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Introducción al Arte

Contemporáneo
Ivelic Milan

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Clase 1: 06/03/2019
Introducción
En primer lugar, este curso requiere retención visual, por lo cual se recomienda asistir
a clases. Lo que se busca es obtener una mayor información en materia artística.

Tarea: poesía en expansión

Hay que hacer una visita al museo y ver una poesía que el profesor considera
bastante subversiva (al igual que el arte del siglo XX en general)

La lectura de una obra de arte no hay que buscarla en el apoyo de un libro, sino
ver como somos capaces de explorarnos a nosotros mismos para poder dar una
respuesta a lo que nosotros estamos mirando. Entonces, entender esta diversidad
de propuestas visuales que los artistas nos entregan. Este, finalmente, es el objetivo
del curso.

Hay que ir a ver poesía en expansión, en el segundo piso en la sala Chile en el


Museo de Bellas Arte. Esta exposición está basada en artistas chilenos. Se busca
que se haga una primera visita, la idea es que llegar a un lugar que nunca había
conocido, se busca una visita exploratoria. Mirarlo.

Hay palabras, pero estas están visualizadas a través de líneas, colores o imágenes
en un televisor. Eso descoloca porque uno supone que va ir a ver pinturas o
esculturas y no están.

El profesor busca que uno se meta en el tema y lo desarrolle. El itinerario de la tarea


consiste en seleccionar una obra, y responder porque la elegiste. En ese sentido la
pregunta es ¿Qué sentido tiene para ti la obra elegida? De esa manera es una
exploración personal y por lo tanto hay una fuerte carga subjetiva, por lo tanto,
esas opiniones no necesariamente son universales para todos, pues quien
contempla el arte es una persona marcada por sus vivencias, por su núcleo familiar
y cosas por el estilo.

Es necesario que se incorpore redactar un breve texto sobre el conjunto de la


exposición pues como hay un pensamiento que no es coincidente pero
aproximativo entre todos los artistas que trabajaron textos poéticos, pero los
transformaron visualmente hay una posibilidad de que se pueda hacer una síntesis
al respecto.

Lo que si está claro es que es una exposición descolocadora pues no están


habituados a ver ese tipo de obras. Eso es lo importante, como el arte es capaz de
crear nuevos mundos y no seguir la rutina de mundos creados.

En ese sentido, el habituarse a ver obras de arte les abre mundos, les hace ver
horizontes que quizás jamás pensaron que existían. Lamentablemente, el sistema
educativo esta absolutamente dirigido que no permite encontrar nuevas rutas. En

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el cual no hay reflexión. Eso nos complica la vida, en un país que tiene muy poca
capacidad imaginativa. Es muy difícil pensar que nuestro mundo infantil y juvenil
pueda tener una mentalidad abierta al mundo al tener una educación tan rígida.

No más de dos carillas, no tiene nota, también poner una foto de la obra escogida.
Debe entregarse en dos semanas.

El naturalismo

Hablemos de una obra importante. La Mona Lisa


De Leonardo Da Vinci. Esta pintura se ubica en la
época del Renacimiento, por ende, implica el
renacer de los conceptos occidentales del
mundo clásico.

Durante este periodo vuelve a aparecer el arte


clásico, es decir, el mundo artístico de la realidad
antigua, provenientes de Grecia y Roma.

El mundo occidental durante el siglo XV y XVI lo


que hace es recuperar, resucitar y reactivar el arte
clásico o el arte grecolatino.

Volvamos a la obra. La palabra mona significa


“doña”, por ende la Mona Lisa es Doña Lisa. Esta
obra la pinta a comienzos del siglo XVI,
demorándose dos años en pintarla.

También se le conoce como “La Gioconda”


porque su marido era Giocondo. De ahí esa
prolongación del nombre de la Mona lisa o la
Gioconda.

¿Por qué esta obra es tan importante?

Hubo un robo y eso permitió publicitar la obra que claro, no era tan conocida,
sobretodo porque este hecho ocurre a comienzos del siglo XX, donde los viajes no
eran algo común. Para mucha gente el robo no llamo mayormente la atención,
pero eso permitió que la obra se fuera haciendo muy conocida. En la medida que
los medios de comunicación publiciten las cosas comienzan a ser conocidas. Estos
son estratégicos para dar a conocer una noticia.

Hay cosas en la vida de Leonardo que no se conocen, lo cual genera cierto misterio
en torno a su obra. Freud establece una relación psicológica entre la madre de
este y el artista que hace generar un complejo de Edipo, además de lo que se
comenta sobre su orientación sexual.

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Lo que es interesante destacar es que en todo el periodo que va desde el siglo XV
(renacimiento) hasta el siglo XIX hay una manera, una orientación artística que se
dirige fundamentalmente al mundo visible. A todo lo que llamaríamos hoy en día,
la exterioridad o lo real externo. Lo que esta fuera de mi. En otras palabras, el artista
durante 400 años observo el mundo que lo rodeaba y este estaba constituido en
primer lugar por seres humanos. Por lo tanto, cada uno de nosotros tiene una
primera relación con la familia y luego será ya con el barrio o el vecindario. Hay
una actitud de sociabilidad inherente al humano que lo diferencia del otro.

Luego, este mundo visible está constituido por las personas y por todos los seres de
la naturaleza. Cuando uno mira el arte de este periodo se encontrará una
temática recurrente: el retrato. Antes no existía la fotografía por lo cual la única
manera de dejar testimonio era hacerse pintar. Pero claro, eso tenía un valor y por
lo tanto no todos tenían la posibilidad de hacerse un retrato. Además, el retrato
quedo recluido o limitado al mundo de riqueza social y económica.

Quienes se retrataban eran la realeza, gente ilustre de las cortes y la nobleza, el


clérigo. Ninguno de nosotros habría podido hacerse retratar por Raphael o Da
Vinci.

Se podría hablar del Naturalismo, ósea, las cosas que provienen del mundo de la
naturaleza, por ejemplo, un león, un pez, una vivienda o una catedral. Pero claro
todo eso que existe no necesariamente va a ser seleccionado de igual manera por
los artistas. Estos van a escoger el rango, pues buscan contar una historia a través
de la historia.

El arte empieza a tener gradualmente un papel comercial, mercantil y se


transforma en un bien económico transable en el mercado. Por ejemplo, si lees la
prensa vera que dicen que un cuadro de Van Gogh se vendió en 50 millones de
dólares. Sin embargo, no dicen porque es importante Van Gogh o su obra, sino el
precio de sus cuadros.

El arte nace en la prehistoria con las pinturas de las cavernas y esos pintores cuando
pintaron un bisonte no cobraron, lo hicieron pues para ellos el retener en una
pintura un animal era como si se le hubiera capturado en la vida real. Lo peor que
le podía pasar a un pueblo en esa época no era que les arrebataran las tierras, sino
que les arrebataran los símbolos, pues este era tan importante que era como si le
hubieran hecho una herida a cada uno de los habitantes de ese lugar.

El valor de cambio es el valor transable que transforma todo en una mercadería


con un precio. Lamentablemente los artistas para poder sobrevivir tenían que
recibir un sueldo. De ahí provienen los mecenas, el problema es que a causa del
capitalismo se fue convirtiendo en un bien transable. Ahora la gente colecciona
cuadros no para admirarlo sino como una inversión.

Eso molesta, ¿por qué transformar el arte en una simple mercancía? Sin embargo,
hay artistas que no han querido que su obra sea vendida y se las arreglan
dedicándose a otras cosas. El artista al querer ser artista renuncia a la posibilidad

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de hacerse rico. Aquí hay una cuestión tan seria y una sociedad tan consumidora
que mide el valor de la gente con signo pesos.

Si uno quiere ser, tiene que ser autónomo.

Lo que hace Leonardo en este cuadro no es inventar una figura, no es el fruto de


una pura imaginación como ocurre en el caso de los surrealistas. Vemos una mujer
joven que está delante, en el primer plano y al fondo se ve un paisaje. Uno puede
preguntarse ¿Leonardo puso a la Mona Lisa junto a una ventana y esta abierta
permite vislumbrar un fondo, o simplemente la pinto en un espacio cerrado y luego
pinto el fondo? Son cosas que no sabemos y tampoco se ha logrado descubrir si
ese paisaje existía o esta inventado.

Lo que no esta inventado es la figura, quien fue la modelo del artista. Si uno mira
hacía atrás en la edad media, el tema privilegiado era la vida de los santos o la
vida de cristo y no la naturaleza o cosas por el estilo, tales escenas ocurrían en
espacios cerrados.

Es por eso que hay un renacimiento científico, por ejemplo, el interés de Leonardo
de conocer el cuerpo humano, para eso logro exhumar cadáveres y el los llevaba
a su taller, los habría para conocer el cuerpo humano y entender así los
mecanismos, o de los embarazos, cuando están dentro del vientre materno.
También hay una exploración por parte de los primeros astrónomos mirando el cielo
y las estrellas descubriendo los primeros planetas.

Aquí se abre el mundo al conocimiento humano. Hay una mirada desde una
perspectiva antropológica. A partir del renacimiento ese mundo celestial baja a la
tierra y hace que la mirada teológica se transforme en una mirada
antropocéntrica. Lo que ocurre es que ahora el ser humano esta al centro y no en
la periferia.

Obviamente que para comprender mejor lo que es la pintura el soporte tradicional


sobre el cual el artista pinta puede ser una madera muy bien escogida y sobre ella
se pinta, o sobre una tela.

Sin embargo, la tela comienza a aparecer por el siglo XVIII que va a ir remplazando
gradualmente a la madera, sobretodo por temas de costos.

Lo primero que tenemos entonces es una madera o una tela y en seguida tenemos
los materiales que utiliza el artista para pintar, fundamentalmente aquí se trata de
pigmentos naturales tomados de distintas tierras de color que se muelen, se
aplastan, después se le coloca una mezcla con trementina muy artesanal que
solían hacer los ayudantes del taller del artista. Después vienen los pinceles de
distinto grosos dependiendo de si se querían pintar detalles o superficies mayores.
Tampoco hay que olvidar la presencia del marco. También incorporan elementos.
Durante esta época es normal utilizar pintura al oleo y el resultado es la obra que
estudiamos

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¿Cómo pinta? Para lograr este resultado se requiere un dibujo que va definiendo
los contornos, el cual generalmente se hace con carboncillo, así la forma esta
exactamente en el centro mismo de la tela. O sea, si yo paso un eje por la cabeza
de la mona lisa, por la nariz y su torso prácticamente tenemos una simetría de su
figura al coincidir lado izquierdo con el derecho componiendo armonía.

Luego se tiene definida la figura y emplea luces y sombras. El foco principal esta
sobre la cabeza y el cuello. Allí esta toda la fuerza del foco de luz. Hay que recordar
que en la pintura la luz es un elemento fundamental, porque yo puedo cargar con
más luces y menos luces dependiendo del tema que estoy tratando.

Por ejemplo, en la obra de Rafael Sanzio, “La escuela de Atenas” hay una plena
composición armónica. Si trazamos una línea imaginaria desde el centro de la tela
en el lugar donde se encuentran los dos personajes del centro, nos damos cuenta
de que los pesos cromáticos se distribuyen armónicamente hacía los lados. El
cuadro no se me cae, se mantiene. Por otra parte, el rayo de luz está circunscrito
con una luz pareja, lo cual podríamos llamar una pintura universal.

Lo que es importante destacar es como el artista del renacimiento siente el mundo


que los rodea como un mundo conciliado, como un mundo confiado, como un
mundo dominado. ¿Quiénes son los personajes principales? Platón y Aristóteles.
Platón extiende su dedo hacía arriba pues se refiere al mundo de las ideas.

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Aristóteles tiene su dedo apuntando abajo, a la realidad, de observar las relaciones
humanas.

El renacimiento es un mundo que se mira a si mismo a partir de la realidad. Mirate


a ti mismo y veras que ubicación tienes en el mundo, conciliadora. No es una
mirada caótica.

Ahora si vemos esta obra de Rembrandt, “La lección de anatomía”, el doctor Tulp
esta abriendo un cadaver y todos los que lo rodean son medicos y estudiantes de
Médicina.

¿Qué pasa con la luz? No esta igualmente repartida, el ya no esta en el


renacimiento,estamos en el barroco. El mundo ha cambiado y la mirada sobre el
mundo es una mirada revuelta que esta poniendo en duda la homogeneidad del
mundo del renacimiento. Ha aparecido la reforma protestante y por lo tanto la
unidad del cristianismo se ha ido trizando y aquí, en el caso de Rembrandt este
ingresa al calvinismo como una doctrina que se separa de la iglesia católica para
mirar la realidad de otra manera. Sin embargo, todavía no es un mundo crispado.

Aquí la luz cae intensamente sobre el cadaver, el paño oculta el sexo del sujeto, sin
embargo no puede ser más blanco. Ahí esta toda la fuerza de la concentración
de la obra. Asimismo, aquí se utiliza el pigmento blanco y este es la suma de todos
los colores, la máxima intensidad cromática se consigue con el blanco.

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Newton hizo un disco de cartón y lo coloreo con los colores primarios y
complementarios. Si se gira todos esos colores se convierten en blanco. Esa es la
máxima intensidad cromática, la luz más intensa. Por eso el negro no es un color,
es la negación de una luz, y al ser eso, es también la negación del color.

El pigmento de blanco de Zinc va en todos estos cuellos y luego los cuerpos, todos
con una vestimenta muy parecida, se ve que va negando la luz. Por ejemplo, en el
sombrero del doctor ya no hay luz. Por lo tanto aquí hay una escena dramática
más que una escena armónica.

Aquí es interesante es ver como la mirada sobre la realidad ya no es igual a la


mirada de Leonardo. Eso nos lleva a la conclusión de que el arte no tiene un
camino lineal exactamente igual.

