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CHICHA DE YUCA

La tradición dice que los hombres quichuas no salen al bosque o a sus faenas diarias sin
tomar, en dos grandes "pilches" de casi un litro de chicha de yuca. Con este único alimento
trabajan, caminan o cazan hasta el mediodía cuando la toman otra vez. Por la tarde la dosis
se repite.

Además de que la chicha es la bebida principal, es lo primero que ofrecen a los visitantes que
llegan hasta las comunidades quichuas asentadas en el Napo. La costumbre de esta etnia
establece que se debe beber despacio con sorbos cortos. Si se la bebe rápidamente, esto
significará que se desea más y ellos llenarán nuevamente el pilche.

Su sabor es algo picante y para quienes la prueban por primera vez es recomendable que
filtren con sus dientes los pedazos de yuca que es la materia prima. Cuando se termina se
debe colocar el recipiente volteado sobre el piso.

La receta:

Chicha de yuca

2 Yucas medianas
1 Camote
1 Plátano maduro
Agua

Preparación

Lo primero es pelar la yuca y cocerla hasta que esté blanda. Cuando está lista se la aplasta
en una batea hasta desmenuzarla bien. En un recipiente separado se ralla el camote con
agua. Luego se mezcla la yuca y el camote con el mismo líquido que se cocinó. Se deja
fermentar durante 24 horas por lo menos. La chicha máximo se puede beber hasta con cinco
días de fermentación, luego de este tiempo es demasiado fuerte.

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Fabricar colores de acuarela, óleo y gouache


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Los materiales
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La acuarela, con sus tonos sutiles y resplandecientes... Pocos minutos bastan
para crear tus acuarelas caseras. Aunque no rivalizarán con las de los
fabricantes de colores, serán bien resistentes.

Algunos conocimientos

Como todas las pinturas, los colores de acuarela están compuestos por
pigmentos y un ligante, generalmente goma arábiga diluida.
Cuanto más molidos estén los pigmentos, más resplandeciente será el tono
obtenido.

Preparar el ligante

1. Preparar el ligante

La goma arábiga se presenta en dos formas: en solución, lista para el uso, o


seca. Prepara la goma seca de la manera siguiente:

Ponla en un tarro de vidrio, añade dos volúmenes de agua. Calienta la mezcla al


baño maría, en una cacerola de agua caliente.

Remueve para disolver completamente la goma. Deja enfriar. Tienes que obtener
un líquido espeso.

La solución está lista. Consérvala protegida de la luz, en la nevera. Algunos


artistas conservan la solución de goma arábiga por lo menos un año. Sin
embargo, más vale preparar pequeñas cantidades, adaptadas a tus necesidades.

Truco: En la cocina...

Varios ingredientes optativos procederán directamente de tu cocina:

Algunas gotas de vinagre blanco prolongarán la longevidad de la solución de


goma arábiga.
Un agua azucarada o con una cucharada de miel reforzará la transparencia de la
acuarela.

Mezclar según las reglas

2. Mezclar según las reglas

La pasta obtenida puede utilizarse inmediatamente. También puedes trasladarla


a pequeños recipientes con tapa hermética, y utilizarlos luego como la acuarela
clásica.
Pon una cuchara de pigmentos en polvo en una placa de vidrio, añade el mismo
volumen de solución de goma arábiga. Mezcla con cuidado utilizando una
espátula fina, humedeciendo bien todos los pigmentos.

Muele esta mezcla, con una espátula o con una moleta, para aplastar los
pigmentos lo máximo posible.
La dosis de goma arábiga depende de la naturaleza de los pigmentos y del
resultado que quieras obtener. Cuando mayor sea la proporción, más brillante
será el color. En cambio, una pintura con demasiada goma tenderá a
resquebrajarse.

Los pigmentos orgánicos son más difíciles de humedecer: añade eventualmente


algunas gotas de hiel de buey, un agente mojante.

Para preparar grandes cantidades de pintura, utiliza un mortero y una maja.

Fabricar gouache y pintura al óleo

3. Fabricar gouache y pintura al óleo

El gouache se prepara como la acuarela, añadiendo a la mezcla de pigmento y


ligante caolín, talco o blanco de cinc.

La pintura al óleo se obtiene moliendo pigmentos con un aceite llamado secante,


como el aceite de lino. ¿Por qué secante? Con la acción del oxígeno del aire,
pasa del estado líquido al estado de gel, y luego se solidifica.

¿Lo sabías? La invención de la acuarela

En el siglo XVI, Albrecht Dürer se impuso como uno de los primeros maestros
europeos de la acuarela, pero los orígenes de este medio se confunden con los
de la expresión artística. Las primeras pinturas rupestres ya hacían uso de una
mezcla de pigmento natural (ocre o negro) y de un ligante... por ejemplo, la
saliva. En la Antigüedad, las paredes de las pirámides se adornaban con frescos
de acuarela. En China, su invención es contemporánea a la del papel, unos 2 000
años antes de nuestra era.

El paisaje: crear un ambiente


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Los trucos del profesional


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La serenidad de la mañana, la irrealidad de un decorado brumoso, la teatralidad
de una escena de tormenta... Un paisaje que marca el recuerdo se caracteriza
ante todo por un ambiente especial.
Algunos conocimientos

Cuando hace sol, la limpidez del cielo contrasta con los colores vivos de los
temas. Da prioridad a las iluminaciones intermedias (media mañana o media
tarde), define sombras suaves y contrastes ligeros.
Reserva la luz del mediodía, fuerte y aplastante, para los temas que la merezcan:
fachadas blancas sobre el mar azul, por ejemplo.
Para dramatizar una escena, busca las luminosidades extremas (puesta de sol,
tempestad) y acentúa al máximo los contrastes, hasta el claroscuro.

Dramatización, modo de empleo

1. Dramatización, modo de empleo

Atrévete con los tratamientos inesperados; por ejemplo, dibujando en negativo


sobre un papel oscuro.
Pon los temas en escena: elige un punto de vista en contrapicado, introduce un
primer plano muy fuerte.
Acentúa los relieves de los centros de interés con grandes empastes, o con una
densidad de pigmentos elevada si trabajas con medios secos.
Realza los contornos de los temas con una línea oscura, satura y oscurece los
colores.
Refuerza los contrastes.

Trabajar en claroscuro

2. Trabajar en claroscuro

Cualquiera que sea el número de colores implicados, el contraste nace de la


oposición entre los tonos claros y oscuros. Cuanto más radical sea la oposición
entre el fondo y el tema, más ganará en relieve éste último y más se impondrá en
una composición decididamente teatral.

En una escena globalmente oscura, un tema muy iluminado, casi bañado en una
luz sobrenatural, atrae la mirada: es la esencia del claroscuro, tal y como lo
definió Rembrandt. En la acuarela de Matthias Braun, al lado: la espuma y la
parte clara del cielo, tratadas con la técnica de la apertura (se deja el papel a la
vista).
Puedes buscar el efecto inverso oscureciendo fuertemente los temas para
exaltar la riqueza y la luminosidad del fondo. En la obra de Matthias Braun, al
lado: la masa nubosa o las olas.
Trabaja finamente los matices intermedios, ya que contraste no significa ruptura.
En la obra de Matthias Braun: el verde del mar se declina en varias tonalidades.
En la primera capa de verde bastante diluida, ha añadido puntas de color menos
diluidas.
Piensa en atenuar la densidad de los colores y la fuerza de sus oposiciones a
medida que te acerques al horizonte.
Acuarela : Aligerar los colores

Los trucos del profesional


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En acuarela, es indispensable saber aligerar los colores, para aclarar las zonas demasiado cargadas, alternar
texturas y, sobre todo, corregir un error.

Algunos conocimientos
• Este procedimiento es más fácil de realizar con una pintura húmeda que con una pintura seca.
• Es importante trabajar con utensilios limpios, para evitar ensuciar los colores.

1. Retrato sobre pintura húmeda

Con un pincel
Humedece un pincel mediano y luego aplícalo sobre la parte del lavis que quieras aclarar. Retira el exceso de
color con papel secante. Repite la aplicación hasta obtener el tono deseado.

Con un bastoncillo de algodón


Frota ligeramente la superficie a tratar con un bastoncillo de algodón seco. Cuidado, es muy absorbente y por
ello tiene que aplicarse brevemente.

