hablemos

de mujeres

trabajemos
de forma colectiva

usemos la ciudad como

lugar de reunión
y reflexión

usemos la creatividad
y el diseño
como herramienta
de cambio

hagamos visibles
las aportaciones
de la mujer
Es un proyecto colectivo que pretende dar valor al trabajo de las
mujeres en diversos ámbitos tejiendo una red de colaboración a
través de las artes y el diseño.

Visibiliza el trabajo de las mujeres y anima a visibilizar y

empoderar el trabajo de nuestras generaciones futuras
potenciando el valor del diseño como elemento capaz de
visibilizar estas problemáticas sociales.

Está enmarcado en las actividades de celebración del 10

aniversario de la Escuela de Arte.
La ESCUELA DE ARTE Nº 1 fue creada en el año 2008
constituyéndose como el único centro oficial de la Comunidad
Autónoma de Cantabria que imparte enseñanzas profesionales
de Artes Plásticas y Diseño. Se creó por la Consejería de
Educación del Gobierno de Cantabria tras un convenio de
colaboración con el Excmo. Ayuntamiento de Reocín. Pese a su
corta andadura la Escuela de Arte nº1 ha conseguido colaborar
de forma continuada con instituciones culturales de ámbito
nacional como el Museo de Altamira.

Además como miembro de la Red Cántabra de Escuelas

Solidarias, viene realizando un conjunto de actividades
educativas, encaminadas a colaborar en la construcción de una
sociedad comprometida con un desarrollo humano sostenible.
Filosofía en que se fundamenta este
proyecto

Los valores del centro se fundamentan en el respeto, la libertad,

la tolerancia, el autoaprendizaje, la reflexión sobre la práctica
artística y profesional, y su adaptación a la realidad social.
Sus objetivos son proporcionar a los alumnos una formación
de calidad, por medio de un marcado carácter participativo,
abierto, conectado con el mundo profesional, a las NTIC,
activo en el establecimiento de relaciones con empresas e
instituciones y en la conformación de diversas situaciones que
garanticen la inclusión de los alumnos en las prácticas culturales
de su comunidad. Su línea metodológica se fundamenta en
la interdisciplinaridad, la interrelación de los conocimientos
específicos de cada enseñanza con el entorno, la cercanía y
adaptación a la realidad de los alumnos, uso de la motivación
como eje de un aprendizaje eficaz, un trato personalizado
centrado en las personas y los procesos, y uso de las prácticas
reales como eje de un aprendizaje funcional que atienda a la
realidad social.

Teniendo cuenta no sólo la legislación vigente sino también las

características del alumnado del centro, y con el fin de cubrir sus
necesidades educativas y mejorar el funcionamiento del centro
en relación al entorno, el centro articula una serie de líneas de
actuación que quedan reflejadas en su PEC. En primer lugar
desarrolla una serie de proyectos propios de centro como son:
- PLAN DE IGUALDAD (EQUIDAD), dedicado a fomentar actitudes
de igualdad de género (igualdad entre personas), para ello se
trabaja con la paridad de referentes, y responsabilidades, como
indica el art.24 LO 3/2007 del 22 de Marzo para la igualdad
efectiva de hombre y mujeres.
- PROYECTO ORÍGENES, bajo la intención de renovar las artes
tradicionales y las industrias culturales toma de referente el
patrimonio cultural, material e inmaterial de Cantabria con
el fin de impulsar la elaboración productos cuya base sea la
innovación y el diseño.

A parte, el centro, asume otros planes impulsados por la

Consejería como son:
- ESCUELAS SOLIDARIAS, que pretende fomentar valores como
la solidaridad y el compromiso mediante colaboraciones con
entidades sin ánimo de lucro donde el diseño puede aportar
mejoras y transformar la realidad, y así lo hace la escuela a través
de diversos proyectos. La Escuela de Arte nº1, como miembro
de la Red Cántabra de Escuelas Solidarias, viene realizando un
conjunto de actividades educativas, encaminadas a colaborar en
la construcción de una sociedad comprometida con un desarrollo
humano sostenible.

