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Tema 1 La abstracción entre las primeras y segundas vanguardias del siglo XX

Tema del parcial: La abstracción fue una línea de trabajo de varios artistas del siglo XX. Explora distintas
propuestas a lo largo del siglo a partir de la producción de al menos cuatro creadores que comprendan la
primera y la segunda mitad del siglo XX y espacios tanto europeos como americanos. Analiza los fundamentos
teóricos de sus propuestas

Introducción

Cuando nos referimos a arte abstracto estamos hablando de aquel arte que no representa temas
convencionales, sino formas irregulares, proyecciones, signos y puntos. En este sentido esta línea artística
es denominada como arte no figurativo, por presentar como parte significativa de su lenguaje expresionista la
presencia de líneas, puntos, formas y signos. Esta característica lleva a que algunos autores consideran que
el punto, la línea, son igualmente formas, y así prefieren denominar a esta corriente como arte concreto. Así
es que Ramírez plantea en este sentido que no es un movimiento único ni obedece a un programa específico.
En otra mirada Gómez plantea la abstracción es una consecuencia del cubismo, se preocupa por lo
estructural, ofrece prescindir de la realidad objetiva y concebir al cuadro como una entidad valida por sí misma.
La abstracción, como corriente artística, surge de la aparición de las vanguardias, que se inician en
1905, donde el movimiento particular de la abstracción aparecerá en 1910. Cronológicamente hay que marcar
dos etapas; por una parte antes de la Segunda Guerra Mundial, donde la primacía está en Europa, y un
segundo momento donde el arte abstracto recibe en Estados Unidos un gran impulso con Pollock como su
principal emergente. El termino vanguardia viene del contexto militar. Busca cuestionar todo lo tradicional y
académico, intentando buscar la provocación sistemática y realizar una experimentación constante a través
de las obras de arte (Pendás y otros). Se puede observar desde finales del siglo XIX una tendencia desde
diferentes movimientos a simplificar, reinterpretar o prescindir del tema reconocible, es decir abandonar los
principios establecidos en el renacimiento de que el cuadro debe parecer una ventana abierta al mundo, que
represente los temas tal cual como se ven. De esta forma se va reduciendo progresivamente la representación
de figuras y formas reconocible en la naturaleza. Esto lo define como un arte antiacademicista, más lógico y
racional.
Dentro de las vanguardias, en conjunto con la abstracción, podemos ubicar el Fauvismo y
Expresionismo, como primeras representaciones. Esta se caracteriza por la aceptación de la libertad de
composición y de interpretación. Se apropian de una tendencia sistemática en innovación de materiales,
formatos, géneros y estilos artísticos. También como parte de los movimientos de vanguardia podemos
posicionar el Cubismo, Futurismo, la Abstracción propiamente, Dadaísmo y Surrealismo. Entre estos cada
una representa miradas en sus expresiones singulares. El Fauvismo la simplificación del tema, el Cubismo el
aumento de la sintetización temática, en tanto el Futurismo la despreocupación del tema en la búsqueda de
un enfoque más dinámico. El Abstraccionismo en concreto resulta en tanto de un sincretismo de estas tres
dimensiones, pero que a la vez está presente en cada una de ellas.
Los dos grandes movimientos que representaron los antecedentes más inmediatos de la abstracción
(Fauvismo y Cubismo) dan lugar a la formación de una doble matriz o modalidad de abstracción. La primera
se apoya en procesos emocionales, llega a definir un lenguaje basado en la función expresiva, Kandinsky es
el máximo representante de esta corriente abstracta. La segunda contrariamente tiende al rigor matemático y
a la simplificación de la abstracción geométrica, los primeros intérpretes de esta modalidad son el grupo
holandés “De Stijl” o el estilo (Mondrian).
En relación a la abstracción concretamente podemos definir diferentes etapas como significativas
dentro del conjunto de su línea artística: Suprematismo, Neoplasticismo y Constructivismo, todos buscando
cambiar al mundo creando un arte funcional y normativo, buscando un arte universal y colectivo para todos,
alejado del individualismo y del lineado platea el autor Ruhrberg. El Suprematismo y el Constructivismo se
caracterizan por el uso excesivo de la geometría, el cuadro y el círculo, aquí podemos ubicar a Malevich, y
Mondrian posteriormente como sus principales referentes. En Malevich el Suprematismo siempre estuvo
ligado a las ideas espirituales. La investigadora De la Peña plantea que dentro de ambos movimientos las
formas abstractas ya no solo son expresiones de las realidades materiales, sino modelos para lograr una
armonía ideal entre el hombre y su entorno. Malevich en este sentido es el fundador del Suprematismo, un
término que toma para aludir a la abstracción total con lo puro y geométrico, se refiere a la supremacía del
sentimiento, cuyo modo de expresión denota las formas simples y elementales, como lo es el cuadrado que
refleja el orden mental sobre el caos natural. Luego utiliza también el círculo y el triángulo realizando
combinaciones más complejas (trapecio negro y cuadrado rojo). El historiador Ramírez sostiene que Malevich