Con una esponja


Humedece la esponja con agua, escúrrela y aplícala en la parte que quieres aclarar. Aprieta la esponja sobre el
papel para que absorba mejor los pigmentos.

Utiliza la esponja en zonas amplias, por ejemplo para el cielo.

• Para variar los efectos, alterna la esponja natural y la esponja sintética.


Con un secante
Menos blando que el papel de cocina, el papel secante es muy absorbente. Se puede utilizar con dos técnicas:

• Para aligerar el color con precisión: dobla firmemente el secante en dos y aplícalo.
• Para aligerar el color en zonas más grandes: aplica el secante en plano, con toques pequeños.

Otras soluciones:
• Las tarjetas de visita, cuchillas de afeitar o mangos de pinceles: para realizar efectos rasgados rectilíneos y
precisos.
• La sal gruesa: extiéndela sobre un lavis muy húmedo para crear efectos en forma de estrella.

2. Retrato sobre pintura seca

Con papel de lija de grano grueso, lija suavemente la zona que quieres aligerar: sobre la superficie pulida
aparecerán pequeños destellos de luz. Sobre un papel de grano grueso, lija más enérgicamente.

¡Cuidado!: esta técnica sólo puede realizarse con papeles de gramaje alto.

Paisaje : tratar los elementos


naturales

Los trucos del profesional


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El papel desempeñado por una extensión natural (cielo, mar, pradera, etc.) depende del lugar que ocupe en la
composición, y también del tratamiento que se le aplica.

Algunos conocimientos
• Cuanta más vida tengan el cielo o el mar, más se impondrán en detrimento de los demás centros de interés.
• Al contrario, un mar tranquilo o una pradera apacible tienen que verse contrariados por temas fuertes, o la obra
podría resultar sosa.
• Otorga a los elementos naturales la importancia que se merecen: es inútil prever dos tercios de cielo si no sucede
nada en él.

1. Dar vida al cielo

• Crea una gama de tonos de acuerdo con la luminosidad ambiental: del rosa al azul para el alba, del gris al violáceo
si hace mal tiempo, etc. Aplica el máximo número de tonos intermedios.

• Armoniza las nubes: de blanco a gris sobre un cielo azul, yendo hacia el púrpura para una puesta de sol, etc.

• En un paisaje dramático que no busca obligatoriamente el realismo, atrévete con tonos imaginarios, que
contrasten violentamente con el cielo.

• Trabaja los volúmenes: con empastes y sombreados, y también reservando los tonos claros para la cara expuesta
al sol (detrás de una nube, siempre hay sol).
2. Dar vida al agua

• Además de su tratamiento (sentido del trazado, color, transparencia...) esfuérzate para ponerla en escena:
cascada que brota, olas con espuma que rompen sobre las rocas, etc.

• La definición de los reflejos de los barcos y construcciones es un indicador excelente: un mar tranquilo impone
una gran nitidez. Al contrario, las manchas imprecisas sugieren agitación.

• Coloca los temas en consecuencia: en un mar picado, los veleros avanzan de manera encabritada.

3. Reflejar una ráfaga de viento

Trigo inclinado, ramas con la trayectoria contrariada... La vegetación vibra bajo la influencia del viento.

• Juega con la inclinación de los tallos, privilegia el trabajo en oblicuo... y transforma sencillos pastos en elementos
gráficos, susceptibles de favorecer la orientación de la mirada hacia los centros de interés.

Componer un paisaje

Los trucos del profesional


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Encuadre, organización, exposición... Componer un paisaje impone saber observar, y también tomar las
mejores decisiones en el momento adecuado.

1. Buscar el mejor encuadre

• Elige tu ángulo de visión: no dudes en desplazarte algunos metros o en buscar una posición dominante para
tomar algo de altura.

• Define el formato
Vertical: para realzar la verticalidad de ciertas líneas.
Horizontal: abandona eventualmente el rectángulo clásico en provecho de un formato más panorámico para
tratar un paisaje de poco relieve (playa, llanura).

• Encuadra tu composición: reproducirás sólo una parte de tu campo visual.


- En caso necesario, utiliza un cuadrado de cartón para delimitar tu mirada.

- Evita centrar la línea del horizonte.

• Cuenta con la naturaleza: elige los elementos que delimitarán la obra (acantilados, árboles, carreteras) y define
los centros de interés (pueblo en la montaña, personajes, etc). ¡Cuidado!: no los centres nunca, ya que la obra
carecería de relieve y de vida.

• Selecciona: elimina los elementos parásitos. Apela a tu imaginación para crear, en su caso, un centro de interés
suplementario...

Truco: Guiar la mirada del espectador


Un paisaje logrado da la sensación de que uno puede pasear por él, desde el primer plano hasta un centro de
interés situado detrás.

• Aprovecha las líneas directrices naturales: surcos de campos arados, líneas de viñas...
• Evita tapar el primer plano con una masa horizontal (tronco tumbado, por ejemplo) sobre el que tropezará la
mirada del observador. En caso necesario, coloca una serie de hitos visuales, que el ojo irá captando
sucesivamente.
2. Organizar el espacio

• El primer plano tiene una gran importancia en la composición final. Si tu principal centro de interés está hacia
atrás, evita colocar ante él un objeto macizo. Se puede tratar sencillamente de una animación (campo de flores,
por ejemplo). No lo sitúes obligatoriamente en la parte inferior de la obra. Un árbol que delimita verticalmente la
escena constituye un primer plano fuerte, pero incita a mirar detrás.

• Lo lejano se suele confundir con el horizonte. Los colores son más oscuros, azulados, las formas se funden y los
contrastes se atenúan. Es la mejor manera de sugerir la distancia.

• Los planos intermedios: albergan y jerarquizan los centros de interés, especialmente en función de sus
proporciones.

3. Plasmar las proporciones

Un vasto espacio al fondo parece minúsculo comparado con una banal roca colocada justo delante de uno. Esta
evidencia constituye sin embargo uno de los principales obstáculos que encuentra el pintor paisajista. Para no
equivocarte:

• Comprueba los volúmenes creativos de los distintos temas. Sujeta un lápiz con el brazo estirado y mide la altura y
la anchura de cada elemento: coloca la punta del lápiz en un extremo, y tu dedo en el otro.
• Traslada estas proporciones al boceto.
4. Lograr las perspectivas

• Coloca un punto (llamado punto de fuga) en el horizonte e imagina un haz de líneas que convergen hacia este
punto de fuga.

• Inscribe los temas dentro de esas líneas, con un tamaño más pequeño cuanto más alejados estén.

• Esta perspectiva cónica sencilla sugiere que miremos el tema de frente. Para puntos de vista más complejos (de
lado o desde arriba, por ejemplo), puedes tener que utilizar dos o tres puntos de fuga.

5. Elegir una iluminación

El interés de un paisaje depende también de su exposición.

• Elige la hora y fija de una vez por todas la luminosidad de tu obra: colores, orientación, densidad y volumen de las
sombras.
• En su caso, haz una foto... ya que la situación habrá evolucionado seguramente la siguiente vez que levantes la
mirada del caballete.
Truco: Trabajar la luz progresivamente
Aportar sombras y toques de luz es la mejor manera de dar vida a un paisaje y de realzar los principales temas.
Para evitar cualquier error, reserva los contrastes fuertes para el primer plano, y atenúalos a medida que te
acerques al horizonte.

7. Tres trampas a evitar

• Poner demasiado en valor el primer plano, o nos arriesgamos a que el resto quede olvidado. Un paisaje es una
composición equilibrada, no un tema rodeado de un decorado.

• Trabajar con la nariz pegada al caballete: retrocede regularmente algunos pasos para comprobar las
proporciones y perspectivas. Incluso puedes mirar tu obra de espaldas, utilizando un espejo. Verás que se suelen
detectar ciertas anomalías que hay que corregir.

• Reproducir las cosas como deberían ser: las hojas de un platanero son verdes brillantes y las colinas
inmensas... Pero la luminosidad y las proporciones no dejan de modificar estas verdades. Observa... y dibuja lo
que te muestran tus ojos. ¡No te limites a la simple realidad!

Crear una preciosa estrella


deslumbrante

Manualidades
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Por la noche, los niños observan las estrellas con sus padres desde la ventana.

