformaciones económicas que conocerá Europa


(comenzando estos cambios Gran Bretaña) a partir del siglo XVIII modificarán
en gran medida un conjunto de instituciones políticas, sociales y económicas
vigentes en muchos países desde al menos el siglo XVI que suelen
denominarse como El Antiguo Régimen. El nombre fue utilizado por primera
vez por dirigentes de la Revolución Francesa en un sentido crítico: los
revolucionarios pretendían terminar con todo lo que constituía ese Antiguo
Régimen.

La máquina a vapor.

Uno de los elementos sustanciales de la mecanización y modernización


industrial fue la aplicación de un nuevo tipo de energía: el vapor, cuya
producción requería carbón. La máquina de vapor del escocés James Watt
(1782) se convirtió en el motor incansable de la Revolución Industrial.

La tipografía en una época industrial

La Ilustración inglesa influyó en Francia y estableció los cimientos de la


Revolución francesa de 1789, de tintes burgueses y favoreció el nacimiento de
la Prensa como una nueva fuerza en toda la Europa continental.
En 1777 nació el primer diario francés, Le Journal de París que tenía sólo
cuatro páginas. En la capital de la prensa italiana, Milán, apareció el primer
periódico literario Il Café. En 1785, John Walter fundó el decano de la prensa
inglesa, el Times. Se produjo tal auge de los periódicos, que se crean las
primeras formas de verdadero periodismo político, sobre todo en Francia e
Italia, donde aparecen los Monitori.

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Con el surgimiento de la Revolución Industrial un gran número de personas


dejaron de laborar las tierras y buscaron empleos en las fábricas y gracias a
esto las ciudades crecieron rápidamente y hubo una distribución más amplia de
la riqueza.

La inversión de capital en máquinas, para la fabricación masiva, llegó a ser la


base del cambio industrial y del desarrollo. Se estableció un ciclo de producción
en espiral. La demanda de una población urbana que crecía rápidamente y
poseía gran poder de compra, estimuló las mejoras tecnológicas. Esta
circunstancia facilitó la producción en masa, lo que produjo un incremento en la
presencia de productos disponibles en el mercado, y la reducción de costos.

El progreso vertiginoso de la Revolución Industrial no se realizó sin costo


social. Esta enorme fuerza de trabajo de hombres, mujeres y niños, a menudo
era fuertemente recortada; algunas de las causas que provocaron esta
situación eran la sobreproducción anticipada (con el consecuente
almacenamiento de mercancía o la saturación del mercado), el incremento
desmesurado en os costos de la materia prima y la incapacidad o la avaricia de
los patrones para comprarla, las crisis comerciales, el fracaso en los negocios,
los errores de los bancos y la pérdida de la fuente de trabajo, ocasionada por el
desplazamiento de la mano de obra humana por nuevos adelantos técnicos.
Sin embargo, en lo que cabe, el nivel de vida de las personas en Europa y
América mejoró notablemente durante el siglo XIX.

Los críticos de la nueva era industrial pensaban que la civilización estaba


cambiando los valores humanos por el interés económico.

El grado más alto de igualdad que se inició a partir de la revolución francesa y


americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y, por tanto,
la posibilidad de leer y escribir, por lo que el público lector, consecuentemente,
aumentó. Este periodo inestable con continuos cambios se caracterizó por una
mayor trascendencia y disponibilidad de la comunicación gráfica.

Las artesanías desaparecieron casi por completo. La unidad de diseño y


producción que tenía un artesano llego a su fin.

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Las fabricas, nuevos centros de producción masiva.

El desarrollo de la Litografía

Aloys Senefelder (1771-1834). Inventó la litografía (del griego literalmente


“impresión sobre piedra”), en el año 1796. La litografía se basa en el sencillo
principio químico de que el agua y el aceite no se mezclan.

Godefroy Engelmann. Impresor francés, designó el sistema cromolitografía, el


cual se basaba en una placa generalmente impresa en negro y otras placas
detrás de ésta proporcionaban la plasta de color o los matices.

Piedra litográfica con dibujo.

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La Escuela de Cromolitografía de Boston:

1. William Sharp (nacido en el año 1803). Introdujo la cromolitografía en


América.

2. Richard M. Hoe (1812-1886). Inventor americano y genio mecánico,


perfeccionó la prensa litográfica giratoria que fue apodada “prensa relámpago”
porque incrementaba seis veces más la producción litográfica, en relación con
las prensas de imprimir planas entonces en uso.

3. John H. Bufford (muerto en 1870). Gran innovador de la cromolitografía en


Boston, y un hábil dibujante cuyas imágenes dibujadas al crayón lograron un
sorprendente realismo. Llegó a ser el primer litógrafo americano, no asociado
con Sharp. Se especializó en impresos de arte, carteles, portadas e
ilustraciones de libros y revistas y a menudo usaba cinco o más colores.

4. En el año 1864, los hijos de Bufford se asociaron a su empresa. El sello


distintivo consistía en un dibujo tonal minucioso y convincente. Una
preocupación muy importante del diseño gráfico de esta empresa era la
integración de la imagen y los letreros en un diseño unificado.

5. las décadas de los años 1860 a 1900, fueron la mejor época de la litografía;
esta llegó a ser el medio predominante para imprimir.

Diseño y arte del Neoclasicismo

Diseño e imagen

El Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar de forma peyorativa al


movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales
de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en
la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos
de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con el ocaso de Napoleón Bonaparte,
el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo. Al
producirse el desgaste de las culturas barrocas, aspiraba restaurar el gusto y
las normas del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo
plano y adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color
es aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos
utilizados antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los
descubrimientos arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura
David fue el máximo exponente del neoclasicismo francés, que contó con
pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos
ya apuntaba el germen del Romanticismo.

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Jacques-Louis David. “El juramento de los Horacios.”

Jacques-Louis David. “La coronación de Napoleón.”

Arquitectura y diseño de interiores


La Arquitectura del Neoclásicismo se caracterizó por la simetría, la elegancia y
la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de
la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la
división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el

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gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas. La columna


recobra su antigua importancia y se vuelve a utilizar el orden arquitectónico con
todo su fundamento. Vuelven también los frontones, los cuales se decoran con
esculturas en sus tímpanos. El margen de creatividad es muy pequeño y,
predomina la copia sobre la imaginación. En Francia, Napoléon manda a
construir muchos edificios e iglesias bajo este estilo. En Inglaterra el estilo
neoclásico no tuvo mucha aceptación porque todavía predomina el gusto
neogoticista. En Alemania el Neoclásico se difunde con más facilidad por los
estados del norte mientras por los estados del sur todavía se prefieren los
edificios barrocos.

La puerta de Brandenburgo.

2.1.2 El Romanticismo: Goya, Delacroix, Blake y Turner. Koenig y la


prensa a vapor.

Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra
la frialdad del neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
Su pintura se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran
composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la
literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas
importantes en el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de
Goya, Blake, Turner y Caspar Friedrich.

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Francisco de Goya. “El Aquelerre.” ó “El cabrón.”

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Francisco de Goya. “El Coloso.”

Eugène Delacroix. “La Libertad guiando al pueblo.”

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Koening y la prensa a vapor

Friedrich Koenig es un impresor alemán que llegó a Londres alrededor de 1804


e hizo cambios muy decisivos para transformar la imprenta. Presentó sus
planos para una máquina de imprimir operada a vapor, a los impresores más
importantes de Londres. Finalmente, después de recibir ayuda económica por
parte de Thomas Bensley en 1807, Koenig obtuvo la patente para su prensa en
marzo de 1810. En abril de 1811 fabricó su primera producción de prueba;
3000 hojas del Annual Register. Esta prensa imprimía 400 hojas por hora, en
comparación con la producción de 250 hojas por hora de la prensa manual de
Stanhope. La primera prensa mecánica conectada a una máquina de vapor, se
diseñó en forma muy parecida a la prensa manual. Otras innovaciones
incluyeron un método de entintado de los caracteres por medio de rodillos, en
lugar de utilizar las balas de entintar manualmente. El movimiento horizontal de
la forma de los tipos en la cama de la máquina y el movimiento del tímpano y la
frasqueta era automático.

Inicios de la prensa masiva

El primer diario estadounidense nace en Filadelfia, el Pennsylvania Evening


Post en 1783. A principios del XIX había unos veinte periódicos diarios, cifra
que fue en aumento según se propagaba la Revolución Industrial. En 1833,
Benjamin Henry Day editó la primera edición del New York Sun, pionero de la
prensa barata que dominó el mercado periodístico de este país hasta finales
del XIX y que dio paso al periódico moderno destinado a una audiencia masiva,
con unos contenidos de "interés humano", abiertamente sensacionalista y cuyo
precio era un centavo.

Tuvo un gran éxito por lo que tenía mucha publicidad que ocupaba gran parte
del periódico. Pronto aparecieron imitadores: el New York Tribune en 1841, de
Horace Greeley, republicano y antiesclavista, considerado un gran vivero del
periodismo norteamericano, y el sudista New York Herald (fundado por Gordon
Bennett en 1835), que alcanzaron decenas de miles de ejemplares. El tercer
gran periódico que nace en esta época es The New York Times, en 1851, de
Henry Raymond. Las razones por las que surge este tipo de prensa de masas
son: los adelantos tecnológicos, un papel más barato, el desarrollo de unas
rotativas más rápidas, un fuerte porcentaje de publicidad y la creación de la
Agencia AP (Associated Press), en 1848, mediante la unión de seis periódicos
de Nueva York, para compartir los costes de la transmisión telegráfica de
noticias desde Washington y Boston hasta Nueva York.

La prensa rotativa

Los avances en el mundo de la impresión tienen como objetivo aumentar la


velocidad, y fue durante el siglo XIX cuando se van a producir las mejoras
necesarias para el desarrollo de la prensa. Gracias a Friedrich König, que
inventó la prensa accionada por vapor que revolucionó toda la industria de la
impresión. Una de las consecuencias fue la prensa de cilindro, que utilizaba un
rodillo giratorio para prensar el papel contra una superficie plana. Con la

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rotativa, unos años más tarde, se iba a permitir la impresión simultánea por
ambas caras del papel.

Cuando en 1829 surgen los estereotipos, que permiten fabricar duplicados de


planchas de impresión ya compuestas, se incrementaron las ediciones de las
publicaciones. En 1846, el inglés Smart inventa una rotativa para la impresión
litográfica, en la que todo el proceso se automatiza excepto para la entrada
(alimentación) y salida (retirada) del papel. Surge así la primera imprenta de
offset automática.

Aunque en 1845 Richard Hoe (EEUU) ya había obtenido una patente referida a
la primera rotativa moderna. La gran demanda en este período de grandes
tiradas de los periódicos existentes, llegando a superar incluso la producción de
libros, hizo posible el éxito de las rotativas.

Imagen del libro de Phillips, B. Meggs. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990

Así, en 1848 el diario londinense The Times pone en funcionamiento por


primera vez una rotativa rápida de este tipo. Esta máquina fue perfeccionada
por Augustus Applegath y Edward Cooper, ingenieros ingleses, siguiendo el
principio de la máquina inventada por Hoe, aunque seguía trabajando
únicamente con pliegos sueltos de papel.

Algunos años después, en 1851, el constructor británico T. Nelson logra por fin
desarrollar una rotativa para la impresión sobre bobinas continuas de papel y,
más tarde, en 1863, el inventor estadounidense William A. Bullock obtendrá la
patente de la primera prensa rotativa que se alimentaba por bobinas, para la
impresión de libros sobre papel continuo, modelo para las rotativas posteriores,
esto es que permitía imprimir los periódicos en rollos en lugar de hojas sueltas.

A partir de este momento se darán algunos problemas, que van a ser


corregidos años después. Son, por ejemplo, los cuellos de botella producidos
en las fases de cortado y plegado del material impreso, así como la lenta tarea
de la composición de los textos a mano.

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Será en 1884 cuando Ottmar Mergenthaler logre mecanizar este último proceso
con la linotipia.
Siguiendo con la progresión cronológica, hubo algunos intentos como el del
inglés Black, que inventó en 1850 una máquina plegadora automática capaz de
plegar en octavo hasta dos mil pliegos por hora, al estar equipada con
dispositivos de plegado y corte.

Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990

Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990

En 1884 destaca un hito importante en la historia de la impresión, el invento de


la linotipia por parte del relojero alemán Ottmar Mergenthaler, basado en la
composición totalmente automatizada de los textos. La innovación consistía en
la posibilidad de poder escribir una a una las líneas del texto mediante un
teclado, en lugar de ir componiéndolas letra a letra con sus correspondientes

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tipos de plomo manualmente. Así, una vez finalizada la composición de una


línea, se fundía el molde de impresión en negativo, con plomo líquido,
obteniéndose un sello de plomo para la impresión.

2.1.3 El nacimiento de la Fotografía: un nuevo lenguaje en el arte.

La primera fotografia de la historia fue tomada por Joseph-Nicéphore Niepce


(1765-1833). Esto sucedió en el 1826/27 cuando logró fijar una imagen
permanente del patio de su casa. Se obtuvo con una cámara oscura y una
exposición de ocho horas sobre una emulsion química de sales de plata.

Poco después Niepce y Louis Daguerre, entran en contacto y firman un


acuerdo para seguir con los procesos formando la imagen sobre una superficie
de plata pulida como un espejo. Para economizar, normalmente las placas eran
de cobre plateado, pues sólo era necesario disponer de una cara plateada.

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Alrededor de 1831 el pintor francés Louis Daguerre realizó fotografías en


planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata.
Después de exponer la plancha durante varios minutos, Daguerre empleó
vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva. En 1833 fallece
Niépce y el invento pasa a llamarse Daguerrotipo.

Atelier de Louis Daguerre en 1837

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París, Boulevard du Temple, en abril o mayo de 1838, por Daguerre.

Barcelona en 1848. Vista al daguerrotipo, con la Muralla del Mar y la Casa Vidal Quadras.

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Federico Chopin, pianista polaco (1810 - 1849)


Daguerrotipo de 1849.

2.1.4 El nacimiento de la Ilustración: Thomas Nast, Charles Danna Gibson


y Richard Outcault.

En Nueva Cork en el año 1817, los hermanos James (1795-1869) y John


(1797-1875) Harper, establecieron una imprenta. Sus hermanos menores
Wesley (1801-1870) y Fletcher (1807-1877) se unieron a la empresa en los
años 1823 y 1825 respectivamente.

Para mediados del siglo, Harper y Hnos. había llegado a ser la empresa
publicitaria e impresora más grande el mundo. Durante la década del año 1840,
Harper y Hnos. lanzó un proyecto monumental que estaba destinado a
convertirse en el máximo logro del diseño gráfico y la producción de libros
hasta la fecha en la historia del joven país, la Nueva Biblia Pictórica e Iluminada
de Harper.

Algunos artistas de la época:

Thomas Nast (1840-1902), un precoz y talentoso artista se le conoce como “El


padre de las Caricaturas Políticas de los Estados Unidos”

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“Uncle Sam” Caricatura política de Thomas Nast.

Edwin Austin Abbey (1852-1911) un experto en dibujos a pluma. Arthur B. Frost


(1851-1928) llegó a ser querido por sus dibujos a pluma de animales y
campesinos americanos. Howard Pyle ((1853-1911), su trabajo y sus notables
dotes como maestro lo convirtieron en la fuerza más importante que lanzó la
etapa conocida como “La edad de Oro de la Ilustración Estadounidense”.

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“Santa Claus” y “The Brains” Caricatura política de Thomas Nast.

Charles Dana Gibson (1867-1944), es el creador de bellas mujeres jóvenes y


hombres de mandíbula cuadrada que establecieron reglas de perfección en los
prototipos durante décadas. Uniendo las décadas del año 1890 hasta las del
año 1940, se observa que en esta época, las comunicaciones visuales en
Norteamérica quedaron bajo el dominio del ilustrador.

Charles Dana Gibson, Mujeres, 1905.

La repercusión de la fotografía, la nueva herramienta de las comunicaciones,


sobre las ilustraciones gráficas puede ser rastreada en la carrera de Pyle, que
evolucionó con las nuevas tecnologías para la reproducción En el año 1893,
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Pyle logró otro avance cuando el ilustrador de 40 años realizó su primera


ilustración a dos colores.

En el año 1841, Volney Palmer de Filadelfia abrió la que se considera la


primera agencia de publicidad. Vendía espacio a los editores; la agencia de
publicidad como empresa de consulta con un conjunto de especialidades fue
promovida por otro agente de publicidad de Filadelfia, N.W. Ayer e hijo. En la
década del año 1800 Ayer afirmó la idea de que una agencia de publicidad
debía proporcionar los servicios que los clientes no podían realizar y que los
editores no ofrecían; a fines de siglo, Ayer estaba bien encaminado para
ofrecer un espectro completo de servicios: redacción de textos publicitarios,
dirección de arte, producción y selección del medio.

Afiche de Coca Cola de los años 1890`s

El uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.

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Londres y Paris. Capitales del Diseño comercial del s. XIX

La Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En 1814 se


inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de la impresión
incorporando la máquina semiautomática proyectada por el alemán Friedrich
Köenig, posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que
la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de
papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites
de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el
grueso del palo), y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la
letra), así mismo se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las
Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.

Diseño de Modas

La moda en 1909.

El diseño de modas es un arte que se dedica al diseño de ropa y accesorios.El


primer diseñador de modas fue Charles Frederick Worth (1826-1895) que fue
el primero en ponerle una etiqueta con su nombre a sus diseños. De echo el
termino costurero fue echo para referirse a el. Charles tubo muchísimo exito e
incluso el les decia a sus clientes que ponerse en ves de alreves como
normalmente se hacia. Solo la ropa creada después de 1858 se puede
considerar diseño de modas.

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Charles Frederick Worth (1826-1895)

Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar
artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí
mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica
que produciendo una prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le
gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Por lo tanto, la tradición de
bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para
economizar. En la década de 1850 surgieron los grandes almacenes, donde
se comercializaban productos a precios más asequibles; también las revistas
de moda comenzaron a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la
vestimenta; por último, la evolución de los transportes, con el consecuente
crecimiento de las exportaciones, logró una democratización en el vestir. La
industria de la ropa interior evolucionó notablemente, llegando a la creación del
brassiére, el prototipo del moderno sujetador.

Princesa Pauline Sandor de Matternich, traje nupcial creado por Worth

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2.2 Tema 4: El Arte y Diseño en la Edad Contemporánea


(Segunda mitad del siglo XIX y cambio de siglo)
2.2.1 El Impresionismo: Claude Monet, Édouard Manet, Edgar Dégas,
Pierre-Auguste Renoir

Claude Monet. “Impresión Sol Naciente.”

La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en


1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían
captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a
través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la
apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura
fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este
movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las
manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por
resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo
tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos.
La combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela,
sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las
figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude
Monet y Edouard Manet; también se destacan Edgar Degas, Pierre August
Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la característica primaria, a
través del estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se verá
distinto de acuerdo con la hora del día en que se pinte.

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Edgar Degas. “Estrella del ballet.”

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Monet Painting in His Floating Studio

Bar at the Folis-Bergère de Édouard Manet

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Renoir. El Siena en asnieres.

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2.2.2 Post Impresionismo: Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne
y Toulouse Lautrec
A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que
logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este
movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas,
destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y
Henri Toulouse Lautrec.

Vincent Van Gohg “La noche estrellada”

Paul Cezanne. Bodegón.

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El Diseño arquitectónico en la segunda mitad del siglo XIX

Con Henri Labrouste, que construye la Biblioteca de Sainte Geneviève de


París, se concilian las dos orientaciones,. Se trata del primer edificio público
construido con hierro fundido y hierro forjado desde los cimientos hasta la
cubierta. Sin embargo, aún se "enmascara" el edificio con fachadas de estilos
clásico; lo mismo sucede en su Biblioteca Nacional de París.

El Palacio de la Industria, de París (1855), construido también para una


exposición universal, supera con creces la obra de Paxton, pues tiene un
cuerpo central de 48 metros de luz. En 1889 sorprende la Galería de las
Máquinas, edificado así mismo para una construcción.

La obra más conocida de la construcción mecánica fue la Torre Eiffel. Al


contrario que otras torres, no fue desmontada y se ha convertido en un símbolo
con sus trescientos metros de altura, toda ella hecha con piezas prefabricadas
y con cálculos precisos relativos a la dilatación térmica y a la fuerza del viento.

La Torre Eiffel.

La Escuela de Chicago

En los Estados Unidos se opta por una arquitectura utilitaria y racionalista. La


ciudad de Chicago es destruida por un incendio en 1871, lo que obliga a
levantarla de nuevo. Se produce una gran especulación sobre los solares, ya
que Chicago es una ciudad floreciente y ello suscita una gran demanda de
construcciones. La solución que se adopta es la construcción en vertical:
muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Nace así el rascacielos,
cuya estructura será metálica y permitirá la ubicación de ascensores. El primer
rascacielos es de 1864.

La escuela de Chicago está integrada por un conjunto de arquitectos que


proponen soluciones similares: estructuras metálicas revestidas según la
función del edificio; las ventanas pueden ser tan grandes como se quiera y el
muro de carga deja de tener sentido. El representante más importante de la

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escuela de Chicago es Louis Sullivan (Auditorio de Chicago).

El Cartel como Medio de Comunicación

Toulouse Lautrec. Carteles.

Fue en las calles de las ciudades que crecían vertiginosamente al final del siglo
XIX donde se presentaron los carteles como una expresión de vida económica,
social y cultural, compitiendo por la atención de los compradores de las nuevas
mercancías y audiencias para las diversiones.

Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico,


atrapaban la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el
texto, revelaban un contexto preciso, introduciendo una nueva estética de
imágenes simplificadas ordenadas por los medios de reproducción gráfica.

En su libro "Introducción al diseño gráfico", Peter Bridgewater enfatiza la


influencia de Toulouse-Lautrec, al utilizar la litografía a gran escala, en el
desarrollo del diseño gráfico de los carteles: "Henri de Toulouse Lautrec (1864-
1901) influyó notablemente en la elaboración del cartel moderno (poster).
Entendía que los carteles eran un medio de comunicación con otras personas,
que se dirigía a cierta audiencia. Descubrió la importancia de trasladar su
trabajo a la imprenta, y aprovechó la litografía a gran escala. La tradición
clásica de la tipografía centrada, usando varias formas de letras, tuvo sus
orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero hubo innovadores que estaban
preparados para desafiar los valores existentes, en busca de una forma de
comunicación más efectiva y original."

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Los artistas de todo el mundo miraban París como la capital del arte mundial y
admiraban sus carteles. Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich,
Budapest, Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también
nutrieron escuelas de artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales.
Milán produjo el número más destacado de creadores de carteles, cuya
originalidad desafió a los de París.

2.2.3 Arts and Crafts (Movimiento Artes y Oficios): William Morris, Phillip
Webb y Dante Gabriel Rosetti

El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue un movimiento


artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y
Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX,
alcanzando su cenit entre 1880 y 1910. Reacciona tanto contra el estilo
Victoriano como contra el estilo industrial, que eran los dominantes a finales del
siglo XIX. Si bien, las construcciones en fierro y la industria pujante a mediados
del siglo XIX eran dignos de admiración, las personas extrañaban el acabado
estético que la manufactura posee, pero a la vez no se quería caer en la
sobrecarga de elementos edulcorados que entonces eran muy comunes.

Ante la necesidad de otorgar a los objetos de la vida cotidiana una dimensión


estética que acompañase sus funciones naturales surge el Arts and Crafts
pretendiendo elevar la dignidad social y estética al diseño y todas las Artes
aplicadas. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran
influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y
norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

En 1861 William Morris, (Inglaterra, 24 de marzo de 1834 - 3 de octubre de


1896) artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin,
hombre polifacético, funda la empresa Morris & Company empresa de
arquitectura y diseño industrial que se ocupó de la recuperación de las artes y
oficios medievales, renegandode las nacientes formas de producción en masa.

Talleres Morris and Company.

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Asimismo en 1891 Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la cual salieron


tiradas reducidas de algunos de los libros impresos más cuidadosamente
facturados de toda la historia. Allí produjo trabajos originales (The Story of
Sigurd the Volsung, The fall of the Nibelungs, etc), así como reimpresiones de
los clásicos, siendo su obra más conocida la edición de los Cuentos de
Canterbury, de Chaucer, ilustrada por Burne-Jones e impresa en Kelmscott
Press en 1896.

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Libro publicado, tipografía y colofón de la Kelmscott Press,

Principios del Arts and Crafts (Movimiento Artes y Oficios)

Los principios filosóficos, éticos, políticos y estéticos más destacados del Arts
and Crafts fueron:

• Rechazo de la separación entre arte y artesanía. El diseño de los objetos


útiles es considerado como una necesidad funcional y moral.
• Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al
trabajador de la obra que realiza.
• Regreso al medievalismo en arquitectura (estilo neogótico) y en artes
aplicadas.
• La arquitectura es vista como el centro de todas las actividades de
diseño. Esta idea sería recogida por el racionalismo a inicios del siglo
XX.
• Se sigue al modelo medieval de trabajo colectivo, agrupando a los
artesanos enguildas o talleres.
• Nivel de excelencia tanto en factura como en acabados para que el
trabajo sea de plena satisfacción para artista y cliente.

