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artistas internacionales

Wassily Kandinsky
Rusia, 1866–1944
 Arte Abstracto

 Der blaue reiter


Ruso, alemán y después francés, el
pintor Wassily Kandinsky fue el gran teórico (y
práctico) del arte abstracto, es decir, este arte
en el que la representación del objeto es
secundaria e incluso perjudicial: la belleza del
arte reside en la riqueza cromática y
la simplificación formal. Es la representación
de lo esencial del arte, no una burda imitación
de la naturaleza, que es de por si insuperable.

Kandinsky compaginó sus estudios de derecho


y economía con clases de dibujo y pintura.
Como buen aficionado al arte de principios del siglo XX, le interesaban las culturas
primitivas y las manifestaciones artísticas populares rusas.
A los 30 años lo abandonó todo para estudiar pintura en Munich, y viajó por numerosos
países para descubrir colores, formas y formas de representación alejadas de la
mímesis tradicional.

Encabeza el grupo expresionista Der Blaue Reiter (el jinete azul), con el que comienza
a obsesionarse con expresar algo más allá de la simple representación de la naturaleza.
Poco a poco, su experimentación continuada culmina en torno a 1910, entregándose a la
pura abstracción. Un poco de la libertad cromática de los fauvistas, el impulso
personal del artista típico de los expresionistas y una espiritualidad que robaba tanto
de las matemáticas como de la música.

Entre 1910 y 1914, Kandinsky pintó obras de tres categorías:


las impresiones (inspiradas en la naturaleza), las improvisaciones(expresiones de
emociones internas) y las composiciones (de gran rigor compositivo aunque basadas en
la pura intuición). Líneas negras agrupadas junto a vivos colores, geometrías, motivos
decorativos eslavos y formas en armonía.

Sería por tanto, uno de los padres del arte abstracto, que se acabaría diversificando y
contaminando a otros movimientos, del Surrealismo al Neoplasticismo, pasando por
el Constructivismo y el Expresionismo abstracto.
Arte Abstracto
1910
El arte abstracto es el contrario del figurativo (es decir, la representación de objetos
identificables mediante imágenes reconocibles). Por tanto la abstracción no
representa «cosas» concretas de la naturaleza sino que propone una nueva
realidad.Propone un «arte puro» mirando más allá de nuestra realidad.

Si bien desde el primer arte elaborado por el ser humano ya tenemos ejemplo de
abstracción (desde las cuevas prehistóricas hasta las decoraciones en iglesias
románicas), es oficialmente Kandinsky el primero en teorizar sobre esto (aparte
tenemos a los neoplasticistas o a los suprematistas, y un poco antes figuras aisladas
como la de Hilma af Klint).

El arte abstracto existe independientemente de la realidad, la aleja. El arte abstracto


no representa nada en realidad, pero como eso es imposible (¡hasta un lienzo en
blanco representa algo!) los artistas abstractos tiraron (tiran) por dos vertientes
diferenciadas:

 Por un lado al arte abstracto expresivo: subjetivo y espontáneo, improvisado a


veces, donde el protagonismo es de la expresividad del artista, que prescinde
de estructura y se vuelca en el gesto, el material y el sentimiento que provoca la
obra. Es por tanto altamente ambigüo e interpretable.
 Por otro está el arte abstracto geométrico: que pretende ser objetivo y
universal, planificado, en la que la composición es estructurada y que evita toda
expresividad mediante el uso de la geometría. Suele defender una factura
impersonal y pretende evocar claridad y precisión.

Una cosa se me hizo manifiesta: que la objetividad, la descripción del objeto, no era
necesaria en mis pinturas y que en realidad les perjudicaba…
Kandinsky

Lavinia Fontana
Italia, 1552–1614
 Manierismo

 Mujer ♀

Lavinia Fontana fue una importante pintora


italiana del manierismo y el primer barroco,
tan importante que llegó a ser pintora oficial
de la corte del papa Clemente VIII.

Fontana, nació en Bolonia, que en la época


era un importantísimo centro cultural, y
además destacaba por su progresismo. Las
mujeres, lejos de gozar de igualdad, al menos podían ir a la universidad en esta ciudad.

Hija de un pintor de la escuela de


Bolonia,aprendió el oficio al estilo
manierista y emepzó a hacer retratos,
con los que adquirió cierta fama. El
matrimonio con el pintor Gian Paolo
Zappi no le pesó a su carrera. Viendo
que la que valía para esto
era Lavinia, este buen esposo se
dedicó a cuidar de los 11 hijos del
matrimonio, y a asistir a su mujer en
el taller. Un ejemplo de conciliación
impropio de los tiempos en los que le
tocó vivir. Así, al
final Laviniaconsiguió labrarse una carrera en Roma bajo el mecenazgo del Papa.

