En Grecia, sabemos que los primeros pueblos consideraban la música de
ANTIGÜEDAD CLÁSICA
Antigüedad clásica es una expresión historiográfica para referirse al periodo
greco-romano de la Edad Antigua, un largo período histórico que se sitúa
entre la Alta Antigüedad (la época de las primeras
civilizaciones del Próximo Oriente Antiguo) y la Baja Antigüedad (o
Antigüedad Tardía); y que propiamente corresponde al mundo
grecorromano: la Cuenca del Mediterráneo y el Próximo Oriente, áreas
donde la antigua Grecia y la antigua Roma desarrollaron la civilización
greco-romana. El término "clásico" significa "de mayor plenitud" o "modelo
digno de imitación". y su utilización para designar al periodo es
marcadamente admirativa, a partir de una visión idealizada posterior sobre
la época y su influencia en la conformación de la civilización occidental.
La Antigüedad clásica se puede localizar temporalmente, de forma
restringida, en el momento de plenitud de las civilizaciones griega y romana
(siglo V a. C. al siglo II d. C.) o, de forma amplia, en toda su duración (siglo
VIII a. C. al siglo V d. C.). Hitos de comienzo y final de este periodo son
los poemas homéricos o la mítica fundación de Roma (753 a. C.) y
la cristianización o la caída del Imperio romano de Occidente (476 d. C.) La
herencia cultural clásica sobrevivió incluso a los denominados "siglos
oscuros" de la Alta Edad Media (500-1000 d. C.); y se revitalizará con
el Renacimiento, el Clasicismo y el Neoclasicismo de la Edad Moderna,
llegando hasta nuestros días.
origen divino y que atribuían la invención de cada instrumento a un
determinado dios.
La música, además de estar ligada a una función religiosa, cortesana,
militar, etc., sirve ‘’para distracción del pueblo’’. A partir de la época
clásica, la música ya no es sólo la inspiración de las musas, sino una ciencia
con un conjunto de conocimientos sistematizados especialmente por
Pitágoras. La teoría pitagórica llamada "teleion", perfeccionada en el siglo
IV por Euclides, fue estudiada por todos los filósofos cristianos y será el
sistema utilizado por toda la música posterior. El espíritu idealista
irracionalista de los filosofos griegos, así como la nueva visión del hombre,
provocarán una concepción del arte y de la música radicalmente nueva.
La base de la cultura occidental, puede concretarse en los siguientes
aspectos:
- El idealismo lleva al artista a buscar ‘’la belleza por si misma’’ liberando a
la música de la funcionalidad a la que se hallaba sometida
- El racionalismo busca una estética en la que la armonía y el orden sean
esenciales para conseguir un resultado ‘’ bello’’; en la música la proporción
se logrará a base de cálculos matemáticos
- El espíritu humanista: ‘’el hombre es la medida de todas las cosas", hará
que la música se ofrezca por primera vez al hombre para que disfrute de
ella. Aparte del aspecto estético y científico, los griegos daban la música un
valor ético.
- Influencia en la música de Asia Menor
- Cultivo de la música: función social para el culto, en la escuela y en
manifestaciones deportivas.
- La palabra "música" contiene: equilibrio, belleza, armonía, ritmo, danza,
poesía.
- Jamás se confundía enseñanza musical con práctica musical.
La música formaba parte de la educación del ciudadano: se diferencia en
"maestro" (artesano) y "ciudadano" (cabeza pensante):
Educación musical: conocimientos de los instrumentos que doblaban la voz
(heterofonía).
Antigua Grecia
La escritura musical la realizaban con las letras del alfabeto. Existiendo
distintas escalas que a su vez formaban modos, que es de donde derivan
nuestros tonos modernos. Algunos de estos modos (escalas modales o
griegas) siguen considerándose hoy, incluso se han usado en la música
popular. De la gran importancia que la música alcanzó en Grecia son
muestra tales eventos como la competición musical que se celebraba todos
los años en Atenas, las canciones que acompañaban a las representaciones
teatrales y los frecuentes festivales en honor al dios Dioniso. Los
instrumentos musicales más destacados fueron; el arpa, la lira, la cítara,
el aulos (que es una especie de flauta de doble caño),
los krotala (castañuelas) y los kymbala (címbalos), el sistro y varios tipos de
tambores como por ejemplo el tympanon. La lira y la cítara fueron los
instrumentos reservados para la Polis, y, tal como se muestra en algunas
esculturas o dibujos, son los más usados en la vida musical cotidiana.