Principales Representantes del Arts and Crafts (Movimiento Artes y


Oficios)

Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert


Ashbee, T. J.Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair,
Herbert Tudor Buckland,Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser,
Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento
prerrafaelista, que veremos a continuación.

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Prerrafaelismo

Es una asociación de pintores ingleses que se denominan "Cofradía


prerrafaelista" fundada en 1848 por cuatro artistas, uno de los cuales, el de
mayor personalidad, fue Dante Gabriel Rossetti. Pretendían renovar el arte
observando con precisión la naturaleza y volviendo a la simplicidad y sinceridad
de la pintura de los primitivos florentinos o sieneses anteriores a Rafael.
Estuvieron interesados por temas sociales de su tiempo y por la leyenda
medieval y el ciclo artúrico. El grupo se disolvió en 1852. Como dijimos
anteriormente, si revisamos una corriente que se desarrolló casi medio siglo
atrás al momento histórico que estamos trabajando es porque ex miembros
suyos apoyaron al movimiento Arts and Krafts en décadas posteriores en
especial en lo que a carácter editorial concierne, aportando a los principios en
los que se fundamentó este movimiento. Sus principales exponentes son John
Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y John William Watherhouse.

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2.2.4 Modernismo: Art Nouveau y el cambio de siglo

Diseño de Alphonse Mucha

Estas portadas de Alphonse Mucha, con su inconfundible estilo lleno de curvas y suavidad gráfica, que tanto gustó desde finales
del XIX y que ha influido a tantos diseñadores, incluidos los "psicodélicos" de la década de los 60.

Dos décadas contemplaron (del año 1890 al año 1910, aprox.) el desarrollo de
un estilo decorativo que dejó huellas en todo el mundo.

El Art Nouveau, llamado modernismo en España y Moderns Style en Inglaterra,


es el “estilo de transición” que se desvió del historicismo que dominó al diseño
durante la mayor parte del siglo XIX. El historicismo es el uso casi servil de las
formas y los estilos del pasado, niega la invención de nuevas formas para
expresar el presente. Al reemplazar el historicismo por la innovación, el Art
Nouveau se convirtió en la fase inicial del movimiento moderno. Preparó el
camino del siglo XX al eliminar este espíritu decadente del diseño. estaba a
menudo gobernado por - y evolucionaba con- el diseño del ornamento. Esto
determinaba un principio nuevo del diseño: la decoración, la estructura y la
función propuesta están unificadas. Debido a que las formas y las líneas del Art
Nouveau eran a menudo inventadas en lugar de copiarse de la naturaleza o del
pasado, se logró una revitalización del proceso de diseño que apuntaba hacia
el arte abstracto. El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino
también en el diseño de mobiliario, la arquitectura y todo tipo de objetos útiles
en la vida cotidiana.

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Entrada al metro de París. Hector Guimard.

Diseño arquitectónico y de interiores estilo Art Nouveau.

Los diseñadores gráficos y los ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer
del arte parte de la vida cotidiana; fueron capaces de mejorar significativamente
la calidad visual de las comunicaciones masivas. En la ilustración tenemos a
artistas como Aubrey Beardsley, llenos de envolvencia y formas organicas.

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El carácter internacional del Art Nouveau fue posible gracias a los avances de
la tecnología de la transportación y comunicaciones. La comunicación entre los
artistas de varias naciones, principalmente por intermedio de la imprenta,
permitió que sus trabajos y conceptos se conocieran recíprocamente.

La influencia de la pintura de fines de la década de 1880 que se encontraba


bajo el hechizo oriental fue muy importante. Las formas turbulentas de Vicent
Van Gogh (1853-1890), los colores uniformes y contornos orgánicos estilizados
de Paul Gauguin (1848-1903), y el trabajo del grupo Nabis de artistas jóvenes,
desempeñaron un papel fundamental. Los Nabis exploraron colores simbólicos
y modelos decorativos. Dedujeron que una pintura era, ante todo, un arreglo de
color de patrones bidimensionales.

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John Everett Millais. “Ophelia”

Influencia Japonesa

Tal vez la influencia japonesa fue troncal para el Art Nouveau, principalmente el
que corresponde al periodo Ukiyo – e (“Pinturas del mundo flotante”), en el cual
la línea ondulante predomina al volumen aún en sus representaciones
naturalistas que guardan especial predilección por motivos de la naturaleza,

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flores, animales y lo eternamente femenino. Aunque la corriente Ukiyo – e se


desarrolló en el siglo XVIII fue a finales del siglo XIX que Europa recoge sus
importantes aportes.

Aubrey Vincent Beardsley (1872-1898), fue el más innovador ilustrador de finales del siglo XIX.

Arte japonés: “La gran ola” de Hokusai.

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El Modernismo

El Modernismo español se identifica con el movimiento catalán, en cuyo vértice


se encuentra Antonio Gaudí, el increíble arquitecto y diseñador nacido en 1852
y muerto en 1926.

Su extraordinaria arquitectura, apadrinada por el visionario mecenas Don


Eusebio Güell, puede considerarse única en el mundo por su fantasía y
libertad. Además de algunos edificios privados, este hombre hizo posible la
construcción del parque público bautizado con su nombre situado en el
noroeste de la ciudad de Barcelona. Este parque constituyó el punto culminante
en la fase madura de Gaudí, cuya meta ya no era la superposición de
elementos diferentes, sino el conjunto.

Esta obra monumental e intacta puede apreciarse hoy en la ciudad de


Barcelona, así como la de sus seguidores. Entre las principales construcciones
destacan: El Parque Güell y La Sagrada Familia (Catedral de la Ciudad).

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SECESIÓN VIENESA

Secesión Vienesa, movimiento artístico vienés, nacido en 1897, encabezado


por Klimt y que agrupaba artistas como Otto Wagner, Koloman Moser,
Ferdinand Hodler y Joseph Maria Olbrich. Todos estos artistas pertenecían a la
Asociación de los Artistas de las Artes Visuales de Austria y decidieron romper
con el academicismo imperante en el momento, es decir, con las pautas
establecidas. Exaltaban la libertad creativa y la sexualidad como tema

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motivador y desafiante a la vez.

El 27 de junio de 1897 se reunió la Secesión por primera vez para delinear sus
acciones. Concordaron editar una publicación sobre arte y la construcción de
una sala propia de exposiciones. La revista publicada era Ver Sacrum
(Primavera sagrada). El edificio de la Secesión fue construido por Joseph Maria
Olbrich.

Edificio diseñado por Joseph Maria Olbrich.

Uno de los temas recurrentes es la mujer y el erotismo, cosa que


escandalizaba a la sociedad clásica de la época. En los cuadros de Klimt
(primer presidente de la Secesión Vienesa) puede verse un provocante y
expresivo

Klimt.

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2.2.5 Nacimiento del cine y la historieta

Nacimiento del Cine

Antecedentes del Cine


El cine se desarrolló desde el punto de vista científico antes de que sus
posibilidades artísticas o comerciales fueran conocidas y exploradas.
En 1877 el fotógrafo angloestadounidense Edward Muybridge empleó una
batería de 24 cámaras para grabar el ciclo de movimientos del galope de un
caballo. Asimismo Jules Marey también realizó experimentos posteriores de
tomas fotográficas consecutivas para crear movimiento.

El Zootropo, Taumatropo fueron algunos de los tantos juguetes desarrollados previos al invento del cinematógrafo para
mostrar imágenes en movimiento. Muybridge mismo diseñó el zoopraxiscopio. Aparato en el cual se insertaban discos
con una serie de ilustraciones pintadas a mano, que al girar creaban la ilusión de movimiento

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El Zootropo y disco para Zoopraxiscopio diseñado por Muybridge.

Hasta 1890, los científicos estaban interesados principalmente en el desarrollo


de la fotografía más que la cinematografía. Esto cambió cuando el antiguo
inventor, y entonces ya industrial, Thomas Alva Edison diseña la primera
máquina de cine, el kinetoscopio, tenía unos 15 metros de película en un bucle
interminable que el espectador —individual— tenía que ver a través de una
pantalla de aumento. El artefacto, que funcionaba depositando una moneda, no
puede considerarse por tanto un espectáculo público, y quedó como una
curiosidad de salón que en 1894 se veía en diferentes locales y eventos
ambulantes en Nueva York, sin embargo, poco antes de finalizar el año
siguiente, en Londres, Berlín y París. Eureka! aparece “le cinema”, de los
hermanos Lumière.

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La historia del cine se inicia el 28 de diciembre de1895, cuando los hermanos


Louis y Auguste Lumiere realizaron la primera proyección pública de imágenes
en movimiento en un café de París. El cinematógrafo, tenía por antecedente el
kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron fabricar una cámara más
portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en
movimiento, aunque no era capaz de reproducirlas. Los hermanos Lumière
produjeron una serie de cortometrajes con gran éxito, de género documental,
en los que se mostraban diversos elementos en movimiento: Por un lado
exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores
saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes, olas rompiendo en la orilla del mar
y un jardinero regando el césped y, por otro, representaciones escenificadas
grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las
famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895).
El modelo del cinematógrafo de los hermanos Lumiere y las películas se
comenzaron a comercializar a escala internacional.

Escenas del “Regador regado” y “Lllegada del tren”, cortos de los hermanos Lumiére. Diciembre de 1895.

Aunque los hermanos Lumiere nunca tuvieron excesiva confianza en las


posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas
proyecciones van atrayendo a un número de espectadores cada vez mayor.
Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias
cinematográficas que pronto se escindirían: el cine documental y el cine de

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ficción.

“Viaje a la luna” de Georges Mélies. Considerada la primera película de ciencia ficción.

Nacimiento de la Historieta

En 1896 aparece la historieta. En el marco de la competencia entre los diarios


por captar lectores, el 24 de diciembre de 1893 aparece el primer suplemento
cómico a color de la prensa, en el diario World de New York, propiedad de
Joseph Pulitzer. Para el suplemento dibujaba Richard Felton Outcault,
desarrollando un cartoon llamado Hogan's Alley, donde entre muchos
personajes se destacaba un chico que vestía un camisón amarillo, en el que el
autor comenzó a insertar textos.

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“Hogan's Alley” de Richard Felton Outcault. 22 de Noviembre, 1896


“A Turkey Raffle in Which the Yellow Kid Exhibitts Skill With the Dice” New York Journal.

En 1896 Outcault es contratado por la competencia, el Journal de William


Randolph Hearst, al que lleva su personaje. El 25 de octubre Outcault dibuja a
su personaje protagonizando una tira titulada The Yellow Kid and His New

Phonograph, en la que el protagonista y un loro hablaban utilizando globos. Se


presentaban de esta manera los elementos que caracterizan a la historieta: un
personaje con continuidad, secuencialidad en las imágenes y el habla mediante
globos. De la popularidad de Yellow Kid surge el nombre de prensa amarilla
para denominar a la prensa sensacionalista, como los diarios en los que
aparecía este personaje. La historieta tiene un origen espurio: su fin era
aumentar las ventas de los diarios sensacionalistas pertenecientes a los

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magnates norteamericanos, Joseph Pulitzer y William Randolph Herst, que


competían ferozmente entre sí. Y el hecho de que Yellow Kid llevase un
camisón amarillo -donde al comienzo Outcault colocaba los diálogos-, motivó
que a este periodismo se lo llamara prensa amarilla. Yellow Kid era una tira
humorística, de allí que también le dio nombre al género: comic.

“The Yellow Kid and His New Phonograph” de Richard Felton Outcault 25 de Octubre, 1896 New York
Journal

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UNIDAD

3
EL ARTE Y EL DISEÑO EN LAS
PRIMERAS VANGUARDIAS
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,


reconociendo e investigando la influencia de las vanguardias en el diseño de
las décadas de 1900 y 1920.

TEMARIO
3.1 Tema 5: El Arte y el Diseño en las Primeras Vanguardias
3.1.1 Fauvismo y Cubismo: El aporte de Henry Matisse y de Pablo Picasso, Georges Braque y
Juan Gris. El desarrollo de la litografía y el grabado.
3.1.2 El Expresionismo alemán.
3.1.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera Guerra Mundial:
Futurismo y Dadaísmo, manifestaciones dadaístas: caligramas, readymades y collages.
3.1.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la Revolución Rusa y las formas
geométricas fundamentales.

3.2 Tema 6: El Arte y el Diseño desde el Minimalismo al Suprarealismo


3.2.1. De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg
3.2.2. Bauhaus: Inicios del geometrismo en el diseño gráfico e industrial.
3.2.3. Art Decó (Un arte decorativo de vanguardia).
3.2.4. Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel.

ACTIVIDADES PROPUESTAS

• Analizamos la historia del Diseño a través de recursos interactivos que nos


ayuden visualmente a analizar los temas a tratar.

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3.1 Tema 5: El Arte y el Diseño en las primeras vanguardias

3.1.1 Fauvismo y Cubismo: El aporte de Henry Matisse y de Pablo


Picasso, Georges Braque y Juan Gris. El desarrollo de la litografía y el
grabado.

Con el nombre de Vanguardia o ismo se conoce las diferentes rupturas con los
modelos de belleza dominantes que se produjeron en Europa durante el primer
tercio del siglo XX. Las denominamos en plural porque no constituyen un estilo
artístico único, sino que son tendencias y movimientos. Los primeros
movimientos artísticos del siglo XX, aquellos que se extienden en el tiempo
desde 1910 hasta el estadillo de la segunda guerra mundial. Son muchos los
nombres que se suceden, los artistas que colaboran en unos y otros
movimientos y que pasen de uno a otro. Sus características principales son: la
ruptura con el arte anterior, el deseo de novedad, y la experimentación.

Fauvismo: El aporte de Henry Matisse.

También conocido como Fovismo, movimiento pictórico francés caracterizado


por la provocación del color. Su nombre procede del calificativo “Fauve”(en
francés, fiera o bestia en español) “fieras” que salían de la pintura: EL critico
francés Louis Vauxcelles, al verlas dijo Mais c'est Donatello parmi les fauves
por lo que la palabra FAUVE se derivó en fauvismo o fovismo. Durante la

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celebración del Salón de otoño 1905, hubo problemas al calificar una serie de
pinturas con particulares tonos de color muy provocativos. La mención a
Donatello se debe a que en la sala habia una escultura de corte renacentista,
rodeada por estas pinturas. Los autores de estas obras no le dieron
importancia a este peyorativo, más bien lo adoptaron como distintivo para sus
obras.

Henri Matisse y su influencia y legado para el arte posterior fue la utilización


libre del color. En 1904 pinta Lujo calma y voluptuosidad (Luxe, calme et
volupté), inspirada en un verso del poema de Charles Baudelaire “l’invitation au
voyage” Obra considerada como síntesis del Post impresionismo, y al mismo
tiempo conviertiendose en el manifiesto del Fauvismo.

En la obra de Matisse encontramos las características más resaltantes del


Fauvismo: subjetividad del color, simplificación del dibujo, desinterés por el
acabado y colores chillones, sorprendieron y le ganaron el desprecio de la
crítica, cuando expuso sus paisajes de Colliure en el Salon de Otoño.
Igualmente el Retrato de la señora Matisse o La Raie Verte (la raya verde),
caricatura femenina, excentricidad en el arte. El repudio de la crítica convirtió al
Fauvismo en el grupo de VANGUARDIA de París.

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Retrato, Henry Matisse.

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Les demoiselles d’Avignon. Pablo Picasso.

El Cubismo

El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido


en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger,
Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. Forma parte de las Vanguardias
hístoricas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva
con la pintura tradicional.

El término “Cubismo” fue acuñado pro el crítico francés Louis Vauxcelles, el


mismo que bautizó a los Fauvistas. Al ver la pintura de Paul Cèzanne, del
Monte Santa Victoria, despectivamente dijo que las casas pintadas parecían
pequeños cubos. Este nombre nuevamente en lugar de ofender sirvió de
estandarte para la corriente de artistas que adoptaron el estilo geométrico de
cubos.

El Cubismo no solamente se circunscribió a las artes plásticas, se manifestó


también en la literatura. El cubismo literario es una rama que se expresa con
poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que ejemplifican el tema, la
rima es opcional y no tienen una métrica específica.

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Mont Sainte-Victoire. Paul Cezanne.

EL cubismo es considerado por muchos la primera vanguardia, pues es la que


rompe por completo con el último vestigio renacentista vigente hasta inicios del
siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva
tradicional. Trata las formas de la naturaleza con figuras geométricas,
fragmentando líneas y superficies. Se adopta asi la llamada perspectiva
múltiple: se representa todas las partes de un objeto en un mismo plano. Por
ejemplo, podemos ver un rostro de perfil y una nariz de frente en un solo plano.
Una botella aparece en su corte horizontal y vertical ala vez. Los detalles se
suprimen y no hay profundidad.

A pesar de ser una pintura de vanguardia, los géneros que se pintan no son
nuevos: bodegones, paisaje y retratos. Se eliminan la gama de colores fuertes
y chillones característicos del impresionismo y el fauvismo para dar paso a una
paleta más sobria donde resaltan lso grises, verdes ocres y marrones.
Posteriormente se abrió más la paleta.

La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista,


es pro ello que fue la primera corriente en necesitar una exégesis por parte de
la crítica, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la
misma práctica artística. De ahí en adelante todos los movimientos artiosticos
de vanguardia venían acompañados de textos.

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Busto de mujer. Cubismo analítico. Picasso.

Busto de mujer. Cubismo sintético. Picasso

Pablo Picasso fue un pintor español muy destacado, inciador del Cubismo por
su obra “Les demoiselles d’Avignon”. Pintor prolífico, pintó más de 2 mil obras,
que se encuentran repartidas en los principales museos de Europa y el mundo.
Incursionó en varios géneros tales como el dibujo, la escultura, el grabado, la
ilustración de libros, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario.

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La obra de Picasso pasó por varias metamorfosis y se dividen en periodos o


épocas: Periodo Azul, predominó los colores azules, formas realistas.
Periodo rosa: Su paleta se torna roja y rosa, duro tan solo de 1905 a 1906.
Protocubismo: Se desvincula de la representación exacta de la realidad
transformándolas con parámetros geométricos simples. Cubismo: las formas
geométricas aplanando todo y a su vez comprende el cubismo analítico y
sintético. Posteriormente Picasso entraría en el Surrealismo y Expresionismo.
Fue un artista muy polifacético y considerado uno de los más grandes del siglo
pasado.

Bodegón. Cubismo analítico. Picasso.

Georges Braque es otro artista importante del siglo XX, Funda junto a Picasso
el movimiento Cubista y junto a Juan Gris la técnica del collage a través de su
experimentación con los papiers collés (papeles pegados)

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Violin y jarra. Braque.

Guitarra y frutero. Juan Gris.

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Pintura y collage. Juan Gris.

Desarrollo de la litografía y el grabado.

Piedra litográfica. Museo de la ciudad de Nueva York.

La litografía es un proceso de impresión ideado en 1796, hoy casi en desuso,


salvo en el campo del arte. Su creador fue el tipógrafo alemán Aloys
Senefelder. Etimológicamente su nombre viene de los términos griegos lithos
(piedra) y graphe (dibujo). En la técnica litográfica se utiliza la diferente
adherencia entre sustancias hidrofílicas e hidrofóbicas. Como el agua rechaza

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las tintas grasas, no se imprimen las zonas grasas aunque se encuentran en el


mismo nivel, por ello las matrices litográficas se llaman también planográficas.

En las técnicas manuales la formación de la matriz consiste en la adhesión de


las tintas grasas y resinosas sobre el papel litográfico. Con estas tintas se traza
el dibujo que se va a reproducir, el cual queda fijado mediante una solución de
ácido nítrico y goma arábiga. La adhesión de la sustancia grasa produce un
jabón calcáreo o metálico insoluble que constituye la base de señales de
impresión.

Proceso para crear una litografía.

Piedra litográfica con dibujo.

En definitiva, sobre el plano de la matriz existen dos zonas contrapuestas


gráficamente, las que generaran en la litografía el blanco (sales hidrofilas) y las
que generaran el negro (tintas grasas y resinosas), que permiten la impresión,
previas las operaciones de entintado y humidificación. De los fondos
coloreados y conformados de acuerdo con las zonas claras del original hasta el
empleo de tintas planas superpuestas, se pasó por las coloraciones por
superposición.

Para este tipo de impresión se utiliza una piedra caliza pulimentada sobre la
que se dibuja la imagen a imprimir (de forma invertida) con una materia grasa,
bien sea mediante lápiz o pincel. Este proceso se basa en la incompatibilidad
de la grasa y el agua. Una vez la piedra humedecida, la tinta de impresión solo
queda retenida en las zonas dibujadas previamente.

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Para cada color debe usarse una piedra distinta y, evidentemente, el papel
tendrá que pasar por la prensa de imprimir tantas veces como tintas se
empleen. En los carteles impresos mediante el sistema litográfico, tan
frecuentes en la segunda mitad del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX,
se utilizaban quince, veinte o más tintas. Entre ellos son de destacar los que
anunciaban las corridas de toros, los de las Semana Santa, y los diseñados
durante la Guerra Civil española.

Litografía estadounidense. Mediados siglo XIX.

En una imagen litográfica las letras no pueden ser retiradas y reutilizadas en


otro sitio: son únicas y precisan redibujarse, o copiarse, para cada uso. El
litógrafo podía reproducir una imagen «única» dibujada, combinando texto e
imagen en complicadas disposiciones formales del color. El proceso
cromolitográfico alcanzó su cima durante el siglo XIX. La mejora en los
métodos del fotograbado (el grabado de una imagen fotográfica en una plancha
metálica recubierta con una capa sensible y «mordida» después con ácido,
obteniéndose así una imagen impresora en relieve) amenazó la supervivencia
de la litografía, conduciendo a su progresivo declive a partir de la década de
1890.
Aunque este procedimiento fue extensamente usado con fines comerciales, la
mayor parte de los grandes pintores de los siglos XIX y XX también lo
emplearon ya que facilitaba obtener un cierto número de copias de un mismo
trabajo: Picasso, Toulouse Lautrec, Joan Miró, Piet Mondrian, Ramón Casas,
Alphonse Mucha, etc.

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3.1.2 El expresionismo alemán

Durante la Primera guerra Mundial (1914 – 1918) el Arte no podía estar exento
a tomar una postura frente a los hechos, es así que algunas corrientes se
manifestaron en contra de la guerra y otra principalmente a favor. En éste
contexto la evolución de la imagen apuesta por dejar atrás la extravagancia
ornamental del modernismo o Art Nouveau y optar por la síntesis geométrica
del cubismo, y articular un discurso que rompa con la lógica de la realidad
circundante para explorar en los terrenos del inconsciente u órdenes
alternativos como la literatura y el arte de lo absurdo venían incipientemente
planteándolo.

“El Grito”. Edvard Munch.

El expresionismo fue un movimiento cultural nacido en Alemania a principios


del siglo XX, que se plasmó en los campos de las artes plásticas, la literatura,
música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en la
pintura y coincidió con el surgimiento del Fauvismo francés, hehco que convirtió

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a ambos en los primeros exponentes de las “vanguardias históricas”. Más que


un estilo fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender
el arte, aglutino a diferentes artistas de diveras tendencias y estilos, surgió
como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y su carácter positivista.
Los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, dodne
predominaba la visión interior del artista. La “expresión” frente a la plasmación
dela realidad, frente a la “impresión”.

“Versiones de “El Grito”. Edward Munch.

El expresionismo suele entenderse como deformación de la realidad para


expresar de forma más subjetiva la naturaleza del ser humano, dando primacía
a la expresión de los sentimientos, en lugar de la descripción objetiva de la
realidad. Entendido de esta manera, el expresionismo es extrapolable a
cualquier época y espacio geográfico. Asi se le puede llamar expresionista a
obras de autores antiguos como Francisco de Goya o el Greco y otros más
contemporáneos.

Características:

Colores violentos y temáticos de soledad y miseria. El expresionismo reflejó la


amargura que invadió a los círculos de artistas de la Alemania pre bélica.
Deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar un nuevo lenguaje artístico.
Defendia la libertad individual, el irracionalismo, la primacia de la expresión
subjetiva, el apasionamiento por temas prohibidos: lo morboso, demoníaco,
sexual, fantástico, pervertido.

No fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística, es pro


ello que tenemos un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault),
cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinsy). Inicia
en Alemania pero tuvo exponentes fuera, tales como Modigliani y Chagall. En
Alemania se organizó principalmente en dos grupos: Die Brücke y Der Blaue
Reiter.

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Madonna. Edvard Munch

El término expresionismo fue usado pro primera vez por el pintor francés
Julien-Auguste Harvé, quien llamó “expressionisme” para designar uan serie de
cuadros presentados en el salón de los independientes en París. El término es
adaptado del idioma francés.

Después de la primera guerra mundial, el expresionismo pasó en Alemania


dela pintura al teatro y al cine, que utilizaban su estilo en el decorado, peor de
forma puramente estética, desprovista de su significado original. Con la
ascensión del Nazismo, el expresionismo fue considerado un arte degenerado,
tachándolo de inmoral y subversivo. Tras la segunda guerra mundial, el
expresionismo desapareció como estilo, pero ejerció enorme influencia para las
artes de la segunda mitad de siglo XX.