Su estilo es idéntico al de cualquier pintor masculino de la época: un arte religioso


claro, directo y fácil. El uso de colores fuertes típicos de escuela veneciana fue una de
sus señas de identidad. Maestra en los retratos, pintaba a los modelos con gran
naturalidad, parándose un poco en la representación realista de la ropa y las joyas.

Coleccionista de antigüedades, Fontana fue una mujer de gran importancia cultural


para la época1605

Manierismo
1550–1610
Cuando los elementos
principales
del Renacimiento empezaban
a entrar en crisis,
el manierismo significó un
progresivo abandono de la
proporción de las figuras, de la
perspectiva espacial, del uso
de líneas claras y definidas y de las expresiones mesuradas y dulces de los personajes
renacentistas.

Por ello para muchos, el manierismo es un período de transición entre el


arte renacentista y el arte barroco de los siglos siguientes.

El concepto de maniera significaba un saber hacer, y además sin esforzarse demasiado


por hacerlo. Una sofisticación, por así decirlo, pues se trata de un arte exclusivo de la
corte.

El arte manierista se caracteriza en general por su virtuosismo, su artificiosidad y -al


fin- por comenzar un libre diálogo entre forma y significado, entre el estilo y el tema.
Si… en buena parte como el arte contemporáneo actual.
En ese sentido hay que decir que es aquí cuando se abandona el arte devocional
realizado hasta ahora y se empieza a crear un arte autosuficiente, hecho para mostrar
en una galería de arte.

En literatura debemos considerar manieristas a autores


como Cervantes o Shakespeare. Con eso lo decimos todo.

Los buenos artistas imitan la naturaleza; los malos, la vomitan.

Leonardo da Vinci
Italia, 1452–1519
 Quattrocento
Leonardo da Vinci, el homo universalis,el
sabio renacentista, el artista versado en todos
los ámbitos del conocimiento humano.
No sólo era artista, también fue una
eminencia en aerodinámica, cocina,
hidráulica, anatomía, poesía, botánica.
Y por supuesto, por lo que lo conocemos
hoy: por su pintura, escultura y arquitectura.
Gracias a ello forma parte, junto a Miguel
Ángel y Rafael, de la santísima trinidad del
arte renacentista.

Ya en la época su vida fue una leyenda, alimentada por escrituras crípticas, inventos
futuristas y obras maestras de la pintura, pero se saben ciertas cosas de su biografía:

Leonardo nació en 1452 en la villa toscana de Vinci, hijo de una campesina y un


notario, que tendría 11 hijos (todos varones) en total. Su insaciable curiosidad se
manifestó de niño: ya dibujaba animales mitológicos, híbridos entre realidad y fantasía.
1ª leyenda: Su padre entró en casa y se asustó al ver una medusa con serpientes en la
cabeza. Era un dibujo.

Leonardo perfeccionó en el taller de Verrocchio pintura, escultura y demás artes. No


tardó en superar a su maestro. Pronto se interesó en una nueva técnica llegada de
los Países Bajos: la pintura al óleo. Con ella innovó en composición y claroscuro.

Se traslada de corte en corte: a la Florenciade los Médicis, al Milán de Ludovico


Sforza… No sólo como artista. También como ingeniero militar (Italia estaba en
continua guerra entre sus múltiples mini-estados), urbanista, músico y luthier.
Durante años desarrolló increíbles tratados científicos y futuristas ingenios: el
submarino, misiles, escafandras, helicópteros…

A los 24 años es acusado de «sodomía». Leonardo era homosexual, y aunque en la


época era bastante habitual, quedaría marcado socialmente. Aún así, en
el cinquecento ya era uno de los mayores maestros de Italia. Arte y ciencia eran su
mundo.
No dejó nada sin experimentar… Hasta la hostelería: con Botticelli abrió una taberna en
la que fue cocinero, llamada «La Enseña de las Tres Ranas de Sandro y
Leonardo».Hablando de esto, hay que decir que el artista era estrictamente vegetariano.
Incluso llegó a llamar a los omnívoros «devoradores de cadáveres». Y hablando de esto,
también robaba cadáveres para diseccionar.

Pasó sus últimos años en Roma y finalmente en el palacio de Cloux, como «primer
pintor, arquitecto y mecánico del rey». Su brazo derecho quedó paralizado, pero tenía
una mano izquierda igual de hábil. De hecho se sabe que pese a su dislexia, podía
escribir con una mano hacia adelante, y con la otra hacia atrás.