Ayúdeles a crear su buena estrella para que la cuelguen en su dormitorio.

Esta actividad puede combinarse con una observación didáctica de las estrellas o con el estudio de un atlas
estelar.
Material :

• Plantilla de la estrella
• Papel de dibujo BASIK® Canson® en 160g/m²
• Cartulinas IRIS® Canson® de 240 g/m² metal dorado
• Pincel
• Pasteles al óleo y pintura acrílica azul
• Papel de periódico
• Mondadientes
• Bolígrafo
• Tijeras y pegamento

Paso 1

Descargar el PDF para obtener la plantilla.


Imprima la plantilla y recópiela en una hoja de color metalizado dorado, por la cara en blanco.

Con un bolígrafo, recopie las líneas en punteado, siempre por la cara en blanco.

Recorte la estrella siguiendo las líneas continuas.


Paso 2

Para realizar el plegado, tome la estrella y pliegue los punteados amarillos para que no resulten visibles.
Pliegue los punteados azules para que queden a la vista.

Para asegurarse de que los pliegues se hayan realizado correctamente, pliegue la estrella en una sola pieza tal
como figura en la foto.

Despliegue con cuidado la estrella para que quede en relieve.

Paso 3

Tome una hoja de papel en blanco y recórtela para obtener una forma cuadrada de 21x21 cm.

Coloree toda la hoja con pasteles amarillos y a continuación píntela por encima con la pintura acrílica azul. Así
creará una tonalidad de colores y le dará un toque de efecto a su realización.
Tome un pedazo de papel de periódico, haga una bola y péguela en el centro de la hoja. Pegue su estrella sobre
la bola de periódico para que quede en relieve.

Para reforzar el brillo de la estrella, rasque con un mondadientes la pintura acrílica azul que rodea la estrella.
Así destacará el color amarillo de los pasteles al óleo.

Realizar un copo de nieve


Manualidades
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Los niños aprenderán a crear un enorme copo de nieve para la decoración de Navidad

¡Si quieres crear una atmósfera nevada, hazles crear copos de varios tamaños!

Esta ficha está hecha siguiendo la técnica del quilling (o filigrana). Para obtener más información, consulta
nuestra ficha especial.

Matérial :

• Cartulina blanca Iris® Canson® (185 g/m²) formato 50 x 65 cm


• Pintura plateada o barniz plateado
• Palillos o herramientas de quilling.
• Cinta plateada (opcional).
• Cúter
• Pegamento en barra
• Regla metálica
Paso 1

Empieza preparando tiras de quilling.

Recorta la cartulina en dos partes de 25 x 32,5 cm.


Traza unas tiras largas de 1,5 cm de ancho y de 32,5 cm de largo.
Con la regla y el cúter, corta las tiras. La cantidad de tiras necesarias variará en función del tamaño.

En esta ficha hemos utilizado 22 tiras de cartulina. Con las tiras de 1,5 x 32,5 cm obtendremos un copo de 19
cm de diámetro.

Para obtener unas dimensiones distintas puedes utilizar tiras más anchas, más largas o más estrechas.

Paso 2

Coge una tira y empieza a enrollarla.

Puedes utilizar un simple palillo o si la tienes, la herramienta de quilling para formar un círculo bien apretado.
Paso 3

Pon cola en el extremo del círculo.

Crea 6 círculos siguiendo este método.

Paso 4

Haz otro círculo de la misma manera. Esta vez, sin embargo, afloja el círculo hasta que tenga un diámetro de 3
cm.

Entonces, pega el extremo de la misma forma.

Forma un ojo presionando por cada lado con el pulgar y el índice.

Repite la operación 11 veces.

Paso 5

Coge uno de los círculos apretados y pon 6 ojos a su alrededor.


Paso 6

Pon cola en los extremos y en los lados de los ojos.

Primero pega los extremos al círculo apretado y después pega los ojos entre ellos, como se ve en la imagen.

Paso 7

Cuando se haya secado por completo la cola, pega 6 ojos más por los extremos.

Paso 8

Corta una de las tiras por la mitad. Dóblala por la mitad y pon cola en medio.

Coge uno de los círculos apretados y envuélvelo con la tira.

Presiona con la mano para que se pegue correctamente.

Haz unas espirales en los extremos de la tira que sobresalen.

Repite la operación 6 veces.


Paso 9

Pega esta pieza entre los ojos por los lados, como se ve en la imagen.

Puedes decorar el copo de nieve con pintura plateada.

Para terminar, cuelga una cinta plateada en uno de los ojos para poder colgar el copo.

¡Los niños acaban de aprender a crear su propio copo de nieve para la decoración de Navidad!

Realizar un grabado sobre madera


(xilografía): Cabañas de pescadores

Paso a paso
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Nivel: principiante
Tiempo estimado: 3 horas
Autor : Julia Chausson
www.juliachausson.com

¿Te apetece iniciarte en el grabado sobre madera como Paul Gauguin, Félix Vallotton, Edward Munch, Hokusai
o Hiroshige? Siguiendo estas etapas, podrás realizar tu primera xilografía...

Materiel :
Lápices: carboncillos finos (diámetro: de 2 a 3 mm
Papel: Canson® Barbizon
Accesorios:
• Pegamento en espray
• una lámina de madera aglomerada
• gubias (las gubias en forma de U son más fáciles de utilizar)
• un rodillo de tinta de caucho
• tintas de linograbado
• una lámina de plexiglás
• una espátula, una prensa de estampa o una cucharilla, o también un baren japonés (almohadilla plana recubierta
de hojas de bambú para el estampado a mano)

1. El croquis
Realiza un croquis con carboncillo, en un papel del mismo formato que la lámina de madera.Haz un croquis en
blanco y negro, con superficies lisas y distintos elementos gráficos (líneas, puntos, cuadrículas, arabescos,
otros motivos, etc.) procurando equilibrar los blancos y los negros.

Consejo: la xilografía te permite trabajar la sombra y la luz. ¡Disfrútala! No dudes en probar, borrar y volver a
empezar para obtener un croquis que te satisfaga plenamente.

2. Transferir el croquis a la lámina de madera

Una vez terminado el croquis, colócalo de cara a la lámina de madera. Frota toda la superficie con la palma de
la mano, para que el carboncillo se deposite en la madera.

Levanta la hoja y verás cómo aparece tudibujo en la madera

No dudes en mejorar el dibujo a carboncillo directamente sobre la madera. Una vez terminada esta etapa, fíjalo
con pegamento en espray.

3. Grabar la madera - La entalladura - Ahuecar las partes claras


del dibujo.

La elección del aglomerado permite grabar en todas


las direcciones, como en la linografía. En un contrachapado, el grabado debe hacerse en el sentido de la fibra.
Puedes empezar practicando el manejo de las gubias en una lámina de prueba. Según la presión de la mano
(firme, dudosa, temblorosa) y de la manera de sujetar las gubias, obtendrás distintas entalladuras.
Se trata de ahuecar alrededor del dibujo que queremos obtener.

Grabarás la madera alrededor de los trazos de carboncillo. Sujeta el mango de la gubia en el hueco de la palma,
y sujeta la lámina con la otra mano.

El gesto de ahuecar se realiza en la prolongación del hombro. Lo que gira es la lámina.

No es necesario grabar muy profundo: sujeta la gubia de manera que la hoja forme un ángulo bastante
reducido con la superficie de la lámina

Consejo: Respeta escrupulosamente tu dibujo para conservar el gesto de tus trazos.

4. El entintado

Una vez completado el grabado de la lámina, frótala con un cepillo para quitarle el polvo.

Deposita una pequeña cantidad de tinta sobre la lámina de plexiglás y extiéndela con la espátula para formar
"una reserva" del ancho del rodillo de tinta. La espátula también sirve para mezclar los colores.

Con el rodillo, coge un poco de tinta de la reserva. Luego, en una zona limpia del plexiglás, extiende la tinta
para que se reparta en una capa fina y Homogénea sobre el rodillo. Aplica la tinta en la lámina de madera con
cuidado, en todas las direcciones y de manera uniforme. No debe verse ninguna huella del rodillo.

Consejo: Procura no sobrecargar el rodillo de tinta, ya que taponarías los huecos del grabado.
5. La estampación a mano o con prensa.

Deposita una hoja de papel Canson® Barbizon sobre la madera entintada.