y Mondrian difieren en sus obras en las disposiciones geométricas y de apariencia muy racional. Así en la
abstracción existe una influencia de corrientes teosóficas y exotéricas. Ramírez señala así mismo que algunos
artistas creen que las formas y los colores visibles revelaban un complejo universo espiritual. Otros artistas
se mantienen materialistas afirmando la obra en su mera existencia objetiva, pero todos sueñan con un arte
universal válido en cualquier época y contexto cultural. En otra línea con la proximidad de la segunda mitad
del siglo XX aparecen las segundas vanguardias, donde una de las corrientes más destacadas será el
expresionismo abstracto con la obra de Pollock. Este pintor es el primero en el denominado principio de
dripping, que es una pintura dinámica y gestual apartada totalmente del lenguaje figurativo, resultado de la
fusión del automatismo surrealista y la abstracción. El dripping le permitirá la trasmisión directa del
pensamiento y la acción del artista en pintura por medio del “azar controlado”, esto le posibilito al trabajar
desde el suelo estar más cerca del cuadro, formando parte del mismo. Pendás problematiza sobre si este
estilo del abstraccionismo puede ser encuadrado dentro de la corriente, o si por otra parte es un movimiento
independiente. Pollock se define por el empleo del pincel como un mediador de las decisiones del artista,
sustituyéndolo por el goteo incontrolado de la pintura sobre el lienzo. Sus obras conceden especial
protagonismo al proceso de creación, al acto emocional y vital durante el que se construye su obra plantea
Ramírez. En su estado puro, la “action painting” es una acción llevada a cabo con los materiales y
procedimientos de la pintura, y el cuadro, un residuo de este acto. Es interesante destacar, como menciona
Ruhrberg, que “muchos de sus cuadros fueron hechos en medio de trances. Los resultados, poseen una
densidad que sorprende y una misteriosa lógica”.
Para los casos de A. Latina y el R. de la Plata el arte abstracto, en la segunda mitad del siglo XX se
nutre de una nueva problemática del individuo y su libertad en el contexto político y filosófico de la guerra fría.
El movimiento abstraccionista para el R. de la Plata discute intelectualmente presupuestos del surrealismo
europeo, cuestionándose el automatismo y la composición onírica (los sueños) en el arte. Este movimiento
tiene fuertes componentes intelectuales que se vuelcan en la búsqueda de una nueva realidad de las prácticas
artísticas. Se interesa por encontrar el equilibrio entre la libertad individual, la utopía tecnológica y la razón
social de la producción artística. Sus principales epicentros serán el del arte “Madi” y el movimiento Asociación
Arte Concreto-Invención, que posibilitaran una expresión de los principios filosóficos del nuevo arte
contemporáneo para la región. Ambas grupos entre las numerosas discrepancias que expresan en sus
programas estéticos, una de las fundamentales refieren a que el movimiento Arte Concreto-Invención se
concreta en las manifestaciones plásticas visuales, extendiendo sus propuestas a la arquitectura y al Diseño.
El movimiento Madí plantea extender su campo de acción a una pluralidad de expresiones como la música,
la danza, la literatura, la escultura, que exalta la transformación del movimiento. Es importante destacar que
el antecedente inmediato de lo que representan estos dos movimientos que son el paradigma de las segundas
vanguardias modernas en el R. de la Plata, se encuentran en la obra de Torres García. El momento de
irrupción de esta vanguardia abstracta rioplatense lo constituye la publicación del único número de la revista
“Arturo” en 1944. De allí derivarán dos movimientos artísticos estrechamente ligados entre sí. Por una parte
el movimiento del Arte Concreto-invención que tendrá su principal exponente en Tomas Maldonado, y por otro
parte el arte “Madí”. La publicación de esta revista marcará un punto de inflexión significativo, dado que se
significará un manifiesto artístico propiamente, donde se involucran la importancia de los estados
emocionales, la representación, el simbolismo y la armonía como mecanismos artísticos preponderantes.
En el caso de los artistas nacionales, es destacable la figura de Torres García en los años 30` que al
acercarse a Van Doesburg, se inclina totalmente hacia la abstracción, en el cual ya venía siendo influido,
como señala el historiador Peluffo. Torres García constituye una interpretación global del arte y la pintura, que
incorpora las principales polémicas europeas de las vanguardias. Su discurso tanto plástico, como teórico, no
resulta de un contacto más o menos coyuntural con determinadas vertientes estéticas, sino que deviene de
una larga peripecia personal, que lo llevo a buscar respuestas propias a una realidad vivida como crisis en el
arte y en la cultura Occidental. Esto hace que, para sus discípulos, “Torres no sea un pintor de la magnitud
que se quiera, sino la manera vivida, biográfica de acceder a la pintura. Sus discípulos adquirieron asi un
concepto de la pintura como una aptitud de sentir y juzgar, y ese concepto les permitió recobrar una manera
particular de percibir y reproducir el arte”.
Fundará la revista “Cercle et Carré”. Torres busca a través de la pintura el equilibrio entre formas, planos,
