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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL POPULAR PARA LA EDUCACIÓN SUPERIOR

UNIVERSIDAD NACIONAL EXPERIMENTAL DE LA SEGURIDAD

CENTRO DE FORMACIÓN VARGAS

FOTOGRAFÌA

FACILITADOR: PROF. RONALD PINTO

INTEGRANTES:

MEZA MIGUEISVY V-18.467.456

RIVAS ROLDANY V-17.484.420

APONTE PERLIS V-18.535.716


INTRODUCCION

El tránsito hacia la nueva fotografía digital implica un desplazamiento


revolucionario de los fundamentos conceptuales y tecnológicos que han sido
hegemónicos a lo largo de los más de ciento cincuenta años de la fotografía
tradicional. Más allá del uso de un nuevo vocabulario básico, el tratamiento con
imágenes digitales comporta el acceso a un nuevo territorio discursivo. El texto
que se expone a continuación lleva a cabo un intento de urbanización, análisis
y aclaración de los nuevos conceptos y las herramientas necesarias para
extraer el mejor rendimiento de este nuevo territorio (todavía inestable) de
sistemas y dispositivos para la captura, la conversión, el tratamiento y la
optimización digital de imágenes fotográficas que ya nos rodea, y que define el
presente y al mismo tiempo el futuro de la imagen.
DESARROLLO

LENGUAJE Y CODIGO FOTOGRAFICO.

El lenguaje fotográfico

Una fotografía contiene numerosos significados, por eso es un fenómeno


polisémico, y para desentrañarlos el primer paso es reconocer su propia
gramática. Se trata de un vocabulario específico con una sintaxis
específica. Además, cuenta con su propia forma de articular este lenguaje
particular. Podríamos llamar estilo a la forma en la que cada fotógrafo utiliza
este lenguaje visual. Es un buen comienzo tener un panorama general de
algunos elementos que integran este idioma que es de utilidad tanto para el
que se hace una fotografía como para quien la analiza.

Primero vale la pena hacer una gran división: Proponemos iniciar con siete
grandes grupos o categorías. Desde luego son un punto de partida y pueden
sumarse más grupos.

1. Atributos fotográficos

Se trata propiamente de aquellos elementos, a grandes rasgos, propios de la


imagen en general y los atributos particulares que hacen que una imagen sea
considerada una fotografía con una morfología, características, sintaxis y
gramática propios. Son los atributos generales (iconográficos) a los particulares
(fotográficos) donde podríamos incluir distancia, encuadre, luz, enfoque,
tiempo, movimiento, etc. Estos atributos unitarios nos ayudan a determinar los
componentes de la imagen que se lee. En cierta medida es como la lista de
ingredientes en un platillo y son los elementos denotativos de la imagen. El
cómo estén combinados tiene que ver con nuestro siguiente grupo: la
composición.

2. Composición

Toda fotografía contiene elementos que están articulados, organizados de una


manera específica, que tienen un cierto diseño y la composición. Entonces, es
necesario incluir algunos elementos de valoración que permiten analizar una
fotografía tal y cómo está realizada desde el punto de vista de organización de
sus formas. Aquí encontraremos elementos tales como proporción, ritmo, etc.

3. Continente y contenido

En toda fotografía hay un continente (la foto misma) y un contenido (lo que está
en la foto). El continente implica el formato: Si es un daguerrotipo, un ambrotipo
o una imagen electrónica, con qué tipo de instrumento se realizó. Importa
porque distintos equipos pueden tener eso que llama Vilém Flusser
«Programa», es decir las limitaciones o características propias del medio. [1]
Por ejemplo, una cámara Rolleiflex réflex de doble objetivo de formato medio
generará forzosamente un encuadre en proporción 1:1, es decir, totalmente
cuadrado y eso forzará al fotógrafo a tomar ciertas decisiones específicas dada
la peculiaridad de la proporción en el encuadre).

El contenido nos hace reflexionar sobre el motivo fotográfico, si incluye


personas, cuál es su discurso y cómo se ha realizado la narrativa visual.