El cuadro ya no esta centrado al personaje principal, el doctor dirige pero no esta


al centro. Existe un criterio de disposición del cuadro, pues antiguamente al tirar al
centro el personaje principal del cuadro se lograba armonizar la obra.

La identidad de cada ser humano es una identidad que se va haciendo.

El profesor establece que el puente cau cau no es un puente en el sentido de que


no conecta dos zonas. Si yo lo bajo ahí funciona, pero si queda así es otra cosa, por
eso digo que es un Ready Made. Es un objeto que no tiene función que cumplir,
por ende no es un puente y al estar los dos brazos elevados es como si estuviera
clamando al cielo para poder recuperar su calidad de puente.

Ahora volviendo a la Mona Lisa, la niña esta separada a la naturaleza pero una
necesidad de vincularse con ella, no separandose completamente. De no
desvincular totalmente al ser humano de la naturaleza la cual proviene. Lo
entretenido es que aquí pueden haber mil interpretaciones distintas. Por eso el arte
es una puerta abierta continuamente al desarrollo del pensamiento.

En la edad media tiene que haber habido una atmosfera mucho mas silenciosa
que la que se vive en santiago. También entender esa idea, el arte está siempre
muy vinculado
al contexto de tal manera que si el contexto va modificandose, en el arte va a
ocurrir lo mismo. El artista, al fin y al cabo, deja testimonio de su tiempo.

Cada obra de arte es testimonio de su tiempo, pero como no podemos volver a


ese tiempo desarrollamos una idea contemporanea de lo que fue.

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Duchamp

El punto de partida en el arte


contemporáneo es Marcel
Duchamp, un artista de vanguardia
que se adelanto a su tiempo.
Tenemos esta obra llamada
“Desnudo bajando la escalera”
formada por un conjunto de
cuerpos femeninos.

Aquí viene el primer problema:


¿cómo el arte se libera de su
modelo? Como empieza a buscar
mayor autonomía y no dejarse llevar
por la forma normal que tiene un
cuerpo, un utencilio o una naranja.

El criterio normal de apreciación del


arte es que esta sea verosimil, que
sea igual a lo mostrado, a lo que
existe en la realidad. Luego, Marcel
Duchamp pinta este desnudo
bajando la escalera y la gente se
fue de espaldas. ¿De qué mujer me
esta hablando? Son piezas
geométricas, los mismos cuerpos.
Ninguno tiene volúmen, nariz o
boca. Esta obra es clave para
empezar a entender como el artista
desobedece la representación
exacta de un modelo. Empieza a
desaparecer la representación
tradicional.

Nos propone la idea del movimiento, la idea de un cuerpo dinámico. Enfrentado a


la inmobilidad de la tradición pictórica, nos enfrentamos con esta idea de que el
cuerpo humano es un cuerpo movil, es un cuerpo dinámico.

Hay todo un movimiento que veremos después, el futurismo, donde el objeto


importante consistia en como expresar el movimiento de distintas figuras. Era una
revolución, a nadie se le había ocurrido representar a la figura como algo en
movimiento y no como una figura rigida.

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El se da cuenta de que la pintura no
lograba ser capaz de expresar
intensamente la idea de movimiento. Así
renuncia a la pintura y busca otro
mecanismo que le permita enfrentar el
ejercicio del arte pero de otra manera.
Entonces, primero va a tomar una postal de
la Mona Lisa y la interviene, la modifica, le
pone bigotes y una barbilla, se denomina
“L.H.O.O.Q”

Es importante entender una mentalidad


imaginadora, pero también insolente. Para
más remate, le pone tales silabas que
implican “elle a chaud au qu” lo cual
implica que “está caliente”.
No es que reniegue el arte tradicional,
simplemente se da cuenta que no puede
seguir entendiendose el arte como una
representación verosimil de lo real sino que
el arte tiene esa capacidad de inventar
nuevas maneras de mirar la realidad. De
suvertir la realidad. El arte es subersivo, no se
siente comprometido con lo que hace la
sociedad.

Contribuyen a generar nuevos pensamientos sobre la sociedad. Así como Vicente


Huidobro buscando nuevas maneras de transformar las palabras. Por ejemplo, “leí
un libro lleno de jugo de lirios, de gotas de sangre, de un helado sudor de martirio,
de un susurro de tarde, las palabras reptiles de la gruta del alma…”

Aquí lo que hace es buscar nuevas maneras de expresar con la palabra, pero no
para decir lo mismo sino que para decir otra cosa nueva, distinta. Junto con eso, el
inventa los caligramas.

¿Por qué no modificar la manera en la cual voy a escribir los versos? Quien me dice
que la única manera de escribirlo es siguiendo el orden natural de las estrofas, así
modifico la forma, así como lo que va diciendo es una modificación:

“el arból era más grande que la montaña”

Esta dislocación de la palabra, esto que nos lee lo encontraran en la exposición de


la tarea. De hecho, lo primero que veremos es un molino pintado por el.

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Lo que esta ocurriendo en poésia también va a ocurrir en la novela. También si uno
lee el Ulyses de James Joyce nos vamos a encontrar con que ya no hay ni
puntuación. Así, uno no sabe donde esta la separación de una idea con la otra.
Joyce establece que el mundo funciona así, que no hay una separación tal, esta
todo confluyendo constantemente, pensando simultaneamente. Yo no puedo con
la puntuación, la idea se acumula, vienen de golpe.

Así se ve como en los mensajes artísticos, sea en la danza moderna, en la poesía o


en el arte, ya no tiene esa uniformidad. Hoy en día un niño tiene un horizonte de
mirada mucho más vasto que el de un niño hace 30 años. Por eso, como el
ambiente puede cambiar el punto de vista también.

Lo que hace aquí, Duchamp, es en parte una ofensiva contra el arte tradicional
en beneficio de esta figura. Junto con esto, Duchamp inventa una manera de
hacer arte, una manera de proponer el arte a partir de un objeto, cualquiera que
sea, en este caso un urinario que el va a denominar “Ready Made”. Se traduce
como el objeto ya hecho.

El va a una ferreteria donde


venden artículos sanitarios, se
compra un urinario y lo que
hace es llevarlo a una galeria
de arte en la cual se gestaba un
concurso donde fue invitado.

Lo invitan como jurado, llega el


día de la inauguración y antes
de escoger al ganador, trajo el
urinario y lo instalo sobre una
base. Escribe “R. Mutt”
partiendo por la idea de que
cuando un artista hace su obra
coloca su firma. No quiere
colocar su nombre real así que
lo inventa. Es 1917.

Nadie se entero que esa obra,


ese urinario lo había traído
Duchamp. Eran 5 o 6 los
miembros del jurado,
comienzan a deliberar las
obras. Ven esta cosa y la
despachan. El también se va,
como manera de protesta
silenciosa.

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Elementos del Ready Made

1) Autoria

Primero que nada, es un objeto hecho. El no lo fabrico. Luego hay una primera
cuestión importante, la ruptura con la manualidad. No es el autor material de la
obra, no lo hizo con sus manos. En otras palabras, es una negación de la autoría
material . En el escenario del arte todas las obras tienen un autor, al menos desde
el medio evo. Hay una autoria.

2) Descontextualizada

En segundo lugar, la obra está descontextualizada, porque en una sala de arte yo


no voy a hacer pipi. El urinario tiene su lugar específico, por lo tanto, si yo lo saco
de su lugar específico lo descontextualizo. ¿Qué hace aquí? La
descontextualización es una estrategia de trabajo que ha desarrollado Duchamp.

3) Desfuncionalización

En tercer lugar, la desfuncionalización. En otras palabras, el objeto ha perdido su


función. Ha sido desplazado espacialmente a un lugar que no le corresponde. Hay
un desplazamiento porque no funciona para lo que se creo en un principio.

La pregunta es: ¿Y qué hacer? Ya no es urinario, ya no está en el baño. La respuesta


es una invitación al público para que elaboremos un nuevo pensamiento para su
función.

Si yo lo devuelvo a su lugar de origen, vuelve a ser un artefacto y pierde su calida


de Ready Made. Se mueve así. Duchamp no puede proponer un pensamiento, su
idea es hacer un púbico activo, que se detenga, reflexione, piense y le atribuya un
nuevo pensamiento. Al final establece que todos podemos ser artistas.

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Clase 2: 13/03/2019

En esta obra vemos un “Ready


Made” pues hay una
descontextualización del objeto.
Es un banco que no sirve para
sentarse. Claramente, el objeto
se fragmento.

Lo que hacía Duchamp era


poder la rueda con esa idea del
movimiento que habíamos visto
anteriormente en el “desnudo
bajando la escalera”.

Lo que hace Duchamp es


decirnos: “les ofrezco este Ready
Made y ustedes desarrollen un
pensamiento nuevo”. El hecho
de unir dos cosas tan distintas. Si
yo estoy enfrentado a dos
objetos, por ejemplo, ¿que
pensamiento podemos
elaborar?

Podría ser una escultura pues


sabemos que consisten en
formas tridimensionales. Cuando uno mira una escultura siempre reconoce algo. En
este caso ¿Qué reconocemos? ¿ Como identificamos esa figura? Lo importante en
el arte, dijo Duchamp, no es lo que digo como artista, sino lo que el espectador
puede decir sobre ella. Busca un público activo, pensante y no uno pasivo. Por
primera vez en la historia del arte, Duchamp quiere que el público active la obra,
reaccione con respecto a ella.

Lo que hace Duchamp es proponernos una interrogante y no hay nada más


desafiante que una interrogante. El no afirma sino que interroga y nos invita a que
nosotros interrogemos lo que el esta haciendo.

Entonces, podemos ver que hay una situación de antagonismo pues existe la
inmobilidad del taburete y la movilidad de la rueda. Se logra algo que la pintura no
puede hacer. Mostrar el movimiento real. Hay una situación de protesta. La obra
es protestataria porque esta atentando contra toda la tradición artistica hasta ese
momento. Nadie habia hecho algo parecido. Es un gesto rupturista o ruptural con
respecto a todo lo que se había hecho hasta ese momento.

En la historia del arte hay una gran división cronologica si colocamos a Duchamp.
Antes y después de él. Las cosas, los acontecimientos de la historia del arte a partir

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de marcel duchamp significa una ruptura y un cambio radical. Lo que hace
Duchamp es no solo querer activar el público, sino que quiere activar el
movimiento. Si uno mira cualquier obra es estatica. Todo esto es insolito, incluso, se
podría decir que es absurdo. Sin embargo, todo lo insolito y absurdo es el fruto de
nuestras convenciones. Es tomar el arte y mirarla desde una perspectiva distinta. Al
revelarse, Duchamp cae en lo insolito, lo rupturista, lo protestatal.

Lo mismo ocurre con esta obra, “el


regalo” de Man Ray. Busca romper
esquemas. Esta plancha que es de
1919, el nombre también es rupturista.
¿Quién va a regalar una plancha?
Que hago con eso. Eso es lo
interesante, su inutilidad. ¿En que se
puede usar el arte? Es inutil, y eso es
fantastco pues demuestra que el
artista no esta enviosionado en
consumir una obra con fines
comerciales sino como el ser humano
se perfecciona en conocer sus
capacidades respecto a algo a lo
cual nunca ha tenido acceso.

Una persona que va a vivir la primera


guerra mundial, no hay duda que un
acontecimiento histórico relevante
como lo fue esta guerra. La cual
significo la muerte de más de 15
millones de soldados en europa. La
destrucción de ciudades. Duchamp
vive bajo una Francia ocupada, le
surge la interrogante ¿Por qué ocurrio
esto?

El arte siempre esta en un contexto histórico. De tal manera que ese contexto
histórico repercute en la manera como la sociedad enfrenta tal acontecimiento.

El problema que surge es el siguiente: la base cultural del mundo occidental viene
de un fundamento que es la razón. Fundamento que tiene sus raices en el mundo
griego. Todas las especulaciones filosoficas provenientes de platón, de aristoteles,
que se prolongan en la edad media con la llamada escolastica de Tomás de
Aquino y que continuan con todo este predominio de la razón en el renacimiento
y posteriormente en la denominada ilustración, e incluso con la revolución
francesa. El símbolo de esta revolución es la razón representada por una mujer con
un sombrero de los colores azúl, rojo y blanco.

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Ocurre una desconfianza con la razón, después de la primera guerra ¿cómo es
posible que la ética impregnada en los conocimientos mencionados no haya
podido parar la guerra? Eso genera un cuestionamiento y a partir de eso empieza
la ruptura en el arte. La base del surrealismo es esa desconfianza de la razón, por
ejemplo.

Esta desconfianza de Duchamp se agrupa en lo que se llama el “dadaísmo”


proveniente de una palabra infantil “dada”. El nombre dada fue el fruto del azar.

Uno de los integrantes del grupo dada, llamado tristan zara era un poeta, busca
que el grupo se ponga un nombre, toma un diccionario Larousse, lo habre en
cualquier pagina y donde caiga su dedo así se van a llamar. Su dedo calló sobre
la palabra “dada” que es la denominación del caballo en vocabulario infantil.

Duchamp va a hacer una serie de obras y de repente se dice: las obras se muestran
en los museos, pero yo quiero hacer un museo ambulante e inventa esta idea de
llevar la obra en una maleta. Hace un arte miniaturizado.

Ahora, volvamos al urinario. Esta vez vemos uno modificado, un urinario brillante,
de oro. Este interés empático sobre las cosas brillantes. Por ejemplo, cuando la
gente se compra un collar le gustaría que brille. Aquí podemos hablar de una
estética del brillo. Esta obra es de Sherrie Levine.

En el año 1947 Duchamp estaba vivo y Sherrie decide apropiarse del ready made
de Duchamp, pero modificando solamente la superficie incorporando el dorado
como el color producto de la estética del brillo.

