Introducción

Esta introducción se hace para darle un conocimiento de las esculturas como: el

pensador de Auguste Rodin, Jean-Baptiste Carpeaux con La Danza entre otros.
Estas esculturas fueron hechas con mármol, terracota y bronce, algunas en posición
sedente, algunas con estilo Ecléctico, con temas de vida silvestre alguna en Períodos
del Impresionismo, Arte moderno, Pintura del Realismo con Técnicas en Bronce,
Muselina, Madera, Cera, Seda, Lino textil
I Parte
Romanticismo:
Es un movimiento cultural originado en Alemania y en el Reino Unido a finales
del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de
la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos. Está
considerado como el primer movimiento de cultura que cubrió el mapa completo
de Europa. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista
basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda
constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el
Romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre
mismo que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se
desarrolla, incluso dentro de una misma nación, se manifiestan distintas tendencias
proyectándose también en todas las artes.

Realismo:
El arte realista puede definirse, en cuanto a su contenido, como el que representa los
temas "de acuerdo con reglas seculares y empíricas" de modo que tales temas sean
"explicables en términos de causas naturales, sin recurso a intervención sobrenatural o
divina"; considerando la existencia de una realidad objetiva en tercera persona, sin
embellecimiento o interpretación (como hacen los enfoques idealistas del arte: el idealismo
artístico, concepto con el que se contrapone).
Tal aproximación implica inherentemente una creencia de que tal realidad es
ontológicamente independiente de los esquemas conceptuales del hombre, de sus
prácticas lingüísticas y creencias, y que puede ser conocido (o conocible) por el artista,
que puede a su vez representar fielmente esa realidad.

Impresionismo:
Es un movimiento artístico1 definido inicialmente para la pintura
impresionista, a partir del comentario despectivo de un crítico de arte
(Louis Leroy) ante el cuadro Impresión, sol naciente de Claude Monet,
generalizable a otros expuestos en el salón de artistas independientes de
París entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 (un grupo en el que
estaban Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Paul
Cézanne, Alfred Sisley y Berthe Morisot).
Aunque el adjetivo «impresionista» se ha aplicado para etiquetar
productos de otras artes.

Cubismo:
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido
en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert
 Gleizes, Robert Delaunay Juan Gris y Guillaume Apollinaire. Es una
tendencia esencial, pues da pie al resto de las vanguardias europeas
del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva
con la pintura tradicional.
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles,
el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos
de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque,
Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por
«pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo». El cubismo literario es otra
rama que se expresa con poesías cuya estructura forma figuras o imágenes que
ejemplifican el tema, la rima es opcional y no tienen una métrica específica ni se organizan
en versos.

Abstraccionismo:
El Impresionismo de finales del XIX, desemboca en unas corrientes emergentes
de las dos primeras décadas del siglo XX (Fauvismo, Cubismo, Futurismo,
Pintura Metafísica, Expresionismo, Dadaísmo), posibilitadas por los
planteamientos de Cézanne, Gauguin y Van Gogh, creando un caldo de cultivo,
que nos va a conducir a unos planteamientos pictóricos radicales. A estos
movimientos y tendencias se les denominará Abstraccionismo o Pintura
Abstracta.
Por lo tanto, esta corriente artística, surge en contraposición a la figurativa descriptiva,
anecdótica Abstracción de Kandinsky y literaria, dando un papel prepoderante a la forma y
el color, postulando "la libertad en la creación y el arte como un fin en sí mismo" la vigencia
moderna de esta tendencia surge con el artista ruso Vasily Kandinsky en 1910, cuya
característica principal de este artista es que no descompone las imágenes como los
cubistas sino que imprime a sus obras un impetuoso sentido del color.