colores, y entre los elementos simples que componen la obra de arte. Intenta ser como un moderador y
articulador entre las características de las vanguardias, de los movimientos del cubismo, como neoplasticismo
y surrealismo. Ante el fracaso de la publicación Torres emprende una nueva publicación que exprese su línea
artística denominada “El grupo de los cuatro”.
Dice Peluffo Linari que Torres a partir de la pintura constructiva depura su concepto de “construcción”
como operación simbólica, reduciendo toda figuración a simples ideogramas que al combinarse con signos
arcaístas, números y otros grafismos, hacen en los cuadros una síntesis del universo como totalidad. Es un
sistema estético filosófico, el universalismo constructivo, un arte producido a partir de los conceptos de
estructura. El color en Torres queda por debajo del dibujo. El dibujo y los colores se mueven en un plano
distinto. Así la obra de Torres García busca enfocar el arte dentro de una idea de totalidad que es algo que
representa en sí mismo la vida.
Análisis de obras
W. Kandinsky “Composición 4”
Es un óleo sobre tela. Realizada en 1911 y simboliza
una batalla. Es una pintura no objetiva. Es parte de la
abstracción lírica. El lienzo mantiene algunos
elementos que remiten a objetos de la naturaleza. Del
lado izquierdo aparenta que dos jinetes están
peleando o luchando sobre un arco iris, mientras que
en el centro podemos observar, lo que parece ser una
especie de castillo, que corona una gran montaña
azul, delante de la cual, tres caballeros sujetan dos
altas lanzas. Esta escena permite al autor dividir la
pintura en dos partes formalmente bien diferenciadas. A la izquierda dominan el plano irregular, con líneas
inacabadas superpuestas, y del lado derecho las figuras presentan en el plano más acabado y definido. La
parte izquierda aparece lo dinámico y la derecha lo sereno que se entrelazan en una misma composición,
gracias a la fuerza y la libre disposición del artista que le otorga a los colores (usa colores primarios como el
rojo, azul y el amarillo, junto a algunos secundarios como el verde). Estos colores cromáticos permiten una
gran vistosidad que domina la obra, que también lo contribuye la aplicación combinada de una pincelada
nerviosa y vital del lado izquierdo y del lado derecho sosegada. Con todo esto, Kandinsky crea un juego
rítmico lleno de contrastes emocionales, con lo que el ojo del espectador no consigue detenerse ni un solo
instante dicen la historiadora Pendás. La intencionada eliminación del elemento figurativo en la obra, hace
que esta sea incoherente a la hora de una búsqueda de un significado iconográfico oculto. El autor quiere que
el espectador de la obra, se contemple a la observación de las líneas y los colores dispuestos sobre el lienzo,
con el objetivo de incidir directamente en su sensibilidad emocional, la pintura de Kandinsky no va dirigida a
un sentido visual, sino al alma. Por esto, el artista ruso, prescinde del uso objetivo de los títulos en la pintura,
para sustituirlo por las tres categorías pictóricas Impresión, improvisación y composición. La primera de estas
categorías remite a las obras que el autor capta una impresión de la naturaleza externa. La segunda
(improvisación) se refiere a las formas que expresan emociones internas, siendo expresiones del
inconsciente. La última (composición) son las emociones internas pero razonadas con una intencionalidad
expresiva, previamente meditada. El pintor cree que lo importante no es el tema, sino la armonía pictórica de
los dos elementos básicos, las líneas y los colores.
W. Kandinsky. “Puntos en el arco” 1927. Abstracción lírica.
Papel, tinta, acuarela y lápiz. En este cuadro, observamos dos
tipos de manchas de color, veladuras amplias y transparentes,
que introducen un sentido de profundidad fluctuante y vagamente
estratificada en la superficie blanca del papel, manchas más
pequeñas de un color más intenso, como si fueran sustancias
agregadas o que flotasen en la superficie de ese espacio fluido.
Esta es una primera formulación del espacio, una primera versión
de las sensaciones táctiles en imágenes visuales. En las
manchas más oscuras predominan dos tonos, el rojo y el azul que
se relacionan entre sí, ya que siempre aparece el uno junto al
otro. El rojo es el color cálido que tiende a expandirse, mientras
que el azul (color frio) tiende a contraerse. Utiliza ambos colores
como fuerzas que pueden maniobrarse, ser sumadas o restadas según los casos (los impulsos que siente),
utiliza la una para arrinconar, o a veces, para apoyar y relanzar la otra. Hay unos signos lineales, filiformes
que nos indican movimientos posibles, unos trazados que sugieren la dirección y el ritmo de las manchas
errantes por el papel ponen en movimiento todo el garabato; ellos le confieren a las manchas de color la
cualidad de fuerza y no de formas y el ritmo de movimiento. Los signos son fuerza en acto y el fondo actúa
como un campo de fuerza. Sustituye la noción de campo por la de espacio. Aisló y produjo un fragmento real
del espacio.
Para el pintor, el arte no condena y rechaza en cuanto inauténtico y mortificador, el comportamiento del
hombre en el sistema industrial, le aleja de los límites de su instrumentalidad, indicando el tipo de experiencia
global de la realidad en la que podrá resolverse.

