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Facultad de Arquitectura

Universidad de San Carlos


Historia de la Arquitectura y El Arte II

Tema

“Fauvismo y Art Noveau”


Documento de lectura copilación del
Arte del siglo XIX

Guatemala, agosto 2010

Arq. Claudia Lorena Gramajo


Universidad de San Carlos de Guatemala
Facultad de Arquitectura

Fauvismo

Movimiento pictórico francés de escasa duración (entre 1904 y 1908, aproximadamente) que
revolucionó el concepto del color en el arte contemporáneo. Los fauvistas rechazaron la paleta
de tonos naturalistas empleada por los impresionistas en favor de los colores violentos,
introducidos por los postimpresionistas Paul Gauguin y Vincent van Gogh, para crear un mayor
énfasis expresivo. Alcanzaron una intensa fuerza poética gracias al fuerte colorido y al dibujo de
trazo muy marcado, desprovisto de dramatismo lumínico.

El término fauves, literalmente ‘fieras’, fue una etiqueta peyorativa aplicada por la crítica con
motivo de la primera exposición, en el Salón de Otoño de 1905, aunque los miembros del grupo
ya pintaban en ese estilo con anterioridad a esta fecha. Sus integrantes fueron André Derain,
Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Georges Braque, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy,
Emile Othon Friesz y Henri Matisse, su principal exponente. El término fauves nunca fue
aceptado por los propios pintores y, de hecho, no describe de ningún modo su intención subjetiva
ni el lirismo de sus imágenes.
Puente de Londres

Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno,


MOMA, Nueva York), de André Derain, presenta la
perspectiva distorsionada, pincelada libre y fuerte
colorido característicos de los pintores fauvistas.

© 1998 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP,


Paris./THE BETTMANN ARCHIVE1

Técnicamente, el uso fauvista del color derivó de los experimentos realizados por Matisse en
Saint-Tropez durante el verano de 1904, donde contactó con los pintores que aplicaban
pequeñas manchas de color puro para conseguir una imagen óptica más científica que la de los
impresionistas. Los cuadros neoimpresionistas de Matisse, mientras siguió estrictamente estas
reglas, ya mostraban un pronunciado interés por el lirismo del color.

En el verano de 1905, Matisse y Derain pintaron juntos en Collioure con “una luz dorada que
elimina sombras”. Empezaron a usar los colores complementarios puros, en pinceladas
vigorosas y uniformes, obteniendo así campos lumínicos más que representaciones objetivas de
la luz. Con su colorido estridente, estos cuadros evocan en el espectador el espíritu del
Mediterráneo. Cuando ambos conocieron las pinturas de los mares del Sur de Gauguin, se
confirmaron en sus teorías sobre la subjetividad del color y se consolidó el movimiento fauvista.

Matisse rompió definitivamente con la representación naturalista (óptica) del color: la nariz de
una mujer puede representarse con una mancha verde si con ello se añade expresividad a la
composición. “Yo no pinto mujeres, pinto cuadros”, dijo textualmente este artista.

1"Puente de Londres", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft


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Arte naïf

Término utilizado para calificar la producción pictórica, escultórica o arquitectónica elaborada


por una persona que, por lo general, no posee formación artística previa. En la mayoría de los
casos los artistas naïf han sido autodidactos. Se han utilizado numerosas expresiones para
calificar a este arte (arte innato, arte instintivo, neoprimitivismo) y a sus autores (pintores
ocasionales, maestros populares de la realidad, primitivos modernos), pero ninguna de ellas
parece totalmente satisfactoria. Si el arte naïf está, por lo general, al margen de la historia de los
estilos, escuelas o vanguardias, sin embargo, sus autores, aunque no hayan recibido formación
académica alguna, no viven fuera del mundo y son sensibles a sus orígenes, a las artes y
tradiciones populares (forja, cerámica, madera, tejidos, bordados, encajes) o a modelos
académicos ampliamente difundidos, desde los calendarios de correos de antaño a los catálogos
y la publicidad del mundo moderno.

El primer arte naïf, el del mundo rural, se inspiraba a menudo en la imaginación creadora de
los artesanos que vivían en un entorno relativamente autárquico. Este arte desapareció con el
inicio de la producción en serie durante la Revolución Industrial y, aunque durante mucho tiempo
fue despreciado, posteriormente se vio revalorizado por el romanticismo y las reivindicaciones
nacionalistas del siglo XIX antes de pasar a convertirse en objeto etnográfico. El arte naïf de
finales del siglo XIX y de principios del siglo XX, muy diferente al anterior, estuvo íntimamente
ligado al desarraigo urbano: añoraba la naturaleza perdida concebida como idílica desde una
visión nostálgica del pasado y buscaba sus orígenes bíblicos, mitológicos, exóticos, legendarios,
oníricos y a veces surrealistas. Este arte no deseaba representar la vida cotidiana ni tuvo
ambiciones revolucionarias, sino que buscaba una representación sencilla y, en ocasiones,
idealizada del mundo.

