La canción se grabó en tres semanas, empezando en Rockfield Studio 1 el 24 de agosto de 1975, tras un ensayo de

tres semanas en Herefordshire.5 Durante el proceso, se usaron otros cuatro estudios adicionales: Roundhouse,
SARM, Scorpion y Wessex.5 Según los miembros de la banda, Mercury compuso mentalmente la canción y los
dirigió él mismo.8 Usó un piano de cola para conciertos marca Bechstein, que aparece en el video promocional y en las
giras por el Reino Unido. Es una de las grabaciones más elaboradas y mejor producidas en toda la historia del rock.5

May, Mercury y Taylor cantaron continuamente de diez a doce horas por día, obteniendo 180 grabaciones
separadas.8 Como los estudios de aquella época solo disponían de cintas analógicas de 24 pistas, fue necesario que
los tres se sobregrabaran numerosas veces y reiteraran estas grabaciones en sucesivas submezclas. Al final,
terminaron usando cintas de octava generación.5

Introducción (0:00–0:48)[editar]
La canción comienza con un canto a capela introductorio en la tonalidad de si bemol. Pese a que en el video
promocional se ve a los cuatro integrantes de la banda cantando, esa parte se creó superponiendo cuatro cintas con
la voz de Freddie Mercury.13 La letra cuestiona si la vida es "real" o "sólo fantasía", antes de concluir que "no hay
escape de la realidad". En la canción original puede escucharse: "Is this the real life? Is this just fantasy? Caught in a
landslide, no escape from reality" ("¿Es esto la vida real? ¿Es sólo fantasía? Atrapado en un derrumbe, no hay
escape de la realidad"). Sheila Whiteley comenta:
"El ritmo sigue la natural inflexión de las palabras, los coros en bloque sin ninguna melodía de fondo crean una ambigüedad
subyacente, sostenida por el cambio armónico desde el si bemol a do, y los límites entre "the real life" y "just fantasy" están
marcados por una cierta inestabilidad, como "caught in a landslide".6

Quince segundos después, hace su entrada el piano y la voz de Mercury se alterna con otras partes vocales. El
narrador se presenta como un pobre chico que no necesita que le tengan compasión porque "fácil viene y fácil se
va". La escala cromática usada para estos versos ayuda a crear una atmósfera de ensueño. El final de esta sección
está marcado por la entrada del bajo y la posición de manos cruzadas en el piano en si bemol.

Balada (0:49–2:35)[editar

Marca de piano que usó Freddie Mercury en el vídeo del sencillo. Sin embargo, éste es blanco.14

El piano continúa la balada en si bemol, y tras 3 repeticiones el acorde es interpretado en sol menor y así
sucesivamente. El bajo de Deacon entra tocando la primera nota y el canto cambia la armonía y da paso a un
apasionado solo interpretado por Mercury. El narrador explica a su madre que "acaba de matar a un hombre", con
"una pistola [puesta] contra su cabeza", y que con este acto arruinó su vida. Sobre esta sección de confesión,
Whiteley comenta que "afirma la necesidad de absolución y presenta a la fuerza femenina como nutricia y dadora de
vida".6
La línea cromática del bajo se modula a mi bemol, haciendo que la balada tenga un tono desesperado.6 La batería
de Taylor entra en el minuto 1:19 ejecutando un ritmo en 1-1-2, parecido al usado en la canción "We Will Rock You",
en forma de balada y el narrador hace la segunda de las tantas invocaciones a su madre en otra tonalidad,
contradiciéndose con el tema melódico anterior. Pide disculpas a su madre por hacerla llorar debido a que no sabe
si estará mañana a la misma hora y le pide que continúe con su vida como si nada pasara. Tras una
truncada frase descendiente en el piano comienza una nueva repetición del patrón de las manos cruzadas en si
bemol.
, el narrador muestra lo cansado que está y lo mal que se siente por sus acciones pasadas, mientras que la guitarra
de May entra a imitar el registro superior del piano en el minuto 1:50. May produce el escalofrío del que habla el
tema arañando las cuerdas en el otro lado del puente de la guitarra.13 El narrador se despide del mundo anunciando
que debe prepararse "para enfrentar la verdad". En esta parte, en el video promocional, Mercury abandona el piano
e interpreta los dos versos siguientes de pie con un micrófono. El bajo cromático modula quedándose en la tonalidad
de la, como en la sección operística.
Resaltando la naturaleza fálica de las pistolas, Peirano sugiere que la canción es un "melodrama del erotismo
masculino", aunque a diferencia de Whiteley, no se basa en detalles biográficos de su compositor.15 Peirano da una
lectura basada en el complejo de Edipo, citando partes de la letra con connotaciones sexuales ("Too late, my time
has come/Sends shivers down my spine/Body's aching all the time").nota 2Como Whitele