A su vez su idiosincrasia le lleva a fomentar iniciativas que

repercuten en la vida del centro y del alumnado como son:
- COLABORACIONES. Para reforzar el carácter práctico de las
enseñanzas el centro trabaja intensamente por establecer un
marco de colaboraciones que permita el desarrollo de proyectos
educativos que complementen y enriquezcan la formación de
nuestros alumnos (Museo de Altamira, Fundación Santander
Creativa, o la Universidad de Cantabria).
- ESCUELA ABIERTA. Su vocación de desarrollar el proceso
educativo en relación con el entorno que nos rodea, le lleva
a crear una serie de actividades destinadas a desarrollarse en
el entorno externo a la escuela, como son las actividades de
escaparatismo gráfico o las intervenciones de tipografía pública.
- ACTIVIDADES CULTURALES. Se trata de completar la formación
de los alumnos con actividades de índole diversa, que abran a los
estudiantes a la sociedad y la cultura de nuestro tiempo. Ejemplo
de ello son las actividades extraescolares o complementarias,
y también las exposiciones y otras actividades culturales que se
realizan con los proyectos de los alumnos con el fin de motivar,
facilitar la inserción en el entorno cultural, y visibilizar el trabajo
de los alumnos.
NUESTRA VISIÓN DEL DISEÑO: DISEÑAR PARA
LAS PERSONAS Y PENSANDO EN LA DIVERSIDAD

Como Escuela de Artes Plásticas y Diseño también tenemos el

objetivo de dignificar el valor de las artes y el diseño y potenciar
su valor económico y social, pues no debemos olvidar que la
educación es una tarea de gran responsabilidad social, porque
formamos personas, por lo tanto sensibilizar sobre el valor
del diseño y la ilustración como herramienta para mejorar la
sociedad.

Con ese fin la escuela desarrolla diversas iniciativas dentro y fuera

del aula como son:
- DIGNIFICACION DEL OFICIO Y PUESTA EN VALOR DEL
DISEÑO. Con estos objetivos la escuela posee un programa
de actividades que pretenden dar a conocer el valor de estas
enseñanzas como son, el Concurso Lápiz, o las Jornadas de
Puertas Abiertas con visitas de otros centros educativos de todas
las etapas.
- POTENCIACIÓN Y DIGNIFICACIÓN DEL VALOR SOCIAL DEL
DISEÑO. Muchos son los diseñadores hoy en día que ponen en
evidencia las ventajas de un diseño de comunicación basado
en el campo de acción existente fuera de las áreas tradicionales,
como la promoción de productos y servicios de consumo, ya
que hoy en día es indiscutible que el diseño ayuda a mejorar
la vida de las personas, en su diversidad y en su dia a dia. Por
ello potenciamos en el aula, el desarrollo de proyectos graficos
pensando en esta filosofía.
¿POR QUé VISIBILIZARTE?

Según la ONU Mujeres, las niñas de hoy se preparan para

asumir las responsabilidades de la vida adulta. Ellas siempre
han cambiado el mundo, y esta generación puede hacerlo aún
mejor. Sin embargo, la mayor parte de ellas están en desventaja
y sufren discriminación de género. Bajo el lema “Con ellas:
una generación de niñas preparadas” la ONU enmarca el dia
internacional de la Niña del pasado 11 de Octubre. Y en ese
contexto, se enmarca la meta fijada en el Objetivo número 5 de
la Agenda para el Desarrollo Sostenible que busca “lograr la
igualdad entre los géneros y empoderar a todas las mujeres y la
niñas”. Es una responsabilidad de toda la sociedad trabajar para
que todas las niñas tengan más oportunidades de aprendizaje,
para trazar nuevos caminos para ellas y hacer un llamamiento
a la comunidad mundial para pensar cómo podemos preparar
a estas jóvenes para que entren con éxito en el mundo laboral.
Desde edades muy tempranas las niñas perciben que los niños
son mas brillantes. Además la historia y los medios están repletos
de referentes masculinos de éxito mientras que las niñas tienen
desgraciadamente menos referentes en los que identificarse para
confiar en que ellas pueden ser igualmente brillantes. Dotar a
las niñas de referentes es sumamente importante. El diseño es
una herramienta de comunicación magnifica para visibilizar estas
problemáticas. Con el fin de dignificar el papel femenino en el
diseño y las artes, este proyecto pretende mostrar los brillantes
referentes históricos y contemporáneos de diseñadoras, artistas
y profesionales del ámbito creativo que permita a la generación
actual empoderarse hoy a fin de tener magnificas profesionales
creativas en el futuro.
desarrollo del proyecto: fase 1

Creación de material gráfico.

1 ¿Qué? Con el objetivo de potenciar y visibilizar el papel de la

mujer como motor de desarrollo en el ámbito creativo del diseño
gráfico y las artes, y mostrar referentes femeninos a nuestras
generaciones actuales se desarrollará material gráfico que sirva
de recurso educativo :
1. Dossier informativo sobre la selección e artistas y profesionales
del ámbito del diseño gráfico en la historia y la etapa actual.
2. Material expositivo en forma de cartel para descubrir y
visibilizar a cada referente. Este material gráfico está desarrollado
usando una estrategia lúdica que invita al espectador a descubrir
el grafismo oculto a través de un juego de lupas y colores.
3. Plataforma web de descarga del material para uso e los
centros.
4. Dossier- mapa para visitar las intervenciones tipográficas y
paneles informativos para las mismas

¿Cuando? Este material se desarrollará en Enero de 2019, a fin

de que esté disponible para los centros para el dia de la mujer, 8
de Marzo de 2019.