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Tirol. Franz Marc.

Franzi ante una silla tallada. Ernst Ludwig Kirchner.

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Autorretrato. Marianne Von Werefkin.

Ecce Homo. Lovis Corinth.

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3.1.3 El Arte de lo Absurdo como respuesta al contexto de la Primera


Guerra Mundial: Dadaísmo y Futurismo, manifestaciones dadaístas:
caligramas, readymades y collages.

El Futurismo

Carlo Carra. “The Red Horseman.”

El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el


primer decenio del siglo XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en
torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro
el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al
pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro,
que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica
moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades. Culto a la
belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que
parece correr sobre una estela de metralla.

Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza


nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil
rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla.

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán


artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. Quieren
crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y
las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus
principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el
movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la

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maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas


metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros
muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La
estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora,
amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. Los pintores
extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos
en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las
cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles,
semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película,
pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos
mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras
humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido
puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una
vibración de forma prismática.

Umberto Boccioni.“Dinamismo de un ciclista.”

Este movimiento, como es de esperarse excedió los soportes convencionales


de la pintura o la escultura, para dar paso a la acción misma a través de la
performance (Un acto con finalidades artísticas). Asimismo sus publicaciones
(pequeños periódicos donde exponían sus ideas, poesía, literatura, etc.)
reflejarían en su tipografía y diagramación el espíritu de este movimiento.

Caracteristicas principales:

• Nace influenciado por el CUBISMO


• Va evolucionando progresivamente hacia formas más dinámicas(Una
estética diferenciada por su amor a la velocidad)
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• Movimiento netamente Italiano.


• Los futurisas condenan a los museos, calificandolos de CEMENTERIOS,

Giacomo Balla. “Velocidad de un automóvil.”

Merz y su aporte a la Gráfica

Kurt Schwitters - creador del fotomontaje político - miembro de Dadá que hizo
del diseño gráfico su principal actividad profesional (Al igual que John
Heartfield, compañero suyo en el movimiento Dada). Montó su propia agencia
de publicidad entre 1923 y 1932 en la que ofrecía “asesoría publicitaria y unos
completísimos servicios de diseño”. Uno de sus principales clientes fue
“Pelikan”, la conocida empresa fabricante de equipos y suministros para
oficinas. Durante esos años publicó su propia revista llamada “Merz” En ella,
Schwitters y sus colaboradores aún siguieron difundiendo el espíritu del
dadaísmo, además de contribuir a la modernización de la tipografía y el diseño
gráfico. Otros datos interesantes en la trayectoria de Schwitters los tenemos
cuando la ciudad de Hannover lo contrata como asesor tipográfico durante
varios años, dictó conferencias en la Bauhaus, colaboró con De Stjil al cual
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dedicó dos números de su revista Merz, uno al diseño publicitario y otro sobre
la nueva tipografía, trabajó con El Lissitzky (de quien publicó sus tesis
tipográficas) y también explicó sus propias tesis sobre la tipografía.

En resumen, Los primeros años del siglo XX se verán marcados por un


proceso de industrialización insólito hasta entonces. Ante ello el movimiento Art
and Crafts (Movimiento Artes y Oficios) revaloriza la manufactura y métodos
mecánicos en el diseño gráfico e industrial. La Primera Guerra Mundial remece
los cimientos de las convenciones humanas más profundas, ello se manifiesta
en el arte y será una de las motivaciones para la generación de las
vanguardias, o la expansión en el caso del Cubismo que venía desarrollándose
desde 1907.

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Arte de lo absurdo: Dadaismo

“Elle as chaud au cul” . Marcel Duchamp.


El irreverente retrato con bigotes de La Gioconda, el célebre cuadro de Leonardo da Vinci.

El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret


Voltaire en Zúrich, Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros
textos dadá; posteriormente, se unió Tristan Tzara que llegaría a ser el
emblema del dadaísmo. El dadá se expande a Nueva York con Picabia y
Duchamp y luego a Berlín y París.

Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de


razón instaurado por el Positivismo. Se rebeló en contra de las convenciones
literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del artista burgués y de su
arte. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie
de antiarte, es una provocación abierta al orden establecido. Dentro de sus
motivaciones estuvo reaccionar de manera artística a la violencia extrema y la

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pérdida de sentido que trajo la Primera Guerra Mundial. Se rebelaron a la


muerte, a los horrores de la guerra mundial, a la decadencia de la sociedad
europea, a la fe ciega en el proceso tecnológico e inadecuado de la religión y
los códigos morales convencionales en un continente convulsionado.

Por eso Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los
principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento,
contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.
Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad,
lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la
contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no;
defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección. La
estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus
formas expresivas son el gesto, el escándalo, la provocación.

Interpretación de cabeza. Caligrama.

El caligrama es un tipo de poesía para mirar y contemplar además de leer


(poesía visual). En el caligrama, el poeta escribe y va dibujando con las
palabras algo alusivo al texto. El ejemplo a mano izquierda es de Guillaume
Apollinaire.
Manifestaciones dadaístas:
Caligramas, Ready Mades, Collage y Fotomontages.

La expansión de la corriente Dadá fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en


todos los campos artísticos. Dada su naturaleza contestataria y la ambivalencia
de algunos de los grandes dadaístas (lo mismo dibujaban o pintaban que
componían poesía) es que entre sus manifestaciones encontramos múltiples
medios y soportes, muchos de ellos de naturaleza gráfica.

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Los elementos de expresión gráfica de la catarsis dadaísta fueron recogidos


por el diseño gráfico en gran medida que no deja de resultar sorprendente la
habilidad con que se destilaron del lenguaje virulento antiburgués hacia
sistemas formales que permitieran su reinserción en la misma sociedad que los
había rechazado. Eso nos permite disfrutar los aportes a la gráfica que una
corriente ecléctica, difusa pero con gran capacidad de exploración y
experimentación, nos ha legado. La revolución tipográfica, el collage absurdo
presurrealista, el fotomontaje y el diseño de revistas especializadas (única red
de información con que contaron las ideas programáticas Dadá), son algunos
de los hallazgos que significaron aportaciones tan fundamentales para la
evolución del diseño gráfico.

Instrucciones para componer un poema Dada. Tristan Tzara.

Poema Dadá.

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Collage.Hann Hoch Collage. Raul Housmann

Collage, técnica pictórica que consiste en pegar diversos materiales como


lienzo, madera, papel o cartón sobre una superficie plana. La diferencia
decisiva y característica entre la técnica del collage (del francés coller, pegar) y
la pintura es que en lugar de crear una imagen con color y línea, se construye
el dibujo con materiales aparentemente tan incompatibles como los
mencionados.

“Fuente” y “Rueda de bicicleta”. Marcel Duchamp.

Ready-made, es un objeto cotidiano convertido en obra de arte por la magia de

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la voluntad del artista. Marcel Duchamp es el primero en designar con este


nombre a un grupo de obras creadas por él entre 1913 y 1921. Para ello eligió
objetos contemporáneos fabricados en serie y los expuso con una intención
estética y provocadora. Entre sus ready-made célebres cabe citar la Rueda de
bicicleta (1913), colocada sobre un taburete, así como la legendaria Fuente
(1917): un urinario de cerámica esmaltada firmado como R. Mutt, nombre de un
fabricante de sanitarios neoyorquino con el cual ganó un concurso de
esculturas generando una gran controversia.

Fotomontaje John Heartfield

Fotomontaje Hoch y Hausmann

Fotomontaje es un proceso fotográfico que consiste en fundir en una imagen


final, mediante técnicas de cámara o de laboratorio, varias fotografías o
segmentos de éstas. Es también una herramienta de creación para muchos

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artistas, inspirada en la técnica del collage. En realidad ésta técnica nace


prácticamente con la fotografía pero es el movimiento Dadá quien utiliza por
primera vez este término para referirse al hecho de recortar u yuxtaponer
fragmentos fotográficos de diversa procedencia (copias propias, recortes de
prensa y de revistas) y no respeta proporciones, unidades de textura, de estilo
y de espacio. Destacan especialmente los miembros alemanes del movimiento:
John Heartfield, George Grosz, Raoul Hausmann y Hannah Höch.

3.1.4 Constructivismo Ruso y el Suprematismo: Afichismo en la


Revolución Rusa y las formas geométricas fundamentales.

Constructivismo Ruso: (1900 – 1920)

El Constructivismo se desarrolló en el marco de la Revolución Rusa de 1917.


Fue fundado por el escultor y pintor ruso Vladímir Tatlin. El nombre hace
referencia a la construcción de esculturas abstractas partiendo de una gran
variedad de materiales industriales, como metal, alambre y trozos de plástico.
Las primeras obras representativas de este movimiento son las construcciones
en relieve de Tatlin fechadas entre 1913 y 1917. Para él, la gran revolución
constructivista se materializaba en la derrota del claroscuro escultórico.

Afichismo en la Revolución rusa.

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En 1920 ya se le habían sumado los artistas Alexander Rodchenko, El


Lissitzky, Naum Gabo y Antón Pevsner, entre otros. En 1920 Gabo y Pevsner
publicaron en Moscú el Manifiesto realista, donde se exponen los principios
teóricos del nuevo estilo.

Aunque el movimiento se dividió en diferentes corrientes en la década de 1920,


en general el constructivismo defendió los ideales del utilitarismo, el
funcionalismo y la abstracción. El utilitarismo, actitud frente al arte que
dominaba en la recién constituida Unión Soviética (URSS), sostenía que el arte
debía ser fácil de comprender y tener una utilidad social. Hace hincapié en lo
abstracto, relacionado con la industria y la técnica.

Afiche estilo constructivista.

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Afiche constructivista con Lennin como protagonista.

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Afiches de la revolución.

Famoso afiche para la clase obrera femenina en el nuevo gobierno soviético. Año 1925.
A la izquierda, la adaptación del grupo Franz Ferdinand en el siglo XXI.

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“Golpead a los blancos con la cuña roja” 1919. El símbolo del ejército bolchevique era la cuña roja que
corta diagonalmente la esfera blanca que representa las fuerzas de A.F. Kerensky.

Naum Gabo y Antón Pevsner


La propuesta de Gabo y Pevsner dentro del Constructivismo es netamente
escultórica, su método más recurrente de composición escultórica es curvar
superficies planas y alambres generando de éste modo volúmenes y espacios.

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Herencia del constructivismo.

Primer Cartel de la Revolución Cubana. Eladio Rivadulla Martinez.

Cartel de la revolución China con Mao Tse Tung

El Suprematismo

El Constructivismo tiene muchos puntos de contacto con el cubismo, el


futurismo, el dadaísmo y, principalmente el suprematismo, desarrollado este
último paralelamente en Rusia.

En su intento de reducir el arte a su más pura esencia, el artista ruso Kazimir


Maliévich eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras
totalmente subjetivas. Su abstracción radical, conocida como suprematismo,
influyó considerablemente en el arte del siglo XX. Este cuadro, denominado
Suprematismo, fue realizado hacia 1919.

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El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas


fundamentales, en particular el cuadrado y el círculo. Se formó en Rusia y
aparece paralelamente al Constructivismo. Se inició con las ideas de Kasimir
Malevich quien proponía buscar la pura sensibilidad a través de la abstracción
geométrica. El suprematismo rechazó el arte convencional. Se desarrolló entre
1913 y 1923. No seguía el etsilo tradicional de la pintura ni tenia mensajes
sociales. Los suprematistas se juntaron en un grupo denamonado
Supremus(sociedad de artistas) cuyo líder era Malevich.

La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (nacida en 1922) determinó


que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta
vanguardia estaba casi extinta. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia,
ejerció gran influencia para el mundo occidental en el desarrollo del arte y el
diseño.

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3.2 Tema 6: El Arte y el Diseño desde el Minimalismo al


Surrealismo

3.2.1 De Stijl. Inicios del minimalismo: Piet Mondrian, Theo Van Doesburg
Piet Mondrian
Nació en Amersfoort (Holanda) el 7 de marzo de 1872. Sus primeras obras,
hasta 1907, eran paisajes serenos, pintados en grises delicados, malvas y
verdes oscuros. En 1908, bajo la influencia del pintor neerlandés Jan Toorop,
comenzó a experimentar con colores más brillantes, y ello fue el punto de
partida de sus intentos por trascender la naturaleza. Se trasladó a París en
1911, donde adoptó el estilo cubista y realizó series analíticas como Árboles
(1912-1913) y Andamios (1912-1914).

Composición. Mondrian.

En 1917 junto con su compatriota, el pintor Theo Van Doesburg fundó la revista
De Stijl, en la que Mondrian desarrolló su teoría sobre las nuevas formas
artísticas que denominó neoplasticismo. Sostenía que el arte no debía
implicarse en la reproducción de imágenes de objetos reales, sino expresar
únicamente lo absoluto y universal que se oculta tras la realidad. Rechazaba
las cualidades sensoriales de textura, superficie y color y redujo su paleta a los
colores primarios. Su creencia de que un lienzo, es decir una superficie plana,
sólo debe contener elementos planos, implicaba la eliminación de toda línea
curva y admitió únicamente las líneas rectas y los ángulos rectos. Murió el 1 de
febrero de 1944 en Nueva York.

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Broadway Boggie boggie. Mondrian.

Características:

1. Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un


nuevo orden armónico de valor universal.
2. Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
3. Planteamiento totalmente racionalista.
4. Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
5. Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
6. Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul,
rojo) o tonal (blanco, negro y grises).
7. Empleo de fondos claros.

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DE LA ABSTRACCIÓN AL MINIMALISMO Y LA INDUSTRIA.

De Stijl: Inicios del minimalismo

Fundado por Piet Mondrian, Theo Van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld,
fue un movimiento artístico cuyo objetivo fue difundir los principios del
neoplasticismo y lograr la integración de las artes o el arte total. Se
manifestaron a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta
1931.

Doesburg, sintetizó el espíritu y la esencia del grupo con esta frase:


"Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo."

En 1921 se abrió al Dadaísmo y en 1922 y 1923 Arp y Schwitters se


encargaron de la edición de un suplemento Dadá llamado "Mecano". Mondrian
dejó de participar en la revista en 1924 pero su publicación se prolongó hasta
1928, siendo una de las revistas de arte de vanguardia más importantes del
periodo de entreguerras.

En 1925 Mondrian se separó del grupo por desavenencias teóricas con


Doesburg. Este último quería que la línea inclinada formara parte del lenguaje
neoplasticista, pero Mondrian la sentía como un elemento desestabilizador.

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Proceso de abstracción. Theo Van Doesburg.

Características:

• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo


orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta
que prevalece sólo lo elemental.
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas
rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o
formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio,
logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se
recurre a la simetría.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o
tonal (blanco, negro y grises).
• Empleo de fondos claros.

3.2.2 Bauhaus: Incios de Geometrismo en el diseño gráfico e industrial

Primer edificio Bauhaus en Weimar, diseñado por Henry van de Welde. 1919 - 1924

BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fue una escuela


de arte y diseño fundada en 1919, en Weimar(Alemania), por Walter Gropius,
trasladada en 1925 a Dessau y es disuelta en 1933 en Berlin.

La Bauhaus fomentaba, desde su fundación, ideas que alentaban la unidad


perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos
como a las implicancias sociales de esta vinculación.. El camino utópico a

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transitar era el de volver a lograr la unidad de las bellas artes convocando


esfuerzos en busca de la construcción de la Obra de Arte Total la cual se
culmina en el diseño arquitectónico. BAUHAUS, etimológicamente significa,
Casa de Construcción, fue una escuela de arte y diseño fundada en 1919, en
Weimar(Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y es
disuelta en 1933 en Berlin.

Fuertemente influenciada por el movimiento De Stijl, también la Bauhaus


buscará la creación de imágenes y diseños a partir de formas geométricas
sintéticas, especialmente durante su última etapa en la cual su último director
Mies Van Der Rohe declara explícitamente el principio angular del minimalismo:
“MENOS ES MÁS”.

Segundo edificio Bauhaus en Dessau diseñado por el mismo Walter Gropius 1925 - 1932

Durante la segunda etapa de la Bauhaus en Dessau (1925 – 1932) se funda la


Bauhaus Corporation, una sociedad mercantil para gestionar la venta de los
talleres a la industria. De la Bauhaus salieron en abundancia muebles y otros
productos que influyeron en la vida del siglo XX, llegando a lanzar la propuesta
de viviendas modulares. La Bauhaus innovó el diseño de los objetos que
cotidianamente nos acompañan en el hogar, el centro de labores o estudio, la
calle, en fin, muchos ambientes de nuestro diario vivir.

"La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como"
diseño industrial y gráfico"; puede decirse que antes de la existencia de la bauhaus
estas dos profesiones no existían como tal y fueron concebidos dentro de esta
escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales
se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva
arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los
ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página
que está leyendo".

VonEckardt

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Mies Van Der Rhoes

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Marcel Breuer

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Walter Gropius

Profesores Notables:

Muchos miembros de la corriente dadaísta o los pintores de la entonces


incipiente abstracción también fueron profesores en la Bauhaus como Vasily
Kandinsky – A quien se le considera el padre de la abstracción, a la derecha
una composición suya de 1912 – o Paul Klee. El Kandinsky de esta época
escribe un conocido libro: "De lo espiritual en el Arte" en que unificar es un
primer paso, luego codificar, y finalmente difundir a través de la enseñanza
para que al acceder a los códigos las personas que contemplen un cuadro
puedan sentir las mismas emociones que el artista. Es la búsqueda del Arte
Total. Formas, colores, sonidos, olores, todas las manifestaciones
componiendo la danza de lo único. Muchos consideraron esto como un delirio
místico, pero Kandinsky se preocupó de demostrar, con más profundidad que
otros, la relación entre arte y ciencia. La geometría constituyó uno de sus
mejores medios de expresión para este fin.

Otro pintor importante será el cubista Lyonel Feininger, que presentará al


movimiento De Stijl a la Bauhaus en 1919 y el mismo año ilustró la portada del
manifiesto de la Bauhaus con una xilografía suya titulada “Catedral” por
considerar la Catedral como el símbolo de la unidad arquitectónica que reúne
todas las artes y a la Bauhaus un templo del saber.

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La campaña gráfica más conocida de Pelikan fue la que diseñó el artista ruso El Lissitzky, que también fue profesor en
la Bauhaus

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La Bauhaus y la nueva tipografía:

Principales tipógrafos: Moholy Nagy y Herbert Bayer

Lászlo Moholy Nagy

Hungría 1895 – Estados Unidos 1946. Pintor, escultor, diseñador y fotógrafo.


Entre 1923 y 1928 enseñó en la Bauhaus convirtiéndose en uno de los
miembros más destacados del arte abstracto.

Moholy-Nagy se trasladó a Estados Unidos en 1937 y fundó en Chicago la


Nueva Bauhaus —que se convertiría posteriormente en una escuela de diseño
integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois— que dirigió hasta su muerte.
Moholy-Nagy era partidario de los colores contrastados, muy vistosos, y ponía
énfasis en la claridad absoluta de la comunicación, sin nociones estéticas pre-
concebidas.

Para Moholy-Nagy, la tipografía era. “… Un elemento de la comunicación. Hay


que hacer hincapié en su claridad absoluta.[…] Legibilidad; la estética a priori
jamás debe afectar la comunicación. Nunca hay que forzar para introducirlas en
un marco pre – concebido, por ejemplo un cuadrado.”

Herbert Bayer

Es el más conocido diseñador gráfico de la Bauhas, desarrollando su trabajo de


fuerte carácter tipográfico principalmente entre 1925 y 1928, imponiendo el
estilo “Sans Serif” (Palo Seco) Bayer solía hacer sus diseños únicamente en
mayúsculas o minúsculas por considerar que los dos alfabetos (el mayúsculo y
el minúsculo) tienen diseños incompatibles, por tener dos signos totalmente
diferentes para expresar el mismo sonido oral.

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3.2.3 Art Decó: Un arte decorativo de vanguardia

El Art Déco surgió como reacción a la sinuosidad y exceso de elaboración del


Art Nouveau, característico del cambio de siglo, y a la vez como una estética
nueva para celebrar el auge de la maquinización que iba ganando terreno.
Su principal característica es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos
y formas elegantes y simétricas. También se asocian a este estilo los colores
primarios brillantes, la utilización de cromados, esmaltes y piedras muy
pulidas, y los diseños de inspiración egipcia y griega.

Ejerció una gran influencia la tumba del faraón Tut Anj Amón (que se abrió en
1922), que puso de moda los motivos egipcios, y el cubismo, con su elegante
estética geométrica.

Características principales.

1. El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del


cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles
zigzags.

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2. Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la


naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes
ondulantes.

3. Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como


la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.

4. Representación de elementos fitomorfos: se utilizan las flores, los


cactus, las palmeras, representados por medio de delineaciones
geométricas.

5. Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el


plástico, maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de
zapa, de tiburón y el carey.

Cartel y portada de revista estilo Art Decó.

Diseño Industrial

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Edificio Chrysler de Nueva York, construido entre 1928 y 1930.

Ayuntamiento de Buffalo, Nueva York, pieza maestra del Art Deco Norteamericano.

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6. En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a


remates terminados escalonadamente y con proas marítimas que
sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y
lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el
aparato decorativo.

7. Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas aztecas,


mayas o incas y motivos inspirados en los objetos de los
descubrimientos arqueológicos de Egipto, mesopotámica, vikingo o de
los pueblos africanos o indios.

8. Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes


de las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres
resueltas que participan en la producción económica, vistiendo una
moda más atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y
participan en cócteles, denotando su liberación.

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Principales diseñadores Art Decó:

Paul Poiret (modisto)

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René Lalique (orfebre y joyero)

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René Lalique (orfebre y joyero)

Émile Jacques Ruhlmann (mobiliario)

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Émile Jacques Ruhlmann (mobiliario)

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Jean Dunand (acabados laqueados)

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Diseños de relojes de Christophe Claret y Thierry Oulevay


(Año 2003) Inspirados en el estilo de Jean Dunand

Jean Puiforcat (platería)

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Edificio Chrysler de William van Allen (Nueva York,1930)

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Edificio Chrysler de William van Allen (Nueva York,1930)

Radio City Music Hall (1931) de Nueva York, diseñado por Donald Deskey

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New India Assurance Building, 1936, Bombay (India).

Burkbank City Hall 1943

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Art Deco en Lima

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3.2.4 Surrealismo: René Magritte, Salvador Dalí, Joan Miró, Luis Buñuel.

Última cena. Salvador Dalí.

Fue un movimiento artístico y literario que forma parte de las vanguardias


históricas y surge en Francia a partir del Dadaismo, durante la década de 1920.
Su significado etimológico SU: sobre. Da a entender algo que está por encima
del realismo. También se le llama Superrealismo. La capacidad imaginativa y la
sugerencia de sus construcciones mentales significaron, sin duda, una
verdadera revolución en el arte posterior a la Primera Guerra.

El termino procede del escritor francés Guillaume Apollinaire, quien acuñó el


termino en 1917.La palabra surrealista aparece en el subtítulo de “las Tetas de
Tiresias”(drama surrealista) de 1917: “Cuando el hombre quiso imitar la acción
de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha
creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no
se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.”

En la pintura, el precedente más notable es “El Bosco”, que en los siglos XV y


XVI creó obras como “EL jardín de las delicias” o “El carro de heno”. EL
surrealismo retoma estos elementos y ofrece una reformulación sistemática.

La primera fecha histórica del movimiento es 1916, año en que André Breton,
precursor, líder y gran pensador del movimiento, descubre las teorías del
famoso sicoanalista Sigmund Freud y Alfred Harry.

Durante los siguientes años se da un confuso encuentro con el Dadaismo,


precedido por Tristan Tzara. Se da un encuentro entre ambas corrientes.
Destrucción nihilista (Dadaismo); construcción romántica (sureallismo).

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En el año 1924 Bretón escribe el primer “Manifiesto Surrealista”, de donde


destaca lo siguiente:

Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por


cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier
otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del
pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda
preocupación estética o moral.”

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Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el
primer Manifiesto Surrealista. Surgió por tanto como un movimiento POÉTICO,
en el que la pintura y la escultura se conciben como consecuencias
plásticas de la poesía.

El inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la


realidad sino que forma un todo con ella.

El surrealismo propone trasladar esas imágenes al mundo del arte por medio
de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la conciencia. De
ahí que elija como método el automatismo, recogiendo en buena medida el
testigo de las prácticas mediúmnicas espiritistas, aunque cambiando
radicalmente su interpretación: lo que habla a través del médium no son los
espíritus, sino el inconsciente.

Referentes y técnicas

• Los surrealistas señalaron como precedentes de la empresa surrealista


a varios pensadores y artistas, como el pensador presocrático Heráclito,
al Marqués de Sade, entre otros.

• Su precedente más inmediato es el Dadaismo. El surrealismo tomó del


dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la
fabricación de objetos: Collage, ensamblaje de objetos
incongruentes.

• Invención del Frottage por Max Ernst.