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En primer lugar, es un homenaje a Duchamp
pero al mismo tiempo es vestir o revestir el
urinario con un color como elemento
consagratorio a Duchamp pues es indudable
que si coloco el urinario de Duchamp y el de
Sherrie Levine no hay duda que van a escoger
el dorado.

Lo interesante es ver como ella intuye y se da


cuenta que en el gusto estetico de la mayoria,
lo esplendoroso, lo brillante es importante,
convirtiendose en un sinonimo de lo bello.

Analizemos otra obra:

Sigue la misma idea. Lo brillante. Hay una cercania con la individualización del
rostro. No hay duda de que es el, así como no hay duda de que el mono es el
mono. Sigue la estética del resplandor y del brillo. Esta obra es de Jeff Koons.

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Jeff Koons se ha hecho multimillonario haciendo esculturas semi abstractas. Por
ejemplo, reconozco la forma de un perro, pero no podría definir que raza es. Aún
así, la obra sigue teniendo Brillo. De esta manera, es tanta la gente entusiasmada
con su arte que debe ser el artista que más ha ganado. Sin embargo, el terrible
problema ocurre cuando el arte se comercializa y pasa a ser un bien económico
gigantesco. La gente desarrolla una cercania con este tipo de objetos, hasta llegar
a pensar que el arte es lo brillante.

En la misma idea esta la obra de Anish Kapoor “puerta a las nubes” de 2004. Si bien
no hay dorado, esta el plateado y por lo tanto el resplandor y el brillo de lo plateado
se transforma en el elemento motivador de la obra que estamos viendo.

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Otra obra que sigue esta idea, del
mismo artista es “espejo en el cielo”
ubicado en Versalles. Ahora vemos un
cuadro, la santisima trinidad de
Masaccio.

Aquí hay otra cuestión importante


que va a recorrer esos cinco siglos de
estetica naturalista.

El uso permanente de la perspectiva.


Volviendo a la idea del arte antiguo
que conversabamos en la primera
clase. La perspectiva ermite sentir que
yo controlo el espacio.

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Lucien Freud

Ahora, volvamos al siglo XX. Está Lucian Freud, siguiendo los retratos tradicionales
de la gente su personaje arrugado puede ser objeto de críticas. Se autoretrata, de
una manera distinta a lo que se venía haciendo. La pintura muestra lo que es el ser
humano. El podría maquillar la figura y hacerla bonita, pero lo que busca es mostrar
la realidad. Hay que entender el arte, no como una cuestión complaciente
destinada a agradar al otro.

En este retrato de la reina, se desnuda el ser profundo de la reina. Lo mismo ocurre


con un autorretrato de Lucien Freud. Se desnuda física y psicológicamente para
mostrarlo en el cuadro.

También de Freud, esta vez de 1975.

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El arte no es uniforme en el transcurso del tiempo, sino que van ocurriendo
momentos que la transforman. Por eso es tan difícil definir el arte. Más abajo vemos
un desnudo femenino. Las dimensiones que muestra son las distintas al criterio de
belleza normalmente concebido por los medios.

Frances Bacon

Ahora veremos dos pinturas distintas. La primera es una obra de Velázquez, un


retrato del papa de Inocencio X y el que sigue es el papa Inocencio X pintado por
Frances Bacon.

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¿Qué paso? Cómo fue como
persona y gobernante de la
iglesia. Quizás nos da las pistas
para comprenderlo.
Obviamente crea un ser
caricaturesco, no en el sentido
del humor, sino que como una
especie de grito de protesta
por ese personaje.

Las obras tienen un contexto y


para poder comprenderla
también hay que conocer el
contexto en el cual esta se
efectuó.

Veamos esta obra de Goya, pinta a Saturno devorando a su hijo en 1819


Como el artista en el ejercicio de la libertad se permite hacer esto y muestra el
horror.

Francis Bacon hace una mirada sin salida del cuerpo humano. Deformado que ha
perdido su condición natural. El es testigo de la segunda guerra mundial.

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Es un ser humano que va desposeyendo, perdiendo sus atributos humanos. Va
perdiendo su condición de vida humana. El fue muy duro con el ser humano. Era
homosexual y sintió el bullying toda su vida por ser así. Fue un personaje muy
marginado. Solamente en estos últimos años se ha entendido lo que es la
homosexualidad, pero no hace mucho tiempo. Antes se te repudiaba.

Esta obra es de Magritte. El dibuja una pipa, la pinta y coloca “esto no es una pipa”.
¡pero si yo lo que veo es una pipa! Entonces entramos en una confusión. Es la pipa
dibujada.

El arte en su versión naturalista es la representación de lo real, de lo que ve.


Leonardo pintaba modelos, y por lo tanto, lo pintado corresponde a la verosimilitud
de la modelo. La mona lisa es una representación fiel de la persona, en ese sentido.

¿Qué nos quiere decir Magritte?

Lo que hace es decir:esto no es una pipa pues no quiere que uno entienda el arte
como forma realista. Se pregunta porque la gente se interesa por la pintura por ser
una representación de lo real. El no lo quiere, no dice que no sea importante, pero
afirma que, si ya lo hemos hecho tanto, ya tanto. Mejor olvidemoslo, pintemos cosas
sin necesidad de reproducir la realidad.

22
Clase 3: 20/03/2019
Cindy Sherman

El profesor nos quiere mostrar una situación muy contemporánea vinculada como
el artista contemporáneo ve el problema de la mujer. El caso de una artista
norteamericana llamada Cindy Sherman. Ella ha tenido particular interés por lo
femenino y como la mujer ha sido habitualmente transformada en una especie de
subalterno del hombre. Su trabajo es rescatar de la realidad lo que podríamos
llamar arquetipos. Mujeres vinculadas únicamente a una sola actividad.

Lo que hace no es pintar, es fotografiar. Que también es considerada como


subalterna, para duplicar lo real. Hoy en dia los artistas utilizan la fotografía como
otro material para incorporar a lo que están haciendo.

Ella se transforma con un fuerte maquillaje va adquiriendo diversas personalidades


en si misma. Hay 1000 caras. Ella asume el papel que la sociedad le ha dado a las
mujeres.

En la primera foto tenemos a una mujer payaso. En la otra foto asume el papel de
mujer vampiresa, donde solo es identificada por eso, por un determinado trabajo.
Otras fotos, en las cuales sale sumamente operada.

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Así busca ver que la mujer queda encuadrada
solo en una forma de vida, en una actividad.
El problema es que queda completamente
enmarcada. El sistema machista dominante
ubica a la mujer en esta situación subalterna y
lo único que es capaz de hacer es tal
situación. Se les empaqueta, se les enjaula.

Respecto a la exposición que vamos a ver: 3


fotógrafos tomaron fotos de mujeres de más
de 60 años, los cuales no podrían encasillarse.
Se hizo una selección de mujeres sobre 60
pero no buscando la actividad que
desempeña.

Ejercicio Colectivo

Veremos una obra de Doris Salcedo de 2003.


¿Dónde ubicaríamos esta escena visual?

Son 1550 sillas, situado entre dos edificios. Podría


desarrollar la obra que quisiera en un concurso en
Estambul. Esto en términos del arte se llama una
obra “in situ”. Un sitio específico en un lugar
específico. Ella hizo la obra a raíz del lugar. Es un
amontonamiento de sillas.

¿Qué es? ¿Hacía donde apunta esta obra?

Cada persona representa una silla, busca llenar un


vacio, busca representar el hacinamiento. Se ve
muy compacto. Por otro lado, saca a la silla de su
función típica, en ese sentido evoca el ready made
de Duchamp. Es una instalación que rellena el
espacio. Uno asocia sillas juntas a una expresión
física de descontento, hacer tuyo el espacio. Da la
impresión también de que es un vertedero.

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Son sillas simples. Hay una acumulación. Se habla de una perdida de la
individualidad, donde todo se ve como una masa. Se siente más bien una
homogeneidad del mismo objeto. Recuerda a la voracidad de la gente al empujar
el metro.

El arte hoy es una operación visual para hacer visibles situaciones políticas, visuales,
etc. El artista siente que la pintura no es suficiente para dar cuenta de todos los
fenómenos que se dan en la sociedad. Hoy, el concepto es que el artista elabora
una propuesta con el objeto de plantear una problemática frente al mundo.

El profesor busca que encontremos un discurso que permita aproximarse al sentido


de la obra.

Segundo Ejercicio Colectivo

Obra de Narda Alvarado, de 2003, Olive Green. Hizo una propuesta corporal, en
vez de pintarlo lo muestra como uniforme, como desfile. El grupo que se ve son
estudiantes para dirigir el transito. Hay un grupo encabezado por el sargento que
se instalan en medio de una calle principal y todos van con una bandeja. En la
bandeja hay una aceituna. Esta acción es una performance.

La performance se llama verde oliva. Es una buena relación entre la aceituna y el


color.
Ellos se colocan en el bandejon central. Lo ocupan enteramente de orilla a orilla y
los autos comienzan a detenerse, y lo detienen todo el tiempo durante el cual los
estudiantes toman la aceituna y se la comen. En eso consiste.

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¿Qué sentido puede tener la obra?

Busca choquear. El nombre también busca choquear, al ser en ingles ocurriendo


en un país como Bolivia. La aceituna también puede representar al transito o que
ellos mismos lo son, al ser comidos por el transito gigante de la ciudad. No los pone
en desorden, pues ellos representan el orden. Sigue la imagen de ordenar, dirigir.
También se ve una simetría.

Es interesante que escojan gente que dirige el transito para precisamente pararlo.
Hay un sentido irónico, porque paran el transito para hacer algo muy nimio y
cuanto molesta al conductor tener que detenerse a ver como ellos se comen la
aceituna.

Una de las cosas que llama la atención en el arte contemporáneo, el arte que
estamos viviendo, es la diversidad. Es la heterogeneidad.

¿Cómo se explica la permanencia que tiene el arte durante 4 siglos? ¿Cómo se


explica la estabilidad? ¿Qué fundamentalmente la mirada de los artistas desde el
renacimiento hasta fines del siglo XIX haya sido la opción por la exterioridad?

Se impone el naturalismo. La mirada sobre el mundo visible. ¿Por qué esta grieta
entre el arte del pasado y el arte contemporáneo?

Porque hemos tenido una historia en la cual la estabilidad es la característica de


un arte que se desarrollo durante 400 años. Durante estos partimos con el
renacimiento, seguimos con el barroco, neoclasicismo, y se produce un corte con
el impresionismo que no se puede situar con ese mundo estable.

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La característica del impresionismo es su inestabilidad. Es el inicio de todo lo que
ocurrirá en el siglo XX.

Volvamos a la pregunta, ¿Cómo lo explicamos? ¿Cómo explicamos esta ruptura?

Más que eso, cuando llegamos esto esta ocurriendo entre 1900 y 1960, dentro de
ese periodo pasamos por 6 corrientes artísticas (cubismo, futurismo, dadaísmo,
surrealismo, etc) . En 60 años han pasado más movimientos de los 400 años
anteriores.

En los últimos años tenemos el land art, el body art, las performances, el pop art.

Por lo tanto, se incorporan elementos completamente nuevos, por ejemplo, el


objeto como la fuente, como la rueda de bicicletas. El objeto ingresa como parte
del arte, así, podría hablarse como el arte objetual. Agreguemos también la
fotografía, la impresión digital, todos los materiales de la tecnología moderna.

El arte contemporáneo es un arte de fronteras abiertas. Un artista puede ser un


pintor que ha hecho pinturas y de pronto se pone a trabajar con el video.

Estudiar la propia mente humana para darse cuenta de todos los contenidos que
eran prácticamente propugnables. Freud en este sentido es importante, aunque
sea un macho culiao, hay que concederle eso.

John Cage era músico de avanzada. En una oportunidad dio un concierto de


piano. Se paro frente al piano, saludo a la gente, se sento y se quedo callado. Solo
se escuchaban los murmullos de la gente. Al cabo de 15 minutos cerro el piano hizo
una reverencia y se fue.

También, apretó una tecla, solo una tecla y se fue. Es un dadaísta pues coloca en
duros aprietos la rutina tradicional de lo que es un concierto. Señalar eso es
irreverente. El artista se coloca en una posición distinta y contraria de los lugares
comunes.

¿Cómo entendemos chile hoy?

El chile antiguo es muy distinto. Un mundo completamente distinto. Hoy estamos en


la cuarta revolución, la revolución digital. La reproducción mecánica de la imagen
hace que no sea necesario ir a museos, se puede incluso trabajar con ella.

La reproducción de la imagen por los medios mecánicos electrónicos que permite


que la inmediatez de la imagen hace que se produzca un mecanismo de
peligrosidad, peligrosidad y cambio que antes no existía.

El profesor cree y lo plantea como una hipótesis de trabajo que los 400 años que
van del renacimiento hasta los comienzos del impresionismo ha creado una
sensibilidad cultural que es lo que se denomina “la cultura solida”. La palabra solida

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es bastante sugerente en el sentido de que es una cultura que podríamos llamar
muy densa, muy pesada, muy permanente.

Es una metáfora, pero parece adecuada en el sentido de que esta cultura solida
hizo posible que se establecieran principios y criterios duraderos. Aunque también
podrían ser principios filosóficos, o concepciones antropológicas invariables. Es una
concepción del ser humano permanente, con todos sus órganos dirigidos hacia un
mismo fin.

En una sociedad que se va homogeneizando, obviamente que esas concepciones


se transforman en unas permanentes. Por ejemplo, en el campo jurídico, la
constitución que mas rato duro fue la de 1833 hasta la de 1925. No se puso en duda,
no se hizo conflictiva. En cambio después, viene la de 1925 y luego la de 1980
aparecida a raíz de una dictadura cruenta.