P. Mondrian “Composición en rojo, amarillo y azul” Óleo sobre tela. (59,5 x 59,5 cm.). Año 1927.
Movimiento “De Stijl” (El Estilo).
Los pintura de Mondrian es una operación sobre nociones
comunes, es decir sobre los elementos de la línea, del plano, de los
colores fundamentales. Los cuadros de Mondrian tienen una parrilla
de coordenadas que forman cuadros de distintas dimensiones y
contienen colores elementales en el predomino presente del
blanco, que actúa como luz, y la casi constante presencia del negro
(no luz). Cada uno de ellos depende de una sensación perceptiva
distinta. Según Peña Gómez el neoplasticismo es el más intelectual
y utópico de los movimientos abstractos que se debe a su fondo
calvinista que le impone un sentido religioso del deber y la sobriedad. El artista varía constantemente de
rectángulos para mostrar que lo primordial son las ideas que sustentan la ejecución. Parte de la ley universal
de equilibrio dando por resultado un arte con relaciones puras y llenas de dinamismo y tensión como se
percibe en la presente obra. Se usan líneas rectas con rectángulos coloreados de distintos colores, de
distintos tamaños, que se presentan combinados con rigurosas líneas siempre verticales u horizontales. Se
diferencia del cubismo por renunciar a cualquier sugerencia de volumen. La simplicidad máxima, en definitiva.
Por ello podemos considerar a Mondrian como el más genuino representante de la pintura abstracta que
alcanza con su obra el máximo grado de geometrización. Ramírez plantea que Mondrian emplea colores
puros o primarios. Niega utilizar los secundarios, aspirando a una pintura no sentimental, no subjetiva,
independiente de cualquier contingencia histórica, cultural o geográfica. Su trabajo busca eliminar lo real y
visible, que no solo es una exigencia estética sino también un principio filosófico. Intenta así crear un arte
puro, compuesto de elementos puros, cuyo orden creado se contrapone a la salvaje proliferación de la
naturaleza, y las líneas retorcidas curvas o interrumpidas de las formas naturales. Para el artista la belleza
pura se alcanza al borrar cualquier recuerdo del tema, en una armoniosidad completa de un número reducido
de formas simplificadas al máximo, en composiciones que no fueran una abstracción de la naturaleza, sino
que representaran una contra imagen de la misma. Así pasa a composiciones de planos rectangulares que
continuaban más allá del borde de la tela cuyos colores, al fin de borrar todo rastro de ilusión, empezó a
reducirse en 1927 al rojo, amarillo, azul, blanco y negro.