Cinetismo:
Escultura cinética:
El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética
del movimiento. Está principalmente representado en el campo de
la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las
obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las
ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo
de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente
contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años
1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más
adelante Alexander Calder inventó el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y
pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el
desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para
designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un
mecanismo motorizado.
El arte cinético fue una corriente muy de moda desde la mitad de los 60 hasta mediados
de los 70.
Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir
una impresión de movimiento.
Descripción

Auguste Rodin: El Pensador

 Esta figura fue modelada por Rodin entre 1881 y 1882.
 El pensador que se ubica en el centro del tímpano de La
puerta del Infierno fue integrado a esta a fines de la década
de 1880.
 Su Estilo fue el impresionismo
 Material: bronce
 Tipología: sedente

Jean-Baptiste Carpeaux: La Danza

 Fue Creada en 1865- 1869

 Su Estilo fue Ecléctico
 Material: Mármol

 L’Amour à la folie jkhg

  Fue Creada en 1869
 Estilo: Electico
 Material: Original de Terracota
 Autor: Jean-Baptiste Carpeaux

Antoine-Louis Barye: Lion and Serpent

 Fecha de creación: 1835

 Período: Romanticismo
 Tema: Vida silvestre

Edgar Degas: La pequeña bailarina de

catorce años
  Fecha de creación: 1879–1881
 Tema: Ballet
 Períodos: Impresionismo, Arte moderno, Pintura del
Realismo

Técnica: Bronce, Muselina, Madera,

Cera, Seda, Lino textil Información personal

Nombre de
Jesús Rafael Soto

Pablo Picasso - Sculpture:

nacimiento

Anónimo Nacimiento 5 de junio de 1923

Ciudad Bolívar, Venezuela

Fallecimiento 14 de enero de 2005 (81 años)

París, Francia
 Fecha: 1912 (ant.) / Copia de 1912.
 Técnica: Reproducción a medio tono
sobre papel.
 Dimensiones: Soporte: 19,5 x 15,1 cm.
 Categoría: Fotografía.
 Año de ingreso: 2005.
 Nº de registro: AD03997-013.
 Expuesto en: Sala 210.

III Parte

Jesús Rafael Soto

Biografía:
Estudió en la Escuela de Arte en Caracas, donde conoce a Carlos Cruz Diez y Alejandro Otero.
Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y
Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou
en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Información personal
Paulo en 1996.

Soto fue particularmente famoso por sus "penetrables" Nombre

esculturas dentro de las cuales, las personas pueden caminar Carlos Cruz-Díez
nativo
e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable
del observador, sólo puede estar completo con la ilusión
percibida por la mente como resultado de la observación. Nacimiento 17 de agosto de 1923 (93 años)
Caracas, Venezuela
Un trabajo de Soto adorna el techo del salón principal del
Teatro Teresa Carreño, en Caracas, y otro, una parte del
interior de la estación Chacaito del Metro de Caracas. Este Nacionalidad venezolana y francesa
último se extiende hasta el exterior de la estación y se puede
ver desde la superficie, en la Plaza Brión de Chacaíto. “La Esfera Caracas”, se encuentra en la
Autopista Francisco Fajardo, la cual fue recientemente reconstruida.

En su honor, el gobierno de Venezuela inauguró el Museo Jesús Soto en Ciudad Bolívar en

1973.

Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz-Diez, nace en Caracas, 17 de agosto de 1923, es un artista plástico venezolano, uno
de los máximos representantes del op art (arte óptico) a nivel mundial, vive y trabaja en París
desde 1960.2 Su investigación ha aportado al arte una nueva forma de conocimiento sobre el
fenómeno del color, ampliando considerablemente su universo perceptivo. Es presidente de la
Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez en Caracas y miembro de la
Orden de Andrés Bello (OAB). En el 2005 su familia crea la Cruz-Diez Foundation3 dedicada a la
conservación, desarrollo, difusión e investigación de su legado artístico y conceptual.

Cruz-Diez propone concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el
tiempo y en el espacio real sin ayuda de la forma o necesidad de soporte. Su trabajo abarca
ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique,
Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans l’espac..