Entre los más destacados representantes de este arte se encuentra el pintor francés Henri
Rousseau, conocido como el Aduanero. Movimientos vanguardistas como Der Blaue Reiter
subrayaron, además, la importancia del naïf en la evolución del arte moderno. La exposición
universal de París de 1937 dio a conocer a muchos de estos artistas. Después de la II Guerra
Mundial se multiplicaron las exposiciones: Baden-Baden en 1961, París y Rotterdam en 1964, la
exposición itinerante de artistas naïf americanos en 1967-1968, Zurich en 1975 y la retrospectiva
de Rousseau en 1984-1985 en el Grand Palais de París.

Actualmente son numerosos los pintores naïfs reconocidos en Europa: Aristide Caillaud en
Francia, Orneore Meteli en Italia, Miguel Vivancos en España y Théophilos Hadzimichael en
Grecia. En los países socialistas, con un arte ligado al folclore nacional, se han desarrollado
verdaderas escuelas de pintura naïf, con el georgiano Niko Pirosmanachvili en Rusia e Ivan
Generalic en Yugoslavia. En Estados Unidos, el movimiento naïf tuvo su máxima expresión en la
tradición artística de los pioneros y de los retratistas ambulantes, siendo Edward Hicks uno de
sus representantes más destacados. En América Latina, el arte naïf, siempre relacionado con las
tradiciones ancestrales, está a menudo ligado a diversos cultos animistas. Existen diferentes
museos dedicados a este estilo artístico, como el de Laval, ciudad natal de Rousseau.2

Art Nouveau

2"Arte naïf", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft Corporation.


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INTRODUCCION

El Art Nouveau, cuyos antecedentes pueden encontrarse en el arte de los prerrafaelistas


e incluso en el poeta visionario del siglo XVIII William Blake, surgió como consecuencia de los
postulados del movimiento Arts & Crafts, fundado por William Morris en 1861. A la vista del
incremento de la producción en serie, y de la mala calidad de los diseños y la realización que ello
conllevaba, este movimiento pretendió recuperar los diseños y la elaboración de buena calidad.
Basándose en los postulados del Arts & Crafts, el Art Nouveau los reelaboró para crear un estilo
completamente nuevo que, en oposición al historicismo ecléctico de la época victoriana, no
hiciera referencia a estilos del pasado.

Art Nouveau

Modernismo (arte), denominación que literalmente significa ‘arte nuevo’ y se utiliza para
designar un estilo de carácter complejo e innovador que se dio en el arte y diseño europeos
durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del siglo XX. En España se denominó
modernismo, en Alemania Judendstil y en Austria Sezessionstil. En Italia se conoció como Stile
Liberty, en referencia a la tienda de Arthur Liberty, que había sido decisiva en la difusión del
estilo por el continente europeo.

Vasijas de Tiffany

Estas vasijas están realizadas en vidrio Favrile, inventado a


finales del siglo XIX por Louis Comfort Tiffany. El aspecto sedoso
e irisado de este material translúcido quedó estrechamente
relacionado con el estilo Art Nouveau.
Bridgeman Art Library3

Se manifestó en un amplio abanico de formas artísticas —arquitectura, interiorismo,


mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e ilustración de libros— y se caracterizó por su
tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes semejantes a latigazos. El término se tomó de La
Maison de l’Art Nouveau, tienda que abrió el marchante Sigfried Bing en París en 1896.

3"Vasijas de Tiffany", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft


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Isolda

Isolda es una ilustración realizada a finales del siglo XIX


por el grafista inglés Aubrey Beardsley. El estilo Art
Nouveau se aprecia en el predominio lineal, las formas
estilizadas y el empleo de tintas planas.

Bridgeman Art Library4

El Art Nouveau se caracteriza por utilizar líneas curvas muy largas basadas en sinuosas
formas vegetales y con frecuentes elementos fantásticos. Fue, sobre todo, un estilo decorativo y
como tal se utilizó con gran éxito en metalistería, joyería, cristalerías e ilustración de libros, en los
que queda patente la influencia de los grabados japoneses.

El beso

El artista austriaco Gustav Klimt representó la pasión


amorosa en su cuadro El beso (1907-1908,
Österreichische Galerie de Viena). En él se aprecia el
interés de Klimt por los mosaicos, los contornos
curvilíneos y las composiciones bidimensionales. El
erotismo del tema también es característico de la
secesión vienesa, un movimiento fundado por este
pintor y estrechamente ligado al Art Nouveau.

