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INVESTIGACIÓN CRÍTICA

Teniendo en cuenta que esta experimentación buscaba resaltar el


sentido humano del individuo; es por esto que se dio prioridad a
elementos como el color, con el fin de que la obra a realizar sea vivida.
Como se observa en las Figuras 3 y 4, se realizan dos bocetos con el fin
de hacer un estudio de color identificar qué parte de la cara será
enfatizada en la obra. Si bien existe una gran diferencia entre las paletas
de colores utilizadas en ambos bocetos, se observa una libertad
cromática que busca hacer hincapié en el carácter emocional del ser
humano. De igual forma, se elige la acuarela como medio de
experimentación, ya que esta técnica otorga la pigmentación adecuada
para transmitir los conceptos deseados y me resultó más fácil de
Figura 1 Figura 2
manipular.
Después de haber realizado una indagación acerca de diferentes
movimientos y corrientes artísticas se decidió hacer la primera
experimentación, con base en los conceptos que se trabajarían
en la exposición, los cuales abordaban el estado vital del ser
humano y su carácter emocional, en contraposición con las
exigencias y esquemas de la sociedad moderna. Con esto en
mente, esta experimentación se ve fuertemente ligada con el
movimiento humanista que se da dentro de las artes visuales el
cual establece como eje fundamental al individuo.
CARPETA DE PROCESO – ARTES VISUALES NM
Número de Pantallas: 15 Figura 3 Figura 4
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN
Después de los bocetos iniciales se decidió que en acordancia con los
conceptos mencionados, se retrataría todo el rostro, resaltando los
ojos. Los ojos serían la parte más pigmentada de la obra con el fin de
mostrar el carácter emotivo del ser humano. Se procedió a hacer el
dibujo, el cual resultó ser muy elemental al no contar con los
componentes básicos de un retrato. En cuanto al proceso posterior
de la obra, se procedió a pintar haciendo un intento por crear
sombras en la parte de la nariz, y aunque estas son notorias, no se
logró el efecto esperado ya que era necesario realizar mayor
Figura 5 difuminación. En cuanto a los ojos, estos carecían una pigmentación
adecuada, y las pestañas pudieron haber sido hechas con mayor
detalle. No obstante, este medio me permitió jugar con el uso del
color, logrando enfatizar en las emociones humanas y cómo estas
inevitablemente hacen parte de nosotros. De igual forma, aunque se
debe reforzar se aprecia un buen uso del color para acentuar ciertas
partes de la obra. Es necesario resaltar que para esta
experimentación se utilizó papel basic, el cual resultó sin favorecer
las cualidades características de la acuarela. Con esto en mente, se Figura 7

busca continuar con el uso de la acuarela y se decidió reforzar el


dibujo del rostro humano a futuro, con diferentes talleres que serán
mencionados más adelante.
Figura 6
INVESTIGACIÓN CRÍTICA
Se realizaron dos bocetos con el fin de determinar
cuál sería la posición adecuada de las manos
teniendo en cuenta la intención de la obra (los
cuales se observan en las figuras 3 y 4). Teniendo en
cuenta que se buscaba sintetizar el principio de
complementariedad y la unión que debe existir
entre dos personas que contraen matrimonio se
opto por el segundo boceto (Figura 4) ya que este
mostraba mayor afección entre los individuos.

Figura 1 Figura 2

Para la segunda experimentación se buscaba cambiar de medio, realizando una


escultura. Para esta se buscaba tener una gran influencia del arte griego -
clásico, especialmente ya que hará alusión al cuerpo humano, al ideal de belleza
y la mitología. Si bien no se va a hacer referencia explícita en la obra hacia la
mitología, se busca representar cómo el amor es esencia de vida en esta y que
este mantiene una fuerte relación con acoger conceptos del vitalismo
presentado por Nietzsche. De igual forma, se utilizará una simple ornamentación
(anillo) haciendo alusión al compromiso y estado puro del matrimonio
Figura 3 Figura 4
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN

Para esta exploración se buscaba cambiar de medios bidimensionales a


tridimensionales, haciendo uso de la escultura. La técnica utilizada para esta
ocasión fue un vaciado de yeso en alginato, la cual fue un reto para mi ya que
nunca había trabajado con una técnica similar. Esta técnica me resultó
sumamente complicada ya que por pequeños errores me vi obligada a repetir la
experimentación tres veces. Dentro de estos es necesario resaltar que el alginato
no era mezclado con el agua adecuadamente y se cuarteaba antes de introducir
las manos; del mismo modo, la posición en que se encontraban las manos Figura 5

representó dificultades al momento de sacar las manos del molde. Una vez logré
realizar este proceso efectivamente, se utilizó una mezcla de yeso en polvo y
agua para realizar la escultura. Una vez se dejó secar el yeso también se
presentaron diversas dificultades ya que habían muchos grumos y la escultura se
fragmento. Aunque la escultura se lijó para contrarrestar estos errores, se
decidió finalizar la exploración ya que se me dificultaba mucho manipular este
medio.

Figura 6
DESARROLLO DE HABILIDADES TÉCNICAS
Teniendo en cuenta que anteriormente se había trabajado un vaciado de yeso
en alginato, se continuó con la experimentación en escultura, pero en este caso
haciendo uso de la arcilla. Se eligió la arcilla ya que esta presenta mayor facilidad
en su manipulación y maleabilidad. Durante esta actividad, se realizaron tres
pequeñas esculturas (como se puede observar en la Figura 1) en las que se debía
utilizar elementos orgánicos y figuras geométricas. Aunque las esculturas
difirieran en cuanto a cómo lucían, se buscó tener una relación conceptual entre
las tres, enfatizando en la contraposición de la naturaleza con los elementos
creados por el ser humano a lo largo de la historia. De este modo, se mostraría
cómo en ocasiones el ser humano irrumpe el estado natural. El resultado de esta
experimentación del medio me enseñó que la escultura da espacio a que se
integren tanto elementos como orgánicos como inorgánicos, de forma que se
complementen al momento de transmitir una intención comunicativa.

