Preguntas de Estética

Luis Alfredo Gutierrez Leiva

19 DE FEBRERO DE 2019
UNIVERSIDAD TECNOLOGICA DE PEREIRA
 Preguntas de Estética

1. ¿Qué significa para un artista permanecer en la historia?

Creo que es póstumo decir desde un punto de vista más personal, que
dentro de los anales de la historia, la humanidad tiende a tener la necesidad
de representar todo lo que lo rodea o su realidad de alguna manera, y esta
realidad se hace presente, con el pasar de los años, la humanidad encontró
la forma de etiquetar su arte y de dedicarse a este de forma que , quieren
darle mucho mas realce a su que hacer artístico, sea pintura, escultura,
grabado, la herramienta no es un factor que sea constante, dado que la
expresión se adecua de acuerdo al “artista”, y lo digo de esta manera al
entender que todos tenemos esa capacidad de representar nuestra
realidad, pero el artista intenta poner al limite sus capacidades de
expresión y de mejorar una tecnica que le permita llevar este mensaje de
manera más póstuma posible, un ejemplo como Auguste Rodin, este
represento su realidad y rompió los canones del siglo XIX desde su estética
casi mitológica, en pro de la representación anatómica, este de alguna
manera quería resaltar esa belleza que se vio perdida durante el
renacimiento, se definía como “una imitación selectiva y palpable de la
naturaleza”. Cuando Rodin murió, el concepto de escultura había sido
redefinido como «algo que imita la vida a través de la amplificación y
exageración del todo», con esto anterior integraría que el artista siempre a
querido permanecer en la historia por la necesidad individual de mostrar
lo que su mundo integra, ese universo que este vive en cada acción, en cada
obra, es una necesidad de resaltar en su época y quedar como un símbolo
casi representativo o incluso insuperable, es algo así como esa búsqueda
de paralelos, es necesario incluso utilizar a miguel ángel como una
comparación para Rodin, los dos son maestros de su tecnica, pero cada
uno es un representante de su historia, y estos pasan a ser simbolos tanto
de admiración como de superación, o solo como bases que permiten
entender nuevas perspectivas, creo que el artista más que de quedar como
el mejor haciendo algo, es la muestra de que no hay límite para la expresión
artística, es la capacidad de poder ir mas allá, de sintetizar un instante en
cualquier elemento y hacerlo posible para que todos puedan conocerlo,
admirarlo y utilizarlo para entender mejor su arte, ver esas dimensiones que
nos han unido con el pasar de las épocas.
 2. ¿Cuál es la diferencia entre la historia y la posthistoria?
Como se sabe de alguna manera La Historia estudia los hechos o fenómenos de
todo tipo y su duración trascendentes de la humanidad, en todas sus expresiones,
tanto sincrónicas es decir hechos de la misma época, como diacrónicas que son
sus antecedentes y causas, y sus consecuencias; está presente para darnos una
idea de cómo la perspectiva de cada época y de como ocurrieron diferentes
momentos por medio de una interconexión de muchos eventos presentes en el
desarrollo humano.
“En la dialéctica histórica, toda obra integra su prehistoria junto a su
posthistoria; y una posthistoria en virtud de la cual su prehistoria se vuelve
cognoscible en tanto implicada en un cambio constante. Pues las obras enseñan
cómo su función es capaz de sobrevivir a su creador, de dejar atrás sus
intenciones; cómo la recepción por sus contemporáneos es un componente del
efecto que la obra de arte hoy provoca aún sobre nosotros, y cómo dicho efecto
se basa en el encuentro no sólo con ella, sino también con la historia que la ha
hecho llegar a nuestros días.” Eduard Fuchs
