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CONSERVATORIO NACIONAL DE MÚSICA

Historia del arte

Informes:
1. Esculturas y relieves en Bellas Artes
2. El arte griego prehelénico o del Egeo

Alumno: Carlos Eduardo Arce T.

Profesor: Ernesto Álvarez

Especialidad: Composición

Ciclo: V

Viernes, 22 de abril de 2016


Esculturas y relieves en Bellas Artes

La Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas


Artes del Perú (ENSABAP) es la primera escuela
nacional de artes plásticas en el país, fundada el 28
de septiembre de 1918 en Lima. La sede principal,
ubicada en el Jirón Áncash, cuenta con una vasta
reserva de réplicas de esculturas y altos relieves
griegos, romanos y del Renacimiento italiano (del
Quattrocento y el Cinquecento).

1. Obras del arte griego

 Obras del Periodo Severo (transición hacia el Periodo Clásico)

Trono de Ludovisi: Relieve que representa el nacimiento de


Afrodita (diosa del amor y la belleza), la cual nace adulta y es
asistida por las Horas (diosas del orden, de la naturaleza y de
la justicia). Es considerado como arte severo (que precede al
periodo sublime de Fidias) porque, a pesar del naturalismo
en el desnudo del nacimiento de Afrodita (Venus para los
romanos), se perciben rasgos arcaístas en el giro brusco de la
cabeza.

El amor profano, La música o La hetaira: Relieve ubicado en uno de los brazos


del Trono de Ludovisi. Es el primer relieve femenino desnudo de la historia del
arte griego. Una hetaira era una meretriz que tocaba la flauta.

El amor sagrado o La sabiduría: Relieve ubicado en uno de los brazos del


Trono de Ludovisi. Representa a una mujer convencional quemando
incienso. Estas mujeres no podían ingresar a los simposios con sus esposos,
que eran reuniones donde se debatían diversos temas (filosóficos,
científicos, etc.), exclusivos para hombres y hetairas que les servían.
Estela de Eleusis: En este relieve se ve a Triptólemo recibiendo el grano
de trigo de Deméter, quien le enseña la agricultura como muestra de
agradecimiento por recibir la ayuda de su padre, el rey Keleos, para
encontrar a su hija Perséfone. Perséfone (hija de Zeus y Deméter) había
sido raptada por su tío Hades o Plutón (dios de los infiernos) y trasladada
al averno.

A esta obra se le considera de estilo severo por los pliegues arcaicos en


los peinados.

 Obras del Periodo Clásico (s. V – s. IV a. C.)

 tResalta Fidias, el máximo escultor del Periodo Sublime (s. V a. C.)

Deméter de Cnido: Escultura de Deméter (Ceres para los romanos) hecha


por Leocares (en el Periodo Bello, del s. IV a. C.).

Cortejo panatenaico: Relieve en honor


a la diosa Atenea Partenos, ubicado en
el friso del Partenón.

Los hidróforos del Partenón (“portadores de agua”): Relieve de


Fidias en el que un hidróforo descansa de cargar el cántaro, lo que le
da dinamismo a la imagen. Está ubicado en el friso del Partenón.

Las cabalgatas del Partenón: Relieve


de Fidias.

Torso de Ilisos o Cefiso: El río Cefiso era un río en donde


solían bañarse las tres gracias: Aglaya (belleza),
Eufrósine (alegría) y Talía (fiesta). Una doncella llamada
Leiríope que también se bañaba ahí, sufría el acoso de
los hombres y Cefiso terminó violándola.
Sinfonías de pliegues: En suma, son los relieves hechos por
Fidias y ubicados en las metopas del Partenón en los que se
encuentran diversas escenas tales como las anteriores o
como esta: Poseidón, Dionisio bebiendo y Artemisa en el
Olimpo.

Tambor del templo de Artemisa de Escopas: Este templo fue una


de las siete maravillas del mundo antiguo. Escopas refleja un
carácter pasionista en sus obras, como en este relieve, en el que
representa a personajes con ojos hundidos, el ceño fruncido y los
labios entreabiertos (como si estuvieran respirando). Esto es parte
del estilo escopástico.

Dioniso o Teseo de Fidias: Escultura.