Luego, utilizando una cucharilla o un baren japonés, presiona toda la superficie de la madera. ¡No olvides los
bordes ni las esquinas!

También podemos estampar con una prensa tipográfica o con una prensa de estampa. Levanta el papel...

6. ¡Ya está estampado!

Siempre hay sorpresas al levantar el papel. ¡Buenas o malas! Esta impresión es una primera prueba.

No dudes en aportar todas las correcciones y mejoras que consideres necesarias. Algunos grabadores pueden
hacer treinta intentos antes de quedar satisfechos. Naturalmente, puedes seguir ahuecando la madera. En
cambio, es imposible rellenar las marcas de gubia. ¡Pero también podemos sacar provecho de los errores!
7. El secado

Según la tienta utilizada, la obra tardará más o menos en secarse.

Esta matriz de madera permite imprimir la imagen en varios ejemplares. Podemos cambiar de color, después
de limpiar la lámina de madera en seco, frotándola con papel absorbente.

En el grabado sobre madera , hay que grabar una madera para cada color. Así pues, para añadir un color,
grabaremos una segunda madera. (Ver el Truco de profesional: El xilograbado : puntos de referencia para
grabar una segunda madera)

Las distintas técnicas de grabado

Nociones básicas
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Autor: Charlotte Reine


El grabado es una técnica que consiste en realizar entalladuras huecas en el metal con una herramienta o un
ácido en una lámina de metal.

Esta última se entintará, se limpiará y se pasará por la prensa.


Su estampado en papel se denomina grabado. Lo reconocemos por la huella hueca que deja en el papel la
presión ejercida en la prensa durante el estampado.

1. El grabado con entalladura directa

Se realiza manualmente, con una herramienta que ahueca directamente el metal. Podemos utilizar una punta
seca, un buril, un raedor, un rascador o un pulidor. (enlace hacia "las herramientas...")

La punta seca es al mismo tiempo la herramienta y el término utilizado para designar el procedimiento de
grabado. Su resultado recibe el nombre de "grabado calcográfico".

El grabado a la manera negra (graneado uniforme de la plancha en forma de agujeritos con


una herramienta que se llama raedor) permite obtener un negro absoluto en la impresión.
El aterciopelado de los negros y la suavidad de los valores de gris son la
particularidad de la manera negra, que requiere, como la técnica del buril, un gran dominio y un largo
aprendizaje.

2. La entalladura indirecta al aguafuerte

El aguafuerte es el nombre que recibía el ácido nítrico utilizado para morder la lámina de metal. También se
utiliza el percloruro de hierro, que es menos tóxico. Según el resultado deseado, existen distintas técnicas para
proteger el metal, dejando al descubierto las partes destinadas a la mordida.

Las principales son :


La gravure vernis dur :
El barniz duro es una técnica que permite grabar en hueco un metal, a menudo el cobre. La lámina está
recubierta por un barniz protector; utilizando una punta, dibujamos sobre el barniz, lo que provoca que el
cobre quede al descubierto.

Una vez terminado el dibujo, sumergimos la lámina de metal en un baño de ácido o de percloruro de hierro.
El metal está "mordido" allí donde se ha retirado el barniz; cuanto
más tiempo dejemos la lámina en el ácido, más profunda será la mordida, ya
que el ácido solo ataca las partes donde el cobre no está protegido. Dado que la tinta entra en los
huecos, aparecerá sobre el papel después de pasar por la prensa.
Las partes blancas son las partes protegidas por el barniz.

El barniz blando:
Esta procedimiento llamado "a la manera del lápiz" permite dibujar libremente, a través de un papel o un
tejido, directamente sobre el barniz. Después del baño de ácido, la mordida se parece al dibujo realizado con
mina de plomo.
Con el barniz blando también podemos reproducir efectos de materia a partir de vegetales o tejidos.

El aguatinta:
este procedimiento consiste en recubrir la lámina de metal con un velo de resina de colofonia en polvo. Tras la
cocción, los granos de resina se funden y se pegan a la lámina. La mordida se produce entre todos esos puntitos
que hacen las veces de reserva.

Así, obtenemos una superficie compuesta por puntos en lugar de líneas, con superficies de valores distintos
según la duración de los baños.
El grabado al azúcar:
esta técnica permite dibujar directamente con pincel, utilizando una mezcla de azúcar en polvo y de tinta
china, sobre la lámina o sobre una aguatinta preparada para el baño de aguafuerte. Este dibujo aparecerán
negro al imprimirlo
.

La esencia de lavanda:
esta técnica de grabado consiste en realizar un dibujo con pincel (o con pluma) mojado en esencia de lavanda,
directamente sobre el barniz. Las partes descubiertas por la esencia de lavanda quedarán mordidas con el
baño de ácido y crearán negros con el entintado.

¿Qué soportes, qué tinta y qué papel


utilizar para el grabado?

Los materiales
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Artista: Charlotte Reine


Desde tus primeros pasos en el grabado, necesitarás un material bien específico: láminas de metal, colores,
tarlatana o gasa, herramientas... Podrás encontrar este material en las tiendas o secciones especializadas en
grabado. Y, sobre todo, no dudes en privilegiar la calidad, aunque se trate de una primera compra.

1. Las láminas

Elige el metal en función del proyecto. Encontrarás láminas de todos los tamaños, de un grosor de 1 mm en las
tiendas o secciones especializadas en grabado.

• El cobre, muy agradable de trabajar, se reconoce por su color cálido. Es el metal más frecuentemente
utilizado. Ofrece un resultado sutil en todas las técnicas.
• El cinc es más blando. La mordida en los baños de ácido es rápida pero difícil de controlar. Suele ser el preferido
de los principiantes por su precio reducido, pero no permite obtener todos los matices y resiste menos bien a las
estampaciones sucesivas.
• El acero es muy duro y preciso, pero difícil de trabajar. En cambio, resiste perfectamente a las estampaciones
repetidas.

2. Las tintas

Se trata de tintas de imprenta al óleo, específicas para el grabado.

El fabricante más antiguo es la empresa Charbonnel, fundada en 1862. También podrás encontrar el material
en el fabricante Joop Stoop.
Para la calcografía, existe toda una gama de negros y un amplio abanico de colores.
También encontrarás tintas de calcografía a base de agua que te evitarán utilizar disolventes.

3. La tarlatana

Es un tejido rígido parecido a la gasa. Sirve para limpiar la tinta de la placa sin vaciar los trazos y respetando el
trabajo de la superficie.

También se fabrican con tarlatana las "moñecas" para el entintado en color (Ver el Truco de
profesional: cómo entintar y limpiar). Se puede comprar por metros en las tiendas de grabado o en los
proveedores de tejidos.

4. El papel

Existen en muchas variedades. Los más preciados son los papeles de paño 100 % algodón sin ácido,
procedentes de los molinos de papel. El gramaje, que representa el peso por metro cuadrado, varía para el
grabado entre 160 g y 300 g.
Para las pruebas, que suelen ser numerosas, utiliza más bien un papel fino. De color claro o blanco, su
superficie no debe ser demasiado granulada para que pueda recibir bien la tinta en el momento de la
estampación.
Deberás mojar el papel, de preferencia la víspera, y luego escurrirlo y prensarlo. Debe estar blando, húmedo
pero sin restos de agua.Para iniciarte en el arte del grabado, puedes empezar con Canson® Barbizon. Este papel
de alta calidad se adapta perfectamente a todas las técnicas principales de edición de arte (grabado y también
repujado, gofrado, calcografía, estarcido, litografía, serigrafía, tipografía). A medida que vayas adquiriendo
experiencia, podremos proponerte elCanson® Edition. Este papel 100 % algodón te dará la mayor satisfacción,
cualquiera que sea la técnica utilizada.

Truco
Puedes conservarlo varios días en una funda de plástico.

Pintar un paisaje a la acuarela:


Bruma sobre la montaña - Técnica
húmedo sobre húmedo

Paso a paso
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Tiempo de realización: 3 horas


Nivel: experto
Artista: Ewa Karpinska,
www.ewa-karpinska.fr
¿Cómo crear una acuarela con un ambiente
evanescente? En un papel de formato pequeño olocado sobre una lámina de plexiglás, experimenta por
primera vez la acuarela en agua (húmedo sobre húmedo) y crea magníficas brumas ligeras y algodonosas.