Así como con las concepciones religiosas. Estas, también se mantienen en el


tiempo, largamente. Todo era más lento, había tiempo para todo, para conversar,
para pasear. Eso ha cambiado meteóricamente. Frente a ese mundo solido y
permanente se le opone hoy durante todo este tiempo una “cultura liquida”. Otra
metáfora, el agua que fluye.

Curiosamente es volver un poco a aquellos principios inciales de la filosofía griega


en que lo solido estaba representado por Parmenides, en que partía de la base de
la inmovilidad, de los principios eternos. Por otro lado tenemos a Heraclitos que
propone que todo fluye. Uno nunca pasa dos veces por el mismo río.

Entonces la inmovilidad de la Gioconda detenida en un tiempo y espacio y


contrapuesto a la irreverencia de duchamp hace que una obra consagrada sea
irreverente. Duchamp no acepta la solides de la cultura, el se da cuenta de la
movilidad y por lo tanto ahí esta su desnudo bajando la escalera.

Por ejemplo, Masacio hombre del


renacimiento hace una construcción
completamente estable.

No cabe aquí la idea de que feo, en el


arte contemporáneo no tiene sentido.
Lo que hace el artista es observar la
condición humana y las
modificaciones que se van haciendo.
El propio conocimiento de su cuerpo lo
lleva a mostrarse como el quiere
mostrarse.

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Hablemos de Andy Warhol, lo que hace es
tomar muchas fotografías de Marilyn
Monroe y escoge una sobre la cual va a
trabajar, a través de la serigrafía. A través
del color da exaltación, exagera. Es un
poco en la senda de Sherman, mostrar a la
Marilyn en su situación de estrellato.
Interviene con trazos y colores. Veamos
ahora el cubo de acero de Anish Kapoor.
Es una escultura.

Esta obra sugiere un mundo muy cerrado. Este cubo no tiene las características
para poder ampliar el entorno en el cual uno esta. Como el ser humano
contemporáneo, que muchas veces se siente atrapado con una sociedad que no
lo deja vivir como quisiera.

Dentro de la situación contemporánea de la existencia humana hay situaciones


traumáticas, hay situaciones de exacerbación de la violencia. Una obra que no es
de nuestra época, pero que demuestra que incluso en el pasado se encontraron
con un mundo muy violentado.

Aquí tenemos un grabado de Goya con secuelas de la guerra que tuvo España
con Francia en la época napoleónica.

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Luego tenemos una cita, donde el artista no pone en secreto la fuente que le
permitió a él hacer esta obra. Hecho por dos hermanos británicos, Chapman. Esto
este hecho en plástico que después imita el color de la piel de los cuerpos que se
exhiben.
Sus obras siempre estan orientadas por una manera de demostrar una condición
humana violenta y agresiva. A partir de lo que señalamos la proxima clase tratara
sobre como entender el progresivo cambio desde un arte solido a un arte liquido.

Clase 4: 27/03/2019

La cultura estuvo al servicio del estatus quo, del mantenimiento del sistema. El agua
escurre, la disolución de todo los solido, de lo estable ha sido característica inata
de la forma moderna. Puede decirse que la cultura de la modernidad liquida se
corresponde bien con la lectura individual.

En el entendido que se plantea una libertad condicionada, vivimos en una


sociedad mucho más egoísta, la responsabilidad de la sociedad recae sobre los
hombros de un solo individuo, porque cada individuo decide qué es lo que desea
para su proyecto de vida. La cultura de hoy se caracteriza por la abrumadora
demanda de cambio constante

Antes existía la necesidad de estar siempre estable, de mantener esa sociabilidad


estable. Hoy no es así, como necesidad exploratoria se buscan nuevas
posibilidades para el desarrollo de su vida.

Hoy la cultura no sirve a la estratificación, sino que al mercado de consumo. Dentro


de lo que podríamos considerar esta sensibilidad de la modernidad liquida. Aquí

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hay un deseo de consumo. Este deseo se acrecienta por una publicidad
exhaustiva, que nos dispara permanentemente a través de la prensa y la televisión.

Ahí esta la habilidad del publicista para lograr que la persona sigue consumiendo,
y cada vez más.

La gradual desintegración de lo real o de la realidad: Impresionismo

Segunda Tarea:

Relacionada con William Turner, el tema que ahora desarrollaremos tiene que ver
con este artista del siglo XVIII y son 150 obras todas acuarelas. El profesor pensara
en las interrogantes en los próximos días.

La primera obra parte con uno de los artistas que va a formar parte de esta
desintegración.

Respecto a la tarea es mejor ver donde la realidad se desintegra. Lo caracteriza lo


empírico. Basan su desarrollo visual en lo empírico, en la experimentación.

Se dice que Turner subió al barco porque quería ver con sus propios ojos lo que
pasa con los truenos, relámpagos y mirar como funciona. Hay más de algún cuadro
que alude a la experiencia de Turner. Todo es devenir. Todo es cambio. Eso lo
expresa muy bien el impresionismo. Pregunta: Al observar las acuarelas de turner
consideras que se pueden asimilar a los impresionista. Fundamenta tu opinión e
incorpora algunas fotografias que apoyen tu punto de vista. (piensa en Monet)

Edouard Manet

En este gran capitulo vamos


a partir con Edouard Manet.
Con esta obra que se llama
“el almuerzo campestre”
que fue pintada en el año
1863.

Hay un desnudo, y otra niña


semidesnuda. Dos hombres
completamente vesitdos.
Esa fue una de las cosas que
llamo la atención la primera
vez que fue expuesta. No
era que el desnudo
provocara una
condenación, pues en la
pintura occidental ya era
una conquista.

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O todos vestidos, o todos desnudos. Ese fue el primer problema. Es un espacio con
profundidad. Hay perspectiva. Mirado desde el punto de vista de la concepción
del espacio es un cuadro tradicional. Manet aplica la tradición, incluso más pues
aquí esta muy bien modulada la distancia.

El primer plano es el desayuno, el segundo son los individuos, el tercer plano es la


niña del fondo y el cuarto plano son los arboles de más al fondo.

El trabajo del espacio pictórico corresponde al sistema de la tradición. Incluso, hay


una segunda perspectiva, con el conjunto de arbooles donde hay una especia de
túnel que también marca una modulación de distancia hacía el fondo.

¿Qué pasa con el dibujo?

Luis Bonaparte lo encontró un cuadro vergonzoso. KHÉ SABEH EL CULIAO, NO SABE


NA. Esta perfectamente dibujado, el dibujo marca los contornos de la figura. El
dibujo define. Da identidad a cada una de las formas. No hay esfumato a lo
Leonardo da vinci. Aquí esta perfectamente limitado el cuerpo femenino. Hasta
ahí hay una relación y una repsuesta tradicional. La postura del color igual, el artista
cuidadosamente pinta. Es menos limitado en ciertas partes, donde se difumina,
como acercándose a los dos sujetos. Sin embargo, es muy leve. Dentro de un mismo
cuerpo masculino se tienen distintas luces, con chaquetas muy oscuras y puños o
cuellos muy blancos. Buscaba lograr evitar que el volumen apareciera, hacerlo
cada vez más bidimensional.

Manet comienza a trabajar más la mancha para sugerir la forma, más que el dibujo.
En la comida no necesita el dibujo, sino que con el pincel va configurando la forma.
Pero ese pincel se mueve con mayor velocidad que en la utilizada para hacer los
cuerpos.

Manet comienza a advertir que las formas pintadas no necesariamente tienen la


misma elaboración, en los cuerpos, la elaboración es muy nítida, muy definida. En
cambio, en la comida, si bien se reconocen elementos, ya no es tan nítida la
identidad de cada uno de los objetos. Eso que parece que fuera un detalle es lo
más importante. Este contraste entre esta identidad más difusa frente a esta
identidad inequívoca.

Hay un primer elemento de separación con respecto al sistema de representación.


Junto con esta disolución incipiente, de las identidades de las formas, hay un
segundo elemento innovador. El corre la línea del horizonte mucho más arriba de
lo que habitualmente era el criterio tradicional para establecer la profundidad del
espacio.

Manet comienza a darse cuenta de que una pintura es una superficie plana pues
una pintura solamente tiene un alto y un ancho, no tiene profundidad. Esta ultima
esta dada por la perspectiva. Los artistas del último tiempo sienten que esa no los
representaba.

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Toda la tradición de la pintura anterior al impresionismo uno se acostumbra a
pensar que un cuadro tiene que tener perspectiva, pero eso no es un cuadro ni
una ley. Es una herencia cultural.

Finalmente, hay algo que también pone en tela de juicio que va a ser la idea propia
de la tradición de la pintura, el claro oscuro. Esta es una técnica pictórica que surge
en el renacimiento y esta destinada a distinguir las cosas u objetos planos con los
objetos volumétricos. En otras palabras, el plano oscuro lo que busca es sugerir que
los cuerpos y las cosas tienen volumen.

Miremos lo que hace Manet, si pensamos que el claro oscuro significa trabajar con
la luz y la sombra, si te fijas en la nariz hay una mancha café, si se la saco no hay
perspectiva, no se sugiere la idea de perfil.

Manet no renuncia al volumen, la sombra es muy leve, casi hace que no se note
que pudiese haber una arruga. Si la pintura tiene dos dimensiones, todo lo que pinte
deben ser dos dimensiones y no incorporar el volumen pues eso es algo propio de
las tres dimensiones.

Uno de los temas fundamentales del impresionismo es la luz. El cuerpo de ella esta
absolutamente iluminada y genera un contrapunto con la chaqueta de este
personaje. Entre la luz y la sobra, entre la sombra y la luz. Esta obra se juega su
existencia en el contraste entre la luz y la sombra. Por eso están los dos personajes
vestidos. Quiere mostrar como se produce de manera radical la relación de las
sombras.

En el personaje masculino hay sombra y hay luz, en distintas partes del cuerpo. El
artista juega mucho con las sombras y las manchas, como en los matorrales. Se
juega la tradición y la renovación. No es la ruptura todavía, pero es la renovación.
Como establece el contrapunto entre la luz y la sombra, esa es la razón del
desnudo, es una necesidad ética. El tenia que pintar las luces y al mismo tiempo
mostrar el contraste con la sombra.

Ahora tenemos Olympia. ¿Esta obra sigue el procedimiento que se vio en el


almuerzo campestre? Volvemos a ver una mujer desnuda recostada sobre una
cama con almohadones y sabanas. Luego una sirvienta negra. Sobre la cama hay
un gatito negro. ¿Esta pintura es consecuente con la del almuerzo campestre?

Aquí prácticamente desapareció la perspectiva. Se logra que sea mucho mas


nítida las figuras que ha pintado. Aplica también la técnica del claro oscuro. Usa
esos trazos para sugerir pliegues en la cama, y por tanto tiene volumen.

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En este cuadro se
debilita mucho más la
profundidad y por lo
tanto se aproxima a la
conquista de la
planidad.

Durante mucho
tiempo se pensó que
la Olympia de Manet
era una obra que no
tenias antecedentes
temáticos, por la idea
de que cada obra era
algo único. La idea de
que el artista era
capaz de pintar lo que
nunca se había pintado, que era una obra única, original e irrepetible. Esto hizo
pensar a un teórico alemán, Benjamin Walter, del siglo XX, escribiendo el “arte de
la reproducción técnica”. El arte mantuvo esa característica de ser único, original
e irrepetible.

Ningún artista se copio a si mismo sobre lo que ya había hecho. Entonces, al llegar
a este momento y pensando en esta situación, en que la pintura era auratica, es
decir, tenia un aura, en otras palabras, una consagración.

Esta idea va a quedar


contrastada cuando
algunos teóricos
comienzan
intencionadamente a
buscar cual es la fuente
temática sobre la cual
trabajaron los artistas.

Esta obra, por Giorgione,


pinto este cuadro, en el
cual vemos que aparece
recostada una mujer
desnuda. Se llego a la
conclusión de que manet
conocía esa obra, y
probablemente se inspiro
en ella.

34
La pose es muy similar, salvo que el
brazo derecho este arriba, mientras
que en el de Manet esta sobre el
almohadón. Hay una relación. Lo que
hacen los expertos respecto a la
iconografía.

Luego tenemos otra obra de Tiziano, la


venus de Urbina. La venus siempre
será un modelo que viene desde el
mundo clásico. La matriz con la cual
trabajaran será siempre el mundo
clásico. Aquí también hay
perspectiva. Una niña rezando al
fondo con una ventana que se abre.
Aunque es un espacio cerrado siente la necesidad de oxigenar el espacio a través
de la ventana.

Sobre la cama hay un perrito. En el caso de Manet es un gato. Esto nos enseña que
un autor no parte de 0, siempre hay alguna inspiración en lo anterior.

Tenemos un tercer cuadro de Manet, “el


flautista”.

No hay casi perspectiva. Hay una


descontextualización, la obra esta
descontextualizada. No forma parte de una
lógica contextual. Lo que el hace es tomar un
fragmento de la realidad y este fragmento lo
aísla. Lo que empieza a ocurrir es que el
espectador puede echar a volar la
imaginación para suponer el entorno.

Ahora veamos otra obra, “el balcón” en este


las mujeres están completamente iluminada.
Hay un fuerte contraste entre las luces y las
sombras. El blanco contrasta con el traje del
personaje y dentro del personaje también se
contrastan las luces.

Hay una sugerencia de profundidad, pero muy


pequeña. Se trata de un espacio interior. El
balcón esta fuertemente iluminado.

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Ahora, en el cuadro del torero muerto volvemos a estar descontextualizados,
nosotros tenemos que pensarlo.

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Aquí en esta obra, comienza el impresionismo. Es el mismo artista. Aquí aparece el
ojo impresionista que descubre la luz y se olvida del contraste. El cuadro irradia luz,
de arriba abajo. Por todos lados.

Se habla del descubrimiento de la luz. “el estudio flotante”. Así se llama. No hay
negro, son azules oscuros. Pues si hubiera pintado negro hubiera sido contradictorio.