¿Como? Este material gráfico y web estará desarrollado por:

- Ilustraciones elaboradas por exalumnas de la la Escuela de Arte
con el fin de visibilizar también el trabajo.
- Profesor@s y alumn@s del ámbito del diseño gráfico de la
Escuela de Arte y otros ciclos dedicados al desarrollo web y
aplicaciones multimedia
desarrollo del proyecto: fase 2

Recursos a disposición de los centros.

¿Qué? Con el material gráfico y didáctico desarrollado por una

historiadora, dos profesoras de diseño gráfico, 15 ilustradoras, y los
alumnos del ciclo de ediciones multimedia se desarrollarán:

1. MATERIAL BIBLIOGRÁFICO-DIDÁCTICO. El material gráfico

didáctico servirá como un trabajo previo a la visita a las
intervenciones tipográficas de la FASE 3, que se desarrollarán en
Marzo, en el centro urbano de Torrelavega.

2. MATERIAL EXPOSITIVO. De la misma manera que todo el

proyecto persigue visibilizar, el material expositivo persigue que
cada espectador visibilice también a cada referente enmascarado
tras una maraña de color que oculta su presencia y su valor. La
experiencia directa y el juego hacen mas seductora y memorable
el formato expositivo. Para seducir a los alumnos e integrar
el componente lúdico en este material gráfico las autoras
seleccionadas solo podrán verse a través de un filtro de color, pues
como ocurre en la sociedad el relato dominante masculinizado
han ocultado muchos de los referentes femeninos. La exposición
visibiliza a cada referente mediante el uso de lupas de color.

3. UNA PLATAFORMA WEB que permite a los centros la descarga

de este material. La plataforma web estará a disposición de los
centros previo al 8 de Marzo.

4. TALLERES para centros de primaria y secundaria. Ddos de las

ilustradoras que desarrollan el proyecto, trabajarán en los centros
de priaria y secundaria para que conozcan de primera manao el
trabajo de estas creativas y el ambito del arte y el diseño gráfico.

Asi mismo se dotará a los centros del municipio del material

impreso y se invitará a todos y cada uno de los centros a visitar y
participar en las intervenciones desarrolladas en marzo en la ultima
fase del proyecto.

¿Cuando? La plataforma se presentará en Febrero y los talleres

girarán en torno al 8 de Marzo y las intervenciones a modo de
cierre del proyecto a finales de Marzo, con una osible exposición
en el espacio urbano aun por definir.
1
MATERIAL
BIBLIOGRÁFICO-
DIDÁCTICO
 2 A Asi lo veo sin lupa.

MATERIAL EXPOSITIVO
 Con lupa, la maraña

B
que oculta la
información azul
se hace legible y
descubrimos a la
artista o diseñadora y
su papel.
 3
PLATAFORMA WEB
 4
TALLERES EN LOS CENTROS EDUCATIVOS
desarrollo del proyecto: 3.
INTERVENCIONES TIPOGRÁFICAS.

Usar la tipografía y el espacio público como centro de reunión,

3
creación y reflexión. Mayo 2019.

¿Qué? Los alumnos/as de la Escuela de Arte desarrollarán una serie de

intervenciones tipográficas en el espacio urbano, como ya ha venido
haciendo otros años integradas en otros proyectos culturales y solidarios,
como es el Proyecto Llaves o Paper Inspires desde del Plan de Escuelas
Solidarias. El objetivo de las intervenciones tipográficas en el entorno
urbano, es «reinterpretar el espacio público-urbano a través de los textos
transformándolo para el uso de las personas, acercando la tipografía y su
valor gráfico y poético al ciudadano, sacando a la calle el acto creativo y
estimulando la reflexión ». La dinámica de trabajo es explorar la identidad
de la ciudad; en segundo, valorar el tipo de mensaje; en tercer lugar,
intervenir el espacio urbano. Las intervenciones de tipográficas tratan de
poner en valor de la tipografía pública para cambiar y mejorar espacios,
humanizar el entorno urbano, y todo ello reforzando ideas que sustentan
todo el proyecto como la dignificación de las enseñanzas artísticas o la
promoción de la escuela abierta, activa y participante. El concepto de
tipografía pública ha sido del interés de los últimos encuentros sobre
tipografía. La diseñadora Huda Smitshuijzen AbiFarès, usar la tipografía
como una herramienta para el diálogo intercultural, por lo tanto como
medio de cohesión social. Ruedi Baur, que emplea la tipografía de una
manera creativa y poética. Este concepto aporta una mirada desde la
tipografía hacia lo público aportando ideas y soluciones para entender y
responder a lo que sucede en la sociedad y nuestro entorno. El espacio
urbano es un lugar de encuentro, la ciudad debe tener características que
propicien ese contacto con otros, una ciudad sostenible es aquella que
plantea una mejor manera de vivir, una manera más feliz de vivir. Estas
afirmaciones nos llevan a pensar que podemos usar la tipografía llamar la
atención sobre el espacio público, y que contribuya a potenciar lo humano
en la ciudad, reclamar un espacio urbano humanizado para las personas.