4. Estilo y género

Los géneros nos ayudan a entender un conjunto de cánones (reglas) con los
que se lee una imagen. Así no es lo mismo leer un retratourbano que
una fotografía de calle, una fotografía hallada que una creada, etcétera.
Comprender este conjunto de convenciones permite delimitar si se trata de una
imagen canónica (es decir, que sigue las reglas del género al que pertenece o
si las trastoca), que contradice preceptos o que aporta nuevos elementos a un
género, como lo que ocurrió con Richard Avedon cuando agregó el movimiento
a la estática fotografía de modas de la posguerra.

5. Autoría

No siempre se conoce al autor de una fotografía. Por ejemplo, ignoramos con


frecuencia el nombre del creador visual en la mayor parte de la fotografía
publicitaria. Sin embargo, se obtiene una valiosa información contextual al
saber quién es el autor, si pertenece a una cierta escuela, con qué otras
fotografías se relaciona, etc. En hermenéutica esto se traduce en saber qué se
dice pero también quién lo ha dicho. Como dice Luis Enrique de Santiago
Guervós «No se trata simplemente de comprender el sentido de un texto, sino
sobre todo de captar cómo se ha producido ese texto, cuál es la génesis de su
creación.»

6. Intención

Ayuda comprender el propósito del autor. No hay que olvidar que para leer una
fotografía hace falta eso que Fiedrich Schleiermacher llamaba «…el arte de
comprender correctamente el discurso de otro.» [3] Esto puede llevarnos a
tratar de desentrañar mejor el sentido de la obra, así como valorar cómo se
disemina (distribuye) o cómo es recibida. Ahora bien, no hay que olvidar que
también puede ocurrir que el fotógrafo tenga una cierta intención, pero el
observador interprete la imagen de manera diferente a la que el autor buscaba.
Tampoco es prudente caer en el intencionalismo. Al respecto se puede revisar
nuestro artículo titulado Sobre la intención del fotógrafo.

7. Elementos semióticos

La lectura de la fotografía como un signo inserto en un sistema de signos


puede enriquecerse si tomamos la triconomía semiótica de Charles Sanders
Pierce tratando de comprender la fotografía desde el punto de vista icónico,
como signo (o conjunto de signos), en un terreno simbólico y su papel como
huella de un hecho físico (índex). Es útil referirse a nuestra Guía Mínima de
Fotografía y Semiótica.

CÓDIGOS FOTOGRÁFICOS.

LO POPULAR DESMITIFICA LOS CÓDIGOS

Si atendemos a la definición de Código como un Sistema de signos y de reglas


que permite formular y comprender un mensaje . En el caso de las artes, el
“pop art” rescató imágenes banales, chatarra, invasoras de nuestro entorno
apropiándoselas para crear y validar un nuevo género en el cual el “arte” podía
estar presente en todo, hasta en lo más insignificante y cotidiano. El arte de lo
popular. Imágenes de todo tipo, buenas, malas, no importaba; objetos y
entornos familiares asimilados, recuperados, reproducidos mezclados en un
mestizaje hibrido de confusión, aceptado por todos como arte, como un nuevo
valor estético. Un género artificialmente construido a través del discurso
ideológico, la crítica filosófico-social y la aceptación de lo aceptado. Este flujo
visual confrontado con los conceptos clásicos de la estética y de la cultura
abrieron brecha, en las bellas artes y en los medios de comunicación. Los
géneros establecidos claudicaron y se encauzaron en una suerte de nueva
modalidad.

El arte institucional, cultural y políticamente aceptado deja de ejercer su


monopolio en la producción de las imágenes reinventadas y rescatadas desde
la improvisación y el frágil equilibrio entre la armonía y la discordancia visual en
el seno de una misma cultura. Las bellas artes, y los medios de comunicación
inspiran la creación y producción de obras artísticas, en ocasiones insólitas,
estructuradas y visualmente complejas, o a menudo vacuas, frágiles y carentes
de discurso, emanadas de una urgente necesidad de rompimiento social
contestatario o comercial. La imagen de lo representado, de lo fotografiado, en
sí, no define géneros o temas, no se sostiene por si misma, se valida a través
del discurso amplio y general, de la intención contestataria, mercadotécnica; o
la exploración de una renovación cultural con nuevas posibilidades y recursos
expresivos y comunicativos.