Aunque esta exploración me permitió desarrollar habilidades en este medio,


durante su proceso se me dificultó el uso de las gradinas ya que no se me
facilitaba ser precisa y cuidadosa al momento de utilizarlas. Del mismo modo, ya
que la exploración se desarrollo en diferentes días, no se tuvieron los cuidados
Figura 1 necesarios para evitar que algunas partes de la escultura se secaran y
posteriormente se fragmentaran.
INVESTIGACIÓN CRÍTICA DESARROLLO DE HABILIDADES TÉCNICAS
En esta nueva experimentación se
Después de realizar el taller de dibujo se utilizó una
buscaba retomar la acuarela ya que se
fotografía (vista en la Figura 5) para realizar los bocetos para
ajustaba de forma más adecuada a la
la experimentación. Tuve un poco de dificultad en cuanto a
temática general de la exposición.
la proporcionalidad de la masa encefálica ya que
Durante esta, se buscaba resaltar la
normalmente estamos acostumbrados a hacer la cabellera la
oposición entre el carácter físico y
cual toma un poco de espacio, no obstante se logró realizar
material del ser humano y la
un boceto el cual fuera suficientemente proporcional. De
vulnerabilidad que representa para el
igual forma, se observa un progreso en cuanto al primer
individuo ajustarse a los esquemas de
boceto realizado para esta obra (Figura 2) y el último boceto
una sociedad moderna. La idea de esta
(Figura 5). Se observa que a comparación del inicial la nariz y
Figura 1 obra es realizar un retrato de una mujer
la boca son mucho más proporcionales y ya se sitúan en la
llorando, la cual es atravesada por una
línea correspondiente.
flecha. Se busca resaltar los conceptos
clásicos de belleza, y a su vez la
humanidad y emocionalidad que yace en
el individuo. Teniendo en cuenta que
anteriormente se había hecho una obra
en acuarela basada en dibujo, primero se
realizó un taller de dibujo para que se
pudiera tener un mayor concepto de Figura 4
proporcionalidad en cuanto a la figura
Figura 3
humana. En la figura 2 se observa el
Figura 2
boceto inicial con el que se trabajaría y
desarrollaría el taller de dibujo. Figura 5
PROCESOS & REFLEXIÓN
Una vez se realizó el boceto final, se incluyó una flecha. Esta flecha (de origen
indio), busca representar lo caótico y lo que irrumpe en la libre expresión de
nuestros sentimientos. Posteriormente se empezó el proceso de pintar con
acuarela teniendo en cuenta no se planeaba utilizar la paleta de colores
Figura 6
tradicional en un retrato. Se tuvo un poco de dificultad al realizar los surcos del
cerebro y al momento de realizar tanto la flecha como los elementos de fondo,
ya que estos no se muestran complejos y carecen de un buen uso de luz y Figura 10
sombras. Teniendo en cuenta esta experimentación, y que había un trabajo que
se podía potencializar se decidió continuar la exploración para consolidar una de
las obras que se exhibiría en la exposición y que recibiría el nombre de La
Figura 7 Memoria de los Sentimientos.
Para la realización de esta obra se cambiaron ciertos detalles (observados en las
Figuras 10,11 y 12) con el fin de que la obra de arte fuera mas acorde a los
conceptos mencionados, haciendo también énfasis en la decadencia como
consecuencia de no aceptar y ser leal a la esencia de cada individuo. Dentro de Figura 11
estos detalles se decidió incorporar los elementos orgánicos en el cuerpo de la
Figura 8 mujer retratada con el fin de mostrar que la esencia proviene del estado natural
del ser humano. Del mismo modo, la flecha –que aún continua teniendo el
mismo significado- se dibujo de forma que se viera más dinámica ya que en los
anteriores bocetos (Figuras 10 y 11) su incorporación se veía forzada. Para la
obra también se hizo un cambio en los rasgos físicos de la mujer retratada con
el fin de que se vieran mucho más delicados y sutiles, teniendo en cuenta que
Figura 9
se buscaba mostrar vulnerabilidad. Figura 12
INVESTIGACIÓN CRÍTICA
Teniendo en cuenta que ya se había realizado un taller de dibujo en el
que se habían fortalecido las habilidades necesarias para hacer un
retrato de perfil básico, se inicio la planeación de una nueva obra la
cual sería el eje central de la exposición. Esta obra buscaría mostrar el
balance que debe existir entre la emoción y la razón y de igual forma
retrataría el momento de introspección del ser humano al proyectar
las consecuencias que puede traer el hecho de no priorizar el ser fiel a
la esencia de cada individuo. En la Figura 1 se desarrollan las ideas
que harán parte de esta obra, y se enfatiza en la influencia que
movimientos y corrientes como el Pop Art y el Arte Griego tienen
dentro de la obra. Del mismo modo, en la Figura 2 se observa un
referente visual que ayudara a establecer el boceto de la obra. En este
Figura 1 se observa una mujer desvaneciéndose, imagen que se desea plasmar
en la exploración. Aunque en esta figura se observa un amplio uso de
color, en un inicio se tenia presupuestado que la obra fuese
monocromática. Con esto en mente se desarrollo un boceto inicial
(mostrado en la Figura 3) en el que se observase una mujer
desvaneciéndose, y con la mirada fija con el fin de resaltar el hecho de
que el individuo a veces es consciente de que cómo se pierde a si
mismo sin embargo no siempre encuentra la forma de evitarlo o Figura 3
actuar correspondientemente. En este boceto se observan fallas en la
proporcionalidad y delineamiento del cuello, las cuales se corregirían
Figura 2 (Artista: David
Andino) en los bocetos siguientes.
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN

Tomando en consideración que esta obra buscaba mostrar una reflexión del
individuo consigo mismo se realizó un nuevo boceto (visto en la Figura 4) en el
que se reflejara el dibujo diseñado, con el fin de ilustrar el momento en que se
realiza una introspección con y para el individuo. De igual forma, este cambio
responde a la necesidad de mostrar cómo el ser humano es consciente –en
muchos casos- de la decadencia que genera la pérdida de esencia. Del mismo
modo, se decidió que la obra pasaría a ser dicromática utilizando dos colores que
contrastasen (rojo y negro) con el fin de ilustrar con mayor eficacia la
complementariedad que debe existir entre la emoción y la razón. Finalmente, se
Figura 4
decidió incorporar elementos orgánicos (que se pueden apreciar con mayor
claridad en la Figura 7) con el fin de exaltar que el ser humano esta fuertemente
ligado con su entorno, especialmente con aquello que refiere al estado natural.
Una vez realizado el boceto final se procedió
a hacer la obra en tinta. Fue un reto que el
reflejo de la imagen quedase igual ya que si
se cometía un error en alguna de las figuras
se debía hacer la corrección y realizar el
mismo procedimiento en la otra figura. No
obstante, a pesar de este tipo de dificultades
se logro desarrollar la obra adecuadamente,
la cual sería expuesta en la exhibición y
recibiría el nombre de Caótica Belleza. Figura 6 Figura 7
Figura 5
Se inició la planeación de una nueva obra que transmitiese la
importancia de ser leal y acoger la esencia de cada individuo hasta
la muerte. Con este fin, se realizó una indagación acerca del uso de
las calaveras dentro de las artes visuales, en la que se encontró
que este elemento generalmente es utilizado para abarcar temas
como la muerte, el pensamiento individual, la pureza, entre otros.
Del mismo modo, se encontró que la calavera ha sido frecuentada
por los artistas pop con el fin de hacer alusión a conceptos como la
identidad. Teniendo esto en cuenta, se decidió que este elemento
Figura 2
sería utilizado con el fin de mostrar la constancia de la identidad y
una escala especifica de valores a lo largo de la vida del individuo.
Figura 1 (Artista: Jefri
Aribae)

Se utilizó la imagen mostrada en la Figura 1 como un referente visual de lo que se buscaba exponer. Sin
embargo, al observar esta imagen me di cuenta que no solo deseaba usar la calavera sino también el
esqueleto de una mano, ya que al hacer alusión al tacto se enfatiza en la percepción sensorial del
individuo como un factor determinante en su vida. De igual forma, en el referente visual se observa que
elementos orgánicos como las rosas se sobreponen a las calaveras, por lo tanto se planeó que en la
obra –que ahora sería un díptico- los elementos orgánicos se posicionaran de una forma más natural.
Para el caso de la mano, se realizó un boceto en el que esta sostendría una rosa –simbolizando la
esencia del ser humano- con delicadeza (ver Figura 2), mientras que en el caso de la calavera se
plasmaría esta como si fuera una rosa (ver Figura 3) con el fin de mostrar que la existencia del ser
humano esta inevitablemente ligada a su estado natural y su fidelidad a lo que le caracteriza e
Figura 3
identifica.
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN
Una vez hechos los bocetos se procedió a realizarlos en papel acuarela. En
un inicio se planeó que los elementos orgánicos fueron pintados con
acuarela (con el fin de otorgarles mayor pigmentación y protagonismo) y
la mano y calavera fuesen hechas con lápiz (como se observa en las
Figuras 4 y 5). No obstante, se decidió que seria mejor hacer uso de
acuarela para estas componentes también ya que se buscaba que la unión
de estos con los componentes orgánicos se viesen unificados. De este
modo, se procedió a pintar estas partes con acuarela de color negro. Al
inicio se me dificultó un poco este proceso ya que era necesario que el
Figura 4 color estuviese muy pigmentado y a nivel personal no acostumbraba a
usar la acuarela de esta forma. No obstante, fue posible superar este reto
y se decidió que para dar mayor relevancia a la unión de estos dos
aspectos que generalmente se contraponen se haría uso de sombras como
se observa en la Figura 6. Para este proceso era necesario tener un fondo,
el cual consto de diferentes tonos de azul los cuales favorecerían las
sombras realizadas. Siendo la primera vez que se trabajaba con sombras
se me dificulto elegir la pigmentación correcta y el grosor adecuado de la
sombra. Especialmente para la parte de la mano me costó mucho realizar
adecuadamente las sombras ya que estas podían llegar a irrumpir con la
estructura de los dedos y distorsionar la figura. No obstante, fue posible
desarrollar la obra adecuadamente haciendo un uso efectivo del color. Por
Figura 6
lo tanto se decidió que el díptico se titulase Esencial y seria exhibido en la
Figura 5 exposición.
HABILIDADES TÉCNICAS & PROCESOS
Teniendo en cuenta que las últimas obras que se realizarían serían
de fotografía, se hizo un taller de planimetría y ángulos, con el fin
de interiorizar y posteriormente aplicar estos elementos. En
primera instancia, se vieron los diferentes planos fotográficos,
haciendo especial énfasis en el plano detalle y primer plano los
Figura 1 (1/60 seg f/4 4,3 mm ISO 80- Canon PowerShot
cuales serían de utilidad en la posterior planeación de obras. Del
SX30 IS) mismo modo, se trabajo con ángulos picados y contrapicados para
resaltar los puntos focales de cada una de las fotografías.