Suprematismo Nª 56, 1916. Kazimir Malevich. Óleo sobre


lienzo 80,5 x 71 cm.
Cuando nos referimos a Suprematismo estamos hablando de un
movimiento artístico enfocado en formas geométricas,
fundamentalmente el círculo y el cuadrado, que se conforma en
Rusia entre 1915 y 1916, y que encuentra su principal exponente
en la obra Malevich. Este término es elaborado por el autor para
aludir a la abstracción total con lo puro y geométrico. Con esto se
refiere a la supremacía del sentimiento cuyo modo de expresión
hace de las formas simples y elementales, como lo es la figura
del cuadrado, que refleja el orden mental sobre el caos natural.
Luego utilizará el círculo y el triángulo, realizando combinaciones más complejas (trapecios negros y
cuadrados rojos). Malevich asume las lecciones del postimpresionismo. Sus obras se caracterizan por el uso
de una abstracción completa, con el predominio de figuras geométricas regulares y simples. Sus cuadros
afirman su propia materialidad y no buscan trascender. Esto permite que sea un instrumento de investigación
plástica apto para servir a la arquitectura o a la industria. Así mismo su trabajo tiene otra fase, el denominado
Suprematismo Dinámico como demuestra la presente obra, donde las formas geométricas se multiplican y se
combinan de muchos modos posibles. Predominan las líneas diagonales y las disposiciones de elementos de
apariencia inestables. Los colores no son puros, como en Mondrian, y emplea en su lugar varias tonalidades,
experimentando con volúmenes reales. En la composición de la pintura Suprematismo Nª 56, podemos
encontrar una fuerte diagonal que se sitúa desde el borde superior izquierdo hasta el ángulo inferior derecho.
Esta composición diagonal está expresada mediante formas puras combinadas, que formalizan la diagonal.
Así mismo esta composición diagonal encuentra ciertas limitaciones en diagonales ortogonales a esta misma.
Existe otra diagonal un poco más imaginaria desde el borde superior derecho hasta el inferior izquierdo, que
forma una especie de media luna azul en la parte superior derecha, un círculo verde, y una serie de
diagonales ortogonales entre sí en el borde inferior izquierdo. Esta composición podría referir a especie de
naves espaciales o planetas artificiales, como plantea Ramírez, que representan un dinamismo dentro de la
pintura como especies de cuerpos celestes en el cosmos. El Suprematismo eximía una inclinación mística y
patética, es decir que denota gran angustia o padecimiento moral, capaces de conmover profundamente y
agitar el ánimo con violencia. Quiere expresar un objeto muy simple de dar supremacía a los medios básicos
del arte, el color y la forma, sobre la mera representación de fenómenos del mundo visibles. Malevich estaba
fascinado por la belleza de las formas matemáticas, dice Ruhrberg, deseando darle una emoción apasionada,
de un sentimiento de lo que llamo “la solemnidad del universo”. La extensión de los fondos de sus cuadros,
la vibrante textura que parece continuar hasta el infinito, y los concisos signos visuales que flotan ante ellas,
tiene relación de la sensibilidad de Malevich. Aspira a una nueva realidad del color, entendida como una
creación pictórica no objetiva. La forma de Suprematismo tiene la misma vida que las de la naturaleza. Toda
forma real es un mundo, y toda superficie pictórica pura está más viva que un rostro pintado desde el cual
miran fríamente un par de ojos y una sonrisa.

J, Pollock, “Uno” (Número 31). 1950.