¿Dónde? Santander y Torrelavega son dos centros urbanos de referencia,

la accesibilidad de ambas ciudades y el conglomerado de servicios, y
centros educativos lo hacen los mejores espacios para poder desarrollar
este tipo de propuestas.
¿Cómo? Estas intervenciones son de carácter efímero y se
diseñan y planifican de forma colaborativa por los alumn@s de 1º
CFGS Ilustración de la Escuela de arte nº1 y se ejecutan de forma
integra en un plazo de 6 horas aproximadamente, una mañana en
las plazas de las dos ciudades propuestas en días sucesivos en el
mes de Marzo..
Para este evento se hace necesario:
- el desarrollo de un mapa informativo para los centros que
quieran visitar las intervenciones inspiradas en la selección de
referentes propuestos para el proyecto.
- Totems señalizadores y paneles informativos que ayuden a
hacer accesible el proyecto, comprenderlo y conocer el trabajo
de cada referente.
- mejorar la accesibilidad de las intervenciones a través de textos
braille y audios o maquetas en la medida de las posibilidades
tanto económicas, tecnológicas y de infraestructura
- Materiales para desarrollar las propuestas
- Apoyo logístico como tomas de luz accesibles, mesas con
caballetes, etc…

PAPER INSPIRES

Proyecto Social desarrollado por la Escuela de Arte Nº1, en la

que se diseñaron intervenciones tipograficas 2017

https://vimeo.com/232314967
Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Llaves
2015.

Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Paper
Inspires 2017.

Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Paper
Inspires 2017.
Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Paper
Inspires 2017.

Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Paper
Inspires 2017.

Intervenciones de la
Escuela de Arte dentro
del proyecto Paper
Inspires 2017.
selección de artistas y diseñadoras *
* Algunas de estas artistas y diseñadoras podrían
variar en función del criterio del consejo asesor.

ARTE

1. Mary Cassat.

Mary Stevenson Cassatt fue una pintora y grabadora

estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte
de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar
Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Refleja el
papel de la mujer en el impresionismo.

2. Sonia Delaunay

Pintora y diseñadora ucraniana, cuya relevancia reside en

ambas facetas. Por un lado, junto con su marido promovió un
movimiento artístico, el orfismo; y por otro, revolucionó el diseño
de moda en los años 20.

3. Lempicka

Tamara fue “la primera artista mujer en ser una estrella del
glamour”. Influenciada por el cubismo, Lempicka fue una de las
mayores representantes del estilo art déco en dos continentes,
fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y además
fue llamada “la baronesa con pincel”.

4. Barbara Kruger

Kruger trabajó como diseñadora gráfica en sus inicios para

revistas de moda y otros medios publicitarios. Ahí vio como sus
lectoras devoraban imágenes de una realidad ideal inalcanzable,
fantasías escapistas que se pasarían la vida persiguiendo. Era
una industria despiadada la de la publicidad, que comerciaba
desvergonzadamente con falsas esperanzas enquistando todavía
más el papel sumiso de la mujer en la sociedad.
5. Louise Bourgeois

Nació en París en 1911, en el seno de una familia acomodada

que regentaba un taller de restauración de tapices medievales
y renacentistas. En 1938 parte hacia Estados Unidos, en donde
residirá el resto de su vida. Sus esculturas de araña, como la
que muestro en la imagen, están realizadas como homenaje a
su madre que era tejedora, y se han convertido en su seña de
identidad, por las que ha recibido el apodo de la “mujer araña”.

6. Maria Blanchard

María Blanchard vivió toda su vida buscando la belleza, una

belleza que no pudo tener en su cuerpo. María Blanchard era
jorobada y tuvo que sufrir el rechazo de todos aquellos que
no pudieron soportar su aspecto físico. Pero María Blanchard
consiguió aquella belleza deseada, la consiguió en su obra
pictórica, que la convirtió en una de las artistas españolas más
importantes de la historia.