Matériel :
• Papel: Canson® Montval, grano fino, 300 gr, formato 24 x 32 cm
• Pintura acuarela: azul, amarillo, rosa, rojo óxido
• Pinceles: pelo demarta, petit gris, cepillo acrílico
• Accesorios: paleta de porcelana o plato grande, lámina de plexiglás, cubeta de plástico

Étapa 1 : Realización del boceto

En un papel pequeño de unos 5 x 6 cm, crea el esquema de distribución de las masas de color. Este esquema te
guiará en la aplicación de los primeros "charcos", ya que vas a realizar la acuarela directamente sobre la hoja
húmeda, sin hacer un dibujo previamente.

Lo importante son las proporciones, la relación entre los valores de las distintas masas y las superficies de
color lisas. Así localizarás las partes que deberán quedar reservadas (en blanco) al depositar la acuarela.
Étapa 2 : Aplicación del color

Sumerge el papel durante 1 o 2 minutos en una cubeta de plástico para que se impregne de agua.

Un papel lo bastante húmedo permite prolongar el tiempo de manipulación de la acuarela. A continuación,


coloca la hoja sobre una lámina de plexiglás. Mientras esté húmeda, permanecerá tensa y plana.

Étapa 3 : Aplicación del color

1. 1) En la paleta, mezcla el amarillo con un poco de rojo, "ensucia" este color con un pequeño toque de azul ara
obtener un pardo luminoso y compón un pardo verdoso añadiendo un poco más de azul.

2. 2) Moja el pincel de pelo de marta en la acuarela, dejando que se llene y presionando el pelo posteriormente entre
tus dedos para dejar que el color caiga sobre el papel, depositando los primeros "charcos" de color diluido.
Étapa 4 : Disposición de los colores

Inclina la lámina de plexiglás dirigiendo el recorrido del líquido de color, y procede de la misma anera con un
segundo color. Evita dejar que la acuarela se desplace hacia las zonas que deben quedar en blanco (aunque un
ligero corrimiento del color hacia las zonas blancas no molesta). Coloca una cuña y absorbe el exceso de
líquido con un petit gris grande. El color deberá encontrar rápidamente su lugar y la película de agua (de color
o no) deberá ser de la misma cantidad en toda la superficie.

Consejo: el líquido se desplaza siempre desde el lugar donde se encuentra en exceso hacia el lugar donde falta.
Para construir un cuadro en húmedo, hay que intentar lograr el equilibrio entre las zonas húmedas; por
ejemplo, si un "charco" tiene 1 mm de grosor y está situado junto a otro del mismo grosor, las zonas húmedas
no se desplazarán.

Étapa 5 : Los tramos de color y sus matices

Aplica pequeñas dosis de color diluido y fúndelas entre ellas con el pincel. A continuación, deja que el agua
haga sus propias fusiones.

Ocupa toda la superficie del cuadro al mismo tiempo actuando rápidamente en varias zonas para conservar el
mismo grosor de acuarela en el papel y mantener la unidad del cuadro.
Étapa 6 : Absorción del exceso de acuarela

Retira el exceso de acuarela acumulado en el borde inferior del papel con un gran petit gris húmedo pero
vaciado de toda la carga.

Procede con delicadeza, rozando la superficie del agua, ya que los colores han empezado a depositarse en la
hoja y, si hundes mucho el pincel, podrías desplazar los pigmentos y modificar el aspecto visual de la acuarela.

Étapa 7 : Anticipación de las transformaciones de los trazos

Carga moderadamente un pincel fino con un violeta roto diluido.

Dibuja líneas con un gesto rápido y ligero. Este trazo nítido y fino se transforma con la acción del agua. Si tu
gesto es demasiado lento, observarás cómo se forma, al final de la línea dibujada, un exceso de líquido que se
irá ensanchando progresivamente.

No dudes en absorber cuanto antes ese exceso de pintura en caso de que no te parezca adecuado.
Étapa 8 : Matizar las áreas pequeñas

Cuando la ladera de la montaña y las cumbres lejanas se vuelvan medio mates, es decir, cuando el papel esté
algo menos húmedo, dibuja los detalles con una acuarela más cremosa utilizando una pequeña cantidad.

Deja que estos "charquitos" se expandan antes de pasar a la etapa siguiente.

Étapa 9 : Dibujo «borroso nítido»

Dibuja con una pintura más espesa los detalles situados en las cumbres de la montaña.

Sin modificar la carga del pincel, dibuja unas cuantas líneas en la zona de bruma.
Étapa 10 : Creación de las superficies blancas

Frota ligeramente el lugar que quieras trabajar con un pincel cargado de agua. Escúrrelo enseguida con un
paño y absorbe la acuarela con ese mismo pincel; por capilaridad, el agua coloreada sube por el pelo del pincel,
dejando un espacio blanco en el papel.

Añade un poco de agua pura en el espacio despejado. Esta agua permitirá evitar que los colores diluidos
alrededor de esta zona se introduzcan en la zona blanca. Trabaja estas zonas blancas cuando el lavis esté en
fase mate fresca, es decir, cuando la superficie ya no presente ningún gránulo y esté bien lisa.

Étapa 11 : Dibujo borroso nítido (continuación)

Traza otras líneas con pintura más pastosa en todas las superficies que ya no presenten un aspecto granulado.

El papel de acuarela tiene una estructura de huecos y relieves (el grano). El «granulado» está formado por los
huecos del papel donde la acuarela está más concentrada.

Se trata de una referencia muy útil para estimar el grado de humedad del papel.
Étapa 12 : Realización de los elementos gráficos blancos

Traza líneas blancas con el pincel mojado en agua clara.

El pincel debe estar poco cargado y rozar el papel; así podrás crear líneas que se deshilachan y adoptan la
apariencia de orugas.

Trabaja las distintas zonas para que el líquido pueda expandirse de manera uniforme. Las líneas cambian de
aspecto según la cantidad de agua depositada.

Consejo: Una gran cantidad de trazos demasiado juntos inundará la superficie de la hoja y
podría emborronar tu dibujo. Déjate guiar por el agua... Cuando consideres que la acuarela está terminada,
sécala con un secador para detener todos los movimientos del agua y disfruta del resultado,

Para saber más


Ewa Karpinska te desvela todos los secretos de la acuarela en húmedo sobre húmedo en su libro Aquarelle
lumière de l’eau, publicado por la editorial Fleurus.

Pastel : Trabajar con el pincel


húmedo

Nociones básicas
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En presencia de humedad, los pasteles se hacen pastosos. Si los mojas más, podrás utilizarlos para hacer lavis
ligeros.

Algunos conocimientos
• Acuarelar, es decir, pintar a la manera de la acuarela los pasteles secos con el pincel húmedo, permite extender y
atenuar el color al mismo tiempo que preserva la fuerza de los trazados.
• Mojar, con aguarrás o esencia de trementina, una superficie trabajada con pasteles al óleo, desplaza el color sin
perder en tonalidad.

1. Acuarelar pasteles secos

• Tensa una hoja de papel resistente al agua, por ejemplo, destinada a la acuarela.
• Esboza tu obra con pastel seco blando, con grandes trazos oblicuos relativamente gruesos.
• Trabaja con el pincel húmedo las zonas que elijas: el color se unifica.
• Utiliza un pincel muy blando para lavar mejor los pigmentos y obtener una aguada ligera entre los trazos, siempre
bien visibles.
• Crea fácilmente un efecto de moteado en un papel de grano grueso: el pastel permanece adherido a los relieves, y
el lavis rellena los huecos con su color atenuado.

Truco: como el pintor Edgar Degas, también puedes reducir a polvo un poco de pastel seco, humedecerlo h
aplicarlo directamente en tu obra.

2. Diluir los pasteles al óleo


• Aplica generosamente el color con grandes trazos fuertes.
• Moja con aguarrás o con esencia de trementina un pincel destinado a la pintura al óleo.
• Aplica el pastel: sus pigmentos se funden, el color puede desplazarse como si se tratase de pintura. Tus trazos
desaparecen en provecho de las pinceladas.

Truco: también puedes aplicar directamente los pasteles al óleo con el pincel humedecido, cogiendo el color
del extremo de una barrita.