• Cadaver exquisito: consiste en que varios artistas hacen una ora


conjunta sin mirar lo que el otro ha hecho.

• Automatismo: Reflejo del inconsciente: crear de y a partir de todo.

• El método “paranoico-critico” de Dalí.

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La persistencia de la memoria. Salvador Dalí.

La metamorphosis de Narciso. Salvador Dalí.

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Fotografias Surrealistas “Dalí Atómico” por Philippe Halsman.

El surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora.


Principales exponentes: Max Ernst, Joan Miró, Hans Arp. Más tarde, se
incorporó el pintor belga René Magritte y el pintor catalán Salvador Dalí en
1930.(relegado por sus colegas al ser acusado de su inter´s comercial del arte).
Dalí se caracterizó por plasmar en lienzos imagenes de sueño, del
inconsciente, seres con estética realista fusionados con otros seres en
ambientes y situaciones extrañas, es por eso que en su obra podemos ver
caballos y elefantes con patas de hormiga, relojes derritiendose, cuerpos
levitando, generalmente al aire libre con cielos amplios.

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Obras de Joan Miró

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Pleasure. René Magritte.

Esto no es una pipa. René Magritte.

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El hijo del hombre. René Magritte.

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Fotografías de Man Ray.

Cine: El perro andaluz

Cortometraje mudo de 17 minutos, escrito, producido, dirigido e interpretado


por Luis Buñuel en 1929 con la colaboración en el guión de Salvador Dalí. El
rodaje duró 15 días y nació de la confluencia de dos sueños: Dalí le contó que
soñó con hormigas que pululaban en sus manos y Buñuel a su vez cómo una
navaja seccionaba el ojo de alguien.

Luis Buñuel seguirá haciendo películas de influencia surrealista, pero con una secuencia
narrativa lógica como Los olvidados (1950), Nazarín (1958), rodadas en México o
Viridiana (1961), en España. Otros filmes serán Simón del desierto (1965) Bella de día
(Belle de jour, 1966), Tristana (1970) y El discreto encanto de la burguesía (1972), Ese
oscuro objeto del deseo (1977).

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SURREALISMO EN LA PUBLICIDAD

Publicidad de Volkswagen con evidente alusión a la obra de Magritte y Dalí.

Del cine mudo al cine sonoro: El diseño en el séptimo arte.

Desde la invención del cine, el diseño ha estado presente, tanto dentro como
alrededor de su esencia. Es decir, la composición de las escenas, el encuadre
de la cámara, la elección de vestuario y la tipografía corresponde al diseño
gráfico y dirección de arte, del mismo modo la publicidad inicial estuvo marcada
por la difusión de carteles. El cine fue evolucionando y con el desarrollándose
más herramientas para el diseño. Se estrena en 1927 El cantante de jazz, la
primera película sonora, una adaptación de una obra de Broadway. El color y el
sonido abrieron otro mundo de posibilidades. Thomas Edison, Georges Mélies
y otros pioneros del cine utilizaron el coloreado a mano en sus películas por
medio de diversas técnicas. Así mismo los efectos visuales fueron mejorando y
como resultado tenemos los asombrosos efectos de la película “El ladrón de
Bagdad” de 1925.

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Afiche de la película”EL cantante de Jazz”.

Screen shoot de la película a color más antigua encontrada recientemente, data de 1902 y pertenece
al fotógrafo Edward Raymond Turner.

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Afiches y plano de la película “El ladrón de Bagdad”, cuyos efectos visuales son hasta hoy de los más logrados y
asombrosos de la historia del cine.

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UNIDA UNIDAD

4
EL ARTE Y EL DISEÑO EN LOS
INICIOS DEL DISEÑO
CORPORATIVO
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE

Al término de la Unidad el estudiante podrá diseñar, comprendiendo,


reconociendo e investigando el modo en que la gráfica interacciona con la
sociedad de consumo entre las décadas de 1930 y fines del siglo XX.

Temario:

4.1 Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño Corporativo


4.1.1 Nacimiento de la Identidad Corporativa. Movimiento Isotype.
4.1.2 El Auge del afichismo: Afichismo en la Edad de Oro del cine. Influencia del
constructivismo para el afichismo Entre – guerras.
Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.
4.1.3 Nacimiento y Proliferación de Disney
4.1.4 La Segunda Guerra Mundial: Afichismo y Publicidad en la Segunda Guerra Mundial
y propuestas plásticas de la Pos Guerra 1945 – 1950 ( Expresionismo abstracto: Jackson
Pollock. William de Kooning. Geometría modular: Maurits Cornelis Escher)

4.2 Tema: Revalorización del Diseño Impreso y la Gestación del Postmodernidad


4.2.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y Conceptualización de la
Imagen. Escuela de Nueva York. Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo y los isotipos
Olímpicos.
4.2.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Arte psicodélico: Influencia del Art Nouveau y el
misticismo Oriental, Pop Art: David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y el nacimiento y
apogeo del Anime japonés: Ozamu Tezuka, Hayao Miyasaki. Arte psicodélico: Influencia del Art
Nouveau y el misticismo Oriental.
4.2.3 Estética Punk en la Gráfica y el Grafitti de Basquiat y Banksy.
4.2.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de Jan Svankmajer y los nuevos soportes
para el diseño y la revolución digital.

ACTIVIDADES PROPUESTAS

• Analizamos la historia del Diseño a través de recursos interactivos que nos


ayuden visualmente a analizar los temas a tratar.

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4.1 Tema 7: El Arte y el Diseño en los inicios del Diseño


Corporativo

4.1.1 Nacimiento de la identidad corporativa. Movimiento Isotype.

Un nombre importante para la evolución del diseño moderno es Walter P.


Paepcke (1896 –1960). No se trataba de un diseñador gráfico, sino más bien
de un industrial de Chicago que fundó en 1926 la Container Coporation of
America donde se fabricaban modernísimos envases de cartón y cartón
ondulado.

Dicen que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer, en el caso de
Paepcke contaba con la compañía de su esposa Elizabeth Nitze Paepcke,
artista visual que lo inspiró a tomar conciencia de la importancia del diseño
para fines comerciales y lo impulsa a contratar a Egbert Jacobson como primer
director del nuevo departamento de diseño corporativo del país.

Con su experiencia en el color se transformaron los interiores de la fábrica,


sustituyendo los marrones y grises industriales por colores más alegres.
Asimismo se aplicó la marca de la fábrica a la papelería en general (facturas,
cheques, sobres, etc.) a los vehículos y la señalización, mientras Paecke se
convertía en un defensor y mecenas del diseño así junto a Jacobson brindaron
a la Bauhaus de Chicago todo el apoyo material y moral a su alcance.

Izquierda, anuncio de Egbert Jacobson y ,derecha, anuncio de A.M Cassandre.

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Izquierda, anuncio de A.M Cassandre, derecha anuncio de Herbert Bayer.

Egbert Jacobson. Logotipo de la Containe Corporation of America en papelería


de la empresa en 1936. Al combinar el mapa con la imagen del producto
sugería el alcance nacional de la empresa.

Movimiento Isotype.

La propuesta de éste movimiento era lograr “Un lenguaje mundial sin palabras”.
Tiene su inicio en la década de 1920 y más adelante proseguirá su curso en la
década de 1940.

Su fundador es el sociólogo vienés Otto Neurath (1882 – 1945) consideraba


que los cambios sociales y económicos después de la primera guerra mundial
se requería de una comunicación más clara y rápida, acorde al avance
tecnológico de los tiempos. Es así como decide recurrir a pictogramas
elementales para reproducir mensajes complejos, con signos exentos de toda
decoración.

El nombre que se eligió para designar este movimiento fue “Isotipe”:


International System of Typographic Picture Education (Sistema Internacional
de Educación Pictórico – Tipográfica), en Holanda en el año 1934. Los
pictogramas se diseñaban para expresar en gráficos y diagramas conceptos
sutiles como un inmigrante, una persona en un paradero e inclusive un
borracho.

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Diagramas desarrollados por el Neurath y su grupo “Isotipe”, a la izquierda un diagrama de la estratificación social en
Viena hecho en 1930 y en la parte superior la contabilidad de nacimientos y defunciones en Viena hecho en 1928.
Nótese en el segundo diagrama la alta tasa de mortalidad que se presentó en Viena en los años de la Primera Guerra
Mundial.

Para Neurath “Isotype” era un “lenguaje pictográfico” que permitía al lector


establecer conexiones. Por eso el principal aporte de este movimiento es el
conjunto de convenciones que desarrollan para formalizar el uso de este
lenguaje, que comprende dos cosas:

1. Sintaxis pictográfica: Sistema de imágenes conectadas que crea


una estructura ordenada y un significado.
2. Diseño de pictogramas simplificados.

Entre los allegados al grupo de Neurath destaca Rudolf Modley que fundó la
Pictorial Satistics, más tarde la Pictographic Corporation, que fue la rama
norteamericana del movimiento. Modley opinaba que los símbolos debían
seguir las características del buen diseño:

- Eficacia a cualquier escala de reproducción.


- Tener características únicas que lo diferencien de los demás símbolos.
- Servir tanto en perfil como en silueta.
- Funcionar como unidad estadística que permita llevar las cuentas.

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Gerd Arntz (1900-1988)

Impacto y herencia del movimiento:

Después de la Segunda Guerra Mundial se investigará en sistemas universales


de lenguaje visual y se hará un uso extendido de pictogramas en sistemas de
señalización e información.

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4.1.2 El Auge del afichismo: Afichismo en la Edad de Oro del cine.


Influencia del constructivismo para el afichismo Entre – guerras. Guerra
Civil española y Afichismo Nazi

Los años 30

“Gone with the wind” (“Lo que el vento se llevó) 1939 constituye con “El Mago de Oz” las dos películas pioneras en el
uso del technicolor.

El cartel o afiche para cine va a seguir un desarrollo diametralmente opuesto al


afichismo político antes visto, y es que en una época de grandes crisis y
austeridad extrema, el cine estadounidense se volvió un escapismo,
convirtiendo a Hollywood en un reducto de fantasía y glamour. Hay quienes
afirman que “La Edad de Oro” del cine – donde encontramos las películas
“clásicas” empieza justamente en la década de los 30, y se prolonga hasta los
60’s. Esta forma de mirar el cine, exige una imagen de ensueño y
majestuosidad que se hacen presentes en un lenguaje pictórico centrado en la
emotividad de los personajes reforzada por el color saturado con el que se

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pintan sus rostros, el ambiente donde se le ubica (a partir de 1935 se suele


sintetizar en fondos de intensos colores hechos con efecto de expresivos
brochazos acompañados por escenas de la película, conformando una
composición adyacente que bien rodea o bien está a los pies de los
protagonistas, y una tipografía frenética muchas veces manuscrita).

Mucho de esta estética se prolonga hasta 1960, a partir de entonces la gráfica


encontrará otros caminos, pero si algo nos deja esta etapa del cine es la
fascinación que siempre nos provocará la actitud del personaje, de modo que
hasta nuestros días, gran parte de anuncios cinematográficos siguen
utilizándolo como motivo principal.

“It happened one night” 1934, “The life of Emile Zola”1937, “Jezebel la tempestuosa” 1938.

“King Kong” 1933 y “El Mago de Oz” 1939.

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A pesar de que el primer filme sonoro “El Cantor de Jazz” se estrena en 1928,
durante los años 30’s Charles Chaplin se niega a hacer cine hablado, incluye
algunos sonidos o pone algún acompañamiento musical, pero la voz pondría
término a su personaje de “Charlot, el vagabundo” que lo interpretaba
exitosamente desde 1913. Recién en 1940 el bufo habla interpretando el
personaje de “El Gran Dictador”, cuando al término de la película articula un
discurso pacifista, dando con ello término al personaje.

Los años 40.

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Los años 50.

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Estética entre Guerras (1930-1940)

Alrededor de la década de los 30´s el legado del gusto por lo fabril que nos
dejaron las corrientes “geometristas” (Constructivistas, Neoplasticistas, etc.) se
enriquecerá con las formas hidro y aero dinámicas que la industria del
transporte aportará a la tecnología. La extensión del uso de la baquelita en los
electrodomésticos y el uso de una línea curva libre de connotaciones orgánicas
en el diseño industrial teñían a los oscurecidos hogares - por la sombra de la
gran crisis económica de 1929 - de un barniz de ilusión modernista.

El jueves 24 de octubre de 1929, se produjo el crash de la bolsa de Wall Street.


Más de 13.000.000 de títulos que cotizaban por debajo de su precio, no
encontraron compradores y ocasionaron la ruina de miles de inversores,
muchos de los cuales, habían comprado las acciones con créditos que ya no
podrían pagar. Bajo éste contexto de crisis con repercusión a nivel mundial, el
diseño gráfico e industrial se vuelve más austero y económico.

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Tiempos Modernos 1936, Charles Chaplin

Influencia del constructivismo para el afichismo Entre – guerras.


Guerra Civil Española y Afichismo Nazi.

Estrictamente si hablamos del periodo “Entre – Guerras” nos referimos a la


época comprendida entre las dos grandes guerras mundiales, es decir entre
1919 y 1939.

Para el caso del estudio de los anuncios y piezas gráficas similares que se
elaboraron durante los gobiernos militares de Alemania y España de corte
Fascista, que recoge muchos aportes de la estética constructivista, nos
concentraremos especialmente durante la Guerra Civil

Española (1931 – 1939). Recordemos que el Fascismo se caracteriza en


esencia por el corporativismo estatal totalitario que plantea una sumisión de la
razón a la voluntad y la acción.

La Primera Guerra Mundial constituye el nacimiento de la propaganda


sistemáticamoderna por parte de los estados más poderosos, en donde se
pondrían en práctica loselementos persuasivos más importantes. La Segunda
Guerra Mundial es el epitome más nefasto del poderío de la persuasión de
masas por medio del uso de la propaganda y su sistematización científica
aplicados en un conflicto. Sin embargo la Guerra Civil Española y el acenso al
gobierno de Adolfo Hitler, son el punto medio de continuidad entre las dos
Guerras Mundiales, donde el arte se convierte en arma para ataque y defensa.

Cuando comparamos la gráfica de ambos contextos (alemán y español en la


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década de los 30) notamos una retroalimentación entre todos los bandos
existentes en sus procesos creativos, dando como resultado un sincretismo
estético del Futurismo y el Constructivismo Ruso, que enmarcado en esta
coyuntura es testimonio fehaciente del uso del arte al servicio de la Guerra.

Síntesis gráfica y manejo de íconos

Se muestra una clara influencia estética del Futurismo de Marinetti ligado al


Fascismo y la estética del Constructivismo Ruso en relación a la Revolución
Bolchevique, en:

- La temática de corte nacionalista exacerbado, revolucionario, agresivo y


de índole apológico proselitista.
- Uso y predominio de colores contrastados y fuertes que por lo general
son los nacionales.
- Predominio de la angulosidad y ampulosidad en los personajes y/o
- perspectivas forzadas con tendencia al geometrismo.
- Uso de personajes estereotipados (el héroe, el campesino, el obrero, el
- soldado, el bueno, el villano, etc.).
- Mensaje de lectura sencilla para fácil asimilación de las ideas doctrinales
con carácter de solemnidad y marcialidad.

Sargento en el ejército. Su Carrera! (Alemania) y Ejercito Popular (España)

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Construyamos el frente (Alemania) y El Socialismo Forjara… (España)

Romperemos tus pestilentes cadenas Lista 10 (Alemania) y Juventudes Socialistas unidas JSU (España)

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Reclutamiento (Alemania y España)

4.1.3 Nacimiento y proliferación de Disney.

Walter Elías Disney, (1901-1966), dibujante, guionista, productor, y director de


dibujos animados, nacido en Chicago, Estados Unidos, el 5 de diciembre de
1901. Decidido a seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City
alrededor de 1919. Su hermano Roy trabajaba en un banco por la zona y,
gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en el Pesemen-Rubin Art Studio,
donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos, revistas y cines. En

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1920 es contratado por la empresa de animación Film Ad y en 1923 comenzó a


producir dibujos animados en Hollywood, de cuentos de hadas muy populares
en Kansas.

A partir de 1923 se asocia con su hermano Roy O Disney, por esa época
produjo varios cortometrajes. De 1926 a 1928 con un socio suyo, Ubbe
Iwwerks, hizo una serie de dibujos, Oswaldo el conejo, que instantáneamente
ganó popularidad, Estos cortos fueron producidos para Universal Pictures. Sin
embargo pierde en litigios judiciales los derechos sobre dicho personaje.

Tras perder los derechos de Oswald, Disney decide crear otro personaje en
compañía de Iwwerks, éste era prácticamente igual a Oswald pero con las
orejas redondas, y fue bautizado como Mortimer mouse, posteriormente
cambiado a “Mickey Mouse” por la esposa de Walt Disney, Lillian. La primera
aparición cinematográfica de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en
Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta
esa fecha, pero no obtuvo éxito alguno, entonces produce un corto sonoro
Steamboat Willie (Willie el vapor, 1928), que populariza a éste simpático
personaje. Poco a poco se integrarían nuevos personajes como Pluto(1931),
Tribilín (1932), el Pato Donald (1934), etc que protagonizaban sus propios
cortometrajes.

Conejo Oswald.

Mickey, Donald y Goofy.

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Silly Simphonies (Sinfonias bobas)

Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una


serie de películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas") y
en 1930 Mickey también es publicado en historieta. En 1932 Disney estrenó su
primera película en color, Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies",
que consiguió el Oscar al mejor cortometraje de animación. Ese mismo año,
Disney recibió también un Oscar honorífico por la creación de Mickey Mouse,
cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a partir de 1935.

Corto Flores y árboles.

Blanca Nieves y los 7 enanos.

Blanca Nieves y la bruja.

Inspirada en el cuento clásico de Charles Perrault, fue el primer largometraje de


los estudios Disney. Ambicioso en un principio por lograr una calidad muy

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superior a sus sinfonías bobas, el equipo de producción invirtió mucho tiempo y


esfuerzo en crear a los personajes “ideales de un cuento de hadas”, se dice
que contrataron a ilustradores europeos experimentados en la creación de
escenarios, para darle ese aire de cuento europeo medieval, Walt Disney
cuenta posteriormente que pocos confiaban en su proyecto, nadie creía que
una persona podría resistir más de una hora viendo “dibujitos” en un cine.
Ninguno lo pensó como lo hizo Walt, nadie imaginó que sería capaz de armar
una historia sólida llena de emociones encontradas, con villanos, héroes,
romanticismo, humor, todo en uno. Se presentó en Hollywood en 1937 a lo
grande con gran expectativa, y no defraudó al público.

Tras el estreno y el rotundo éxito Disney se consolidó como la primera industria


de animación del mundo y dio paso a nuevas películas: Pinocho (1940),
Fantasía (1940, con Mickey Mouse), Dumbo (1941), Bambi (1942), Cenicenta
(1950), Alicia en el país de las maravillas (1951), Peter Pan (1953), La Dama y
el Vagabundo (1955), La bella durmiente (1959), 101 Dalmatas (1961), etc. La
gran mayoría basadas en cuentos clásicos infantiles de siglos pasados, Junto a
merchandising de juguetes, historietas, ropa, y sobretodo el parque temático
llamado Disneylandia. Hoy en día, la Walt Disney Pictures, cerca de 50 años
luego del deceso de su fundador, sigue vigente. En la última década del siglo
XX ha absorbido a otros monstruos del cine animado, tales como Pixar , Lucas
Films y Marvel.

La dama y el Vagabundo.

El libro de la Selva (1967) fue la última película supervisada por el mismo Walt
Disney, quien fallecería en 1966. Tras este hecho, Disney pasó a su etapa más
tibia dentro su historia, con buenas producciones pero que no lograban el
efecto mágico y contundente de las anteriores. Todo esto se prolongó por
aproximadamente 20 años, hasta el estreno de La Sirenita (1989), película que
significó el inicio del periodo llamado Renacimiento Disney.

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Pinocho.

En una ocasión, el pintor surrealista Salvador Dalí y Walt Disney trabajaron


juntos en un proyecto de cortometraje, empezando este en 1945 y
trabajándose durante un año, sin embargo la Disney afrontó problemas
económicos durante la segunda guerra mundial. La producción al no
considerarse luego económicamente viable, se dejó en pausa indefinida. Pero
en 199, el sobrino de Walt, Roy Disney, mientras trabajaba en el proyecto
Fantasía 2000, desenterró el corto y decidió retomarlo. Es asi que junto a un
equipo de 25 animadores, trajeron de vuelta ala vida al proyecto latente y
lanzaron Destino en el festival de Annency, Francia en el 2003. El corto fue
bien recibido por el público y la crítica, ganando muchos premios en festivales a
nivel internacional.

Destino. Corto de Disney hecho junto a Salvador Dal.

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Walt Disney y Salvador Dalí.

El libro de la Selva.

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4.1.4 La Segunda Guerra Mundial: Afichismo y Publicidad en la Segunda


Guerra Mundial y propuestas plásticas de la Post Guerra 1945 – 1950.
Expresionismo abstracto: Jackson Pollock. William de Kooning. Op Art.
Geometría modular: Maurits Cornelis Escher.

La Segunda Guerra Mundial dio inicio en 1939 como un enfrentamiento bélico


europeo entre Alemania y la coalición franco-británica, se extendió hasta
afectar a la mayoría de las naciones del planeta y su conclusión en 1945
supuso el nacimiento de un nuevo orden mundial dominado por Estados
Unidos y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).

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Requirió la utilización de todos los recursos humanos y económicos por parte


de cada Estado participante y fue un conflicto único en los tiempos modernos
por la violencia de los ataques lanzados contra la población civil y por el
genocidio (exterminio de judíos, gitanos, homosexuales y otros grupos) llevado
a cabo por la Alemania nacionalsocialista (nazi) como un objetivo específico de
la guerra. Los principales factores que determinaron su desenlace fueron la
capacidad industrial y la cantidad de tropas. En los últimos momentos de la
lucha se emplearon dos armas radicalmente nuevas: los cohetes de largo
alcance y la bomba atómica. No obstante, el tipo de armamento empleado
durante casi todo el enfrentamiento fue similar al de la I Guerra Mundial,
aunque con ciertas mejoras. Las principales innovaciones se aplicaron a las
aeronaves y a los carros de combate.

La propaganda como un medio en la guerra psicológica. El estado prepara


campañas que estimulen los sentimientos de compromiso nacional por parte
del poblador. En estas circunstancias el cartel cumple las siguientes funciones:

1. Alienta al ciudadano dentro del contexto difícil de la guerra.


2. Exhorta a la colaboración civil, sea enlistándose para combatir, con
donaciones o mano de obra.
3. Muestra las políticas gubernamentales (Educación, salud, etc.) como las
más propicias para el pueblo en especial en los duros momentos que le
toca vivir.
4. Dá esperanza en un muy probable triunfo del país.
5. Desprestigiar al enemigo bien sea mostrándolo como una cruenta
amenaza o ridiculizándolo.
6. Enaltecer a la patria en la figura del nativo del lugar.

Tanto el cartel ruso de la izquierda como el español de la derecha muestran al lugareño enaltecido, de éste modo es
exaltada la misma patria, dando autoconfianza y aliento a la población mediante ésta estrategia

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Joseph Goebbels (1897 – 1945)

El padre de la propaganda nazi fue Joseph Goebbels, responsable del


Ministerio de Educación Popular y Propaganda, creado por Adolf Hitler a su
llegada al poder en 1933. Sus estrategias publicitarias fueron aprendidas por
los demás países participantes de la guerra: El pictoricismo de sus imágenes,
sus mensajes directos y concisos, el uso estereotipado de personajes – tipo
(El soldado valiente, el enemigo malvado o repulsivo, el pueblo valeroso, la
mujer luchadora, el estado – gobierno paternal, etc.), de este modo podían
contrarrestar el arrollador poder de convicción que Goebbels manejaba en sus
campañas publicitarias, sumamente alentador para sus partidarios y
demoledoramente desalentador para los oponentes.

Goebbels prohibió todas las publicaciones y medios de comunicación fuera de


su control, y orquestó un sistema de consignas para ser transmitido mediante
un poder centralizado del cine, la radio, el teatro, la literatura y la prensa.

Tanto en el cartel estadounidense de la izquierda como en el ruso de la derecha se muestra a la mujer valerosa que
contribuye al triunfo de su nación. Durante la Segunda Guerra Mundial la mujer tuvo que abandonar los roles
tradicionales domésticos a los que siempre había estado asignada para llevar el sustento al hogar, mover la industria
fabril o, muchas veces, participar en el combate

Los once principios de Goebbles.

Joseph Goebbels formuló once principios en los cuales logra consolidar una
formula eficiente para utilizar la imagen como forma de manipulación de masas
y adoctrinamiento. Los aplicó sistemáticamente una vez que obtuvo un cargo
gubernamental y toda la licencia para monopolizar el aparato mediático estatal.
Los empresairo de prensa actual y políticos han tomado ests principios como
reglas universales cada vez que quieren manipular ala población.

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Los símbolos, los colores, la arquitectura reforzaban las ideas del Tercer Reich. Toda ésta parafernalia emblemática
urbana también se hacía presente en los carteles reafirmando su lugar en el imaginario público.