DISEÑO GRÁFICO Y TIPOGRÁFICO

7. Susan Kare

Artista y diseñadora gráfica estadounidense, creadora de muchos

de los elementos de la interfaz Apple Macintosh en la década de
1980, donde trabajó como directora creativa. Es la diseñadora
de distintas tipografías, iconos y material de marketing para
el Macintosh OS. De hecho, algunos de sus primeros trabajos
todavía se puede ver en muchas herramientas de gráficos de
computadora y accesorios, especialmente los iconos tales como
el lazo, la mano que agarra y el cubo de pintura. Fue una pionera
de pixel art. Las obras más reconocidas de su trabajo para Apple
son el tipo de letra Chicago (el más destacado visto la interfaz de
usuario tipo de letra en el entorno Classic de Mac OS, así como
el tipo de letra utilizado en las tres primeras generaciones de la
interfaz del iPod de Apple)
8. Muriel Cooper

Muriel Cooper fue una destacada diseñadora gráfica del siglo XX.
Además de ser una consagrada diseñadora de libros fue también
investigadora y educadora. Trabajó para el Instituto Tecnológico
de Massachusetts, MIT. Referente para artistas como John Maeda
o Lisa Strausfeld, que trabajó para los ordenadores presentaran
una versión más atractiva.

9. Paula Scher

Paula Scher es una de las figuras más relevantes del diseño

gráfico estadounidense de las últimas cuatro décadas. Comenzó
su carrera en los años 70; en los 80, su aproximación ecléctica
a la tipografía fue muy influyente; y a mediados de los 90 su
identidad para el Public Theater estableció una simbología
totalmente nueva en el ámbito de las instituciones culturales.

10. Marian Bantjes

Marian Bantjes ha sido descrita habitualmente como tipógrafa,

diseñadora, artista y escritora. Trabajando desde su base en una
pequeña isla en la Costa Oeste de Canadá, su trabajo gráfico,
personal, obsesivo y por momentos extraño, le ha propiciado
reconocimiento internacional. Siguiendo sus intereses en
la complejidad y la estructura, Marian es conocida por sus
tipografías customizadas, su detallado y preciso arte vectorial,
su obsesivo trabajo manual, y su habilidad con las plantillas y los
ornamentos.

11. Jessica Hische

En Title Case, Jessica Hische trata de perpetuar y difundir su amor

por la tipografía, tanto desde sus propios trabajos de encargo
como desde los talleres que imparte, sesiones intensas dedicadas
de pleno a compartir sus conocimientos en el letterpress.
Mientras se obsesiona con algunos de sus proyectos de encargo
como freelance, al mismo tiempo se muere de gusto al pasar
horas y horas dibujando letras porque sí, con el único propósito
de promover su arte.
12. Jessica Walsh

Jessica Walsh comenzó a indagar en el mundo del diseño

cuando solo tenía 11 años y ya sabía programación web. Más
tarde estudió Diseño Gráfico en la Escuela de Diseño de Rhode
Island (RISD). Después de obtener el título en la RISD en 2008,
Walsh se mudó a la ciudad de Nueva York para realizar prácticas
en Pentagram durante casi un año. Posteriormente trabajó como
directora de arte en la publiciación Print. Además ha diseñado
e ilustrado proyectos para diversos libros, revistas y periódicos,
incluyendo The New York Times y New York Times Magazine.
Actualmente es Diseñadora, directora de arte y socia de la
agencia creativa Sagmeister & Walsh.

13. Louise Filli

Diseñadora gráfica reconocida por su elegante uso de la

tipografía y la calidad intemporal en su diseño. Su trabajo a
menudo se inspira en su amor por Italia, el modernismo y los
estilos Art Deco europeos. Considerada una líder en el regreso
posmoderno a los estilos históricos en el diseño de las portadaa
de libros, Fili explora la tipografía histórica combinada con
composiciones modernas. Comenzó su carrera en la industria
editorial, se hizo conocida por su fuerte enfoque tipográfico,
diseñando casi 2000 cubiertas de libros durante su tiempo con
Random House.