Es un óleo y esmalte sobre tela 2,68
m. x 4,70 m.
La obra resulta totalmente innovadora,
ya que el artista ocupa
intencionalmente toda la superficie
pictórica, este es un estilo que se
conoce como “all-over painting”
(superficie totalmente pintada). Para
hacer esta pintura, el artista, concibe
el proceso como todo un ritual. Fijaba
el lienzo contra el suelo, sin la utilización del caballete y empezaba a derramar la pintura sobre el soporte,
desde una lata, el pincel, grandes palos, paletas o incluso cuchillos. Los densos entramados lineales, se
constituyen por los chorreados de distintos colores, se extienden de un modo compulsivo por toda la superficie
de la tela, reproduciendo así pictóricamente, los ritmos dinámicos empleados por el artista en su creación. El
resultado de esta acción, provoca el abandono de la idea tradicional de composición en términos de relaciones
entre partes, puesto que no existe ningún centro de atención principal del cual se deriven el resto de los
elementos, y el espectador no tiene ningún punto de referencia desde donde empezar a analizar la obra.
Finalmente al igual que sucede con la forma, tampoco el color sigue leyes tradicionales. No hay una lógica
del contraste, sino el deseo de pintar en estado puro. La profundidad sugerida en el lienzo no es producto de
ningún tipo de perspectiva cromática, sino de una simple superposición de capas de pintura. La pintura “Uno”
está formado por un lienzo entramado de líneas y manchas que llenan toda la superficie del lienzo y esto hace
desaparecer todo vestigio figurativo. Al titular la obra mediante un número refuerza todavía más el carácter
abstracto de la misma, según Pendás García, provocando que el espectador se enfrente a la pintura sin
ninguna información que pueda condicionar su mirada o limitar su amplio sentido emocional. Este lienzo es
uno de los drippings de mayor tamaño y resumen en él todo el lenguaje plástico del pintor: gran formato,
libertad expresiva y abstracción. Esta obra de un envolvente dinamismo, ha sido comparados por unos con
los ritmos primarios de la naturaleza y por otros con la coreografía de una danza cuyo rastro ha perenne sobre
la tela mediante el singular proceso creativo que utiliza el artista. Los famosos drippings son el resultado de
una suma de influencias que tiene como base las experiencias y teorías abstractas de Kandinsky.
Paralelamente, desde un punto de vista formal, el uso de una gran tela deriva de los muralistas
mexicanos, y en cuanto a la ejecución de la obra, se advierte una doble influencia: la experiencia creativa y
ritual de los indios navajos y la técnica inconsciente del automatismo surrealista empleada por Miro y Masson.
La intensidad rítmica de sus creaciones puede relacionarse con los trabajos de Miguel Ángel, El Greco y
Rubens, cuyas obras admiró y copio durante su periodo de formación. La obra de Pollock está considerada
el paradigma del nuevo arte norteamericano, y su particular estilo creativo ha sido considerado un precedente
de los happenings y el Body Art.

J. Torres García “Calles de París” 1928. Pág. 44 del libro Peluffo Linari
Es un óleo sobre tela. Tiene una
gramática de la línea según Peluffo
Linari, sistematizando y depurando
un lenguaje que ya usaba en los
años 20´. El dibujo actúa como un
contrapunto que vitaliza la pintura
de los planos de fondo. Para Juan
Fló (qué era un crítico de arte)
estás pinturas de Torres arrastran
algo de tradición naturalista propia
del renacimiento en el cual el
propio artista representa objetos o
cosas en forma de fantasmas
lineales, ideas y símbolos. En el
caso de la pintura (“El edificio
universal”, óleo sobre tela 65 cm. Por 56 cm.) son el ancla, el pez o la llave por ejemplo (2ª imagen abajo).
En el caso de la pintura analizada podrían ser las personas, el café, las ventanas de los edificios, las
luminarias, etc. En esta pintura es clave el juego de luz que materializa las formas de los edificios en la pintura
y los diferentes planos, creando un falso claroscuro que le otorga volumen, extrayendo esta característica de
los cubistas. En su mayoría utiliza colores cálidos con varias tonalidades,
principalmente grises, verdes y marrones. Una característica importante de
esta pintura y que se repite en otras, es que el dibujo se encuentra exento de
las tonalidades del color. Esto asemejaría a que el dibujo y los colores están
en planos distintos. El dibujo sería independiente del color. Los símbolos
lineales, contradicen lo estrictamente geométrico, participando de la misma
atmosfera de la luz creada en la pintura y postula el carácter de ideas pintadas
con toda la carga afectiva y gestual que supone una escritura analiza el
historiador Peluffo Linari. Busca enfocar el arte dentro de una idea de
totalidad, que es algo que representa la vida misma. Hay una fuerte tendencia
del pintor hacia la expresión del paisaje urbano, siendo atraído por las grandes
metrópolis, como en este caso lo es París.
Tomás Maldonado, Buenos Aires.
Tema y título: Sobre rojo, 1953, Óleo sobre lienzo
Pintor, grafista, diseñador gráfico e industrial, docente y teórico.
En 1944 realiza sus primeras pinturas concretistas. A finales de
los cuarenta trabaja en el diseño gráfico, influenciado por
Vantongerloo. Pronto se dedica sobre todo al diseño industrial,
que marca su obra del futuro. Ampliando el campo del diseño
hacia el proceso elaborador, se decanta por un enfoque científico
y sistemático del diseño. Los objetos fabricados tienen cualidades
formales que —según él— se encuentran "principalmente en las relaciones estructurales y funcionales que
hacen de un sistema un todo coherente".