El fin del impresionista es el contraste con la luz. Pareciera otra mano, pareciera otro
artista. De repente la pintura solida se hace liquida. Es puro flujo, es puro
movimiento, es pura inestabilidad.

Miren la manera de colocar la pintura, en trazos de color. Es una pintura muy


rápida, muy suelta. Las formas solamente se sugieren con el color. Este bote no esta
dibujado, más bien, esta dibujado con el pincel porque el ojo impresionista
descubre que la realidad es móvil, es cambiante, es flujo.

Veamos lo que ocurre con la sombra, sombras coloreadas que destierran el negro
de su paleta. Este cuadro tiene que haber sido pintado al mediodía, para
terminarlo tenia que volver a la misma hora y con el mismo clima.

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El taller ya no es interior, es al aire libre, por eso estos cuadros son de pequeños
formatos, pues para aprovechar la luz del día tiene que pintar rápido.

Manet incorpora una fuente industrial, una chimenea que da cuenta de lo que es
la revolución industrial. No pintan las maquinas, pero las muestran sutilmente.

Se descubre que el color de los cuerpos es cambiante dependiendo de la hora


con la cual se mire el objeto. Aquí es muy importante la temporalidad, el tiempo.

Claude Monet

Tratan de hacer una exposición en un salón de arte reconocido y se lo niegan.


Tuvieron que buscar un lugar neutro para poder mostrar sus obras, fueron donde un
fotógrafo llamado Nadal. Era una persona con una mentalidad mucho más abierta
al ser un verdadero explorador visual a través de la cámara.

Se llamo la exposición de los independientes como una manera de manifestarse


frente al arte oficial, al arte tradicional.

Esta fue una de las obras expuestas. “Impresión. Sol naciente”. Así se llama, cuando
el sol recién esta apareciendo. Es un cuadro hecho temprano, recién en la
mañana. ¿Qué es la figura? Hay dos botes, pero están hechos con una mancha
de color. El dibujo retiene la forma, la inmoviliza. Lo que se trata es mostrar como la
realidad cambia permanentemente durante el día. El toma el cuadro, observa.

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El ojo de Monet es un ojo empírico. Es un ojo que observa, muy rápidamente sino
se le pasa la hora y pierde el momento.

Esta obra la observa y luego la desarrolla teniendo en vista como máximo


protagonista la luz solar.

Monet lleva el problema de la luz color a su máximo protagonista. Seria el mas


impresionista de los impresionistas. El máximo descubridor de la luz y su efecto en la
coloración de los cuerpos.

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El ejemplo más interesante y convincente es el que vemos ahora, en la parva de
paja. Hay una gran luz. Es paja, es forraje que se le da a los animales y los hacen en
forma de pirámides. La luz incide fuertemente sobre el cuerpo. No me cabe duda
de que este pintado a medio día. Esas sombras no son negras. Hay una inmensidad
de colores.

Es pintura en situ. Cuando se da cuenta que la luz cambia, ve que la iluminación


de los cuerpos es distinta. Ese ojo va viendo los cambios. El último cuadro debe
haber sido hecho a las 7 pm. Ahí los colores fríos son mucho más potentes.

Veamos lo que hace con una catedral


gótica ubicada en Rouen.

¿A que hora pinto la catedral?


El rayo de luz llega muy verticalmente
sobre el cuerpo. Esta absolutamente
perpendicular a la catedral. Las líneas son
líneas confusas pues no son nítidas. No
hay dibujo.

Estos cuadros los hacen muy rápidos. Esta


fue la gran obsesión de Monet cuando
por fin logra vender un cuadro y logra
comprar una casita. Hace un jardín para
sentarse y pintarlo. Con lo mismo que hizo
antes. Lo pinta a una determinada hora
del día.

En la obra de Monet predomina la


grandiosidad de la naturaleza. Es una
mirada optimista.

Hay cierta neutralidad entre la


subjetividad y la naturaleza que estaban
observando.

40
Clase 5: 3/04/2019

En el impresionismo el dibujo desaparece, pues debe acelerarse la ejecución de la


obra en relación con el tiempo. La pintura de los impresionistas es una pintura al
aire libre porque el taller impide el paso de los rallos en toda su intensidad luminosa.

Monet es quien tiene


mayor agudeza
visual, tiene un ojo
empírico para retener
ese momento único y
fugaz. Eso se ve a lo
largo de toda su
obra. Monet es el
más científico de los
impresionistas, por
este fin
experimentador,
haciendo cambios
en la combinación
de colores según la
luz del sol. Le dedida
todo el tiempo que
necesita para
comprobar la
hipótesis que intenta
demostrar. Su ojo,
también es científico

41
en esta sistematicidad para poder descubrir la importancia y protagonismo de la
luz. Es importante ver el fenómeno luminoso en la construcción humana.

La máxima experiencia visual de Monet esta en las últimas obras de su vida, cuando
se compra una casa con amplio jardín, con una especie de laguna. Ahí cultiva un
montón de flores, muchas acuáticas. El se instala y pinta.

Renoir

El fondo del cuadro de Renoir son


manchas de colores, es muy difícil
poder establecer una identificación
de lo que es ese fondo. La mano y el
rostro es identificable por el dibujo.

Fue el que mas recibió una enseñanza


tradicional, con una visión de
estabilidad entendida en el sentido
tradicional de la palabra.

A la hora de hacer su cabello su pincel


es más ágil, más vertiginoso.

Ahora si vemos la obra de más abajo,


el vestido no tiene mucho detalle. En
la baranda intensifica el color como
consecuencia de la sombra que se
producía. Aquí Renoir se aproxima
mucho más a la ruptura con la
tradición artística.

Este es un retrato de
Alphonsine Fournaise El
impresionismo
democratiza los
contenidos. Por primera
vez el artista renuncia a los
grandes temas, como los
históricos o mitológicos,
para centrarse en el existir y
modos de vida de la gente
de pueblo.

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“Le moulin de la Galette”. El toldo deja pasar rayos de luz, a eso da entender la
forma en que se pinto. Esas manchas de color amarillento es el paso de la luz, que
cae sobre la nuca del personaje de espalda, su silla esta completamente
iluminada. Tienen manchas de luz.
Se ve como desaparece la identidad individual para mostrar una suerte de
bosquejo de las formas, de los cuerpos que están atrás. La otra cosa es la
fragmentación porque no vemos todo el escenario, hay una pista de baile. Incluso
el último personaje no esta completo.

Se fragmenta el pensamiento y las ideas. Ese conjunto de ideas que puedo tener
puede ser muy distinta a las ideas. Se ha reducido el pensamiento, dejamos de
conocer ideas para formar grupos mas estrechos y cerrados. El chico que vive de
plaza Italia hacía el oriente no conoce el poniente

43
Esta es la niña del columpio. La parte superior
de la niña , el hombro y brazo derecho estan
con menos luz y no reciben la misma
intensidad luminica.

Hay una disminución en perspectiva, no


llegamos a la planidad todavía. Aquí el
problema fundamental en la luz y color, en su
protagonismo y el empleo del color para
sugerir la sombra.

Miren el piso, todo lo que son las sombras son


sombras coloreadas con el predominio de los
azules. O veamos otra, los remeros en el rio
sena. Seguramente estan almorzando en su
momento libre rodeados de mujeres y más
atrás de otros hombres. Aquí también hay
intensidad luminosa, sobre todo en el primer
plano.

Los impresionistas muestran en toda su magnitud la riqueza del mundo visible, del
mundo sensible, cosa que nosotros algunas veces las apreciamos.

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Por ejemplo, cuando el sol baja en el mar hay una riqueza cromática maravillosa,
como también lo hay recorriendo bosques. Esa vision de la conquista del mundo
visible la hemos ido perdiendo, ya nadie mira los arboles.

Ponen los problemas propios de la existencia para manifestar la riqueza sensible del
mundo, he ahí su estetica optimista.

Edgar Degas

La ropa que la mujer tiene puesta es real, es como vestir un maniqui, el resto de la
figura es bronce.

El buscaba ver la escultura y actitud de los cuerpos, incluso los inmovilizados. Este
es un problema de como se manifiesta la corporealidad según cual sea la
actividad que se desempeña en la vida. Hay una especie de cuerpo contenido.
El profesor trajo esta obra cuando era director del museo de bellas artes. Provoco
mucho interes.

Nunca se había hecho en la escultura, una escultura con ropa verdadera. Aquí se
la viste. Hace muchas otras esculturas y en todas ellas esta la idea del movimiento
virtual, a punto de. Eso le llamo profundamente la atención. Otra cosa que le
gustaba eran los caballos. Hacía muchos bocetos muy rapidos para ver como se
movian las patas.

Degas no se considera impresionista, aunque si tienen en común esa busqueda de


movilidad.

45
Estas son chicas ya con su
traje, en la sala de ensayo. La
iluminación proviene de todas
partes, viene del lado
derecho. Los cinturones de los
trajes de colores vividos. Hay
un juego cromático
equilibrado fantástico.

Esto se esta produciendo en


un espacio techado por ende
la luz que penetra no esta en
toda su intensidad.

El techo impide que entre la


luz en toda su magnitud.

Hay algo que Degas hizó y es


completamente novedoso.
Trabajar con focos de luz. Es un
escenario iluminado con focos
de luz. El descubre que estos
focos también encienden los
cuerpos, intensifican su
cromatismo y coloración.

Detrás de las dos bailarinas hay una cuestión tumultuosa, una mancha de color
inventada por el artista, una situación lumínica inventada para establecer el
contrapunto entre las bailarinas y lo detrás. Las bailarinas están llenas de luz, en lo
de atrás la luz no es lo predominante.

Es interesante también ver el punto de vista, que esta de más arriba, desde un
rincón. Degas no seguía las reglas del impresionismo al pie de la letra. Su punto de
vista es desde arriba. El si dibujaba, se nota en la pierna, en el cuadro de más abajo.
Su vestido este hecho con rapidez, con muchas manchitas, al centro con sus
adornos. El cuerpo danzante, esa es su gran fascinación. Esta serie de bailarinas es
muy extensa. Están en distintas posturas, en distintos ángulos. Eso es distinto a lo
tradicional, pues varia su punto de vista.

No es lo mismo pintar mirando de frente, que desde arriba o desde los costados. Mi
punto de vista cambia. Degas le da la clave para que el ojo del pintor sea un ojo
móvil. Que va cambiando de ubicación según lo que el quiera pintar.

Puede que influya el hecho de que Degas se sienta inspirado por la fotografía, por
su interés en la corporalidad va cambiando los puntos de vista para pintar el
motivo.

46
También tenemos desnudos, pero en un contexto cotidiano, en el baño. La idea es
descubrir el cuerpo femenino a través de una mirada por la rendija, evoca el
voyerismo y también se puede apreciar la intensidad lumínica. Debe haber una
ventana dando al lado derecho. Lo demás que vemos son manchas de color que
no son identificables. Simplemente es una mancha, por lo tanto desintegro la
identidad objetiva de la cosa y lo vuelve a marcar dentro del rubro impresionista.

Sus cuerpos son robustos, como nosotras <3 son carnales, voluminosos. De nuevo,
en el fondo ¿es eso ropa de sabana? No se nota. Degas no prescinde del dibujo, a
diferencia de Monet.

47
Paul Cezanne

Mont Saint Victoria

48
Cezanne, Gaugin y Van Gogh estuvieron con los impresionistas y participaron
desde un comienzo, pero este trio por algunas distinciones que los separan de los
impresionistas se les denomina post impresionista. Son contemporáneos a los
impresionistas, lo que ocurre es que en estos tres artistas hay diferencias entre ellos
y con respecto al grupo.

Si se mira con detención, la línea del horizonte prácticamente ha desaparecido,


no hay punto de fuga. La profundidad ha desaparecido. El cuadro pareciera que
se nos viene para adelante. Por lo tanto, la pintura de cezanne va privilegiando las
dos dimensiones, la bidimensionalidad.

Si el cuadro tuviera profundidad sería muy distinto. Pareciera un gran primer plano.
Cezanne lanza la montaña hacía delante evitando la perspectiva, al punto de
fuga.

En segundo lugar, a Cezanne le pregunta que le parece la pintura de Monet es


“que ojo” en tono admirativo, pero agrega algo “pero solo ojo”. Eso lo encuentra
formidable, pero no es suficiente.

Falto investigar ya no solo el color, sino que también la forma. Ellos omitieron la
forma, porque la desintegraron, lo que yo quiero hacer es recuperar la forma. No
para imitar la realidad, ni para reproducir la realidad. No quiero que el árbol vuelva
a ser el árbol que uno ve todos los días.

¿Cómo lo hacemos? ¿Vuelvo a reproducir la realidad? Como recupero esta


realidad, ya no representándolas, sino que mostrando las cosas, mostrando la
forma de las cosas desde la figura geométrica.

Quiere pintar el cono, el cilindro y la esfera y todas las demás figuras geométricas
elementales. Quiere eso porque cezanne desea recuperar la estabilidad de las
formas que han sido desintegradas por el impresionismo.

Esa recuperación no es para presentarlas tal como lo había hecho la tradición.


Estas formas que quiere pintar no vienen de la naturaleza, sino que vienen del
intelecto, de la razón, del pensamiento racional. Ese es el fundamento de la pintura
de Cezanne. Es un fundamento intelectual, porque la figura geométrica nace de
su cabeza. Son entes de razón.

Nosotros vemos cosas cuadradas y círculos, pero estos están en mi cabeza, basta
con el concepto. En otras palabras, el ejercicio de la mente y de la razón es la que
produce entes de razón. Seres de razón.

Antes de ser una hoja de papel donde escribir, por ejemplo, es un rectángulo. El
trata de evitar el movimiento en la pintura pues rompe con la búsqueda de un
absoluto que detenga la movilidad de los fenómenos, quiere recuperar la
estabilidad, la permanencia.