Ópera (3:02–4:07)[editar]
Rápidos y abruptos cambios de ritmo y armonía introducen esta sección pseudo operística, que contiene la mayor
parte de los efectos de las grabaciones superpuestas. Aquí se describe el descenso del narrador al infierno.
Mientras que el pulso normal de la canción se mantiene, la dinámica de la canción varía enormemente en cada
estrofa. Se pasa de Mercury cantado solo con el piano a un coro de muchas voces sostenido por un
acompañamiento de bajo, batería, piano y timbales.13 El efecto del coro tan numeroso fue creado superponiendo las
180 cintas separadas que se obtuvieron de las grabaciones de doce horas al día de May, Mercury y Taylor. Estas
cintas luego fueron combinadas para crear submezclas. Según Taylor, las voces de May y Mercury combinadas con
la suya producían un amplísimo registro vocal: "Brian podía cantar muy bajo, Freddie poseía una voz poderosa
cuando se quedaba en el medio y yo era bueno cantando muy agudo". La banda quiso crear "una pared de sonido,
que empieza en lo grave y termina en lo agudo".8 La banda usó un efecto campana para los versos "Magnifico" y
"Let me go" ("Déjame ir").13 En este último verso, las notas altas de Taylor continúan sonando cuando el resto del
"coro" se detiene.13
La letra hace referencia a Scaramouche, el fandango del acto III de Las bodas de Fígaro de Wolfgang Amadeus
Mozart, Galileo, Fígaro Magnifico, refiriéndose al Magnificat de Bach y Bismillah como personajes que luchan por el
alma del muchacho. Peirano llama a la secuencia "una suerte de juicio y un rito de pasaje. Un coro acusa y el otro
defiende, mientras que el héroe se presenta como inocente".15 Luego, se utiliza la misma escala cromática que en el
principio de la canción en "I'm just a poor boy, nobody loves me" ("Soy sólo un pobre muchacho, nadie me ama"). La
sección finaliza con un coro numeroso interpretando el verso "Beelzebub has a devil put aside for me"
("Belcebú tiene un demonio reservado para mí"), en la tonalidad de si bemol. Roger Taylor interpeta las notas más
altas con su falsete en si bemol en la quinta octava.
Usando la tecnología disponible en aquel entonces, la sección de ópera tardó tres semanas en grabarse.4 El
productor Roy Thomas Baker dijo que "cada vez que Freddie cantaba un 'Galileo', yo tenía que añadir otro pedazo
de cinta al rollo".5 Sobre la dificultad de Mercury para expresar su sexualidad, Whiteley destaca el rol de las voces
graves, que se relacionan con lo masculino, y las agudas, asociadas con lo femenino. Estas voces cumplen un papel
importante en la expresión de su necesidad de liberación.6