Carmelo Arden Quin “Cosmópolis Nª 2”. Óleo sin cartón, 1946.

El movimiento combate la idea del cuadro-ventana


rectangular que define un tema clave a toda la
generación de artistas que anteceden del Shaped
Canvas según Peluffo Linari. El artista realiza
obras tanto sin marco o con marco irregular. La
invención se hace rigurosa, no en los medios
estéticos, sino en los fines estéticos. Esta línea de
la abstracción designa una modalidad que emplea
el uso de formas geométricas como parte del
desarrollo de la composición artística. El empleo de
las formas geométricas y el análisis de los elementos plásticos, descartan toda referencia a un modelo y
plantea desarrollar un sistema objetivo de composición. Las obras así creadas son entidades en sí mismas
(concretas) y no están representando a otros objetos. Se propugna la autonomía del arte, desechando la
dependencia del motivo, para reemplazarlo por la invención de las formas y su infinita combinación. El fondo
ha quedado relegado a la condición de simple plano de proyección o apoyo sobre el que hacer inteligible la
valoración espacial, creada por recursos ópticos y psicológicos. El fondo se transforma en el trozo necesario
y suficiente de muro sobre el que la figura adquiere su mayor intensidad estética. Esta acción es una muestra
del alejamiento de los “residuos románticos” como la tela, el caballete, la paleta, el bastidor; elementos que
las esculturas móviles y los poemas-objeto de Arden Quin intentaron socavar. Esta línea artística, recorre
formas cóncavas y convexas, marcos recortados, planos agujereados y espacios vacíos. No parecen cuadros
ni esculturas, son más bien objetos vitales, lúdicos, poligonales, donde el espacio vació forman parte de la
composición. Por último, utiliza colores cálidos en distintas tonalidades de los mismos.
Bibliografía:
C. Semenzato (1996) Historia del arte. El arte moderno y contemporáneo. Barcelona. Editorial Grijalbo.
G. C. Argán. (1991) Historia del Arte Moderno. Del iluminismo a los movimientos contemporáneos. Madrid.
Editorial Akal.
G. Peluffo Linari (2015) Historia de la pintura en el Uruguay. Tomo 2. Montevideo. Editorial Banda Oriental.
G. Peluffo Linari (1992) Historia de la pintura uruguaya. Tomo 8 Torres García: De Barcelona a París. Uruguay.
Editorial Banda Oriental.
J. A. Ramírez y otros (2006) Historia del arte. El mundo contemporáneo. Madrid. Editorial Alianza.
K. Ruhrberg y otros (2005) Arte del siglo XX. Barcelona. Editorial Taschen.
M. P. De la Peña Gómez (2018) Manual Básico de Historia del Arte. España. Editorial Universidad de
Extremadura.
M. Pendás García y otros. (2009) Historia del arte. Barcelona. Editorial Vicens Vives.
M. Traba (1994) Arte de América Latina 1900-1980. Washington. Editorial Banco Interamericano de desarrollo.

Bibliografía web:
http://taskabron.blogspot.com/2015/11/kazimir-malevich-suprematista.html
http://www.torresgarcia.org.uy/
https://www.noxcamisetas.com/supremus-56-kasimir-malevich/
https://www.elobservador.com.uy/nota/malevich-del-arte-figurativo-al-suprematismo-que-cambio-la-historia-
20147151800
https://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/america/los-artistas.aspx
https://3minutosdearte.com/cuadros-fundamentales/uno-numero-31-1950-1950-jackson-pollock/
https://historia-arte.com/obras/mondrian-composicion-en-rojo-amarillo-y-azul
https://www.todocuadros.com/pintores-famosos/kandinsky/
https://lineassobrearte.com/2015/07/06/kandinsky-y-la-sinfonia-de-los-colores/

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