El genio no dejaría de trabajar en toda disciplina conocida y por conocer hasta el mismo
día de su muerte y hoy es considerado uno de los artistas más grandes de la historia
del arte.

Quattrocento
1400–1500
El Quattrocento (cuatrocientos, los años del siglo XV) es un período clave para el arte
occidental. Digamos
que es ahí donde nace el
arte como lo conocemos
hoy. Y el artista, que
deja de ser anónimo.

Como véis es una


palabra Italiana, pues es
ahí donde se inicia todo.
La edad media acaba y se empieza a valorar la antigüedad, el arte clásico griego y
romano. Pero todos esos nuevos artistas e intelectuales no quieren sólo imitar esa época
mítica. Lo quieren superar.

También se empieza a valorar al ser humano (humanismo). Eso da como resultado la


representación de la figura humana como tema, se busca imitar las cosas como son
(anatomía, profundidad, proporción, perspectiva…).

¿Se entiende por fin, se quiere entender qué fue el Renacimiento? La transvalorización
de los valores cristianos, la tentativa, emprendida con todos los medios, con todos los
instintos, con todo el genio, de llevar a la victoria a los contra-valores, a los valores
aristocráticos…
Nietzsche
Pablo Picasso
España, 1881–1973
 Cubismo

 Surrealismo
Pablo Ruiz Picasso, arquetipo de «el artista», genio,
vital, follador…, creador de estilos, una leyenda ya en
vida (que él contribuyó a forjar) y sin duda alguna, uno de los más grandes artistas de la
historia.
Dejó huella en cada una de sus múltiples etapas de sus períodos azul, rosa o blanco y
negro, al cubismo que inventó, después al surrealismo, a la abstracción… y por este
inconmensurable talento junto a su ingente producción estamos ante el artista más
famoso de la historia del arte.

Picasso no pierde vigencia porque fue la figura central de todo el arte del siglo
XX,un artista experimental pero ligado al pasado y con una obra que continuamente
admite nuevas lecturas. Fue quizás también el artista más influyente. El arte
contemporáneo es lo que es gracias (o por culpa) de él.

No podemos hablar de biografía al uso. Estampó su vida en sus lienzos y entre él y sus
amigos, la élite cultural del siglo XX, se crearon su propia vida, su propia leyenda. Los
detalles biográficos parecen irrelevantes ante la grandiosidad de su obra, aunque está
plagados de mitos, desde la bocanada de humo que le dio la vida a un recién nacido
artista al robo de la Gioconda en 1911.

No podemos hablar de un estilo concreto. Su libertad estilística hizo que pasara de un


estilo a otro sin transición, Su genio fue el material principal de su arte: en apenas
segundos podía hacer una obra maestra. Representaba la rama del arte contemporáneo
más física, la necesidad de pintar, de crear de forma material.

Fue también celebridad: la fama y el éxito económico, pero también el reconocimiento


artístico. Y esto se tradujo en una interminable lista de amantes, esposas, modelos… Es
evidente su vinculación entre sexo y arte.

Se calcula que Picasso fue autor de unas 13.500 pinturas y diseños, 100.000
impresiones o grabados, 34.000 ilustraciones para libros y 300 esculturas o cerámicas,
además de tener el mayor número de museos con su nombre («Museos Picasso»).

El principal enemigo de la creatividad es el buen gusto.


Cubismo
1907–1917
El crítico Louis Vauxcelles ya había bautizado a los fauves. En 1908 visitó una
exposición
de Braque y
escandalizado
escribe: «Son
geómetras ignorantes,
que reducen el paisaje
y el cuerpo humano a
ínsipidos cubos».

Estas «bizarreries cubiques» pondrían nombre al movimiento.

En realidad, en el cubismo no hay cubos. Más bien todo lo contrario.


El cubismo consiste reconocer la naturaleza bidimensional del lienzo y no recrear la
tridimensionalidad (cosa que precisamente pretende una figura como el cubo).

Para mirar un cubo, hace falta un sólo punto de vista, y lo que querían artistas
como Braque o Picasso, inspirados por Cézanne, es mirar un objeto desde todos los
puntos de vista posibles. Para entendernos, es como desmontar una caja de cartón y
dejarla completamente abierta en una superficie plana, mostrando todo a la vez, y
entrelazado.

Pero a pesar de ser pintura de vanguardia, los géneros que pintan los cubistas son de lo
más clásico: bodegones, paisajes, retratos…

Surrealismo
1924–1966
El hombre que no puede visualizar un caballo al galope sobre un tomate es un idiota.
Breton
André Breton fue el gurú del surrealismo. Poeta de vocación, se unió al dadaísmo, pero
al perder fuelle este movimiento decidió que había que continuarlo mediante una base
teórica sólida.