Atenea Lemnia o Palas Atenea: Escultura hecha en bronce por Fidias. Plinio
el Viejo la llamaba “la pequeña” y la consideraba como “la más bella de todas”.
Es una escultura crisoelefantina por estar compuesta por oro y marfil.

Hermes con Dioniso niño en brazos: Escultura


que presenta la “S” praxiteliana, un gran
contrapposto con un punto de apoyo. Presenta
la barra michelangelesca y el cabello está hecho
con trépano (cincel pequeño). Está en debate si
le pertenece a Praxíteles, dado que no hay
muchos indicios del sfumato praxiteliano, extrema difuminación de la
musculatura que le daba características andróginas al personaje. Existe
la teoría de que no adoptó este estilo a propósito por querer estar a la
par con los artistas contemporáneos a él.
Atenea Niké atándose o desatándose la sandalia: Este relieve expresa
sensualidad refinada.

 Obras del Periodo Helenístico (s. III – s. I a. C.)

Torso de Belvedere: Escultura de la escuela de


Rodas, hecha por Apolonio de Atenas.

El Laocoonte: Escultura helenística


(con rasgos barrocos) de la escuela de
Rodas, en contraposición a la
serenidad del arte griego clásico.
Laocoonte fue un sacerdote troyano
que se opuso a los regalos del Caballo
de Troya. Se le ve tratando de defender a sus hijos del ataque de
las serpientes pitón. Esta obra, Apolo de Belvedere y el Torso de
Belvedere son las primeras tres obras de la gliptoteca del Museo
del Vaticano.

Cariátide: Esta escultura tiene una pierna flexionada para otorgarle la


sensación de movimiento. Las cariátides fueron mujeres del parque de Caria
que solían tener un canasto en la cabeza. Traidoras del
Imperio Griego, fueron condenadas a cargar de por vida
los entablamentos del Erecteion. Los hombres de esta
condición eran los atlantes.

Venus de Milo o Afrodita de Melos (100 a. C. aprox .):


Escultura de la escuela neoática, escuela que tendía a
retornar a los cánones del Periodo Clásico. Se creía que
la obra era clásica, pero se descartó esta teoría por
usarse una técnica novedosa: la juntura de la escultura
en dos piezas de mármol de Paros, que permitían un
movimiento helicoidal. Resaltan la frente abombada, el “perfil griego”, el
mentón pequeño, los labios carnosos, los hombros estrechos, los senos
pequeños y las caderas anchas. Se desconoce su autoría.
Luchador de Borghese (100 a. C.): Escultura.

Demóstenes de Polieucto (280 a. C.):


Político y orador ateniense, considerado el
mejor de la antigua Grecia. Concebida
geométricamente dentro de un hexágono,
trabaja físicamente la senectud del
personaje.

Victoria de Samotracia (190 a. C.): Escultura de la escuela de Rodas,


hecha por Pithókritos. Representa a la Atenea Niké victoriosa sobre la
proa de un barco, con chorros de agua cayendo alrededor.

Venus de Médici: Escultura de la escuela


neoática. Es una de las obras más copiada de la
historia del arte griego. Tiene la esbeltez de
Lisipo, el pasionismo de Escopas y el sfumato
de Praxíteles. El pequeño amorcillo cabalgando un delfín hace alusión a
que Venus, naciendo adulta, surge de las aguas.

2. Obras del arte romano

 Se caracteriza por no idealizar los rasgos físicos y representarlos tal


y como son en la vida real. Otra característica curiosa es que el segundo
dedo del pie suele ser más largo que los demás.

Antinoo como Apolo: Antinoo fue un joven de Vitinia de una belleza


extraordinaria, pareja del emperador Adriano. Cuano Antinoo murió en
el río Nilo, Adriano mandó a representar su imagen en distintas
esculturas (tales como esta o como Antinoo como Osiris). Cuando quiso
acuñar monedas con la imagen de él mismo y Antinoo, al Imperio
Romano le pareció muy exagerado y no lo aceptó.
La Dama de la Permanente: Escultura que muestra a la hija del emperador
Tito.

Efebo tipo Policleto: Tal vez llamaron así a esta


escultura por tener siete cabezas, tal y como el ideal
de belleza de Policleto.