1. Principio de simplificación y del enemigo único. Adoptar una única idea,


un único símbolo. Individualizar al adversario en un único enemigo.

2. Principio del método de contagio. Reunir diversos adversarios en una


sola categoría o individuo. Los adversarios han de constituirse en suma
individualizada.

3. Principio de la transposición. Cargar sobre el adversario los propios


errores o defectos, respondiendo el ataque con el ataque. «Si no puedes
negar las malas noticias, inventa otras que las distraigan».

4. Principio de la exageración y desfiguración. Convertir cualquier


anécdota, por pequeña que sea, en amenaza grave.

5. Principio de la vulgarización. Toda propaganda debe ser popular,


adaptando su nivel al menos inteligente de los individuos a los que va
dirigida. Cuanto más grande sea la masa a convencer, más pequeño ha
de ser el esfuerzo mental a realizar. La capacidad receptiva de las
masas es limitada y su comprensión escasa; además, tienen gran
facilidad para olvidar.

6. Principio de orquestación. La propaganda debe limitarse a un número


pequeño de ideas y repetirlas incansablemente, presentarlas una y otra
vez desde diferentes perspectivas, pero siempre convergiendo sobre el
mismo concepto. Sin fisuras ni dudas. De aquí viene también la famosa
frase: «Si una mentira se repite suficientemente, acaba por convertirse
en verdad».

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7. Principio de renovación. Hay que emitir constantemente informaciones y


argumentos nuevos a un ritmo tal que, cuando el adversario responda, el
público esté ya interesado en otra cosa. Las respuestas del adversario
nunca han de poder contrarrestar el nivel creciente de acusaciones.

8. Principio de la verosimilitud. Construir argumentos a partir de fuentes


diversas, a través de los llamados globos sondas o de informaciones
fragmentarias.

9. Principio de la silenciación. Acallar las cuestiones sobre las que no se


tienen argumentos y disimular las noticias que favorecen al adversario,
también contraprogramando con la ayuda de medios de comunicación
afines.

10. Principio de la transfusión. Por regla general, la propaganda opera


siempre a partir de un sustrato preexistente, ya sea una mitología
nacional o un complejo de odios y prejuicios tradicionales. Se trata de
difundir argumentos que puedan arraigar en actitudes primitivas.

11. Principio de la unanimidad. Llegar a convencer a mucha gente de que


piensa «como todo el mundo», creando una falsa impresión de
unanimidad.

“¡Libérennos!”. Cartel ruso elaborado durante la invasión alemana. Una de las principales armas de Goebbels era el
desprestigio del enemigo, dicha estrategia también será utilizada por otros países en contra de la misma Alemania.

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La imagen de Winston Churchill, primer ministro inglés fue el rostro encargado de convocar a los jóvenes a plegarse a
la armada británica.

En el siglo XXI la persuasión de masas y la propaganda, han alcanzado formas


exacerbadas también, pero al menos se trata del marketing y no de la guerra.

En el nuevo milenio se aplican los principios de Goebbels como una receta de


cocina, pero contando con tecnología mediática de impacto global y en mayor
variedad de soportes: la televisión, el cine, la Internet, la prensa internacional, o
la misma música.

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Propuestas Plásticas de la Post Guerra 1945 – 1950


Expresionismo Abstracto: Jackson Pollock, Willem de Kooning.

El Expresionismo Abstracto es un movimiento pictórico de mediados del siglo


XX cuya principal característica consiste en la afirmación espontánea del
individuo a través de la acción de pintar. Se considera el primer movimiento
genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del
liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después
de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por el
gobierno estadounidense.

La llegada a la ciudad de Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial


(1939-1945) de pintores europeos de vanguardia como Max Ernst, Marcel
Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy difundió el espíritu del expresionismo
abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950,
siendo sus máximos exponentes Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de
Kooning, considerándose al primero el más importante por su técnica del
dripping, que consiste en el goteo espontáneo de pintura como pincelada.
Muchos ven en la libertad desmedida y el placer hedonista del acto de pintar,
impartidos por esta corriente, una medida de escapismo y olvido a lo que había
significado la Segunda Guerra Mundial.

Jackson Pollock (1912 – 1956) A partir de 1943, influido por el surrealismo,


adoptó un estilo más libre y abstracto, en el cual la misma gestualidad del trazo
es lo que estructura la composición plástica, por ello su pintura es conocida
también como action painting.

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A la izquierda tenemos una composición Jackson y a la derecha publicidad del conocido wisky Absolut haciendo uso de
uno de los cuadros de Pollock.

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Willem de Kooning fue un pintor estadounidense de origen holandés,


considerado como uno de los máximos representantes de la Escuela de Nueva
York o Expresionismo Abstracto. Llegó a los Estados Unidos en 1926, donde
pudo dedicarse a la pintura cuando fue contratado para decorar obras
estatales, dentro del Federal Art Proyect, durante la década de los treinta.

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Kooning no llegó a ese estilo personal hasta haber experimentado con el


automatismo, que le ayudó a transformar la línea en brochazos enérgicos;
éstos se multiplican como una fuerza torrencial por todo el lienzo a partir de
1947, pero no abandonan nunca las referencias cubistas presentes en formas
que se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un
lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter
brutal de las líneas y tachaduras gestuales.

Toda la obra de Kooning está presidida por el deseo de lograr una interacción
entre espacio y materia, entre la ilusión representativa y la cualidad plana de la
pintura, a la vez que es una lucha continua para lograr un equilibrio entre el
protagonismo expresivo del dibujo y la inmediatez emotiva del color. El
dinamismo de las composiciones transmite la energía del gesto del artista.

Si bien la abstracción parecía haberse desligado de la geometría para dar paso


a una expresión libre, la geometría fue volcada al diseño. El aporte de la
Bauhaus en el uso de la retícula para la diagramación gráfica se continúa
aplicando.

Mujer I (1952), de Willem de Kooning

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OP ART

Victor Vasarely

Op-art es la abreviatura de "Optical-Art", se empleó por primera vez en 1964 en


la revista Times. Nace en Estados Unidos en 1958 y se desarrolla también en
Europa en la década de los 60’s.

El op Art e suna forma artística contemporánea que alcanzó su auge en al


década de los 60. Consiste en crear efectos cromáticos y formas dinámicas,
que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras
cromáticas que plásticas.

Este movimiento pirctórico surge a finales de la década de 1950 para asentarse


en lso años 60. Su finalidad es producir la ilusión de vibración o movimiento en
al supercicie del cuadro. Se diferencia del arte cinético por la total ausencia del
movimiento real. Fue inmediatamente aceptado por el público por sus
estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la
gráfica y la moda.

El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales,


con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos
piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de
las más famosas exponentes del Op Art en el vestir.

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Representantes del Op-Art: Víctor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Bridget Riley,
Kenneth Noland, Lawrence Poons

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Bridget Riley

Jesús Soto.

Características del Op Art:

1. Es una evolución matemática del arte abstracto.

2. La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente
estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.

3. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente,


vibración, parpadeo o difuminación.

4. Usa los recursos ópticos como formas simples y líneas paralelas, tanto
rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o

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bicromáticos, efectos de luz y sombra, cambios de forma y tamaño,


combinación y repetición de figuras, entre otros.

5. Utiliza figuras geométricas básicas para sus tramados, combinaciones o


formacionescomplejas.

6. Crea sensación de profundidad pero a la vez se confunde el orden de los


planos (qué está adelante y qué está atrás).

7. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o


desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente,
teniendo la sensación de estar frente a un espacio tridimensional.

8. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien


definidas.

9. El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o


situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

Geometría modular: Maurits Cornelis Escher

Si bien la abstracción parecía haberse desligado de la geometría para dar paso


a una expresión libre, la geometría fue volcada al diseño. El aporte de la
Bauhaus en el uso de la retícula para la diagramación gráfica se continúa
aplicando. Un interesante caso en el uso del diseño modular es del dibujante
holandés Maurits Cornelis Escher (1898-1972) quien desde 1940 empezó a

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hacer creaciones en las que entrelazaba módulos de diferentes personajes


como pájaros con peces o ángeles y demonios (el los llamaba “Visiones
Internas”).

Luego sus imágenes comenzaron a tener un cierto sabor surrealista,


especialmente en los dibujos de extraños edificios en los que, gracias a sabios
juegos perspectivos, aparecen escaleras que ascienden hacia los pisos
inferiores (y descienden hacia los superiores) o cascadas de agua que se
elevan hacia las azoteas.

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Aplicación de la obra de Escher a un juguete de Lego.

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4.2 Tema 8: Revalorización del Diseño Impreso y la gestación


de la Post Modernidad

4.2.1 El Estilo Internacional y la Nueva publicidad: Agencia DDB y


Conceptualización de la Imagen. Escuela de Nueva York. Revalorización
del Diseño Gráfico Corporativo y los isotipos Olímpicos.

Después de la Segunda Guerra Mundial un nuevo estilo de Diseño Gráfico


emerge en Suiza y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una
referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la
forma tipográfica siguen estando en la base de las enseñanzas que se
imparten en las escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como “estilo
internacional”.

El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y


especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la
necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo
medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos:

• El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y


estructura interna.
• El empleo de tipografías sans-serif y disposición asimétrica de los
distintos
• elementos del diseño. La creciente demanda de tipografías sans-serif
(muy
• utilizadas para las composiciones del diseño suizo sobre todo por la
influencia de la Bahuaus), posibilitó la aparición de dos tipos sans de
gran calado y enorme influencia: la Helvética y la Univers
• Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones

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PIONEROS
De izquierda a derecha: Portada para anuario. Max Hubert , 1951. Cartel para el Museo Rietberg. Ernst
Keller, 1952

Escuelas:

La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa.
El estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño en Suiza, una en
Basilea liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de
Joseph Muller-Brockmann.

Sin embargo también la Escuela de Ulm en Alemania que contaba con el


liderazgo del diseñador industrial, pintor y escultor Max Bill acogió este estilo
para diseñar su propia propuesta.

Un factor que contribuyó a la rápida extensión del estilo fue el incremento y la


globalización de los mercados. Ésto junto al auge de las comunicaciones hace
que las corporaciones internacionales tengan la necesidad de una identificación
global, identidad que es construida de acuerdo a los principios del estilo
internacional.

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BASILEA (Suiza)

Diseños de Hofmann correspondientes a 1955 y 1961. Los trabajos de Hofmann se caracterizaban por la acentuación
del contraste entre los elementos del diseño

ZURICH (Suiza)

Entendía el diseño como algo estrictamente funcional, por ello era estricto en
sus normas de composición

En cuanto al uso de la tipografía, postulaba la separación de líneas de texto


compactas, letras sin remate, espacio entre palabras uniforme,
caracterizándose por la exploración del ritmo y del tempo de las formas
visuales.

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Izquierda, “La señal amiga que se da con la con la mano protege de los accidentes” Automóvil Club Suizo 1954.
Derecha, “Menos ruido” Cartel de concientización pública 1960.

“Música Viva” Cartel para concierto 1959.

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HOCHSCHULE FÜR GESTALUNG (Ulm - Alemania)

A pesar de tratarse de un diseño bastante temprano, ya presenta la


diagramación dinámica y asimétrica con geometría angulosa, la composición
con formas en blanco y negro y las letras sin sérifa propias del estilo
Internacional.

Portada del Boletín de la Hochschule für Gestalung. Anthony Froshaug, 1958.


El sistema de retículas con cuatro columnas y el uso de sólo dos cuerpos tuvo
gran impacto en la diagramación de la época.

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Max Bill había estudiado en la Bauhaus , Alemania. Quería re potenciar la


“estética de la máquina” de una forma innovadora, que reflejase el moderno
estilo de vida de los años 50’s .

La escuela de Ulm incursiona en el diseño industrial, y también consolida


convenios para comercializar su producción marcando un estilo al que
coloquialmente se le conoció como el “Síndrome de la caja negra” en el diseño
moderno, pues la mayoría de sus diseños eliminaban todo lo innecesario
dentro de la funcionalidad del producto: Diseños lineales, productos durables,
que casi siempre tenían por acabado final la cobertura blanca o negra con el
logotipo de la compañía bastante visible.

Banqueta diseñada por Bill y modelo de taza apilable del alumno Nick Roericht para su tesis en 1959.

La Hochschule für Gestalung tuvo una búsqueda cada vez más tecnológica, lo que les llevó a explorar en diseño de
carrocería, rama de investigaci´n que se mantiene hasta nuestros días.

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REPERCUSIÓN COMERCIAL DEL ESTILO INTERNACIONAL

No es en vano que el Estilo Internacional lleva ese nombre, rápidamente a nivel


mundial tuvo una gran acogida en el comercio y todas las áreas del diseño.

Conoisseur Cofee Diseño de Ruth Gill

A pesar de usar letras con serifa, su tipografía es simple y ligeramente gruesa,


enmarcada en formas grandes de colores contrastados, ello le permite alcanzar
el grado de contraste preciso para alcanzar un impacto no muy estridente en el
espectador.

Diseño de la Univers por el tipógrafo Adrian Frutiger en 1957.

Las tipografías Helvética y Univers, y en general la tipografía sin serifa también


tuvieron una fuerte presencia en la gráfica de productos comerciales en las
décadas de los 50’s y los 60’s

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Más empaques de los años 60.

Sobrecubiertas de la Editorial Mc Graw Hills Publishers a principios de los 60’s . Rudolph De Harack. EEUU.

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LA NUEVA PUBLICIDAD: AGENCIA D.D.B. CONCEPTUALIZACIÓN DE LA


IMÁGEN.

La década de los 40’s fue bastante mediocre para la publicidad, se basó en


eslóganes hiperbólicos y homenajes a estrellas de cine.

Pioneros:

Paul Rand (1914 – 1996) Es uno de los diseñadores gráficos más destacados
en Estados Unidos de Norteamérica. Sus portadas de revistas rompieron las
tradiciones del diseño publicitario estadounidense, pues explotaba al máximo el
potencial expresivo y simbólico de la forma. Su obra está cargada de picardía,
dinamismo y efecto sorpresa.

Rand trabajó un tiempo con el redactor publicitario Bill Bernach, llegando a ser
el prototipo del actualmente ubicuo equipo arte/texto que colabora para integrar
los aspectos visuales y verbales de una imagen compuesta.

Portada de la revista “Direction” 1940.


Contrastes formales y simbólicos, la tarjeta, perfectamente rectangular escrita a
mano que dice “Merry Christmas” cobra un elemento de collage con bordes
rasgados y letras mecánicas de plantilla. La portada a la vez emula un regalo
navideño envuelto con alambre de púas. Macabro recordatorio de la expansión
de la Segunda Guerra Mundial. Rand se valió de medios como el collage y el
montaje para cohesionar conceptos, imágenes, texturas, e incluso objetos.

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El 1° de Junio de 1949 abre sus puertas la pequeña agencia publicitaria “Doyle


Dane Bernbach” que “eliminó los signos de exclamación de la publicidad y la
hizo hablar con inteligencia a los consumidores”.

En la siguiente página encontraremos ejemplos de piezas publicitarias de la


famosa agencia con sus respecticas leyendas explicativas.

5. Bill Taupin (director artístico) y Judy Protas (redactora) Cartel para el


subterráneo, 1965. El modelo rompe con los patrones publicitarios de ese
entonces.

6.

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Bob Cage (Director artístico) Bill Bernbach y Judy Protas Charlie Piccirillo (director artístico) y Judy Protas
(redactores). Publicidad para almacenes Ohrbach’s , (redactora) Publicidad para almacenes Ohrbach’s,
1958. En Inglés el vocablo “cat” se asemeja el vocablo 1952. Campaña por el inicio de las clases escolares.
“catty” que significa “maliciosa”, la inusual modelo La actitud del muchacho presenta de modo directo el
descubre por qué una amiga viste tan bien sin gastar disgusto de un niño por volver al colegio.
tanto dinero.

Helmunt Crone (director artístico) y Julián Koening Bert Steinhausser (director artístico) y Chuck Kollewe
(redactor). Anuncio para Volswagen, mp1960. El coche (redactor) Anuncio sobre política, 1967. Uso de palabras
económico se vuelve adorable si se le presenta sin alarmantes e imágenes vívidas para invitar a una toma de
exageraciones textuales ni mostrándose de modo conciencia.
grandioso en la imagen.

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INFLUENCIA DE LA D.D.B. EN HERBERT LUBALIN

Herbert Lubalin fue un gran diseñador de los años 60’s, cuyos diseños se
caracterizaron por el gran riesgo tipográfico que implicaban. Mediante técnicas
relativamente sencillas logró resultados sorprendentes, pero no sólo por su
valor formal, si no por la dimensión simbólica y connotativa de sus ideas.

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Proyecto de Herbert Lubalin (diseñador) y Bert Stern (fotógrafo). Portada e interior de Eros, 1962. El concepto irá
cediendo poco a poco a la expresión, Jugar con las transparencias fotográficas y el trazo a mano alzada de, nada
menos que Marilyn Monroe, es una forma de hacer converger lo intelectivo y emocional.

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Escuela de Nueva York: revolución del estilo editorial.

La Universidad de Yale de Nueva York fue la primera gran Universidad en


incorporar la especialidad de Diseño Gráfico entre sus programas, ello
significaría una profesionalización de dicha área y elevaría el nivel de
producción gráfica.

Al igual que en la publicidad, el diseño editorial era bastante limitado en la


década de los 40’s, tres de las pocas revistas estadounidenses que
demostraban mayor riesgo y apuesta estética en su diseño, presentación y
diagramación fueron “Fortune”, revista de negocios que contaba con Burtín y
Leo Lionni, “Vogue” con Alexander Liberman en la dirección artística y, sobre
todo Harper’s Bazar, bajo la dirección artística de Brodovitch.

Ejemplos de fotografías de portadas de la revista Harper’s Bazaar (1958 y 1965)

Algunas bases de la renovación del Diseño Editorial son las siguientes:

· Director artístico
· Imagen importante (fotografía)
· Doble página como unidad de diseño
· Tipografía simplificada y sistematizada
· Espacio en blanco

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Portada Vogue 1964

CINE PINELES (1910 – 1991)

Durante las décadas de 1940 y 1950 hizo granes aportes al diseño gráfico
desde la dirección artística de “Glamour”, luego “Seventeen” y “Charm”. Solía
encargar las ilustraciones a pintores, por lo que eran bastante innovadoras,
además de ser la primera mujer en ser admitida como miembro del Arts
Directors Club de Nueva York.

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OTTO STORCH (1913 – 1999)

Alumno de Brodovitch en la Escuela de Nuava York. En 1958 cuando trabajaba


para Mc Calls el director artístico Herbert Mayes le dio total libertad creativa,
entonces surge la propuesta de unificar tipografía con fotografía ajustando la
primera a la segunda, utilizando muchas veces fotografías tomadas del exterior
para alimentos y ropa en lugar de las de estudio.

Otto Storch (Director artístico) y Paul Dome (fotógrafo). Primera página de artículo sobre alimentos congelados. 1961.
La filosofía Storch consistía en que idea, texto, ilustración y tipografía debían ser inseparables en el diseño editorial.

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Otto Storch (Director artístico) y Dan Wynn (fotógrafo). Página de Mc Calls, 1961. La tipografía se pliega emulando ser
un blando colchón afectado por el peso de la modelo.

En la década de los 50 hace aparición en los hogares la televisión y la radio a transistores

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Revalorización del Diseño Gráfico Corporativo.

El diseño de Goleen para la CBS en 1951 fue incluido en toda su papelería y


demás artículos de merchandising temprano estableciéndose así la imagen
corporativa de la empresa.

Frente al auge económico vivido en la década de los 50, los grandes


empresarios quieren cubrir la necesidad de desarrollar una imagen e identidad
empresariales para distintos públicos como forma de definirse a gran escala
como confiables y de producción de alta calidad.

Fue especialmente en Italia donde se acogió la idea de un diseño corporativo,


diseñadores como Gio Ponti, Marco Zanuso, Marcelo Nizzoli, los hermanos
Castiglioni, “Pinin” Farina y Ettore Sottsass alcanzaron un gran éxito al trabajar
para mega corporaciones (que entonces despuntaban ya como grandes
empresas) como Olivetti, Artemide y Brionvega.

Giovanni Pintori fue el diseñador más importante del departamento de


publicidad de la empresa. Olivetti buscaba una imagen de alta tecnología para
promover el diseño industrial avanzado, para entonces Olivetti producía
maquinaria para oficinas, principalmente sus ya reconocidas máquinas de

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escribir y calculadoras

Carteles para Olivetti hechos por Giovanni Pinttori, en 1956, 1949 y 1956.
Pinttori fue el diseñador más importante del departamento de publicidad de la
empresa. Olivetti buscaba una imagen de alta tecnología para promover el
diseño industrial avanzado. Desde sus comienzos fue reconocido este tipo de
Diseño, para entonces Olivetti producía maquinaria para oficinas,
principalmente sus ya reconocidas máquinas de escribir y calculadoras.

Olivetti transmitía a través de la imagen los conceptos y valores que encierra. A


la izquierda encontramos un cartel para Olivetti hecho por Herbert Bayer, a
quien ya habíamos visto como diseñador y maestro en la Bauhaus.

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Giovanni Pintori, 1956

Importante cartel de Herbert Bayer para Olivetti, 1959.

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IBM: “Cambios de look” para alcanzar una identidad corporativa

Los “Cambios de look” de una empresa obedecen a muchos factores, la época


en que se gesta la imagen corporativa, los cambios internos de la empresa, las
alianzas que ésta pueda entablar con otras. Tal es el caso de la IBM, que a
partir de 1956 y gracias a Paul Rand comenzará a presentar características
más cercanas al diseño corporativo que hoy conocemos.

Antes de Rand.
International Time Recording Company (1889-
1914) Creada en 1888 por Willard L. Bundy para
comercializar sus grabadoras para oficinas,
patentadas meses antes el mismo año.

Computing Scale Company (1891-1914) Al ser


comprada por otros dueños se incorpora la
para la producción de balanzas comerciales

Computing-Tabulating-Recording Company
(1911-1924) La empresa da más importancia a la
investigación y la ingeniería. Adopta las siglas
CTR

International Business Machine (1924-1946)


Se deja atrás el estilo recargado por letras sin
serifa, y las siglas por IBM. La forma de globo
sugerida enfatiza el carácter gloal de la empresa.

IBM en Transición (1947 – 1956) El logotipo de


IBM destaca el nuevo carácter de la empresa
que incorporaba la tecnología de tarjetas en sus
productos (la más avanzada para los incipientes
equipos de computo). Paul Rand optó por un
estilo más sintético y sin aspaviento alguno ésta
propuesta se hace presente en la empresa desde
el 1° de Enero de 1947.

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IBM en Continuidad (1956 – 1972) Paul Rand,


sustituye la tipografía para generar un aspecto
más sólido y equilibrado.

IBM – Reconocimiento Internacional (1972 - )


En 1972, la compañía introdujo una nueva
versión del logotipo, Diseñada por Paul Rand, las
franjas horizontales reemplazaron a las letras
sólidas para sugerir la "velocidad y dinamismo".,
produciéndose así uno de los logotipos más
reconocidos de los últimos 50 años.

A ésta clase de logotipo se le reconoce como


Isotipo Monogramático, en el cual la imagen se
construye a partir del uso de las iniciales de la
empresa representada. A través de su
tratamiento formal se la carga de significación,
asociándola a elementos icónicos o
diagramáticos.

Paul Rand buscó que la imagen corporativa de la IBM se mantuviese


cohesionada en los trabajos que durante más de tres décadas para ésta
empresa: Carteles, Merchandising, Anuncios para revistas guardan estrecha
relación siempre con la propuesta visual para la empresa,

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Señalización del transporte y de los Juegos Olímpicos

La historia de la señalética y la señalización podría remontarse a las


civilizaciones antiguas, cuando se decide implementar letreros y emblemas en
la vía pública o algunos circuitos cerrados para indicar al transeúnte donde se
encuentra. Este tipo de códigos extralimita las fronteras donde se generan,
primero con la heráldica (banderas y escudos) y con las señales
convencionales de marina y navegación a través de banderas.

Sin embargo con la tecnología y globalización que se vivía a mediados del siglo
XX se exigían métodos de comunicación universal, de preferencia en base a
pictogramas, tal como lo plateó el movimiento Isotype en su momento.

La idea de simplicidad como característica de buen diseño persistía desde la


Bauhaus. En ese momento, se desarrolló el consenso de que simple, no sólo
era equivalente de bueno, sino que también era equivalente de más legible. En
décadas posteriores (50’s, 60’s y 70’s) éste concepto afectó notablemente al
diseño de símbolos. Los diseñadores se plantearon el problema de hasta qué
punto se podían simplificar sin destruir su función informativa.

Aun algunos códigos de tránsito (como el semáforo, por ejemplo) ya eran


internacionalmente conocidos, pero no es hasta las décadas de los 60’s y 70’s
que empieza a haber una preocupación por la estandarización de códigos
pictográficos llevada, de ser posible, a nivel mundial.