Breton había sido camillero en hospitales psiquiátricos durante la guerra, y ahí conoció
tanto la obra de Sigmund Freud como conoció la extraña realidad oculta tras la
locura.

Breton quería, con esa locura como herramienta, unir eso de Rimbaud de «cambiar la
vida» con eso de Marx de «transformar el mundo». Nace así el surrealismo que según
su líder «se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación
desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende
a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en
la resolución de los principales problemas de la vida».
En principio, esta vanguardia, aún viva hoy en día, quería incorporar los conceptos
psicoanalíticos de Sigmund Freud a la mentalidad Dadá.

De Freud interesaba sobre todo su


investigación sobre el importante papel del
subconsciente en el comportamiento humano, y
por tanto en su faceta creativa.

Por ello los surrealistas empezaron a dejar al


subconsciente trabajar, ya fuera
mediante escritura o pintura automática, por
plasmar sueños, por regresar a
la infancia… en definitiva por ser libre y
espontáneo.

Acceder al subconsciente significaba mostrar


pensamientos y deseos indecorosos, plasmar
imágenes chocantes para exponer la
depravación del ser humano, disfrazado de
civilizado por la sociedad burguesa.

El surrealismo en el arte
En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pero poco a
poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía,
cine…).

Como eso del subconsciente es algo tremendamente personal, no hay un «estilo


surrealista». Cada autor lo vivía a su manera, pero podemos distinguir en líneas
generales dos formas de arte surrealista:

 Una automática, espontánea y fluída, con universos figurativos propios.


 Una naturalista, que muestra con figuración a veces hiperrealista el mundo de
los sueños y el inconsciente.

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el
artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista
tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo
es surrealista o no.

Con el movimiento ya establecido en los años 30, y con los más extraordinarios artistas
apoyándolo, Breton se convirtió en una especie de papa. Tan celoso era de la pureza de
su teoría que realizaría purgas a todo aquel que cuestionara sus postulados.

Serían expulsados del movimiento figuras tan brillantes como Dalí o Artaud.
Salvador Dalí
España, 1904–1989
 Surrealismo
«El surrealismo soy yo…» Y lo más
surrealista es que es una afirmación
probablemente cierta. Salvador Dalí fue
quizás el surrealista más popular y uno de
los máximos exponentes mundiales del arte
contemporáneo. Ya fuera un genio o un
artista estrafalario, su legado no pasa
inadvertido incluso hoy en día y no podemos
más que maravillarnos con la perfección
técnica y el imaginativo contenido de su
arte.

Nacido en Figueres (pueblo que marcaría


toda su producción) Dalí nunca fue un niño normal. Tuvo un hermano que murió antes
que él y sus padres le pusieron el mismo nombre, Salvador,consintiendo todos sus
caprichos. Desde muy pequeño ya dio muestras de genio: dejaba sus excrementos en
cualquier lado, como forma de arte.

De adolescente viajó a Madrid, donde


experimenta con el cubismo y
el dadaísmo y entabla amistad con gentes
como Lorca o Buñuel(con él co-dirige Un
chien andalou y L’Age d’or). Y es
que Dalí no sólo se dedicó a la pintura.
Su creatividad abarcó
el cine, la escultura, el diseño (el logo de
chupa-chups) y la escritura…Mucho se
especuló sobre su sexualidad, pero todo
indica que Salvador era impotente (de ahí
las formas fláccidas de muchas de sus
obras) y más bien asexual. Él mismo decía
que sólo llegó al orgasmo un par de veces, y por masturbación. Su pelo largo, patillas y
bigote no pasaron desapercibidos en el Madrid de la belle epoque.Su vida y su
obra llegaron a ser la misma cosa y acabó siendo un showman obsesionado por
promocionarse a sí mismo. Se podría decir que fue pionero de los happenings y
del pop-art. Se creó ese personaje: provocador, imprevisible, loco…

Foto de Philippe Halsman (1948)


En París, Dalí es ya toda una personalidad, aunque no sabe desenvolverse como una
persona normal. No puede ni cruzar la calle solo. Pero ahí conoce a Gala que se
convirtió en esposa, musa y cuidadora.
En 1934 es expulsado de los surrealistas y no repara en insultos contra Breton. («La
diferencia entre los surrealistas y yo es que yo soy surrealista») En 1940 se traslada a
los Estados Unidos, donde encaja perfectamente con el surrealista
capitalismo. En Hollywood fue acogido con los brazos abiertos y colaboró con Disney,
Hitchcock, los Hermanos Marx… e invitado a todas las fiestas donde hacía la delicia
de la gente con sus salidas de tono.