Durante esta exploración también se hizo hincapié


en conceptos como la apertura de diafragma, Figura 4 (1/250 seg f/5,6 4,997 mm
ISO 80
velocidad de obturación y sensibilidad iso los
Canon PowerShot SX30 IS)
cuales pueden llegar a favorecer las intenciones y
igura 2 (ƒ/1.8 1/120 3.99 mm ISO32 - Apple iPhone 8 Plus
el mensaje que se desea transmitir. Con esto en
Figura 3
mente, se realizó un taller con los siguientes
requerimientos:
ƒ/2.8
1/466 - Fotos de textura
6.6 mm
- Fotos en picado
- Fotos en contrapicado
Apple iPhone 8 Plus
- Fotos a contraluz
Figura 5 (1/80 seg f/5,6 8,755 mm - Canon PowerShot SX30
IS)
INVESTIGACIÓN CRÍTICA
Considerando que a través de los conceptos desarrollados en las
exploraciones y en las obras se dio una división tripartita (entendida cómo el
ser humano acogiendo su esencia, haciendo una introspección y perdiéndose
a si mismo y aquello que caracteriza su identidad), se buscaba acoger esta
división desde la fotografía. Antes de realizar la indagación pertinente planee
que las obras de fotografía se contrapusieran entre si; es decir que una
Figura 1 (Artista: Abby
representara al ser humano viviendo bajo un estado emocional mientras que Figura 4 (Artista: Marly van
den Bosch)
Robert) la otra resaltara la decadencia y fragmentación del ser humano. Teniendo en
cuenta que en las anteriores obras – a pesar de ser en medios diferentes- se
había hecho un amplio uso del color, se investigó acerca de cómo incorporar
esto en la fotografía. Al realizar la indagación se encontró que la acuarela es
ampliamente utilizada para estos fines ya que su manipulación permite jugar
con diferentes pigmentaciones. Con esto en mente, se buscaron referencias
visuales para cada caso respectivamente (ver Figuras 1 y 4). El maquillaje de
la Figura 1 fue adoptado con ligeras variaciones, no obstante en el caso de la
Figura 5
Figura 2 Figura 4 si bien el uso de color y la pigmentación era el deseado, no se
transmitía el concepto adecuadamente. Teniendo esto en cuenta, se
adecuaron los maquillajes como se puede ver en los procesos indicados en
las Figuras 2 y 5 con el fin de que fueran acorde a las ideas que se querían
plasmar. Si bien las series fotográficas serian obras distintas, la relación entre
ellas seria inherente para la exposición por lo tanto se decidió manejar la
misma planimetría para estas. Se eligió un primer plano ya que este es el más
indicado para retrato del rostro ya que permite visualizar los detalles de este.
Figura 3 Figura 6
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN
Para esta primera serie fotográfica, que recibiría el titulo de Cálido y
Rojo se buscaba enfatizar en la alegría y satisfacción que trae priorizar
elementos del vitalismo dentro de la vida cotidiana. Como en la obra
Esencial se observaba al individuo acogiendo su esencia hasta la muerte,
en esta obra se buscaba plasmar este ideal en la vida. En esta serie de
fotos se uso un amplio uso del color ya que a través de la paleta
Figura 7 cromática elegida se buscaba sintetizar el carácter emocional del ser
humano. Como se observa en las Figuras 7, 8 y 9 se manejo un primer
plano en el que el punto focal era el rostro. Para estas imágenes se
utilizó una cámara Canon PowerShot SX30 IS, con una apertura de f/2.8,
velocidad de 1/30 y sensibilidad ISO200. Del mismo modo, cabe resaltar
que estas fueron tomadas alrededor de las 11:00 am con luz natural. Las
imágenes mostradas en estas figuras no cuentan con ninguna edición,
no obstante haciendo uso de Photoshop se hicieron diversas
modificaciones que permitirían dar protagonismo a los elementos mas
Figura 8
importantes. En primera instancia se decidió hacer uso de un fondo
negro (como se muestra en la Figura 10), ya que este permite que se
genere un contraste con los colores utilizados en el rostro. Del mismo
modo, se aumento la calidez y saturación con el fin de que la acuarela y Figura 10