La post historia asume la tarea de explicar aspectos claves de la humanidad,
productora de efectos sobre su entorno mental o cognitivo, cultural, social y
natural. Esta de alguna manera no existiría por fuera de la historia, dado que
esta sucede de forma presente en nuestros días, la posthistoria es como es
punto en donde todo el amalgamado de épocas se reúnen y permiten crear un
matiz nuevo y nace de ellas un capítulo que es así como una versión pulida de
muchas vivencias históricas, lo que de alguna manera si siento es que esta post
historia representa el fin de la historia anterior, es como si esta se encapsulara y
diera paso a un reinicio general, dado que siento que lo que tenia que pasar en
esas épocas son de alguna manera ese causante, esa reacción en cadena que
permitió el nacimiento y madurez de esta época actual, esta posthistoria, va más
allá, pero nunca sin desligarse de esa historia siempre latente en todo lo que
nos rodea, porque aun así esta se hace presente, en objetos, acciones y formas
de ver el mundo que aun perduran y esto permite el realce de muchos matices.
la posthistoria según Arthur Danto es el estado al que llega el arte al cabo de
siglos de sucesivos paradigmas veían como universales un ejemplo claro seria la
mimesis, y sobre todo al cabo de años de movimientos artísticos que
reclamaban para sí el acceso exclusivo al verdadero arte, como una clase de
elitismo siempre en la búsqueda de hallar esa esencia propia , identificándola
siempre con un determinado contenido o modo de expresión, y después de esta
época que es alrededor de los años 60 y en ese auto descubrimiento por fuera
del canon, nace de alguna manera esa posthistoria. El arte posthistórico hace
referencia también a una serie de limitaciones a las que sigue sujeto el arte, aún
en nuestros tiempos. en El Abuso de la Belleza: “Sigue siendo cierto que las obras
de arte constituyen un conjunto restringido de objetos”, “La clase de las obras de
arte es simplemente ilimitada, en cuanto unos medios pueden sumarse a otros, y
el arte no está restringido por nada, salvo las leyes de la naturaleza en una
dirección, y las leyes morales en la otra”.
 3. ¿El arte es voluntad del artista frente a contenidos
posthistóricos, recreación, apropiación creación?
El artista de alguna manera solo se encarga de llevar a cabo de alguna manera
una interpretación, su voluntad es buscar esa manera mas efectiva para llevar
ese mensaje, ya sea, político, cultural o personal, el arte posthistórico se basa
principalmente de la unión de diferentes etapas del arte y verlas en un proceso
tanto de retroalimentación como de apropiación con la cual permite recrear o
crear un arte mas dinámico.
una de las características que definen de alguna manera el arte contemporáneo
es que tiene todas las obras de las épocas pasadas a su disposición para hacer
con ellas lo que le plazca. Y de ahí nace el rol que cumple la apropiación en
nuestra era, la principal contribución artística de la década del 1970, inicio de la
posthistoria donde aparece la imagen ‘apropiada’; imágenes con significado e
identidad establecidos y otorgarles un nuevo significado o identidad. Es por esto
que “Cualquier cosa que se hubiera hecho antes, se podría hacer ahora y ser un
ejemplo de arte posthistórico”, se entiende que una de las expresiones artísticas
posthistóricas más representativas en este caso es el collage o el cadáver
exquisito, mediante el cual se retoman obras pasadas y se las resignifica de
acuerdo con el contexto presente o el mensaje que se desea transmitir.
 4. ¿Que significa el lienzo en blanco? El fin del arte, el inicio del arte
conceptual, la muerte de la pintura