Ocho años después regresó a España, que estaba bajo la dictadura de Franco, y abrazó
su régimen sin escrúpulos. Dalí se consideraba un anticomunista radical, pero todo
indica a que fue un oportunista que consiguió así que el dictador le dejara trabajar en
paz. La verdad es que no hay nada más surrealista que la relación entre estos dos tipos.

Otra cosa que le achacan sus detractores es su desmesurado amor por el dinero, que
amasó a manos llenas. Cualquier objeto daliniano se convirtió en un lucrativo negocio.
En sus últimos años llegó a firmar hojas en blanco para favorecer las falsificaciones.
Para él, la imitación de su obra era una prueba de su grandeza.

Dejando su vida aparte, Salvador Dalí fue un artista indiscutible. El detallismo


minuciosopero mostrando un mundo inconsciente hacen de él el más grande pintor de
sueños. Su naturalismo, tomado de sus ídolos Rafael y Velazquez, una enorme pasión
por la ciencia y las asociaciones delirantes cuya ambigüedad provoca diversas
intrepretaciones son sólo tres rasgos de su arte.

Inventó entre otras cosas, el método paranoico critico, con sus dobles imágenes y
pintó más de 1500 obras de arte, sin contar decorados, fotografías, colaboraciones y
sus numeritos,que hoy en día no pueden más que considerarse como Arte.

Frida Kahlo
México, 1907–1954
 Primitivismo

 Surrealismo

 Mujer ♀

 LGBT
Todos sabemos que las mujeres no pasaron a la
historia del arte como debían. Muy pocas están
en el Olimpo de los grandes artistas, pero sin duda hay excepciones y Frida Kahlo es
una de ellas.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una de las pintoras más conocidas
de Mexico y este país fue uno de los ingredientes principales de su obra.
Los surrealistas quisieron ver en Frida a uno de los suyos, pero ella siempre se mostró
reticente por un motivo: Frida no pinta sueños… pinta su realidad. «No sabía que era
surrealista hasta que llegó André Breton a México y me lo dijo».

Su vida estuvo marcada por diversos factores: la mala salud fue uno de ellos.
La polio de su infancia y sobre todo un terrible accidente de autobus dejó secuelas que
cambiaron su vida (dolores, amputaciones, imposibilidad de engendrar…), pero que
también la iniciaron el el arte. Durante el largo periodo de convalecencia en el
hospital Frida Kahlo realiza sus primeros trabajos artísticos.

Otro factor que marcó su vida y obra fue el (los) matrimonio(s) con Diego Rivera, toda
una institución en Mexico, que resultó una influencia masiva en el arte de Frida.
Aunque Kahlo era polígama y bisexual, las infidelidades de su promiscuo marido
hicieron de las peleas algo cotidiano y también quedó documentado en la pintura de la
artista.

La obra de Frida Kahlo es difícil de clasificar. Tan unida a su vida personal, se podría
decir que los cuadros de Frida son sujeto y objeto. Sin duda, y aunque ella misma lo
negara, hay una masiva influencia surrealista (no todo son sueños, también está la
magia, los mitos y el inconsciente que se respira en Mexico). También un evidente
influjo expresionista.

Muchos quisieron ver en su obra un primitivismo cercano a Rousseau, y desde luego


se percibe esa ingenuidad e infantilismo naïfdel francés,
aunque Kahlo, como Riverabuscaron siempre mostrar un exaltado nacionalismo, un
arte que expresara la afirmación nacional mexicana.

Su condición de mujer también fue principal en su obra. Rompiendo tabús sobre el


cuerpo y la sexualidad femenina siempre buscó con su trabajo alejarse de lo que podría
hacer una mujer de su época y se mostró dura, excesiva, violenta, activa… Es por ello
una especie de símbolo del feminismo en el arte.

Al igual que Dalí, la Kahlo creó el personaje de Frida, con su forma de vestir y
arreglarse, con vestimentas y abalorios indígenas, su negativa a depilarse cejas y bigote
y su pasión por la cerveza.

Según la propia artista, usó la simbología de los colores para su obra:


El verde: luz tibia, buena; marrón: hoja que va a la tierra, color del
mole; amarillo: locura, miedo y enfermedad, pero también algo del sol y de la
alegría; azul cobalto: electricidad, amor y pureza; negro: nada es negro; hojas
verdes:tristeza, ciencia; amarillo verdoso: locura y misterio, los fantasmas usan trajes
de ese color; verde oscuro: color de buenos negocios y malos anuncios; azul
marino: distancia, aunque también la ternura puede ser de ese color.