Alejandro Otero: Información personal

Nació en El Manteco, Estado Bolívar, Venezuela, el 7 de

marzo de 1921. fue un pintor y Nacimiento 7 de marzo de 1921

escultor venezolano. Destacan sus obras escultóricas de El Manteco, Venezuela

gran formato, del género de arte cinético, muchas de las
cuáles son exhibidas en Venezuela, Estados Unidos y
Fallecimiento 13 de
Europa.
agosto de 1990 (69 años)
Hijo de José María Otero Fernández y María Luisa Caracas, Venezuela
Rodríguez. En 1939 inició sus estudios en la Escuela de
Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas bajo la tutela
de Antonio Edmundo Monsanto, de quien se reconoció Nacionalidad Venezolana
como discípulo. Otero «fue el pintor de su generación más
capacitado para comprender y sentir a Cézanne, cuya obra lo sedujo a tiempo que,
mientras estudiaba ponía el método analítico del pintor francés, partiendo del objeto
tradicional de la naturaleza, la figura, el paisaje.

Todavía estudiante, es nombrado profesor del curso de Experimentación Plástica para

niños (1942) y dos años después profesor de la Cátedra de Vitrales en esta institución, de
la cual egresó en diciembre de 1944. En sus primeras obras pertenecientes al período
escolar se encuentran retratos, desnudos y paisajes.

En 1944 realizó su primera exposición, junto a César Enríquez, en el Ateneo de Valencia.

El Gobierno francés y posteriormente el Ministerio de Educación de Venezuela le otorgaron
en 1945 una beca para cursar estudios en París, hecho que representó su primer viaje al
exterior.

En 1948 Otero es incluido en la muestra Les mains ebloués de la célebre Galería Maeght
en París. A mediados de enero de 1949 regresa a caracas.

Una nueva serie de su producción artística se inició en 1951, las Líneas de color sobre
fondo blanco. En estas obras Otero se aleja del objeto y la representación para aislar la
expresión pura de las líneas que ya estaban presentes en las cafeteras. En 1951 participa en el
Salón des Realités Nouvelles en París, viaja a Holanda y bajo los preceptos del Mondrian inicia
sus Collages Ortogonales, barras horizontales y verticales que se entrecruzan sobre un fondo
de color en una relación cromática serial.
us indagaciones en la abstracción encontraron en el hecho arquitectónico una significativa
posibilidad de desarrollo que se aprecia en el campus de la Universidad Central de
Venezuela, para la cual realizó cuatro murales y un vitral para la Facultad de Ingeniería, en
1954, una Policromía para la Facultad de Farmacia, (1957) y otra para la Facultad de
Arquitectura y Urbanismo (1956).

En la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas se desempeñó como

profesor de Composición y Análisis (1954-55) y Vitrales (1956)

Entre 1955 y 1960 trabajó en la etapa de los Coloritmos, tablones verticales pintados al duco.

En 1958 obtuvo el Premio Nacional de Pintura en el XIX Salón Oficial Anual de Arte
Venezolano con su Coloritmo N° 35.2«En ese instante la pintura abstracta, la pintura no
objetiva, queda no solamente reconocida oficialmente, lo cual ya había tenido lugar al
participar en salones anteriores, sino que resultaba premiada como expresión de una de
las principales corrientes de nuestro lenguaje plástico. Este hecho hubo de revolucionar el
concepto estético del mensaje pictórico, dentro del pronunciamiento genérico de las
diferentes tendencias que venían revisándose desde años atrás en Venezuela.

Otero participa en 1959 en la V Bienal de Sao Paulo donde su serie de los Coloritmos
queda consagrada. A finales de 1960 viaja nuevamente a París, donde permaneció hasta
1964. En este período su obra sufrió profundos cambios al abandonar el riguroso y
colorido abstraccionismo geométrico de los Coloritmos en la serie Telas Blancas,
desarrollada a partir de 1960 siguiendo los postulados de la monocromía. En estas obras,
el color prácticamente desaparece. Lo único que subsiste es la aproximación a la forma
plástica en superficies monocromáticas de natuAlejandro.

Otero contrajo matrimonio con la pintora Mercedes Pardo (Premio Nacional de Artes

Plásticas 1978) con quien procreó cuatro hijos Alejandro, Gil, Mercedes y Carolina

Otero.raleza informalista y factura pastosa.

Fallecimiento 13 de agosto de 1990 (69 años )en Caracas , Venezuela.