Refiriéndonos a los signos icónicos encontramos un problema relativo a la


comprensibilidad intencional comunicativa de las imágenes: La posibilidad de
representar relajadamente la realidad con información no tan rigorista, en
cuanto a los símbolos asumidos; en este tipo de comunicación fotográfica los
productores y lectores de las imágenes, usualmente especialistas, delegan los
limites de la interpretación a significados intelectuales o estéticos no
comprometidos con el mundo real. Otra vertiente es la lectura comprometida
con la realidad que exige a la imagen una relación casi univoca: el realismo, el
documentalismo, el testimonio fotográfico. Consideramos que cualquier intento
de clasificación de las fotografías debe atender a la intención que el fotógrafo
tuvo al realizar las imágenes, a las circunstancias de enunciación o soporte o
medio utilizado para su lectura y a las nomas de interpretación que tendrá el
público, en términos de la flexibilidad que tenga para asociar o identificar
significados o rasgos semánticos. De ahí se deriva la diferencia de significados
que puede tener una misma fotografía en distintos espacios o puntos de
lectura; galería, libro, periódico, medios electrónicos.

TECNICAS Y HERRAMIENTAS BASICAS DELA FOTOGRAFIA

2. Herramientas de tratamiento y optimización gráfica digital


De acuerdo con los dos tipos de imágenes digitales que hemos
tratado (mapa de bits y vectoriales), también el amplio software
existente para tratarlas y optimizarlas puede ser dividido en software
gráfico de mapa de bits y software gráfico vectorial. Por la afinidad
que tiene con la posibilidad de una edición de imágenes con calidad
fotográfica, trataremos sólo el software más destacado de tipo de
mapa de bits, dejando a un lado el de tipo vectorial.

El mundo específico del software dedicado a cuestiones gráficas no


deja de crecer día tras día. Los listados de demos,
asistentes, freewares, sharewares o alias para la optimización y el
retoque de imágenes y fotografías digitales se han ampliado cada
vez más rápidamente a lo largo de la última década, junto con un
aumento también simultáneo de las cámaras y aplicaciones de
fotografía digital de todo tipo. Aun así, conviene destacar, por su
capacidad de producción de imágenes de mapas de bits de calidad
profesional, herramientas como Corel PhotoPaint, Fractal Painter,
Paintshop Pro, Microsoft PhotoDraw y, muy especialmente, Adobe
Photoshop, Adobe ImageReady, Macromedia Fireworks y GIMP
Open Source.

Adobe Photoshop y Adobe ImageReady

Adobe Photoshop es seguramente el más conocido de los


programas de retoque y edición fotográfica existentes, y se ha
llegado a convertir en el estándar entre los profesionales de la
edición fotográfica digital y los diseñadores gráficos. Dispone de
una interfaz gráfica especialmente imitada por el resto de
software competidor, y también del catálogo más extenso de
filtros y herramientas para el retoque profesional de la imagen.

Photoshop es un software focalizado en el tratamiento de


imágenes en formato de mapa de bits. En Adobe Photoshop,
desde su versión 5.5, se incorpora un software asociado, Adobe
ImageReady, especializado en las numerosas posibilidades de
optimización de las imágenes digitales pensadas para su
transmisión o publicación web.

Macromedia Fireworks
Fireworks es la respuesta de la empresa Macromedia al
predominio de Adobe Photoshop como herramienta de
tratamiento y retoque de fotografía digital. Se trata de una
herramienta de creación gráfica polivalente, que permite
desarrollar desde la simple optimización de una imagen digital
hasta la creación de un sitio web completo, ofreciendo de forma
integrada las posibilidades de Photoshop e ImageReady en un
único software.