Primitivismo
1885
Soy un salvaje. Y las personas civilizadas sospechan esto.
Paul Gauguin
El arte moderno le debe mucho a los pueblos primitivos: el arte
prehistórico, el arte no occidental (aunque llamarle primitivo es
bastante condescendiente). Una máscara africana, una momia
peruana… todo lo que no estaba corrompido por la mirada
occidental de las cosas fue un punto de partida para numerosos artistas modernos.

Nada más moderno hay que volver a los orígenes y conseguir esa inocencia de los
primitivos, esa «regresión deliberada» (en palabras de Gombrich).

El primitivismo por tanto, más que un movimiento artístico delimitado es una corriente,
una inspiración para artistas de todas las épocas.

Primitivismo es también lo infantil, el naïf, lo arcaico, lo popular, lo espontáneamente


ingenuo…

Casi siempre está hecho por artistas autodidactas, que frente a la técnica llenan su
obra de un arte intuitivo y sugerente.

Jackson Pollock
Estados Unidos, 1912–1956
 Expresionismo Abstracto

 Abstracción

¿Sabía Jackson Pollock dibujar…? Lo cierto es


que no, pero amaba el arte y quería ante todo ser
artista. Los demás estudiantes se reían de él, pero
el pintor no se dio por vencido. Sabía que
tenía algo que decir en pintura.
Y efectivamente, lo que al final consiguió fue nada
menos que crear el primer estilo 100%
estadounidense: lo que se conoce
como expresionismo abstracto.

Hijo de granjero, Pollock pasó su infancia en Wyoming, Arizona y California. Al final,


sabía que si no podía ir a París, un artista debía ir al menos a Nueva York y ahí estudió
en el Art Students League, donde conoció la pintura de los muralistas mexicanos, y
al Greco, además de desarrollar su carrera paralela: la de alcohólico.

Empezó con obras figurativas, pero al final de los años 30 empezó a interesarse por
lapintura abstracta, que le permitió desarrollar su arte a pesar de sus carencias
artísticas, al menos para los legos en la materia. Pero en 1947 algo cambió. La leyenda
habla de accidentes (bote de pintura derramado en el lienzo, salpicaduras….). Sea como
sea Pollock«creó» el llamado dripping: en lugar de utilizar caballete y pinceles como
Dios manda, colocaba en el suelo el lienzo y sobre él dejaba gotear la pintura.

Los críticos americanos, deseosos de un arte puramente estadounidense empezaron a


apoyar este nuevo estilo. Pero no sólo los críticos… Es llamativo que en plena Guerra
Fríala CIA financió este movimiento.
Grandes lienzos abstractos de vivo colorido, sin composición de ningún tipo, donde los
trazos se entrelazan hasta formar una maraña densa y compacta que se iba creando de
forma automática (esto lo relacionó con el surrealismo).

Pollock luchó toda su vida contra el alcoholismo, que le provocó no pocas desgracias.
La última de ellas, el accidente automovilístico que acabó con su vida a los 44 años,
cuando ya era una leyenda en vida y los jóvenes artistas americanos lo tenían como una
figura casi mítica.

Piet Mondrian
Países Bajos, 1872–1944
 Neoplasticismo

 Abstracción
Piet Mondrian, el «pintor de los cuadraditos» fue un
artista holandés que creó su obra en torno a la revista De
Stijl, principal órgano de difusión neoplasticista.
Para tipos como Mondrian, el arte debía ser
representado a través de líneas rectas y colores
puros. Cada uno tiene su opinión.
En caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y
lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico.
Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban de moda en la Europa de la belle
epoquey que a la larga no es más que un intento de abstracción diferente al
de Kandinsky. Mucho más ordenado, más matemático… y más frío.

Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en


Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento.
Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos,
grises, tierras, tonos oscuros…

Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que le
descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos,
pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción.

La Gran Guerra llegó y el artista regresó a los Países Bajos, donde conoció a los que
serían sus compañeros de movimiento, Bart van der Leck y Theo van Doesburg. Con
ellos y otros más (arquitectos, diseñadores…) funda la revista De Stijl.
Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del
universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través
de planos de colores primarios y líneas rectas.
Al final Van Doesburg acabaría usando diagonales, aburrido de tanta línea monótona, y
un ofendido Mondrian se separaría definitivamente del grupo por semejante sacrilegio.
Francisco de Goya
España, 1746–1828
 Rococó

 Neoclasicismo

 Romanticismo
Francisco de Goya fue uno de los más
grandes artistas de la historia.
Siempre innovador, consiguió adelantarse a
todos y cada uno de los movimientos
pictóricos que aparecieron en Europa, desde
el romanticismoal surrealismo, pasando por
el impresionismo y el expresionismo.
Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo.