Erich Lessing/Art Resource, NY5

4"Isolda", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft Corporation.


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5
"El beso", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft
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Glasgow School of Art

La Glasgow School of Art (Escuela de Arte de Glasgow),


proyectada por Charles Rennie Mackintosh y concluida en
1909, es uno de los mejores ejemplos de arquitectura Art
Nouveau. Entre sus características más relevantes están
las cancelas de hierro forjado, los grandes ventanales y la
biblioteca de doble altura.

Bridgeman/Art Resource, NY6

Por lo general, se considera que los más antiguos ejemplos de Art Nouveau son las obras del
arquitecto inglés Arthur Mackmurdo, en especial su silla diseñada en 1882 y el grabado para la
cubierta de un libro (Las primeras iglesias de Wren) de 1883. Ambos ejemplos muestran las
líneas ondulantes que habrían de convertirse en sello distintivo del movimiento. Los diseños
textiles que Arthur Liberty vendía en su famosa tienda londinense, fundada en 1875, y las
ilustraciones de Aubrey Beardsley —en particular las que hizo para el Yellow Book (El libro
amarillo) en 1894 y para Salomé (1894) del escritor inglés Oscar Wilde— llevaron al Art Nouveau
inglés a sus más altas cimas. Las exposiciones anuales de la Sociedad de Exposiciones Arts &
Crafts, que comenzaron en 1888, ayudaron a la difusión de este estilo, y una revista nueva, The
Studio (fundada en 1893), contribuyó a su divulgación por Europa.

Casa Batlló

La fachada colorista y sinuosa de la


casa Batlló, construida por el arquitecto
catalán Antoni Gaudí entre 1904 y
1906, proporciona una nota expresiva
al paseo de Gracia, dominado por los
estilos historicistas del Eixample
barcelonés.
Vanni/Art Resource, NY7
En Bélgica, el primer ejemplo de se dio en la obra de los arquitectos Victor Horta y Henri
van de Velde que realizaron diseños para casas unifamiliares urbanas con elegantes escalinatas,
balcones y verjas curvilíneas de hierro fundido. Charles Rennie Mackintosh, arquitecto de
Glasgow, llevó a cabo versiones sobrias y austeras en diseños de interiores, mobiliario, vidrio y
esmaltes. En Francia, donde este estilo quedó más patente es en las obras del arquitecto Hector
Guimard (sobre todo en las entradas del metro de París, 1898-1901), en las del vidriero Émile
Gallé, en los diseños de muebles de Louis Majorelle y en los carteles de Alphonse Mucha.

6"Glasgow School of Art", Enciclopedia Microsoft® Encarta® 99. © 1993-1998 Microsoft


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También se puso de moda en la decoración de interiores y un ejemplo sobresaliente de ello es el


restaurante Maxim’s de París. En Munich y en Viena se plasmó en las artes aplicadas y en la
ilustración de revistas, alcanzando su cota más alta en la pintura de Gustav Klimt y en el
mobiliario y los diseños arquitectónicos de Josef Hoffmann. En Estados Unidos el máximo
exponente fue Louis Comfort Tiffany, cuyos jarrones de brillante cristal favrile y pantallas para
lámparas de cristales emplomados eran de una iridiscencia fantástica. En España, quizá el más
original de los exponentes fue Antoni Gaudí; sus personalísimas obras el parque Güell y la casa
Milá, situadas ambas en Barcelona, carecen de líneas rectas y producen la impresión de
organismos naturales surgidos de la tierra. Dentro de la arquitectura también fue una figura de la
máxima relevancia Lluís Domènech I Montaner con su palau de la Música Catalana. En el campo
de la orfebrería destacan las obras del vasco Paco Durrio y las joyas del escultor Manuel
Martínez Hugué.

CONCLUSION

Hacia 1910 este estilo estaba en decadencia y tras la I Guerra Mundial fue reemplazado
por la impecable elegancia del Art Déco. Nunca fue un estilo generalizado, ya que las mejores
obras resultaban costosas y no podían producirse en serie, pero volvió a estar en boga a
mediados del siglo XX gracias a la exposiciones de Zurich de 1952, de Londres (1952 1953) y de
Nueva York (1960).

BIBLIOGRAFIA

1. Autodidáctica Océano Color. Enciclopedia, Tomo I

2. Biblioteca de Consulta Microsoft ® Encarta ® 2005

SITIOS

www.Google.com
www.bcn.com
www.cultural7pintura.com
www.gvsu.edu
www.galartes.com
www.artenhistoria.com

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