Dos hitos van a marcar ésta toma de conciencia frente al afán de construir
lenguajes universales pictográficos: Las Olimpiadas de México de 1968 (Siendo
muy importantes también para este objetivo la de Munich en 1972, donde se
plantean los pictogramas olímpicos más representativos de todos los tiempos)
y el diseño del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas de 34 símbolos
orientados a pasajeros y peatones para usar el servicio de transporte.

Antes que nada es necesario saber que cada país diseña su propia propuesta
gráfica cuando es seleccionado como sede de una olimpiada o mundial, ello
incluye el diseño de los pictogramas correspondientes a cada disciplina
deportiva; sin embargo debe tratar de ser lo más universal que pueda en esta
propuesta, en especial en lo que a señalética concierne.

Lance Wyman

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OLIMPIADAS DE MÉXICO 1968

Para lograr un entendimiento universal se generó un sistema visual que


funcionó como medio de información internacional, partiendo del diseño del
logotipo. La repetición de las bandas o cintas fue tomada de los mismos
diseños pre – colombinos mexicanos.

El logotipo y el sistema de información visual a partir de colores y simbología


fueron aplicados tanto al programa de publicaciones como al de diseño y
ornato urbano; imponiendo un concepto integral de diseño inédito hasta
entonces en una campaña de comunicación de tales dimensiones.

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OLIMPIADAS DE MUNICH 1972

El sistema de pictogramas diseñado por Otl Aicher y su equipo en 1970,


constituyen, tal vez, los pictogramas más emblemáticos de olimpiadas de todos
los tiempos. Son sumamente sintéticos, pero no dejan de ser descriptivos y
muy versátiles.

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En 1974, el Ministerio de Transportes de los Estados Unidos encargó al


Instituto Estadounidense de Artes Gráficas la creación de un conjunto maestro
de 34 símbolos para usar en los servicios de transporte. El objetivo era crear
señales que pudieran ser utilizadas en cualquier lugar del mundo, salvando las
barreras del lenguaje hablado y simplificando los mensajes básicos.

El primer paso consistió en compilar e inventariar sistemas anteriormente


creados para servicios de transportes o lugares de encuentro internacional. A
partir de allí Roger Cook (1930) y Don Shanosky (1937) diseñaron los 34
pictogramas dando prioridad a la claridad de la imagen. Estos libros combinan
la armonía global con una coherencia visual de línea, peso, figura y forma,
constituyendo el primer esfuerzo por lograr una comunicación gráfica
unificada y eficaz que trascendiera barreras culturales y lingüsticas.

Cartel con el que se presentaron los 34 símbolos a un amplio público.

En cada Olimpiada se presenta una propuesta diferente de Pictogramas


Olímpicos

Barcelona 1992 Atenas 2004

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Londres 2012 Rio 2016

4.2.2 El Diseño en una sociedad de consumo: Pop Art: David Hockney,


Andy Warhol, Roy Lichtenstein y el nacimiento y apogeo del Anime
japonés: Ozamu Tezuka , Hayao Miyasaki, Igarashi. Arte psicodélico:
Influencia del Art Nouveau y el misticismo Oriental

Sociedad de Consumo

Fue partir de la Segunda Guerra Mundial, en la década de los 50, cuando la


producción cobró una gran importancia, contribuyendo a aumentar las
necesidades; entre otras causas, porque las exigencias del propio desarrollo
capitalista condujeron a una situación en la que la demanda del consumidor
debía ser a la vez estimulada y orientada, en un mercado en constante
expansión y transformación cualitativas internas.

Los 60’s se presenta como una etapa prometedora, ya no se respira el


ambiente de post guerra y el hombre caminará por primera vez en la luna; la
televisión derrochará publicidad hacia las mentes más jóvenes, un terreno fértil
para incrustar el deseo de consumo por todo lo que esta nueva era tiene por
ofrecer: Nuevas formas, colores, tecnologías en los long plays de “Los Beatles,
los carro de formato chico, las minifaldas de Twigy, o el menaje hogareño
(electrodomésticos y muebles) de plástico transparente …”

En la sociedad postindustrial, el crecimiento económico se vincula, sobre todo,


a la necesidad de conquistar nuevos mercados (lo que otorga especialísima
importancia a la publicidad). Es una sociedad que necesita más consumidores
que trabajadores, de donde deriva también la ascendente importancia de las
industrias del ocio, que explotan el creciente tiempo libre de los ciudadanos.
Los consumos ilícitos también proliferarán, será esta la generación que
experimente con alucinógenos y estupefacientes y la que clame por conservar
esa paz efímera que tal vez nunca existió.

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Desde la óptica mercantil y despersonalizada en la sociedad de consumo los


sujetos tienden a dejar de ser vistos como individuos, para pasar a ser meras
funciones sociales, tanto a efectos de su utilización como a efectos
estadísticos, con finalidad política (electoral) o comercial (consumo).

En esta sociedad, el amontonamiento, la profusión, es el rasgo descriptivo más


importante... y tal vez más fascinante también.

Pop Art: David Hockney, Andy Warhol, Roy Lichtenstein.

El Pop Art o Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los
años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos.
El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la
cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la
perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su
contexto y aísla al objeto o lo combina con otros elementos para su
contemplación. Tiene por principales representantes a Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Claes Oldeburg, Jaspers Jones, etc.

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Surgimiento del POP.

En 1956, en una exposición para la Whitechapel Art Gallery, Hamilton presentó


en nombre del Independent Group su collage “Just What Is It That Makes
Today's Homes So Different, So Appealing?” en el cual aparecen multitud de
elementos de la cultura de masas estadounidense: una chica de revista, un
fisico culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de historieta, una
aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un antepasado centenario y un
enorme chupete con la inscripción ‘pop’ en él, sostenido por el físico culturista
como si fuese una raqueta de tenis, manifiesto del arte pop británico.

Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?” Richard Hamilton, 1956

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Principales exponentes

David Hockney:

Pintor, escenógrafo, impresor y fotógrafo ingles, un importante y uno de los


mitos vivientes del Arte y cultura POP, iniciado en la década de 1960,

Hockney realizó estampados, retratos de amigos y diseñó escenografías para


el Royal Court Theatre, el Festival de Glyndebourne, La Scala y al Metropolitan
Opera House en Nueva York. El artista nació con Sinestesiay en consecuencia
ve colores sinestéticos en respuesta a estímulos musicales. Esto no se ve
reflejado en sus pinturas ni trabajo fotográfico, pero es uno de los principios
que utiliza para el diseño de escenografías para óperas y ballet; él basa los
colores del fondo y la iluminación en los colores que ve mientras escucha las
piezas musicales. célebre por sus pinturas satíricas, su obra gráfica, sus
dibujos magistrales y sus agudos retratos de personalidades contemporáneas.
Al mudarse a California deja el óleo y experimenta con el acrílico, aplicándolo
sobre el lienzo de manera realista, plana y suave. Sus obras de la década de
1960, como la serie sobre piscinas de Los Ángeles, están pintadas en un estilo
deliberadamente ingenuo y colorista, con una temática extraída de la cultura
popular.

A Bigger Splash. David Hockney.

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Retrato de un artista. David Hockney.

Andy Warhol:

Andy es considerado el fundador y la figura más relevante del llamado Pop Art.
En 1960 realiza su primera pintura basada en personajes de Comic (como
Popeye o Superman), así comenzaría una larga producción en la recurre a la
apropiación como principal estrategia de creación. Desarrolló también
fotografías de gran formato, utilizándolas después como base de sus pinturas
al óleo o la tinta. Fue esta técnica la que le permitió producir una serie de
imágenes repetitivas, con pequeñas variaciones, que comenzó en 1962 con
el famoso bote de sopas Campbell.

Sopa Campbell, Caja Brillo, Volkswagen por Andy Warhol

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Marilyn Monroe. Serigrafias sobre diferentes soportes por Andy Warhol

Elvis Presley. Serigrafias sobre diferentes soportes por Andy Warhol

“Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la
que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que
los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el
Presidente bebe Coca- Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú
también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del
mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está
bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son las mismas y
todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el
mendigo lo sabe, y tú lo sabes”. Andy Warhol

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Michael Jackson y Elizabeth Taylor por Andy Warhol

Michey Mouse por Andy Warhol

Mao Tse Tung por Andy Warhol

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Roy Lichtenstein:

Pintor, artista gráfico y escultor, conocido sobretodo por sus interpretaciones a


gran escala del arte Cómic.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes


comerciales de producción masiva. Sus historietas de cómics, como Good
Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de
los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma
técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan
para imprimirlos. En sus pinturas destaca la figura de la mujer, frecuentemente
triste, llorosa, sufriente.

Entre sus últimas obras están las reproducciones de personajes muy populares
de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos.
También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado,
también, obras en cerámica.

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Nacimiento y apogeo del Anime Japonés.

El Manga o cómic japonés, es el arte secuencial por excelencia desarrollado en


Japón durante el siglo XX, y cuya renovación y difusión a nivel global se inició a
partir de 1945, tras concluir la segunda guerra mundial. Actualmente goza de
gran popularidad y su versión animada, el anime, constituye una de las
industrias más grandes del cine en todo el mundo.

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Nace de la combinación de dos tradiciones:

- La del arte gráfico japonés, producto de una larga evolución a partir del
siglo XI como los Chōjugiga (dibujos satíricos de animales), atribuidos a
Toba no Sōjō (siglos XI-XII), pasando por el ukiyo-e grabados del
Período del Edo (1600-1867), parodias políticas que retrataban fielmente
las costumbres cotidianas de la cultura japonesa de la época.

- La de la historieta occidental, afianzada en el siglo XIX.Aún así, éste


género sólo se cristalizaría con los rasgos que hoy conocemos tras la
Segunda Guerra Mundial y la labor pionera de Osamu Tezuka (Astroboy,
Shōnen de 1947).

Manga Kimba, el león blanco.

Manga o “Dibujo rápido o informal” (漫画, Manga) es la palabra japonesa para


designar a la historieta en general. Fuera de Japón, se utiliza exclusivamente
para referirse a las historietas niponas, el término proviene de la combinación
de dos kanji, Informal (漫 man) y dibujo (画 ga). Se leen de derecha a izquierda
y por lo general son impresos en papel barato y a blanco y negro, vendiéndose
un promedio anual de más de mil millones de volúmenes.

Hay dos términos que añadir, el Mangaka (漫画家, Mangaka) profesional que
escribe y/o dibuja mangas y el Otaku (おたく/オタク, Otaku) fanático, seguidor
o aficionado del manga. El manga abarca una amplísima variedad de géneros,
y llega a públicos de muchos tipos diferentes y de espectros de edades
diversos.

Por Público Dirigido

- Kodomo manga, dirigido a niños pequeños;


- Shōnen manga, a chicos adolescentes;
- Shōjo manga, a chicas adolescentes;
- Seinen manga, a hombres jóvenes y adultos.
- Josei manga, a mujeres jóvenes y adultas.

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Mangas de Saint Seiya y Dragon Ball.

Por Género

Los muy diversos géneros se centran, en arrolladora mayoría, en historias de


amor. Según sea el tipo de historia de amor o el género y la edad del o los
protagonistas, adquirirá su nombre.

El anime

El Anime o “Japanimation” es el término que agrupa los dibujos animados de


procedencia japonesa o Japanese Animation. En Japón se utiliza el término
Anime para referirse a la animación en general, y proviene de la palabra
inglesa “Animation”. Entre el manga y el anime suele haber mucha interacción,
aunque no todo manga genera anime ni viceversa, pero en sí se le considera
manga en movimiento y comparte la misma clasificación en cuanto a géneros y
publico dirigido. Los temas que trata son algunas veces de consumo exclusivo
para adultos.

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Candy, éxito de anime japonés.

Meteoro o “Speed Racer”.

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Directores reconocidos

El estudio Ghibli

Porco Rosso.

Hayao Miyazaki (junto a Isao Takahata) tras abandonar los estudios Toei Doga
filmará su primera película como director: Lupin III, en El castillo de Cagliostro
(1979). Gracias al ritmo rápido que le insufló Miyazaki y a unos gags basados
sobre todo en la acción, resultó una obra altamente reconocida.

Miyazaki publicaba desde 1982 en la revista especializada Animage el manga


Nausicaä del Valle del Viento, que gozaba de gran prestigio. Takahata sugiere
llevarla al cine. Miyazaki, dirigió y se encargó del argumento, guión e story
board y saca la película en 1984, tomando por tema el dilema de los seres
humanos y la Naturaleza en una Tierra devastada. Takahata y Miyazaki
inauguran en 1985 su propio estudio de cine de animación: Studio Ghibli.
Dentro de esté, Miyazaki dirigirá títulos como Laputa, el castillo en el cielo
(1986), vagamente inspirada en Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift; Mi
vecino Totoro (1988), con una extraña criatura de los bosques que sólo los
niños de corazón limpio pueden ver; Majo no takkyūbin (1989), sobre las
penalidades de una joven bruja, y Porco Rosso (1992).

Por su parte, Takahata dirige La tumba de las luciérnagas (1988), basada en


un argumento de Akiyuki Nosaka, historia de dos hermanos huérfanos por los
bombardeos americanos durante la Segunda Guerra Mundial. Tras ésta,
realizará Heisei Tanuki Gassen Ponpoko (Pom Poko, 1994). Todas estas
producciones llevaron a la fama internacional el nombre del Studio Ghibli.

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Hayao Miyazaki

El viaje de Chihiro

Con el estreno de La princesa Mononoke (1997) vuelve a resonar el nombre


del Studio Ghibli. Con esta historia ambientada en la era Muromachi (siglos XIV
al XVI), se vuelve al tema ecológico. Miyazaki volvió a la dirección en 2001 con
El viaje de Chihiro, historia de una chica caprichosa que, para salvar a sus
padres atrapados por una bruja, arriesga su vida en un extraño lugar de
esparcimiento para dioses.

En la edición de febrero de 2002 del Festival Internacional de Cine de Berlín


consigue el Oso de oro y en marzo de 2003 el Óscar a la mejor película de
animación, hechos ampliamente recogidos por la prensa japonesa. Miyazaki
regresó más tarde con Hauru no Ugoku Shiro (traducida como El castillo
ambulante, El increíble castillo vagabundo y El Castillo Andante, 2004). En
septiembre de 2005 Miyazaki recibe el León de Oro a su carrera. En cambio
Takahata, su compañero, después del fracaso comercial de Mis vecinos los
Yamadas (1999), se mantiene apartado del anime,

Katsuhiro Otomo

Katsuhiro Ōtomo (1954) alcanzó fama internacional gracias a Akira (1988),


basado en un manga de creación propia, tras el cual viene la película Memories
(1995), codirigida con Koji Morimoto y Tensai Okamura. Años después,
regresaría dirigiendo la película Steamboy (2004), una historia del steampunk
más tradicional.

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Emblemática película apocalíptica AKIRA.

Difusión del Anime Japonés

Grandes éxitos a lo largo de la historia del anime han difundido este tipo de
expresión en sucesivas oleadas, normalmente películas de alto impacto que
llaman la atención de nuevos sectores hacia la industria del anime. Dentro de
estas películas se puede encontrar: Akira, Ghost in the Shell, y El viaje de
Chihiro ganadora del Óscar a la mejor película de animación en 2002 y de un
Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín (2001)

Asia: Taiwán, Corea del Sur, China, fueron los primeros países de influencia.

Estados Unidos: “Astroboy” 1961, genero el primer impacto.

América Latina: Colombia, México, Perú, Chile, Guatemala y Argentina, los


principales países que en los años 70’s acogerían la cultura del Anime con las
series Heidi, Princesa caballero o Lady Oscar, Candy y Meteoro. Les seguirían
Kimba el León Blanco, Mazinger Z, en los 80s. A partir de 1990 el Anime
empezó a tomar mucha popularidad con Saint Seiya, Sailor Moon, Ranma 1/2 y
las sagas de Dragon Ball y más tarde Pokémon, Card Captor Sakura,
InuYasha, Naruto, One Piece y Yu-Gi-Oh.

Europa: Principalmente Francia, Italia, Reino Unido y España donde tuvo una
expansión muy similar a América Latina.

África: Tuvo una expansión tardía, recién a partir del 2000, Sudáfrica, Namibia,
Kenia, Botswana, Zambia, Mozambique, Lesotho y Zimbabue.

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Matzinger Z” (imagen superior izquierda) y “Evangelion” (imagen inferior) son dos de las series que mayor éxito
internacional han tenido, al punto que en Tarragona (España) se le construyó un pintoresco monumento a “Mazinger”
(imagen superior derecha).

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Arte sicodélico y gestación de la Post Modernidad: Influencia del Art


Nouveau y el misticismo Oriental

Se conoce por Psicodelia al movimiento socio cultural planteado por la


generación de los 60’s. Epistemológicamente viene del griego y significa
“Manifestar alma”, y es que este modo de vivir se expresaba en la música, los
códigos en el vestir, las manifestaciones visuales, literarias, escénicas, etc. El
arte psicodélico, sobre todo pictórico y musical, se desarrolló a partir de los
años cincuenta del siglo pasado. Este tipo de arte se caracteriza por evocar las
vivencias propias de la experiencia psicodélica: sinestesia, alteración de la
percepción del tiempo y del sentido de la identidad, empatía, etc. De todas
formas en el lenguaje común la expresión Arte psicodélico se refiere sobre todo
al movimiento artístico de la contracultura de los sesenta.

Psicodelia en la Gráfica influencia del Art Nouveau

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Características usuales del arte psicodélico

- Patrones parecidos a un Caleidoscopio, fractales o inspirados en los


diseños persas e indúes.
- Colores brillantes y / o altamente contrastantes.
- Extrema profundidad de detalle o estilización del detalle.
- Mutación de objetos y/o patrones y algunas veces collage.
- Inclusión de motivos fosfénicos y otros fenómenos entópicos.

Exhibición de gráfica del Push Pin Studio.

Milton Glaser
Nacido en Nueva York en 1929. Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido
sobre todo por sus diseños para discos y libros. En 1954 funda su propia
agencia publicitaria, la Push Pin Studios junto a su colega Seymour Chwatz.

El Push Pin Studios fue uno de los estudios de diseño más influyentes durante
30 años a partir de mediados de 1950, tanto por la cantidad y como por la
eficacia de los trabajos. En esa época las agencias americanas, en su mayoría,
trabajaban con fotografías para realizar las campañas publicitarias. Push Pin se
destacó por su tenacidad en utilizar ilustraciones. En el diseño gráfico el estilo
que dominaba esos años era el racionalismo de la Escuela Suiza. Push Pin
marcará un estilo ecléctico y excéntrico y de notable originalidad. Se dedicó a
un área de la publicidad que estaba olvidada en esa época, el cartelismo,
renovando el uso del cartel tradicional de 70 x 100 cm.

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Chwast Buffalo, alfabeto diseñado en 1973 por Seymour Chwatz

Carteles hechos por la Push Pin Studio los dos primeros de Seymour Chwatz

El cartel de Glaser anticiparía una moda psicodélica breve pero espectacular


del cartel en los Estados Unidos, que recordaron los excesos florales del Art
Nouveau, las imágenes diferidas que pulsaban el Op-Art, y las yuxtaposiciones
extrañas de Surrealismo.

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Influencia Art Nouveau. La generación de la psicodelia identifica a una


generación joven, como la que popularizó el Art Nouveau, enfrentada a la
sociedad en la que se ve inmersa. Recuperar este estilo y que pasara a los
carteles e iconografía de la música del momento fue algo relativamente natural,
y así es como podemos encontrar muchísimos ejemplos de carteles que toman
las letras sinuosas, casi laberínticas del movimiento. Los motivos florales, la
expresión de la naturaleza como algo puro e incluso místico, y la
representación de la mujer de un modo idealizado y hermoso son elementos
que encontramos tanto en las obras del Art Nouveau de 70 años atrás como en
un cartel de un concierto de Grateful Dead. diseñado por Alton Kelley y Stanley
Mouse. Con los avances en la técnica, las nuevas posibilidades de poner
colores, degradados y motivos más complejos a un precio más asequible
permitieron que el Art Nouveau renaciera a la publicidad, a las publicaciones
ilustradas, a las revistas.

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Victor Moscoso, 1967 Carteles de los Chambers Brothers y del concierto de Miller Blues Band.

Afiche para el festival de Woodstock de 1969.

Más allá del afiche…


La gráfica psicodélica también incursionó en la industria…

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Portada DIsraeli Greas, de la banda Cream. Diseño de Martin Sharp. 1967

Portada de disco Sgt. Pepper’s lonely hearts club band, de la banda The Beatles.
Diseño de Peter Blake. 1967

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La Industria casera también aprovechó la gráfica psicodélica en sus diseños, tal como lo demuestran estos envases de
cereales, una marca de jabón y cocoa de los años 70. Nótese la influencia Art Nouveau en los dos últimos.

Rescate del estilo retro y del imaginario vernacular

Dos características que se gestan en las décadas de los 60’s y 70’s son el
retomar rasgos de estilos gráficos anteriores (estilo retro) y el apropiamiento del
estilo propio de cada región del mundo, (referentes vernaculares)
especialmente de oriente medio e indo – Europa en aquel entonces.

Esta característica ha persistido hasta la gráfica contemporánea, más ya no


con la mirada exotizante que entonces se arrojaba sobre las “vernaculares”. El
proceso de globalización ha permitido ver con mayor naturalidad las propuestas
visuales de diferentes lugares del mundo sin el asombro que en otras épocas
causaba.

Lo vernacular también se hace extensivo al rescate del estilo de la propia


localidad, este proceso se ha visto acelerado por la tecnología de las Artes
Gráficas, que permite la tipografía y la impresión profesionales en pequeñas
ciudades y en países en vías de desarrollo, así como la rápida enseñanza del
Diseño Gráfico. Vernáculo La insersión de motvos que hicieran recordar los
diseños persas e indúes es una de las principales características de la
psicodelia, aunque ésta carátula de Vogue (parte inferior izquierda) es de 1954
y demuestra ya éste interés en el Diseño.

Vernáculo

La insersión de motvos que hicieran recordar los diseños persas e indúes es


una de las principales características de la psicodelia, aunque ésta carátula de
Vogue (parte inferior izquierda) es de 1954 y demuestra ya éste interés en el
Diseño.

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Lo mismo ocurre con el envase de comida instantánea, carne al curry con arroz. La mirada exotizante hacia lo foráneo
llevaba al público a consumir productos de naturaleza extranjera y a la gráfica emular dichas características.

En la actualidad Japón demuestra su propia propuesta gráfica sin tomar literalmente características ancestrales, si no
que a partir de su propia identidad visual innova nuevas formas. Como observamos en la gráfica (ilustración de la
izquierda) de Tanadori Yokoo en 1966 cuando trabajaba para la Push Pin
Studio y tazas de té (ilustración superior) de Shigeo Fukuda de 1975.

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En las piezas gráficas anteriores se cita a la época a la que se hace referencia:

1. “Art Decó” Sobrecubierta del libro homónimo de Bevis Hillier. Diseño de


Barry Zaid, 1970. Se reinventa una geometría decorativa propia de los años
20’s medio siglo después.
2. “The General” Cartel de proyección de película homónima de Bustes
Keaton de 1923. Diseño de David Lance Goines, 1973. Explora también en el
coor y la sensibilidad del dibujo de la época a la que alude.
3. “Mackintosh and the Glasgow Style” Cartel para exposición. Diseño
Shinoske

Los llamados “Diseñadores retro” de la década de 1980 se basaban en un


interés ecléctico por el diseño moderno europeo de la primera mitad del siglo
XX, desprecio por las normas de la tipografía adecuada,a la par que les fascina
las tipografías excéntricas diseñadas entre 1920 y 1930, y que cayeron al
olvido después de la guerra mundial.

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Izquierda. Cartel de los relojes Swatch. Paula Scher, 1985. Parodia un famoso cartel de la década de los 30 de Herbert
Matter.

Derecha. Portada del CSA Archive Catalog of Stock Art. Harles S. Anderon Desing Co. 1995.

Poesía Visual Europea en la Gráfica

Se suele llamar así a la convergencia de elementos improbables para crear una


nueva experiencia o provocar un impacto emocional insólito. Bajo esos
términos surge en Europa entre 1960 y 1990 un enfoque poético del diseño
gráfico, que se vale del collage, montaje y técnicas fotográficas y
fotomecánicas. Así estos poetas distorsionan el tiempo y la tipografía, fusionan
objetos, fragmentan imágenes como recursos de su lenguaje.

Para ellos el diseño es la invención de imágenes insólitas para transmitir ideas


o sentimientos. Rechazan lo convencional o previsible.

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Cartel Concierto Alabama Blues. Günter Kieser, 1996. La paloma es tomada como potente símbolo de anhelo de paz,
justicia y libertad, acorde con el mensaje de la música. Página de Twen. Willy Fleckhouse (director artístico) Un símbolo
fotográfico a toda página y el espacio en blanco crean un diagrama dinámico y expansivo.

Página de Twen. Willy Fleckhouse (director artístico) Un símbolo fotográfico a toda página y el espacio en blanco crean
un diagrama dinámico y expansivo.

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Portada y dobles páginas de “La Cantante Calva” de Eugene Ionesco. Robert Massin (Diseñador) y Henry Cohen
(fotógrafo) 1964. Para diagramar esta obra convergen la inmediatez gráfica del cómic con recursos expresivos de
poesía futurista.