3. Obras del Renacimiento italiano

 Obras del Quattrocento (s. XV)

 Tres artistas resaltantes son Donatello en la escultura, Masaccio en la pintura y Brunelleschi en


la arquitectura.

Rondas animadas de Donatello: Relieve.

San Jorge de Donatello (1417): Una de las obras más importantes de este
escultor. Se representa al santo con un arma defensiva, mandada a hacer
a los armeros de Florencia.

Cantoría o Rondas animadas de


Luca della Robbia: Bajorrelieve
elaborado desde 1432 hasta 1438.
Inició el trabajo a sus 32 años para
el púlpito de la Catedral de Florencia. Aparecen tamboriles,
áulicas, trompetiles, entre otros.

Aunque su especialidad eran las piezas de cerámica vitrificada,


no hay artista que haya trabajado con tanta dulzura los cuerpos
de los niños y de las mujeres como Della Robbia.
 Obras del Cinquecento (s. XVI)

La noche: Es una parte complementaria femenina de la escultura


La noche y el día, hecha por Michelangelo Buonarroti, la cual
adorna la tumba de Giuliano de Médici. Es una metáfora de la
caducidad de la vida del hombre.

La aurora: Es una parte complementaria femenina de la escultura La


aurora y el crepúsculo, hecha por Michelangelo, la cual adorna la tumba
de Lorenzo de Médici, que está frente a la tumba de Giuliano de Médici.
Es también una metáfora de la caducidad de la vida del hombre.
El esclavo moribundo: Hecha por Michelangelo, fue concebida para la tumba
del papa Julio II y está inspirada en el Laocoonte.

Moisés de Michelangelo: Esta escultura de 2,35 m


tiene dos de sus grandes aportes: la barra
michelangelesca (en la frente) y la terribilità (el ceño
fruncido). Esta última él no la inventó, sino que la
tomó de Escopas y de Donatello y la marcó más. Las
cornamentas de la cabeza representan un haz de luz.

La Pietà (“La Piedad”): Hecha por Michelangelo en 1499 con mármol de


Carrara. Contrastan las líneas curvas de la virgen con las líneas quebradas
de Cristo, y llama la atención la similitud aparente entre las edades de
ambos, tal vez con el fin de
representar a una mujer no
casada o a la misma Virgen como mujeres que
permanecen siempre jóvenes y bellas. La Virgen
extiende su mano en asistencia de su hijo en actitud
activa, mientras que el otro la extiende moribundo en
actitud pasiva.

Se sabe que Michelangelo elaboraba esculturas


originales y copias desde los trece años. Su genio y su
sello personal no le permitían hacer siempre copias
exactas de esculturas de la antigua Grecia, lo que lo llevó
incluso a enterrarlas y ensuciarlas con el fin de que
luzcan como esperaba.
El arte griego prehelénico o del Egeo

El arte prehelénico o del Egeo es el arte desarrollado en las islas y costas de la Grecia continental en
el entorno del mar Egeo. Incluye al arte de la Isla de Creta (cretense o minoico) y al arte de Micenas
(Micénico). Estas zonas recibieron mucha influencia del mundo egipcio y de Asia menor.

El arte cretense o minoico


Se desarrolló en la Isla de Creta entre los
milenios III y II a. C, sobre el paisaje marítimo
del Mediterráneo oriental. Florece en una
cultura aristocrática dominada por reyes-
sacerdotes, el más famoso de los cuales es el
legendario rey Minos. Los palacios eran
grandes construcciones donde se
acumulaban los bienes y los productos
artesanales que los súbditos entregaban al
monarca. Un gran ejemplo es el palacio de Cnosos, con sus características columnas rojas
invertidas (más anchas por arriba que por debajo).
En los talleres artesanos se trabajaba la cerámica, teniendo
como producto vasijas de gran calidad para uso local o
exportación. Los cretenses tenían, en este sentido, la ventaja de
ser isleños y, por tanto, marineros y grandes comerciantes. Esto
produjo la reconocida talasocracia cretense. Sin embargo,
también vivían de la agricultura, sobre todo produciendo trigo,
olivo y vino.
La pintura, no solo de
las vasijas que fabricaban, sino también de las
paredes de los palacios (frescos), consistía
especialmente en imágenes de la fauna marina
(peces, crustáceos y moluscos) y de la hermosa
flora de la isla de Creta en primavera. De este
modo se veía reflejado en poder creador divino en
las fuerzas de la naturaleza. No obstante, también
se reflejaban otras temáticas, tales como la ceremonial, mostrada magistralmente en el
fresco mural de los Coperos de Cnosos.