El pintor tardó en progresar, aunque siempre supo cual era su vocación. Rechazado en
varios premios durante su juventud, tardó 3 exámenes en conseguir el título de Maestro
de Pintura. Una vez conseguido emprendió un viaje a Italiaque le hizo descubrir el arte
con sus propios ojos, lejos del acartonamiento académico.

Su arte cambia al llegar a Madrid, donde consigue trabajo diseñando tapices. Poco a
poco, y gracias a un evidente talento, consigue un meteórico ascenso social que lo lleva
a la corte real. Ahí tendrá acceso a las colecciones de pintura de los reyes, y sobre todo
a Velazquez,del que se enamora.

Muy trabajador, cultiva todos los géneros destacando sus retratos (y durante toda su
vida numerosos autorretratos) y sus escenas costumbristas que captan a la perfección
el Madrid de la época. Nunca abandonó los temas populares y en ellos se mezcla la
más mordaz crítica social, con el más sofisticado estudio antropológico.

Se dice que el pintor era extremadamente tacañoy que en los retratos que realizó, si el
retratado quería que se le vieran las manos, debía pagar un suplemento. Quizás por ello
no aparecen muchas manos en sus obras por encargo.

También hizo muchas obras de temática erótica,que le costaron algún disgusto con la
Inquisición, una institución que siempre (y discretamente) rechazó. En esa España
resultaba raro y hasta algo peligroso pintar a una mujer desnuda; Sobre todo a una
noble… Fue muy sonado el rumor de que había pintado desnuda a la Duquesa de
Alba(las maja desnuda), aunque existen varios ejemplos de que lo hizo vestida y se sabe
de su buena «amistad». De hecho, el primer trabajo de Goya para Cayetana fue
maquillarla (?!): Cada vez que había una fiesta en palacio le pintaba los coloretes.

Como «reportero» realizó también sorprendentes e innovadores cuadros sobre


los momentos históricos que estaba viviendo. Con estas pinturas sentó un
precedente tanto estético como temático para el género no sólo limitándose a retratar
sucesos históricos, sino alcanzando también un mensaje universal.

En cuanto a su carácter, es muy conocido el mal humor del pintor, tan típico de los
sordos. La sordera que le agrió el carácter fue provocada por el saturnismo, una
intoxicación por derivados del plomo (el color blanco se hacía con este metal). Cada vez
más sordo, Goya se encerró en sí mismo, se volvió huraño y solitario, pero a cambio
pintó lo mejor de su producción, con nuevas y arriesgadas obras, como las
geniales Pinturas Negras, que preludian el expresionismo o el surrealismo casi 100
años antes de que este naciera.

Henri Matisse
Francia, 1869–1954
 Fauvismo
El gran artista del siglo XX junto a Picasso. Su
revolucionario uso del color cambió la pintura y encabezó
una de las primeras vanguardias, el fauvismo, del que
acabaría evolucionando hacia un arte personal e
inclasificable.

Su infancia fue poco inspiradora: «En mi pueblo si había un árbol en el camino lo


arrancaban, porque arrojaba sombra a cuatro plantas de remolacha». Su padre le llegó
a pegar un par de palizas cuando lo sorprendía dibujando «tonterías».

Así que el joven Matisse se marchó a París y se licenció en Derecho, llegando a trabajar
brevemente como abogado, pero en 1889 le entró «la fiebre» de estudiar arte. «¡Te vas a
morir de hambre!, ¿Me oyes, Henri…? ¡Es una carrera para vagabundos…!», gritó su
padre.
El hombre ni se imaginó que su hijo sería uno de los artistas más ricos y apreciados de
Francia.

Una vez infectado del arte, Matisse se formó con pintores


como Bouguereau y Moreau, pero al conocer a los jóvenes que pintaban sin seguir
reglas (Derain, Vlaminck…), se internó en un nuevo y desconocido lenguaje pictórico
basado en el uso libre del color, el vigor expresivo y el rechazo a ser una mera
imitación de la naturaleza.
Juntos expusieron en el ya mítico Salon d’Automne de 1905, donde el crítico Louis
Vauxcelles les denominó despectivamente fauves (salvajes), nombre que adoptaron
con orgullo. Matisse parecía enfrentarse a toda figura paterna que se encontraba en su
camino.