49
Puede pensar el lugar, pero pinta en el taller, pues no necesita recoger los rayos de
luz, su tema es como le da estructura a los temas para que aparezcan. Es una
manera de representar intelectualmente lo que son las cosas. Por eso no es
asimilable enteramente a lo que habían hecho los impresionistas.

Busca un absoluto, es la retina lo


que moviliza a monet mientras
lo que moviliza a Cezanne es el
pensamiento, es la idea, la
estructura esencial de las cosas.
Esa estructura esencial esta
mostrada en la geometrizacion
de todo lo que existe.

El acude a detener la forma, la


geometriza, la casa es un cubo.
Son planos de color.

Cezanne es el artista que siente


que no puede ser que la
realidad sea tan cambiante,
sino vamos a llegar a una relatividad de todo. Hay algo de el que se resiste a
entender la realidad como un cambio permanente.

En 1885, la montaña de Santa Victoria la aleja, ya no constituye un objeto preciso


e identificable en las casas. Detiene el color para estabilizarlo

50
Son puras figuras geométricas detenidas. Es la obsesión por desentrañar las
estructuras esenciales de la realidad. El podría haber sido el primer pintor abstracto
porque todavía hay una relación con la realidad. Esa montaña y casa existen, no
es un objeto de su imaginación. Pero si enfrentas a una fotografía es imposible
compararlas, aunque sean el mismo lugar.

Después se mete con la naturaleza muerte, con el bodegón con manzanas en


1895. Lo interesante es que el punto de vista es distinto al tradicional. Se detienen
en su estructura circular, el circulo es el fundamento geométrico situadas sobre una
mesa.

Esta todo detenido, se evita que se pongan fugaces los elementos que constituyen
realidad.

Lo que interesa aquí es mostrar el circulo. Eso si hay manchas de color, se ve que
hay que aproximarse a la pintura más que la realidad.
El cuadro esta mirado desde arriba.

51
No busca que se vea la belleza sensible del fruto sino ingresar a la estructura
profunda del cuerpo, es como buscar el esqueleto humano. Una especie de
radiografía de la figura, para ver aquello que lo mantiene permanente.

Aquí también hay distintos puntos de


vista, por eso para Picasso es una inspiración.
¿Qué pasa cuando Cezanne lo hace en el cuerpo? Es una estructura que la
detiene, la estabiliza. Se estabiliza en función de su elemento geometrico.

La coloración no es tan exuberante. Es bastante monocromático, porque no es el


color lo que protagoniza la pintura de cezanne, sino que es la forma. Predomina
una estética de la forma destinada a detener los cambios que fueron tan
importantes en el desarrollo del impresionismo.

Esta es una mujer con cafetera, de 1895. Hay otras obras mas próximas del
impresionismo, proveniente de 1877

52
Esta obra se denomina los jugadores de cartas de 1984. ¿Que representa en esta
obra los fundamentos de cezanne?

La luz no es preminente, la luz es necesaria para poder mostrar los colores. Se ven
las figuras geométricas, hay una especie de simetría en la obra, con mismas cartas.
Las figuras se notan bien. El cuello de la camisa de ambos personajes esta muy bien
destacado. Esos son vestigios de su formación inicial. La forma circular o cónica en
los sombreros, por ejemplo. Las formas geométricas son permanentes, se piensa en
el concepto universal.

Es una estructura solida, no se evade no se diluye, se ven los contornos del cuerpo
para que este no huya.

La botella esta ubicada en el centro mismo de la pintura. ¿Por qué no la ubico al


lado del uno o del otro? Eso iba con la idea de composición, pues la botella divide
la obra en dos partes iguales, es un eje imaginario que permite un equilibrio
imaginario. Es un estudio muy racional de dos jugadores de cartas, que son
naturalmente un pretexto para mostrar una concepción solida, estructurada y

53
densa de la pintura. Casi no hay perspectiva, atrás se ve un poco la paleta
impresionista pues es puro bosquejo.

Este esta un poco más desintegrado, el fondo es muy suelto, puras pinceladas, no
tiene el rigor geométrico conceptual de los jugadores de naipe. El mismo año pinta
el mismo personaje, en 1906, año de su muerte, en que pareciera que hay un
llamado al impresionismo.

El hecho de las lineas hace que no se desintegre. El mismo año hace le cuadro de
las grandes bañistas. Estructura geometricamente una escena, los inclina. Esos dos
arboles son protagonicos, el cuadro no se nos desequilibra gracias a eso. Los
cuerpos estan pintados como estructuras solidas, muy detenidas e inmovilizadas.

Es un cuadro conceptualmente concebido, matematicamente equilibrado.

Cezanne es absolutamente necesario recordarlo con la influencia que va a ejercer


en los artistas del siglo XX, gracias a el buscaran consistencia con estructura, pura
estructura geometrica. Intelectualización del hecho pictórico.

Es la geometrización como segunda naturaleza.

54
Clase 6: 10/04/2019

Para cezanne la razón va a


funcionar como
ordenadora. Como
estabilizadora. Serán las
formas elementales creadas
por la mente humana para
detener el flujo del
fenómeno que los
impresionistas habían
captado y dado vuelta.

Para el, había que avanzar a


otra realidad y no quedarse
en esa mirada retiniana.

Cezanne fue un tipo muy


escrudiñado, muy pensante
y por lo tanto el lenguaje de
la pintura la sometió a algo
crítico. Otra concepción de lo que es la pintura.

Aún cuando hay mas mujeres al lado derecho que al izquierdo, el cuadro esta
perfectamente compuesto.

Vincent Van Gogh

55
Es holandés. Vemos un paisaje con un ciprés. Comparémoslo con Cezanne. Tiene
mucho más movimiento, por las curvas.

¿En que otros aspectos se demuestra esta diferencia? Pierde la geometricidad, ya


no estan las formas geometricas tan evidentemente como lo fue con cezanne. La
forma se libera de una sujeción que las inmovilize. Por eso en muchos casos van
gogh precinde del dibujo, pues el dibujo por definición limita las formas para poder
describirlas con mayor precisión.

Hay una especie de explotación de la naturaleza, una expansión, una tensión de


la naturaleza. Necesita el frenesi, lo que podríamos decir que es la explosión de la
mano, superior a la de los impresionistas. Sin embargo, ¿Qué es van gogh
entonces?

En su pintura, tiene una orientación claramente expresionista. No es intelectual, no


es retiniana. ¿Qué significa expresionista? La expresión. “ex” es fuera, eso significa
etimologicamente.

Luego, el lo que hace es sacar toda la presión acumulada en todo lo que


constituye el mundo de la afectividad, el mundo de las emociones, de las pasiones.
Ese es el mundo de Van Gogh, biograficamente completamente distinto a
Cezanne.

Cezanne era un hombre tranquilo que podia meditar sobre una naturaleza muerta
por horas. Generalmente, la persona intelectual es reservada, introspectiva, no
expulsa su biografia a la calle.

Van Gogh es lo contrario, es pura pasión y emoción, domina el mundo de la


afectividad, de la sensibilidad que viene desde el interior de las pasiones.
Extrovertido. Es una persona que basta con mirarla para poder retratarla. Es un
hombre impulsivo, lo hace no más.

Van gogh tuvo una vida dificl, holandes de padre calvinista que lo forzo a llevar
adelante la religion calvinista cosa a la cual gradualmente se revela. Se va a otro
país, a trabajar en unas minas de carbón como obrero. Ahí conoce una chica
prostituta con la cual vive por un tiempo. Eso hace que resuelva no volver a su país
y no ver a su familia. En un momento determinado se va a Paris, donde desarrolla
una obra muy corta. Es una vida artistica que no duro más de 12 años. Inicio su
trabajo pictorico a los 27 y muere a los 38.

Es una vida que no esta basada en estudios universitarios, es un hombre solitario por
una parte, de dificil trato. Era un tipo polar, con momentos de exaltación y luego
de mucho hundimiento. Eso nos lleva a pensar que cuando inicia su trayecto
artistico se junta con los impresionistas, los siente cercanos pues los siente modesta
economicamente. Era un grupo aparte, no se relacionaban con las altas esferas
de la pintura.

56
Empezo a mirar lo que hacían, lo intereso de sobre manera gaugin y monet. Así
empezó.
Si uno vuelve a ver la obra, te das cuenta que el paisaje tiene una luz que permea
toda la atmosfera, el concepto de luz universal a el lo entusiasma, pero no para
seguir la luz como Monet. Le interesa ver de que manera se produce esta relación
entre la pintura y el yo. Es la intimidad del ser. Por lo tanto, la pintura se tiene que
adecuar a mi yo, así como Cezanne obligo a la pintura a adecuarse a las formas
geometricas.

Es a mi yo impuslivo, emotivo y pasional. Por lo tanto ese yo observa la naturaleza


pero esta naturaleza va siendo transformada, modificada por este yo. O sea, la
subjetividad se impone a la naturaleza y transmite, comunica o expresa esa
naturaleza lo que el artista siente, luego es más bien una pintura sentida, que una
pintura intelectualizada y más que una figura retiniana.

Hay una empatia emocional con la realidad. El no ve la realidad como la ve


cualquier persona, por los habitos visuales con el cual la vemos.

Por ejemplo, en la obtra el trigal con cuervos, de 1890, se ve un cielo tormentoso,


amenazador. Sobre el trigal se ve la amenaza de los cuervos, aves de rapiña. Se ve
esta fuerza poderosa proveniente de este yo subjetivo que transfigura (lleva la
realidad a otra distinta de la que se observa) con todo el peso, la fuerza y pasión
de su propio mundo afectivo.

O en esta, auvers sur oise, del mismo año. Aquí se ve una rapidez vertiginosa. Es
una situación que se reitera pues hablamos de la personalidad del ser humano, de
su condición de ser humano. También tenemos el dormitorio de Arlés, en 1888.

57
Theo, fue un gran hermano. Cuando
empezó a darse cuenta de que su hermano
tenia problemas psicológicos lo lleva a Arlés,
allí se alojo un par de años. Su vida era el
dormitorio cuando le daban permiso para
salir del sanatorio. A ese lugar iba.

Estamos en una etapa complicada de su


vida, pues muere dos años después.

Vemos un retrato de van Gogh en plena realización de su obra, con un retrato


mucho más detenido, con la chaqueta trabajados con puntos de color, nos
recuerda al neoimpresionismo, donde en vez de pintar con trazos lo hace con
puntitos. Toda la cabeza esta trabajada con una pincelada suelta, rápida. Capta
en plenitud el problema emocional que vivía, su inestabilidad psicológica.

Luego tenemos otro autoretraro, esta vez con un sombrero de paja, de 1887. Se ve
mucho más preocupado.

Luego tenemos una de 1889, justo cuando se corta la oreja. Van gogh invita a
gaugin.
Lo invita a Arlés, quizás porque se sentía solo.

Se sintió vulnerado cuando Gauguin le cuestiono su estilo, el le respondió y se


Gauguin se enojo. Van Gogh cae en una lamentación donde termina cortándose
la oreja.

El último cuadro ya es decisivo de su situación. En tres años se produce un cambio


gigantesco, profundo, no es normal. En el ultimo cuadro esta en el momento
culmine de su problema psiciatrico

58
59
Esto puede ser una paralelo a los retratos de Rembrandt, en el cual también
demuestra su declinación.

También tenemos un retrato, “los zapatos del campesino” de 1888. Heidegger hace
un buen estudio de los zapatos de van Gogh, dice que se muestra en todo su
decaimiento como zapato, destrozado, con la huella suelta. Es una metáfora
fantástica del propio labrador de la tierra. El desgaste del zapato es el mismo
desgaste de la vida de este campesino. Muestra una condición humana de
perdida, de carencia, de humildad sin mostrar al campesino.
Van Gogh es lo contrario a cezanne, pues lo que lo lleva a pintar es su relación
empática con la naturaleza, no la muestra como imparcial.

Gauguin

Gauguin se dedico a un trabajo


financiero como agente de la bolsa de
comercio. Se inicio en el arte mucho
más tarde.

Vivio con una estabilidad económica


adecuada, era solo un funcionario de la
bolsa de comercio. Al igual que van
Gogh, ya adulto decide dedicarse a la
pintura. Entra en una crisis existencial
provocada por las grandes
interrogantes que el ser humano se
plantea a veces: ¿qué estoy haciendo
aquí?

60
Esta obra se llama “autorretrato con
Bernard” en 1888. Le paso algo
parecido, decide dejar la pega de un
viaje. No fue más a la oficina, pues sintió
que su vida no tenía sentido. Esto lo
lleva a decidir dejar todo para
dedicarse a la pintura, sin tener ninguna
experiencia de pintor, pero siente que
ahí esta su vocación.

Se va a la Bretona, la parte de Francia


que da al atlántico. Ahí, piensa y pinta.
El telón de fondo en el retrato es
amarillo, y ahí unas hadas que gravitan
en torno al personaje. Con anterioridad
había dejado un retrato de el algunos
años antes. Algo dice este cuadro que
lo aparta del impresionismo y otros
artistas.

Tenemos también una pintura de


la montaña sagrada en 1892.

Usa colores poco cercanos a los


atribuidos a las cosas, llamado
color local, el color que le
atribuimos a algo cuando lo
vemos. Aquí la idea es separarse
de este color local.

Estos colores no pertenecen a la


naturaleza. La coloración con la
cual el trabaja es arbitraria.

No corresponde a los colores


locales de las cosas. El color local
es el color con el cual nosotros
distinguimos una cosa.

Si hablamos del luz color, en el


caso de los impresionistas o de la
forma color en el caso de
cezanne, expresión color en el
caso de van Gogh aquí
tendríamos que hablar del
símbolo color. En este sentido el
símbolo remplaza a la cosa o el

61
objeto en sus características locales. El símbolo quiere decir otra cosa de lo que
estamos viendo.