el maquillaje en si fuese más notorio teniendo en cuenta que este era


un aspecto fundamental dentro de la obra. Es necesario resaltar que en
la serie de fotos se busca plasmar la progresión de una sonrisa, con el fin
de sintetizar como la pasión de cada individuo y el desarrollo de esta
Figura 9 permite una correcta formación y realización individual.
HABILIDADES TÉCNICAS, PROCESOS & REFLEXIÓN
Esta serie fotográfica, que recibiría el titulo de Levemente, busca
exponer la decadencia y el estado de vulnerabilidad que genera la
pérdida de los valores y componentes que caracterizan la
identidad de cada individuo. La acuarela fue de especial
importancia en esta obra ya que el hecho de que esta trabaje con
agua permitió que se lograse el efecto esperado en las lagrimas y
el delineamiento de los rasgos del rostro. Como se observa en las
Figuras 12 y 13 también se hizo uso de un primer plano que
enfatizara los gestos faciales que indicaban decaimiento y
vulnerabilidad. Para estas fotografías se utilizó una cámara Canon
Figura 11 PowerShot SX30 IS, con una apertura de f/2.8, velocidad de 1/120
y sensibilidad ISO32. Estas fotografías fueron tomadas con luz
natural, alrededor de las 2:00pm. Al igual que la serie de fotos
anterior fue necesario hacer edición con Photoshop para que las
fotografías se adecuasen de mejor forma las ideas a desarrollar.
De este modo se decidió oscurecer un poco el fondo para que
contrarrestase con el tono de piel, no obstante no se opta por un
Figura 13
tono como el negro ya que esto opacaría la contraposición
conceptual que debe haber entre las dos series de fotografía. Del
mismo modo se aumento la saturación y calidad, y se redujo la
exposición para que se diera un mayor enfoque al rostro tal y
Figura 12 como se puede observar en la Figura 14. Con esto en mente, se
hizo la edición de las imágenes mostradas en las figuras 12 y 13
para configurar la serie de fotografías expuestas.