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Cartel “Victoria 1945”. Shigeo Fukuda. 1975.


El cartel poético se expande a otros

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4.2.3 Estética Punk en la Gráfica y el Graffiti de Basquiat y Banksy.

Introducción al Post Modernismo

En términos sociales e históricos, no se llega a la modernidad con el comienzo


de la Edad Moderna en el siglo XV, sino tras la transformación de la sociedad
preindustrial, rural tradicional a la sociedad industrial y urbana moderna; que se
produce con la Revolución Industrial y el triunfo del capitalismo. La superación
de la sociedad industrial por la sociedad postindustrial se llama
postmodernidad. El término posmodernismo o posmodernidad designa
generalmente un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios
y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición
o superación del modernismo que se originan hacia finales de la década de los
70’s.

Luis Zevallos Hetzel, Motocicletas, Laca sobre nórdex, 1967, Museo de Arte de Lima.

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Post Modernismo

El Post Modernismo adquiere un compromiso riguroso con la innovación, el


progreso y la crítica de las vanguardias artísticas, intelectuales y sociales, al
que considera una forma refinada de teología autoritaria, el posmodernismo
defiende la hibridación, la cultura popular, el descentramiento de la autoridad
intelectual y científica y la desconfianza ante los grandes relatos.

Ahora bien, se preguntarán cómo ese escepticismo o esas ganas de liberación


de la “tiranía intelectual” de la modernidad llega al campo de las imágenes. Un
ejemplo del cuestionamiento temprano a los planteamientos de las vanguardias
lo encontramos en la historia de la imagen de la izquierda.

En la década de los 70’s la gráfica también comienza a cuestionarse muchos


postulados que la “modernidad” – que no se refiere al “modernismo” o Art
Nouveau – planteaba como inquebrantables, y comienza también a guardar
suspicacias con sistemas y códigos que se planteaban como universales.
Contribuye a esta visión los movimientos feministas, los periodos migratorios y
el clima creciente de diversidad cultural.

El posmodernismo cuestionaba el orden y la claridad del diseño modernista


que tanto había costado imponer desde la Bauhaus, sobretodo en el diseño
corporativo. Los modernistas desdeñaban las referencias históricas, la
decoración y el vernáculo, mientras para el posmodernista esas eran fuentes
inagotables para expandir sus posibilidades en la exploración de la imagen.

Wolgang Weingart. Anuncio para la revista Typografische., 1974.


Rompe con el orden de lectura de izquierda a derecha y de arriba abajo

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Cartel de Juegos Paralímpicos de Sydney 2000 y cartel para la obra “El Círculo de Tiza”. Ambos diseñados por Gitte
Kath. Texturas, colores, formas y contenidos se articulan en una unidad conceptual más allá de respetar una correcta
diagramación o si resulta llamativo en terminos convencionales.

Agnus Hyland. Sobrecyubiertas de la segunda serie Pocket Cannons de la Canongate. 1999

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Estética Punk

El movimiento punk es la subcultura que rodea a la música punk y los


aficionados a ella. Usualmente vinculada a outsiders por la cultura popular, las
prácticas culturales punks incluyen una serie de códigos de comportamiento,
lenguaje, vestimenta y temáticas que se han vuelto recurrentes y que los
distinguen. Su principal medio de expresión son los conciertos del género
("escena") y las publicaciones de aficionados ("fanzine") que incluyen
historietas, siempre desarrolladas en blanco y negro y con corte de crítica
social y también el estampado de polos o similares. Su estética busca ser
precaria, sin acabados prolijos y con una temática contestataria de acuerdo a
su filosofía. La visión que tienen es de NO FUTURE que ya para mediados de
la década del 70 tenía muchos jóvenes que veían como la sociedad se
enfrentaba a una crisis profunda. La industria musical cultural había generado
un cúmulo de grandes escenarios, donde mega estrellas pop llenas de luces,
vestuario y contratos millonarios con las grandes discográficas, simbolizaban la
realidad de un estilo de vida que no identificaba a muchos jóvenes que se
sentían a diario cada vez más marginados por el sistema.

Estética

La forma originaria del punk era un tipo de rock sencillo y ruidoso para
expresarse con sus propios medios y concepto, pero luego se busca una forma
de transgresión, buscando liberarse de los estigmas sociales. Esta rama no
daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido chocando,
ofendiendo y molestando al buen gusto, la moral y la tradición.

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La fotocopia y el collage al estilo “dadaísta” fueron ejes del movimiento Punk, que tuvo al Fanzine como su herramienta
mas popular.

Robert Crumb: Si no lo conoces, no conoces nada!

Artista estadounidense que destacó por su labor en la historieta, creando un


nuevo género, el llamado Cómix, o comic subterraneo. Cuyos temas, a
diferencia de los comics clásicos americanos, eran la sociedad, el sexo y la
política, caracterizado por un estilo muy directo, dibujo expresivo, rostros
semideformados. El padre de la corriente gráfica Subte, actualmente goza de
millones de seguidores que a través del comix expresan sus ideas.

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“Fritz el Gato” de Robert Crumb en 1965, fue uno de los primeros personajes underground que recoge estética y
temática punk. En 1972 hicieron la película, siendo la primera de éste estilo. No fue apta para
menores.

El Graffiti

Desde finales de los años sesenta, grupos de jóvenes de los barrios marginales de
Brooklyn y del Bronx en Nueva York empezaron a cubrir las paredes de los
espacios públicos (tapias, vallas publicitarias, andenes, túneles y vagones del
ferrocarril metropolitano) de garabatos y pintadas. Los más próximos a la love
generation se valían de esos espacios públicos para dar rienda suelta a su

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desencanto, a sus protestas, a sus desacuerdos con las estructuras sociales,


políticas y económicas de un sistema que les era absolutamente adverso.

Otros, huyendo de sus guetos, dejaban sus huellas o sus marcas anónimas en los
muros urbanos con actitudes despolitizadas e indiferentes al establishment y con la
única voluntad de afirmar su identidad y dar testimonio de su existencia en el seno
de un sistema que los tenía apartados.

Taki 183 fue uno de los primeros en poner su nombre en las calles de Nueva York
a finales de los años 60, su firma era una mezcla de su nombre y la calle donde
vivía, Taki 183, fue el primero en ser reconocido por los medios de comunicación
cuando en 1971 el New York Times publica un artículo sobre él. Poco tiempo
después muchos jóvenes imitaban a Taki 183 como Julio 204, Frank 207 y Joe
136

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PRIMER ARTICULO DE PRENSA


QUE EMPLEO' LA PALABRA
"GRAFFITI" EN LA HISTORIA DE
NUESTRA CULTURA. The New York
Times. December 8, 1972

En NYC, nosotros los que empezamos


a ESCRIBIR nombres en 1970,
llamábamos lo que hacíamos
WRITING'. Jamás llamamos lo que
hacíamos "Graffiti."

Esa infame y denigrante palabra "g" fue


el bautizo que el periódico New York
Times le aplicó a nuestro arte y Cultura
con este articulo en el 1972.

"Graffiti" es el plural del italiano "grafito,"


lo cual traducido al Español, es
"garabatos" o "rayones.“

Características conceptuales del Graffiti:

• Temática social, vocación de afirmación por medio de signos o


distintivos personales o grupales.

• Clandestinidad.

• Radicalismo ideológico.

Características sintácticas y formales:

• Superposición de imágenes en el espacio, no se considera el criterio de


zonificación.

• Empleo de recursos como el Stencil o el Quick (rápido) resultado de la


naturaleza clandestina e ilegal de la técnica y el estilo.

• Adaptación absoluta al formato, el contenido no condiciona jamás al


contorno.

• El color es variado pero predominan marcadamente los contrastes


cromáticos.

• Se emplea de igual manera el color plano como el volumétrico.

• La línea de contorno (legado del cómic) es muy distintivo del estilo

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Jean Michelle Basquiat

En 1979 un joven graffitero que vivía en las calles de Nueva York escribió en
un muro del barrio Soho “Samo is dead”. Creía estar abandonando el grafitti
por la música para siempre y dejaba estampado por última vez su seudónimo
como graffitero, pero todavía le quedaba mucho por pintar.

Fue a partir de 1980, aún siendo un vagabundo, cuando comenzó a dedicarse


principalmente a la pintura. J.M. Basquiat poseía una cierta curiosidad
intelectual y sentía una verdadera fascinación por el expresionismo abstracto.
A partir de 1982 inicia para Basquiat un verdadero camino hacia el éxito: se
multiplican sus exposiciones individuales y colectivas. Lamentablemente su
temprano fallecimiento en 1988 a los 27 años, nos privó de un gran artista que
logró incursionar elementos culturales primitivos (principalmente africanos y
americanos) bajo una estética de grafitti. Y a la vez conjugar todo ello en el
lienzo.

Jean Michel Basquiat

Pintura de Jean Michel Basquiat

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KEITH HARING

Pintor y activista estadounidense, se trata del más importante de los pintores de


graffiti de los años ochenta, nacido en Kutztown, Pennsylvania en 1958. Se volcó a
los graffiti, dibujando imágenes como las de los dibujos animados, hechas con un
rotulador directamente sobre anuncios en el metro de Nueva York.

A esto le siguieron una serie de historietas, hechas con tiza blanca sobre los
paneles negros del metro reservados para publicidad; la iconografía era una
mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, a los
que luego se sumaron otros elementos similares, que muchas veces convergen
para lograr una textura.

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BANKSY

Banksy es el seudónimo con el que se conoce al artista más representativo del


Street Art (arte callejero) en la actualidad, es un prolífico artista del graffiti
británico. Aunque no se tienen datos biográficos sobre él, se cree que nació en
una localidad cercana a Bristol en 1974 y que después se trasladó a la ciudad,
en donde pasó su juventud.

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Según el ilustrador y diseñador gráfico, Tristán Manco, uno de los que más ha
investigado sobre el arte urbano, se preparó para ser carnicero y se metió en
esto del Graffiti en los ochenta, en lo que se ha llamado el boom del aerosol.
Después, en los noventa, su fama empezó a correr como la pólvora, sobre todo
por sus enfrentamientos con el grafitero «jefe» en aquellos momentos, Robbo,
cuyo Graffiti del canal de Cadmen fue «redecorado» sucesivas veces por
Banksy, hasta que el estado de coma del primero hizo que Bansky terminara
el enfrentamiento rindiéndole un sincero homenaje

En su libro Wall and street cuenta cómo empezó en la pintura callejera, usando
espray aplicado directamente sobre la pared. Pero esta técnica requería
tiempo, lo que la hacía muy arriesgada ya que se trataba de un arte ilegal.
Debido a ello, comenzó a utilizar plantillas de cartón creadas por él mismo que
rociaba con un espray para coches y que le daban la rapidez que necesitaba
en la realización de los murales, haciéndolos más impactantes.

Su obra, hecha bajo la técnica del stencil, siempre polémica por utilizar íconos
reconocibles de la sociedad en situaciones aveces embarazosas, con una clara
intención social.

El 12 de julio de 2008 el periódico Mail on Sunday anunció haber descubierto


su identidad, identificándolo como Robin Gunningham, hecho que él siempre
ha negado. Según otros medios, su nombre real podría ser Robert Banks o
Robin Banks, pero esto parece más una mala interpretación de una broma
acerca de la semejanza entre este último nombre con la expresión inglesa
robbing banks (robando bancos). Sea como fuere, el misterio sigue
rodeándole.

El Street Art es el término inglés que describe el arte urbano que engloba todo
tipo de expresión artística realizada en la calle de forma ilegal. En un principio,
estas pinturas se desarrollaban en muros y vagones de tren y recibieron el
nombre de Graffiti. Su origen se sitúa en el Nueva York de los años 60, en los
guetos afroamericanos y latinos como reacción a la situación de opresión que

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vivían. Los primeros grafiteros compartían gustos en la música, el baile y la


vestimenta. Nace en la calle el llamado movimiento hip-hop. Posteriormente
derivaron en técnicas más artísticas como el stencil (estarcido), el póster, las
plantillas o las pegatinas.

Normalmente este tipo de arte lleva implícito mensajes políticos y crítica social,
las principales características de Banksy y sus obras: «Una pared es un arma
muy grande. Es una de las cosas más desagradables con las que puedes
golpear a alguien».

Sin duda esta es la foto que más impactó las conciencias de Occidente sobre la
guerra del Vietnam, marcó un hito en el rechazo social a la guerra, cambió la forma
de ver lo que sucedía en Vietnam y se convirtió por derecho propio en un símbolo e
icono del siglo XX, es la famosa foto de "la niña de Vietnam".

Banksy se apropia de este ícono para resignificarlo y actualizarlo en este graffiti.

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4.2.4 El Minimalismo, el Stop motion, la animación de Jan Svankmajer y


los nuevos soportes para el diseño y la revolución digital.

Frank Stella

El minimalismo es una corriente artística que sólo utiliza elementos


mínimos y básicos. Por extensión, en el lenguaje cotidiano, se asocia el
minimalismo a todo aquello que ha sido reducido a lo esencial que no
presenta ningún elemento sobrante o accesorio. La intención del
minimalismo, por lo tanto, es generar sentido a partir de lo mínimo. Esto
requiere simplificar los elementos utilizados, apelando a un lenguaje sencillo,
colores puros y líneas simples.

El filósofo inglés Richard Wollheim (1923-2003) es señalado como el


responsable de acuñar el concepto de minimalismo, en referencia a las obras
del norteamericano Ad Reinhardt y el francés Marcel Duchamp.

Los expertos sostienen que, como tendencia artística, el minimalismo surgió en


la década de 1960, concretamente en Nueva York, Estados Unidos, a partir
de una economía de medios, el uso de la abstracción, el purismo funcional y
estructural, la austeridad y la síntesis, desarrollándose en la década del 70.

Se considera que es una reacción en contra del expresionismo abstracto, de


manera explícita los artistas afirmaron que sus obras no son una expresión de
sí mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos, dentro de
este estilo minimalista destacan los siguientes rasgos: formas rectangulares y
cúbicas, que no son metáforas de nada, repetición, superficies neutras

Pintores y escultores fueron los primeros en volcarse al minimalismo, como


Reinhardt, Donald Judd, Dan Flavin y Robert Mangold. Más adelante el
minimalismo se extendió a la arquitectura (el movimiento De Stijl) y la música,
entre otros ámbitos. Destaca la figura de Frank Stella, Carl Andre y Dan Flavin.

El minimalismo también tiene su reflejo en una filosofía o forma de vida que


propone dedicarse a lo importante y descartar todo lo innecesario como camino
para alcanzar la realización personal.

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Frank Stella

Dan Flavin.

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Dan Flavin

Portada de álbum NEW de Paul McCartney (2013), bajo el estilo minimalista.

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Minimalismo en la gráfica:

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Stop motion

El stop-motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el


movimiento de objetos estáticos capturando fotografías. En general se
denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de
dibujo animado, esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron
creadas tomando imágenes de la realidad.

Hay dos grandes grupos de animaciones stop-motion: La animación de


plastilina (o cualquier material maleable), en inglés claymation, y las
animaciones de objetos (más rígidos).

La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando no hay una
figura definida, sino que las figuras se va transformando en el progreso de la
animación; o puede orientarse a personajes, que mantienen una figura
consistente en el transcurso del film.

También esta el go-motion que es un sistema de control que permite a miniaturas y


cámara realizar movimientos mientras se utiliza la animación fotograma a
fotograma o stop-motion.

Podría también definirse esta técnica como animación artesanal, debido a que se
construye el movimiento manipulando un objeto, con las propias manos, fotograma
a fotograma. Se trabajan diversos materiales (plastilina, arena, recortes de papel,
tizas sobre suelos y muros...) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad
alguna de retroceso.

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La animación de Jan Svankmajer


Jan Svankmajer, artista gráfico, escultor, diseñador y poeta surrealista checo. Mito
viviente de la industria de la animación y stopmotion

En sus películas, Svankmajer trabaja con muñecos, utilizando la técnica de


stopmotion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras
de arcilla, muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas.
Consigue crear un clima de pesadilla, lo que no impide que sus filmes sean, al
menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las obras de autores literarios
como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica del Doctor Fausto
(que ha servido de inspiración a muchos autores también).

Para dar a conocer su pensamiento artístico escribió en 1999 su Decálogo.

Animación de Jan Svankmajer

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Animaciones de Jan Svankmajer.

Ray Harryhausen, animador y prodfuctor en stopmotion, junto a su creación para la película Jason y los argonautas.

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Los nuevos soportes para el Diseño y la Revolución Digital.

A partir de la década del 70 empieza silenciosamente una revolución en las


comunicacioens con la creación de la computadora. Si bien al principio estuvo
enfocada hacia solamente grandes corporaciones, universidades, agencias
gubernamentales, con inmensas máquinas que podrían llenar una sola una
habitación, poco a poco la idea de “computadora personal” fue
popularizándose. Compañias como IBM, Olivetti, MIR, Kenbak Corporation,
Xerox, Altair, Apple Cumputer lanzaron sus versiones de computadoras
personales, es asi como se crea la necesidad de tener una computadora eb
casa. Esto afectaría fuertemente la industria no solo de la ciencia y tecnología,
sino también del diseño, las artes y las comunicaciones.

Cuando Apple computer lanza al mercado la Mackintosh en 1984, la primera


computadora personal con ratón y una interface gráfica, esto marcaría el rumbo
de todas las computadoras a venir. Al hacerse además de una alianza con
Adobe, daría inicio a la primera ola gráfica digital.

Antigua computadora.

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Computadora personal IBM

Steve Jobs y la Mackintosh de 1984.

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Los nuevos formatos: La página web. El blog, servidores de video y


música, las redes sociales

La revolución digital.

Las tecnologías y métodos utilizados “antiguamente” para transmitir la


comunicación visual se han ido modificando sucesivamente. Esta actividad,que
hoy conocemos como diseño gráfico, abarca muchos aspectos. El desarrollo y
evolución de los productos y servicios de las empresas y particulares han
crecido espectacularmente. Esto obliga a los entes a competir entre sí para
ocupar un sitio en el mercado. El Diseño Digital es el campo que conjuga la
informática con el arte visual del diseño grafico, donde se utilizan
computadoras tanto para generar imágenes visuales sintéticamente como
integrar o cambiar la información visual y espacial probada del mundo real, con
la finalidad de comunicar, atraer y salir victoriosos en la batalla frente a los
competidores en el medio publicitario y sus exigencias.

Con la finalidad de satisfacer las exigencias del mercado y las necesidades de


los diseñadores profesionales, así como el incremento de su productividad y
rendimiento es que se elaboran diversas herramientas, tanto software como
hardware.

Breve historia del internet: La página web.

La creación del internet se remonta al temprano desarrollo de las redes de


comunicación. La idea de conectar en red ordenadores es antiquísima. En
1962, J.C.R. Licklider del Massachusetts Institute of Technology, discute sobre
su concepto de Galactic Network (Red galáctica).

Las ideas de conexión global de los años 50 y 60, empiezan a implementarse


en la práctica a finales de la década del 80. Tecnologías que reconoceríamos
como las bases de la moderna Internet, empezaron a expandirse por todo el
mundo. En los noventa se introdujo al World Wide Web (www) o el “mundo
cubierto por una telaraña”, que se hizo mundialmente común.
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La infraestructura de Internet se esparció por el mundo, para crear la moderna


red mundial de computadoras que hoy conocemos. Atravesó los países
occidentales e intentó una penetración en los países en desarrollo, creando un
acceso mundial a información y comunicación sin precedentes, pero también
una brecha digital en el acceso a esta nueva infraestructura. Internet también
alteró la economía del mundo entero, incluyendo las implicaciones económicas
de la burbuja de las .com.

En un principio las páginas web eran sólo texto, pero a medida que ha
evolucionado la tecnología, tanto los ordenadores como las redes de
telecomunicaciones, se ha generado nuevas formas de desarrollar la web.

La inclusión de imágenes fue la evolución más significativa, pero también


debemos mencionar el video y la animación, o los espacios 3D, lo que aporta
valores estilísticos, de diseño y de interactividad jamás imaginados antes.

El diseño de páginas web se ha desarrollado a medida que ha evolucionado


Internet. En 1992 sólo había alrededor de 50 sitios web. Las últimas

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estadísticas nos confirmaban que actualmente rondan los 8.000 millones de


sitios web, a los que diariamente se les suma a raíz de 4400 por día.

Rápidamente, su importancia alcanzará las mismas cotas que la televisión o el


teléfono. Datos recientes estiman que hay alrededor de 2 mil millones de
páginas colgadas y se espera que en los próximos años llegue a los 8 mil
millones, excediendo el número de habitantes del planeta. Sin embargo, sólo
una fracción de este número es visitado habitualmente por la mayoría de los
usuarios (sólo alrededor de 15.000 sitios webs, el 0,4% del total).

Los diversos medios de publicación virtual: el blog, los servidores de


video y música y las redes sociales.

El boom del internet significó también la proliferación de “internautas” usuarios


cada vez mayores de este medio de comunicación, que no se conformaron por
observar pasivamente la información colgada, sino que empezaron a
interactuar, a publicar creando sus propias páginas.

Es el caso de las empresas, el internet se ha convertido en una herramienta


poderosa para posicionar una marca o empresa, hoy en dia existen muchas
compañías que no tienen lugar físico fijo pero si una muy interactiva web lo que
ayuda muchísimo en su posicionamiento ya que los usuarios actuales usan el
internet para todo. Una empresa que no considere a su web como eje principal
de marketing, difusión y posicionamiento está cavando su propia tumba. Asi
mismo, en el caso de la publicidad, el internet hoy es un arma poderosa de
persuasión

Un fenómeno de la última década es la aparición de plataformas para publicar


escritos, videos y música.

En el primer caso, el blog, también conocido como bitácora digital, ciber


bitácora, ciber diario, es un sitio web en el que uno o varios autores publican
cronológicamente textos o artículos, apareciendo primero el más reciente, y
donde el autor conserva siempre la libertad de dejar publicado lo que crea
pertinente. También suele ser habitual que los propios lectores participen
activamente a través de los comentarios. Un blog puede servir para publicar
ideas propias y opiniones de terceros sobre diversos temas. Los términos
ingleses blog y web blog provienen de las palabras web y log ('log' en inglés es
sinónimo de diario).

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Es muy frecuente que los weblogs dispongan de una lista de enlaces a otros
weblogs, a páginas para ampliar información, citar fuentes o hacer notar que se
continúa con un tema que empezó otro weblog. También suelen disponer de un
sistema de comentarios que permiten a los lectores establecer una
conversación con el autor y entre ellos acerca de lo publicado.

El uso o tema de cada blog es particular, los hay de tipo: periodístico,


empresarial o corporativo, tecnológico y educativo (edu blogs), políticos,
personales (variados contenidos de todo tipo) y otros muchos temas.

Las Redes Sociales

Los servidores de música. A lo largo de la primera década del 2000


aparecieron decenas de servidores que permitían colgar libremente música y
compartirla. Entre los más exitosos actualmente están Jamendo, Bandcamp y
Soundcloud.
Se entiende como red social a una estructura social, un grupo de personas que
se relaciona entre si. Enfocado al internet, las redes sociales son páginas que
permiten a las personas concetarse con sus amigos e incluso realizar nuevas
amistades, a fin de compartir contenidos, interactuar y crear comunidades
sobre intereses similares.: trabajo, lecturas, música, relaciones amorosas, etc.

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Ventajas de las redes sociales

• Favorecen la participación y el trabajo colaborativo entre las personas,


es decir, permiten a los usuarios participar en un proyecto en línea
desde cualquier lugar.
• Permiten construir una identidad personal y/o virtual, debido a que
permiten a los usuarios compartir todo tipo de información (aficiones,
creencias, ideologías, etc.) con el resto de los cibernautas.
• Facilitan las relaciones entre las personas, evitando todo tipo de
barreras tanto culturales como físicas.
• Facilitan la obtención de la información requerida en cada momento,
debido a la actualización instantánea.
• Facilitan el aprendizaje integral fuera del aula escolar, y permiten poner
en práctica los conceptos adquiridos.

Para qué sirven

Sin embargo, no todas las redes sociales son iguales. Ni sirven para lo mismo.
Cada red tiene un objetivo específico. Usar la red correcta para la tarea
correcta, y además hacerlo correctamente, es todo un arte: una nueva clase de
especialidad. A continuación describiré para qué sirven algunas de las redes
sociales más populares en nuestro medio: Twitter, Facebook, Flickr,
LinkedIny YouTube.

Twitter

Es un sistema web gratuito que permite a los usuarios enviar mensajes de texto
(también llamados tweets) de hasta 140 caracteres que se actualizan en tiempo
real.
Básicamente sirve para enviar y recibir mensajes de texto en tiempo real a
través de las redes sociales de Internet; es decir, Twitter ofrece al usuario la
posibilidad de explicar brevemente lo que está haciendo o lo que está
pensando justo en el momento en que ocurre, lo cual tiene varias aplicaciones
prácticas:

• Las empresas pueden informar sobre lanzamientos de nuevos productos

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o servicios.