Gaugin se va a las islas del pacifico sur, se va a Tahiti, porque presentia la necesidad
de comunicarse con los orígenes y por lo tanto con los pueblos originarios no
contaminados por la civilización europea.

El estaba muy ofuscado y presionado por el trabajo. Presionado por un trabajo


rutinario y por un ambiente que considera asfixiante.

También tiene obra como “el cristo amarillo” de 1889. ¿Por qué escoge ese color?
Rodeado de mujeres de bretonas con sus trajes típicos, con una disminución brusca
en perspectiva donde disminuye todo lo que esta detrás.

Tenemos la obra el espíritu de los muertos, con figuras como especie de pesadilla.
Lo que el hace mientras vivió en el pacífico fue enviar obras a parís para ver si lo
podía vender. Contrajo la sífilis, lo pasaba mal el tipo.

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Esta obra tiene actitudes mucho más meditativas de mujeres aborígenes. O la obra
llamada “de donde venimos, quienes somos, adonde vamos” de 1897. No tiene
relación directa a la región cristiana.

El no necesita buscar simbologías del


cristianismo, pues no las siente. Recurre a
grupos humanos originarios, en zona placida.
No hay ninguna zona en la que uno logre
vislumbrar una relación con la violencia. Son
escenas placidas.
Tenemos también la obra de Fatata te miti
(cerca del mar) de 1892. Yo pinto como quiero
y no como otros quieren que yo pinte.

63
Neoimpresionismo

Tarde domingo en la grande Jatte (1884-1886) de Georges Seurat. ¿Qué nos llama
la atención? Espacialmente, estamos en un parque a la orilla del lago. es un paseo
a orillas del río. Es el sena. Hay un conjunto de personas y animales. Todos en
distintas actitudes, muy de traje de domingo.

¿Qué tiene esta pintura que lo hace distinta a las obras que de la cual hemos
hablado?

La manera de ejecutar la obra, pues esta ejecutada con puntitos de colores. La


postura, la manera de pintar es esa. Es un movimiento que se llama “puntillismo”. Si
la obra esta ejecutada con puntos de colores, es una obra que se ejecuta
lentamente. Se demoro dos años en pintarla, es un cuadro de ejecución lenta.
Desde ese punto de vista, Seurat está más cerca de Cezanne, porque es un cuadro
que requiere una elaboración conceptual, intelectual, racional.

Tiene que pensar que punto va a colocar al lado del otro, se trata de lograr esa
figura con puros puntos. ¿cómo se hace? Tiene que pensar mucho, pues va a
trabajar con los primarios y con el contraste de los complementarios. Es decir, no
con el color que le corresponde, sino que se busca un contraste de colores
complementarios. Tenía que ponerse a la distancia para ver si se conformaba la
forma de la figura

64
Es un trabajo lento, científico, lograr a través de los
colores darles forma a todas las figuras.

La línea orientadora de Seurat es Cezanne pero con


la diferencia de que es una elaboración distinta. Esto
va muy de la mano con el desarrollo de la ciencia a
fines del siglo XIX.

Esta obra es de 1889. Tiene una cercanía con


cezanne. Hay que interrogarse si efectivamente este
desarrollo científico no influyo en el pensamiento de
los artistas. Los artistas aceptaron la ciencia como
colaboradores del arte.

Picasso

Esta obra se llama “ciencia y caridad” y es de 1898.

Picasso es español, tuvo que exiliarse en Francia a raíz de la guerra civil española.
El, desde muy niño, tipo 7 años, se dedico al arte. En gran parte porque su padre
era profesor de artes plásticas. Así, entre los 7 y 12 su padre le enseño a dibujar y a
pintar.

65
1) Picasso Inicial

A los 12 ya le había enseñado todo,


lo inscribe en una academia
institucionalizada de arte. A los tres
meses ya había superado a todos.

En esa época, España no era un país


de arte, lo que hace que se vaya a
Francia a los 18 años. No conoce a
nadie, no sabe hablar francés. Llega
como cualquier emigrante que se
encuentra con una cuestión que no
tiene idea de como se trata. Decide
partir. Nadie lo conoce.

Para poder sobrevivir se dedica a


pintar murallas de los edificios y casas.
Eso le permitió vivir y arrendar un
cuarto donde poder dormir. Esto es
alrededor de 1901. Antes de partir,
hace la obra que esta más arriba, a
los 17 años.

Este es un Picasso inicial. No es algo


vanguardista. Es la tapa pre exilio.

Hay un contraste entre la luz y la


sombra, la luz y color muy de Manet.

Estas primeras obras replican la representación, propio del naturalismo.

2)Periodo Azul

Cuando Picasso llega a Francia, empieza a pintar con


tonos azules, por ejemplo, en 1901 llamado el viejo
guitarrista. En este periodo rescata figuras y personajes
que viven en el mundo de la pobreza. Por eso este periodo
azul, no hace más que expresar las propias vivencias de
pablo Picasso.

El guitarrista, con su cabeza inclinada, es muy rara.


Profundamente angustiado con unos dedos muy largos y
delgados. Picasso se inspira de la influencia romántico
catalán, en las iglesias.

El fondo esta cortado, como lo había hecho Manet con el


pífano. Es una calle, es un rincón y tiene la entonación

66
colérica en la cual predomina el azul. Es un color predominante. En cambio, la
guitarra le da obviamente la coloración local.

Lo hace para mostrar la soledad del personaje, esta rendido y exhausto. Aquí
predomina el azul en sus diversas tonalidades y registra el mundo de la
marginalidad, de la precariedad, de la pobreza. Ese es el mundo que vive, la mira
como una prolongación de si mismo.

Tenemos otra obra, la tragedia de 1903. Aquí los cuerpos, en el niño se ve la única
esperanza pues no sigue la actitud de los padres, quienes están verticalmente
pintados. Ambos con los brazos cruzados. Tiene una actitud de resignación. Lo que
llama mucho la atención es como Picasso en base a un solo color es capaz de
dialogar con nosotros en torno a una realidad humana.

Por otra parte, mantiene el respeto por los cuerpos, son mas identificables. Este
periodo azul, tiene en la famosa celestina de 1904. Se ensaña con la mujer, pues
le coloca un ojo turnio. No le tiene mucho aprecio. Con esa mujer que dice
mentiras para separar a los enamorados. Provoca esa desfiguración, quitandole
un atributo propio, el organo visual.

Es una visión pictórica en que el azul


es lo fundamental.

67
3) Periodo Rosa

En 1904 pasa al periodo rosa, cambia la paleta


incorporando colores calidos, el rosado. Por
ejemplo, en la obra “Acróbata y joven
arlequín” El mundo que le contempla es
circense, el mundo del circo. Le atrae bastante.

En otra obra se ve la familia de saltimbanquis.


Se ve que hay un cierto dejarse llevar por los
acontecimientos. Pareciera ser que toda la
ilusión y esperanza esta puesta en la niña, que
esta sola en primer plano. Las líneas son sutiles,
con su vestido que flota.

En cambio, la niña esta de espaldas, la


pequeña de más atrás. Es gente que tiene
muchas dificultades para poder sobrevivir. Este
es el mundo que el arrastra, pero contiene para
el propio Picasso una mirada esperanzadora.
Estamos hablando de 1905.

68
Para los dos personajes adultos la vida ya no tiene vuelta. “familia de saltimbanquis!
1904. Los dos niños que están mirándonos en el fondo miran a la chica, donde esta
depositada la esperanza.

4) Periodo Negro

En 1906 se hace un autorretrato, y se nos


aparece como una figura extraña. No es
la coloración de su piel, parece más bien
un aborigen. Se amplia la frente más allá
de lo normal.

Los ojos se hunden, son dos cuencas que


sugieren la presencia de dos ojos,
fuertemente dibujados. El iris es de un solo
color, muy oscuro, muy fuerte. Lo que se
quiere decir es que el autorretrato de
Picasso es una simplificación del
retratismo que se hacía en esa época.
Son rasgos mucho más reducidos en
cuanto a no ser una descripción exacta.
Es buscar la simplificación, mostrar
aquello que es más esencial. Lo que
pretende es lograr que el retrato de una
persona se pueda agregar a una
bidimensionalidad.

Se nota que es un rostro, un retrato. La


nariz apenas insinuada, todavía los labios tienen una mayor intensificación
descriptiva. ¿qué pretende picasso? Porque se hace este autoretrato

Ahora en 1907 se hace otro. Comienza con una


gran interrogante ¿qué es la pintura? ¿Cómo hay
que pintar? ¿Por qué hay que pintar?

Picasso en este autorretrato, toma conciencia de


que la pintura es un lenguaje al que hay que
interrogar y no aceptarlo porque ya esta
establecido así. El podría haber seguido haciendo
cuadros y habría sido aceptado por la crítica.

Sin embargo, el no esta de acuerdo. En el fondo,


Picasso es un interrogador de la pintura, y no un
afirmador de la pintura.

Es un constante interrogador de la pintura. Es lo


mismo que pasa en la ciencia, esta avanza cuando
se le interroga. Cuando es una interrogación

69
permanente sobre el mundo. La historia del arte es la permanente reflexión sobre
el lenguaje del arte.

Si uno compara ambos retratos, son distintos, pero al mismo tiempo muy parecidos.

La cuenca de los ojos por ejemplo, la frente la eleva parcialmente, pero hay un
trozo de frente que es bastante amplio, que nos hace compararlo con el primer
retrato. Las cuencas son muy parecidas, menos demostrativas en cuanto a la
simplicidad de los ojos. El nuevo retrato son amplias líneas, con un fondo negro. Esta
es la clave de la comprensión de Picasso porque comienza a reflexionar sobre la
pintura.

Retrato de Gertude Stein en


1905, ella le ayudo a
sobrevivir, era una mujer con
recursos económicos y le pide
que le haga un retrato.

Aquí eleva la frente, porque


quiere ver como puede
reducir la tercera dimensión,
así explora el rostro y tira el
cabello así atrás para ver si se
puede liberar del carácter
volumétrico de la cabeza.
Esta en relación con la idea
de como aplano una figura
para que no tenga la tercera
dimensión pues no
corresponde la pintura. Por
eso ¿Por qué tengo que
pedirle prestado la escultura?
Yo adecuo lo que hago al alto
y el largo. Eso si, las manos y el
pañuelo, incluso la ropa es
perfectamente naturalista.

Luego tenemos otra obra, la señorita Wolfe, en el cual trata de apalar todo, no
quiere pintar el volumen. El pie parece la pata de un pato, no tiene dedos. Sin
embargo, en las manos al menos sugiere los dedos. Pero el hombro lo aplana, y la
cabeza.

70
El conoció la escultura africana que llegaba en los barcos mercantes desde el
áfrica. Los ojos son dos cuencas. Aquí el dice que esta el origen. Tenemos que volver
al origen pues ahí esta el sentido esencial del trabajo artístico.

Luego tenemos las señoritas de avignon, de 1907. Esto abre la puerta para lo que
vendrá después. Esta es la primera obra cubista.

Hay tres que todavía guardan relación con el naturalismo y otras dos que no tienen
nada que ver con la representación tradicional del arte. Periodo cubista.

Picasso es un personaje genial que piensa que tiene que encontrar lo que es la
pintura, para que siga siendo pintura y no para que siga siendo retrato.

Si buscamos una fotografía real, muy poco se parece a este retrato. Es pintura, el
ser de la pintura es ser pintura. El ser de la pintura no es la representación. Aquí ha
llegado el momento.

La noción antigua es una concepción del arte atemporal y absoluto. Así como los
griegos, quienes mantienen una idea absoluta del auto. No hay que extrañarse que
entre oriente y occidente mantengamos una mirada de conflicto. Incluso Rusia.

71
Clase 7: 17/03/2019

En el cuadro señorita Wolfe, lo que el busca es la planidad, tenemos un muslo


plano. No hay volumen. Los pies parecen pies de patos. Todavía esta el claro
oscuro tradicional desde Manet, como las luces y sombras. Quedan algunos
vestigios. Es un antecedente reconocible.

Esto no es bello. No esta buscando la belleza, esta en una cuestión muy


complicada pues busca como hacer de la pintura una superficie plana. Señoritas
de Avignon de 1907. No se aproximan a los cuerpos femeninos convencionales. Se
llama asi por el barrio de Avignon en Cataluña que era un barrio de prostíbulos,
que frecuentaba por que cierta habitualidad.

Las tres mujeres al lado izquierdo todavía conservan ciertas formas asimilables a un
cuerpo femenino. Por ejemplo, la del medio en la curva de los senos. Pareciera que
implantara sobre la cabeza de esa niña una mascara. Por lo tanto, para evitar
reconocimiento les implanta una mascara. Esto proviene de la mascara africana.
Legitima. Picasso conoció el arte africano gracias a Matisse. Este le lleva un montón
de mascaras. Eso es lo que buscaba, aquí esta el origen en su expresión más
esencial. En su expresión más pura.

Es una mascara que en las ceremonias tribales el cacique se lo colocaba en el


rostro. Nadie puede identificar esa mascara como la “mascara de fulano” es la
cabeza esencial, que no representa a nadie en particular, sino que es una
mascara.

La cuenca de los ojos y la nariz. El conocimiento de la cultura africana le provoco


un tremendo impacto pues representaba la base que le interesaba, por eso, al
hacer las señoritas de avignon. Implanta la figura africana haciendo ver que no
esta haciendo el retrato, sino que busca la pintura como pintura.

Machaca con la idea de evitar la perspectiva. Termina pintando una naturaleza


muerta en la parte de abajo del cuadro. Podría ser una cita de Cezanne

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El parte con la idea de que era fundamental. No es anti tradicionalista, sino que
acepta que ese pasado es una lección que debe ser conocida para ver de que
manera prosigo el camino que han hecho los artistas.