Roma
La música en Roma es heredera de la música en otras civilizaciones,
especialmente de la griega. Desde la antigüedad existieron escuelas de
flauta y trompeta. En esta época adquieren gran importancia las
representaciones teatrales acompañadas por música y el acompañamiento
musical en el anfiteatro, además juglares y acróbatas actuaban por las calles
de la ciudad acompañados de personas que tocaban la pandereta y la tibia
(flauta en forma de hueso). Era frecuente que los matrimonios más ricos
diesen conciertos en sus villas. Entre los instrumentos musicales de Roma
destacaban trompetas y ámbalos (platillos metálicos), la tibia y se valían de
tambores y órganos. La música militar tuvo un gran desarrollo en esta
época.
Roma conquistó Grecia, pero la cultura de ésta era muy importante, y
aunque ambas culturas se fundieron, Roma no aportó nada a la música
griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando en ocasiones su
estética. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. Eran
muy valorados los músicos virtuosos o famosos, añadiendo vertientes
humorísticas y distendidas a sus actuaciones. Estos músicos vivían de una
manera bohemia rodeados siempre de fiestas. En los teatros romanos se
representaban comedias al estilo griego. Los autores más famosos fueron
entre otros Plauto y Terencio. La tragedia tuvo trascendencia siendo su
máximo cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental en estas
obras teatrales.
EDAD MEDIA
La edad media comprende el periodo histórico que va desde el siglo V al
XV, está ubicada entre La antigüedad y el renacimiento. Dentro de
la música medieval podemos ver diferentes fenómenos musicales, entre los
que se destacan el canto gregoriano, la música profana y la polifonía.
Contexto Histórico
La música medieval se llama música medieval europea compuesta durante
el periodo de la edad media que comienza con la caída del imperio romano
en el 476 y que finaliza en le siglo XV en 1453 con la caída de
Constantinopla o 1492 con el descubrimiento de América.
Características
Predominio de la música vocal. Al comienzo de esta época la música era
monódica y monorrítmica en la que aparece un texto cantado al unísono y
sin acompañamiento instrumental de ninguna clase.
Los Juglares y Trovadores
Los trovadores pertenecían a una clase social elevada e insistían en
diferenciarse de los juglares considerándoles de una peor condición. Los
trovadores componen y cantan sus propias obras mientras que el juglar
solamente interpreta. Los juglares perseguidos por la iglesia son personajes
errantes que van de aldea en aldea asombrando y divirtiendo al publico
analfabeto.
Canto Gregoriano
Desde el siglo VII hasta el siglo XVI el canto gregoriano fue el tipo de
música mas importante del mundo occidental. En estos siglos se fue
construyendo y seleccionado un repertorio que en honor a su primer
recopilador el papa Gregorio I se llama canto gragoriano.
El canto gregoriano tuvo gran importancia, pues durante gran parte de este
período será la música que gobernará todos los territorios, ya que en esta
época, el poder y la cultura van a estar en manos de los monjes y
 religiosos. Era un tipo de música estrictamente vocal y a una sola voz, o, Polifonía
como mucho, con un acompañamiento a base de quintas paralelas. Pero fue
como consecuencia de una serie de cambios económicos y por el Toda la música practicada hasta el siglo XI en Europa era monódica,
nacimiento de las lenguas vulgares que surgió la música profana, en la que entonces surgió un nuevo procedimiento revolucionario llamado polifonía.
se odían expresar deseos y aspiraciones.
Hasta el siglo X la música europea, como la música de otras culturas, era
fundamentalmente monódica, es decir, de una sola línea melódica en la que Esta se puede definir como el arte de combinar sonidos y melodías distintas
no interviene para nada la armonía sin acompañamiento de instrumento, el y simultáneas.
ritmo del canto gregoriano es libre, no está sometido a la rigidez métrica del
compás. Las dos formas más importantes de este periodo son las siguientes:
Sin embargo, la música profana siempre va a tener sus representantes, sobre
todo en la baja edad media con el surgimiento de los juglares y los Organum: Es la forma polifónica más primitiva, consiste en añadir una voz
trovadores que actuarán en castillos, plazas o calles de cualquier lugar. en movimiento paralelo al canto gregoriano.
Sus características principales:
▪ Es la música oficial de la Iglesia Romana.
▪ Es un canto monódico.
▪ Su letra está en latín.
▪ Se canta a capella.
▪ Solo intervienen voces masculinas.
▪ Su origen está en los primeros cristianos. Discantus: Nace en el siglo XI. A diferencia del organum las dos voces ya
no se mueven de forma paralela sino en movimiento contrario.
Música Profana
Era interpretada por dos tipos de personajes: Los trovadores y los
juglares, que recibían distintos nombres de acuerdo al territorio en el que se
encontraran.