Elegir los accesorios para trabajar


con pastel

Los materiales
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Son necesarios algunos accesorios para trabajar con pastel en las mejores condiciones. Visita guiada del kit de
supervivencia del pastelista.

1. Diluyentes y fijantes
• El aguarrás y la esencia de trementina (pasteles grasos): para fundir o rectificar los colores. Reserva los pinceles
desgastados y los paños para este uso.

• Fijante en aerosol (pasteles secos): para reforzar la adherencia de los pigmentos entre cada capa de color, para
evitar que éstas no se mezclen, o al final del trabajo.

Truco: la laca para el cabello es un buen sustituto del fijante.

2. Los instrumentos básicos

Para mezclar, recortar, difuminar, corregir...

2.1. Los indispensables

• Instrumentos de mezcla y de difuminado: algodón,


bastoncillos de algodón, papel secante, pinceles brocha, difuminadores (bastoncillos puntiagudos de papel
secante enrollado) y, por supuesto ¡tus manos!
• Goma miga de pan (o, en su defecto, un poco de miga de pan... alimentaria).
• Cúter o bisturí (mango metálico con hojas intercambiables): para tallar las barritas o reducirlas a polvo; o para
rascar una capa de color superficial.
• Cinta adhesiva o pinzas de dibujo.
• Papel secante y cinta para ocultar, para proteger las zonas en las que no intervienes o para definir los márgenes.
• Papel de calco si quieres crear plantillas.
• Otros medios secos (carboncillo para los esbozos) o húmedos (acuarela o tinta para teñir el papel, gouache o
pintura acrílica para componer obras mixtas…).
• Un apresto acrílico para dar textura al soporte o hacerlo compatible con la utilización de los pasteles. Un
indispensable si trabajas con superficies no absorbentes: madera, cartón, papeles de gramaje alto (más de
300g/m2), tela de lino, por ejemplo.
• Una buena colección de paños...

2.2 Para los profesionales


• Un afilador, compuesto por tiras de papel del lija fijadas a un soporte, te ayudará a reducir a polvo los pasteles.
• Apoyo para la mano: esta barra de madera dotada de una bola permite trabajar sin dejar que la palma de la mano
repose sobre la obra.
Una idea sobre: Tu espacio de trabajo
Medio pulverulento, el pastel se trabaja sobre un plano inclinado, casi vertical: caballete con pie, caballete de
mesa, o mesa de dibujo orientable.

• Fija la obra sobre una tabla de dibujo independiente, que puedas girar a tu antojo.

Pintar una Acuarela abstracta –


Técnica de húmedo sobre húmedo

Paso a paso
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Tiempo de realización: 2 horas


Nivel: experto
Artista : Ewa Karpinska, www.ewa-karpinska.fr

¡La técnica de húmedo sobre húmedo a la acuarela es todo un desafío!

Con este paisaje, descubrirás cómo trabajar en armonía con el ciclo del agua, el placer de dejarse llevar por el
agua y los colores, pero siempre conservando cierto control para crear el tema que buscas.

Materiel :
• Papel : Canson® Moulin du Roy, grano fino, 300 gr
• Pintura acuarela: azul, amarillo, verde, rosa, rojo
• Pinceles: pelo de marta, petit gris, cepillo acrílico
• Accesorios: paleta de porcelana o plato grande, lámina de plexiglás

Étapa 1 : Preparación del papel

Sumerge el papel durante 1 o 2 minutos en una cubeta para que se impregne de agua.
Así, la pintura no se infiltrará demasiado rápido en las fibras del papel y tendrás tiempo de manipularla. Coloca
la hoja húmeda sobre la lámina de plexiglás, permanecerá bien tensa mientras el papel esté húmedo. Es el
método más sencillo para que el papel esté bien plano. Procura que no queden burbujas de aire entre el papel
y la lámina.

Étapa 2 : Aplicación de los primeros colores

Carga el pincel con color diluido y deposita los primeros "charcos" apretando el pelo del pincel entre los
dedos.
Inclina la lámina dirigiendo el recorrido del líquido de color, y procede de la misma manera con un segundo
color. Cuanto más inclines la lámina, más se mezclarán los colores entre llos.
Étapa 3 : Estabilización de los charcos de color

Estabilización de los charcos de color


Cuando la mezcla de los primeros charcos te parezca adecuada, adopta una inclinación estable colocando una
cuña de 1 a 2 cm de grosor debajo de uno de los bordes de la lámina.
La parte más elevada se "escurrirá" primero y, por lo tanto, estará lista para los detalles, mientras que el
exceso de agua coloreada se acumulará en el borde opuesto.
Podrás retirar este exceso con un petit gris grande, húmedo pero vaciado de toda su carga.

Étapa 4 : Primeros elementos gráficos

Carga de pintura (cantidad media) uno de los pinceles finos con una pintura cremosa (naranja) y pinta líneas
en la superficie azul. Haz esto solamente en la parte más seca de la hoja, aunque el motivo se prolongue más
abajo. Salpica la parte inferior del trabajo con gotitas azules para texturizar la superficie.
Étapa 5 : Creación de zonas claras

Carga el cepillo acrílico de agua y frota muy ligeramente el lugar que quieres descubrir.
Seca inmediatamente el cepillo y aspira el exceso de líquido. Aporta una pequeña cantidad de agua para volver
a igualar el grosor de la capa de agua.
Si secas demasiado, el lavis alrededor podría afluir y volver a tapar la zona blanca que acabas de crear. Al
contrario, si aportas demasiada agua, formarás una aureola.

Étapa 6 : Aplicación de las masas de color

Utiliza pintura más espesa: al diluirse en el agua que queda en el papel, conservará todo su valor y no se
difundirá demasiado.

Con esta densidad de color, pinta las superficies allí donde haya bastante agua para la disolución, o elementos
gráficos finos donde el papel esté lo bastante seco.
Étapa 7 : Extensión de las zonas claras

Cuando los primeros elementos gráficos estén bastante secos, podrás seguir creando otras zonas blancas.

Para trazar líneas claras, utiliza un pincel mojado en agua pura.

Sujeta el pincel perpendicularmente a la hoja y roza la superficie del papel. La carga del pincel debe medirse en
función de los efectos buscados.

Étapa 8 : Las líneas teñidas

Para crear líneas teñidas, moja el pincel en el color.

Cuando te satisfaga el resultado y no haya ninguna gota de agua visible en la superficie del papel, seca la
acuarela con un secador de pelo para parar el movimiento de la pintura. Sin embargo, harán falta varias horas
de secado suplementario para que la acuarela adquiera toda su luminosidad.
Descubrir la obra original de Vassily
Kandinsky.

Inspiración de los grandes artistas


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Muéstreles a los niños la obra original de Vassily Kandinsky. Sensibilícelos al arte abstracto, a su grafismo y a
la música que el artista utilizó como una gran fuente de inspiración para crear sus obras llenas de ritmo y
colorido.
Con esta ficha podrá experimentar con los niños el arte abstracto, puesto que el objetivo de cada una de las
actividades es dar vida a la música sobre el papel.

Una experiencia que desarrollará la atención, la sensibilidad y la creatividad de los niños. En una o varias
sesiones, éstos podrán ponerse en la piel de un compositor a través del recortado y el dibujo.

Vassily dijo: "El blanco suena como un silencio. Es la nada anterior al comienzo", ¡así que tomen lápiz y papel!

Período histórico: Siglo XX – Expresionismo abstracto.

Vassily Kandinsky,
nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866 y fallecido en Neuilly-sur-Seine, el 13 de diciembre de 1944, es un
pintor, grabador, teórico del arte, poeta y dramaturgo ruso, nacionalizado alemán, ucraniano y posteriormente
francés en 1939.
Considerado como uno de los artistas más importantes del siglo XX, en particular, junto a Picasso y Matisse, es
uno de los fundadores del arte abstracto.
Su esposa, Nina Kandinsky cedió todas las obras de Kandinsky de su propiedad al Centro Georges Pompidou de
París.

Contexto y análisis de la obra

El contexto
Vassily Kandinsky nació en Rusia en 1866 y vivió en diferentes países: Ucrania, Alemania y por último Francia
cuya nacionalidad obtendrá en 1939. Nacido en el seno de una familia acomodada, realizó estudios de derecho
y trabajó como profesor auxiliar.
A pesar de su interés y de su sensibilidad por el arte, hasta los 30 años no asistirá a clases de Bellas Artes ni
publicará teorías sobre el arte: él ve en la pintura una dimensión espiritual que permite expresar los
sentimientos del alma humana.