14. Pati Nuñez

En 1995 creó Pati Núñez Associats, y se especializó entonces

en imagen corporativa, imagen de producto y campañas
de comunicación gráfica. Ha ganado premios Laus en las
ediciones 8 ediciones y en el 2007, le otorgaron el Premio
Nacional de Diseño por su aportación innovadora en el diseño
de identidad corporativa, imagen de productos y campañas
de comunicación a lo largo de 20 años de trayectoria, siendo
la primera mujer en ganar este premio. Fue distinguida por el
jurado por su “impecable trayectoria”, por la “elegancia formal”
de sus proyectos, “audacia y generosidad” y por su “habilidad
de involucrarse en cada proyecto de una manera muy personal”,
provocando “lecturas visuales cargadas de sensualidad y poesía”.
15. Laura Meseguer

Diseñadora gráfica y tipógrafa. Trabaja en Barcelona, donde

nació en 1968. Tiene su propia fundición, Type-Ø-Tones. Es
profesora de Tipografía en Eina y Elisava. Tiene dos premios
Laus y dos Certificados de Excelencia Tipográfica (TDC2 2005 y
TDC2 2013) y el premio de la AtypI (2011). Es diseñadora gráfica,
especializada en el diseño editorial, y diseñadora de tipos desde
1992 diseñando tipografías como Adelita, Cortada, Frankie,
Lola, Gallard, Girard Sansusie, Holiday Sans, Rumba, Guapa y
Multi. Entre sus publicaciones destacan Rolling Paper del 2007 y
TypoMag. La tipografía en las revistas del 2010. Es miembro de
la Association Typographique Internationale (ATypI) y parte del
equipo de organización de la ATypI Barcelona 2014.

16. Veronika Burian

Natural de Praga, Veronika Burian ha vivido y se ha formado

en ciudades tan dispares como Munich, Viena y Milán.
Recientemente el nombre de esta entusiasta del diseño de
tipos y caracteres ha entrado a formar parte del grupo selecto
de los 53 tipógrafos elegidos por la Association Typographique
Internationale (ATypI) dentro del segundo concurso internacional
de diseño tipográfico Letter 2. La tipografía Maiola, que
Burian empezó a diseñar en 2003 y que publicaba en 2005 en
TypeTogether, es la responsable de su entrada en este club en el
que solo cabe la excelencia del diseño tipográfico.

17.Becca Classon

Becca Clason es una artista del lettering, ilustradora tipográfica

y diseñadora. Estudió publicidad creativa y diseño gráfico en
la Universidad de Brigham Young, y comenzó su carrera como
directora de arte publicitario en Manhattan, Entre su cartera de
clientes encontremos a Disney, Mattel o L’Oréal. Desde su ciudad,
Salt Lake, trabaja dibujando letras tanto de forma digital como
táctil, utilizando materiales como flores, objetos cotidianos y
semillas u otros alimentos.
colaboradorxs

Este proyecto será posible gracias al compromiso y la colaboración.

Desarrollo web plataforma

IES Albericia

Diseño gráfico
Escuela de Arte nº1

Desarrollo de ilustraciones
Ilustradoras cántabras emergentes

Registro fotográfico
Ciclo fotografía Ángeles Custodios

Desarrollo de textos y consejo asesor

Marta Mantecón
Escuela de arte nº1

Logística
Ayto Torrelavega
necesidades

La viabilidad del proyecto se basa en la colaboración mutua, por ello se detallan las
necesidades.

1. DIFUSIÓN CENTROS EDUCATIVOS Y SOCIEDAD

- El alcance de las instituciones publicas es amplio y dierso por lo que puede facilitar el que
este proyecto llegue a los centros educativos tanto de primaria como secundaria.
- Por otro lado el que nuestros alumn@s puedan visibilizar sus proyectos creativos es una
forma de hacer grande lo que ocurre en el aula, y hemos puesto en valor el que ellos mismos
sean quienes gestionen y preparen las rudas de prensa acompañados de los organismos
públicos quienes ayudan a que ellos perciban su trabajo como algo grande.

2. APOYO LOGÍSTICO
En las intervenciones tipográficas el apoyo logistoco prestado por los ayuntamientos es
imprescindible: tomas de luz para poder usar electricidad, pistolas de silicona, etc… mesas
para trabajar pues muchas veces los grupos son numerosos y la gente se acerca a ayudar y
se hace necesario un espacio para depositar los materiales y trabajar. Estas necesidades son
variables dependiendo del diseño de las intervenciones y se van concretando en el mes de
abril.