Los trovadores tuvieron gran importancia en Francia y España, pertenecían También surge el motete, forma polifónica que consta de dos o tres voces,
a una clase social elevada e insistían en distinguirse de los juglares, pues los cada una ellas cantan un texto diferente y tiene también un ritmo diferente.
consideraban de peor condición. Generalmente los trovadores componen y
cantan sus propias obras, mientras que los juglares sólo interpretan pues no Ars antiqua: El género dominante en la primera etapa del Ars antiqua es
tienen formación ni facultades para componer. todavía el organum, basado en la adición de voces a un cantus firmus
Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo tocaban instrumentos y litúrgico (melodía o fragmento de melodía de un canto llano). En los
cantaban canciones, sino que también realizaban todo tipo de actividades organa, la polifonía se aplica a los pasajes solistas del canto llano (los que
para divertir al pueblo (chistes, magia, acrobacias) , eran de clase baja , se correspondían al cantor), mientras que los pasajes que correspondían a la
limitaban a copiar y plagiar las canciones de los trovadores pues no sabían schola se mantienen en canto llano, como puedes ver en la obra de Perotin.
componer, sin embargo a pesar de esto algunos de estos juglares, con el Las partes silábicas del canto llano se adornan con extensos pasajes
tiempo llegaron a convertirse en artistas importantes, se asentaron en las melismáticos, mientras que en las melismáticas (por ejemplo, entre los
ciudades, perfeccionando su interpretación musical.
minutos 8:09 y 8:31), el canto llano avanza a un ritmo estable y la polifonía
se hace más animada (cláusula).
El motete surge de la adición de un texto a los melismas de una cláusula
perteneciente a un organum preexistente. Las dos voces adicionales del
motete escogido superponen dos textos profanos en francés de temática
trovera: El primero (“Pucelete bele e avenan”) con carácter de pastoral, y el
segundo (“Je languis de maus d’amours”) un lamento amoroso
característico del amor cortés.
Se le decia así a la forma de hacer música de los siglos XII-XIII, en los que
se empiezan a hacer los primeros ensayos polifónicos hasta sentar las bases
de la polifonía en su etapa de plenitud.
Ars nova francés: Philippe de Vitry escribió en los primeros años del siglo
XIV un tratado sobre cuestiones de notación musical donde exponía los
últimos adelantos en ese terreno; su título Ars Nova, ha servido a la ciencia
musical moderna para llamar así a la música del siglo XIV.
El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de
Vitry, quien tituló así un tratado musical en el que se establecían las nuevas
pautas para escribir música. A partir de este tratado, a esta época se le
conoce con este nombre.
En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su máxima perfección.
Algunos compositores, además de Vitry, destacados de esta época son
Guillaume de Machaut o Francesco Landini.
Entre las formas más importantes de la época está el Motete, que sigue
desarrollándose hasta llegar al punto en que cada voz puede tener un texto
distinto; o el Canon, composición contrapuntística en la que todas las voces
cantan la misma melodía pero realizan su entrada de forma progresiva.
Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado,
reaccionaron violentamente los músicos más conservadores, por lo que en
esta época podemos hablar de una contienda entre los músicos más
tradicionalistas que veían los últimos adelantos como fuera de lugar y los
modernistas que seguían desarrollando la polifonía.
Instrumentos de la Edad Media
Cordófonos: Laúd, el rabel, el organistrum, la fidula, la viola, etc.
Vientos: El platerspiel, cornetas medievales, la chirimía, la cornamusa, etc.
Percusión: Las tejoletas, la darbuka, el pandero, etc.
La música medieval comprende toda la música europea compuesta durante
el periodo de la Edad Media, esto es, aproximadamente entre la Caída del
Imperio romano de Occidente en 476 y el siglo XV, centuria cuya música
suele ya clasificarse como propia del Renacimiento.1
La única música medieval que fue escrita es la ligada a la Iglesia y las
instituciones eclesiásticas, como monasterios, y en menor medida la profana
creada en los círculos aristocráticos. Estas tradiciones manuscritas solo
reflejan marginalmente la música popular de aquella era.
RENACIMIENTO
La música del Renacimiento o música renacentista es la música antigua
europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600,
aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música
renacentista son su textura polifónica, que sigue las leyes del contrapunto, y
está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Entre sus
formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el
género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género
profano, y las danzas, el ricercare y la canzona en la música instrumental.
Características
La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad que deriva de
la aceptación de la tercera como intervalo armónico consonante (uniéndose
en esta categoría a quintas y octavas, ya admitidas en la Edad Media) y del
progresivo aumento del número de voces, todas de igual importancia y
regidas por las reglas del contrapunto: independencia de las voces,
preparación y resolución de las disonancias, uso de terceras y sextas
paralelas, exclusión de las quintas y octavas paralelas, etcétera.