Rock (4:08–4:55)[editar]
La sección operística conduce a un interludio de rock con un ostinato interpretado por la guitarra y escrito por
Mercury. En el minuto 4:15, el pianista canta agresivamente dirigiéndose a un you ("tú, usted") inespecífico,
acusándolo de traición y abuso con el verso "can't do this to me, baby" ("No puedes hacerme esto, bebé"), que
puede interpretarse en función a los sucesos descritos en la sección de balada, sobre todo el asesinato. Luego se
pueden escuchar las tres voces superpuestas de un solo de guitarra compuesto por escalas13 y Mercury interpreta
algo similar en el piano.
Peirano escribe que tras el juicio en la parte operística, "el héroe se vuelve desafiante y sale victorioso de la ópera
como un rebelde".15 La crítica Sheila Whiteley piensa que esta sección es una declaración de la necesidad de
abrazar la vida homosexual, de dejar a Mary Austin para poder vivir con otro hombre y sentirse más libre.12

Coda (4:55–5:55)[editar]
Después de que Mercury cante las notas ascendientes en la escala si bemol, la canción regresa al tiempo y la forma
de la introducción y la balada. La guitarra acompaña al coro que dice "ooh yeah" sucesivas veces. El sonido de la
guitarra pasa por un amplificador diseñado por el bajista John Deacon, llamado "Deacky Amp".13 La línea que dice
"nothing really matters" ("Nada realmente importa") aparece de nuevo, sugiriendo con las tonalidades menores
resignación y sensación de libertad debido al amplio registro que utiliza el cantante.12
Según Judith Peirano, esta sección final añade "un nivel de resistencia al rock masculino". Esta resistencia se logra
a través de "la instancia bohemia detrás de la identidad, que implica una pobre auto-definición (Anyway the wind
blows)".nota 315 La línea final es seguida por un golpe de gong, ejecutado por Roger Taylor, que libera la tensión
provocada a lo largo de toda la canción.15

Lanzamiento[editar]
Cuando la banda quiso estrenar "Bohemian Rhapsody" como sencillo, varios ejecutivos le señalaron que debido a su
larga duración nunca llegaría a ser un gran éxito. Según Baker, él y Queen le dieron al DJ Kenny Everett una copia
de la canción, diciéndole que nunca debía emitirla en la radio. Su contestación fue, según el productor: "Nunca lo
haré", mientras guiñaba un ojo.5 Everett solo pasó partes de la canción y su audiencia le demandó que la pusiera en
el aire muchas veces, llegando a reproducirla catorce veces en dos días.4 Hordas de seguidores trataron de comprar
el sencillo el lunes siguiente pero "Bohemian Rhapsody" todavía no había salido a la venta.5 Ese mismo fin de
semana, Paul Drew, quien dirigía la radio RKO en Estados Unidos, escuchó la canción en el programa de Everett en
Londres. Drew consiguió una copia del sencillo y empezó a reproducirlo en su país, en asociación con la
discográfica estadounidense de Queen, Elektra. En una entrevista con Sound on Sound, Baker comentó que "era
curioso cómo en ambos lados del Atlántico se emitía un sencillo por la radio que las discográficas rechazaron
tanto".5 Finalmente el sencillo fue puesto a la venta, con la canción "I'm in Love with My Car" como lado B.
La canción monopolizó las listas de éxitos británicas, permaneciendo en su cima durante nueve semanas.6
"Bohemian Rhapsody" fue el primer sencillo en estar dos veces en el puesto número uno con la misma versión.16
Tras la muerte de Freddie Mercury en 1991 fue sacado otra vez a la venta con "These Are the Days of Our Lives"
como lado B, permaneciendo en el primer lugar durante cinco semanas.
En Estados Unidos, el sencillo fue un éxito, pero a menor escala que en el Reino Unido. El sencillo original,
estrenado a principios de 1976, llegó al puesto número nueve del Billboard Hot 100, mientras que su lanzamiento en
1992 alcanzó el segundo lugar. En una entrevista, Anthony DeCurtis de la revista Rolling Stone comentó que
"Bohemian Rhapsody" es "la quinta esencia de la clase de cosas que no tienen éxito en Estados Unidos".8