No hay duda de que hay una influencia cesaneana en el sentido de la formula.


Luego el paso previo a la obra cisaseana es el paso previo que hace cezanne, por
eso atenúa los colores. Los colores no son exuberantes, sino que es una paleta
silenciada desde el punto de vista de las tonalidades. Luego esta obra da inicio a
otro periodo picassiano.

5) El cubismo

Retrato de Ambroise Vollard


en 1910.

Ambroise Vollard fue el


primer galerista que vendió
obras de Picasso. Son
pequeños cubos. Preciera
que esta segmentada la
obra en pequeños cubos.
Hay un esfuerzo para evitar
la tercera dimensión.

Recordemos el autorretrato
de Picasso. Desde los ojos se
eleva. ¿Cómo logro que sea
plano y no tenga volumen?
Va segmentando. Es como
un rompecabezas.
Fragmenta la realidad para
lograr que se ajuste la
realidad a la pintura y no la
pintura a la realidad y
conserva el cubismo
analítico porque la palabra
análisis significa
descomponer, como las
palabras síntesis significa
recomponer

Aquí vemos la descomposición de la figura a través de formas y líneas, verticales y


horizontales con una mínima cantidad. Una obra bastante monocromática. Hay un
rebaje del color. Aquí el color no tiene el mismo protagonismo que tiene la forma,
que por lo demás es algo que cezanne mantuvo por toda su obra.

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El sueño picassiano es lograr que la pintura sea
plana pues ahí se juega la esencia de la pintura.
En la planidad. No tiene porque pedirle prestado
al escultor la profundidad.

Mujer con mandolina 1909. Es una existencia


pictórica. Existe en la pintura y no fuera de ella.
No es una cuestión de retina. Si mantengo en mi
imagen y en mi cerebro una matriz pictórica
nunca lo entender. Aquí no se busca la belleza,
se busca el lenguaje propio y autónomo de la
pintura.

Fábrica en horta de ebro (1909) hay arboles.

Bidimensionalidad. Se ve un gran
cubo, pero no hay ningún elemento
accesorio, literario y descriptivo.
Profundiza más que cezanne porque
este no va a abolir completamente
la tercera dimensión. La aproxima.

En los músicos de 1921 se ve que


ahora busca un cubismo sintetico.

Penso que es conveniente dentro


del cubismo elaborar un cubismo
sintetico. Este cubismo sintetico
significo recuperar el color. Ya habia
elaborado la forma. Ahora se
trataba de elaborar el color.

Esto no se aprende mirandolo, hay


que recuperar un esdfuerzo
intelectual detrás.

En 1913, es una fecha importante


porque cuando picasso las personas
que la vieron en su taller no
entendieron nada. Tanto asi que

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picasso considero que no era bueno que mostrata esta obra, pues si los propios
artistas no entendieron la obra ¿Qué iba a hacer el publico?

Picasso asumio el riesgo de ser distinto, el riesgo de lo que significaba. Picasso esta
consciente de los riesgos que asume con estas obras.

El quedo con la bala pasada frente a lo que estaba haciendo: el público no


entiende lo que hago, que puedo hacer para que el público me entienda.

Se plantea: ¿el publico esta acostumbrado a ver lo que conoce. Conoce lo que
esta afuera. Lo que el hara es mostrar algo que conocen, que no voy a pintar sino
que les voy a proponer un objeto, un letrero. En un programa musical y lo voy a
pegar.

El collage es una invención


picasseana, tanto de el como
de breton. Son papeles o cosas
pegadas a la tela
Para eso se necesita una tijera y
un pegamento y por tanto
recorto y lo pego a la tela.
Convive con elementos
planisticos que forman parte de
una fragmentada guitarra.

O en guitarra: de 1913. Esta la


insinuación de la guitarra entre
los dos generos, luego sobre la
guitarra esta la continuación y
luego esta el papel dibujado. No
viene desde el exterior, sino que
el dibuja cualquier cosa y la
pega.

Guernica 1937. Mirada mucho mas experimental y observadora. Aquí entra a un


tema que dice relación directa con una contingencia histórica. La guerra civil
española entre 1936 y 1939. Significo un combate entre españoles. Estalla una
central hidroeléctrica. Llegue el general franco, se reúne la gente del pueblo y el
alcade tiene que hablar: don Claudio, ciudadano, amigos estamos muy
agradecidos por esta central que nos ha entregado para beneficio de nuestro
pueblo. Estamos muy contentos.

Porque me dice Claudio. Porque como no tenemos confianza no le puedo decir


claudillo. Ríe conmigo.

Para Alemania, la guerra civil española fue un entrenamiento para ver su


capacidad belica. Los aviones alemanes bombardean la ciudad de Guernica.

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Desde siempre, este fue un símbolo de los derechos del pueblo español. Siempre
había una ceremonia, donde se renovaban los votos de la libertad y derechos que
tenían los ciudadanos.

España estaba comenzando a organizar una muestra de arte en parís. Una muestra
internacional en la cual se le pide a Picasso que haga un cuadro para exponerlo.

Picasso durante mayo y junio de 1937, cuando todavía estaba gobernada por los
republicanos comienza un trabajo de dos meses para hacer este cuadro. En este
cuadro hay una serie de figuras.

Parte con una mujer con su niño muerto en brazo, siguiendo con el soldado muerto
descuartizado y con una flor en la empuñadora, un caballo que tiene una especie
de lengua como puñal, filoso y dos ojos que son dos remaches. Luego nos
trasladamos a estas figuras que huyen de la destrucción que se produce. Luego
una cabeza que surge de la nada. Y luego una mujer con dos ojos de lagrimas que
esta en un espacio con un tremendo incendio.

Luego esta el toro. El pájaro sosteniendo el último trino. Hecho en blanco y negro.
Es el mejor que ha logrado expresar el acontecimiento de la muerte. El único
personaje que aparece distinto al resto y ávido es la cabeza de toro que tiene una
torsión tremenda, pues su cola es una llama, más que una cola normal. En cambio,
el caballo muestra metafóricamente la angustia del ser humano, tiene una lanza
atravesada sobre su lomo, relinchando. Entre el ser humano y el ser animal, el único
que parece estar fuera de este mundo es el toro. Un personaje permanente en las
sombras de Picasso, el símbolo de la virilidad masculina. Todo lo demás es la muerte.
Este cuadro tiene 7 metros de largo

La bidimensionalidad sigue manifestándose, el cuerpo esta aplanado. No ha


renunciado a la conquista que hizo respecto a la bidimensionalidad. Esta pintura
tiene antecedentes. En 1939 comienza la segunda guerra mundial y los alemanes
rápidamente invaden Francia. “ustedes lo hicieron”.

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En minotauromaquia de 1935:
Aquí hay un caballo que se esta
desvaneciendo. Esta mirada
desde la altura. Corre la cabeza
del toro y la coloca arriba a la
izquierda. Alguno de esos
personajes.

Mujer que llora de 1937

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Paréntesis (el grito)

El grito de 1893 de Edvard Munch.

Es bastante anterior al Guernica,


pero por distintos motivos algunos
artistas sienten la necesidad de
expresar la angustia, y la dolencia.
Aparece este primer personaje
llamado el grito en primer plano
con la boca abierta. Con un fondo
muy tormentoso y detrás unos
personajes que se alejan. Aquí hay
una perspectiva. Lo que se quiere
decir es que en la trayectoria del
arte el expresionismo es un periodo
permanente. Mientras exista el
dolor el artista no va a dejar de
aludir a la condición humana.

Olga en el sofá de 1917 de Picasso.

En la vida de Picasso hubieron muchas


mujeres. Olga fue una de las primeras. Se
evade del cubismo para plantear una suerte
de felicidad, de alegría al mas puro estilo
representacioncita. Hay un fondo neutro y no
hay perspectiva, pero la figura de la mujer esta
dentro del sistema de pintura tradicional.
Luego un estadillo de formas vegetales
alrededor de su cuerpo.

Picasso tiene una faceta que se representa en


diversas.

Luego esta maya y la muñeca de 1938. Aquí


Picasso es el artista enternecedor, cariñoso,
acogedor, paterno. Cosas bien raras pues fue
un padre ausente. Intenta la simultaneidad de
la mirada. Es decir, observar una figura, un
cuerpo un objeto desde distintos puntos de

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vista. Si se fijan bien vemos dos posiciones
de la cabeza mirando en distintas
dimensiones pero que el autor la sitúa en
la misma forma. Es la misma cabeza,
pero desde dos puntos de vista distintos.

Intenta juntar varios puntos de vista al


mismo tiempo. Por eso aparece pintado
de perfil. En la niña hay dos narices. Lo
mismo pasa un poco con el niño que
esta en sus brazos. Se crean muchos
puntos de vista, es la idea de la multi
diversidad en los puntos de vista.

Madre e Hijo 1922: hay un acercamiento al arte clásico griego. De la concepción


que tenían estos del cuerpo femenino. Es un explorador tanto e la historia del arte
como de la condición humana.

Así como el erotismo: inserte al minotauro violador. Virilidad, fuerza humana y deseo
sexual. El minotauro es esta especie de toro con cuerpo humano y que tenían que
pagar tributo a los griegos entregando a mujeres para saciar su necesidad sexual
potente.

Escena báquica cono minotauro


1933 y Cabeza de Toro en 1942.

Recuerda a Duchamp, pues la cabeza es en realidad el sillín de la bicicleta y los


dos cachos es el manubrio. En verdad es un collage escultórico. No es una pintura,
es un objeto que en el sillín y el manubrio. Con estos dos elementos ensamblados
crea un volumen escultórico. Tiene ese resultado. Es increíble.

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La Cabra de 1951 es una escultura
hecha en cobre.

Mientras trabaja con el yeso para


hacer el estomago toma un canasto
y lo implanta en el yeso, lo mete
dentro del cuerpo. Es el producto de
ese canasto embutido en el cuerpo
de la cabra.

Pasemos a un movimiento paralelo


al cubismo llamado el futurismo

Futurismo

Uno de los acontecimientos que provoca cambios fundamentales en la sociedad


es la revolución industrial. Esta significó la incorporación de la maquina a las labores,
al trabajo humano. Las primeras maquinas son maquinas a vapor. Como esta
antigua locomotora a vapor impulsada por la energía del carbón.

Implica que las distancias se acortan: la creación del barco. Hay un cambio
notable de lo que va a ocurrir.

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Tenemos la obra de Russolo “La revuelta” de 1911.El barco a vapor, después a
petróleo hacia posible estar en un lugar x a los pocos días. Los artistas sienten este
cambio que se da en la conducta y comportamiento humano. No es que la luz del
sol cae sobre los cuerpos, sino que es la velocidad como fenómeno fundamental
en un comportamiento nuevo de los seres humanos.

En esta obra, no es la revuelta en sentido de revolución, sino que en el sentido del


cambio provocado por la industria y la fabrica.

Fue tan fuerte esto que estos artistas del futurismo sacaron un manifiesto en el cual
ellos mencionaban porque estaban metidos en este campo, en este mundo de la
velocidad y movimiento. El les decía. Mas bella que la victoria de samotracia es un
automóvil de carreras.

Tenían la idea de que el pasado no había que repetirlo. Era totalmente anti
tradicionalista. No cabe duda el antecedente de Duchamp con el desnudo
bajando la escalera.

Ahora, visión simultanea de


1911 por Boccioni

Es como l huella que queda


del vehículo. De todos
estos movimientos, no hay
duda de que el futurismo
fue el movimiento más anti
tradicionalista. Ellos
sintieron que estaban
viviendo un mundo nuevo
y sentían que tenían que
dejar detrás un mundo
antiguo. Perder la
memoria del pasado

Para ellos el gran lema era


la novedad. Que no
recordara para nada el
pasado. La moda es una
clara señal de la
obsolescencia que sufren
las cosas de la realidad y
por ende hay que
remplazarlo. Se busca un cambio para el desarrollo del diseño. No se encuentra
estancado. Al fondo hay un bosque, después dos edificios altos, luego una zona
que cae en profundidad con escultura.

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1913: forma única de continuidad en el
espacio. La idea es inmovilizar, pero la
pretensión es dar la impresión de que se
esta moviendo. Es como una figura alada.
Entonces sugiere esa idea de movilidad
retenida, o mejor dicho de movilidad
virtual. La idea de movilidad.

Giacomo Balla diamismo de un perro con collar 1912. Aparenta la velocidad de


la caminata.

Una niña corre por el balcón 1912.


Puede ser de balla. Nos ecuerda el
desnudo bajando la escalera.
Ahora, volvamos un poco atrás. El
artista del futurismo ha roto con la
idea de la realidad, con la
mimesias.

En algunos casos aparece algo que


uno podría asemejar a la
locomotora. Las formas de la
realidad al desplazarse van
invisibilizando la estructura real de
las cosas. Esto las formas ya no
tienen formas reales del perro pero
todavia hay un vislumbre. Es casi
puntillsita, pueros puntitos azules que
van creando continuidad.

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La tendencia es a la abstracción, por ejemplo: la invención de la abstracción balla.

Hay una sugerencia de movilidad dada sobretodo por las líneas, por las curvas, por
las diagonales. No se advierte que sea una pintura estática sino que esta construida
para sugerir la movilidad.

Escultura

Rodin. El inventor de la cultura moderna. Esto es Balzac. El circulo literario de


escritores franceses le encarga a Rodin que haga una escultura de Balzac. Ante la
sorpresa de todos los representantes del circulo literario francés el lleva una
maqueta en arcilla y se la muestra. El muestra la realidad. Ese es Balzac aunque no
les guste su pancita.

Balzac, pero vestido. Ahí si les encanto a los escritores. Incluso esta en una plaza en
parís. Es interesante pues mas que mal estos gallos son escritores, sin embargo. En
materia de pintura tenían una mirada terriblemente conservadora.

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