Sus grandes potencialidades operativas hacen que pueda


combinar el tratamiento de geometrías y formatos vectoriales
con imágenes de mapas de bits, de modo que permite realizar
en los dos casos imágenes y gráficos complejos para su
impresión o bien para ser visualizados sólo en la pantalla. De
hecho, Fireworks representa ya el estándar en la optimización
de gráficos para la Web.

GIMP Open Source

GIMP es el acrónimo de General Image Manipulation Program,


el software de código abierto más avanzado para el tratamiento
de gráficos digitales, con capacidades avanzadas de retoque y
edición de fotografía digital. Puede ser utilizado como una
herramienta simple de dibujo digital y, a la vez, como un
programa experto de retoque fotográfico, con capacidad de
proceso, rendering, conversión y optimización de gráficos
digitales.

Soporta casi todo tipo de formatos (GIF, JPEG, PNG, XPM,


TIFF, TGA, PEG, PDF, BMP y otros), canales alfa para la
edición de transparencias y ya existen versiones para
plataformas UNIX, MacOS X y Windows.

GIMP responde a un proyecto desarrollado originalmente por


Peter Mattis y Spencer Kimball en la Universidad de California,
Berkeley, para el procesamiento y la manipulación de imágenes,
con una interfaz básica de trabajo parecida a la estandarizada
por Adobe Photoshop. Debido a su naturaleza de software libre
de código abierto, posee una capacidad infinita para la adición
de conectores (plug-ins), en permanente proceso de creación
colectiva y compartida por toda la Web.

TECNICAS:

La fotografía se define como el “arte, habilidad y ciencia de producir imágenes


permanentes de objetos sobre superficies fotosensibles” según el
Diccionario Artlex art. Así, la fotografía no sólo es una técnica, pues también
requiere habilidad para tomar las mejores impresiones de la realidad a través
de la luz.

Muchos buscan utilizarla para retratar su día a día, como testigo de sus
hazañas; otros la utilizan para capturar momentos increíbles de la naturaleza y
otros buscan el reconocimiento de su trabajo a través del arte de la fotografía.
Sin embargo, lejos de la fotografía tradicional, también existen técnicas que le
dan a esas fotos mucha más fuerza.

Algunos piensan que sólo a través de programas de edición se pueden obtener


imágenes fuera de la realidad, pero las cámaras nos brindan las herramientas
adecuadas para realizar composiciones magníficas sin tener que editarlas.
Para descubrir el potencial que tiene tu cámara, te presentamos 8 técnicas
impresionantes para que pongas tus habilidades de fotógrafo a trabajar:

Light painting

El light painting es una técnica fotográfica con exposiciones largas de luz. Se


puede realizar si pintas en el aire con tu mano para que la fotografía capte las
ondas de luz. Realizar light painting es muy sencillo, lo primero que debes
hacer es configurar el ISO de la cámara: ISO 100 será adecuado. El diafragma
también debe cambiar, debe ser por lo menos de f/8 pero puedes abrirlo y
cerrarlo hasta que el efecto se vea con claridad. El enfoque de la cámara debe
ser manual para que cuando dispares se vea lo que deseas y no enfoque otra
cosa.

Utiliza una velocidad de disparo lenta, de entre 10 a 30 segundos, y si tu


cámara tiene la opción, usa un disparo de retardo o disparador a distancia para
captar bien la imagen y dibuja con luz mientras la cámara exponga la
fotografía.

Bodegones
Un bodegón representa materia inanimada en un pequeño grupo de objetos. El
fotógrafo puede realizar la composición que guste, retratarla con la cámara y
practicar varias veces hasta obtener una gran toma. Para que un bodegón sea
exitoso se requiere buen uso de la iluminación y generar una composición
equilibrada, pues tú mismo harás y tomarás las imágenes. Tienes que elegir el
fondo de tu fotografía, el ángulo en el que la tomarás y la iluminación correcta,
ya sea natural o artificial.