3. ECONÓMICAS
A pesar de que muchas de las acciones llevan asociadas la colaboración desinteresada de los
agentes implicados, el apoyo económico es también necesario, y se destina a las siguientes
acciones:
- el pago a las profesionales del ámbito de la ilustración, para la elaboración de parte del
material material gráfico
- impresión paneles informativos de las intervenciones
- el coste de los materiales de las 10 intervenciones (5 en Santander y 5 en Torrelavega)
- El coste del material gráfico ilustrado, para la web e impresos para los paneles informativos,
y el material para ejecutar las intervenciones.
ayúdanos a escribir una versión mÁs justa
Mujeres y tipografía:
un lugar en la historia.
Raquel Pelta
Prácticamente desde la aparición de la imprenta,
encontramos mujeres implicadas en la tipografía,
sin embargo su presencia en la historia no ha sido
suficientemente reconocida.
En 1971 el artículo de Linda Nochlin (1989)
titulado «¿Por qué no ha habido grandes artistas
mujeres?», sirvió de desafío a los historiadores del
arte poniendo de relieve que la construcción de la
historia que éstos habían hecho era parcial y animó
a las mujeres a enfrentarse a su propia realidad
histórica.
«Prácticamente desde la aparición de la imprenta,
encontramos mujeres implicadas en la producción de
todo tipo de material impreso.»
«A partir del siglo XVIII y por razones de competencia
con los hombres, las mujeres comenzaron a ser
excluidas de los procesos de aprendizaje. Se
argumentó que no era un oficio adecuado para ellas
por su peligrosidad.»
«Será también en el siglo XIX, y como consecuencia
del nacimiento de los primeros movimientos
feministas, cuando volvamos a ver reaparecer
a las mujeres en los territorios de la imprenta,
especialmente en Estados Unidos y en Gran Bretaña,
cunas principales de estos movimientos.»
Desde entonces y hasta ahora, han surgido un buen
número de investigaciones que han reivindicado la
presencia de la mujer en todos los terrenos de la
sociedad y de la cultura. En el campo del diseño,
estas investigaciones han sido muy recientes y se
encuentran, todavía, en pleno proceso de desarrollo.
Precisamente, dentro de la historia del diseño
hay que señalar que existen áreas que todavía
presentan un gran vacío historiográfico en cuanto al
lugar que han ocupado las mujeres. Este es el caso
de la tipografía. Aunque recientemente, algunos
investigadores como Marina Garone y Albert
Corbeto, por ejemplo, han llevado a cabo trabajos
sobre el papel de las mujeres en las imprentas de la
Nueva España entre los siglos XVI a XIX, la pregunta
que hacía Linda Nochlin para el arte podría aplicarse
perfectamente al terreno que nos ocupa: ¿por qué
no ha habido grandes tipógrafas mujeres?
Las últimas décadas del siglo XX, y como ha
sucedido en todos los ámbitos de la sociedad, han
sido el escenario de la incorporación de la mujer a
áreas laborales que anteriormente le habían estado
vedadas.
En el caso concreto del diseño gráfico, hemos
sido testigos de la aparición de un buen número
de diseñadoras pero, todo hay que decirlo, en
ciertos foros las mujeres siguen estando en minoría.
Uno de ellos es el de la tipografía, un terreno
tradicionalmente masculino, en el que todavía -y
comparativamente- encontramos pocos nombres
femeninos.
Si contemplamos, por ejemplo, la lista de delegados
de ATyPI (Asociación Tipográfica Internacional) a
2012, observaremos que hay 12 mujeres en un
listado de cuarenta y dos miembros y que, en la
Junta Directiva, constituida por dieciséis personas,
hay cinco: Cynthia Batty (Estados Unidos), Clare Bell
(Irlanda), Marina Chaccur (Brasil), Linda Kudrnovská
(República Checa) y Petra Weitz (Alemania).
Es cierto que si comparamos este listado con
cualquiera de los correspondientes a décadas
pasadas, la situación ha mejorado notablemente.
Sin embargo, no deja de ser significativo que, por
lo que se refiere a la presidencia de la organización,
desde la fundación de la Asociación en 1957
y hasta la actualidad, no haya habido ninguna
presidenta, pese a que en las tres últimas décadas
el número de prestigiosas diseñadoras de tipos se
ha ido incrementando -Susanne Dechants, en una
conferencia impartida en ATypI en 2008, hablaba
de 50 tipógrafas en 50 años de existencia de la
Asociación-.
Esa invisibilidad responde, sin duda, a razones
históricas y, entre ellas, a la división del trabajo que
agravó la Revolución Industrial pero es también el
resultado de una concepción historiográfica que,
hasta fechas muy recientes, ha minusvalorado la
aportación femenina. Como dijo la diseñadora de
tipos Linnea Lundquist, también en el congreso de
ATyPI de 2008, las mujeres han trabajado siempre en
tipografía, sobre todo tras el escenario... para hacer
que los hombres parezcan buenos.