• Las personas pueden dar a conocer eventos de actualidad, y a su vez


los receptores de las noticias pueden darlas a conocer también
(retweet), lo que resulta en la propagación de una noticia a veces más
rápida y efectiva que por medios tradicionales (prensa, radio, TV, etc.).

Facebook

Es una red social donde los usuarios pueden agregar amigos, enviar mensajes,
jugar juegos, formar grupos y construir un perfil propio.
Facebook es operado por, y propiedad privada de, Facebook, Inc. Desde
septiembre de 2006, cualquier persona mayor de 13 años con una dirección
válida de correo electrónico puede convertirse en un usuario de Facebook. La
audiencia de Facebook objetivo es más para un adulto que para una franja
demográfica de población joven. Los usuarios pueden añadir amigos y
enviarles mensajes, y actualizar sus perfiles personales para notificar a los
amigos acerca de sí mismos. Además, los usuarios pueden unirse a las redes
organizadas por el lugar de trabajo, la escuela o la universidad. El nombre del
sitio proviene el nombre coloquial de los libros dados a los Estudiantes al inicio
del año académico por las administraciones universitarias en los EE.UU. con la
intención de ayudar a los Estudiantes para llegar a conocerse mejor.

Youtube

Sitio web en el que los usuarios pueden colgar y compartir videos. Fue creado
por tres antiguos empleados de PayPal en febrero de 2005. En octubre de
2006 fue comprado por Google Inc. a cambio de 1650 millones de dólares.
Actualmente es el sitio web de su tipo más utilizado en internet.
En poco tiempo alcanzó la popularidad por su facilidad de uso y por permitir a

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cualquier usuario el colgar sus propios videos y difundirlo de manera sencilla y


masiva por la red. Los primeros videos colgados a youtube eran bastante
primitivos pero conforme fue ganando más adeptos y sobretodo apoyo de la
industria, actualmente constituye un a herramienta poderosísima de
información, hay series exclusivas que solo se transmiten por youtube, el cine
lo usa para difundir sus trailers y colgar sus películas online, los músicos y
cantantes de moda lo usan para estrenar sus video clips y también festivales y
obviamente la publicidad ha encontrado en el un excelente canal para
promocionar marcas, productos y servicios. Asi como videoblogs amateur(a
pesar del copyright existe en abundancia) Es asi como en los últimos 5 años se
ha desarrollado un nuevo tipo de paradigma, de celebridad virtual, el
“youtuber”, aquella persona que alcanza el éxito en su canal de youtube ya sea
por la música, cortos de videos o simplemente carisma que engancha con el
público.

YouTube mantiene una logística que permite localizar cualquier vídeo por
medio de las etiquetas de metadato, títulos y descripciones que los usuarios
asignan a sus vídeos, pero cuyo uso está restringido únicamente a los vídeos
alojados en YouTube. Sin embargo, a raíz de la compra de YouTube por parte
de Google, google video empezó a agregar a sus búsquedas los contenidos de
YouTube.
En junio de 2007 se dio un importante paso hacia la internacionalización del
sitio, al traducir su interfaz a diversos idiomas, entre ellos el español.

Linkedin

Una red social orientada a profesionistas y negocios. Es un gran recurso para


generar más tráfico hacia tu website y ganar más visibilidad para tu persona y
tu negocio, ganando así autoridad en tu sector.
El propósito del sitio es permitir a los usuarios registrados mantener una lista
de información de contacto de las personas que conocen y de confianza para
los negocios. La gente en la lista se denomina conexiones. Los usuarios
pueden invitar a cualquier persona (ya sea un usuario del sitio o no) para
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convertirse en una conexión.

Flickr

Es un sitio web donde los miembros de la comunidad pueden almacenar,


compartir y opinar sobre fotos y videos. El servicio es ampliamente utilizado por
los bloggers para alojar las imágenes que integran en blogs y medios de
comunicación social. Para octubre de 2009 habían alojadas más de 4 mil
millones de imágenes.

Los nuevos soportes digitales: Ordenadores, tablets y


celulares.

El desarrollo de la computadora no ha parado desde su masificación a finales


de los 70. La Mackintosh de Apple significó un paradigma por sus innovacioens
técnicas pero poco después la empresa Microsoft de Bill gates se dueña de
casi la mayoría de usuarios de computadoras en el mundo. Esto debido a su

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bajo costo y la posibilidad de tener el sowfware del sistema operativo primero


MS-DOS y luego WINDOWS 1.0 en 1985 en toda computadora compatible,
algo que Apple no permitía pues siempre ha sido muy conservadora con el
software y hardware, considerando ambos parte de un todo. Mientasr que
Microsoft dio carta libre a las empresas de fabricación de computadoras a
adquirir su software e incluirlo en el paquete de venta. Microsoft tuvo un perido
de gran auge con la salida de sus versiones de Windows 3.1, 95, 98, XP, 7 y
actualmente Windows 8(y más recientemente 8.1). las versiones más recientes
han sido concebidas con la idea de no solo servir en un ordenador, sino
también en las tablets y celulares.

Por su lado Apple tuvo un inicio contundente pero luego de la salida


intempestiva de Steve Jobs, su co-fundador, la empresa pasó por un periodo
tambaleante, hehco que casi la lleva a la quiebra en 1997, hasta que el mismo
equipo ejecutivo que echó a Jobs lo reintegró a la empresa, esta vez a la
cabeza como CEO. Tras su regreso se produjo quizás uno de los más grandes
acontecimientos de fin de siglo en el mundo de la informática. EL lanzamiento
de la renovada Mackintosh: iMac, una computadora limpia tanto en diseño
externo como en ingeniería de software. La empresa siguió siendo reservada
en otorgar licencias de su sistema operativo a cualquiera, pero esta vez este
aspecto, en lugar de debilidad, se convirtió en una gran fortaleza. El sistema
operativo Apple llamado iOS se caracteriza por ser extremadamente fácil e
intuitivo para el uso, de sus altas defensas contra los virus y por su belleza. EN
lso años venideros de la primera década del 2000 se lanzaron cada vez nuevas
y mejoradas versiones. En el 2009 lanzan una iMac de aluminio, de diseño
minimalista y elegante, y desde entonces cada nueva computadora ha seguido
ese patrón de diseño. Además de desarrollar el Magic mouse, un ratón con la
tecnología multitouch que hace de la experiencia de navegar mucho más
sencilla.

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En cuanto a las tablets, fue Apple quien inició el negocio al presentar el iPad en
el año 2010, el Tablet fue creado para el consumo de contenidos: música,
libros, periódicos, fotos, videos, juegos, etc. Pero poco a poco con las nuevas
aplicaciones, que también se ha convertid en una industria, uan persona es
capaz de crear usando la Tablet como herramienta. Todo ello con la tecnología
de conexión inalambrica a internet.

Los reproductores de música y los celulares inteligentes:

Nuevamente fue Apple quien lanza el 2001 el iPod, un aparato que almacena y
reproduce más de 1000 canciones y lo mejor es que cabe en el bolsillo. Esto
significó una revolución para la industria de la música, pues como se sabe,
para consumir música había la necesidad e adquirir el cassette o el disco,
aparte del reproductor de los mismos, que eran de un considerable tamaño. Lo
que propone el iPod es la comodidad y eficiencia en la palma de la mano. Tuvo

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repercusión en al industria discográfica pues ahora si se consumía la música


digitalmente, donde quedarán los discos? Claro, existía y existe aun la
descarga ilegal, los reproductores Mp3 ofrecian música digital también pero de
baja calidad y no almacenaban lo suficiente. Poco tiempo después del
lanzamiento del iPod se constituyen webs, entre ellas iTunes del mismo Apple,
que venden música a precio cómodo y sin ser ilegal. El iPod sufrió varias
transformaciones, hasta llegara su modo actual: el iPod touch, hermano mellizo
del teléfono inteligente: el iPhone.
El iPhone hace su aparición nuevamente de la mano de Steve Jobs en el 2007.
Es presentado al público como el teléfono inteligente que revolucionará el
mercado. Y en efecto, es un aparato que permite, aparte de hacer llamadas,
almacenar música, fotos y videos, navegar por internet, mapas, juegos, mandar
correos electrónicos, etc. Aparte de contar con una nueva tecnología, la “touch”
donde hay una pantalla grande sin botones, ellos aparecen simplemente
cuando es necesario dentro de la misma pantalla, y además el teléfono corre
con el sistema operativo de una Mac, el iOS, lo que la hace compatible y se
puede sincronizar con ella. A raíz de éste éxito las demás empresa de
compañía móvil lanzan sus propias versiones de “Smartphone” unos mejores
que otros, siendo Samsung actualmente el más destacado, en avances incluso
habiendo superado a Apple. Microsoft sacó su propia versión llamado el
Windows Phone.

Las nuevas técnicas y tecnologías en el diseño.


Los software de diseño

Como dijimos anteriormente, el desarrollo de la computadora trajo consigo una


revolución en el consumo de la información y también en el diseño. Los
programas o software para diseño gráfico comenzaron a gestarse a mediados
de los 80, y cada año sacaban nuevas y mejoradas versiones. Es asi como
hasta la fecha infinidad de programas han ido evolucionando a la par que se

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han ido descubriendo nuevas técnicas para la carrera del arte y el Diseño. Un
diseñador gráfico de estos tiempos es aquel que domina la parte conceptual y
estética de una pieza de comunicación gráfica y que también es capaz de
hacerla realidad bajo los medios tradicionales estudiados (collage, tipografía,
ilustración) y los medios digitales contemporáneos a través de los programas.
Dentro de la gran lista de programas de diseño editorial, corporativo y de
imagen destacan los siguientes:
Adobe Illustrator. Es un programa graficador, característico por la utilización
de nodos y vectores, En él se puede desde diseñar un afiche hasta un folleto
de varias páginas, también se puede ilustrar “vectorialmente”. Permite una
variedad de formatos exportables para ser consumidos en diversos medios
digitales. Es parte de la familia Adobe master collection.
Adobe Indesign. Es un programa diagramador, especialista en preparar
revistas, libros y follettos grandes ya que cuenta con un sistema único y
ordenado de creación de páginas. Al igual que en el illustrator pueden dibujarse
vectores. Se pueden elaborar asi mismo libros tanto físicos como digitales, con
el uso de botones interactivos. Es parte de la familia Adobe master collection.
Adobe Photoshop. Otro de la familia Adobe, especializado en retoque de
fotos, dibujo, pintura. Cuenta con una amplia gama de creación de efectos para
fotografía y destaca el uso de sus múltiples capas.
Corel Draw. Es un programa parecido al Illustrator, su tecnología en nodos y
vectores es muy avanzada, permite al igual que el illustrator hacer afiches,
folletos e ilustraciones vectoriales.
Corel Photo Paint: Programa similar al Photoshop, permite crear efectos en
una imagen, dibujar y pintar en modo Bitmap.

Clasificación de herramientas:
Procesado de Gráficos 2D
Hay dos acercamientos a la gráfica 2D, el vector y el gráfico raster. La gráfica
de vector almacena datos geométricos precisos, topología y estilo como
posiciones de coordenada de puntos, las uniones entre puntos (para formar
líneas o trayectos) y el color, el grosor y posibles rellenos de formas. La mayor
parte de los sistemas de vectores gráficos también pueden usar formas
Primitivas geométricas de forma estándar como círculos y rectángulos, etc. con
la finalidad de facilitar el trabajo editándolas según la necesidad especifica. En
la mayor parte de casos una imagen de vectores tiene que ser convertida a una
imagen de trama o raster para ser vista.

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En este escalón podemos citar herramientas de software como Corel Draw,


Adobe Illustrator, Adobe Flash, etc. Los gráficos de tramas o raster (llamados
comúnmente Mapa de bits) es una rejilla bidimensional uniforme de pixeles.
Cada pixel tiene un valor específico como por ejemplo brillo, transparencia en
color o una combinación de tales valores. Una imagen de trama tiene una
resolución finita de un número específico de filas y columnas.

Las demostraciones de computadora estándares muestran una imagen de


trama de resoluciones como 1280 (columnas) x 1024 (filas) pixeles. Hoy uno a
menudo combina la trama y los gráficos vectorizados en formatos de archivos
compuestos (pdf, swf, svg). Una herramienta que podemos citar es el Adobe
Photoshop.

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Procesado de Gráficos 3D

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Con el nacimiento de las estaciones de trabajo (como las máquinas LISP,


Paintbox computers y estaciones de trabajo Silicon Graphics) llegaron los
gráficos 3D, basados en la gráfica de vectores. En vez de que la computadora
almacene la información sobre puntos, líneas y curvas en un plano
bidimensionales, la computadora almacena la posición de puntos, líneas y
típicas caras (para construir un polígono) en un Espacio de tres dimensiones.
Los polígonos tridimensionales son la sangre de prácticamente todos los
gráficos 3D realizados en computadora. Como consiguiente, la mayoría de los
motores de gráficos de 3D están basados en el almacenaje de puntos (por
medio de 3 simples coordenadas dimensionales X, Y, Z), líneas que conectan
aquellos grupos de puntos, las caras son definidas por las líneas, y luego una
secuencia de caras crea los polígonos tridimensionales.

El software actual para generación de gráficos va más lejos de sólo el


almacenaje de polígonos en la memoria de la computadora.

Las gráficas de hoy no son el producto de colecciones masivas de polígonos en


formas reconocibles, ellas también resultan de técnicas en el empleo de
Shading (Sombreadores), texturing (Texturizado o mapeado) y la rasterización
(En referencia a mapas de bits). En este rubro podemos citar herramientas
como 3D Studio Max, Google SketchUp Pro, Blender, Maya, LightWave 3D,
ZBrush, etc.

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Hardware periférico
Cada vez más, los avances tecnológicos tienden al acercamiento entre el
hombre y la computadora; primero el teclado, luego el mouse, más tarde las
tabletas gráficas para los diseñadores e ilustradores y “escultores digitales”, la
Wacom Cintiq 21ux, una tableta grafica/digitalizadora con lápiz sensible a la
presión.
ZBrush, la herramienta intuitiva de escultura digital que combina el 3D / 2,5 D
de modelado, texturado y pintura, es totalmente compatible con este nuevo
lanzamiento. La tableta puede llegar a una precisión de 1024 niveles de
sensibilidad de presión, haciendo más suave y manipulable el modelado. La
pantalla alcanza una resolución de 1280X1024 con 24 bits de color y
27ms/píxel de velocidad de respuesta. Los recursos digitales nos proporcionan
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herramientas de diseño con múltiples posibilidades por explorar. Desde la


década de los 80’s múltiples diseñadores han venido ampliando los horizontes.

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El media Art:

La voz inglesa new media art se traduce comúnmente como «arte de los
nuevos medios» y suele utilizarse indistinta y simultáneamente junto a otros
términos como «media art», «arte electrónico», «arte multimedia» o «arte
interactivo» para referirse, en términos comunes, al arte que aplica nuevas
tecnologías a las prácticas artísticas. En el contexto artístico, los medios hacen
referencia a los materiales, metodologías, mecanismos, tecnologías o aparatos
mediante los que se realiza una obra de arte.
En su libro El Lenguaje de los Nuevos Medios de Comunicación, Lev Manovich
define los nuevos medios como aquellos que implican al ordenador (las
tecnologías informáticas) en cualquiera de las fases de la comunicación, sea la
captación, la manipulación, el almacenamiento o la distribución, y que afectan a
todos tipo de medios, ya sean textos, imágenes fijas o en movimiento, sonido o
construcciones espaciales.

El new media art es una corriente artística contemporánea que abarca un


conjunto heterogéneo de manifestaciones y prácticas que no sólo emplean las
TIC como herramientas de producción, sino también de experimentación
estética y reflexión crítica, redefiniéndolas como medios artísticos.

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Así, podríamos decir que el término new media art «describe un proceso en el
que las tecnologías existentes y las nuevas y emergentes son usadas por los
artistas para crear obras que exploran modos de expresión artística, desde el
arte conceptual al virtual, a través de la performance o la instalación y que
integran los nuevos medios tanto en cómo se concibe y crea la obra (o un
componente de la obra) como en el modo en que se presenta al público»

El Mapping 4D:

El llamado video mapping es mejor definido como técnica, en la que se


proyectan imágenes sobre superficies reales para conseguir efectos de
movimiento o tercera dimensión (3D). Generalmente estos ejercicios se llevan
a cabo en edificios o monumentos, de diversos tamaños, con el objetivo de
brindar un mensaje, siendo el más común la publicidad.

La imágenes proyectadas suelen ser acompañadas de efectos visuales y


sonoros que dan gran impulso a lo que termina siendo un verdadero
espectáculo fuera de lo común.

La manera de atraer la atención del espectador es lograr que un objeto


inanimado cobre vida a través de la proyección de imágenes secuenciales; si
pensamos en un edificio, sobre toda la fachada se realiza la proyección, y aquí
se tiene en consideración puertas, ventanas, balcones, columnas y más
detalles arquitectónicos, los cuales pueden ser usados como parte la misma
obra artística que se aprecia en tiempo real.

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El Cinemagraph.

Es una especie de híbrido entre fotografía y video, con formato GIF, creado por
el fotógrafo Jamie Becky el diseñador web Kevin Burg. Beck lo definió como
«algo más que una fotografía pero menos que una película». El resultado:
fotografías en movimiento. A lo Harry Potter. El cinemagraph, popularizado
sobre todo a través de Tumblr, supone la culminación del GIF, ese tipo de
archivo de segunda que empezó su andadura en Internet como estrella del
banner publicitario y ha acabado sus días como vehículo de memes y bromas
virales.
Pero cinemagraph no es exactamente igual a GIF. En este último la animación
es total, mientras que en el primero es solo una parte de la imagen la que se
mueve, lo que da esa sensación de fotografía en movimiento. El cinemagraph
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nació vinculado a la moda y al diseño: ante todo es un formato puramente


artístico, de una calidad altísima. Con un leve movimiento, su magia consiste
en meter al espectador dentro de la fotografía.
Uno de los artistas destacados ‒español, para más señas‒ es Ibon Mainar, que
ha usado el GIF para hacer una curiosa reinterpretación de la obra de Edward
Hopper. Mainar es consciente del escaso interés que de momento despierta
este tipo de obras en el mundo del arte; sin embargo, en la red es otra historia.
Dice Mainar: «Nunca podré aspirar a que en una galería vean mi trabajo
12.500 personas, sin embargo uno de mis GIF se reblogueó ese número de
veces. Hay Gifs que se expanden cientos de miles de veces por la red y eso
me hace reflexionar sobre si es el arte el que está al margen de lo digital. Creo
que con lo digital, los GIFs, net.art, etc… arte que el propio artista cuelga en la
red, existe una relación más sincera con el público». Menuda reflexión sobre el
arte a cuenta del GIF.

El Pixel Art:
El pixel art es una forma de arte digital, creada a través de una computadora
mediante el uso de programas de edición de gráficos rasterizados, donde las
imágenes son editadas al nivel del pixel. Las imágenes de la mayor parte de los
antiguos videojuegos para PC, videoconsolas y muchos juegos para teléfonos
móviles son consideradas obras de pixel art. Posee similitudes con el
puntillismo difiriendo principalmente en las herramientas para la creación de las
imágenes: computadoras y programas en lugar de pinceles y lienzos.
La terminología pixel art fue publicada por primera vez en 1982 por Adele
Goldberg y Robert Flegal del Centro de Investigación de Xerox en Palo Alto.

El pixel art se divide comúnmente en isométrico y no isométrico. El estilo


isométrico es dibujado casi en una proyección dimétrica isométrica. Esto se ve
mucho en juegos para producir la sensación de un entorno tridimensional sin

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usar una computadora con verdadero potencial para producir gráficos en 3D.
Técnicamente, un ángulo isométrico debería ser de 30 grados desde la
horizontal, pero esto no produce un buen resultado en pixel art ya que los
píxeles en estas líneas no siguen una sucesión regular. Para solucionar esto,
se toman pendientes de una razón de 1:2 píxeles, llevando a un ángulo de
aproximadamente 26,565 grados (arcotangente de 0,5)
El pixel art no isométrico es todo aquel que no entra en la categoría de pixel art
isométrico, y usa vistas de frente, de lado, desde encima o en perspectiva.

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El Go Motion.

Es una variante del stopmotion para la animación de modelos en frente de una


cámara. Es una técnica creada por ILM (industrial light & magic) la empresa de
efectos especiales de George Lucas. El Go Motion utiliza tecnología informática
y la aplica a los principios del Stop Motion, lo que se hace es utilizar un muñeco
(animatronic) para realizar movimientos suaves, mientras se fotografía paso a
paso, esto genera un "efecto de blur" (movimiento difuminado) en cada
movimiento.

Phil Tippet el productor de ILM es el creador del Go Motion, el motivo para


crearla fue que para la película Star Wars: El Imperio Contraataca, el
movimiento de naves y robots no quedaban naturales solo con el Stop Motion,

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ya que generaba movimientos muy bruscos y poco naturales al solo


fotografiarse objetos estáticos, además de no generar una sensación de
velocidad. Entonces Phil Tippet mezclo lo sutiles movimientos de los muñecos
animatronics y fotografió cuadro a cuadro para dar sensación de velocidad con
el difuminado.

Esta técnica ha sido usada en películas como Dragoslayer del director


Matthew Robbins, Star wars: El Imperio Contraataca, ET, El Laberinto del
Fauno del director Guillermo Del Toro. También se quiso utilizar el Jurasic
Park, pero finalmente Steven Spielberg decidió usar efectos CGI (animación
digital).

El Motion Capture(MOCAP)

O también conocido como MOCAP, es un sistema de captura de movimiento


mediante sensores que permiten la grabación de movimiento de actores o
animales vivos y los traslada a una animación digital en computadora. Motoriza
todos los movimientos de los actores que requieren algún tipo de animación
posterior. Como explica ILM, la empresa que se encargó de la animación de
Piratas del Caribe: En el fin del mundo, crear un personaje con un realismo tan
alto como el de Davy Jones no habría sido posible sin el motion capture. De
hecho, fue nombrado por Entertainment Weekly el segundo personaje más
convincente de la historia del cine animado por ordenador, después de King
Kong. Gracias a él podemos disfrutar de personajes fantásticos con
comportamiento humano.

Simplifica el proceso de producción saltándose la etapa del maquillaje. Se basa


en las técnicas de fotogrametría y se utiliza principalmente en la industria del

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cine de fantasía o de ciencia ficción, en la industria de los videojuegos o


también en los deportes, con fines médicos. En el contexto de la producción de
una película. se refiere a la técnica de almacenar las acciones de actores
humanos, y usar esa información para animar modelos digitales de personajes
en animación 3D.

La Post fotografía.

La fotografía alcanzó un punto fundamental de madurez durante las


vanguardias comprendidas entre 1925 y 1945; en los sesentas tuvo en el
posmodernismo un terreno ideal donde el arte conceptual le acogió y elevó a
un medio de expresión de cualidades inigualables.

Para el finales de los ’70s e inicios de los ’80s la reflexión teórica, intelectual,
despegaba con aplomo en figuras como Susan Sontag o Roland Barthes. En
paralelo se va consolidando la tecnología para crear imágenes fotográficas de
modo electrónico en un entorno digital. A partir de ese momento la fotografía
inicia un segundo momento crucial

En el siglo XXI la fotografía sigue más viva que nunca, sin embargo su manera
de hacerla, difundirla y entenderla ha cambiado de manera profunda. Pero no
se trata exclusivamente de la evolución tecnológica que supone el cambiar los
haluros de plata por un sensor electrónico y sensible a la luz, fabricado con
silicio: casi a la par de la fotografía digital vino otra revolución: la del Internet.
Sin embargo, hasta que se rebasó la frontera del siglo XXI ambas tecnologías
llegaron a un punto de madurez y de difusión generalizada.

La proliferación de dispositivos móviles que combinan una poderosa


computadora conectada a Internet por vía inalámbrica y una cámara
incorporada, que lo mismo registra fotografía fija que video, ha puesto en
manos del gran público posibilidades cuyos alcances apenas comenzamos a
comprender. A este fenómeno de la fotografía digital y sus cambios en el

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HISTORIA DEL ARTE Y DISEÑO CONTEMPORÁNEO (2323)

paradigma socio-cultural comenzó a llamársele Postfotografía.

Joey Lawrence

Claudia Laudanno explica que “El término postfotografía describe un conjunto


categorial más amplio, en el que se inscriben todos los fenómenos recientes de
reproducción cibernética y masmedática de la imagen analógica. Allí, los
códigos icónicos, iconográficos y semánticos, se someten a una serie infinita de
contaminaciones, travestismos e hibridaciones de géneros. La imagen es ahora
intervenida, modificada, re-confeccionada. En este sentido, como sistema
significante, la fotografía contemporánea no sólo concierne a la simple
reproducción automática del mundo, sino también a su re-instalación ficcional.
[…] [La postfotografía es un] término con el que se acuña el caudal de
imágenes que desde cámaras, teléfonos móviles o tabletas se realizan a diario
y que todavía necesitan ser definidas en su ontología. La postfotografía desafía
la ontología de la fotografía analógica y abre la puerta a un complejo espacio
creado por las tecnologías, sistemas de representación y las prácticas artísticas
y cinematográficas contemporáneas que tienen a lo digital como su seña de
identidad.”

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