Las figuras divinas asimismo fueron


ampliamente representadas en el arte. Se
veneraba a la diosa Madre, principio
femenino de la fecundidad, que, se decía,
daba vida a los hombres, multiplicaba a los
animales, hacía madurar las cosechas y
protegía el hogar. Solía representarse sola,
con animales (sobre todo toros, serpientes y
palomas, que eran símbolos religiosos) o con
sus hijos. El toro, por su lado, siendo un
animal de gran potencia física, representaba la fertilidad masculina. Se sacrificaban en
rituales y también se les hacía participar en juegos acrobáticos con los hombres. Otras
figuras religiosas fueron el labris (la doble hacha), la columna y, sobre todo, los cuernos de
consagración, que estaban directamente relacionados a la figura taurina.
Las imágenes del arte cretense son naturalistas y
tienen un estilo particular. Con colores puros y vivos,
se solía acentuar la línea, la cual definía el contorno de
las figuras de manera ondulada. Un ejemplo lo
tenemos en el trono de Minos, hallado intacto.
Las etapas de este periodo son
tres: en el minoico antiguo se
formaron las primeras ciudades,
se elaboraron las Cícladas (esculturas de formas humanas), se
trabajaron la cerámica pintada y la decoración geométrica, y se
desarrolló la metalurgia; en el minoico medio destacaron las
construcciones palaciales, la cerámica de Kamares con decoración
figurativa, y las pequeñas esculturas cada vez más realistas, y en el
minoico reciente hubo una invasión micénica que acabó con esta
cultura, prevaleciendo, sin embargo, la arquitectura, la escultura, la
orfebrería, la pintura y la cerámica.

La tauromaquia

El príncipe de los lirios La parisién


El arte micénico
En el centro del Peloponeso se encuentran las ruinas
de la antigua ciudad-fortaleza de Micenas,
construida con piedras gigantescas. La acompañan
portadas monumentales (como la puerta de los
Leones) y murallas enormes, que los habitantes de
Micenas construyeron no solo para defenderse del
enemigo, sino también para demostrar con orgullo
su condición de guerreros a través de la
arquitectura. Y es que ellos, junto con los habitantes de Micenas, Argos, Tirinto y Pilos eran
los aqueos (o argivos, o danaos), vencedores de la guerra de Troya y honrados por Homero
en La Ilíada y la Odisea. De este modo, era también el arte el que expresaba el
temperamento de sus habitantes.
Los micénicos conquistaron
fácilmente Creta (entre 1400 y
1300 a. C.). De raíz indoeuropea,
eran toscos e incultos, aunque belicosos y fuertes. Así pues,
adoptaron rápidamente sus manifestaciones culturales y
artísticas. Aprendieron el arte de la orfebrería (produciendo
obras como puñales o el ritón de oro, vaso ceremonial hecho con
esteatita), la cerámica y las técnicas pictóricas, sentando
progresivamente las bases para la civilización griega.
Las monumentales tumbas de túmulo donde se
enterraban a los reyes también servían como arcas
comunales, preservándose ahí los botines de
guerra y el oro de los reyes. Estas tumbas eran
construcciones circulares de bloques de piedra que
sobresalían en gradación hasta formar una cúpula
cónica (tholos), que posteriormente se cubría de
tierra. Un gran ejemplo es la tumba de Atreo, de
más de 13 m de alto y más de 14 m de ancho y con piedras adornadas con rosetas de bronce.
La puerta también estaba decorada y en el hueco triangular sobre
el arquitrabe se insertaba una losa esculpida, como la de la puerta
de los Leones.
Los reyes-guerreros vivían en palacios fortificados y, junto a los
nobles, se enriquecieron con la piratería y con saqueos a territorios
vecinos. Al morir, estos reyes eran enterrados en las tumbas de
túmulo, cubiertos de joyas y con máscaras funerarias de oro puro
que acentuaban los rasgos de su rostro. Es famosa la máscara de Agamenón.