Para él, la música es una fuente de inspiración, al igual que los colores son emociones y también sonidos
(abstracción lírica). Esto hará que sus más destacados cuadros se denominen "improvisaciones" o incluso
"composiciones".

La obra de Kandinsky es el fruto de largas reflexiones, sus cuadros están cuidadosamente estudiados, la
geometría ocupa en ellos un lugar muy importante: trazos, curvas, círculos, punto, cuadrado… como notas
musicales sobre el papel.

El análisis de la obra
1. En cuanto a la forma
Esta obra, "Composición Nº8", es un óleo sobre lienzo de 1923, su formato es de 140 x 201 cm, y está expuesta
en el Museo Guggenheim de Nueva York.
2. En cuanto a la técnica
Sobre un fondo claro, numerosos elementos geométricos se cruzan, se solapan y se encuentran como
suspendidos. En él figuran todos los colores, desde el blanco hasta el negro, en saturado, en degradado y en
damero.
3. En cuanto al significado
Aunque a primera vista esta pintura puede resultar confusa, ese no es el caso. El arte abstracto no tiene nada
de figurativo; por tanto, podría pensarse que el artista goza de una libertad total, pero Kandinsky sigue las
teorías de las formas y los colores que elaboró. Como espectadores, nos encontramos ante una obra musical
del ámbito onírico en el que cada persona es libre de imaginar y de percibir lo que desea.
4. En cuanto al uso
Vassily Kandinsky es un pionero del arte abstracto. Que él fuese el fundador causó polémica. Pero, en todo
caso, sigue siendo una figura emblemática de este movimiento. Muchas de sus obras se encuentran en el
Centro Georges Pompidou de París.

1 - Los objetivos didácticos: niños de 2 a 6 años


Materiales:

• Papel Canson® Colorline (220 g/m²) A4: crema


• Rotuladores

Los objetivos:
• Dominar el coloreado y los trazados
• Iniciación al arte abstracto
• Desarrollar la concentración y la sensibilidad

El método de trabajo:
Explíqueles a los niños en qué consiste la sesión:
1- Todos vais a escuchar una pieza musical (preferentemente clásica y de una duración razonable). El objetivo
de esta primera escucha es identificar los diferentes sonidos, graves o agudos, el ritmo, lento o rápido.

2- En la segunda escucha, indíqueles a los niños que tendrán que plasmar esa música en papel a través de
formas.

Muéstreles una Composición de Kandinsky para que visualicen el concepto de la abstracción lírica.
Inventarien juntos una gama de figuras geométricas que dejará a la vista: círculos de todos los tamaños,
semicírculos, rectas, rectas secantes, triángulos, puntos, cuadrículas, curvas, ondulaciones, etc.
A continuación, muéstreles el ejemplo al escuchar la pieza: dibuje en el cuadro formas inspiradas por la música
(la dulzura a través de círculos y curvas, las percusiones más dinámicas mediante pequeños cuadrados o
triángulos…).

Entréguele a cada niño una hoja de papel Canson® A4 de un tono claro.


Escuchen de nuevo la pieza, cada uno dibujará las formas que prefiera en su hoja Canson® con el rotulador
negro, dejándose llevar por la música. Utilicen objetos de la casa para realizar círculos, una regla para las
rectas, el resto de las formas podrá realizarse a mano alzada.

El objetivo de esta experiencia también consiste en mostrarles a los niños las múltiples posibilidades de que
disponen con formas sencillas: superponer, cruzar, alinear, multiplicar, agrupar, dispersar…
A continuación, propóngales dar color a su "partitura" con los rotuladores y lápices de colores con el fin de
obtener diferentes texturas.

2 - Los objetivos didácticos: niños de 7 a 11 años


Materiales:

• Papel Canson® Colorline (220 g/m²): gama de todos los colores


• Rotulador negro
• Tijeras y pegamento

Los objetivos:
• Desarrollar la sensibilidad y la creatividad
• Elaborar una composición armoniosa

El método de trabajo:
Esta actividad puede realizarse individualmente o por parejas.

Explíqueles a los niños el concepto de abstracción lírica, muéstreles una Composición de Kandinsky, y
comenten juntos su percepción del cuadro, de los sonidos que podrían representar las formas y colores.
A continuación, analice el cuadro: inventarie los elementos gráficos (círculos, semicírculos, rectas, rectas
secantes, triángulos, puntos, cuadrículas, curvas, ondulaciones…). Esta gama de formas será su paleta.

Escuchen juntos una pieza musical clásica, identifique con ellos los diferentes sonidos y ritmos. En la segunda
escucha, indíqueles a los niños que tendrán que representar esa música mediante recortes de papel.
Mientras escuchan la pieza, deberán recortar sus notas musicales en papeles Canson® de diferentes colores.
Podrán resaltar sus recortes de grafismos con rotulador negro.

A continuación, propóngales montar esas notas para convertirlas en una composición. Para ello, deberán pegar
los papeles entre sí de manera a obtener un collage armonioso y lo suficientemente sólido como para poder
colgarlo de la pared.

Crear una tarjeta con velero

Manualidades
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Crea con los niños unas bonitas tarjetas para el Día del padre. Es una idea original que
encantará a los padres viajeros.

Material necesario:
• Plantilla del velero y la ola
• Cartón pluma Canson® rojo, azul y amarillo
• Papel de dibujo BASIK® Canson® 370g/m 2

• Papel de seda Canson® azul ultramar y blanco


• Perforadora
• Cola blanca y un pincel grande
• Palillo
• Cordel
• Tijeras
• Cola
• Rotuladores azul oscuro y naranja

Paso 1

Descárgate el PDF para obtener la plantilla


Coge un bol de plástico desechable. Prepara la cola blanca :pon 3 medidas de cola por 1 de
agua. La cola tiene que quedar fluida
Coge el papel de seda azul y blanco y arranca dos trozos de distintos tamaños. Haz muchas
tiras azules y 3 ó 4 tiras blancas.

Paso 2

Coge la hoja de papel para dibujar IRIS® y dóblala por la mitad a lo ancho.
Con el pincel grande, aplica cola a la parte de delante de la tarjeta, dispón las tiras de papel de
seda azules y vuelve a aplicar cola por encima.
Añade capas de papel de seda azul y para terminar añade papeles de seda blancos para hacer
las nubes.
Para que el papel se sujete bien a la tarjeta, aplica cola por última vez al conjunto y déjalo
secar.
Paso 3

Corta la parte inferior de modo que la tarjeta quede cuadrada.


Coge la plantilla del velero, copia la forma del casco en el papel pluma rojo, la vela grande en
el cartón pluma azul y la vela pequeña en el cartón pluma amarillo, y recórtalos..
Haz unas rayas con el rotulador azul oscuro en la vela azul.

Haz unos puntos naranjas en la vela amarilla.

Coge la plantilla de las olas, recórtala en un cartón pluma azul y dibuja olas con el rotulador azul oscuro.

Haz unos agujeros con la perforadora en las olas, pasa el cordel, de izquierda a derecha, por todos los agujeros
y en el último haz un nudo.
Encola todas las partes a la tarjeta como se ve en la imagen final. Pega el palillo entre las dos velas para que

Realizar un pequeño tigre


parezca el mástil del barco.

con bolas de papel de seda de


colores

Manualidades
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¿Qué te parecería colgar en la pared de su habitación este tigre tan mono hecho con bolas de papel de seda de
colores?
Material necesario:

• Papeles de seda Canson® blanco, marrón, negro, amarillo, rojo intenso, azul turquesa y naranja.
• Lámina de dibujo BASIK® Canson® (130 g/m²) formato A4 o A4+
• Papel vegetal Basik® Canson®
• Pinzas de depilación
• Cola transparente
Paso 1

Descárgate el PDF para obtener la plantilla.


Recorta todos los papeles de seda en cuadrados de unos 5 x 5 cm que convertirás en pequeñas bolas.

Separa las bolas según su color.

Paso 2

Con la ayuda del papel vegetal, copia la plantilla en la lámina de dibujo Basik ®.
Paso 3

Pon la cola en un recipiente.