El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal
de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis
voces de carácter cantabile; cada línea melódica o voz podía ser interpretada
indistintamente con voces reales o con instrumentos. Si bien el rango de
cada línea supera apenas la octava, la extensión general del conjunto rebasa
ampliamente las dos octavas, evitándose el cruce entre las voces (que
forzaba a que estas fueran heterogéneas y contrastantes en la polifonía
medieval).
El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los ocho modos
gregorianos; las características modales (opuestas a las tonales) de la música
del Renacimiento comenzaron a diluirse hacia el final del período con el uso
creciente de intervalos de quinta como movimiento entre fundamentales,
característica definitoria de la tonalidad.
Musica religiosa
Durante este período la música religiosa tuvo una creciente difusión, debida
a la exitosa novedad de la impresión musical, que permitió la expansión de
un estilo internacional común en toda Europa (e incluso en las colonias
españolas en América). Las formas religiosas más importantes durante el
Renacimiento fueron la misa y el motete.
El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín.
Deudor en un principio del motete medieval, del cual procedía, pronto
asumió una continua textura imitativa de voces de igual importancia (en
número cada vez mayor: cuatro en el siglo XV, cinco o seis a finales del
XVI), con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase
textual. En el motete el autor generalmente creaba material puramente
original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa.
Musica vocal Profana
Un gran número de impresos y cancioneros manuscritos nos han hecho
llegar el amplísimo repertorio polifónico profano renacentista. Aquí sí es
posible reconocer formas peculiares de cada país:
• En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.
• En España, el romance, la ensalada y el villancico.
• En Francia, una vez superadas las formas fijas medievales aún
vigentes en la escuela borgoñona (rondeau, virelay, ballade) se creó la
peculiar chanson polifónica parisina.
• En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo
hacia 1600 la canción con laúd isabelina.
Musica Instrumental
De modo paralelo a la extensión del rango vocal de la polifonía, los
instrumentos ampliaron su tesitura creándose familias completas de cada
modelo; cada tamaño era nombrado con el nombre de la voz equivalente:
así, por ejemplo, se crean flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos de
varias tallas, y un proceso semejante siguen instrumentos de cuerda como
las violas da gamba, de metal como los sacabuches o de madera como
las chirimías.
Los instrumentos participaban junto con las voces en la ejecución de la
música polifónica; por ejemplo, está perfectamente documentada la
presencia regular de ministriles(flautas, cornettos,
sacabuches, chirimías y bajones) en las catedrales ibéricas del siglo XVI.
Además, mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente
instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados consorts), en
grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre
instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa,
el laúd o, en España, la vihuela.
Polifonía en el Renacimiento
Polifonía viene del griego polyphonía que significa muchas voces. En
música es cuando muchas voces cantan simultáneamente a diferentes
tiempos de manera que logran una especie de armonía. La polifonía existe
desde la edad media, pero en el renacimiento alcanzó su esplendor, debido a
que se distinguían distintos tonos de voz y era posible integrar las distintas
voces de manera más armoniosa. En el renacimiento se crearon obras para 4
o 6 voces por lo general. A menudo las obras polifónicas eran de carácter
religioso.
Las principales formas vocales del renacimiento fueron:

– Religiosas: motete, misa y villancico religioso.

– Profanas: villancico, canción, romance, madrigal.

Al principio del renacimiento, la polifonía se desarrolló en Francia, Bélgica

y Holanda, donde se creó la escuela flamenca. Los mayores autores de
polifonías de esta escuela fueron Guillaume Dufay, Jan van Ockeghem,
Jacob Obrecht y Josquin des Prés. El problema es que llegó un momento en
el que se crearon composiciones tan grandes como para 30 voces que era
casi imposible apreciarlas.
Posteriormente, el movimiento se extendió hasta Italia donde surgieron
grandes compositores como Giovanni Gabrieli, Giovanni Pierluigi da
Palestrina y a finales del siglo XVI surgió Claudio Monteverdi.
También, dentro del género de la polifonía surgió la policoralidad, que es lo
mismo que la polifonía, pero en vez de voces separadas, las obras son
interpretadas por varios coros.
En conclusión, el género de la polifonía fue cultivado principalmente en la
época renacentista empezando en Francia, Bélgica y Holanda, y
posteriormente se trasladó a España e Italia. La polifonía era principalmente
de carácter religioso, pero también fue cultivado por los nobles con carácter
profano.