• El lienzo en blanco:
El lienzo vacío es algo que en realidad surge en los primeros experimentos se
remontan a finales del siglo XIX. Iniciado por el grupo de artistas franceses
conocidos como “Los Incoherentes”, estos estaban desafiando a la tradición
artística académica a través de todo tipo de incoherencias y un sentido del humor
innecesario irreverente e irracional. En 1883 organizaron en París su primera
exposición titulada Una exposición de dibujos por gente que no sabe dibujar. En
esta había una colección de pinturas monocromáticas titulada Álbum Primo‒
Avrilesque El lienzo completamente blanco es obra de Alphonse Allais y se titula
“Primera comunión de jovencitas anémicas en la nieve.”
el suprematismo, presentado en su manifiesto que realizó él mismo junto al poeta
Maiakovski. En esta se muestra el Cuadro Negro sobre negro. El suprematismo
reduce los elementos pictóricos a lo esencial, la mínima expresión, y desarrolla un
nuevo lenguaje basado en la “abstracción geométrica”. En 1918 elabora su cuadro
vacío titulado Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Con él Malévich cumple uno
de los objetivos del suprematismo: llegar a la abstracción total. Después de ese
período Malévich sintió que no podía llevar su investigación más lejos y decidió
abandonar la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura, esto
demuestra de manera bastante curiosa que esto no es mas que una burla a la
escuela, a la necesidad de causar revuelo y romper con el sincretismo que ha
nacido, la abtraccion no esta mal pero el sentido de buscar que todo se vuelva
un vacío absoluto e incluso llegar a ser invisible, y llenar paginas y paginas de un
contexto innecesario no es más que la búsqueda de fama o de simplemente
esconder su falencia en el uso de la tecnica, que de alguna manera es fácil de ver
al momento de entender su búsqueda por algo de este estilo, no es mas que un
disparo al corazón, un daño innecesario que le quita valor y fiabilidad al arte, y
más el arte académico que no deja de estar presente.
 • El fin del arte:
Cabe enfatizar una vez más que no se trata aquí de “la muerte del arte”, ni de su
agotamiento interno, al contrario, se seguirán produciendo aún más obras y
habrá artistas que aumenten considerablemente su producción. La diferencia es
que en comparación con antaño, no se llevara a cabo ya un relato que se vaya de
acuerdo a la sublimidad o al estado más intrínseco de la obra, Danto resalta que
“Mi opinión no era que no debía haber más arte (lo que realmente implica la
palabra ‘muerte’), dado que cualquier nuevo arte no podría sustentar un relato
en el que pudiera ser considerado como su etapa siguiente o como si este se
mantuviera estático y evolucionara a su propio ritmo . Lo que había llegado a su
fin era ese relato, sino que juega con la búsqueda de una profundidad que a mi
parecer no tiene ningún sentido es casi como una treta que engaña los valores
necesarios de las obras, dado que estas requieren de un estado de sensaciones
que ayudan a que la obra tenga ese aire propio por fuera del contexto; y se hace
necesario aclarar que no estamos ante una novedad exclusiva del arte: este
camino a la posthistoria se enfrasca en el contexto del fin de las grandes obras;
que se da a escala más amplia en el mundo de las humanidades. Y todo se
convirtió en un estado de producción en masa y de como la copia y la línea de
producción se vuelven el común denominador del arte, y eso de alguna manera
deteriora por completo el valor del arte y lo incita a entrar en crisis.