Rastros de luz

Las fotos con rastros de luz dejan ver al objeto del que salen destellos
luminosos en movimiento. Son exposiciones prolongadas de fuentes móviles
de luz, por lo que su creación es muy similar a la del light painting. Se requiere
una cámara que permita el control de la exposición de luz y las velocidades del
obturador. Aunque el procedimiento de éste y la primera técnica son similares,
en el rastro de luz intervienen más factores externos como la luz ambiental o
aquello que queramos retratar.

El ISO debe estar lo más bajo posible, el enfoque debe ser manual y la
velocidad de obturación de entre 10 a 20 segundos. La apertura debe ser de f/8
pero puedes probar cómo funciona la toma para cambiar y mejorarla. Por
último, debes eliminar cualquier otra fuente de luz para que la imagen no se
queme

Star trails

El recorrido de las estrellas también se puede fotografiar, esta técnica se


conoce como star trails o trazas estelares y retratan el giro de las estrellas del
polo norte y polo sur. Mientras más cerca del Ecuador estés, mayor movimiento
de las estrellas podrás ver. Se necesita paciencia para realizar este tipo de
fotografías pues la exposición puede durar varias horas. La cámara captará la
luz de una forma completamente diferente con exposiciones extralargas.

Necesitas una cámara que te permita hacer esto, que pueda permanecer en
modo Bulb, un disparador remoto y un tripié. Debes usar un objetivo de gran
angular de 28mm y si quieres lograr captar una roca o un árbol debe ser de 35
a 50 mm. Debes tener un lente rápido de 2.8 que capture el movimiento en una
noche de luna nueva, para que no exista luz de luna que intervenga en la toma.
Eleva el ISO lo más que puedas y abre el diafragma.

Lomografía

Inventado por la Sociedad Lomográfica de Austria, esta técnica es de alto


contraste y de enfoque suave. Es considerada un movimiento artístico que
utiliza las fugas de luz para crear efectos impresionantes. Sus cámaras son
especiales pues utiliza las cámaras desechables del pasado. Habitualmente
son cámaras que se utilizan en días soleados y cálidos, pues no funcionan para
retratar interiores.

Inventado por la Sociedad Lomográfica de Austria, esta técnica es de alto


contraste y de enfoque suave. Es considerada un movimiento artístico que
utiliza las fugas de luz para crear efectos impresionantes. Sus cámaras son
especiales pues utiliza las cámaras desechables del pasado. Habitualmente
son cámaras que se utilizan en días soleados y cálidos, pues no funcionan para
retratar interiores.

Fotografía nocturna

Para lograr una fotografía nocturna necesitas disparar en RAW, pues obtendrás
una mejor calidad de la imagen y podrás tener mayores opciones, como
cambiar la temperatura del color o el balance de blancos.

Se debe utilizar la apertura conocida como “punto dulce”, entre f/8 y f/16.
Debes disparar en modo manual, enfocar tu toma y ajustar la apertura en f/16,
revisa tus fotos y ajusta nuevamente si no quedaron perfectas. El f/16 también
te garantiza mayor profundidad de campo.

Fotografía en blanco y negro

La composición de la fotografía en blanco y negro es más importante, puesto


que los contrastes entre luces y sombras son más grandes. Los detalles son
sumamente significativos y la textura es primordial, por lo que las imágenes en
las que prima una textura firme son mejores si se retratan en blanco y negro.
Por esta razón, el ISO alto, a diferencia de la fotografía a color, es muy
adecuado en las fotografías en blanco y negro por la textura que genera.

Fotografía callejera

Documentar la vida y lo que ocurre en nuestro entorno, es uno de los anhelos


de cualquier fotógrafo, pues su obra será el testimonio de una sociedad.
Muchos consideran que sólo se trata de retratar rostros al azar pero la
fotografía callejera también tiene su ciencia. Esta técnica es muy similar al
fotoperiodismo pero sus fotografías se centran en la vida cotidiana de extraños.