Coge las bolas con la pinza y húndelas hasta la mitad en la cola.

Pégalas a la hoja blanca vigilando que se toquen las unas con las otras.

También puedes empezar repartiendo la cola uniformemente por el tigre y colocar la bolas después.
Paso 4

Para hacer los ojos, utiliza el papel de seda azul.

Recorta un rectángulo de 1,5 cm de ancho por entre 15 y 20 cm de largo.

Enróllalo para formar un cordel. Pon cola por el contorno de los ojos y pega este cordel azul.

Para dar un efecto de relieve a la nariz, pega una segunda capa de bolas de papel de seda.
Paso 5

Ahora recorta una cinta de 1,5 cm de ancho del papel de seda negro.

Enróllala varias veces para conseguir un cordel.

Pégalo para que marque el contorno del tigre, excepto en las flores.
Paso 6

Para dar un efecto de relieve a las partes naranjas, presiona suavemente las bolas con la pinza hasta hacer una
cruz. Hazlo más intensamente en las orejas.

No te olvides de poner una lengua ayudándote de una pequeña bola roja.

¡Y ya tenemos a nuestro pequeño tigre listo para hacer un montón de trastadas!

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El quilling (o filigrana de papel)


Manualidades
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Esta actividad será perfecta para enseñar a los niños el arte ancestral del quilling. ¡Con la ayuda de estas tiras
de papel enrolladas, los niños crearán obras cada vez más originales!
Material necesario:

• Tiras de cartulinas de colores Iris® Canson® (185 g/m² o 240 g/m²) de 35 x 0,5 cm
• Bastoncillo para quilling (o, en su defecto, un palillo)
• Barniz-cola
• Tijeras
• Cúter
• Superficie para cortar
¿Qué es el quilling?

El quilling, también llamado filigrana de papel o papel enrollado, puede describirse como una técnica
artesanal.
Este arte antiquísimo consiste en realizar decoraciones hechas a base de finas cintas de papel enrolladas sobre
ellas mismas.

Ensamblando los elementos se obtienen magníficas decoraciones en 3 dimensiones.

El origen del quilling

En otro tiempo se utilizaba el eje central de las plumas de los pájaros (a saber, el raquis) para enrollar las tiras
de papel. El nombre quilling proviene de la palabra quill, que en inglés significa pluma.
El origen de este arte, conocido también como «filigrana en papel», se remonta al siglo II en China, cuando se
inventó el papel y el origami.
A partir del siglo XV y a principios del Renacimiento, los religiosos franceses e italianos comenzaron a utilizar
el papel para imitar las filigranas de oro y plata de los orfebres. Los motivos que se hacían con esta técnica se
juntaban para decorar las reliquias de santos. Después se colocaban en un cuadro con cristal. Las damas de la
alta sociedad se apropiaron de este arte, que hacía mucho que se enseñaba en los colegios, como forma de ocio.

Más adelante, los colonos lo exportaron a América, donde poco a poco fue desapareciendo.
No es hasta el siglo XX, en Estados Unidos, y gracias sobre todo a la mecanización del papel, que la filigrana
reaparece.Entonces, las técnicas ya habían evolucionado mucho. La pluma que permitía enrollar las pequeñas
tiras de papel había dejado paso a herramientas más prácticas, mientras que el descubrimiento del cartón
permitió hacer realidad nuevas formas en volumen.
La filigrana: un arte accesible para todo el mundo

A primera vista, la filigrana parece un arte difícil y preciso. Sin embargo, no es tan complicado como parece. En
efecto, los materiales que se utilizan son sencillos de utilizar y fáciles de encontrar.

Y aunque es preferible utilizar la herramienta de quilling, también se puede utilizar un palillo.


¡Al final, la complejidad de este arte se reduce a ser paciente!

Los materiales: 1- Bastoncillo de quilling o palillos.

Es un instrumento para papel enrollado que tiene una varilla metálica.

La extremidad, fina y con un surco, permite enganchar las tiras que se quieren enrollar. Como la punta del
instrumento es bastante gruesa, permite que quede algo de espacio cuando se enrolla la cartulina.

Si no disponéis de uno, podéis utilizar un palillo o una aguja.

Los materiales: 1- Tiras para hacer quilling:


El material básico para las filigranas es la cartulina de colores.

Las cartulinas Iris® (185 grs) son ideales por su cuerpo, aparte de sus colores únicos. Normalmente se utilizan
tiras de entre 3 y 5 mm de ancho.
De vez en cuando puedes encontrarte con la necesidad de tener tiras de 1 cm para las obras con volumen.

Preparación de las tiras:


Recorta las cartulinas de color en dos partes de 50 x 35 cm.
Coloca la hoja sobre una superficie de corte. Te aconsejamos que utilices una regla metálica para asegurarte
unas tiras bien rectas.
Traza una marca cada 3 a 5 mm a cada lado dla cartulina.
Pon la regla metálica de forma que salgan tiras regulares y mantenla fija para que no se mueva. Corta la hoja
con el cúter.

Los materiales: 1- Barniz-cola:

La ventaja del barniz-cola es que cuando se seca es totalmente transparente.

Para que quede un trabajo limpio, es importante utilizar poca cantidad de cola. Por eso te aconsejamos que
utilices un palillo para los collages.
Sumerge la punta del palillo en la cola y después aplícala minuciosamente en la zona que haya que encolar.
La formas principales: En forma de espiral apretada

Coge una tira con el pulgar y el índice y una herramienta de quilling o un palillo con la otra mano. Aguanta la
punta de la cartulina contra el palillo o la ranura si utilizas la herramienta y comienza a enrollarlo.
A la hora de hacerlo te puedes encontrar con alguna dificultad. No te preocupes. Te acostumbrarás
rápidamente.Cuando hayas enrollado por completo, retira con cuidado el instrumento.
Moja la punta de un palillo con cola, pon un poco de cola en la punta de la tira y pégala.

La formas principales: En forma de espiral floja

Enrolla la tira igual que con la espiral apretada, pero antes de encolar la punta, aflójala hasta que la
circunferencia tenga el diámetro deseado; a continuación, pega el extremo.

La formas principales: En forma de círculo abierto


Enrolla la tira igual que con la espiral apretada, pero no encoles la punta. Para que no se abra del todo,
presiona bien.

La formas principales: En forma de ojo o nave

Tras hacer una espiral floja, presiona los dos extremos con el índice y el pulgar.

La formas principales: En forma de gota


Haz un círculo flojo y encola el extremo. Presiona uno de los extremos del círculo para formar una gota.

La formas principales: En forma de coma

Tras hacer una gota, redondea uno de los lados haciendo presión con el dedo.

La formas principales: En forma de nave curvada


Tras hacer el ojo, haz presión en los dos extremos opuestos para dar la forma que se ve en la imagen.

La formas principales: En forma de semicírculo

Tras hacer una espiral floja, aplasta uno de los lados.

La formas principales: En forma de croissant

Primero prepara un semicírculo. Después, dobla los dos extremos en la misma dirección.
La formas principales: En forma de triángulo

A partir de la forma de la espiral floja, pinza a la vez tres puntas a intervalos regulares.

Utiliza el pulgar y el índice de cada mano para las dos puntas de la base y después junta los índices para crear
la tercera punta.

La formas principales: En forma de cuadrado

Haz una espiral floja y después una nave. A continuación, crea dos puntas más y suéltala para obtener el
cuadrado.
La formas principales: En forma de pata de pato

A partir de una espiral floja, pinza un extremo para obtener la forma de la gota. Mientras presionas la punta de
la gota hacia la base, pinza los dos extremos para obtener la forma de la pata.

La formas principales: En forma de flecha

A partir de la forma del triángulo, pliega la base en dos partes y pinza.

La formas principales: En forma de corazón


Pliega la tira por la mitad. Enrolla cada extremo de forma que se dirijan el uno hacia el otro. Encola la unión de
ambos bucles.

La formas principales: En forma de bucle en V

Igual que para el corazón, pliega la tira por la mitad. Enrolla ambos extremos hacia afuera y deja los bucles
sueltos.

Ejemplo de creación
Puedes crear obras distintas consultando estos ejemplos.

Si juntas distintas formas, puedes crear dibujos, tarjetas, cajas, cuadros y ¡un montón de obras en relieve!

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