Esos colores contrastados junto con la influencia de la escultura africana y otras


culturas primitivas serán denominador común de esa etapa del pintor, pero sobre los
años 20 el artista se serena un poco y comienza a tender a la sensualidad, el ornamento y
la tradición. Es lo que pasa con la edad…
Exitoso, Matisse vendía cuadros como churros, al igual que su colega/rival Picasso. Y
como este, tenía una debilidad sobre todas las demás: las mujeres. Pero a diferencia
de Pablito, «la bestia sexual», Henri prefería observar. Un viejo voyeur que parecía
canalizar toda su pasión en el arte.
De salud débil de toda la vida estaba siempre en cama o en una silla de ruedas. De
hecho, hizo que pusieran la cama al centro de su taller, que estaba lleno de jóvenes
mujeres, modelos y cuidadoras correteando. Su mujer Amélie poco podía hacer.

Fauvismo
1905–1908
La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis
Vauxcelles escribe: «Donatello parmi les Fauves» (Donatello entre las fieras) cuando
ve la exposición del Salón
de Otoño de 1905.

Fauvismo es liberar el
color con respecto al
dibujo, ignorar claroscuros
y perspectivas, expresar
sentimientos… Era gente
inconformista, que como
todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante
la herencia pictórica.

El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en


toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

Au centre de la salle, un torse d’efant, et un petit buste en marbre, d’Albert Marque, qui
modèle avec un science délicate. La candeur de ces bustes surprend, au milieu del’orgie
des tons purs: Donatello chez les fauves…
(En el centro de la sala, un torso de niño y un pequeño busto en mármol de Albert
Marque, que modela primorosamente. El candor de esos bustos sorprende en medio de
la orgía de tonos puros: Donatello entre las fieras…)

Caravaggio
Italia, 1571–1610
 Barroco

 Tenebrismo

 LGBT
Michelangelo Merisi da Caravaggio, pintor
revolucionario, artista provocador, persona
inquieta de caracter pendenciero, genio
incomprendido, loco violento, hombre
atormentado, que crearía él solo un estilo, el barroco, e influiría (y todavía influye) en
todo el arte posterior, de Velázquez al Scorsese de «Malas Calles».
Su vida transcurrió entre la pintura y las peleas,y en las dos artes era extremadamente
bueno.

El renacimiento llegaba a su fin y un joven Caravaggio empezó a utilizar


técnicas tenebristas, que seguramente se acercaban más a su personalidad oscura.
Parece ser que vio el potencial expresivo de las sombras y buscó inspiración en la vida
misma, por fea que esta pudiese parecer.
Muy joven todavía, decide irse a Roma, según los biógrafos: «Senza denari e
pessimamente vestito»,pero la ciudad en plena contrarreforma apreció su estilo teatral
frente a la sobriedad protestante y Caravaggio pudo vivir holgadamente practicando la
pintura religiosa.

Sus características formas de pintar fueron, como todo lo revolucionario, en principio


no entendido y después imitado. En primer lugar renuncia a todo tipo de idealismo,
representando a profetas y santos como gente real, sirviéndose de modelos de la
calle. La polémica fue enorme: santos como mendigos, vírgenes como prostitutas…
Además vestidos con ropas contemporáneas. Pero el pintor capta perfectamente la
fuerza psicológica de esos personajes, resaltando sus rostros con una intensa luz y
envolviendo los fondos en tinieblas.
Sin embrago, y pese a las polémicas (o quizás gracias a ellas) sus cuadros comienzan a
ser objeto de interés por los coleccionistas y de repente el naturalismo extremo se
convierte en tendencia.

Doble autorretrato de Caravaggio.


En su vida fue igual de rebelde: las mismas luces y
sombras. Envuelto siempre en peleas y excesos, gozó
hasta la última gota de los bajos fondos de
Roma. También era conocido por sus
«limpiapinceles», jóvenes a los que «enseñaba» la
pintura y la vida. En efecto Caravaggio era
abiertamente bisexual, pero no el icono gay que
muchos quisieron que fuera. El pintor nunca llegó a
amar, por prudencia… Así tenía poco que perder.
Sus enemigos fueron aumentando y en una de sus
reyertas diarias acabó con la vida de un mafioso
local, Ranuccio Tomassoni. Huyendo de la policía y
de los seguidores de Tomassoni, que juraron vendetta, se iría a Nápoles donde viviría
unos años, enfrascándose en más problemas. A los 36 años partió de regreso a su
añorada Roma, pero no logró llegar a verla. Murió débil y sólo, quemado, sin imaginar
que 400 años después estaría en el top 10 de los más grandes artistas de la historia.

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