Su meta es capturar lo que ocurre sin afectar su entorno, por la que la mayoría
de sus fotografías son in fragantipara mostrar la naturaleza real de las
personas. El fotógrafo callejero debe lograr contar una historia.

IMÁGENES FOTOGRAFICAS DE COMUNICACIÓN


4) LA FOTOGRAFIA COMO MEDIO DE COMUNICACIÓN ALTERNATIVA

La fotografía en la Comunicación

Desde su invención en 1839, las facultades únicas de fotografía de descripción


visual se han usada para registrar, reportar, e informar. La gente prefiere ver
las cosas con sus propios ojos, pero cuando esto es imposibles la cámara
puede frecuentemente servir para el mismo propósito. No es cierto que las
fotografías nunca yacen, pueden falsearse y manipularse. No obstante, una
fotografía puede llevar una medida fuerte de autenticidad y convicción. Como
medios no verbales de comunicación, la fotografía puede superar las barreras
de idioma y comunican mediante símbolos visuales universales.

Las fotografías se favorecen con su uso en los medios masivos. Hoy son
reproducidas por billones, y pueden encontrarse en todos lados: en las páginas
de periódicos, las revistas, libros, catálogos, y prospectos; en exhibición en
carteleras, ventanas de negocios, y carteles y emitida en la televisión.

En los días tempranos de la fotografía algunas de las imágenes más


ansiosamente buscadas eran las traídas por exploradores y viajeros. Estas
satisfacían la curiosidad de la gente sobre lugares distantes como la China,
Egipto, y el Oeste Estadounidense. El mismo tipo de curiosidad existe hoy. La
gente se fascinan con fotografías de la superficie de la luna, el paisaje de
Marte, y el aspecto de otros planetas en el sistema solar.

Las fotografías en los medios masivos de comunicación han hecho las caras de
líderes políticos, animadores populares, y otras celebridades familiares al
público. Cuando una noticia importante ocurre hay fotoperiodistas para registrar
el suceso. Los fotoperiodistas a veces gastan meses cubriendo una historia.

La fotografía es también necesaria en la industria de la publicidad. En los


esfuerzos para vender un producto, se usan las fotografías atractivas del
artículo. La fotografía es también ampliamente usada en la educación y el
entrenamiento dentro de el mundo académico, industria, y los servicios
armados.

Las fotografías también se usan frecuentemente en intentos de cambiar la


opinión pública. Los gobiernos, partidos políticos, y grupos de intereses
especiales han usado por largo tiempo la representación gráfica y el impacto
emocional de fotografías para fomentar sus causas. Tal uso puede desembocar
en propaganda destructiva, tal como la de los Nazis durante el Tercero Reich.
La fotografía puede también ayudar a ocasionar cambios deseables. Las
fotografías de la región de Yellowstone eran instrumentos en la decisión de
Congreso para establecer esa área como un parque nacional, y fotografías de
niños trabajando ayudaron a sancionar la legislación de protección a la
explotación de los niños.
CONCLUSION

Hemos llegado a la conclusión que En este artículo la fotografía interesa bajo


un punto de vista del uso que la sociedad hace de esta técnica moderna de
producción de imágenes. No importa la calidad sino la cantidad, los lugares y
los momentos elegidos, por los fotógrafos esporádicos, para pulsar el botón. La
fotografía, en la sociedad moderna, resulta imprescindible para perpetuar lo
que nosotros consideramos interesante, la presencia del fotógrafo, tanto
profesional como aficionado, es algo natural. Su aceptación está garantizada
cuando se trata de alguna celebración, entonces posamos amablemente
porque es una costumbre social que el fotógrafo obtenga las imágenes de la
celebración, no importa el carácter de la misma, con tal de que sea una boda,
una comunión, la celebración de un cumpleaños o una excursión. Con el uso
social de la fotografía se ha convertido en el medio de comunicación de las
masas, que son quienes verdaderamente sustentan esta industria.