Incluso en la historia más reciente, nos encontramos
con algún que otro ejemplo de ello. Así, en el
encuentro organizado por Fuse en Londres en 1994,
a la hora de planificar quiénes serían los ponentes,
no se contó con la presencia femenina aún sabiendo
que algunas de las tipografías más interesantes del
momento habían sido diseñadas por mujeres.
Recuperar y revalorizar el trabajo de las mujeres
En las tres últimas décadas, uno de los ámbitos en
los que más se ha centrado la perspectiva feminista
ha sido la recuperación y revalorización del trabajo
de diseñadoras hasta ahora poco apreciadas o,
directamente, silenciadas, una recuperación que
han llevado a cabo historiadoras como Pat Kirkham,
Judy Attfield, Cheryl Buckley, Anthea Callen, Suzette
Worden, Lee Wright, Angela Partington y Penny
Sparke, entre otras. Todas ellas han insistido en
que las intervenciones de las mujeres, en general
y en el campo del diseño en particular, tanto en el
pasado como en el presente, se ignoran de manera
constante, de ahí que se hayan propuesto poner
de relieve que este silencio no es accidental, sino
la consecuencia de unos métodos historiográficos
determinados.
Dichos métodos, desde el punto de vista de Cheryl
Buckley (1986) implican la selección, clasificación y
priorización de ciertos tipos de diseño, categorías,
estilos, movimientos y modos de producción que
han estado fuera del control de las mujeres y, que
por tanto, han servido para que se las excluya de la
historia. El feminismo ha puesto de relieve que los
historiadores del diseño han jugado un importante
papel en el mantenimiento de las asunciones
sobre los papeles y las capacidades de las mujeres
diseñadoras.
Una definición del diseño considerablemente
restrictiva que le otorgaba finalidad industrial,
-casi exclusivamente-, dejaba fuera el trabajo que
se orientaba hacia una producción más limitada y
que solía estar hecho por mujeres. Es el caso, por
ejemplo de la moda, a la que todavía hoy en día
muchos teóricos dejan fuera del diseño, el de la
cerámica y los textiles, campos que cuentan con
un buen número de creadoras femeninas cuyos
nombres apenas conocemos dentro de la historia
El texto es un fragmento de l un artículo para
Monográfica en que Raquel Pelta pone de manifiesto
la necesidad de rescatar el trabajo de mujeres
diseñadoras y tipógrafas que han sino invisibilizadas
en la lectura histórica
Pelta, R. (Octubre de 2012). Mujeres y tipografía:
un lugar en la historia. Recuperado de
http://www.monografica.org/04/
Art%C3%ADculo/7942
del diseño y que no han comenzado a incluirse hasta
fechas muy recientes. Podría decirse que lo mismo
ha sucedido con la caligrafía, más relacionada con
los procesos productivos “artesanos” que con la
producción seriada de la imprenta.
En ese sentido, una de las cuestiones centrales para
la crítica feminista ha sido redefinir qué es el diseño.
Hasta ahora la historia de éste se ha entendido como
el estudio de los objetos producidos en serie y se ha
separado de la artesanía. El feminismo ha desafiado
esta visión demostrando que se estaba enfatizando
un tipo de modelo productivo y proponiendo, en
cambio, una nueva mirada hacia la artesanía, el único
modelo al que la mayoría de las mujeres han tenido
acceso a lo largo de la historia.
Llevando esta visión al campo de la tipografía, tal
vez habría que plantearse una redefinición de lo que
se considera «diseño tipográfico». La historia de la
letra que, a partir del siglo XV, se confunde con la
de la tipografía, se ha entendido como el objeto de
estudio de los caracteres diseñados para fundir en
plomo o, en nuestros días, para el medio digital. Una
definición restrictiva que ha ido perdiendo fuerza
a medida que la postmodernidad reivindicaba el
ornamento, la expresividad y la subjetividad que
distinguían una letra caligráfica como decorativa y
la situaban en un lugar de inferioridad –definida por
la legibilidad como parámetro fundamental- frente
a los alfabetos construidos para la producción
mecánica.
Dicha concepción ha afectado, sin duda, a la
apreciación de un buen número de alfabetos
diseñados por mujeres, casi siempre formadas
en la caligrafía y muchas de ellas destacadas
representantes de este campo, como es, por
ejemplo, Gudrun Zapf, recientemente reivindicada y
reconocida y cuyo nombre, como el de otras muchas
féminas ha quedado, en numerosas ocasiones,
subsumido en el de sus maridos, amantes, padres
o hermanos. Tal y como ha sucedido en otros
campos del diseño, las tipógrafas se han definido
profesionalmente en la literatura del diseño por su
condición sexual y en relación a.
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