• El inicio del arte conceptual.

A partir del siglo XIX, corrientes como el impresionismo renuncia a la idea y se

centraron en lo expresivo o lo formal, buena parte del arte posterior se
caracterizó por ser muy formalista. Lo cual causo un punto decadente con el
expresionismo abstracto. Todo era forma y nada de contenido, y nace ese
contexto en donde se abstrae completamente la obra y se llega a “ser un objeto.”

en Estados Unidos lugar sí que saben vender un producto y que pueden integrar
diferentes discursos para aumentar su valor, y por supuesto en la vieja Europa,
pues en Francia e Italia algo sabían de arte. Diferentes lugares y diferentes
contextos, pero en todos ellos va naciendo un tipo de arte que elimina toda
referencia al objeto, y se centra en la idea o concepto como el aspecto más
importante de la obra. la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido
por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente
heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol
LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados
en 1967 y 1969. En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización
material de la obra, y el mismo proceso (notas, bocetos, maquetas, diálogos) al
tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto
para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Gracias a estas ideas es que
cualquier objeto o cosa puede verse como arte y eso de alguna manera deterioro
del sentido del arte y las obras, y naciendo el “cualquiera puede ser artista”
 • La muerte de la pintura
Dentro de un punto de vista objetivo la aparición de la fotografía a mediados del
siglo pasado revoluciona la iconografía del siglo XX. Y basado en un inicio con la
cámara oscura, y esta dio un avance considerable por encima de las demás artes
como es el caso del cine, pero en si es necesario resaltar valga que hoy en día se
puede pintar un retrato sin la presencia del modelo y un paisaje sin salir al campo,
se convirtió en parte de una herramienta esencial, Esto ya lo intuyó Ingres cuando
empezó a utilizar las fotos de Nadar para realizar sus cuadros. También por parte
de los fotógrafos artísticos, como Demachy o Tournachon, se intentaba emular el
dibujo y la pintura, siendo además de eso parte del proceso artístico de muchos
actualmente
Pero hay que resaltar los fotógrafos se dieron cuenta que la imitación de la
pintura no era el camino a seguir, al mismo tiempo que los pintores de principios
de siglo inician una ruptura de estilo con la tradición clásica y realista, causando
un desnivel en el orden que había de este medio como es la pintura. De este modo,
los impresionistas exponen por primera vez, provocando un gran revuelo en el
mundo del arte en 1874, en 1908 enseña las obras de Matisse y, posteriormente, las
de Rodin. Junto con otro fotógrafo,
Curiosamente, casi en el mismo momento en que aparece la fotografía se produce
la revolución del arte moderno, surge el abstracto, dado que de alguna manera
la fotografía más allá de un elemento, es un tipo de arte que permite convertir la
realidad que se plasma en un instante, casi eterno o etéreo o instantáneo, el
poder intervenirla, e incluso crear un imaginario, dado que la cámara más allá de
ser el objeto que permite hacer las fotografías, es como esa ventana que permite
ver los ojos de los fotógrafos su “realidad”
a fotografía comenzó a utilizarse como base para representarse sobre lienzo lo
que fue duramente criticado. Más tarde la fotografía sería descalificada como
arte por pensadores debido a su ejecución a través de instrumentos mecánicos,
en tanto que la pintura cedía gran parte de sus dominios para dedicarse a
confrontar aquellos aspectos de la realidad que no podían registrarse con la
cámara, iniciando así evolución que culminaría en la abstracción y el
conceptualismo, que desde mi punto de vista no fue una evolución favorable para
la pintura dado que se pierde por completo su esencia. En estos tiempos de
posmodernidad, cuando el énfasis artístico ha variado de la producción a la
reproducción, y cuando muchas obras de arte se apoyan en un imaginario
existente y convencional, las relaciones entre la pintura y la fotografía han
tomado un rumbo aún más paradójicos, a veces eliminando barreras, o en otras
ocasiones causándolas, pero en esta constante evolución se hace necesaria la
integración de todas estas dinámicas.
 Conclusiones

Siento que en este constante proceso de evolución artística y donde todos los
medios visuales, y las dinámicas actuales, permiten un crecimiento bastante
acelerado de las artes en mucho ámbitos que en momentos anteriores no se
veían, las artes están de manera casi indispensable, en el cine, la televisión, las
grandes publicidades e incluso en el mundo de la tecnología y la vida digital , se
ha entrado en apogeo donde todos pueden mostrar e interactuar en diferentes
formatos y situaciones, pero al igual que este apogeo existe una decadencia que
fragmenta el aura o la intención mas pura del arte, el arte a cambiado mucho
su discurso y con este su rumbo en la historia siendo necesario incluso regresar
a integrar puntos clave de épocas anteriores que le dieron vida a el arte como lo
conocemos, una nueva forma, algo que exalte el avasallado nombre de las artes
y las humanidades.